Русские художники
Содержание
1. Иван Петрович Аргунов
2. Михаил Иванович Махаев
3. «Грачи прилетели» А.К. Саврасова
4. А.К. Саврасов «Распутица»
5. Иван Николаевич Крамской
6. Иван Константинович Айвазовский
7. Рисунки Алексея Ильича Кравченко
8. Рисунки Ильи Ефимовича Репина
9. Михаил Васильевич Нестеров
10. Савва Иванович Мамонтов и художники
11. Из книги Г.К. Савицкого «Молодым художникам о мастерстве»
---
1. Иван Петрович Аргунов
Начало русской школы портрета было положено в XVII веке. Но только через сто лет, с ростом понимания ценности и достоинства человеческой личности, она приобрела многогранность и глубину. Уже тогда русские мастера создавали шедевры, вошедшие в сокровищницу мирового искусства.
И в этом огромная заслуга Ивана Петровича Аргунова – крепостного художника графов Шереметевых. Его творческая деятельность началась на рубеже 1740-1750-х годов, когда в России складывалась реалистическая школа портрета. Аргунов прошёл путь от декоративного стиля рококо до глубоко самобытной живописи, исполненной веры в достоинство человека.
Талант художника признавали не только его владельцы. Портрет Екатерины II, написанный Аргуновым «наизусть», получил одобрение самой императрицы. Она отметила, что «в работе и идея хороша, также и в лице сходство есть», и выразила желание позировать художнику. Признанием его заслуг стал и указ императрицы Елизаветы Петровны, отправившей трёх мальчиков из придворного хора – будущих известных живописцев А.П. Лосенко, К.И. Головачевского и И.С. Саблукова – учиться именно к Аргунову.
Однако подневольное положение крепостного сказывалось на его творчестве. Жизнь художника принадлежала барину, который часто отвлекал его хозяйственными заботами. Почти за 50 лет работы Аргунов написал немногим более 50 портретов.
И.П. Аргунов родился в 1729 году. Его семья принадлежала к лучшей части крепостной интеллигенции. Его двоюродными братьями были архитектор Ф.С. Аргунов (строитель усадьбы «Кусково») и живописец Ф.Л. Аргунов. Дети самого Ивана Петровича также продолжили семейную традицию: Павел Иванович стал известным архитектором, строителем Останкинского дворца, а Николай Иванович – живописцем, автором портретов Параши Жемчуговой.
Рано осиротев, Иван воспитывался у дяди, который, заметив талант племянника, устроил его учиться к модному портретисту Г.Х. Гроту. У Грота Аргунов усвоил мастерство декоративной живописи, изысканность цветовых сочетаний и тщательность отделки.
Среди его ранних работ – «Умирающая Клеопатра», написанная под влиянием западноевропейских мастеров. В том же 1750 году он пишет портреты князя И.И. Лобанова-Ростовского и его жены, пока ещё следуя академическим канонам. Но в выражении глаз его моделей уже появляется теплота, свойственная зрелому Аргунову.
В конце 1750-х годов талант художника набирает силу, совпадая с расцветом духовной жизни России. В искусство приходят идеи просветительства, и интимный портрет, раскрывающий внутренний мир человека, становится важнее парадного. Вершиной творчества Аргунова стали именно интимные портреты, полные правдивости, душевности и поэтичности. Таковы парные портреты четы Хрипуновых. Скромно одетые люди, изображенные с книгами, привлекают умным выражением лиц и внутренним достоинством. Аргунов открывает новые возможности портрета, предвосхищая искусство Ф.С. Рокотова.
Много работал Аргунов и над созданием семейных галерей для Шереметевых, часто копируя старые портреты. К числу лучших работ этого периода относятся портреты самого графа П.Б. Шереметева (несколько идеализированный, но эффектный), его дочери Варвары (с удивительной чуткостью передающий очарование юности) и калмычки Аннушки. В портрете Аннушки художник, утверждая право человека на уважение вне зависимости от сословия, с огромной симпатией передает чистоту и наивность ребенка.
Вершиной творчества Аргунова стал портрет «Неизвестной в русском костюме» (1784). В образе простой крестьянки, одетой в праздничный сарафан и кокошник, художник воплотил идеал душевной гармонии, чистоты и достоинства. Строгость классицизма здесь служит выражению духовной цельности человеческой личности — идеи, витавшей в воздухе эпохи. К этому же времени относятся и сдержанные, полные доброжелательности портреты Ветошниковых.
Последнее десятилетие жизни Аргунов не брал в руки кисть, занимаясь хозяйственными делами для нового хозяина Н.П. Шереметева. Умер Иван Петрович Аргунов в начале 1802 года. Благодаря современным исследованиям, был идентифицирован его автопортрет — овальный «Портрет неизвестного» из Русского музея, на котором изображён ещё молодой, полный сил мастер.
Крепостной художник, Аргунов не имел той широкой деятельности, как его знаменитые современники. Но его лучшие портреты могут быть поставлены в один ряд с работами Рокотова, Левицкого и Боровиковского. Вклад Аргунова в сокровищницу отечественного искусства значителен, а своеобразие его таланта помогает глубже понять многогранность русской портретной школы.
---
2. Михаил Иванович Махаев
В 1753 году, к пятидесятилетию Санкт-Петербурга, был выпущен альбом с изображением «знатнейших перспектив» города. Виды северной столицы для этого альбома исполнил русский рисовальщик и гравёр М.И. Махаев, создав подлинный гимн новому городу.
Михаил Иванович Махаев родился в 1718 году. Обучался в Адмиралтейской академии, а в 1731 году был переведён в инструментальную мастерскую при Академии наук. Там он осваивал изготовление теодолитов и других инструментов, но вскоре перешёл в ландкартно-словорезную палату, где и проработал 35 лет. Всю жизнь его преследовала нужда, о чём свидетельствуют его многочисленные челобитные о прибавке жалованья, но это не мешало его упорному труду.
Изобразительная летопись Петербурга, начатая гравюрами П. Пикарта и А. Зубова, достигла расцвета в рисунках Махаева. Он создал новый художественный образ столицы. Сохраняя документальность, его «проспекты» (виды) приобретают черты пейзажа, наполненного личным отношением художника к городу.
Махаев мастерски владел перспективой. В отличие от фронтальных видов Зубова, он часто рисует здания с угла, придавая им большую пространственность и правдоподобие. Он смело смещает точку схода, допускает асимметрию в расположении архитектурных масс, больше места отводит небу, стараясь передать воздушную среду.
Альбом 1753 года позволяет совершить прогулку по тогдашнему Петербургу. Центральное место занимает Нева с множеством кораблей и лодок. Набережные оживлены жанровыми сценками: здесь и кареты вельмож, и марширующие солдаты, и спешащие по делам горожане. Этот стаффаж не только оживляет виды, но и помогает передать масштаб и назначение зданий.
Махаев запечатлел облик многих не сохранившихся или перестроенных зданий — Летний дворец, первоначальный вид Адмиралтейства, Кунсткамеры, Гостиного двора на Васильевском острове. В 1750-х годах он также создал виды Каменного острова, Царского Села, Петергофа и Ораниенбаума, с документальной точностью передавая архитектурные ансамбли загородных резиденций.
В 1760-х годах Махаев работал над серией видов для календаря великого князя Павла Петровича, а в 1763 году был командирован в Москву для создания проспектов к коронационному альбому Екатерины II. В Москве он столкнулся с другой, более прихотливой архитектурной средой, и его виды Кремля и триумфальных арок стали важным шагом на пути от «проспекта» к городскому пейзажу.
Последней большой работой Махаева стало руководство по созданию альбома видов усадьбы Кусково. Он выступает уже не как исполнитель, а как опытный наставник для группы русских рисовальщиков.
Умер Михаил Иванович Махаев в 1770 году в бедности, оставив семью в тяжёлом положении. Несмотря на материальные трудности, он создал замечательные произведения, став ведущим мастером архитектурного пейзажа середины XVIII века. Его «проспекты» Петербурга — это не просто статичные виды, а полные жизни и движения поэтические образы города, в которых мастер сумел передать «биение пульса российской столицы».
---
3. «Грачи прилетели» А.К. Саврасова
И.Э. Грабарь во «Введении в историю русского искусства» писал, что с картин Саврасова «Грачи прилетели» и Поленова «Московский дворик» «начинается новая эра в пейзаже».
Картина, несомненно, создавалась в мастерской на основе собранного на пленэре материала, о чём говорит сложная, многослойная техника живописи. В основе композиции — этюд, изображающий окраину провинциального городка с церковью. Однако в картине Саврасов значительно расширил пространство, введя дальние планы с полями и рекой, что придало пейзажу необходимую глубину. Подчёркнутая вертикальность этюда сменилась более гармоничным соотношением вертикалей и горизонталей.
Группировка берёз на переднем плане асимметрична, что создаёт ощущение хлопотливого движения грачей. Это движение уравновешивается стройной вертикалью колокольни и линией горизонта. Художник добивается удивительной слитности всех элементов пейзажа не только композиционно, но и с помощью света и цвета.
Саврасов отказался от яркого, солнечного колорита этюда в пользу сдержанной, но насыщенной светом гаммы тёплых серо-коричневых и холодных серо-голубых тонов. Это позволило ему передать едва уловимые признаки весны — талый снег, прозрачный воздух, влажный свет. Именно этот необычный «весенний свет» более всего поражал современников.
И.Н. Крамской в письме к Ф.А. Васильеву дал удивительно точную характеристику: «Пейзаж Саврасова «Грачи прилетели» есть лучший... Но всё это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в «Грачах». П.П. Чистяков также восхищался картиной, отмечая её «полное впечатление чистого художественного произведения».
Новизна мотива, лирическое переживание природы, поэзия в повседневном — всё это делало открытие Саврасова важным этапом для развития всего русского искусства.
---
4. А.К. Саврасов «Распутица»
Жизнь в деревне Покровское-Фили позволила Саврасову особенно остро чувствовать перемены в природе. Картина «Распутица» (частное собрание) стала одной из последних вспышек его живописного мастерства.
Обычный деревенский пейзаж с раскисшей дорогой, залитой талой водой, берёзовым лесом и храмом вдали наполнен ощущением весеннего обновления. Серо-голубая гамма картины строится на множестве тонких оттенков: от сероватого и бледно-палевый до ярких голубых теней. Художник смело использует почти чёрные полосы оттаявшей земли, создавая напряжённые цветовые акценты. В этой будничной картине распутицы он показывает волнующую прелесть предвесеннего состояния.
Композиция строится от крупноплановых деревьев и дороги к дальним планам с мягко тающим в дымке силуэтом храма. И в этой работе Саврасов остается верен себе, умея увидеть поэзию там, где для других лишь повседневная скука.
---
5. Иван Николаевич Крамской
Портретная галерея и служение народу
В 1870 году вятский губернатор сообщал в Петербург о посылке с портретами Д.И. Писарева. Эта история приоткрывает нам важную грань деятельности И.Н. Крамского — его связь с демократическим движением. Портрет знаменитого публициста был заказан издателем Ф.Ф. Павленковым. Крамской, хорошо знакомый с Писаревым лично и разделявший его идеи, создал портрет не с натуры, а по фотографии, но сумел передать главное — ум, энергию и «боевую готовность» молодого мыслителя. Этот рисунок стал единственным живописным образом Писарева, созданным большим мастером.
Иван Николаевич Крамской с юности осознавал себя не только художником, но и гражданином. Он возглавил знаменитый «бунт четырнадцати» в 1863 году, когда выпускники Академии художеств отказались писать конкурсную программу на мифологический сюжет («Пир в Валгалле»), потребовав свободы выбора тем. Этот протест против академической рутины был продиктован желанием создавать искусство, близкое к жизни.
Выйдя из Академии, бунтари создали Санкт-Петербургскую артель художников, где царила атмосфера товарищества и творческих споров. Духовным лидером артели стал Крамской. Позже, в 1870 году, он стал одним из организаторов Товарищества передвижных художественных выставок, объединившего художников-реалистов.
Главной задачей передвижников стала пропаганда национального искусства, обращенного к народу. Крамской много работал в портретном жанре, стремясь раскрыть внутренний мир человека. Его крестьянские образы («Полесовщик», 1874; «Мина Моисеев», 1882) стали новым словом в живописи, показав в простых людях достоинство, ум и сложный характер.
Вершиной портретного творчества Крамского стал образ Л.Н. Толстого (1873), заказанный П.М. Третьяковым. В этой работе художник создал образ великого мыслителя, подчеркнув его простоту, мудрость и внутреннюю силу. Выразительны и другие портреты кисти Крамского: полный трагизма и силы духа «Некрасов в период «Последних песен» (1877) и пронзительный, строгий образ М.Е. Салтыкова-Щедрина (1879).
Тема нравственного выбора
Программным произведением Крамского стала картина «Христос в пустыне» (1872). Христос изображён в момент глубокого раздумья, выбора своего пути. Современники (В.М. Гаршин, И.А. Гончаров) увидели в нём не столько религиозный образ, сколько человека, полного «громадной нравственной силы» и решимости бороться со злом. Эта тема нравственного выбора была близка прогрессивной интеллигенции 1870-х годов.
Продолжением этой темы стал замысел картины «Хохот» («Радуйся, царю иудейский»), над которой Крамской работал много лет, но так и не закончил, стремясь к недостижимому совершенству.
В поздний период творчества Крамской создал ряд женских образов. Наибольшую известность получила загадочная «Неизвестная» (1883) — портрет-картина, сочетающая в себе представление художника об идеальной красоте с ощущением внутренней пустоты модели. Глубоким драматизмом проникнуто полотно «Неутешное горе» (1884), навеянное личной трагедией художника — смертью сына.
Крамской был неутомимым тружеником. Он умер 25 марта 1887 года за мольбертом, работая над портретом доктора Раухфуса. Его роль в истории русского искусства огромна: он был не только выдающимся портретистом, но и идейным вдохновителем целого поколения художников, «мастером, у которого училось целое поколение молодых дарований».
---
6. Иван Константинович Айвазовский
Иван Константинович Айвазовский — живописец моря, поэт морской стихии, оставивший огромное наследие — около 6000 произведений. Необыкновенная зрительная память и яркое воображение позволяли ему создавать на холсте грандиозные образы, полные романтического пафоса.
Айвазовский родился в 1817 году в Феодосии. Рано проявив дарование, он поступил в Академию художеств в класс М.Н. Воробьёва. Его талант быстро раскрылся, и в 1838 году он был направлен для работы в Крым, где сблизился с выдающимися флотоводцами М.П. Лазаревым, П.С. Нахимовым и В.А. Корниловым.
В 1840 году Айвазовский был командирован за границу, где его искусство получило европейское признание. Сам Уильям Тернер называл его гением. Вернувшись в 1844 году прославленным мастером, он получил звание академика и был назначен живописцем Главного Морского штаба.
Первая половина творчества Айвазовского отмечена романтическими тенденциями. Вершиной этого периода стала картина «Девятый вал» (1850). Несмотря на драматизм сюжета (борьба людей со стихией), картина пронизана светом и оптимизмом. Мажорная, яркая гамма звучит гимном мужеству человека.
В 1860-1870-е годы в творчестве Айвазовского усиливаются реалистические черты. Он пишет «голубые марины» — спокойное море в полуденный час, с прозрачным воздухом и сияющим светом. Вершиной реалистического периода стала картина «Чёрное море» (1881). По словам Крамского, это «одна из самых грандиозных картин, какие я только знаю». В ней художник создал величественный, синтезированный образ моря в серый ветреный день, полный скрытой мощи. В 1883 году он пишет полную динамики картину «Обвал скалы», а в 1890-х — цикл суровых и правдивых полотен («Прибой у Крымских берегов»).
До последних дней Айвазовский не терял творческой энергии. В возрасте 82 лет он написал монументальное полотно «Среди волн» (1898), которое стало итогом его творческих исканий.
На протяжении всей жизни Айвазовский был тесно связан с русским флотом, посвятив множество картин славным страницам его истории («Чесменский бой», «Синопский бой» и др.). Его искусство, основанное на искренней любви к морю и родной природе, подлинно народно и любимо многими поколениями зрителей.
---
7. Рисунки Алексея Ильича Кравченко
Алексей Ильич Кравченко — художник-романтик, фантаст и импровизатор. Его дар воображения, сравнимый с искусством Гофмана или пушкинского импровизатора, создаёт в графике особый мир, полный сильных чувств и тайн.
Рассматривая его наследие, важно разделять натурные рисунки и эскизы к гравюрам. Эскизы имеют иные задачи, они — отправная точка для будущих произведений. Натурные же рисунки Кравченко — самостоятельная и очень важная часть его творчества. В них художник удивительно правдив, достоверен и близок к натуре. Он словно проводит границу между миром реальным и миром фантазии, доверяя природе и изучая её.
Кравченко рисовал с натуры всю жизнь, увлечённо и много. Круг его интересов чётко определён: пейзаж, портрет, обнажённая натура. Характерно, что у него почти нет подготовительных штудий. Рисунок никогда не играл для него служебной роли, это был прежде всего способ познания мира и накопления впечатлений. Его цепкая память, как творческая кладовая, хранила эти впечатления, питая его фантастические иллюстрации.
Кравченко работал в разных техниках (тушь, уголь, сангина), но любимым материалом оставался карандаш. С помощью этого скромного инструмента он создавал эпические пейзажи, передавал бесконечность пространства и нежную красоту человеческого тела. Его язык прост и ясен, но карандаш, то мягко лепящий форму, то широкими штрихами передающий дали, был необычайно гибок.
В своем отношении к рисунку Кравченко был и традиционен, и современен. Он наследовал лучшие традиции русских реалистов XIX века, но его работы 1920-1930-х годов по своей лаконичности и остроте перекликаются с поисками советской графики. Он мог рисовать в импрессионистической манере, мог вскрывать конструкцию предмета, приближаясь к аналитическому искусству, но всегда возвращался к ясному, гармоничному, глубоко поэтическому восприятию природы.
В рисунках Кравченко перед зрителем предстаёт мир, соразмерный человеку, полный жизни и постоянно меняющийся. Будь то старинная архитектура, индустриальные пейзажи или лирические уголки природы — всё пронизано его искренним чувством и высоким мастерством.
---
8. Рисунки Ильи Ефимовича Репина
Графическое наследие И.Е. Репина огромно и составляет тысячи листов. Всю жизнь он не расставался с альбомом, фиксируя свои наблюдения везде: на улице, в гостях, на заседаниях. Сам художник скромно называл свои рисунки «подсобным материалом», но они являются свидетельством его колоссального труда и высочайшего мастерства.
В конце 1880-х годов Репин создаёт серию городских пейзажных рисунков («Невский проспект», «У Доминика»), в которых виртуозно передаёт световоздушную среду и движение.
Особую ценность представляют его натурные зарисовки Л.Н. Толстого, сделанные во время пребывания в Ясной Поляне. В рисунке «Л.Н. Толстой за работой» (1891) Репин мягким графитным карандашом на жёлтой бумаге с удивительной точностью передаёт состояние глубокой сосредоточенности писателя. Тончайшими штрихами смоделировано лицо и мощный лоб, в то время как интерьер намечен широкими, стремительными линиями. Это не просто рисунок, а глубокое психологическое исследование, ярко подтверждающее слова самого Репина о Толстом: «...после его, на первый взгляд, грубых простых черт все другие покажутся скучны».
---
9. Михаил Васильевич Нестеров
У истоков: «Христова невеста» и «Пустынник»
Диалог Нестерова и Врубеля в абрамцевском парке обнажает суть творческих исканий обоих. Для Нестерова его искусство выросло из личной трагедии — смерти горячо любимой жены Маши. Картина «Христова невеста» стала тем переломным моментом, после которого, по словам самого художника, появилось его собственное лицо. Образ русской женщины, тихой и печальной, пронёсшийся через всё его творчество, был навеян этой утратой.
Картина «Пустынник» (1889) поразила современников (в том числе Васнецова и Левитана) своей новизной. В ней художник впервые показал глубокое, неразрывное единство человека и русской природы. Образ старого монаха, написанный с натурщика отца Гордея, светится «бесконечной добротой» и умиротворением, которое он черпает в окружающем пейзаже.
«Видение отроку Варфоломею»
Шедевром Нестерова стала картина «Видение отроку Варфоломею» (1890). Идея возникла ещё в Италии, но место действия и настроение художник нашёл в Абрамцеве. Осенний пейзаж с его «умильной таинственной прелестью» идеально подошёл для воплощения духовного строя картины.
Поиски образа отрока были долгими. В деревенской девочке, болезненной, с большими удивлёнными глазами, Нестеров увидел тот «документ», который искал. Рисуя её, он напряжённо работал, вкладывая в этот образ свои грёзы. Работа над самой картиной шла самозабвенно, до полного изнеможения, и однажды он даже упал без чувств прямо на холст, повредив его. Картину пришлось переписывать.
Результат превзошёл ожидания. Простой крестьянский мальчик, застывший перед чудесным видением, слился с тихой русской природой в едином молитвенном порыве. Картина вызвала споры: Стасов видел в ней вредный мистицизм, но Третьяков, несмотря на уговоры, приобрёл её для своей галереи. Успех картины вдохновил Нестерова на создание целого цикла о Сергии Радонежском.
Портрет Толстого
Нестеров долго искал возможность написать портрет Л.Н. Толстого. Наконец, получив приглашение в Ясную Поляну, он создал образ, отличный от работ других художников. Он изобразил Толстого на фоне любимой им природы, в часы вечерней прогулки. Писатель стоит на балконе, погружённый в свои думы, мудрый и просветлённый. Это портрет человека, слитого с родной землёй, ощущающего себя её неотъемлемой частью.
---
10. Савва Иванович Мамонтов и художники
Савва Иванович Мамонтов (1841-1918), крупный промышленник и строитель железных дорог, вошёл в историю как выдающийся деятель русской культуры. Его дом в Москве и подмосковное имение Абрамцево стали центрами художественной жизни последней четверти XIX века. И. Грабарь называл его человеком с «ярким дарованием», а В. Стасов сравнивал с «пчелиной маткой», вокруг которой собирается «всякая трудовая пчела».
В 1870 году Мамонтов приобрёл усадьбу Абрамцево, ранее принадлежавшую писателю С.Т. Аксакову. Сюда, вдохновляемые особой творческой атмосферой и самим воздухом этих мест, стали приезжать художники. Сложился знаменитый «мамонтовский кружок».
Первое поколение кружка: Репин, Поленов, Васнецов
· И.Е. Репин был самым непостоянным, но одним из ключевых членов кружка. В Абрамцеве и его окрестностях он создал этюды к своим важнейшим картинам: «Крестный ход в Курской губернии», «Проводы новобранца», «Не ждали». Здесь же, под впечатлением от чтения пародии на письмо запорожцев, у него родился замысел знаменитых «Запорожцев». Репин писал Мамонтову: «Я люблю Вас... и бесконечно восхищаюсь Вашей талантливостью».
· В.Д. Поленов был, возможно, самой образованной фигурой в кружке. В Абрамцеве он написал свои известные пейзажи и работал над картиной «Христос и грешница». Поленов признавал огромное влияние Мамонтова на свою художественную деятельность и сам, в свою очередь, много сделал для формирования кружка, будучи профессором Московского училища живописи.
· В.М. Васнецов обрёл в лице Мамонтова главного покровителя и заказчика. Мамонтов купил его «Ковёр-самолёт» и «Три царевны», когда правление дороги отказалось от них, и заказал рисунки для альбома. Здесь, в Абрамцеве, слушая народные сказки, Васнецов задумал и начал писать «Алёнушку» (для которой позировала дочь Мамонтова Вера) и «Богатырей». Для домашних спектаклей он создавал декорации и костюмы, а по его проектам в усадьбе были построены церковь и «Избушка на курьих ножках».
Второе поколение: Серов, Врубель, Остроухов, Нестеров
· В.А. Серов вырос в семье Мамонтовых буквально как родной. Здесь он написал свой бессмертный шедевр «Девочка с персиками» (портрет Веры Мамонтовой), в котором, по его словам, добивался «свежести, которую всегда чувствуешь в натуре». Он участвовал в любительских спектаклях, дружил с Шаляпиным и был влюблён в Елизавету Григорьевну Мамонтову, которую называл своей второй матерью.
· М.А. Врубель, благодаря Серову, попал в дом Мамонтовых и обрёл здесь не только пристанище, но и условия для творчества. В этот период он написал «Демона», создал майоликовые скульптуры для абрамцевской гончарной мастерской, оформлял спектакли Частной оперы Мамонтова. Здесь он женился на певице Н.И. Забеле. Мамонтов поддерживал художника материально и вдохновлял на работу, за что был назван его женой «благодетелем». Портрет С.И. Мамонтова кисти Врубеля — одно из самых сильных и тревожных изображений этого деятеля.
· И.С. Остроухов сформировался как художник именно в мамонтовском кружке, учился у Репина и Поленова. Здесь он написал свои знаменитые пейзажи «Золотая осень» и «Первая зелень».
· М.В. Нестеров, приглашённый в Абрамцево Е.Д. Поленовой, был потрясён «Избушкой на курьих ножках» и всем духом этого места. Здесь он обрёл себя и написал «Видение отроку Варфоломею».
Деятельность Мамонтова была широка: он основал Московскую частную русскую оперу, где пел Шаляпин, а художники (Коровин, Поленов, Врубель, Серов) создавали декорации, открывая новые пути в театрально-декорационном искусстве. В Абрамцеве были созданы столярная и керамическая мастерские, возрождавшие народные промыслы.
Весной 1900 года Мамонтов был арестован по ложному обвинению в финансовых растратах. В его защиту выступили крупнейшие художники России (Репин, Васнецов, Серов, Суриков и др.), написавшие письмо, в котором подвели итог его огромной роли для русского искусства. Как говорил В. Васнецов, «нужны личности не только творящие атмосферу, в которой может жить, процветать и совершенствоваться искусство». Савва Иванович Мамонтов был именно такой личностью.
---
11. Из книги Г.К. Савицкого «Молодым художникам о мастерстве»
В каждой композиции, особенно жанровой, важно, чтобы идейный замысел художника доходил до зрителя сразу и ясно. Картина — это высшая форма живописного произведения, в которой художник суммирует свои знания, опыт и понимание эпохи. Всё остальное (эскизы, наброски, этюды) — лишь подсобный материал.
О начале работы над композицией
Нельзя браться за сложную композицию без знания анатомии и перспективы. Начинать лучше с несложных сюжетов. Молодым художникам часто хочется изобразить многофигурную сцену с сильным движением, но это непосильно без опыта. Простая композиция из 1-2 фигур может быть не менее глубокой по замыслу. Примеры тому — «Неутешное горе» Крамского, «Отказ от исповеди» Репина, «Меншиков в Берёзове» Сурикова. Их сила — в умении найти главное и отбросить второстепенное.
Метод работы
Захватившись какой-то темой, художник ищет наиболее выразительное положение сцены, освещение и колорит. Савицкий советует начинать с небольших карандашных набросков, размещая в них все элементы композиции, добиваясь органичной связи между фигурами и обстановкой. Несколько набросков помогают суммировать находки и прийти к лучшему решению.
О центре композиции
Искусствоведы часто говорят о «золотом сечении» или композиции по треугольнику, но Савицкий считает, что это рецепты, не работающие для любой идеи. Композиционный центр не должен находиться в геометрическом центре — это неестественно. Но и чрезмерное смещение его в сторону может создать пустоту, «разжижающую» замысел. Важно ощущение равновесия и заполненности холста, при котором нельзя ничего ни убавить, ни прибавить.
О макете из пластилина
Очень полезно для построения многофигурной композиции использовать небольшой макет из пластилина. Он позволяет объёмно увидеть расположение фигур, расстояния между ними и избежать плоскостного решения. Одевать маленькие фигурки в настоящие ткани не стоит — они не передадут структуру и характер складок, вводя в заблуждение.
О единстве замысла
Важно, чтобы все элементы картины подчинялись главному замыслу. Живописный центр (самое яркое пятно, световой акцент) должен совпадать с психологическим, смысловым центром. Если самое красивое место в картине окажется на второстепенном участке, произойдёт разрыв между содержанием и формой, что ослабит воздействие произведения.