Особенности русской классики на сцене театров г. В

В настоящее время театральное искусство по-прежнему вызывает большой интерес. Особое место занимают спектакли, поставленные по произведениям русской классики. Классика, как утверждалось многими теоретиками искусства, будет популярна во все времена, ибо содержит в себе вечные проблемы и проявляет непреходящие ценности.
   Все исследования, касающиеся театральной деятельности в городе Владивостоке, преимущественно рассматривают тенденции в дореволюционное и довоенное время. Материалы, касающиеся настоящего времени, в большей степени рецензии на спектакли. Можно сделать вывод, что никто не занимался вопросом общего анализа спектаклей, поставленных по произведениям русской классики.
   Имеется достаточно исследовательской литературы о театральном искусстве, затрагивающей различные его аспекты. Следует отметить, что исследовательская литература по времени издания относится преимущественно к советскому периоду. Среди современных работ наиболее содержательны работы А. В. Шавгаровой (Институт культуры и искусства, Хабаровск) и Э. В. Осиповой (научный сотрудник Института истории, археологии и этнографии народов Дальнего Востока ДВО РАН), представляющие историю театральной деятельности в г. Владивостоке в контексте Дальневосточного региона.
   Русская классика не сразу вошла в репертуар театров города Владивостока. Вначале это были преимущественно кафе-шантаны, оперетки и т.п. развлечения. Дореволюционный период отмечен интересом публики к увеселительным постановкам, простым по содержанию, без глубокого смысла. Но, несмотря на невысокий художественный вкус, жители города Владивостока театр очень любили и живо им интересовались, активно посещали спектакли.
   Первые театральные труппы были любительскими. В городе также гастролировали профессиональные и полупрофессиональные труппы. Самые известные театральные труппы - труппы Нининой-Петипа и Иванова, между которыми шла негласная борьба за зрителя. Основными театральными площадками были - зал при гостинице "Золотой Рог", зал при ресторане "Тихий океан", залы Морского и Военного собраний и Пушкинский театр.
   В годы революции и Гражданской войны продолжается работа по постановке опереток, мелодрам и классических произведений, которые начинают обретать свою актуальность, идёт популяризация советской власти, её лозунгов. В годы войны отдаётся предпочтение Островскому. Театры страны и города Владивостока в частности ставят пьесы о войне к юбилеям со дня Победы. Ставится и современная драматургия.
   Конец XX века отмечен сменой командно-управленческих факторов на производственно-коммерческие. Наиболее важным стал "фактор зрителя" или, на языке экономики, факторы спроса и предложения. На взгляд автора работы, на репертуаре театров это отразилось не лучшим образом. В тоже время классика прочно укрепилась в репертуаре театров города. За последние 5 лет было поставлено 4 пьесы по русской классике - 4 из 8, рассматриваемых автором в работе.
   В дипломной работе автор анализирует не только материалы по истории театральной деятельности в г. Владивостоке, но и в первую очередь сами спектакли. Для разработки взяты следующие авторы и произведения: А. Чехов "Иванов", И. Тургенев "Месяц в деревне", А. Пушкин "Борис Годунов", А. Чехов "Три сестры", А. Островский "Сумасшедшая любовь" ("Бесприданница"), Н. Гоголь "Инкогнито из Петербурга" ("Ревизор"), А. Островский "Таланты и поклонники", М. Горький "Последние?".
   Постановки по произведениям русской классики анализируются автором дипломной работы в связи с трудами Анатолия Смелянского ("Наши собеседники"), Анатолия Эфроса ("Репетиция - любовь моя" и "Профессия: режиссёр").
   Постановки русской классики на сцене театров города Владивостока отличает режиссёрской прочтение. Особое внимание в дипломной работе автор уделяет знаковым сценам. В большинстве своём это финалы. В спектакле "Иванов" финальная сцена решена следующим образом: звучит заупокойный молебен, вместо свечей горят бенгальские огни, а мечущаяся душа Иванова всё же нашла успокоение. Ужасно нелепая финальная сцена - как напоминание о том, что фарс и трагедия неразлучны. Постановка театра им. Горького чем-то близка по духу и постановке театра "Ленком". Речь идёт о противостоянии Иванова и среды. Но если М. Захаров их противопоставлял, если сделал среду - главным виновником гибели Иванова, то Е. Звеняцкий снивелировал акценты. Среда вызывает негативные ощущения, но не выходит на прямой конфликт с героем. Она - фон для разворачивающейся драмы.
   Иванов - живая дилемма, олицетворение проблемы выбора, которая, так или иначе, встаёт перед любым человеком ежедневно и ежечасно. Как жить так, чтобы в итоге не потерять в жизни самое важное: веру в себя и в людей, любовь и способность всё время к чему-то стремиться? Как жить так, чтобы однажды не почувствовать полное опустошение? Как жить, чтобы не надорваться?..
   Финал "Бориса Годунова" - сцена "народ безмолвствует". Дмитрий Самозванец на авансцене медленно надевает на себя заветную шапку Мономаха: "Что же вы молчите? Кричите: да здравствует царь Дмитрий Иванович!". В роли народа выступаем мы - зрители. Когда сцену покидает Дмитрий, и остаются только заполняющее всё сценическое пространство иконы, горящие свечи перед ними, как памятники всем безвинно убиенным жертвам нашей кровавой и трагической истории, и медленно, словно холодя и леденя многострадальную Русь-матушку и одновременно очищая наши души, сыплет и сыплет белый снег... В этом спектакле на первый план выходит тема измученной совести. Недаром в спектакле трижды из разных уст звучит текст о гибели младенца.
   Спектакли по произведениям русской классики отличает иная трактовка ряда образов. В спектакле "Месяц в деревне" это богатый помещик Ислаев и студент Беляев. Беляев (Иван Исьянов) представлен человеком нового времени и новых нравственных идеалов - приспособленцем, который своим появлением обнажил сущности всех обитателей и приближённых ислаевского дома. Впервые на сцене богатый помещик Ислаев (Владимир Сергияков) был сыгран тонко чувствующим, со своим "милльоном терзаний". Мизансцены выстроены таким образом, что Ислаев постоянно оказывается в центре. Он здесь хозяин.
   "Месяц в деревне" заставляет задуматься о сложности человеческих взаимоотношений, о многогранности любви, суть которой не просто выразить и понять.
   Иная трактовка даётся образам Кулыгина и Наташи из "Трёх сестёр". Владимир Сергияков пожалуй первым дал этому образу иную трактовку. Ранее Кулыгина отличала его бесхарактерность, мягкотелость. Здесь же это мужчина, крепко стоящий на ногах. Честолюбив, очень ревнив, гордится своим статусом, и в этой жизни его по большей части всё устраивает. Найдено оправдание для Наташи (Марины Волковой) - всё, что она делает, она делает исключительно ради детей.
   В спектакле "Три сестры" сценография и первая сцена решена по одному из вариантов, описанных в книге А. Эфроса "Репетиция - любовь моя": "А, может быть, сделать что-то солдатское? Оттолкнуться оттого, что это полк, который то и дело перебрасывают куда-то из глуши в глушь? Всё графически изрисовать всякими трубами и военными фуражками. И чтобы в начале было много солдат и офицеров на сцене - пришёл полк, играет музыка, а потом все тихо расходятся, и дымка на сцене, и три тоненькие женские фигуры". В финальной сцене на переднем плане шведская стенка на колёсиках, разделённая на три части. За стенкой, точно в клетках сёстры. Они извиваются в конвульсиях, пытаясь самим себе доказать, что надо жить дальше, надо не терять надежды на светлое будущее. На взгляд автора идея спектакля сводится к следующему: мы не только не хотим слышать, что говорят другие, но и не верим в то, что говорим сами...
   Паратов (Евгений Вейгель) из спектакля "Сумасшедшая любовь" ("Бесприданница") фактически теряет как главный герой. Он серый и невыразительный, и в этом угадывается ирония, присущая всему спектаклю. Главным персонажем становится Робинзон (Владимир Сергияков). Он - артист и руководитель труппы молодых актёров, которая с одной стороны существует за пределами сюжета и как бы приравнивается к зрителям, с другой стороны они являются и его частью.
   В настоящее время "Бесприданница" Островского в своём локальном цвете мало актуальна, поэтому основной инструмент - ирония. И всё же спектакль об игре с человеческими судьбами, с искренними чувствами. Высокие моральные ценности и идеалы разбиваются вдребезги. Все поклоняются золотому тельцу. Всё продаётся и всё покупается. Это насмешка над нами сегодняшними, готовыми предать непреходящее ради призрачного материального благополучия. Поэтому много внимания уделено антуражу, деталям, обстановке, в которой происходят события.
   В "Инкогнито из Петербурга" произведена замена молодого и полного сил Хлестакова на Хлестакова зрелого, даже старого, уставшего от жизни, прожитой зря, впустую, уставшего от себя, слабого и никчёмного. Счастливое стечение обстоятельств даёт ему возможность помечтать о том, чего уже никогда не будет. В исполнении Александра Славского Хлестаков кажется человеком умным, проницательным и несколько ироничным по отношению к себе и к жизни, поэтому он с лёгкостью вступает в игру, предложенную ему нечистоплотными чиновниками уездного города, где он остановился в гостинице.
   Впечатляет режиссёрское решение первой сцены. Во-первых, сразу налажен контакт с залом. Во-вторых, использованы элементы фантасмагоричности: черти, "Гоголи" и две большие крысы из сна городничего. В-третьих, самое главное - вступительная фраза городничего повторяется трижды. Представляются три различные эпохи: допетровская, эпоха основного действия пьесы и современность в былые времена, так и сейчас. Одна из сцен перенесена в баню, как в место, где у современных чиновников принято решать важные вопросы. Интересна финальная сцена 1-го акта, где храп в доме городничего планомерно переходит в хрюканье. И, наконец, о финальной сцене 2-го акта: светский раут, где гости произносят льстивые и лживые речи, а "за глаза" отнюдь нелицеприятно отзываются о хозяевах. И тут совсем неожиданный ход - черти на шлагбауме вывозят Хлестакова в мистическом костюме Дракулы. Он протягивает шляпу перед собравшимися гостями, как нищий, но никто на этот жест не среагировал должным образом. И тогда Хлестаков оставляет шляпу среди подарков. Шляпа - это символ русской бедности. Актуальность "Инкогнито из Петербурга" балансирует на грани провокации и даже открытого вызова. Решение неожиданно, но вместе с тем цель оправдывает средства. Неча на зеркало пенять, коли рожа крива.
   В драмтеатре ТОФ действующие лица спектакля "Таланты и поклонники" моложе, чем в оригинальном варианте, благодаря чему суть пьесы Островского приобрела свою актуальность в наши дни. Финал "Талантов и поклонников" необыкновенно красив: служанка, бывшая при Негиных, матери и дочери, после отъезда хозяйки берёт её платье и начинает читать монолог из "Грозы", звучавший за спектакль несколько раз. Мартын берёт девушку за руку и под аплодисменты выводит её из-за кулис на сцену. Путь в искусство открыт любому, кто искренен, чуток, естественен. Можно прийти к выводу, что в спектакле завуалировано преподносится идея о непростом материальном положении творческих людей и коллективов. Чего греха таить, средства на культуру в бюджете нашего города отчисляются по остаточному принципу. И непросто выжить, уцелеть, продолжить творить, сохранив верность искусству и самому себе.
   В спектакле "Последние" театра Молодёжи 2008 года есть сразу несколько многозначных элементов. В первую очередь это букеты алых цветов и балдахин. Алые цветы с одной стороны указание на то, что дети - цветы жизни, с другой они наводят на мысль об их обречённости. Балдахин интересен в сцене беседы Веры и Якорева, где использован приём театра теней. В смыслообразующих сценах опущенный балдахин символизирует могилу. Особенно остро эта ассоциация проявляется в связи с букетами алых цветов. В финальной сцене из рук Софьи, Александра, Надежды, Любы, Петра и Веры по очереди летят букеты алых цветов, тех самых, что были в первой сцене вколоты в пол. Букеты в данной ситуации ассоциируются с гвоздями, которые действующие лица по очереди вбивают в крышку гроба Якова. Это указание на то, что каждый внёс свою лепту в его смерть, и в то же время они точно хоронят себя обречённых. Ещё кажется, что эти погребальные цветы имеют отношение к зрителям как прямое указание на то, что Коломийцевы - не последние, и что наше поколение да и каждое последующее обречены. И через десять, и через пятьдесят, и через сто лет будут такие же люди, как они. Это - не проблема отцов и детей. Это - проблема приоритета жизненных ценностей и адаптации их в современном мире.
   В настоящее время в театрах города Владивостока постановки по произведениям русской классики занимают видное место и пользуются популярностью, поскольку поднятые авторами-классиками проблемы получили новое звучание. Иначе трактованы некоторые герои произведений по русской классики.