Философия Энди Уорхола

«Одна подруга спросила меня:
«Ну, что ты больше всего любишь?»
Вот так я и начал рисовать деньги»
/Энди Уорхол/

«Скажем, вы собираетесь купить картину за 200 тысяч долларов.
Я думаю, что вам следовало бы вместо этого взять деньги,
связать их и повесить на стену. Теперь, кто бы ни пришел
 к вам в гости, первое, что он увидит, - это деньги на стене».
/Энди Уорхол/



Энди Уорхол – первый художник, заявивший о том, что искусство для него – это бизнес. Анджей Вархола родился в 1928 году в городе Питтсбург (штат Пенсильвания). Он был младшим из трех сыновей в семье чешских эмигрантов-рабочих. В 1949 году, окончив Технический Институт Карнеги, Уорхол, в поисках славы и успеха, переезжает в Нью-Йорк. Чтобы скрыть свое происхождение, и американизировать произношение, Энди отбрасывает в своей фамилии последнюю букву.
Уорхол рассчитывал сделать карьеру в качестве иллюстратора и графического дизайнера. К началу 1960-х он начинает рисовать в стиле, получившем позднее название поп-арт. В те же годы он решил попробовать свои силы в искусстве. Он даже пытался подарить один из рисунков туфли музею МоМА, но музей вернул работу автору.
Первый успех пришел к Уорхолу в 1962-м году, когда он выполнил вручную тридцать два шелкографических изображения банок супа «Кэмпбелл». Директор лос-анджелеской галереи «Ferus», Питер Блум, выставил их на продажу по 100 долларов каждая. Картины были расставлены на белых полках по всему периметру галереи, как настоящие банки в магазине. Тому, что выставка получила большой резонанс в СМИ поспособствовали и конкуренты: в галерее напротив были выставлены настоящие банки супа «Campbell’s» с подписью: «У нас настоящее и всего за 29 центов».
Существует несколько версий почему Уорхол вообще рисовал банки с супом. Сам Уорхол говорил:

«Для поколения, зацикленного на бизнесе, консервированная еда – вполне законный объект художественного интереса. Гораздо интереснее, добавлял художник, что предпочитает лично он: томатный суп или куриную лапшу, - а значит, какое изображение имеет большую ценность». (Дональд Томпсон, «Как продать чучело акулы за 12 млн. долларов», стр. 102)

Многие критики и исследователи творчества Уорхола говорили, что суповые банки – самый важный вклад этого художника в современное искусство. «Campbell’s Soup Cans» положили начало художественной концепции превращения объекта в товар. (Это прямо противоположно тому, как когда-то Дюшан с помощью «Писсуара», превратил реальный товар в объект).
Кроме первого финансового успеха (по одной из версий Блум выкупил у художника все 32 банки за 1000 долларов), Уорхолу удалось понять на что готовы «клюнуть» средства массовой информации.

В 1962-м году Уорхол начал серию шелкографий с изображением знаменитостей. Человек, которого Уорхол портретировал, приходил к нему в мастерскую, где фотоаппаратом «Полародид» художник делал серию моментальных снимков, отбирал лучшую фотографию, увеличивал ее, затем методом шелкографии изображение переносилось на холст. В числе портретируемых им знаменитостей были Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвис Пресли, Джеки Кеннеди (жена президента Кэннеди) и другие.
Эти изображения принесли Уорхолу настоящую известность, а сам он перешел к изготовлению более сложных объектов – изображению реальных катастроф. Среди них «Пять смертей» (1963) – изображение перевернутой машины с погибшими подростками в праздничной одежде; «Ядовитый Тунец» - портрет домохозяйки, отравившейся испорченной рыбой; «Белое» (1947) – это новостная фотография фотомодели, спрыгнувшей с крыши Эмпайр-стейт-билдинг и рухнувшей на крышу дипломатического лимузина.
Став знаменитым, Уорхол вновь вернулся к шелкографиям, изображающим товары массового потребления: кока-кола, мыло и, ставшие к тому времени знаменитыми, банки супа «Кэмпбелл».

Спустя несколько лет успешной деятельности, Уорхол создал на Манхеттене свою «Фабрику» - это была его мастерская, а по сути - цех по производству тиражных работ, куда он нанимает помощников. Поначалу именно они переносили на ткань и раскрашивали портреты знаменитостей, но позже Уорхол передал эту часть работы местным печатникам, подразумевая тем самым, что искусство, как и любой другой коммерческий продукт, можно производить на конвейере.

«Индустриальное искусство – следующий шаг после искусства с большой буквы. Я начинал как прикладной художник, а закончить жизнь хотел бы как художник индустриальный. Создав вещи, именуемые, в числе прочего, «искусством», я обратился к индустриальному искусству. Захотел стать Бизнесменом в Искусстве или Индустриальным Художником. Преуспеяние в бизнесе – самый пленительный вид искусства». (Энди Уорхол, «Философия Энди Уорхола от Э до Ъ и обратно», стр. 88)

Новаторство Уорхола состояло в том, что он создал «бизнес-арт», где отвел себе роль не рабочего, а предпринимателя, принял на себя руководство исполнителями. «Фабрика» была устроена как промышленное предприятие, производила до 80-ти шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ.

Дело спорилось, работы хорошо продавались, а знаменитости с удовольствие приходили в мастерскую за «новым лицом от Уорхола». Однако, как это часто бывает, у слишком успешного человека появились завистники. Дошло до того, что днем 3 июня 1968 года «радикальная» феминистка Валерии Соланис стреляла в него три раза подряд. Соланас осудили, признали психически невменяемой и отправили на принудительное лечение. Уорхол чудом выжил, но попал в больницу, где у него было достаточно времени поразмыслить над своим искусством и стратегией успеха.

Все то время, что я находился в больнице, мой «штат» продолжал свою деятельность, и я понял, что создал-таки кинетический бизнес, ведь он мог функционировать без моего участия. Эта мысль доставила мне удовольствие, потому что к тому времени я уже пришел к выводу, что «бизнес» - самое лучшее искусство. («Философия Энди Уорхола. От Э до Ъ и обратно», стр. 88)

Только теперь, после сильного психологического потрясения, находясь в больничной палате, Уорхол понял, что сотворил нечто необыкновенное (как ему казалось). Пока он восстанавливал свои силы после пулевого ранения, его «Фабрика» продолжала работать без него. По сути Уорхол «открыл велосипед», ведь мы уже говорили о том, что три-пять столетий тому назад, художники-мастера работали по той же системе – они нанимал в свои мастерские помощников-подмастерьев и перепоручали им часть работы над своими картинам. Но стоит отметить, что не только Уорхол удивлялся своим успехам. Были удивлены и зрители и критики, некоторые из них восхищались Уорхолом, а другие считали такую технологию массового, индустриального производства работ просто недопустимой. «Как же так, - возмущались они, - художник должен сам рисовать свои работы, иначе это не авторские произведения!» Кроме того, Уорхолу завидовали, потому что он «получал слишком много денег». А много денег у «честного» человека быть не может. Тем более у художника, который должен быть «нищим и голодным», творить не смотря ни на что, во всем себе отказывать и т.п. Все эти предрассудки, по мнению Уорхола были навеяны идеями движения «хиппи», которое было очень популярно в 70-х.

"В эпоху хиппизма люди отказались от идеи бизнеса – они стали говорить, что деньги – «зло» или работа – «зло». Но зарабатывание денег – это искусство и работа – искусство, а успешный бизнес – лучший вид искусства". (там же, стр. 88)

Уорхолу не сразу удалось создать «кинетический бизнес», т.к. изначально он не обладал навыками руководителя. В своей «Философии…» он часто говорил, что всю свою жизнь был жутко стеснительным, застенчивым человеком. Ему сложно было коммуницировать с людьми, он боялся камеры. Очевидно, что управленческие навыки давались ему не просто, только спустя время. Да и сама «Фабрика» изначально была просто «тусовкой» единомышленников и поклонников Уорхола. Кстати говоря, на коммерческие рельсы она перешла не за счет производимой на ней живописи, а за счет кинофильмов, которые там снимались.

"Поначалу отнюдь не все в «Энди Уорхол Энтерпрайзерз» было хорошо организовано. Мы совершили прыжок непосредственно к предпринимательству, подписав с одним кинотеатром договор о том, что будем давать им по новому фильму каждую неделю. Это поставило наше кинопроизводство на коммерческую основу, а нас заставило перейти от короткометражных фильмов к полнометражных и затем к игровым". (там же, стр. 88)

Одно из основных целей создания «Фабрики» было собрать около Уорхола интересных и приятных ему людей. Нужно было место, где можно было бы приятно проводить время, встречаться, общаться и, разумеется, творить. Несмотря на множество друзей и поклонников, которые постоянно бывали на «Фабрике», художественный ассистент у Уорхола всегда был только один – сначала Жерар Маланга, затем Ронни Катроу.

Количество производимых работ не было самым главным для Уорхола, он не рассчитывал на столь высокий коммерческий успех, которым впоследствии пользовались произведенные им картины:

"Я не собирался превращать наши картины в собственно коммерческие. Довольно было и того, что искусство входит в область коммерции, выходит в открытый мир. Видеть наши фильмы там, в настоящем мире, в больших залах, а не только здесь, в нашем артистическом мирке, - это по-настоящему пьянило. Индустриальное искусство. Индустрия искусства. Индустрия Индустриального Искусства". (там же, стр. 89)

Естественно, эта идея была не новой. Ведь фактически еще Дюшан с его реди-мейдами сделал механическое репродуцирование частью уникальной художественной концепции. Но настоящего расцвета предсказанное Вальтерм Беньямином и вдохновленное Дюшаном механическое тиражирование произведений искусства достигло в 1960-х годах.

«Акценты сменились – искусство перестало быть синонимом уникальной манеры автора, - говорит Лора Полсон, руководитель отдела современного искусства нью-йоркского Christie’s, - Технические средства увеличили тираж работ художника. И ассистент в мастерской превратился практически в альтер эго, от него зависит слишком много. Характерный пример – совместная работа Уорхола и его ассистента Ронни Катроу. Энди составлял натюрморт, Ронни делал фотографию и шелкографию». (Art Auction, октябрь-ноябрь 2009, стр. 68)

Ронни Катроу был главным ассистентом Уорхола с 1972 по 1982 год и смог доказать свои авторские права на фотографии, ставшие основой для многих картин классика. Он описывает свои рабочие отношения с Уорхолом как «патологическое взаимопонимание», иногда ему даже казалось, что они думают одинаково.

«Я родился с таким же чувством цвета, как у Уорхола, - рассказывает Катроу. – Он говорил мне: «Ронни, смешай зеленой краски», а когда я пытался уточнить «Какой зеленой?», он отвечал мне: «Просто зелено». И я точно знал, какой цвет он имеет ввиду». (Art Auction, октябрь-ноябрь 2009, стр. 68)

Катроун вспоминает, что Уорхол всегда выделял время на какие-нибудь эксперименты, причем идеи не всегда были его собственными.
Возьмем «Тени», серию Уорхола 1978 года, состоящую из 102 абстрактных работ. По словам Катроуна, идея этой серии пришла в голову именно ему.

«Энди любил заниматься абстрактной живописью, и у него неплохо получалось, но людям не нравились эти работы, - объясняет Катроун, и с гордостью добавляет: - Тогда я сказал ему: «Ты – Энди Уорхол. Так что если ты хочешь сделать что-нибудь «абстрактное», ты должен выбрать объект, который сам по себе и будет абстракцией: например, тень». Эта идея пришла мне в голову задолго до нашего разговора, но я понимал, что сам никогда не смогу реализовать ее». (там же)

Сейчас эти 72 холста находятся в постоянной экспозиции фонда Die:Beacon, штат Нью-Йорк.

Уорхол всегда отрицал, что в его произведениях содержится какая бы то ни была социальная критика. Вопросы такого рода были адресованы в основном к серии шелкографических картин «Электрический стул». На фотографии, которую использовал Уорхол, был заснят тот самый электрический стул, на котором в 1953 году были казнены за передачу СССР ядерных тайн Джулиус и Этель Розенберг. Исследователи так же отмечали изображенные за стулом три двери, которые, по их мнению, могли символизировать собой как три цели уголовного правосудия (возмездие, изоляцию, устрашение), так и рай, чистилище и ад. На все эти вопросы Уорхол всегда отвечал: «Никакого смысла», но это отрицание могло быть и очередным маркетинговым ходом.

Энди Уорхол умер 22 февраля 1987 года от осложнений после операции на мочевом пузыре. В одном из его последних публичных заявлений были такие слова: «Смерть означает кучу денег; смерть делает тебя звездой». Именно так и произошло. Если при жизни Уорхол не получал за свои работы более 50 тысяч долларов, то после его кончины цены на его работы начали резко идти вверх, во многом благодаря невероятной на тот момент славе и популярности художника.

Становясь брендом, каждый художник создает для себя определенную нишу в массовой культуре, берет на себя определенную роль, которая затем создает высокие цены на его работы.
Считается, что работы Уорхола отразили культуру Америки конца ХХ века, но главным произведением Уорхола стал сам Уорхол, «Энди». Ему удалось создать бренд, который и через двадцать лет после смерти автора обожает пресса, почитают молодые художники и покупают состоятельные коллекционеры.