Мультипликация

Диктор (ЗК)

Так уж устроена человеческая природа: творить, а затем одушевлять своё творение. Ещё на заре времён древние люди изображали на стенах своих пещер кабанов, оленей, самих себя, старались доподлинно передать движения зверей и элементы ритуальных танцев. Люди изучали мир вокруг, фиксировали это и размышляли, дополняя картинку новыми подробностями. Таким образом, имена первых мультипликаторов, или вернее, аниматоров никому не известны.

Идея «оживлять картинку» в человеческой истории прослеживается на каждом её этапе. Вот амфоры Древней Греции, на них вполне достоверные фазы движения бегуна. Если же поставить сосуд на гончарный круг, то может возникнуть нехитрая иллюзия. В одном из мифов Эллады художник Дедал рисует картины, которые могли двигаться, но это пока остаётся только мечтой. На стенах храмов и пирамид Древнего Египта что-то очень похожее на раскадровку современных мультфильмов. А уж китайский театр теней вполне может считаться полноценным прародителем современных мультсеансов.

Технология «оживления изображения» постоянно совершенствуется, этому способствуют новые знания и новые технологии. В 15-м веке люди придумывают основы мультипликации, на ярмарках продаются волшебные книжки с картинками, быстро их перелистывая, рисунки на страницах начинают двигаться. В бродячих театрах частенько показывают работу волшебного фонаря, или по-другому «лантерна магика». Они устроены наподобие современных фильмоскопов, где на экран по очереди проецируются изображения. Такие забавы у публики имеют успех, но только как по-настоящему оживить картинку человечество ещё не придумало.

………………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

Первый аппарат, который можно назвать прапрадедушкой современной мультипликации, изобрёл  в 1832 году молодой бельгийский профессор Жозеф Плато. Своё изобретение он называет  фенакистископ, что в примерном переводе с латинского означает «обманщик зрения». Основной принцип работы приборчика с мудрёным названием заложен в особенностях устройства человеческой сетчатки. Мсье Плато одним из первых догадался, что наш глаз некоторое время сохраняет изображение предмета, даже после того как перестает его видеть.

На досуге смастерить фенакистископ может любой желающий, вот как Жозеф Плато описывает свое изобретение: «Мой прибор состоит из черного картонного диска диаметром приблизительно 25 сантиметров, насаженного на ось подобно колесу. Недалеко от внешней окружности диска проделано до двадцати отверстий в виде щелей. Для наблюдения изменяющихся явлений поступают следующим образом: приводят диск в быстрое вращение, закрывают один глаз, а другим смотрят сквозь образующуюся от быстрого вращения щелей прозрачную полосу на движущийся предмет».

Немного усовершенствовав изобретение бельгийского профессора, английский математик Уильям Джордж Хорнер создаёт свой прибор, назвав его «дедалиум», в честь упомянутого выше греческого художника. Более поздние версии прибора носят название «зоотроп». Каждый изобретатель называет своё творение по-разному, надеясь, что именно оно останется единственным или уж хотя бы самым известным. Уходили в прошлое «волшебные фонари», стробоскопы,  фенакистископы, фазаскопы, зоотропы, чтобы, наконец, появился прибор, который будет символизировать начало анимации, в том виде, в котором мы её знаем. 

……………………………………………………………………………….


Диктор (ЗК)


30 августа 1877 года абсолютно серьёзно можно считать днём рождения анимации. Именно в этот день француз Эмиль Рейно запатентовал свой прибор, назвав его «праксиноскоп». В нём он соединил всё лучшее от зоотропа Хорнера и устройства Жозефа Плато. У одного француз позаимствовал вращательный барабан, у второго — зеркальную систему и соединил всё это с проекционным фонарём.

На зацикленных лентах, вставляемых в барабан, Рейно рисует целые сюжеты небольших смешных сценок, буффонад и пантомим, таким образом, он первый кто придумал давать «оживлённым картинкам» форму настоящего спектакля.

Усовершенствуя свой аппарат, Рейно переносит все рисунки на целлулоидную ленту, проводит премьерные показы в кругу родных и близких, а затем в парижском музее Гревен. Свои сеансы Рейно называет «Оптическим театром». Его юмористический микромульфильм «Вокруг кабины» историки кино называют поворотным событием в истории анимации.

Рейно впервые в мире придумал отделять рисунки движения своих героев от фоновых декораций.  Свои рисунки он изготавливает на прозрачных желатиновых пластинках, каждая из которых имела по два отверстия вверху и внизу. Это позволяет точно  корректировать местоположение рисунков, точно так же и в современной мультипликации.

История Эмиля Рейно заканчивается печально.  Братья Люмьер, разработав в 1895 году аппарат для съемки и проекции движущихся фотографий, породили новую индустрию- кинематограф. Его появление заставило забыть о мультипликации надолго, знаменитый прибывающий поезд Люмьеров перемолотил своими колёсами Рейно так сильно, что он выбросывает в Сену свой  праксиноскоп, топит все свои плёнки и заканчивает свои дни в приюте для бедняков. Но несмотря ни на что, именно Рейно считают отцом современной мультипликации.

……………………………………………………………………………….

Диктор (ЗК)

Отцом же российской анимации можно смело назвать художника Владислава Старевича. До определённого момента он работает казенной палате, получает мало и дела своего не любит. Единственные развлечения — рисование карикатур в журнале «Оса» и изготовление маскарадных костюмов. Другое же его увлечение- энтомология, никак не связано с рисованием, но как ни странно, именно оно и проложило Старевичу дорогу в мультипликацию. 

Ещё одно увлечение Старевича — кинематограф, и однажды посмотрев очередной французский трюковой фильм, молодой карикатурист врывается домой с чётким желанием купить киноаппарат и снимать картины из жизни насекомых. С такими мыслями в 1912 году Старевич едет покорять Москву.

Французы из кинофирмы «Братья Пате» и кинокомпании «Гомон» смеются над амбициозным провинциалом. И лишь  Александр Ханжонков- один из пионеров русского кинематографа, посмотрев на энтузиаста, заключает с ним договор. В свой родной Вильнюс Старевич возвращается со съёмочным аппаратом и метрами киноплёнки. Меньше чем через полгода он вернётся в Москву, чтобы показать своё детище — мультфильм с претенциозным и диковинным названием «Прекрасная Люканида, или Война усачей с рогачами».

Успех "Люканиды" был ошеломительным. Публика успевшая привыкнуть к движущимся на экране людям и предметам, ничего подобного просто не видела. Все роли в фильме, и старого мужа, и молодой жены, и рыцаря-любовника  исполняют насекомые- жуки. Всё это выглядит так натурально, что Старевича называют гениальным дрессировщиком, сумевшим приручить насекомых.

 На самом деле всё одновременно и проще, и сложнее. Старевич препарирует каждого жука, приделывает лапкам тоненькие проволочки и шарнирные суставы, и кадр за кадром, движение за движением анимирует своих персонажей. Ханжонков почуяв перспективы молодого режиссёра, распоряжается пристроить к московской квартире Старевича съемочный павильон. Вскоре мир видит «Рождество обитателей леса»  «Авиационную неделю насекомых», «Месть кинематографического оператора» и «Веселые сценки из жизни животных».

……………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

Вышедший немного позднее фильм «Стрекоза и Муравей», приумножает славу мультипликатора и делает его мировой знаменитостью. Фильм разошёлся рекордным тиражом в 140 копий, одну из них приобрёл сам царь Николай Второй, чтобы показывать творение Старевича за рубежом.

В период увлечения Гоголем Старевич делает анимационные вставки в художественные фильмы «Ночь перед рождеством». Ведьма, вылетающая из трубы или чёрт, ворующий месяц – дело рук Владислава Старевича. До революции Старевич снимает в России около 20-ти анимационных фильмов, находясь в эмиграции - около сотни. Там режиссёра называют лучшим аниматором столетия. Работу «Песнь соловья» называют в 1937 году лучшим фильмом года, а «Рейнеке-лис» до сих пор считается шедевром кинематографа.

Как это часто бывает с гениями, Старевич умер в бедности и безвестности. У него не было ни учеников, ни конкурентов. Перед смертью он скажет «Нельзя быть жадным ни в чем, особенно в творчестве».

………………………………………..

Диктор (ЗК)

Параллельным курсом на Западе движется юноша из Чикаго Уолтер Элайас Дисней, который с группой аниматоров в 1921 году создаёт компанию «Смехограмма», она выпускает короткие рекламные ролики для показа перед киносеансами. Затея оказывается неудачной и фирма банкротится.

Не теряя надежды, молодой Дисней со своим братом Роем основывает компанию «Уолт Дисней Кампани», и уже в качестве режиссёра начинает снимать фильмы о приключениях живой настоящей девочки Алисы в стране мультяшных персонажей. Взяв за основу книгу Льюиса Кэрролла, братья Диснеи развили тему настолько, что за 5 лет существования их студии ухитрились снять 56 фильмов с Алисой в качестве главной героини. Среди них такие перлы как «Алиса едет в Данию»,  «Алиса очаровывает рыбу» и «Алиса-волынщик»

Беда пришла оттуда, откуда её не ждали, девочка Вирджиния, игравшая роль Алисы, повзрослела и в качестве главной героини уже не годилась. Уолт решает больше не использовать живых людей в своих картинах, зачем они нужны, если своих «звёздных» персонажей можно нарисовать. На смену Алисе приходит чудаковатый кролик Освальд, или как любят говорить американцы - Оззи.

Кролик моментально становится популярным, с ним выходят четыре короткометражки «О, учитель», «Механическая корова», «Дочь банкира»  и «Счастливчик кролик Освальд». Но разругавшись со студией Юнивёрсал Пикчерс, Дисней теряет права на этого персонажа. Переехав в новую студию, его одолевают мыши и крысы, они сгрызают даже карандаши, так что выход из положения подсказывает сама жизнь. Новым героем становится зловредный мышонок Мортимер, он успеха не имеет, и ему на смену приходит тот самый Микки Маус, который остаётся символом компании и по сей день. Мультфильм «Пароходик Вилли» влюбляет в мышонка Микки всю Америку.

Ещё в детстве, когда 14-летний Дисней подрабатывает продажей газет, он видит короткий чёрно-белый немой мультфильм о Белоснежке. Мультик запомнится ему настолько, что спустя 20 лет Дисней примет решение снять полнометражный мультфильм. О масштабах съёмок говорит даже тот факт, что одну знаменитую проходку гномов длиной в одну минуту снимают целый год. Движения Белоснежки снимали методом ротоскопии, ещё её называют сладким словом «эклер». Суть принципа проста и гениальна: актрису снимают на киноплёнку, потом срисовывают каждый кадр на анимационный целлулоид и раскрашивают.

Свидетели работы на студии Диснея рассказывали: «За бесконечными рядами столов трудятся миловидные девушки: они раскрашивают рисунки красками собственного производства диснеевской студии. Работа у этих бедняжек совершенно механическая. В начале работы репродуктор объявляет: «Штаны Микки — цвет 637 с половиной, шапочка 715, туфли 1031, перчатки 213, галстук 411. Повторяю: штаны — 637 с половиной, шапочка 715...» и так далее. Через некоторое время снова слышится: «После пробного просмотра вносится изменение: шапочку делайте не 715, а 717. Внимание! Шапочка меняется с номера 715 на 717...».

«Белоснежку и 7 гномов» снимают 3 года. Но Дисней получает по заслугам: бешеная популярность, восторженные отклики в прессе, 8 миллионов долларов чистой прибыли и 8 статуэток Американской киноакадемии. Большого Оскара Дисней забирает себе, маленьких Оскаров отдаёт гномам, а Белоснежке, по словам Диснея, он ничего не дал, потому что она съела яблоко и весь фильм проспала.

…………………………………………………………………………………


 Диктор (ЗК)

Как ни странно, но к становлению советской мультипликации Дисней имеет непосредственное отношение.  Когда в 1934 году Уолт Дисней отправил на Московский кинофестиваль плёнку с короткометражными фильмами Микки Маусе, советские кинематографисты были поражены качеством картинки и анимации, новыми возможностями.  На волне этого интереса была создана студия «Союздетмультфильм», которая немного позже была переименована в тот самый «Союзмультфильм».

До возникновения Союзмульфильма анимация в России носит экспериментаторский и пропагандистский характер. Применяемые технологии чаще всего не сложны: необходимые движения, разбиваются на циклы, которые многократно повторяются. Каждый такой цикл движения называется «альбомом». Сюжеты тоже особой фантазией не отличаются, достаточно прочитать одни названия: «Германские дела и делишки», «Случай в Токио», «Китай в огне».

Создание всесоюзной мультстудии подстёгивает художников создавать фильмы в первую очередь для детей. Так появляются, «Красная шапочка», «Маленький Мук», «Лимпопо» и «Бармалей». Не располагая большим штатом сценаристов, мультипликаторы чаще всего экранизируют сказки и произведения советских писателей, например, Маршака и Чуковского.

Развитию отечественной мультипликации помешала война, студию в полном составе эвакуировали в Самарканд, где художники в первую очередь снимают патриотические фильмы. К детской мультипликации возвращаются только после войны, когда методы Диснея изучены досконально. Мультипликаторы начинают использовать многоплановую камеру и метод ротоскопии. Таким образом, в свет выходят такие шедевры как «Каштанка», «Золотая антилопа», «Сказка о рыбаке и рыбке» и «Аленький цветочек»

……………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

Если символом Диснеевской студии стал Микки Маус, то главный персонаж советской мультипликации, конечно же, Чебурашка. Появление этого героя его создатель Эдуард Успенский описывает так: «Я пришел в гости к другу, а его маленькая дочка примеряла пушистую шубу, которая тащилась по полу. Девчонка постоянно падала, запинаясь о шубу. И её отец после очередного падения воскликнул: «Ой, опять чебурахнулась!». Это слово врезалось мне в память, я спросил его значение. Оказалось, что «чебурахнуться» — это значит «упасть». Так и появилось имя моего героя».

Первоначально Чебурашка это не то медвежонок, не то заяц с большими ушами. У него большие и жёлтые глаза, совсем как у филина, круглая заячья голова и короткий пушистый  хвост. Художник-постановщик Леониду Шварцману этот вариант совсем не нравится и он решать сделать уши побольше, расположить их по бокам, а также укоротить ноги. Так появился, тот самый канонический образ Чебурашки.  Интересно, что образ антагонистки Чебурашки и крокодила Гены- старухи Шапокляк был срисован Шварцманом со своей тёщи.

После выходов на экран, Чебурашка пользуется небывалым успехом. Его изображение на конфетах и майках, про него сочиняют весёлые короткие анекдоты. Мехом из Чебурашки называют искусственный мех, Чебурашкой называют самолёт Ан-24 и автомобиль Запорожец, а человека, не вошедшего ни в один из 16-ти соционических типов, так же называют Чебурашкой.

Забавный ушастик пользуется успехом не только в русскоговорящих странах. В Литве имя Чебурашки переводят как Кулверстукас, после чего знаменитая фраза из мультика приобретает уже совсем комичный вид: «Чебуреки — есть, Чебоксары — есть, Кулверстукаса — нет».

В Швеции же Чебурашку узнали под именем Друттен. У него и крокодила Гены появилась своя альтернативная история. Они жили на книжной полке, пели и шутили о совершенно других вещах, тем не менее, это наш советский Чебурашка, пошедший иным эволюционным путём.

……………………………………………………………………………………….

Диктор (ЗК)

Ещё один культовый герой советской мультипликации - медвежонок Винни Пух. На "Союзмультфильме" говорили, что Александр Милн Винни-Пуха просто выдумал, а вот создали этого медвежонка именно здесь. Винни Пух советского образца рождался сложно, медвежонок словно бы сам подсказывал художникам и режиссёрам как должен выглядеть мультфильм.

Свою знаменитую неуклюжую походку, когда верхняя лапа идет туда же, куда и нижняя, Пух приобрел благодаря техническим ошибкам аниматоров. Примятое ухо тоже появилось как-то спонтанно. Художники решили, что так лучше. А режиссёр Фёдор Хитрук объяснил, что оно такое, потому что Пух на нём спит. 

На роль Винни Пуха перепробовали множество актёров, десятки голосов, но никто не подходил. Наконец попробовали Евгения Леонова,  но его голос оказался слишком низким и никак не подходил. Тогда звукооператор предложил ускорить голос Леонова на 30%, результат получился отличным. Такой же приём использовали при озвучании и других персонажей. А в писклявом голосе Пятачка, озвученном Ией Саввиной, при желании можно услышать весёлую пародию на Беллу Ахмадулину, известную советскую поэтессу.

В качестве художника-постановщика был выбран Эдуард Назаров, он рисовал Винни Пуха не только для мультфильмов, но и иллюстрировал книжки о нём. Таким образом, мы можем узнать, как выглядел бы в мультике Тигра, Кенга или Крошка Ру, которые, к сожалению, в трилогии не появились.

Трилогия могла и должна была стать сериалом, если бы не два обстоятельства. Совместная работа соавторов сценария писателя, переводчика оригинальной сказки  Бориса Заходера и режиссёра Фёдора Хитрука просто не сложилась. Два творческих человека видели Винни-Пуха по-разному и в итоге просто поругались.

В представлении Хитрука Винни: «постоянно наполнен какими-то грандиозными планами, слишком сложными и громоздкими для тех пустяковых дел, которые он собирается предпринимать, поэтому планы рушатся при соприкосновении с действительностью. Он постоянно попадает впросак, но не по глупости, а потому, что его мир не совпадает с реальностью. Конечно, он любит пожрать, но не это главное».

Такая характеристика Винни-Пуха Заходера, по его словам, просто «ошарашила». Так и не решив свои творческие разногласия, соавторы разошлись. Но всё же соавторство принесло ощутимую пользу, ни в оригинале, ни в пересказе Бориса Заходера нет знаменитых «кричалок» и «вопилок»  Винни Пуха, их специально придумали сценаристы для мультика.

 Помимо этого, трилогии было не суждено сбыться по довольно тривиальной причине. Все права на использование персонажей Александра Милна задолго до советских мультипликаторов выкупила студия Диснея, так что Винни Пух, появившийся в СССР, мог столкнуться с вполне реальными судебными процессами. Именно поэтому, отечественная экранизация приключений медвежонка и его друзей практически неизвестна на Западе. Без учёта «копирайта»  Диснея «Союзмульфильм» не имел права показа, проката и участия в международных фестивалях. Хотя, по отзывам режиссёра диснеевского сериала про Пуха Вольфганга Райтермана, советская версия ему очень понравилась. 
………………………………………………………………………….

Диктор (ЗК)

Если Чебурашка и Винни Пух — это символ счастливого советского детства, то «Ёжик в тумане» Юрия Норштейна - олицетворение его сумрачных страхов. Из сказки Сергея Козлова о ёжике, идущего в гости к медвежонку с баночкой варенья и заблудившегося в тумане, Норштейн сделал медитативную, чуть ли не буддистскую притчу о бренности всего мирского. О своём мультфильме сам Норштейн говорил так: «Там нет никакой интриги в действии, там нет никакой динамики действия. Вполне вероятно, что в Ёжике в тумане произошёл счастливый случай совпадения всех элементов».

Поговаривают, что знаменитый узнаваемый профиль Ёжика срисован с поэтессы Людмилы Петрушевской. Впрочем, как говорил автор: «Ежик очень трудно рисовался по разным причинам. Этих ежиков переходило на мультипликационном экране не одна сотня, и прорваться сквозь этот строй, и найти своего ежика было на грани невозможного. Я кричал: «Он должен появиться на 1/12 секунды - и отпечататься! Профиль должен быть абсолютно четкий, ясный!» И вот после всех этих страшных криков, сердечных капель художница вдруг села и нарисовала».

«Ёжик в тумане» снимали методом многоярусной перекладки, это означает, что для каждого персонажа было создано огромное количество его элементов: рук, ног, мимики. Если учесть, что для 10-ти минут мультфильма требуется около 15 тысяч картинок, то можно понять какой это непростой труд.

«Ёжик в тумане» 76 году назвали лучшим анимационным фильмом. А в японском рейтинге  лучших анимационных фильмов всех времен  «Ёжик в тумане» занимает первое место, кстати второе место у того же Норштейна с его «Сказкой сказок».

…………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

В списке самых любимых отечественных мультиков «Варежка» и «Ну, погоди», «Снежная королева» и «Каникулы в Простоквашино», «Винни Пух» и «Карлсон» и многие-многие другие. Их создатели Юрий Норштейн, Фёдор Хитрук, Роман Качанов, Александр Татарский и Вячеслав Котёночкин золотыми буквами вписали свои имена в историю мировой анимации.

Ну и конечно же советские мультфильмы напрямую ассоциируются с Новым Годом. Может потому что накануне праздника можно было не отрываясь весь день смотреть на Снеговика-почтовика — выручавшего зайчат из лап Серого Волка, на Деда Мороза, который наконец-то узнал что такое лето, на медвежонка Умку, увидавшего в первый раз новогоднюю ёлку, сходить с незадачливым Мужичком за прошлогодним снегом, да и встретить праздник вместе с дядей Фёдором, Матроскиным непосредственно в Простоквашино. Именно из этих мультфильмов с самого детства усвоено нехитрое правило: «Говорят, под Новый Год, что не пожелается, всё всегда произойдёт, всё всегда сбывается». А стало быть, волшебство продолжается, и дарят его всё те же любимые мультфильмы.

…………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)  (В принципе, тут уже можно закончить)



В пору расцвета отечественной мультипликации «Союзмультфильм» ежегодно выпускал по 300-400 часов мультфильмов. Сейчас в России в год снимается около 20 часов, на Западе – тысячи часов. По мнению Юрия Норштейна, «Союзмультфильм» погиб безвозвратно».  Работа над единственным новым фильмом, «Гофманиадой», длится уже более 10 лет. Пока судьбу мультипликационного гиганта решают на самом высоком уровне, другие студии - коммерческие, продолжают радовать нас своими фильмами. Возможно именно ваш ребёнок, посетив музей анимации, выберет этот путь. Сложный и трудоёмкий, но приносящий столько радости.    







   

 

Диктор (ЗК)

Так уж устроена человеческая природа: творить, а затем одушевлять своё творение. Ещё на заре времён древние люди изображали на стенах своих пещер кабанов, оленей, самих себя, старались доподлинно передать движения зверей и элементы ритуальных танцев. Люди изучали мир вокруг, фиксировали это и размышляли, дополняя картинку новыми подробностями. Таким образом, имена первых мультипликаторов, или вернее, аниматоров никому не известны.

Идея «оживлять картинку» в человеческой истории прослеживается на каждом её этапе. Вот амфоры Древней Греции, на них вполне достоверные фазы движения бегуна. Если же поставить сосуд на гончарный круг, то может возникнуть нехитрая иллюзия. В одном из мифов Эллады художник Дедал рисует картины, которые могли двигаться, но это пока остаётся только мечтой. На стенах храмов и пирамид Древнего Египта что-то очень похожее на раскадровку современных мультфильмов. А уж китайский театр теней вполне может считаться полноценным прародителем современных мультсеансов.

Технология «оживления изображения» постоянно совершенствуется, этому способствуют новые знания и новые технологии. В 15-м веке люди придумывают основы мультипликации, на ярмарках продаются волшебные книжки с картинками, быстро их перелистывая, рисунки на страницах начинают двигаться. В бродячих театрах частенько показывают работу волшебного фонаря, или по-другому «лантерна магика». Они устроены наподобие современных фильмоскопов, где на экран по очереди проецируются изображения. Такие забавы у публики имеют успех, но только как по-настоящему оживить картинку человечество ещё не придумало.

………………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

Первый аппарат, который можно назвать прапрадедушкой современной мультипликации, изобрёл  в 1832 году молодой бельгийский профессор Жозеф Плато. Своё изобретение он называет  фенакистископ, что в примерном переводе с латинского означает «обманщик зрения». Основной принцип работы приборчика с мудрёным названием заложен в особенностях устройства человеческой сетчатки. Мсье Плато одним из первых догадался, что наш глаз некоторое время сохраняет изображение предмета, даже после того как перестает его видеть.

На досуге смастерить фенакистископ может любой желающий, вот как Жозеф Плато описывает свое изобретение: «Мой прибор состоит из черного картонного диска диаметром приблизительно 25 сантиметров, насаженного на ось подобно колесу. Недалеко от внешней окружности диска проделано до двадцати отверстий в виде щелей. Для наблюдения изменяющихся явлений поступают следующим образом: приводят диск в быстрое вращение, закрывают один глаз, а другим смотрят сквозь образующуюся от быстрого вращения щелей прозрачную полосу на движущийся предмет».

Немного усовершенствовав изобретение бельгийского профессора, английский математик Уильям Джордж Хорнер создаёт свой прибор, назвав его «дедалиум», в честь упомянутого выше греческого художника. Более поздние версии прибора носят название «зоотроп». Каждый изобретатель называет своё творение по-разному, надеясь, что именно оно останется единственным или уж хотя бы самым известным. Уходили в прошлое «волшебные фонари», стробоскопы,  фенакистископы, фазаскопы, зоотропы, чтобы, наконец, появился прибор, который будет символизировать начало анимации, в том виде, в котором мы её знаем. 

……………………………………………………………………………….


Диктор (ЗК)


30 августа 1877 года абсолютно серьёзно можно считать днём рождения анимации. Именно в этот день француз Эмиль Рейно запатентовал свой прибор, назвав его «праксиноскоп». В нём он соединил всё лучшее от зоотропа Хорнера и устройства Жозефа Плато. У одного француз позаимствовал вращательный барабан, у второго — зеркальную систему и соединил всё это с проекционным фонарём.

На зацикленных лентах, вставляемых в барабан, Рейно рисует целые сюжеты небольших смешных сценок, буффонад и пантомим, таким образом, он первый кто придумал давать «оживлённым картинкам» форму настоящего спектакля.

Усовершенствуя свой аппарат, Рейно переносит все рисунки на целлулоидную ленту, проводит премьерные показы в кругу родных и близких, а затем в парижском музее Гревен. Свои сеансы Рейно называет «Оптическим театром». Его юмористический микромульфильм «Вокруг кабины» историки кино называют поворотным событием в истории анимации.

Рейно впервые в мире придумал отделять рисунки движения своих героев от фоновых декораций.  Свои рисунки он изготавливает на прозрачных желатиновых пластинках, каждая из которых имела по два отверстия вверху и внизу. Это позволяет точно  корректировать местоположение рисунков, точно так же и в современной мультипликации.

История Эмиля Рейно заканчивается печально.  Братья Люмьер, разработав в 1895 году аппарат для съемки и проекции движущихся фотографий, породили новую индустрию- кинематограф. Его появление заставило забыть о мультипликации надолго, знаменитый прибывающий поезд Люмьеров перемолотил своими колёсами Рейно так сильно, что он выбросывает в Сену свой  праксиноскоп, топит все свои плёнки и заканчивает свои дни в приюте для бедняков. Но несмотря ни на что, именно Рейно считают отцом современной мультипликации.

……………………………………………………………………………….

Диктор (ЗК)

Отцом же российской анимации можно смело назвать художника Владислава Старевича. До определённого момента он работает казенной палате, получает мало и дела своего не любит. Единственные развлечения — рисование карикатур в журнале «Оса» и изготовление маскарадных костюмов. Другое же его увлечение- энтомология, никак не связано с рисованием, но как ни странно, именно оно и проложило Старевичу дорогу в мультипликацию. 

Ещё одно увлечение Старевича — кинематограф, и однажды посмотрев очередной французский трюковой фильм, молодой карикатурист врывается домой с чётким желанием купить киноаппарат и снимать картины из жизни насекомых. С такими мыслями в 1912 году Старевич едет покорять Москву.

Французы из кинофирмы «Братья Пате» и кинокомпании «Гомон» смеются над амбициозным провинциалом. И лишь  Александр Ханжонков- один из пионеров русского кинематографа, посмотрев на энтузиаста, заключает с ним договор. В свой родной Вильнюс Старевич возвращается со съёмочным аппаратом и метрами киноплёнки. Меньше чем через полгода он вернётся в Москву, чтобы показать своё детище — мультфильм с претенциозным и диковинным названием «Прекрасная Люканида, или Война усачей с рогачами».

Успех "Люканиды" был ошеломительным. Публика успевшая привыкнуть к движущимся на экране людям и предметам, ничего подобного просто не видела. Все роли в фильме, и старого мужа, и молодой жены, и рыцаря-любовника  исполняют насекомые- жуки. Всё это выглядит так натурально, что Старевича называют гениальным дрессировщиком, сумевшим приручить насекомых.

 На самом деле всё одновременно и проще, и сложнее. Старевич препарирует каждого жука, приделывает лапкам тоненькие проволочки и шарнирные суставы, и кадр за кадром, движение за движением анимирует своих персонажей. Ханжонков почуяв перспективы молодого режиссёра, распоряжается пристроить к московской квартире Старевича съемочный павильон. Вскоре мир видит «Рождество обитателей леса»  «Авиационную неделю насекомых», «Месть кинематографического оператора» и «Веселые сценки из жизни животных».

……………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

Вышедший немного позднее фильм «Стрекоза и Муравей», приумножает славу мультипликатора и делает его мировой знаменитостью. Фильм разошёлся рекордным тиражом в 140 копий, одну из них приобрёл сам царь Николай Второй, чтобы показывать творение Старевича за рубежом.

В период увлечения Гоголем Старевич делает анимационные вставки в художественные фильмы «Ночь перед рождеством». Ведьма, вылетающая из трубы или чёрт, ворующий месяц – дело рук Владислава Старевича. До революции Старевич снимает в России около 20-ти анимационных фильмов, находясь в эмиграции - около сотни. Там режиссёра называют лучшим аниматором столетия. Работу «Песнь соловья» называют в 1937 году лучшим фильмом года, а «Рейнеке-лис» до сих пор считается шедевром кинематографа.

Как это часто бывает с гениями, Старевич умер в бедности и безвестности. У него не было ни учеников, ни конкурентов. Перед смертью он скажет «Нельзя быть жадным ни в чем, особенно в творчестве».

………………………………………..

Диктор (ЗК)

Параллельным курсом на Западе движется юноша из Чикаго Уолтер Элайас Дисней, который с группой аниматоров в 1921 году создаёт компанию «Смехограмма», она выпускает короткие рекламные ролики для показа перед киносеансами. Затея оказывается неудачной и фирма банкротится.

Не теряя надежды, молодой Дисней со своим братом Роем основывает компанию «Уолт Дисней Кампани», и уже в качестве режиссёра начинает снимать фильмы о приключениях живой настоящей девочки Алисы в стране мультяшных персонажей. Взяв за основу книгу Льюиса Кэрролла, братья Диснеи развили тему настолько, что за 5 лет существования их студии ухитрились снять 56 фильмов с Алисой в качестве главной героини. Среди них такие перлы как «Алиса едет в Данию»,  «Алиса очаровывает рыбу» и «Алиса-волынщик»

Беда пришла оттуда, откуда её не ждали, девочка Вирджиния, игравшая роль Алисы, повзрослела и в качестве главной героини уже не годилась. Уолт решает больше не использовать живых людей в своих картинах, зачем они нужны, если своих «звёздных» персонажей можно нарисовать. На смену Алисе приходит чудаковатый кролик Освальд, или как любят говорить американцы - Оззи.

Кролик моментально становится популярным, с ним выходят четыре короткометражки «О, учитель», «Механическая корова», «Дочь банкира»  и «Счастливчик кролик Освальд». Но разругавшись со студией Юнивёрсал Пикчерс, Дисней теряет права на этого персонажа. Переехав в новую студию, его одолевают мыши и крысы, они сгрызают даже карандаши, так что выход из положения подсказывает сама жизнь. Новым героем становится зловредный мышонок Мортимер, он успеха не имеет, и ему на смену приходит тот самый Микки Маус, который остаётся символом компании и по сей день. Мультфильм «Пароходик Вилли» влюбляет в мышонка Микки всю Америку.

Ещё в детстве, когда 14-летний Дисней подрабатывает продажей газет, он видит короткий чёрно-белый немой мультфильм о Белоснежке. Мультик запомнится ему настолько, что спустя 20 лет Дисней примет решение снять полнометражный мультфильм. О масштабах съёмок говорит даже тот факт, что одну знаменитую проходку гномов длиной в одну минуту снимают целый год. Движения Белоснежки снимали методом ротоскопии, ещё её называют сладким словом «эклер». Суть принципа проста и гениальна: актрису снимают на киноплёнку, потом срисовывают каждый кадр на анимационный целлулоид и раскрашивают.

Свидетели работы на студии Диснея рассказывали: «За бесконечными рядами столов трудятся миловидные девушки: они раскрашивают рисунки красками собственного производства диснеевской студии. Работа у этих бедняжек совершенно механическая. В начале работы репродуктор объявляет: «Штаны Микки — цвет 637 с половиной, шапочка 715, туфли 1031, перчатки 213, галстук 411. Повторяю: штаны — 637 с половиной, шапочка 715...» и так далее. Через некоторое время снова слышится: «После пробного просмотра вносится изменение: шапочку делайте не 715, а 717. Внимание! Шапочка меняется с номера 715 на 717...».

«Белоснежку и 7 гномов» снимают 3 года. Но Дисней получает по заслугам: бешеная популярность, восторженные отклики в прессе, 8 миллионов долларов чистой прибыли и 8 статуэток Американской киноакадемии. Большого Оскара Дисней забирает себе, маленьких Оскаров отдаёт гномам, а Белоснежке, по словам Диснея, он ничего не дал, потому что она съела яблоко и весь фильм проспала.

…………………………………………………………………………………


 Диктор (ЗК)

Как ни странно, но к становлению советской мультипликации Дисней имеет непосредственное отношение.  Когда в 1934 году Уолт Дисней отправил на Московский кинофестиваль плёнку с короткометражными фильмами Микки Маусе, советские кинематографисты были поражены качеством картинки и анимации, новыми возможностями.  На волне этого интереса была создана студия «Союздетмультфильм», которая немного позже была переименована в тот самый «Союзмультфильм».

До возникновения Союзмульфильма анимация в России носит экспериментаторский и пропагандистский характер. Применяемые технологии чаще всего не сложны: необходимые движения, разбиваются на циклы, которые многократно повторяются. Каждый такой цикл движения называется «альбомом». Сюжеты тоже особой фантазией не отличаются, достаточно прочитать одни названия: «Германские дела и делишки», «Случай в Токио», «Китай в огне».

Создание всесоюзной мультстудии подстёгивает художников создавать фильмы в первую очередь для детей. Так появляются, «Красная шапочка», «Маленький Мук», «Лимпопо» и «Бармалей». Не располагая большим штатом сценаристов, мультипликаторы чаще всего экранизируют сказки и произведения советских писателей, например, Маршака и Чуковского.

Развитию отечественной мультипликации помешала война, студию в полном составе эвакуировали в Самарканд, где художники в первую очередь снимают патриотические фильмы. К детской мультипликации возвращаются только после войны, когда методы Диснея изучены досконально. Мультипликаторы начинают использовать многоплановую камеру и метод ротоскопии. Таким образом, в свет выходят такие шедевры как «Каштанка», «Золотая антилопа», «Сказка о рыбаке и рыбке» и «Аленький цветочек»

……………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

Если символом Диснеевской студии стал Микки Маус, то главный персонаж советской мультипликации, конечно же, Чебурашка. Появление этого героя его создатель Эдуард Успенский описывает так: «Я пришел в гости к другу, а его маленькая дочка примеряла пушистую шубу, которая тащилась по полу. Девчонка постоянно падала, запинаясь о шубу. И её отец после очередного падения воскликнул: «Ой, опять чебурахнулась!». Это слово врезалось мне в память, я спросил его значение. Оказалось, что «чебурахнуться» — это значит «упасть». Так и появилось имя моего героя».

Первоначально Чебурашка это не то медвежонок, не то заяц с большими ушами. У него большие и жёлтые глаза, совсем как у филина, круглая заячья голова и короткий пушистый  хвост. Художник-постановщик Леониду Шварцману этот вариант совсем не нравится и он решать сделать уши побольше, расположить их по бокам, а также укоротить ноги. Так появился, тот самый канонический образ Чебурашки.  Интересно, что образ антагонистки Чебурашки и крокодила Гены- старухи Шапокляк был срисован Шварцманом со своей тёщи.

После выходов на экран, Чебурашка пользуется небывалым успехом. Его изображение на конфетах и майках, про него сочиняют весёлые короткие анекдоты. Мехом из Чебурашки называют искусственный мех, Чебурашкой называют самолёт Ан-24 и автомобиль Запорожец, а человека, не вошедшего ни в один из 16-ти соционических типов, так же называют Чебурашкой.

Забавный ушастик пользуется успехом не только в русскоговорящих странах. В Литве имя Чебурашки переводят как Кулверстукас, после чего знаменитая фраза из мультика приобретает уже совсем комичный вид: «Чебуреки — есть, Чебоксары — есть, Кулверстукаса — нет».

В Швеции же Чебурашку узнали под именем Друттен. У него и крокодила Гены появилась своя альтернативная история. Они жили на книжной полке, пели и шутили о совершенно других вещах, тем не менее, это наш советский Чебурашка, пошедший иным эволюционным путём.

……………………………………………………………………………………….

Диктор (ЗК)

Ещё один культовый герой советской мультипликации - медвежонок Винни Пух. На "Союзмультфильме" говорили, что Александр Милн Винни-Пуха просто выдумал, а вот создали этого медвежонка именно здесь. Винни Пух советского образца рождался сложно, медвежонок словно бы сам подсказывал художникам и режиссёрам как должен выглядеть мультфильм.

Свою знаменитую неуклюжую походку, когда верхняя лапа идет туда же, куда и нижняя, Пух приобрел благодаря техническим ошибкам аниматоров. Примятое ухо тоже появилось как-то спонтанно. Художники решили, что так лучше. А режиссёр Фёдор Хитрук объяснил, что оно такое, потому что Пух на нём спит. 

На роль Винни Пуха перепробовали множество актёров, десятки голосов, но никто не подходил. Наконец попробовали Евгения Леонова,  но его голос оказался слишком низким и никак не подходил. Тогда звукооператор предложил ускорить голос Леонова на 30%, результат получился отличным. Такой же приём использовали при озвучании и других персонажей. А в писклявом голосе Пятачка, озвученном Ией Саввиной, при желании можно услышать весёлую пародию на Беллу Ахмадулину, известную советскую поэтессу.

В качестве художника-постановщика был выбран Эдуард Назаров, он рисовал Винни Пуха не только для мультфильмов, но и иллюстрировал книжки о нём. Таким образом, мы можем узнать, как выглядел бы в мультике Тигра, Кенга или Крошка Ру, которые, к сожалению, в трилогии не появились.

Трилогия могла и должна была стать сериалом, если бы не два обстоятельства. Совместная работа соавторов сценария писателя, переводчика оригинальной сказки  Бориса Заходера и режиссёра Фёдора Хитрука просто не сложилась. Два творческих человека видели Винни-Пуха по-разному и в итоге просто поругались.

В представлении Хитрука Винни: «постоянно наполнен какими-то грандиозными планами, слишком сложными и громоздкими для тех пустяковых дел, которые он собирается предпринимать, поэтому планы рушатся при соприкосновении с действительностью. Он постоянно попадает впросак, но не по глупости, а потому, что его мир не совпадает с реальностью. Конечно, он любит пожрать, но не это главное».

Такая характеристика Винни-Пуха Заходера, по его словам, просто «ошарашила». Так и не решив свои творческие разногласия, соавторы разошлись. Но всё же соавторство принесло ощутимую пользу, ни в оригинале, ни в пересказе Бориса Заходера нет знаменитых «кричалок» и «вопилок»  Винни Пуха, их специально придумали сценаристы для мультика.

 Помимо этого, трилогии было не суждено сбыться по довольно тривиальной причине. Все права на использование персонажей Александра Милна задолго до советских мультипликаторов выкупила студия Диснея, так что Винни Пух, появившийся в СССР, мог столкнуться с вполне реальными судебными процессами. Именно поэтому, отечественная экранизация приключений медвежонка и его друзей практически неизвестна на Западе. Без учёта «копирайта»  Диснея «Союзмульфильм» не имел права показа, проката и участия в международных фестивалях. Хотя, по отзывам режиссёра диснеевского сериала про Пуха Вольфганга Райтермана, советская версия ему очень понравилась. 
………………………………………………………………………….

Диктор (ЗК)

Если Чебурашка и Винни Пух — это символ счастливого советского детства, то «Ёжик в тумане» Юрия Норштейна - олицетворение его сумрачных страхов. Из сказки Сергея Козлова о ёжике, идущего в гости к медвежонку с баночкой варенья и заблудившегося в тумане, Норштейн сделал медитативную, чуть ли не буддистскую притчу о бренности всего мирского. О своём мультфильме сам Норштейн говорил так: «Там нет никакой интриги в действии, там нет никакой динамики действия. Вполне вероятно, что в Ёжике в тумане произошёл счастливый случай совпадения всех элементов».

Поговаривают, что знаменитый узнаваемый профиль Ёжика срисован с поэтессы Людмилы Петрушевской. Впрочем, как говорил автор: «Ежик очень трудно рисовался по разным причинам. Этих ежиков переходило на мультипликационном экране не одна сотня, и прорваться сквозь этот строй, и найти своего ежика было на грани невозможного. Я кричал: «Он должен появиться на 1/12 секунды - и отпечататься! Профиль должен быть абсолютно четкий, ясный!» И вот после всех этих страшных криков, сердечных капель художница вдруг села и нарисовала».

«Ёжик в тумане» снимали методом многоярусной перекладки, это означает, что для каждого персонажа было создано огромное количество его элементов: рук, ног, мимики. Если учесть, что для 10-ти минут мультфильма требуется около 15 тысяч картинок, то можно понять какой это непростой труд.

«Ёжик в тумане» 76 году назвали лучшим анимационным фильмом. А в японском рейтинге  лучших анимационных фильмов всех времен  «Ёжик в тумане» занимает первое место, кстати второе место у того же Норштейна с его «Сказкой сказок».

…………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)

В списке самых любимых отечественных мультиков «Варежка» и «Ну, погоди», «Снежная королева» и «Каникулы в Простоквашино», «Винни Пух» и «Карлсон» и многие-многие другие. Их создатели Юрий Норштейн, Фёдор Хитрук, Роман Качанов, Александр Татарский и Вячеслав Котёночкин золотыми буквами вписали свои имена в историю мировой анимации.

Ну и конечно же советские мультфильмы напрямую ассоциируются с Новым Годом. Может потому что накануне праздника можно было не отрываясь весь день смотреть на Снеговика-почтовика — выручавшего зайчат из лап Серого Волка, на Деда Мороза, который наконец-то узнал что такое лето, на медвежонка Умку, увидавшего в первый раз новогоднюю ёлку, сходить с незадачливым Мужичком за прошлогодним снегом, да и встретить праздник вместе с дядей Фёдором, Матроскиным непосредственно в Простоквашино. Именно из этих мультфильмов с самого детства усвоено нехитрое правило: «Говорят, под Новый Год, что не пожелается, всё всегда произойдёт, всё всегда сбывается». А стало быть, волшебство продолжается, и дарят его всё те же любимые мультфильмы.

…………………………………………………………………………………

Диктор (ЗК)  (В принципе, тут уже можно закончить)



В пору расцвета отечественной мультипликации «Союзмультфильм» ежегодно выпускал по 300-400 часов мультфильмов. Сейчас в России в год снимается около 20 часов, на Западе – тысячи часов. По мнению Юрия Норштейна, «Союзмультфильм» погиб безвозвратно».  Работа над единственным новым фильмом, «Гофманиадой», длится уже более 10 лет. Пока судьбу мультипликационного гиганта решают на самом высоком уровне, другие студии - коммерческие, продолжают радовать нас своими фильмами. Возможно именно ваш ребёнок, посетив музей анимации, выберет этот путь. Сложный и трудоёмкий, но приносящий столько радости.