Зарайские художники

Зарайские художники интересны и самобытны. Ведь чарующая природа юго-восточного Подмосковья располагает к пленэру, отдохновению, подвигает к познанию истинной красоты.

1. Борис Дергачёв
Борис Дёргачев в «Поисках радости»

А радость встречала всех, кто в ноябре 2005 года входил в роскошный зал, с которым воедино слились не менее роскошные картины художника. Радость знакомства и встречи друзей Бориса из Зарайска, Воскресенска, Раменского, Жуковского с жуковскими учеными, художниками и артистами выплеснулась знаковым началом события для всех одинаково нужного и ожидаемого. Общее чувство красоты и благодарности объединило сразу всех. Торжественные речи не были похожи одна на другую. Каждому было что сказать о многообразной творческой деятельности художника. Радовали новые знакомства с людьми, любящими и понимающими искусство. Я надеюсь, что встреча с художниками Виктором Вуколовым и Владимиром Юркевичем будет иметь продолжение в творческом сотрудничестве.
     Подарком для меня стали минуты узнавания и общения с одноклассницей Бориса, дочерью моей любимой  учительницы Р.М. Липович Татьяной, ныне директором школы с художественным направлением работы в городе Раменское. Все другие гости произвели сильное впечатление своей непринужденной общительностью. Сотрудники Дома ученых создали духовную атмосферу в организации вернисажа, сопроводив его еще концертом пианиста с мировым именем Сергея Тарасова.
Газета «Жуковские вести» в рецензии на концерт сделала такую предпосылку: «На сцене Дома ученых ЦАГИ серия концертов "Под знаком рояля" 20 октября 2005 года началась необычно – выставкой одной картины, ставшей преамбулой к вернисажу очень интересного художника Бориса Дергачёва. Сотрудница Дома ученых артистка Татьяна Назарова, проявив дизайнерский вкус, создала композицию с картиной Б. Дергачёва,
а также с фруктами, листьями и нотами в рамах… Яблоки и желтые листья продолжали ритм, заданный картиной. Благодаря такому началу все, кто пришел на концерт, смогли «увидеть музыку» и «услышать осень».
«Весь мир – театр» – сказал Шекспир. Огромный мир в образе театра преподнес жуковчанам в своих картинах Борис Дергачёв. Театр немыслим без маски, без декораций, мизансцен, расширяющих пространство основного действа, без условности и зрелищности, пристрастия к мелочам, раскрывающим сущность образов. Все это как в зеркале отразилось в интерьере выставки.
Роль маски в картинах играет Арлекин. Он всюду и разный: кукольный, наивно-детский, беспомощный – противостоит ярой силе корриды. Красная занавеска – стена позади сцены. Что за ней? – Ваша «Игра воображения». То он обретает «Место под солнцем», весь пронизанный солнечным теплом и светом. Маленькое, добродушное пугало среди лиц подсолнухов так и льет на вас мелодию песни – ликующую арию жизни.
«Вечерний коктейль» – натюрморт современной жизни в тихой красоте уюта и с Арлекином в охране.
Там, где нет зримого Арлекина, его роль художник отдает другой символике. Обращает на себя внимание и заставляет размышлять «Канатоходец». Перед нами два дома-города – два мира, между ними маленький человек, жонглирующий над пропастью. Внизу на зыбком мостике приспособились люди, им некуда падать – они на своем месте.
Художник все время рассказывает, наша задача – увидеть театральную сцену жизни. Взгляните на «Теплую осень», где деревья-люди, упрямо выстоявшие, вобравшие в себя жизненную силу и дающие картине цвет, провожают  молодую пару в осеннее прекрасное небо любви.
Рассказ о вечном «Из века в век» – это ангельское благословение свыше двух жизненных начал: мужского и женского. Символом спасения мира является крест. Сложная композиция и форма уравновешиваются цветом, а    подвеска-камень воспринимается равновесием силы этих двух начал.
«Рождение образа» – как бы прелюдия к картине «Из века в век». «Очертания сновидений» – самая яркая по цвету, одна из первых работ этого  плана. Стоит  увидеть «Осенний ноктюрн», где образ души с глазами
самого художника, излучающими голубой свет на весь мир, чтобы ощутить всю мудрость его жизни.
И «Берегиня» – два начала в одном, тоже голубом цвете на фоне любимых автором калов, встает как образ нежности, чистоты и искренности.
Что же объединяет выставку в единое целое? Это, прежде всего, ее общий стиль, который я назвала бы постмодернистским символизмом, изысканность колорита, созерцательная зрелищность композиции и глубокие философские основы всего творчества художника.
Пожелаем ему вдохновенного творчества в поисках радости и новых встреч с людьми, любящими искусство, далеко за пределами родного города. На этом пути современный Зарайск прославлен и вознесен Дергачёвым, подобно Витебску у Марка Шагала.


2. Евгений Печёнкин
Интервью с выставки
            
Каких только художников не было в Арт-салоне г. Жуковского за семь лет
его существования: реалисты, авангардисты, философы, абстракционисты, импрессионисты и сюрреалисты. Но того, что мы увидели на открытии выставки зарайского художника Евгения Печёнкина, не было никогда. «Его творчество нельзя определить никакими «измами»! Он трансформировал в себе художественную культуру многих веков, осмыслил классические легенды и фольклор глазами свободного современного человека с душевным строем ребёнка», – так начинался рассказ жуковского телевидения о выставке Печёнкина. Далее следовал рассказ о самом художнике и показ его работ.
А вот несколько эксклюзивных высказываний из Арт-салона в разные дни работы выставки 2001-го года.
Доктор физико-математических наук Н. Таганов: «Очень содержательные сновидения, интересно их разгадывать, думая о состоянии души художника. Замечательны офорты. Портрет Высоцкого – шедевр!»
Член союза художников России, педагог школы искусств Лариса Бирюкова: «Ко мне прибежали дети и закричали: ”Мы видели сказочную выставку в Арте, все феи добрые и летают вместе с петухами”. Когда я увидела картины, то поняла, что мне не хватает детского воображения, всё показалось странным и более того – враждебным моему сознанию. Мне не хотелось входить в салон. Встреча с хозяйкой салона Н. Верниковой раскрыла мне глаза и душу – сейчас не хочу отсюда уходить».
Художник, режиссёр экспериментального сюрреалистического театра Центрального дома художников Сергей Лучко: «Какая глубина мысли, логика чувств! Лик художника в работах соответствует графическому автопортрету. Он многогранен и уникален. Как можно так вырваться! Это искусство 21-го века!»
На просьбу сказать что-нибудь о работах Печёнкина Виктор Белов, художник-график, ответил: «А что говорить? Пусть каждый видит то, что хочет, – простор для собственной фантазии огромен!»
Элеонора Александровна, пенсионерка: «Удивителен портрет Высоцкого. Так и слышишь голос Гамлета: “Быть или не быть?“ Я люблю многие портреты актёра, но такого ещё не видела! В некоторых работах Печёнкина много деталей, аксессуаров, раскрывающих смысл, но порой мешающих общему живописному звучанию картин».
Меня интересовали люди, которые вдумчиво и подолгу рассматривали картины, составляли свою временную, философскую систему связей живописных работ. Были среди них и такие, кто не хотел говорить, но потом вдруг приходил на другой день и приводил с собой друзей. Некоторые отвечали однозначно – «понравилось» или «не понравилось». Особенно много зрителей было после публикации статьи в газете «Жуковские вести».
Общая атмосфера выставки – напряжённо активная, зрители думали и сравнивали свои прежние приверженности к живописи с этим новым и необычным явлением.
Приведу ещё выписку из книги отзывов, принадлежащую корреспонденту региональной газеты «Грань» В. Я. Бабичу: «Евгений Николаевич! Ваша «двухэтажная» персональная выставка говорит: «первым этажом» – о мастерстве, профессионализме художника, а «вторым этажом» – о том, что определяет Ваше лицо как творца и не позволяет Вам затеряться среди многих.
Удачи Вам!»

            Музей мечты Евгения Печёнкина
               
                Талант разрушает стереотипы, гений создает новое.
                Гёте               
Пространство красоты, в котором побывали художники и гости выставки Евгения Печёнкина, возникло вдали от Зарайска, на окраине Луховиц в 2005 году.
В огромный зал, опрокинув пространство Космоса, поселилась музыка, позволив воссиять всем граням небывалого творческого духа художника. Наше сознание вмиг оказалось внутри этого звучания, и стало ясно, что рождает эту музыку: цвет и линии, композиция и новая техника, и то, что в подобном случае нельзя определить словами. Художник-новатор смело создает целый мир новых, глубоко своеобразных ощущений и образов, воплощая их через исключительно оригинальный язык, расширивший выразительные возможности этого вида искусства.
Попробуем дать анализ и выразить то, что пронеслось в нас, как «мимолетное видение», оставив глубокий след навсегда. Это, прежде всего, внутреннее  пространство   каждой  картины,  ограниченное линиями, да  и
сами линии, чрезвычайно напряженные. Тональность цвета зависит от малейшего изменения внутреннего колебания напряженности. Зримо вырастает аналогия тональности цвета тональности звука в  музыке. Именно в этом кроется причина оркестрового звучания всех картин мастера. Роль различных инструментов оркестра играет само графическое построение линий. Соло здесь непредсказуемо, переменно, зависит от настроения зрителя-слушателя.
Для меня самые сильные чувства, создающие настрой, связаны с портретами Пастернака и Высоцкого. В них художник достигает высочайшего накала энергии, характерной для самой сущности этих личностей. Скрябинское, прометеево начало в портрете Пастернака трудно не услышать, тем более, если вспомнить, как менялись линии его рисунка в процессе их рождения.
Портрет Высоцкого с его шекспировским охватом жизни являет современного уникального Гамлета с гитарой, настроенной на трагический лад.
Картина «Жемчужина» – самая яркая, изысканная по цвету – есть не что иное, как неоднократное отражение пространства, связанного переливом линий и цвета, заключающих невидимую драгоценную тайну внутри. Это явление нового образа, исключительно ёмкого в своей характеристике.
Для воплощения идеи в некоторых работах аскетизм красок восполняется микронной точностью линий, звучащей точкой тишины, готовой двигаться, создавая новые линии в нашем воображении.
«Горизонталь» издает протяжно-долгое звучание одной струны, усиленное громкостью красного цвета, обнажая тем самым связь с космическим пространством.
Готические виражи «Вращений» и статика плавных линий классицизма находятся в контакте, дополняя общую гармонию звучания.
Многогранность интеллекта, усиленного игрой воображения, подводит нас к «Шахматной карте жизни», философски осмысленной в масштабах Вселенной.
Рассказать обо всех работах невозможно. Их нужно видеть, долго перед ними стоять, соизмеряя свое видение с замыслом художника, вспоминая слова классика диалектики Ф. Энгельса о том, что «чем более скрыт замысел художника, тем выше произведение искусства».
Открытие выставки Евгения Печёнкина в Доме ученых г. Жуковского в 2003 году совпало с юбилейным концертом памяти С. В. Рахманинова, на который была приглашена внучатая племянница композитора Марина Густавовна Зилотти. Она внимательно рассмотрела экспозицию и потом сказала, что для вечного искусства нужно вечное помещение – музей. Новаторство живописи она сравнила с новаторством в музыке.
Так проходят выставки зарайского художника-философа Печёнкина. Его искусство элитарно, понятно лишь тем, кто умеет «слушать музыку сфер». Задача и цель таких выставок состоит в том, чтобы поднимать Человека до высот понимания настоящего искусства.

             Полифония чёрного кистью мастера Евгения Печёнкина
              (Репортаж из Дома учёных г. Жуковского 2004г.)

Любое открытие сваливается на тебя мгновенно и объединяет чувства, мозг, зрение, душу в единый, мощный удар творчества. Мысль превращается в слух, слух в зрение – рождается мелодия света. Быстрота распространения его действия похожа на работу волшебной палочки дирижёра: взмах – удар, и вы во власти звучания оркестра.
Такое мгновение наступает, когда видишь новые работы художника Печёнкина, идущего в ногу со временем, многогранность которого выражается с точки зрения живописи лаконично – чёрным. Но каков этот лаконизм?! Каков цвет?!
Он динамичен в своём непостоянстве, заставляет вас двигаться, порой изощряться в выборе позы, чтобы дать возможность увидеть превращение в новую грань цвета и света.
То он уходит в себя и становится чернее чёрного, то выходя на разговор с вами, звучит индиго. Глубина всегда парадоксальна: чем глубже, тем яснее беспредельность; и чем ближе к беспределу – неизбежна растворённость в нём. Это похоже на преодоление земного тяготения и обретение чувства свободного полёта в невесомости. Здесь столько тайн, и ты пытаешься разгадать их, доведя свою фантазию до бесконечно звучного и только тебе понятного светового образа.
Гармония в единстве разного. В картинах ощущение гармонии изначально. Разное появляется в работе интеллекта, в способности различать оттенки непредсказуемого. И в этом – начало проникновения.
А дальше ты становишься сопричастным Мастеру, достигшему невероятно цельного охвата всего, что тебя волнует, заставляет думать и чувствовать родство происходящего здесь на холсте, в огромном мире и в душе человека. Художник, создавая новый цикл работ, воспроизводящий исследование чёрного цвета, и здесь на двух самых больших холстах рискнул испробовать эстетику офорта, несколько объясняющую, на мой взгляд, смысл. Это не нарушило целостности произведения, и звучит как дивертисмент c иной философской идеей.
Все картины этого цикла достойны  выставления в самых престижных картинных галереях мира. И счастлив человек, окунувшийся в чистую воду беспредельно глубокого чёрного цвета Евгения Печёнкина. Пожелаем, чтобы таких счастливых людей было много.


3. Лариса Филиппова
Портрет Ларисы Филипповой  по картинам  с выставки

                Художник, кто что б ни говорил,–
                Не слушай никого – твори!
                Л. Филиппова
Я не знакома с Ларисой Степановной и ее картины в таком количестве вижу впервые. Прекрасно понимаю, что мало описывать впечатления от произведений искусства. Картины – это способ познать душу автора, художественной школы и направления, увидеть эстетическую и этическую стороны жизни, которые несет в себе художник. А высший план – это то, что, сам того не подозревая, художник доставляет истории самый плодотворный документальный материал.

Лариса Степановна – интересная, лирико-романтического склада личность. Ее поэтический дар сродни дару живописца, а все творчество – бесценный дар людям. Вся жизнь художника – в образе природы цветов, родного пейзажа, в любовании красотой предметов, в создании той среды, которая ведет к пониманию прекрасного и через утверждение этого понимания воссоздает новую реальность, так необходимую для духовного становления людей.
Создается высокая степень впечатлений от того, что изображает художник, через высокую степень условности образной выразительности. Нет, она не подражает, а возвеличивает все, чего касается кисть живописца. Здесь все знакомо и все ново: жемчуг и бусины смородины, фарфор статуэтки с фарфором вечных лилий, ликующие аккорды сирени, хор соборной мальвы.
«Старое дерево» – память, а «Последний снег» – ожидание света и тепла. Вы слышите, как звенит хрусталь, как сияет металл! Как собраны в многопредметные композиции, гармоничные по цвету, обычные и не совсем обычные вещи! Во всем – благородство, чистота и точность рисунка, сдержанный ритм, изысканный колорит. А с какой свободой, легкостью и точностью цвета и мазков создан «Портрет старика»! Иллюстративные детские портреты живы и обаятельны!
Спасибо художнику, что встреча состоялась, и итог ее хочу выразить словами: «такие характеры, как у Ларисы Степановны, вносят с собой в художественное произведение именно те ценности, которые они сами имеют в природе».


4. Виктор Вуколов
Взгляд на творчество Виктора Вуколова в контексте истории пикториальной фотографии
                «Сотри случайные черты…»
                А. Блок
Каждый вид искусства говорит на своем языке. Это язык жанров, цвета, линий, объема, звуков, пластики. Художник пытается найти свой индивидуальный язык, но далеко не каждому удается выразить языком души ту тайну, которая заключена в сущности произведения, чтобы оно стало искусством.
Подход к фотографии как к искусству, близкому к живописи, которое отличается от живописи только технической реализацией получения изображения, был известен с самого начала ее изобретения. Это касалось, прежде всего, фотопортретов современников, которые являлись, по замыслу авторов, этюдами для написания картины. Известно, что именно эти фотопортреты вошли в классику мировой культуры как образцы высокохудожественных произведений, а не конечные полотна. Живописное творение оказалось значительно слабее фотографических этюдов.
Основа пикториальной фотографии исходит из того, что художественное произведение никогда не бывает и не может быть объективным воспроизведением действительности, так как оно, в сущности, передает не самую действительность, а лишь представление о действительности, создавшееся в душе художника. С позиций особенностей пикториальной фотографии я и хочу взглянуть на творчество Виктора Вуколова.
Мое первое знакомство с ним состоялось на пленэрной выставке «Есенинская Русь», и тогда уже появилось некое завораживающее таинство
от его работ, исполненных чувством мастера, виртуозно владеющего своим материалом.
На выставке пикториальной фотографии в марте 2006 года в Зарайске, где было показано более ста этюдов мастера, я восприняла фотографию как одно из великих искусств и поняла, что в нем действуют строгие законы, подобные музыкальной гармонии.
Как удалось ему погрузиться в недра своей души, чтобы явить нам свой трепетный мир, где все напоено такой жизненной энергией, которую можно ощутить почти физически? Мне кажется, что каждый кадр на выставке наделён особым храмовым значением. И этот смысл фотоискусства Виктора Вуколова напоминает нам о ценностях, которые вряд ли когда-нибудь устареют. Все его работы отмечены печатью таланта: изысканным вкусом, чисто русским монументальным лиризмом и особой музыкальностью. Работая в рамках культа красоты, фотограф украшает видимый мир. Поэтому в его творчестве наиболее распространены романтические и поэтические пейзажи.
В век современной цивилизации фотокамера не является чудом техники. Почти каждый, кто хочет снимать, имеет свой фотоаппарат. Но как много сейчас среди профессионалов тех, кто выдает свои нередко конъюнктурные и «паспортные фотоснимки с жизни» за шедевры, ставя ремесло на поток и потрафляя потребительским, подчас просто рыночным вкусам. Все фотографии Виктора, помимо чисто профессиональных достоинств, заряжены нравственными  качествами:  честностью,  открытостью и бескорыстием. Его объектив, сердце и мозг находятся на «одной прямой». Этот образ служения искусству подарил всем фотографам мира маэстро Анри Картье-Брессон. Однако не каждому суждено выйти на эту прямую. Это заветное триединство я ощущаю как Дар Божий. У Виктора он несомненно есть.
Перед зарайскими людьми, наполненными невыразимой любовью к родному краю, Виктор Вуколов встает как неустанный странник, «очарованный странник», ибо он умеет читать среднерусский ландшафт глазами нашей поэтической классики и видит в своей малой Родине всю Россию. Он наделен талантом слышать - то, что древние называли «гением места» - то божество, тот дух, что животворят и вдохновляют художника. В
его работах природа чувствует, мыслит, переживает как пейзажи-стихотворения, пейзажи-поэмы, пейзажи-строфы. Всякая картина поет, отзываясь на внутреннюю мелодию.
Пожелаем городу Зарайску издать еще одну энциклопедию – энциклопедию русского поэтического пейзажа Художника Виктора Вуколова.

5. …и другие

                "Зарайские Передвижники"

Художественная культура зарайских художников имеет глубокие корни и плодотворную почву для своего произрастания. Обойти вниманием основу этой культуры просто невозможно. Это не только географические особенности места. Она имеет общий идейный исток искусства, проявленный именами гениев, духовными усилиями которых создан образ прошлого и будущего. Мощный жизненный заряд энергии Анны Семёновны Голубкиной (1864-1927) и Фёдора Денисовича Константинова (1910-1997) не мог ограничиться жизненным пространством малой Родины – выход за её пределы был неизбежен. Жажда самовыражения, огонь таланта требовали познания всего того, что создала мировая человеческая культура. И на основе этого – исследовать новые возможности искусства.
Идеи французских импрессионистов в живописи и скульптуре впитала в себя русская женщина и воплотила их в русских характерах, придав им одухотворённость и жизненность. Понятно беспокойство Анны Семёновны о сохранности художественных культурных ценностей в Зарайске. Недаром в 1970-е годы В. И. Полянчев организует здесь скульптурный кружок имени А. Голубкиной, из которого потом вышли многие известные художники.
Трудно переоценить значение творческого общения Ф. Д. Константинова
с зарайскими художниками. Культура – это, прежде всего, личность, индивидуальность. А диапазон личности Константинова чрезвычайно велик. Его выход в культуру другой страны, на вершину другой культуры осуществился ещё и потому, что он обладал внутренней свободой, самосознанием и чувством соответствия себе. Появление его графических иллюстраций к общеанглийскому памятнику культуры XIV века «Кентерберийским рассказам» сделало его при жизни  классиком  мировой
художественной культуры. Есть кинофильм того же названия, стоп-кадры которого напоминали мне иллюстрации Константинова. Графическое прочтение Шекспира, русских классиков Пушкина и Лермонтова – это не
полный перечень великого искусства Фёдора Денисовича. Его подвижничество в смысле полной самоотдачи искусству, его идеи просветительства не могли не повлиять на формирование творческих личностей и на их способность создания среды такого уровня, такой культуры.
               
Новое подвижничество вылилось в новое передвижничество на грани XX-XXI веков, когда идея просветительства была поднята на современный уровень. И решение об устройстве художественных выставок в разных городах Подмосковья для широкой пропаганды современного искусства  стало необходимо. Художники всегда поставлены перед выбором: следовать натурализму и коммерции или сделать глубоко гуманистические идеи школы Голубкиной и Константинова определяющи-
ми в своём творчестве. Как показала жизнь, выбор оказался правильным.
Появились художники, уровень интеллекта которых, а также уровень образованности и любовь к своей малой Родине – Зарайску – открыли путь к пониманию и признанию их искусства. Среди них есть люди, идущие своим путём, как движется сама жизнь, невзирая на видимые успехи или противостояния.
Примером является искусство Евгения Печёнкина. Его участие в выставке «Арт-Манеж, 2005» и приобретение некоторых его картин английским искусствоведом показали высокий уровень его творчества в современном мире. Пластика линий создаёт эмоционально напряжённое внутреннее пространство каждой картины. Тональность цвета зависит от малейшего  изменения  колебаний  этой  напряжённости.  Тональность цвета сопоставима только лишь с тональностью звуков в музыке. Именно в этом кроется причина оркестрового звучания всех картин мастера. Роль различных инструментов оркестра играет само графическое построение линий. Соло здесь непредсказуемо, переменно, зависит от настроения зрителя-слушателя.
Смелое обращение Народного художника России Владимира Пименова к иллюстрированию литературных произведений, которые имеют сложный идейный, сложный текстовый и языковой материал, является духовным наследием школы Константинова. Я имею в виду иллюстрации к произведениям классика советской литературы Андрея Платонова. Многожанровые полотна Пименова нашли своё место в музеях России и за её пределами.
Распахнутая щедрость души, философски обозначенный интеллект, вникающий в извечные проблемы человечества, краски мира в его разнообразии, собранные в нежнейший аккорд на холстах, театральная созерцательная зрелищность композиции создают общий стиль работ мастера Бориса Дергачёва, который я назвала бы постмодернистским символизмом.
Кажется, все виды изобразительного искусства представлены в зарайском содружестве. Среди работ есть абсолютно редкие – это работы Владимира Юркевича, исполненные в авторской технике «репродукционной гравюры на дереве». Сам Константинов успел дать восторженный отзыв на обратной стороне одной из гравюр в виде благодарственного письма автору. Особенностью зарайских художников является их  постоянное  общение
с редчайшей по красоте природой, воспетой в поэзии Сергея Есенина и Павла Радимова. Оно сыграло свою роль в единении художественно одарённых личностей. Их творчество овеяно песенной ликующей лирикой.
Лариса Филиппова может украсить своими натюрмортами уют любого интерьера, перенося излюбленные ею уголки и дары природы к изящным предметам быта. Её пейзажи и портреты искрятся любовью. Сочетание тонко просчитанного рисунка со звучанием живых красок, изобразительность пластического решения композиции создают гармонию во всём, к чему прикасается кисть этого художника.
Есенинская Русь изобилует пейзажами столь разных зарайских мастеров этого жанра: Н. Филиппова, А. Раскина, В. Никитина и И. Кузнецова. Передача колорита старого уездного города с его традиционным укладом жизни, привычками и обычаями – ещё одна тема, мимо которой не могли пройти художники, осмысленно освещая её в новом современном контексте.
Особо хочется сказать о лидере этого объединения Н. И. Филиппове – человеке больших художественных возможностей, имеющем ещё и дар организатора такого сложного характерного человеческого объединения. Благодаря его усилиям возник союз зарайского объединения с творческими объединениями других городов Подмосковья. Обмен выставками способствует усилению и расширению профессионального потенциала художников, обогащению их общей и художественной культуры.
   
Имена художников, названные здесь, являются знаковыми, а всего в зарайском объединении трудятся более тридцати человек во славу Жизни и
Искусства. Их объединение рождает дух общения, необычайное чувство соборности - это и есть культура, растворённая в воздухе жизни. Значение их участия в сохранении лица, души, своеобразия малого города вызывает глубокое уважение.
Спасибо этому оазису древнего Зарайска!


            Размышления на выставке «Есенинская Русь»

Трудно в Зарайске не быть художником, живописцем – тем более, если есть на то Божий дар. Гиперболичность этих слов опровергнуть невозможно, ибо географическая энергетика местности создаёт мир жизни, который полнится энергией творчества.
Природа сама здесь живописует, создавая таинственные образы, манит понимать и действовать, выражать это духовно – поэзией. Недаром выставка пленэрной живописи зарайских художников «Есенинская Русь» очень соответствует своему обворожительному названию.
Бродишь в одиночестве в приветливом пространстве выставки, где господствует добрая аура, испытываешь тихую радость общения с прекрасным. И хочется благодарить всех, кто организовал действо самого пленэра и дал людям возможность увидеть результаты этого действа. Позже я узнала, кто они: прежде всего директор кино-концертного центра «Победа» Б.В. Дергачёв, бессменный руководитель творческого коллектива зарайских художников Н.И. Филиппов и, конечно же, А.А. Кухаренко, депутат Московской областной Думы, ревнитель культуры в области, выделявший средства для её поддержки и развития.
Здесь всё продумано, всё профессионально, всё отражает главную идею –
единение художников Зарайска с художниками Рязани, Каширы, Луховиц, Серебряных Прудов, Москвы. Эта идея фиксируется фотозарисовками с пленэра, где наглядным образом соединились искусство живописи и искусство художественной фотографии. А Виктор Анатольевич Вуколов проявляет себя как истинный художник. Его работы вписаны в общий интеллигентный тон выставки.
Далее видишь… Картины развешены так, что легко отличить стиль, технику и личностный способ выражения художника в каждой. Художник поёт свою партию – а слышишь звучание хора. Голос классика зарайского пейзажа Н.И. Филиппова с новой, необыкновенной для него цветовой гаммой начинает этот хор. Пластическая обобщённость образов художника Б.В. Дергачёва усиливает вступление.
А дальше возникает партия баритона Ю.Н. Баютова из Каширы, где звучит не только цвет картин, но и зажжённый цветом свет. «Знойный полдень» сражает вас световой раскалённостью, от чего теряется чёткость восприятия натуры. Так же в картине «Татарник» светящиеся пушистые цветки делают колючки не колючими. Но  главное – в картине «Константиново. Ока Есенина». Эту работу  мастера  я  поставила бы  эпиграфом ко всей выставке. Она – настоящая звучащая, песенная поэзия Сергея Есенина, выражена цветом и светом: порхают синие птички облаков, отражаясь в прохладной водной юдоли - и всюду разлитое солнечное счастье!
Голос зарайского художника А.М. Раскина показал всю (или ещё не всю?) широту его дарования: от декоративной, изысканной по цвету акварели «Кувшинки» к состоянию вечера на фоне кремля с потухающими
огоньками «Золотых шаров», пейзажу «Константиново» и «Ливадия. У водосброса», где воздух окрашен в зыбкие утренние тона – не цвет, а предчувствие цвета. Эта цветовая скупость (зелень – фиолет) передаёт «состояние затишья перед бурей» (обвал воды произойдёт потом, вдали от нас).
Меццо-сопрано А.С. Касаткиной (Серебряные Пруды) звучит лирично и тихо, как воспоминание прошлого: звоном одиночества в картине «Старые ворота», обволакивающей тишиной «Тихого вечера», тайной «Улочки». Невозможно и не нужно объяснять, как создаётся подобное настроение.
Монументальные работы В.В. Чечёткина (г.Луховицы), выполненные маслом, своим лиризмом не уступают акварелям Раскина и Касаткиной. Свет и небо – определяют идейную сущность художника. Именно они делают пространство бескрайним. «Раздолье» не только пейзаж есенинского стиха, но и проникновение в есенинское время – так было.
Нельзя не услышать голос тончайшей ажурной графики и пластики акварели Г.И. Метченко (г. Кашира), не почувствовать звон колоколов за «Древними стенами Зарайского кремля» и шум воды у «Старой мельницы» в работах А.А. Филатова (г. Рязань). Явный интерес и любовь к истории звучат у художника из Москвы С.П. Марясова. Его «Кремль» и «Древний Зарайск» эту любовь излучают.
Последний мощный (не пленэрный!) аккорд выставки дают работы зарайского художника В.М. Никитина. «Пора  летних гроз» поражает силой звучания цвета, экспрессией движения, широтой и глубиной охвата пространства. Это не искусственная яркость – это философия и анализ чувств художника. Так я поняла эту работу. Думаю, что к живописанию соборов и церквей художник вернётся ещё не раз, и нам предстоит увидеть новое.
Рисование с натуры в природе (пленэр) – естественно, но – не цель, а средство выражения мыслей и чувств. Данная выставка подтверждает это. Мастерство художника усиливается его трудом, который достоин уважения. Вероятно, я до конца не поняла и идеи, и личностные способы выражения художников. Хочу посмотреть ещё раз, ждать новых встреч и нового знакомства. Убеждена лишь в том, что никаких конкурсов на звание «лучшего художника» быть не должно. Баллы в искусстве – «вкусовщина».
Счастья и мастерства всем во имя и во славу искусства!


               Выставка «Шахматы» в «Арт-салоне» г. Жуковского

Жизнь не только театр. Есть ещё и шахматная карта жизни. В этом можно убедиться, побывав на выставке художников галереи «Пятый дом» г. Жуковского. Импульсом к созданию этого умозрительного чуда явилась картина художника из города Зарайска Евгения Печёнкина, имевшего персональные выставки в Жуковском в декабре прошлого года, участника международного «Арт-манежа 2005». Его работа «Шахматы» имела большой успех ещё и потому, что в инсталляции стояла шахматная доска с настоящими шахматными фигурами и, естественно, привлекавшая любителей поиграть и глубоко задуматься над супрематистским произведением. В нём оказались закодированы поэтические строки В. Высоцкого из стихотворения «Честь шахматной короны»:
   Клетки, как круги перед глазами,
   Королей я путаю с тузами
   И с гамбитом путаю дуплет…
И художники галереи «Пятый дом» решили попробовать воспроизвести своё понимание шахматной картины Жизни. И многим это удалось сделать в самых разных художественных направлениях и стилях, символика которых позволяла выразить основную, порой фантастическую идею бытия.
Образ «шахматной королевы» в игре создаёт женский портрет с психологией непредсказуемого действа в жизни пластикой линий и элегантностью композиции и формы в работе Юлии Евстигнеевой в технике батика.
Совсем иную картину являет живописная работа Ольги Карелиной. Среди шахматных просторов Земли стоит маленький Человек. Он ещё не знает, куда и как шагнуть, весь мир для него ; естество жизни. Он чист, как ангел во плоти. Размышляем за него мы, зрители. Это для нас понятно название картины «Дороги, которые мы выбираем».
Две удивительные работы детей, созданные в колорите основной картины Е. Печёнкина, но с иным, очень детским видением мира и своим участием в нём. Состояние настроя на победу участников в картине 9-тилетней Камилы Колаевой «Встреча перед сражением» передано графически и цветом. Люба Бабаева (11 лет) в своём «Дебюте» мастерски передаёт через архитектуру фигур художественную значимость шахматной игры.
Работы в жанре пейзажа показывают широкий диапазон охвата темы в разных технике и стиле. Рукотворный пейзаж Вячеслава Самарыча «Полевые игры. Быково», выдержанный в его любимой акварельной манере живописи, отводит нас на шахматные участки шести соток, преобразующих карту природы. А Евгений Быканов показал пикториальную фотографию, вписав шахматную доску в контекст красивой природной среды, создав тем самым её полную гармонию с техникой.
Мы восприняли как послание свыше картину художника из Улан-Удэ Сергея Салухова. Её история такова. Сергей приехал в Москву, чтобы продать свою работу на художественном рынке или отдать в Третьяковку. Успеха не было. Встреча с художником из Жуковского, где готовилась выставка «Шахматы», помогла определить её предназначение ; продать в хорошие руки галереи «Пятый дом». В его картине ; ещё один способ или метод использования шахматной игры. Это целый художественный эпос о человеческой жизни наивно-чистого художника. Бело-чёрные квадраты поля с двумя пешками на нижнем крае и величественным храмом на горизонте ; основная композиция картины. Но… Золотые купола, направленные в бесконечность пространства, отдают клубы Божественного света, который чем дальше от центра, темнеет до тёмно-серого, почти чёрного. От ярко-белого центра проходит прямой луч к пешке на белой клетке, а от мутно-серого угла ; к чёрной клетке. В центре картины лучи пересекаются. Вот такое повествование о добре и зле на Земле даёт художник, предоставляя нам право размышлять дальше ; каждому о себе.
Какой луч падёт на нас? На какой клетке мы окажемся? Есть ли право выбора?
Привлекает и заставляет удивляться и размышлять натюрморт Владимира Рощина «Эндшпиль». У шахматной доски голова Нефертити стоит на книгах о шахматах трёх авторов: З. Тарраша, Б. Фишера и А. Алёхина. Нефертити играет чёрными, зритель (автор) ; белыми. На поле: чёрные король и пешка и белые король и пешка. А мата нет ; силы равны. Часть доски не показана. Может быть ещё есть фигуры? Состояние, в целом, многозначности и неопределённости ситуации. Элементом игры и композиции являются мячи: большой ; розовый и малый ; зелёный. Мягкий цвет уравновешивает композицию и состояние напряжённости игры.
Поэтичные и изящные работы женщин-художниц вносят струю любви в интеллектуальную игру: Лариса Бирюкова ; «Хочу быть королевой», а Татьяна Подоль  свою работу «Шахматная партия» сопровождает стихами:
      Я буду королём, ты будешь королевой
      Всего лишь один час, пока в крови заря.
      Любовь всегда права, а скорбь приходит слева.
                А. Бальюри
Заданность темы коснулась и политики в работе Николая Щеулова «Напрасная жертва»: на шахматной доске, плавающей в море, в образе плодов разного состояния, формы и цвета показаны результаты борьбы партнёров оранжевой революции на Украине.
Есть на выставке и художественно-прикладное искусство. Ручная уникальная работа, мастерски выполненная Верой Яговкиной, изображает шахматную доску, украшенную бисером и золотым шитьём, с  фигурами из бисера; сумка такого же стиля предназначена для хранения атрибутов шахматной игры. Есть и настоящие шахматы Натальи Наумовой, где изящные фигуры расписаны северным орнаментом.
Арам Акопян представляет  нам ритмичный в цвете и композиции супрематизм, связанный с известными психологическими типами человечества. Его работы: У охотника свои ходы, Ладья Василия Кандинского, Хитрый лис обдумывает свой ход.
Что же объединяет выставку в единое целое? Это ; гармония духа и интеллекта, процветание мастерства, торжество вечных ценностей Культуры.
Мощным аккордом звучит монолог Игоря Максютина в его картине «Дом купеческого рода», раскрывающий призыв беречь прошлое, беречь красоту, созданную людьми в каждой клеточке на огромной шахматной карте Мира.

                Вернисаж памяти и любви

На эту юбилейную выставку меня пригласил сам художник за несколько месяцев до её открытия: «Приезжайте обязательно и потом напишите».
Вот я и встретилась с художником, картины которого являются зеркалом его души. Сам Виктор Васильевич Чечёткин никогда не прочтёт того, что я о нём написала. Как получилось –  судить не мне, но его просьба выполнена с любовью. Хорошо, что живую, многогранную жизнь Виктора Чечёткина зрительно собрал по фотографиям  в единую картину «Память» зарайский фотохудожник  В. Вуколов и преподнёс всем его друзьям и ценителям искусства.
Здесь аура бессмертной души, огромное пространство таланта, таланта яркого и многообразного. Охватить всё разом нет сил, потому что каждая картина, как личность, завораживает, удивляет, заставляет думать и сопереживать. Вы возвращаетесь ещё и ещё раз, чтобы почувствовать всё сначала и понять степень значения каждой работы.
 Цветовое излучение – это краски природы: небес, земли, лесов и полей, весны и лета, осени и зимы. Всё близко, доступно и понятно. Но… Что это? Васильки и ромашки, собранные почти в шар, обладают такой энергией новизны, что воспринимаются, как открытие ещё невиданной красоты. Почти левитановская  по композиции «Осенняя симфония» выливает на вас всю мощь мгновения золотого оркестра. Удивительна свобода в новой подаче красоты и в других работах мастера.
Цветовые плоскости в картинах, разных по форме и размеру, гармонично сливаются в единое композиционное целое. Соединяя их, художник  интуитивно передаёт свои  чувства через такое построение.
Кисть в руках Чечёткина рождает чудеса. Она  разбрызгивает капли цвета, превращая их в лучи света. Нежные и лёгкие мазки, как дыхание, ложатся на холст. Глубокий, сильный мастихин создаёт объём гроздей сирени со всеми её оттенками.
На нас смотрят все жанры: пейзажи, натюрморты, портреты. Много цветов. За ними стоит художник, нашедший свой стиль, свой особый язык выражения, передающий состояние, самые различные настроения природы и человека.
Очевидно пристрастие художника к лошадям и небу. Лошадь для Виктора Чечёткина – образ человека-труженика, всё понимающего друга в картинах «Одиночество» и «Печаль». Трудно отойти от этих работ без сердечного трепета, укора своей памяти, всплеска совести.
В картинах много неба. Такого неба, что дух захватывает не только от его простора и высоты. Оно наполнено воздухом, который ощущаешь физически, пьёшь глотками. Это природа вечная, не изменённая человеком, доставшаяся нам разве только что в поэзии Сергея Есенина. И у Чечёткина именно эта живопись наиболее поэтична. Влюблённый в небо, витающий в облаках мастер иногда подаёт его в обратной перспективе, чтобы запустить в него птицы облаков.
Когда и почему в человеке рождается художник?  Портрет матери в лучах солнца, тёплая и ласковая природа деревни и мальчик за простым мольбертом, делающий  первые штрихи в отражении этой благостной красоты, чтобы потом превратить её в искусство. Такова жанровая сценка, притягивающая своей достоверностью ответа.
Нельзя обойти вниманием портрет Пушкина. Он психологически немногогранен и передаёт момент состояния  личности в готовности защищать свою честь и честь женщины. Его обречённость и страх жены переданы предельно точно.
Живой человек – художник водит вас по залу, раскрывая тайны своей души и невольно заставляя смотреть на мир его глазами. Чистый взгляд много знающего и понимающего весь смысл земного бытия человека дарует нам духовное очищение и поклонение перед силой его искусства нравственной красоты, которая и «спасёт мир».
Для тех, кто побывал на выставке памяти Виктора Чечёткина, стали близкими слова Ф.М. Достоевского: «Тайна бытия человеческого не в том, чтобы только жить, а в том, для чего жить».