Понимать зрителя. Васильев Алексей Григорьевич

 

…Горит вечный огонь.

И как реквием павшим, как завещание живым и строгий наказ беречь землю от войн и разрушений звучит торжественная и величавая музыка.

К вечному огню идут люди. Среди них –  чувашская женщина, потерявшая на войне сына, молодая девушка-невеста солдата, не вернувшегося с войны, офицер – участник войны, доживший до победы. Минутой молчания чтят они память о солдатах отчизны, о дорогих и близких им людях.
Это происходит в наши дни (семидесятые годы – прим. автора).

А затем действие переносится в военное время. Две женщины получили весточку о том, что через станцию Канаш должна проследовать на фронт Сибирская дивизия, в которой было много парней из Чувашии. Среди них и Михаил – так звали сына чувашской матери и жениха чувашской невесты. Обе они не знают друг друга и не знают, что встречают одного и того же человека.
А потом это случайно выясняется. Из их разговора мы узнаем много интересного о Михаиле. Так и остаются эти женщины в нашей памяти, как две большие птицы, мечущиеся в грохоте уходящих на фронт эшелонов, в грохоте военных лет. На суперзанавесе мелькают солдатские лица, взятые из документальной военной кинохроники. Многие из них не доживут до победы. Но у каждого на земле осталась мать, жена или невеста – женская верность, женская память, женская любовь. И пока они есть на земле, нить жизни не оборвана, она протянется в будущее.

Спектакль «Сибирская дивизия» по пьесе чувашского драматурга Николая Терентьева Чувашский республиканский театр юного зрителя посвятил молодым солдатам, ушедшим на фронт и не вернувшимся. Он стал этапной работой театра.

Работа над спектаклем была для режиссера А.Г. Васильева настолько дорогой и трепетной, настолько он боялся чьего-либо непонимания, что даже решился взять на себя и художественное оформление. В этой работе он добивался и от себя и от исполнителей предельной искренности и чистоты.

В настрой спектакля удачно вплелись кинокадры поездов, убегающих на запад, на бой с врагом. Есть в этом спектакле грусть, и скорбь о тех, кто не пришел с фронта. И еще любовь –  да, наша любовь к ним, которая никогда не погаснет.

Спектакль этот и по сей день идет на сцене театра. ( 1979 год- прим. автора). В роли главной героини Ольги выходит на сцену молодая актриса Лидия Красова. В театре это была ее первая большая роль. Режиссер доверил ей роль такую неоднозначную, полную предчувствия в трагической развязке –  роль девочки- солдатки, так и не дождавшейся  своего любимого с войны. Лида Красова играет ее сдержанно и благородно, но на полном накале юношеского стремления к счастью, любви, через грубо оборванную мечту показывая раны войны, трагедию и высокую нравственность поколения сороковых годов.

Восемь лет – срок немалый. Бывает, что другие спектакли не выдерживают проверки временем, но «Сибирская дивизия» постоянно шла при полном зрительном зале и за рассказом следили взволнованные глаза молодежи, которые знали войну только по книгам да кинофильмам. Дорог был спектакль и людям старшего поколения, потому что для них он –  возвращение в прошлое.

/.../
Работая над «Сибирской дивизией», Алексей Григорьевич понимал, что его молодым актерам  нужно многому учиться у талантливых, высокопрофессиональных актеров. Он пригласил на главные роли матери солдата и сторожа станции ведущих мастеров сцены Чувашского академического драматического театра – народную артистку РСФСР Веру Кузьмину и заслуженного артиста РСФСР Виктора Родионова. Их участие в спектакле безусловно являлось прекрасной школой профессиональной учебы для молодых актеров.

С именами этих известных мастеров чувашской сцены связано одно яркое и большое событие в жизни театра юного зрителя. В 1972 году В. Кузьмина и В. Родионов вместе с тюзовскими артистами показывали спектакль «Сибирская дивизия» во время отпуска в селах республики. ( Чувашская Республика –
 прим. автора). Заработанные деньги в сумме тысяча шестьсот рублей коллектив театра внес в фонд защиты мира. Спектакль на военно- патриотическую тему, посвященный памяти павшим на фронтах Великой Отечественной войны, боролся за мир на земле, внося свою лепту в наш сегодняшний день.

Почему в этом спектакле так удался режиссеру Алексею Васильеву образ народной памяти, воплощенный в ролях матери, девушки, солдата?.. Детство Васильева пришлось на войну. Он пережил сам и голодное время, и тревожное ожидание вестей с фронта, и боязнь потерять близкого человека, и боль утраты –  их отец не вернулся с фронта, их осталось трое у матери. Мальчик из деревни Кокшаны Батыревского района на себе испытал раны войны.

Детство рано сделало его самостоятельным. Свои склонности и увлечения он определил рано. Еще в детстве стремился играть на сцене. Эта мечта еще больше окрепла в армии. После демобилизации он вернулся в Чебоксары и стал актером Чувашского театра юного зрителя. Ездили по деревням со спектаклями, играли в маленьких клубах. Алексей Григорьевич видел, как нужно их искусство людям, как ждут их на селе и приезд актеров воспринимается колхозниками как самое радостное событие. Все эти впечатления пригодятся ему потом, когда он вернется в родной театр уже главным режиссером. Но до этого были годы учебы в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии на режиссерском факультете под руководством профессора Леонида Сергеевича Вивьена, воспитавшего целую плеяду известных и любимых народом мастеров сцены, таких как Николай Симонов, Николай Черкасов, Василий Меркурьев, Юрий Толубеев, Игорь Горбачев и других. После успешного окончания института предложили продолжить учебу в аспирантуре под руководством выдающегося советского режиссера, лауреата Государственной премии СССР, народного артиста СССР, главного режиссера Ленинградского Большого драматического театра имени М. Горького Георгия Александровича Товстоногова. Учеба у такого маститого режиссера проходила интересно и творчески во многом обогащала молодого режиссера. И тем не менее хотелось побыстрее начать работу самостоятельно.

Первые спектакли он поставил в Чувашском академическом драматическом театре имени К.В. Иванова. Здесь он впервые встретился с чувашским драматургом Николаем Терентьевичем Терентьевым, с которым его свяжут годы совместного творчества. Спектакль с поэтическим названием «Помогите ведущему, журавли» станет его режиссерским дебютом.

Работа в Республиканском русском драматическом театре над спектаклями «Ревизор» Н. Гоголя, «Васса Железнова» М.Горького, «Четыре креста на солнце» В. Собко дала возможность познакомиться  с плеядой опытнейших актеров театра – с Александром Александровичем Дуняком, Марией Ефимовной Каширской, Алексеем Павловичем Красотиным. Это – актеры со своей школой, вкусом, со своей театральной культурой. Но поставленные Васильевым спектакли большого успеха не имели. Здесь была закономерность – чтобы поставить классику, нужен творческий багаж, который еще предстояло накопить.

Именно так незаметно началась творческая биография режиссера Алексея Григорьевича Васильева. Несколько спектаклей в русском драматическом театре не открыли нам режиссера, отличного своей индивидуальностью, своим творческим почерком. Но в этом неброском начале некоторые увидели штрихи, которые впоследствии должны были определить его творческое лицо, стать основой его деятельности. И поэтому ему предложили возглавить Чувашский республиканский ТЮЗ.

Алексей Григорьевич пришел в коллектив со сложившимися традициями, который несколько лет бессменно возглавляла Зоя Дмитриевна Ярдыкова. У театра была прочная репутация и свой зритель. Директор З.Д. Ярдыкова умело и тактично помогала своему преемнику во всех вопросах, щедро делясь с ним и опытом, и знаниями.

Первую пьесу он взял на военно- патриотическую тему – «Любаша» В. Матушкина. Пьеса была посвящена 50-летию Ленинского комсомола. В ней рассказывалось о событиях военного времени, о том, как жила в войну рядовая советская семья.

После ухода на фронт отца за главу семьи в доме остается молодая девушка Любаша. На ее плечи ложится забота о сестренке и двух братишках. В деревне все зовут их «егорятами» по имени отца. В пьесе нет военных баталий, но война врывается в действие отзвуками человеческой боли. Любаша работает  сельским почтальоном. В военное время эта должность приобретает драматическую окраску. То в один дом принесет похоронную Любаша, то в другой...

Не могу я разносить эти смерти, – в отчаянии признается девушка.

Режиссеру удалось воссоздать на сцене дух военного времени. В спектакле была хорошая струна – атмосфера человеческих отношений. А. Васильев явно предлагал свое прочтение пьесы. Но чувствовалось, что ему не хватало драматургического материала. Вот почему действие на сцене начиналось прологом на фоне российских берез под звуки народного гимна. Через мгновение в зал врывались аккорды военного марша, разрушая гармонию мирной жизни. Смешение музыки, перебив одного ритма другим не были органичны.

Алексей Васильев экспериментировал смело. Он  хотел по-новому увидеть и осмыслить устоявшееся. Из пьесы камерного звучания он хотел сделать большое, масштабное полотно, показать развернутую картину жизни советских людей в тылу.

Этот первый спектакль многому научил его. Он научил его слушать и видеть своего зрителя. И все, что не удалось в первом спектакле, послужило хорошим уроком для будущего. Он стал искать нужную пьесу и нашел ее. Так появилась « Сибирская дивизия». А многим позднее художественную задачу, которую ставил в «Любаше», он сумеет выполнить в своей пьесе «Спасибо, мама!», поставленной им самим.

У театра для детей и юношества своя специфика, и понять механически ее нельзя. Ее нужно прочувствовать всем своим сердцем. В это период режиссер Алексей Григорьевич сумел раздвинуть свой небольшой зрительный зал до размеров огромной страны, имя которой детство и юность, а себя и весь свой творческий коллектив увидеть в роли педагогов.

Театр для детей и юношества в основе своей деятельности имеет два главных критерия: художественность и педагогичность. Алексей Григорьевич понимал, незыблемость и неразделенность этих двух принципов вытекают из самой природы ТЮЗа. Оба должны сливаться в едином процессе воспитания театром, сила которого в специфике самого искусства, способного в высокой степени впечатлять, заражать, убеждать наглядностью примера. «А для этого театр должен быть театром большого артистического мастерства, театром сценической правды, театром безупречного художественного качества и вкуса», – пишет Л. Шпет в книге «Советский театр для детей».

Такая строгая оценка своего места  в искусстве заставила режиссера многое пересмотреть и, в первую очередь, в репертуаре. Несколько мелкотемных пьес в репертуаре все же осталось. Но их шумный успех уже не радовал режиссера. Все чаще он спрашивал себя, почему эти незатейливые пьески так волнуют зрителя? Значит, он как педагог что-то недосмотрел в эстетическом воспитании своего зрителя, в его духовном росте. Он смотрел в зрительный зал и хотел видеть в нем подростков. Но они к нему не шли. Значит, не видели в нем интересного собеседника. Значит, он все-таки отгородился от них своими незатейливыми пьесками, а то, что у них было на душе, не разглядел.

Репертуар ТЮЗа как бы перестраивается изнутри, учитывая психологию подростка, его стремление к поиску идеала, кумира, которому нужно подражать, с которого можно брать пример. Алексей Григорьевич приступает к работе над инсценировкой А. Штейна известного романа Э. Войнич «Овод». Спектакль назывался «Итальянская трагедия».

Коллектив театра с большим волнением приступил к работе над спектаклем. Ведь всех нас еще с детства околдовывал образ этого несгибаемого человека, образ революционера, зовущего к борьбе. Писательница показала нам Овода живым человеком, слабым и сильным, с богатым внутренним миром, но со множеством недостатков. Однако при всем этом она оттенила главное в нем –  это цельность натуры, мужество, несгибаемую волю к победе, непоколебимую верность своим убеждениям, его острый ум, преданность друзьям, любовь к народу. Овод страстно любит жизнь, дорожит ею, ценит ее, но несмотря на это, идет на смерть, ибо идеи революции для него дороже жизни.

Спектакль получился гражданственным и ярким. Роль Овода исполнил актер П. Иванов, которому удалось в целом создать образ пламенного борца за свободу народа. Пожалуй, впервые театр работал над такой сложной, глубокой пьесой. Работал, сознавая большую ответственность перед своим молодежным зрителем за то, чтобы сценический образ любимого героя не уступал литературному.

Достоинством «Итальянской трагедии» было то, что спектакль создавал эмоциональную атмосферу, проникнутую высоким пафосом революционной борьбы, пафосом народного героизма. Однако в спектакле были и недостатки. И все же, как отмечали московские рецензенты, на том, что здесь не получилось, артисты научились большему, нежели сыграв роль в каком-либо другом спектакле на основе слабого драматургического материала.

От спектакля к спектаклю стало ярче вырисовываться творческое лицо Васильева как художественного руководителя ТЮЗа. Чтобы завоевать своего зрителя, приходит решение немедленно внести в репертуар пьесу В. Розова «В добрый час». Ставить эту пьесу он пригласил молодого режиссера Республиканского русского драматического театра (г. Чебоксары- прим. автора)  В. Меньших. В этом режиссере ему нравилось точное ощущение своего времени, высокая культура и одаренность.

В спектакле «В добрый час» темой разговора стала тема о честности, о поисках своего места в жизни. Но, учитывая изменение в общественной жизни, кульминационной сделана не сцена переполоха в доме по поводу провала в институт, а сцена объяснения сверстников с Вадимом. Здесь сталкиваются две противоположные силы – честное понятие о своем жизненном долге и жалкое, потребительское (:) –  прим. автора). Спектакль заставлял зрителей думать, размышлять, и в этом было его точное попадание в цель.

В сценографии спектакля (заслуженный художник ЧАССР В. Мазанов) чувствовалось тонкое проникновение оформителя в суть спектакля, умение точно и лаконично подчеркнуть замысел режиссера, через частные детали создать обобщенный образ. Поэтому конкретная обстановка одной московской квартиры на фоне залитого солнцем земного шара с островками улиц кажется частицей бесконечной жизни, которой живет наша земля. На боковых стенах сцены множество фотографий, на них люди разных профессий – рабочие, колхозники, балерина, учитель и т.д. Художник и режиссер с самого начала как бы хотели подчеркнуть , как велика и безгранична жизнь, сколько возможностей предоставляет она человеку, ему лишь нужно постараться использовать эти возможности, а для этого нужно найти свое место в жизни.

А вслед за спектаклем « В добрый час» выходят еще два, которые доказали последовательность режиссера в борьбе за своего маленького зрителя. Сколько радости принесли малышам любимая «Снежная королева» Е. Шварца и искрящийся, веселый и жизнерадостный спектакль «Сомбреро» по пьесе Сергея Михалкова.  «Сомбреро» действительно засверкало всем великолепием красок.

Радостным он был еще по той причине, что впервые за многие годы ТЮЗ по своей инициативе пошел на смелый эксперимент – дублировать спектакль на русский язык. На этот  эксперимент руководитель театра пошел не случайно. Это тоже мера его ответственности перед детворой.  Эксперимент прошел удачно.

В Алексее Григорьевиче симпатии определены одним понятием –  осознанной необходимостью. Он любит то, что не может не любить. Но мир симпатий и увлечений человека так широк и разнообразен, что в нем преспокойно уживаются противоречия.

На одном полюсе его художнических увлечений острое желание этапного спектакля, а на другом –  комедия яркая, жизнерадостная, буйная. И доказательство этому  «Сомбреро» и «Шупашкары, новые Шупашкары» по пьесе Г. Краснова. И если от «Сомбреро» праздник остается в душе у маленького зрителя, то последний смотрят с удовольствием и взрослые, и молодежь. Спектакль насыщенный яркими национальными красками, с веселыми песнями и плясками, надолго остается в памяти.

Очень приятно быть на этом спектакле не только потому, что он искрится весельем и юмором, но и потому, что речь в нем идет о жизни молодежи, строящей самый молодой город нашей республики – Новочебоксарск. Новочебоксарск – это поистине город, рожденный энтузиазмом молодости. Такой штрих – в этом городе нет ни одного деревянного здания. Его украшают высотные дома, широкие проспекты. И средний возраст жителей не превышает тридцати лет. Пьесой «Шупашкары, новые Шупашкары» дебютировал чувашский драматург Г. Краснов.

Коротко о том, что происходит на сцене. В общежитие девушек должна приехать венгерская делегация Хевешской области. Комендант Пахом Пахомыч срочно решает подготовить концерт художественной самодеятельности. А потому он еще более усиливает свои жесткие требования –  никого из посторонних в общежитие не пускать. Правда, на сей раз он готов пойти на компромисс в том случае, если посторонние согласятся принять участие в подготовке концерта.

Театр не ставил цель просто посмешить зрителя. Режиссер спектакля А.Г. Васильев правильно понял замысел драматурга. Автор не случайно выбрал местом действия молодой город. Новая точка на карте страны – это черта нашего времени, свидетельство могучей поступи нашей Родины. Новый город –  это как символ рождения и роста нового человека. За годы Советской власти Чувашия из аграрного края превратилась в индустриальную республику. Здесь родилось новое сословие – рабочий класс.

«Шупашкары, новые Шупашкары»- это попытка создать коллективный портрет молодого человека труда. Черты его здесь намечены обобщенно. Но в этой обобщенности намечается ядро – молодая поросль красива не только умением строить города, промышленные объекты. Она сама может активно участвовать в создании нового образа жизни, сама активно борется за нового человека и перевоспитывает тех, кто своим сознанием еще не дорос до необходимого уровня.

Иногда люди входят в искусство громко и эффектно. Их дебюты запоминаются надолго  и сразу ставят молодого человека на одну ступеньку с маститыми. Но случается, что дебют не приносит начинающему ни громкой славы, ни безоговорочного признания. Причин здесь много, и они бывают разными. Но пройдет какое-то время и , если человек талантлив и одержим, признание и успех все же не минуют его.