1984 год
ВЕСЕННИЙ ПРАЗДНИК МУЗЫКИ
В городском Доме культуре состоялся смотр художественных коллективов Гродненского музыкального училища. Перед взыскательным жюри, которое возглавил доцент кафедры дирижирования Белорусской государственной консерватории Б.М.Пинчук, выступило пять коллективов, исполнивших десятки произведений классического и современного репертуара.
Концертную программу открыл оркестр народных инструментов под руководством М.Д.Жеренкова, исполнивший несколько сложных классических пьес: первую часть концерта для фортепиано с оркестром Сен-Санса (солировала Наталья Сидорова), «Итальянскую польку» Рахманинова и другие. В «Итальянской польке», этой блестящей оркестровой миниатюре, дирижер продемонстрировал высокий уровень мастерства: легкий, бытовой наигрыш в начале пьесы виртуозно перешел в острый, высокий ритм кульминации, что по-новому раскрыло художественное содержание произведения. Легко, вдохновенно прозвучал известный вальс «Осенний сон». Трепетное, утонченное звучание богатой палитры народных инструментов придало этой известной мелодии особый, пряный оттенок фольклористики. В то же время в концертной пьесе Коняева обнаружился скорее художественно-этнографический подход – дирижер лаконично, несколько сдержанно интерпретировал жанровые сцены этого произведения.
Камерный оркестр выступил под руководством завуча училища В.И.Стрельцова. Тонко, поэтично было исполнено скерцо из Маленькой симфонии Ракова; неназойливо, чутко аккомпанировал оркестр Вере Ерошиной, которая пела «Баркаролу» Шуберта.
Оркестр духовых инструментов Гродненского музыкального училища, один из лучших в республике (дирижер А.Гендельман), в фантазии на тему песен Великой Отечественной войны Диева достиг широкого, почти симфонического звучания; ярко, эмоционально звучала оркестровая миниатюра Глебова «Мушкетеры»; великолепно были исполнены «Богатырские ворота» Мусоргского (из цикла «Картинки с выставки») – эпическое, размашистое музыкальное полотно со сложными переходами от тихого, заунывного песнопения до триумфального ликующего, почти колокольного благовеста. Этот коллективов и занял первое место.
Женским камерным хором руководила Л.Н.Иконникова, молодой педагог училища. Это было её первое серьёзное испытание и отчет о проделанной работе. Выступление открылось хором Парцаладзе «У вечного огня» – очень сложным для исполнения произведением, требующим как ясного понимания формы, так и тонкого полифонического слуха. Светло, романтически прозвучали «Полевые цветы» Мендельсона. Виртуозное владение хоровой фактурой, умение создать музыкально-поэтический образ обнаружило исполнение «Русских песен» Стравинского и хора Свиридова на стихи Есенина.
Заключил смотр художественных коллективов музыкального училища баянный оркестр, которым дирижировал Л.М.Бельник. Выступление началось с увертюры к опере Россини «Золушка». Ярко, задорно, вполне убедительно, с музыкальной точки зрения, прозвучала обработка русской песни «У ворот, ворот» Тимошенко; с энергией и оптимизмом была исполнена увертюра Петрова к кинофильму «Укрощение огня». Дирижер смело, уверенно и непринужденно продемонстрировал незаурядные возможности своего коллектива.
В большой праздник музыки превратился день смотра достижений учащихся и преподавателей училища. Высокий уровень профессиональной подготовки закономерно требует закрепления творческих успехов художественных коллективов. Необходимо чаще предоставлять молодым артистам сцены домов и дворцов культуры, постоянно привлекать их к концертным выступлениям в колхозах и совхозах области, чутко и доброжелательно относиться к нуждам и запросам музыкальных коллективов. Постоянный контакт со слушателями, частые творческие отчеты перед широкой аудиторией явятся хорошей школой совершенствования мастерства исполнителей, и в то же время послужат большому делу музыкального просвещения масс – делу важному, назревшему, нужному.
(Гродненская правда. – 1984. – 17 апреля)
1985 год
НА СЕЛЬСКОЙ СЦЕНЕ
В Вертелишковском сельском Доме культуры состоялся концерт фортепианной музыки. С интересной и сложной программой выступила лауреат премии Ленинского комсомола Белоруссии, лауреат межреспубликанского конкурса пианистов Ирина Шумилина.
Она сыграла произведения Чайковского, Рахманинова, Бетховена, Шопена, Листа, Брамса. Ученики средней школы и школы искусств внимательно следили за ее исполнением, которое было на самом высоком профессиональном уровне. И это не случайно. Они уже имеют определенный зрительский опыт, так как в Вертелишках регулярно проводятся концерты для эстетического воспитания школьников трудно переоценить.
(Гродненская правда. – 1985. – 15 ноября)
НА ПОРОГЕ ТВОРЧЕСКОЙ ЗРЕЛОСТИ
С восхищением и гордостью мы следим за гастрольными маршрутами наших популярных ансамблей «Неман», «Ранiца», «Нива». Их восторженно принимали в Польше, Венгрии, Греции, Голландии, Франции, Японии.
Совсем недавно с искусством народного ансамбля «Нива» познакомились трудящиеся Югославии.
Всем хорошо известны производственные достижения колхоза «Прогресс». Не забывают здесь и о культурно-массовой работе. Построен прекрасный Дом культуры. В его стенах плодотворно работают такие коллективы, как народный ансамбль песни и танца, эстрадный вокально-инструментальный ансамбль, драматический театр миниатюр и кукольный театр, детская школа искусств и детская спортивная школа, в распоряжении которой огромный бассейн, а также различные кружки.
В сельской местности нелегко привлечь людей в художественную самодеятельность, создать постоянно действующие творческие коллективы. В Вертелишках же умеют заинтересовать, убедить, помогают овладевать секретами мастерства. И люди идут в клуб, отдавая свободное время творчеству.
Творческая биография «Нивы» началась в 1972 году, в 1976 году ансамблю присвоено почетное звание «народный», в 1977 – он лауреат I Всесоюзного фестиваля самодеятельного народного творчества трудящихся, а 1980 – победитель республиканского смотра сельской самодеятельности. В 1977 году ансамбль совершил творческую поездку в Польскую народную республику, дважды, в 1981 и 1984 годах гастролировал в Молдавской ССР, выступал перед трудящимися Литовской ССР, Калининградской области и многих городов Белоруссии.
Самодеятельные артисты регулярно отчитываются перед односельчанами, они частые гости на полевых станах и фермах соседних хозяйств, хлебом-солью их встречали в таких известных хозяйствах, как «Рассвет» имени Орловского Могилевской области, имени Урицкого Гомельской области, «Советская Белоруссия» Брестской области. В общей сложности на счету ансамбля более 200 концертов – и везде – им рады, всюду их принимают тепло и радушно.
Создали этот замечательный коллектив художественный руководитель ансамбля, заслуженный работник культуры Белорусской ССР В.И.Покумейко, балетмейстер С.Н.Ковалев, концертмейстер З.А.Бульцевич.
Богат и разнообразен репертуар «Нивы». На концертах звучат белорусские народные песни и танцы, песни советских и белорусских композиторов, песни самодеятельных композиторов Гродненщины. Значительное место отведено музыкально-хореографическим композициям. Когда на сцене «Нива», поражает блеск массовых сцен в сочетании с красочными костюмами, удивляют отточенные движения танцев, царит праздничная атмосфера.
В 1985 году с 18 октября по 2 ноября ансамбль гастролировал в Югославии. Он выступил в Загребе, Любляне, Трагире, Сараево. Несколько концертов прогрессовцы дали в Доме Советской культуры в столице республики г.Белграде. Публика принимала самодеятельных артистов из Белоруссии тепло, сердечно. Успех был заслуженным.
Участники делегации встречались с югославской молодежью, знакомились с историческими достопримечательностями. Надолго останутся в памяти яркие впечатления от дружеских встреч и радости творчества.
Сегодня «Нива» на пороге творческой зрелости. Впереди новые встречи со зрителями, интересные гастрольные поездки.
(Сельская новь. – 1985. – 26 ноября)
ГОСТИ ИЗ ЛЮБЛЯНЫ
Хлебом и солью встречали в Вертелишках певцов из знаменитого Люблянского вокального октета Югославии. Коллектив, которым руководит Игорь Швара, является обладателем наивысшей награды, вручающей за творческие успехи в области вокальной музыки, – памятной плакаты Галлуса.
Председатель Вертелишковского сельского Совета В.Е.Григорьев показал гостям поселок, рассказал о достижениях колхоза «Прогресс». Артисты увидели благоустроенные коттеджи, в которых живут сельчане, детский сад, поликлинику, Дом быта и многие другие объекты культурно-бытового назначения, которые выросли за последние годы. Их поразило контрастом другое зрелище: подслеповатая крестьянская хатка, выглядывающая из глубины парка. Эту «реликвию» в селе сохранили специально для сравнения, чтобы нагляднее видны были изменения, происшедшие в Вертелишках за годы Советской власти.
Гости из Словении возложили цветы к Вечному огню, почтили память павших во время Великой Отечественной войны, минутой молчания. Неожиданно зазвучала песня югославских партизан. В Югославии так же помнят и чтят отцов, братьев и сестер, боровшихся с фашистами.
На концерт октета во Дворец культуры собралось почти все село. В первом его отделении сельчане услышали произведения словенских композиторов ХIХ и ХХ веков, отражающие социальные события, календарные обряды, трудовые процессы. Вторая часть программы состояла из обработок народных напевов, сделанных участниками коллектива Данилой Шварой, Здравко Швикаршичем, Павлом Керняком, Матие Тонцей.
Песни Словении вызвали живой интерес у белорусских слушателей. Особенно понравились жанровые и звукоподражательные зарисовки «Водяной», «Молотильщики», «Два мужика-карлика» и другие. Выступление артистов отличалось высоким профессиональным мастерством, виртуозным владением вокальной техникой, артистичностью.
Гастроли Люблянского октета с успехом проходили во многих странах мира: Италии, Австрии, Венгрии, ФРГ, Бельгии, Канаде, США, Австралии.
После концерта артисты из Словении встретились с участниками народного ансамбля «Нива». Разговор о путях развития народного творчества вылился в еще один импровизированный концерт, в котором участвовали гости, и хозяева. Настоящим праздником искусства, праздником дружбы стала эта встреча в Вертелишках.
(Сельская новь. – 1985. – 21 декабря)
1986 год
КОНЦЕРТЫ НАРОДНОЙ ФИЛАРМОНИИ
Недавно на базе городского Дома культуры и Гродненского музыкального училища организована народная филармония. Ее открытие стало заметным явлением в культурной жизни города, добрым помощником в эстетическом воспитании трудящихся, в пропаганде в распространении различных жанров музыки.
На очередном концерте народной филармонии выступил баянный оркестр под руководством Леонида Бельника. Его четкий дирижерский жест помогал оркестрантам – учащимся училища полнее раскрыть содержание и форму исполняемых произведений. Коллектив представил разнообразную по тематике программу, в которую вошли «Концерт» Генделя, «Менуэт» из 39 симфоний Моцарта, «Ноктюрн» глинки» Глинки, «Грустный вальс» Сибелиуса, музыка Шостаковича и Хачатуряна. С особой выразительностью звучала мелодически прекрасная лирика Чайковского. В «Песне без слов» Чайковского – Крейслера солировала на домре педагог училища Ядвига Дашкевич, сумевшая передать пленительную поэтичность этой музыки. Хороша оркестровка многих произведений, сделанная дирижером Леонидом Бельником.
Второе отделение было посвящено классической гитаре. Камерная атмосфера и вступительное слово гитариста Владимира Захарова помогли слушателям лучше понять этот старинный инструмент с его тихим, но благородным звуком. В. Захаров исполнил произведения испанских и латиноамериканских композиторов ХVI-ХХ веков. Гитарист подчеркнул романтическую порывистость «Воспоминания об Альгамбре» и «Арабского каприччио» Тарреги, одухотворенность прелюдий Вила-Лобоса, испанский колорит, стихию испанского народного танца «Астурии» Альбениса.
Впереди новые бесплатные концерты народной филармонии, которые будут проходить в городском Доме культуры.
(Гродненская правда. – 1986. – 31 января)
КОНЦЕРТ КАМЕРНОГО ХОРА
В народной филармонии выступил камерный хор преподавателей Гродненского педагогического училища (художественный руководитель и дирижер заслуженный работник культуры БССР А.И.Стриха).
Творческая биография коллектива началась в 1982 году. Упорный труд музыкантов вылился в создание обширной программы, включающей народную музыку, шедевры мировой классики, произведения советских и белорусских композиторов, оригинальные хоровые обработки. С ней и познакомились гродненцы на концерте в народной филармонии. Проникнуть в поэтическую атмосферу каждого номера помогли слушателям краткие, но исчерпывающие аннотации И.А.Трифоновой.
Белорусская музыка был представлена такими произведениями, как «Беларусь – мая песня» Семеняки, «Бульба» в обработке Дунаевского, «Ой, пора домой» Мдивани, скорбной поэмой «У вечного огня» Лученка. Ощущалось, что исполнители питают особый интерес к национальной музыке, а увлеченность их подкреплена творческими контактами со многими видными деятелями белорусского искусства.
Разнообразен классический репертуар. Артисты сумели глубокую и вместе с тем сдержанную лирику «Аве Марии» Брукнера возвысить до гимна женской чистоте, гимна женщине-матери, они блеснули в изысканной миниатюре Рахманинова «Адели» (стихи Пушкина), подчеркнули романсовые интонации хора Калинникова «Нам звезды здесь сияли» (стихи Плещеева). Живой отклик вызвала жанровая музыка «Болеро» Сен-Санса, вальс «Осенний сон», хрупкая «Незнакомка» Палиха по известному стихотворению Блока, а также «Звуки» Клиничева, впитавшем в себя одухотворенную поэзию Лермонтова.
Особое место в программе отведено выдающемуся советскому композитору Георгию Свиридову, юбилей которого широко отмечается в стране. Коллектив не побоялся взяться за его «Пушкинский венок» – произведение, написанное в форме хорового концерта и требующее от исполнителей виртуозности, сумел раскрыть великую простоту свиридовской музыки, ее внутренний свет, вызванный любовью к Родине, к неповторимой русской природе. В хоровом триптихе Свиридова «Гимны Родины» на стихи Сологуба запечатлено совсем иное настроение: щемящая, безутешная тоска по утраченной Отчизне.
В качестве солистов хора выступили Вера Ерошина, Наталия Парфилова, Александр Врублевский. Все они обладают хорошими вокальными данными и тонким чувством стиля.
(Гродненская правда. – 1986. – 4 марта)
В БЛАГОДАРНОСТЬ ЗА КОНЦЕРТ
С программой, составленной из произведений Ференца Листа, выступил в народной филармонии молодой преподаватель Гродненского педагогического училища Андрей Трифонов. В концерте прозвучали Вторая и Шестая венгерские рапсодии, этюды «Кампанелла» и «Мазепа», Мефисто-вальс № 1, сложнейшая по драматургии Соната си минор.
Пианисту удалось запечатлеть сдержанную скорбь Второй рапсодии, народно-жанровый финал Шестой рапсодии. С изяществом был исполнен этюд «Кампанелла». Напротив, этюд «Мазепа» сыгран со всей широтой и масштабностью. Последний принадлежит к этюдам высшего исполнительского мастерства. Далеко не каждому пианисту он под силу. Тем более отрадно, что у нас в Гродно есть музыканты, на высоком профессиональном уровне владеющие своим инструментом.
В Сонате си минор Андрей Трифонов сумел добиться яркой образности, драматического накала, раскрыть внутреннюю концепцию одного из сложнейших произведений великого венгерского композитора.
Посетители народной филармонии благодарны Андрею Трифонову за исполнение сложной и интересной музыки Ференца Листа
(Гродненская правда. – 1986. – 16 июля)
ДОБРАЯ ТРАДИЦИЯ
Ежегодно в Гродненском музыкальном училище проводятся концерты, составленные из произведений учащихся. В этом году слушатели познакомились с творчеством Галины Скиба и Инны Двужильной, которые занимаются по классу сочинения музыки у молодого белорусского композитора, члена Союза композиторов БССР Андрея Бондаренко.
Галина Скиба представила «Прелюдию» и «Фантазию» для фортепиано, исполненные педагогом училища З.В.Тупик. В ее инструментальном «Трио для кларнета, виолончели и фортепиано» оказалось немало страниц хорошей музыки, которые с увлечением были сыграны учащимися Д.Танцурой, Н.Шороховой и автором.
Две разнохарактерные вещи Инны Двужильной прозвучали в исполнении камерного женского хора под руководством Л.Н.Иконниковой. Строгую по эмоциональному содержанию «Аве, Мария» (сл. А.Фета) сменила жизнерадостная «Раница» (сл. С.Коробкиной). Затем в исполнении преподавателей Н.А.Коломухиной, А.В.Бондаренко, О.И.Телепнева прозвучали «Зарисовки» для фортепиано, романс «Осенний вечер» на стихи В.Данилевич и четыре пьесы для альта.
(Гродненская правда. – 1986. – 16 июля)
ЩЕДРОЕ СЕРДЦЕ ПЕВИЦЫ
Вечер старинного русского романса состоялся недавно в зале городского Дома культуры. С сольной программой выступила преподавательница Гродненского педагогического училища Галина Николаевна Качалова.
Перед концертом ведущая Валентина Янулевич сделала краткий экскурс в историю романса, связав его возникновение с расцветом русской классической поэзии. Пение сопровождалось стихами Лермонтова, Фета, Тютчева, Блока, Бунина.
Не было на концерте слащавой сентиментальности, и в этом заслуга не только солистки, но и аккомпаниатора, вдумчивого, обладающего высокой музыкальной культурой пианиста Андрея Трифонова.
(Гродненская правда. – 1986. – 11 декабря)
1987 год
СЮРПРИЗ МИНСКОГО КАМЕРНОГО
С успехом гастролировавший в Гродно Минский камерный оркестр познакомил слушателей с музыкой Корелли, Вивальди, Куперена, Рамо, шедеврами Баха и Моцарта.
Приятной неожиданностью оказалось то, что этот известный у нас в стране и за рубежом коллектив включил в свой репертуар два новых сочинения молодых авторов. Он исполнил музыку для альта и камерного оркестра выпускника Гродненского музыкального училища композитора Евгения Поплавского и симфонию для камерного оркестра гродненского композитора Андрея Бондаренко. Оба произведения самобытны, хотя каждое из них особенно – и по стилю, и по форме, и по образному содержанию. Музыка Поплавского эмоциональна, открыта, она погружает слушателей в сферу трагических переживаний, вызванных потерей близкого человека, в пору немецкой оккупации пожертвовавшего жизнью ради высшей идеи. В симфонии Бондаренко преобладает возвышенно-тревожное отношение к миру, отражающее сложные процессы духовного и нравственного становления человека последней трети ХХ столетия. Сближает Поплавского и Бондаренко неприятие штампов, дешевых эффектов, общих форм высказывания и тривиального.
(Гродненская правда. – 1987. – 25 ноября)
1988 год
УЧИТЕЛЯ-АРТИСТЫ
Не всегда педагогические чтения, которые регулярно проходят в Гродно, приводили к желаемым результатам. Поэтому на сей раз управление культуры облисполкома, собирая преподавателей детских музыкальных школ Гродненского района, предусмотрело концерт, где учителя могли бы продемонстрировать профессиональные данные, уровень исполнительского мастерства.
Перед участниками семинара выступили педагоги музыкальной школы №1. Программа концерта была разнообразна по жанрам. Среди произведений ансамбля народных инструментов выделялась песня «Кума моя, кумочка», в которой солировал директор школы В.В.Юречко. На высоком художественном уровне прозвучали две пьесы для скрипки и фортепиано Шумана в исполнении О.А.Патлатого и завуча школы С.Н.Ергольского. Дуэт старинной музыки в составе Л.С.Пекарской и В.В.Геращенко познакомил слушателей с сонатами Баха, Генделя. Прекрасную музыку Моцарта сыграло трио баянистов А.В.Мачулин, Н.В.Мурин, В.В.Романовский.
Шесть немецких танцев Бетховена исполнил ансамбль духовых инструментов, возглавляемый А.И.Галасем. Флейтист Михаил Булкин совместно с опытным концертмейстером О.Н.Михайловой предложил интерпретацию сложного современного произведения, блестяще сыграв сонату Ф.Пуленка.
Концерт показал, что сегодня недостаточно быть только педагогом, пассивно передающим своим ученикам знания. Время требует, чтобы учитель стал творческой личностью, способной утверждать музыку со сцены как исполнитель, как артист.
(Гродненская правда. – 1988. – 20 января)
ДИСКУССИЯ ПОСЛЕ КОНЦЕРТА
Концерт автора и исполнителя Вадима Буркова состоялся недавно в зале Республиканского музея атеизма и истории религии, под эгидой действующего здесь клуба «Роздум».
Вадим не впервые выступает перед публикой. Не раз он был участником песенных фестивалей в Гродно и Минске. Белорусское телевидение представляло его в молодежных передачах. Да и за пределами республики песни Буркова известны, ибо некоторые из них включили в своей репертуар такие популярные эстрадные певцы, как Альберт Асадулин, Эдита Пьеха.
Тем не менее, Вадим не мог не волноваться: впервые программу вечера составляли только его песни, а значит – ответственность возросла.
Бурковым написано более ста песен, часто на собственные стихи. Обладая прекрасными вокальными данными и певческими навыками, он почти всегда достигает желаемого художественного эффекта. По натуре Бурков лирик, предпочитающий широкий балладный стиль исполнителя импульсивному ритму.
В живой и интересной дискуссии, возникшей в ходе концерта, члены клуба выразили пожелания, чтобы авторская песня острее затрагивала проблемы современной жизни. Высказывалась также мысль, что горком комсомола мог бы активнее сотрудничать с авторами самодеятельной песни в деле эстетического воспитания молодежи.
(Гродненская правда. – 1988. – 16 марта)
КОНЦЕРТ ПОЛЬСКОЙ ПИАНИСТКИ
Имя Галины Черны-Стефаньской известно во многих странах мира. В Париже и Риме, Лондоне и Берлине ее знают как замечательную исполнительницу музыки Шопена. Талантливая польская пианистка – давний и искренний друг нашей страны. К большой радости любителей музыки она уже посещала Гродно. И вот – новая встреча.
В первом отделении концерта звучал клавесин. Играла Эльжбета Стефаньска – дочь знаменитой артистки, продолжившая прекрасную семейную традицию. В свое время с десятилетней Галиной занимался ее отец – профессор Краковской консерватории. На сегодняшний день Эльжбета – самый молодой профессор музыки в Польше. И, тем не менее, ее игру характеризуют отточенный профессионализм, стабильность. С изысканностью и грацией она исполнила произведения Костюшко, Огинского. Строгим рационализмом в отборе выразительных средств, позволяющим выделить мелодический рисунок и обнажить ритм, отличалось исполнение музыки Баха, Генделя, Скарлатти.
Сама Черны-Стефаньска представила польских авторов, среди которых Шимановский, Заребский, Шелиговский, Шопен. Аудитория сразу же почувствовала, что перед ней большой художник, тонкий и умный мастер. Пианистке хорошо известны секреты музыкальной композиции, что позволяет ей чутко реагировать на едва уловимые изгибы формы. Она умеет проникать в сердца слушателей, подчиняя их своей воле. Когда в тишине зала возникли тревожные звуки шопеновской «Баллады соль минор» подумалось: произойдет чудо. Один из западных специалистов- критиков отмечал, что Шопен Черны-Стефаньской более светлый, более плавный и более трагичный, чем у немецких, французских или американских исполнителей. Это верно. Однако хотелось бы подчеркнуть, что Шопен Черны-Стефаньской по-тургеневски светлый. Балладу она трактует как развернутую поэму любви, а в главную партию, неоднократно возвращающуюся, вкладывает столько душевной теплоты и нежности, что невольно вспоминаешь знаменитый тургеневский рефрен: «Как хороши, как свежи были розы!»
Неожиданно соединились две культуры – польская и русская, два гения – Шопен и Тургенев. Ведь не случайно Черны-Стефаньска посещает нашу страну почти ежегодно, обогащая свое творчество новыми импульсами. Концерт еще раз подтвердил ту простую истину, что сближение различных национальных культур даёт прекрасные художественные результаты.
(Гродненская правда. – 1988. – 26 апреля)
ИЗ ГЛУБИНЫ ВЕКОВ
По инициативе музыкального общества в Гродно выступил мужской хор издательского отдела Московской патриархии.
Репертуар коллектива обширный. Несомненен его высокий профессиональный уровень. Благодаря кратким, но содержательным экскурсам в прошлое, предварявшим исполнение каждого номера, перед аудиторией раскрылась панорама церковного хорового искусства ХVII-ХХ веков. Те пласты нашей национальной культуры, которые ранее были мало известны, сегодня приносят людям эстетическую радость.
Удачно сочетая исследовательскую работу по изучению и расшифровке древних нотных образцов с исполнительской деятельностью, мужской хор, тем не менее, не утратил свое творческое лицо, не сбился на привычную академическую стезю. Вместе с регентом иеродиаконом Авросием (в миру – Носовым) хористы учитывают специфику и особенности церковного пения, обнаруживают знание жанра, стиля и традиций исполняемой музыки, им известны секреты мелодизма, ритмики, произношения слов.
Сурово звучал унисон знаменитого распева; отрешенное согласие ощущалось в образцах раннего многоголосия, с просветленной одухотворенностью были исполнены монастырские распевы прошлого века; душевной теплотой привлекла слушателей церковная музыка композиторов ХIХ-ХХ столетий.
Однако надо сказать о некоторых недочетах. Думаю, что натурально-церковный тип пения по своей природе скорее ориентирован на залы с естественной акустикой, а не на помещение Дворца культуры химиков. Представляется также, что для данного коллектива, в составе которого всего 14 певцов, выгоднее брать произведения с графически четкой, линеарной техникой письма, позволяющей выделить каждый голос, чем те вещи, в которых преобладает гармоническая вертикаль, часто чуждая русскому стилю. Важно, на мой взгляд, более тщательно отбирать репертуар, исключая те произведения, в которых проскальзывают сентиментальные романсовые обороты, как это имело место в хоре Павла Чеснокова «Да исправится молитва моя». Здесь же отмечу, что чувствуется определенного рода манерность в отдельных номерах литургии композитора из США Константина Шведова.
И, тем не менее, благодарная миссия мужского хора по пропаганде русского хорового искусства прошлых веков заслуживает всяческого одобрения.
Надеемся, что после гастролей в ФРГ этот талантливый коллектив вновь посетит наш город.
(Гродненская правда. – 1988. – 22 октября)
ГОСТЬ ИЗ ШВЕЦИИ
У нас в городе выступали многие известные гитаристы, среди которых Ларичев, Комолятов, Петренко, Фраучи, Терво. С Гродно связана одна из последних страниц биографии корифея советской гитары Иванова-Крамского. И вот новая встреча – с молодым шведским гитаристом Пером Скаренгом, с успехом гастролирующим в нашей стране.
Пер Скаренг (1959 г.р.) учился в Стокгольмской академии музыки, которую окончил в 1985 году. Дебютировал с симфоническим оркестром Шведского радио, исполнив концерт для гитары Родриго. Участвовал в международных конкурсах Италии, Франции, на Кубе. Стал лауреатом авторитетнейшего конкурса в Западном Берлине.
Обрисовывая творческий порт Пера Скаренга нужно выделить три основные черты: спокойствие, сдержанность, сосредоточенность. Его не воспламеняют зажигательные ритмы испанской музыки. Он не возгорается трепетным восторгом в счастливых мелодиях. Обладая безупречной, можно сказать, ювелирной техникой, он не желает поражать слушателей головокружительными пассажами. Внимание артиста сосредоточено на внутреннем смысле музыки, при этом он не столько подчеркивает оригинальность различных национальных стилей, сколько увлечен строительством звуковой конструкции, в которой каждая деталь тщательно выверена. Перед нами – художник-интеллектуал, большой мастер, занятый кропотливой и ответственной работой. Каким бы утонченным слухом мы ни обладали, артист предугадывает нас, оставляя место и для эстетической радости, и для восхищения достигнутым совершенством.
В исполнении Сонаты И.-С.Баха Скаренг отвергает ложную баховскую патетику; просто и сдержанно преподносит шведских авторов; выявляет душевную теплоту в музыке венесуэльца Лурье; сквозь призму камерности в полной мере раскрывает яркую театральность произведений Тарреги, Альбениса, красоту изысканных мелодий Джулиани.
Публика восторженно приветствовала талантливого музыканта, обладающего высокой культурой исполнения, тем более что он оказался обаятельным и скромным человеком, Хотелось пожелать, чтобы Скаренгу сопутствовал успех, чтобы повсюду его принимали с таким же энтузиазмом, какой он ощутил в Гродно. Известный наш гитарист и композитор Валерий Живалевский подарил гостю из Швеции собственные произведения, выразив надежду, что белорусская гитарная музыка будет услышана в Западной Европе.
(Гродненская правда. – 1988. – 3 декабря)
1989 год
У СЕМИ НЯНЕК
В.Родионов: Вы замечали, что, как часто сетуем мы, что интересы нынешней молодежи не простираются дальше рок-музыки и эстрады? Я часто задумываюсь о причинах столь низкого уровня музыкальной культуры молодых людей, и пришел к выводу, что корень зла – в проблемах музыкального просвещения и воспитания детей. Ведь именно в детском возрасте, когда формируется личность, закладывается фундамент общей культуры человека. А между тем в области насчитывается около 100 музыкальных школ.
А.Гендельман: Во времена моей молодости на хороший концерт невозможно было попасть. А сейчас в Гродно приезжает, к примеру, известный всему миру скрипач В. Пикайзен, а зал – полупустой. Даже в нашем училище с трудом собирается аудитория в 50 человек.
Е.Жуков: Что же вы хотели? Аудитория просто-напросто не подготовлена к восприятию серьезной музыки.
А.Гендельман: Да, музыкальный ликбез – вот одна из главных задач на сегодня, и не только у нас, а в масштабах всей страны.
В.Родионов: А ведь, скажем, в нашем городе есть все условия выйти на высокий уровень музыкальной культуры. У нас много хороших музыкантов. Но творческий потенциал их не используется. Более того, засохли ростки и тех начинаний, что проклюнулись, было несколько лет назад. Практически развалилась народная филармония при городском Доме культуры. Лишь на бумаге существует детская филармония в средней школе №1. Надо бы возродить их. А почему не создать при музыкальном училище музыкальную гостиную или, например, музыкальный лекторий для детей при областной филармонии?
Е.Жуков: Почему вы считаете, что такого лектория нет? А музыкальный абонемент для школьников? Кстати, эту идею на стадии ее воплощения в жизнь все – я имею в виду руководство общеобразовательных школ – горячо поддерживали и одобряли. Но когда дошло до дела – осечка. Распространить билеты очень трудно. А если закупают по перечислению, концертные залы пустуют. Никто за явку не отвечает.
Корр: Но речь-то не о том, чтобы насильно тянуть детей на концерты классической музыки или, как вы говорите, организовывать явку. Проблема, согласитесь, в другом. Нет интереса к такой музыке. Как его привить? Как взрастить поколение людей, которые любили бы, понимали и ценили настоящее искусство? Вот в чем вопрос.
Н.Бенько: Для этого необходимо многое изменить в системе образования и эстетического воспитания. Попытки есть. Но, к сожалению, пока безуспешные.
Недавно в Гродно прошел Всесоюзный музыкальный педсовет, который наметил пути перестройки музыкального образования. Почему в Гродно? Да потому, что здесь сосредоточена целая плеяда инициаторов перестройки, авторов известных учебников, написанных на основе системы Кабалевского – А.С.Чопчиц, В.А.Мистюк, К.М.Кеда, Н.И.Петушко.
Когда участники Всесоюзного педсовета обратились со своими предложениями в Министерство народного образования БССР, то получили в ответ сухой отказ. А идея была такая. В связи с тем, что сейчас в школе ничтожно мало времени уделяется эстетическому воспитанию, мы предложили в порядке эксперимента в школах Гродненской области ввести два часа музыки в неделю с 1 по 10 классы.
В ответе Министерства народного образования республики перечислен комплекс мер, намеченных для улучшения эстетического воспитания учащихся. У министерства, как оказалось, свои планы. Но пока в школах – ни того, ни другого.
В.Медведева: Вот вам убедительный довод тому, что вопросы эстетического воспитания нужно решать в законодательном порядке. Иначе нам очень трудно будет наладить сотрудничество с органами народного образования.
Могу привести пример из своей практики. Много раз мы поднимали вопрос о том, чтобы считать занятия учащихся в музыкальных школах общественно полезным трудом. Ведь на детей ложиться практически тройная нагрузка: учеба в обеих школах плюс внешкольная работа и тут, и там. Наконец, в разделе «Трудовое воспитание» в дополнение к учебной программе общеобразовательной школы было зафиксировано: занятия во всех внешкольных учреждениях – общественно полезный труд. Мы сделали соответствующую выписку и разослали ее по всем районам.
И что же? Приезжаю недавно в Берестовицу, спрашиваю, учитывается ли новое решение. Получаю ответ: «Под выпиской стоит подпись заместителя начальника управления культуры, а нам нужно указание органов народного образования».
В.Родионов: Беда в том, что музыка разделена по ведомствам. Руководство музыкальным и вообще эстетическим воспитанием должно находиться в одних руках.
В.Медведева: В самом деле. А то мы принимаем свои решения, просвещенцы – свои. Да что там! У каждой школы – свой план работы.
Н.Бенько: Такой центр есть. При музыкальном обществе создана комиссия по вопросам эстетического воспитания.
В.Медведева: Насколько мне известно, она пока бездействует.
А.Криницкий: Быть может, такая комиссия, если наладить ее работу, действительно будет полезна. Мне кажется, прежде всего, нужно обратить внимание на два вопроса: организацию процесса обучения и переподготовку кадров.
Что касается кадров, то повышение их квалификации в настоящее время – чистейшей воды формализм, аттестация – тоже. Я, например, прошел три, – и, представьте, ровным счетом ничего как специалист не приобрел. На мой взгляд, аттестация должна иметь конкретный методический уклон и, конечно, практический результат. Это первое.
Второе. У нас часто рождаются хорошие идеи, но редко получают достойное воплощение. Например, идея создания хоровых школ. Есть у нас в Гродно такие – №3 и №18. Но на практике они превратились в дубликат музыкальных: тот же отбор детей по вокальным данным, то же обучение игре на музыкальном инструменте. А ведь задача была другая: привить любовь к музыке как можно более широкому кругу людей.
О.Андреев: Поддерживаю Анатолия Ивановича. Не надо видеть учащихся музыкальных или тех же хоровых школ будущих профессиональных музыкантов, певцов. Совсем это не обязательно. Разбудить чувство прекрасного в ребёнке – не так уж мало. Но тогда почему только музыка? Почему обязательно баян или фортепиано? Почему, скажем не прикладное искусство, особенно на селе, где дети лишены возможности посещать выставки, концерты?
В.Медведева: Коль разговор сегодня о музыкальном образовании, давайте говорить о музыке. Кстати, число музыкальных школ у нас в области к 1995 году удвоится. И главным образом – за счет развития сети сельских музыкальных школ, на что ориентирует постановление ЦК Компартии Белоруссии.
А.Бондаренко: Все это хорошо – школы, студии, лектории. Но поймите, нужна ещё живая музыка, а не рассуждения о ней. Очень мало звучит музыки. А как можно её полюбить, не имея возможности слушать. Даже ваше общество могло бы содержать симфонический оркестр, но при одном условии – нужно заработать на него деньги. Как? Открыть, например, мастерскую по ремонту музыкальных инструментов. Предложение не новое. Все упирается в помещение, нет его – и все тут.
Корр: Сложно «пробить»? Или настойчивости не хватает?
Н.Бенько: Не идет навстречу областное руководство. Ведь какой вариант еще был? Образовать в Гродно комбинат по пошиву сценических костюмов. Даже на Госплан с готовой документацией вышли. Не получилось. Место «прописки» комбината определили в д.Щорсы Новогрудского района. Ну, какой художник-модельер поедет туда? А там же не ширпотреб шить.
Пока у музыкального общества нет своего фонда, взять на себя организацию какого бы то ни было художественного коллектива оно не может.
В.Медведева: А если на общественных началах? Так сказать, ради высокой цели. Почему бы ни попробовать?
А.Гендельман: Опять будем уповать на голый энтузиазм? По-моему, не раз убеждались, что далеко на нем не уедешь. И к чему привел нашу культуры так называемый остаточный принцип, хорошо знаем. Не зря говорят – скупой платит дважды.
А.Бондаренко: Но сумели же как-то выйти из положения в Гомеле, Витебске. Нашли там и возможности, и средства. А мы, выходит, не можем? Ну, нет сил на симфонический оркестр, так хотя бы камерный…
Корр: Может быть, областная филармония проявит инициативу?
Е.Жуков: Нашей филармонии второй год. За это короткое время при ней создан прекрасный, на мой взгляд, ансамбль народного танца «Белые росы». Только на его содержание государство дает дотацию в 160 тыс.рублей. А организовать выступления ансамбля оказалось очень непросто. Нужны большие сценические площадки. И главное – нужен зритель.
Еще пример. Недавно появилось у нас инструментальное трио. Выступили в одной школе, другой. Пошли концерты по второму кругу, и вот слышим: «А у нас уже выступали». Нет слушателя. Это одна проблема.
Вторая. Где работают музыканты? В общежитии. А где будет репетировать оркестр? И где он будет давать концерты?
А.Бондаренко: Смешно сказать, в городе с населением в 300 тысяч нет концертного зала. В каком городе! Со своими культурными традициями, с особым духовным микроклиматом.
А.Солодухин: Вот в Кутаиси, где живет 200 тысяч человек, есть свой оперный театр. Там даже фестивали оперной музыки устраиваются.
Н.Бенько: Будем надеяться, что в этом году и мы получим концертный зал, достойный нашего города.
Корр: Вы имеете в виду бывший Бригитский монастырь?
Н.Бенько: Да. Там сейчас идут напряженные работы, и хочется верить, что затянувшаяся на 15 лет реставрация, наконец закончится.
Е.Жуков: А не будут ли пустовать те, где выступают с серьезной программой заезжие музыканты. Уж если люди идут на прославленного Пикайзена, замечательного шведского гитариста Скаренга, замечательную молдавскую капеллу «Дойна»… Кстати, зря вы говорите, что в Гродно мало концертов. Только в четвертом квартале прошлого года я насчитал их 320.
А.Гендельман: Обычно идут на то, что знают. А классическую музыку, сошлись мы во мнении, знают у нас плохо. Пробелы в музыкальном образовании? Да, конечно. Никто не отрицает. Но немало пробелов и в пропаганде академических жанров. Я считаю, что это упущение, прежде всего филармонии. Хотя и всем остальным, кто, так или иначе причастен к музыке, надо бы быть активней.
А.Солодухин: Мы плохо используем, как мне кажется, возможности средств массовой информации. Практически отсутствует анонс. А ведь можно заранее знакомить общественность с гастрольным планом, чаще рассказывать о предстоящих концертах, представлять приезжих и своих исполнителей, да так представлять, чтобы людям захотелось не пропустить, непременно пойти на концерт. Опять же, популяризаторские лекции. Есть у нас свои музыковеды, искусствоведы.
А.Гендельман: Такие лекции в состоянии подготовить и учащиеся старших курсов музыкального и педагогического училищ. Кстати, учебной программой предусмотрена лекторская практика. Когда-то в нашем училище была хорошая традиция: университет музыкальных знаний вели учащиеся. Приглашали школьников, готовили для них небольшие увлекательные лекции, концерты.
В общем, если подумать, многое можно сделать собственными силами, не дожидаясь, пока кто-то разрешит социальные проблемы, копившиеся годами.
Вернусь к разговору об оркестре. Пусть для начала это будет камерный оркестр. Материальной и творческой базой для него может стать музыкальное училище. Музыканты-профессионалы есть. Руководство я бы мог взять на себя. Средства? Давайте поищем спонсора. В конце концов, не о каких-то крупных субсидиях речь.
А.Криницкий: Нужен координационный центр, который держал бы все нити в своих руках.
Н.Бенько: Мы уже договорились: таким центром должна стать комиссия по эстетическому воспитанию при областном музыкальном обществе.
В.Родионов: А не превратится она в некий бюрократический аппарат?
В.Медведева: Ну, если все спихнуть на комиссию… Надо работать вместе. Тем более, общие точки приложения сил мы нащупали. Есть, видимо, необходимость объединиться в музыкальный клуб.
А.Бондаренко: Я «за» обеими руками. Давно пора собираться, общаться, делиться мыслями и впечатлениями. Это поможет быть в курсе событий, происходящих в культурной жизни области. Будет встряской для тех, кто пребывает в состоянии застойной спячки, обособился в своем мирке.
А.Гендельман: Думаю, совсем необязательно ориентироваться на клуб для музыкантов. Пусть это будет клуб творческой интеллигенции. И лучше всего, по-моему, создать его при театре кукол. Не придется ломать голову, где найти помещение.
И.Бенько: Остается лишь отыскать лидера-энтузиаста…
В.Родионов: И не одного. Чтобы воплотить в жизнь все те предложения, что высказаны за нашим «круглым столом», все мы должны проявить и энтузиазм, и собственную инициативу. Итак, за дело?
(Гродненская правда. – 1989. – 16 февраля)
ДЕБЮТ МОЛОДОГО КОМПОЗИТОРА
За последние годы окрепли творческие контакты молодых белорусских композиторов, бывших выпускников Гродненского музыкального училища, с Минским камерным оркестром. В свое время оркестр исполнял произведения В.Войтика, А.Бондаренко, Е.Поплавского. Недавно слушатели столичной филармонии познакомились с музыкой еще одного воспитанника училища, ныне студента IV курса композиторского отделения Белорусской государственной консерватории Николая Колешко. Состоялась премьера его концерта для камерного оркестра и солирующей скрипки, написанного в жестких, экспрессионистских тонах, сквозь которые порою высвечивается хрупкая лирика. Особенно удачна вторая часть, созданная на одном дыхании. Сейчас молодой автор работает над оперой по повести Гоголя «Портрет».
(Гродненская правда. – 1989. – 15 марта)
ВЕЧЕР ПЕСНИ
Композитора Евгения Петрашевича знают не только в Гродно. Его песни звучат по всей республике. Но вот его авторский концерт в областном центре состоялся впервые.
В зале педагогического училища собрались и давние поклонники его творчества, и молодежь – школьники и учащиеся училища. Композитор ответил на вопросы. А затем звучали его песни: «Студенческие огоньки» (автор текста В.Шурпа) в исполнении композитора, «Восем сыноў-армянят» на стихи А.Цыхуна в исполнении хора мальчиков СШ №18. Народный камерный хор преподавателей педучилища познакомил слушателей с хоровым произведением «Веснянка – Беларусь» на стихи Я.Насуты, удостоенным диплома на республиканском конкурсе, посвященном 70-летию БССР.
Тепло встретили зрители и фольклорный ансамбль «Дударики» Дворца пионеров, которым руководит Е.Петрашевич. Ребята подготовили к вечеру цикл «Вянок беларускiх песень i танцаў».
В концерте приняли участие солисты Л.Игнатова, Б.Стриха, П.Кирко.
(Гродненская правда. – 1989. – 28 июня)
1990 год
ЮНЫЕ ВИРТУОЗЫ
Подведены итоги II Республиканского конкурса исполнителей на народных инструментах имени Иосифа Жиновича. Конкурс проводился в три тура по специальности баян, аккордеон, цимбалы, балалайка, домра, гитара. Заключительный тур для учеников детских музыкальных школ прошел в Пинске, для учащихся музыкальных училищ – в Гомеле. Если судить по количеству претендентов, допущенных жюри к третьему туру, а их было свыше трехсот, то убедимся, что это творческое соревнование приобрело популярность в республике. Значительно возрос исполнительский уровень конкурса в сравнении с предыдущим. Особенно большой скачок ощутим в технической подготовке участников. Расширился список тех областей и районов, чьи представители завоевали призовые места.
Успешно выступили молодые музыканты Гродненщины. Лауреатами стали Наташа Рубцевич, награжденная дипломом II степени, Виталий Прокопик, удостоенный диплом III степени. Наташа учится в Мостовской школе искусств по классу домры у преподавателя Н.Н.Баркаш, Виталий – воспитанник Гродненской вечерней музыкальной школы. Успехом он обязан своему преподавателю по баяну В.В.Разуваеву. Грамотами были отмечены Люда Гаспарович (Ошмянская ДМШ), Андрей Филиппов (Лидская ДМШ), Саша Чанин (ДМШ №1 г.Гродно). Юный виртуоз Валера Звержевич получил приз за волю к победе. Случилось так, что во время выступления отказала механика баяна, и Валере пришлось проявить завидную выдержку, чтобы сыграть прилично. Учится Валера в Индурской музыкальной школе, готовил его к конкурсу С.К.Игнатович.
В Гомеле лауреатами стали гитарист Ярослав Гулецкий и баянист Александр Ефимик, получившие дипломы II и III степени. Оба из Гродненского музыкального училища, но важнее то обстоятельство, что они занимаются у неординарных преподавателей – это известный в городе популяризатор гитарной музыки Владимир Захаров и новатор в научно-методических разработках игры на баяне Станислав Игнатович. Среди удачно выступивших целый ряд учащихся Лидского училища. Дипломом III степени отмечена аккордеонистка Наталия Сидорчик, грамотами – Анатолий Демид, Светлана Квач, Владимир Щелин, Марина Счастная.
(Гродненская правда. – 1990. – 28 июня)
МАЛЕНЬКИЙ ДИРИЖЕР И ЕГО ОРКЕСТР
Далеко не в каждой средней школе есть оркестр народных инструментов. Порадовало выступление такого оркестра на одном из вечеров в СШ №26 г.Гродно, в составе которого 40 юных артистов во главе с юным дирижером Сашей Потоцким.
В репертуаре оркестра русские, белорусские, украинские современные песни и танцы. Играют дети и музыку руководителя оркестра Александра Маркелова – известного в городе композитора. Многие песни Маркелова исполнялись и сейчас исполняются различными музыкальными коллективами. Он создал также детскую оперу «Весенняя сказка».
В оркестре маленькие артисты приобретают навыки игры на народных инструментах, начинают любить народное искусство. Они увлеченно, с завидной артистической отдачей готовы дарить людям красоту.
Хотелось бы пожелать солирующей группе аккордеонов и баянов большей живости. Стоит также подумать над тем, как разнообразить оркестровку аккомпанемента и ритма. Звучание оркестра значительно обогатилось бы, если ввести в него рожки и дудки. Однако скажут: где их взять? Ведь даже простые трещотки – и то пришлось руководителю оркестра делать собственными руками, бегать и выклянчивать материал. Неужели в этом деле не сможет помочь музыкальное общество, существующее, видимо, не только для того, чтобы числиться на бумаге? Еще одно замечание. Не дать ли играющим и поющим детям уроки по сочинению музыки, чтобы полнее раскрывались их способности?
(Гродненская правда. – 1990. – 15 декабря)
ЗВУКИ ГИТАРЫ
Дает его уравновешенности отстраненно-таинственный оттенок. Порою, чудесная лирика Чайковского бессильно бьется между ее струнами. Этот предельно капризный инструмент отвергает ту музыку, которая не соответствует ее природе. Зато гитара звучит раскованно и непринужденно, когда музыка написана специально для нее.
Чувство неестественности возникает и тогда, когда гитара аккомпанирует фортепиано с его жестким акцентирующим звуком. Скромная падчерица в дуэте с фортепиано, гитара в союзе с органом уносит воображение слушателей в высокие своды готического храма, чей трепетный голос наполняет человеческой теплотой возвышенную симфонию.
В сколько роскошных цветов испанской музыки подарила нам гитара? Танцевальные ритмы оживляют ее. Сливаясь с движением танца, она и сама становится порывистой, страстной, своенравной! Какую изумительную красоту открываем для себя в торжественной, несколько помпезной музыке Сора, виртуозных каскадах замечательных пьес Тарреги, затаенной страсти фантазий Альбениса и Гранадоса, импульсивных мелодиях Вила-Лобоса, подернутых прохладой океанского прибоя. А рядом с ними поднимается величественная фигура короля гитары Сеговии.
В России гитара пользовалась особой любовью. Русские песни и танцы издавна сроднились с гитарой. Русский романс нашел в гитаре своего искреннего друга. Совершенно немыслим без гитары жизнерадостный цыганский фольклор.
Но значение гитары этим не исчерпывается. Благодаря энтузиазму и артистической деятельности Иванова-Крамского у нас сложилась самостоятельная гитарная школа. Среди его многочисленных учеников и последователей Александр Фраучи, чья игра отличается тонким рационализмом, благородным звуком и ювелирной техникой. Напротив, в исполнительской манере белорусского гитариста Валере Живалевского преобладают экспрессивный порыв и свобода самовыражения. Молодой артист полон желания приобщить гитару к самым разнообразным жанрам и стилям музыкального искусства.
Сегодня гитаре открыт весь мир!
(Гродненская правда. – 1990. – 29 декабря)
1991 год
РОЖДЕСТВЕНСКИЕ ВСТРЕЧИ
Всеобщее признание получила культурно-просветительская деятельность музея истории религии. Люди с удовольствием посещают вечера, лекции, выставки, концерты, организованные его сотрудниками.
В предложенной теме «Рождественских встреч» удачно сочетались наука, искусство, религия. Публика познакомилась с выставкой праздничных конвертов разных стран мира. По материалам Библии было рассказано о рождении Иисуса Христа. Предложены научные комментарии к легенде о вифлеемской звезде. В обстоятельной лекции с демонстрацией слайдов говорилось о художниках и их картинах, посвященных замечательному событию. Артисты Белорусского государственного камерного хора исполнили произведения.
Во время концерта постоянно тревожила мысль: почему в Гродно нет своего профессионального хора. По словам Матюхова, его коллектив возник из самодеятельного. Возник благодаря тому, что в министерстве пошли навстречу без долгих разговоров и обещаний. Профессиональный хор существует в Гомеле. Там тоже нашлись заинтересованные люди, нашлись и деньги. У нас есть хорошие в акустическом отношении залы, есть композиторы, чью музыку исполняют приезжие артисты, есть значительное число энтузиастов и любителей хорового пения, которые кровно заинтересованы в положительном решении этого вопроса.
(Гродненская правда. – 1991. – 3 января)
ДУХОЎНЫХ СПЕВАЎ ХАРАСТВО
З поспехам прайшлі ў Гродне гастролі Мінскага дзяржаўнага камернага хору (кіраўнік і дырыжор І.Мацюхоў), які выступаў з творамі духоўнай музыкі.
У адным з канцэртаў прагучалі беларускія рэлігійныя песнапенні, частка з “Літургіі Іаана Златавуста” П.Чайкоўскага, фрагменты з аднайменнай літургіі П.Часнакова, тры духоўныя хоры маладога гродзенскага кампазітара А.Бандарэнкі – “Причастный стих», «Из службы за усопших», «Молитва об умиротворении враждующих». Заўважу, што апошнія два хоры – з нядаўна закончанай ім оперы “Князь Навагрудскі” (назва пакуль умоўная).
Не спыняючыся на якасці выканання калектыву, скажу толькі, што дырыжор мог бы прапанаваць слухачам не апладзіраваць паміж творамі, як гэта прынята (хоць і не ўсюды!) на такога роду канцэртах. Ці не лепей звярнуць свой погляд у сябе, каб адчуць, як раствараюцца цудоўныя гукі ў нашай душы, чым бурна пляскаць у ладкі?
Каб ацаніць творы А.Бандарэнкі, супастаўлю іх з хорамі прызнанага майстра рэлігійнай музыкі П.Часнакова (1877-1944). Зраблю гэта не дзеля самалюбства маладога аўтара: важней зразумець, што ён піша і да чаго імкнецца.
Часнакоў узбагаціў культавыя жанры выразнымі сродкамі класічнай і рамантычнай музыкі. Бандарэнку давялося спалучаць царкоўныя музычныя каноны з сучаснай тэхнікай пісьма, а гэта, пагадзіцеся, вельмі цяжкая задача. Калі Часнакоў карыстаўся прыёмамі кантрастнай (імітацыйнай) поліфаніі, пераймаючы традыцыі заходняй музыкі, то Бандарэнка прытрымліваецца ўзораў старажытнарускага (“пуцявога” ці “саборнага”) распеву, калі галасы не процістаяць вядучаму голасу, а зліваюцца з ім. Дзякуючы лірычным мелодыям і маляўнічым гармоніям, рэлігійныя хоры Часнакова ператварыліся ў “харавыя рамансы”. Мелодыка Бандарэнкі больш стрыманая, строгая, не дапускае і ценю пачуццёвасці. Рускія крытыкі справядліва папракалі Часнакова ў недахваце густу, у тым ліку за «неприличествующую храму томность», за «неуместные хроматизмы в церковных хорах» і нават за “італьяншчыну”. Усяго гэтага пазбегнуў Бандарэнка, і ягоныя хоры гучаць пераканаўча!
(Літаратура і мастацтва. – 1991. – 15 лютага)
ИГРАЙ, МОЙ БАЯН
Недавно при содействии областного управления культуры и Гродненского музыкального училища прошел фестиваль «Играй, мой баян». На нем выступили около 40 юных исполнителей на баяне и аккордеоне. Преподаватели музучилища приурочили к смотру ряд мероприятий. С.К.Игнатович дал открытый урок со своими воспитанниками Звержевичем и Дзитко по теме «Развитие художественной техники на баяне и аккордеоне», С.Е.Богданов прочитал доклад о современной нотации, А.В.Шашков познакомил с собственными произведениями для баяна.
Грамотами и подарками были отмечены выступления Валеры Звержевича (сектор педпрактики музучилища), Андрея Шоки (ДМШ №1), Оксаны Ивашко (Щучин), Юрия Дзитко (ДМШ №2), Наташи Сидорчик, Андрея Ярошевича (СШ №3) и других. Особенно успешно выступили исполнители, которые дополнительно посещали занятия в школе одаренных детей Игнатовича. В ней особое место отводилось технике, звукоизвлечению, штриховой культуре, образному и логическому мышлению, ставилась задача выявить перспективных исполнителей.
Надо надеяться, что этот фестиваль станет традиционным. В будущем надо бы расширить границы фестиваля, включив в его орбиту музыкальные школы Лидской зоны. Важно, чтобы на фестивале больше звучала белорусская музыка, произведения гродненских авторов. Украсят фестиваль различные по составу ансамбли и творческие коллективы. Стоит подумать также о названии. Вероятно, есть смысл назвать фестиваль именем выдающегося белорусского композитора, чья творческая биография была связана с Гродно.
(Гродненская правда. – 1991. – 25 апреля)
КОНЦЕРТЫ В ПОЛЬШЕ
Удачно выступили в Польше два творческих коллектива Лидского музыкального училища.
В Доме культуры железнодорожников города Малашевичи дал концерт белорусский народный оркестр во главе с художественным руководителем и дирижером Анатолием Великиным. Были исполнены произведения Хачатуряна, Кабалевского, Петрова, Глебова, русские и белорусские народные песни, звучали оркестровые пьесы «Журавлиные песня», «Воспоминание», "Рондо" доцента консерватории Геннадия Ермаченкова. Понравился голос Т.А.Бугасовой, которая спела белорусскую «Янку», русскую народную песню «Как по лужку трава», популярный вальс «Осенний сон». Особое внимание слушателей привлекали цимбалы, их звончатый тембр, необычная манера игры. Отдано должное непринужденности и артистизму дирижера. С ответным визитом в Лиду приедут польские музыканты.
На конкурс аккордеонистов в городе Белостоке был приглашен в качестве гостей эстрадный ансамбль «Фестиваль». Этот коллектив – участник III Международного фестиваля баянной и аккордеонной музыки в Вильнюсе. Руководит ансамблем Владимир Бубен. В его составе преподаватели музучилища: Владимир Бубен (аккордеон), Николай Михальков (бас-гитара), Василий Сечко (гитара), Андрей Вознюк (ударные). Концерты ансамбля предваряли конкурсную программу и прошли в Белостоке, Августове, Элке. Исполнялась виртуозная эстрадная музыка Франции, Италии, Германии, советских и белорусских композиторов. Повсюду ансамбль принимали восторженно. В Элке, например, артистов не отпускали со сцены 20 минут. Концерты в Польше явились залогом дальнейших творческих контактов с польскими музыкантами.
(Гродненская правда. – 1991. – 1 июня)
ФЕСТИВАЛЬ МОЛОДЫХ ИСПОЛНИТЕЛЕЙ
Впервые был проведен областной фестиваль молодых исполнителей – учащихся детских музыкальных школ и школ искусств. Заключительные концерты прошли в Гродно, Лиде, Волковыске, Сморгони, Кореличах.
Лучшие ученики продемонстрировали свою игру на фортепиано, скрипке, виолончели, гитаре, аккордеоне, других инструментах. Переоценить значение фестиваля трудно. Сегодня, когда значительно возрос уровень исполнительского мастерства детей и юношества, как в стране, так и за рубежом, нам не обойтись без собственных смотров-конкурсов. Это хорошо понимали организаторы фестиваля – работники управления культуры облисполкома.
Гродненскую зону составили ДМШ Гродненского и Щучинского районов, городов Гродно и Мосты. Удачно выступили Алёша Петров, Саша Ганин, Юра Осипенко, Ира Костюкевич, фортепианный дуэт в составе Алёши Петров и Нелли Зубравской. Все они из музыкальной школы №1 г.Гродно.
Школа богата традициями, обладает большим коллективам опытных педагогов. Многие годы преподает в школе заведующая фортепианным отделением Раиса Альбертовна Голубева. Ее ученики стали известными композиторами, пианистами, преподавателями в самых разных уголках республики. Вот и сейчас привлек внимание жюри один из ее учеников, пятиклассник Алеша Петров. В его игре обнаружились черты артистической индивидуальности. Алеша к тому же сочиняет музыку (написал 12 инвенций в стиле Баха). Одно время Голубевой пришлось преподавать композицию, и поэтому она всячески поддерживает творческие начинания своих учеников. Думается, что только те педагоги, кто должным образом оценивают роль творчества в воспитании молодых исполнителей, достигнут значительных результатов.
(Гродненская правда. – 1991. – 11 июня)
И МАСТЕРСТВО, И ВДОХНОВЕНЬЕ
Не часто преподаватели наших музыкальных учебных заведений выходят на эстраду с концертными программами. Проявив добрую волю и желание показать свое искусство, в областном центре выступили преподаватели Лидского музыкального училища.
У каждого исполнителя был индивидуальный почерк. Светлане Черняк удалось претворить сложную концепцию фортепианной Фантазии Шумана. Профессионально добротную игру на скрипке и виолончели продемонстрировали Михаил Двилянский и Оксана Гиренко, исполнившие произведения Венявского и Чайковского. Воодушевленно, с размахом сыграл Леонид Черняк Венгерскую рапсодию №2 Листа. Понравился приятный и чистый голос Татьяны Бугасовой. Успех сопутствовал балалаечнику Анатолию Чимирко. Доставила истинную радость игра аккордеонистов Владимира Бубена в составе эстрадного ансамбля «Фестиваль», которым он руководит. Если и есть в области творческий коллектив, способный достойно выступать на любом уровне, включая самый высокий, то это, прежде всего «Фестиваль». Хотелось, правда, посоветовать руководителю, чтобы он включил в репертуар несколько мелодически напевных или сентиментальных пьес, которые как-то прерывали бы бесконечный поток блестящих пассажей.
Концерт удался. Исполнительское мастерство и минуты вдохновения педагогов оставили в памяти яркий след.
(Гродненская правда. – 1991. – 16 июня)
ПРИЗЫВАЮ ОБЕРЕГАТЬ ТРАДИЦИИ
Валерий Живалевский родился в Гродно. Бегал и проказничал со своими сверстниками в районе улицы Гагарина. Его мама, желая привлечь детей к музыке, покупала им разные инструменты. Он полюбил гитару. Не расставался с нею ни дома, ни на улице. Правда, не сразу поступил в музыкальное училище. А затем как бы на одном дыхании закончил и Гродненское музучилище, и Белорусскую государственную консерваторию, и аспирантуру при институте им. Гнесиных в Москве. Еще в студенческие годы стал лауреатом Всесоюзного конкурса артистов эстрады. Теперь Валерий преподает в консерватории. Занимает активную общественную позицию в деле возрождения национальной культуры.
- Валерий, у вас универсальный талант: вы сочиняете музыку и выступаете в качестве исполнителя. Какие новые произведения написаны, где пришлось играть в последнее время?
- Уже два года преподаю в консерватории. Педагогическая работа отнимает много сил и здоровья. Композиция – это мое любимое дело, но пока нет возможности ею заниматься. Дал в Минске около пятидесяти концертов. Организовал неделю гитарной музыки «Памяти Андреса Сеговии». Вместе со мной на ней выступали белорусские гитаристы Гридюшко, Захаров, Волков. Делал записи на радио и телевидении. При этом играл не только как солист, проверял звучание гитары в различных ансамблях – с цимбалами, валторной, кларнетом, гобоем, блок-флейтой. Вышли две передачи, в которых звучала моя музыка.
- Вы были членом жюри Республиканского конкурса исполнителей на народных инструментах имени Жиновича. Что можете сказать о гродненских гитаристах, принимавших участие в конкурсе?
- Владимир Захаров – гитарист международного уровня. Но он настолько чуткий и ранимый музыкант, что не всякое его выступление бывает удачным. Считаю, что у него есть будущее. Когда-то он сочинил «Детский альбом», составленный из ряда миниатюр красочно-изобразительного плана, которые предвосхищали собой многие конструктивные приемы современной гитарной музыки.
Его ученик Денис Асимович – это уникальное явление. Тот факт, что Денис, не имея зрения, конкурировал наравне со зрячими, говорит о многом. В музыкальном училище накоплен значительный опыт преподавания гитары Лии Александровне Денскевич.
- Как оцениваете уровень музыкальной культуры в Гродно?
- В эпоху Стефана Батория Гродно был видным музыкальным центром. В замке устраивались различного рода празднества с музыкой. Король приглашал знаменитых музыкантов из Европы. Ему служили и местные музыканты, имевшие широкую известность за пределами Литвы и Польши. Например, лютнист Войцех Длугорай оставил после себя лютневую табулатуру (старинный вид нотной записи), в которую вошли произведения западноевропейских композиторов, включая Джона Дауленда – композитора, создавшего музыку к трагедиям Шекспира!
Во времена Тизенгауза в Гродно ставились оперные и балетные спектакли. Позже балетную труппу Тизенгауз подарил королю Станиславу Августу Понятовскому.
Очень обидно, что к концу ХХ столетия Гродно превратился в глухую провинцию. Музыкальная жизнь города находится в упадке. Я призываю оберегать традиции, ценить оставленное нам богатое музыкальное наследие. Не следует ли нам вернуться к старым формам музицирования? Для этого нужно создать городскую музыкальную капеллу, в составе которой будут функционировать камерный хор, ансамбль старинных инструментов, оперная и балетная труппы. Капелла должна стать центром по изучению и возрождению белорусской национальной культуры.
(Гродненская правда. – 1991. – 5 октября)
БЕЛОРУССКИЕ ЦИМБАЛЫ В ПОЛЬШЕ
Четырежды за последнее время побывал в Польше белорусский народный оркестр Лидского музыкального училища. Его гастрольные маршруты пролегли через Бельск-Подляски, Сувалки, Олецк, Элк, Августов. Оркестр был участником VI Всемирного фестиваля молодежи в Ченстохове. В рамках фестиваля дал концерт в костеле города Гуманцы. И всюду, где бы ни выступали лидские музыканты, им сопутствовал успех. На одном из концертов восторженная публика даже спела в их честь «Сто лят».
Оркестру приходилось играть в школах, больницах, домах отдыха, часто по два концерта в день. Возвращаясь домой, коллектив неизменно привозил благодарственные письма и адреса.
Репертуар оркестра обширен. Он охватывает произведения западных, русских, советских, белорусских композиторов. Особое внимание уделяется белорусской музыке. Творческая дружба связывает оркестр с композитором Геннадием Ермаченковым. Исполняются произведения Николая Чуркина, Евгения Глебова, Валерия Иванова. Идет работа над вторым цимбальным концертом Дмитрия Смольского, оркестровой пьесой Андрея Мдивани «Народные игры». Художественным руководителем и дирижером оркестра является лауреат Всесоюзного фестиваля народного творчества Анатолий Великин. Он обладает природным сценическим даром, позволяющим ему быстро находить контакт с любой аудиторией. Директор оркестра – Михаил Двилянский – прекрасный организатор и к тому же концертирующий скрипач. Заслуживают добрых слов солистка Людмила Банцевич, учащиеся училища Наташа Петрова, Лена Горлукович, Таня Гракова, Оля Гуркова.
(Гродненская правда. – 1991. – 23 ноября)
БУДЕТ ЛИ КАПЕЛЛА ТИЗЕНГАУЗА?
Любой респектабельный город имеет музыкальную капеллу, известный оркестр или престижный фестиваль. Без них город, закованный в асфальт и бетон, источающий въедливый смрад заводов и фабрик, жители которого уже перестали ощущать радость жизни, неминуемо станет уродливым промышленным монстром. Капелла соединит музыкальные традиции прошлого с современностью, откроет перед творческими коллективами новые перспективы. Именно об этом шла речь на одном из заседаний горисполкома.
Заместитель председателя Союза музыкальных деятелей Беларуси Наталия Витченко рассказала о последнем пленуме Союза. Им был учрежден фонд белорусской культуры, в том числе валютный фонд. Это позволит финансировать крупные мероприятия и наладить творческие связи с зарубежными странами. Союз активно участвовал в организации минского фестиваля «Нараджэнне капэлы». В его рамках состоялась научно-теоретическая конференция. Витченко подняла вопрос о создании капеллы в Гродно, тем более, что ее существование в нашем городе исторически оправдано. Она выразила надежду, что городские власти поддержат доброе дело. Капелла станет центром белорусской культуры, консолидирует творческие силы города. Она могла бы проводить ежегодные межрегиональные или международные фестивали, как это уже делается во многих областях республики. Союз музыкальных деятелей готов помочь материально будущей капелле, если нужно, то предоставит необходимые научные и методические пособия.
Гость из Минска композитор Евгений Поплавский (который, к слову сказать, заканчивал Гродненское музучилище) поднял вопрос о спонсорстве. К сожалению, предприниматели в основной своей массе пока не осознают, что им может дать деятельность, направленная на развитие национальной культуры, включая белорусскую музыку. На самом же деле возможности здесь огромные: это грамзаписи и их распространение, издание редких книг, нотных сборников, фотоальбомов, проспектов, рекламы, символики и т.д. Добавьте сюда записи музыки различного рода фестивалей, конкурсов, оперной и балетной музыки. Почему-то западные бизнесмены охотно всем этим занимаются, моментально скупая не только старинные ноты, но и произведения современных композиторов, чтобы оперативно озвучить их и распространить. Они знают, что делают, тогда как наши предприниматели уступают им инициативу распоряжаться отечественной культурой. Проявив смекалку, они могли бы организовать, например, конкурс имени Огинского или фестиваль современной камерной музыки. Будь настойчивее, перед ними открылись бы настоящие кладези культуры.
Для известного в республике и за ее пределами композитора Андрея Бондаренко капелла – это и оркестр, и хор, в будущем, и балетная труппа и даже – постановка камерных опер. При ней может быть специальная музыкальная школа, которая будет готовить свои кадры. Бондаренко мыслит фестиваль как итог деятельности капеллы за год, как результат творческих контактов с музыкантами из разных республик и государств. И если фестиваль перерастет в смотр музыки разных национальных культур, то тем самым он выполнит свою задачу.
Заместитель председателя горисполкома Александр Милинкевич поддержал идею создания капеллы в Гродно. Он разделяет мысль дать капелле имя Тизенгауза, изучению жизни и дел которого посвятил в свое время немало сил. Милинкевич удовлетворен первыми успехами Гродненского камерного оркестра. Считает, что создаваемый камерный хор дополнит его изучение. Есть, правда, у Александра Владимировича озабоченность по поводу финансирования городской капеллы. Тем не менее, он убежден в том, что проблемы культуры должны стоять на первом месте.
(Гродненская правда. – 1991. – 13 декабря)
1992 год
ФИЛОСОФИЯ В НОТАХ
Совсем недавно Николай Колешко закончил Белорусскую государственную консерваторию по классу композиции. Теперь работает в Гродненском музыкальном училище. Слушая его музыку, беседуя с ним, я убедился, что передо мной – творческая личность с самостоятельным взглядом на мир.
- Николай, в чем сложность вашей профессии?
- Композиторский труд – это не столько сложная, сколько необходимая работа и для меня, и для общества. На мой взгляд, воплощение значительных идей в музыке требует профессионального мастерства. Многие молодые белорусские композиторы обладают достаточно высоким уровнем мастерства, однако, к сожалению, они нередко руководствуются потребительскими интересами: чтобы угодить малограмотной толпе, сочиняют откровенную халтуру.
- Что вы пишите? Где и когда исполнялись ваши произведения? Как воспринимает их публика?
- Не могу сказать, что у меня большой опыт общения со слушателями. Тем не менее, мой «Апокриф», исполнявшийся на фестивалях музыки молодых авторов в Ленинграде, Вильнюсе, Риге, получил положительную оценку среди профессионалов. Я стремлюсь воплощать религиозную тему, столь актуальную сегодня. В религиозном духе, даже с некоторым мистическим оттенком написана моя симфония «Теогония». Это масштабное произведение (примерно на 40 минут). Правда, она еще нигде не звучала. Возможно, ее скоро сыграют в России. Сейчас работаю над концертом для гитары и камерного оркестра под названием «Терновый венец». В основу концерта легла библейская легенда о смерти Христа.
- Приходилось ли обращаться к другим литературным источникам?
- В свое время меня увлекли «Доктор Фаустус» Томаса Манна и «Игра в бисер» Генриха Гессе. Они показали мне, как нужно относиться к искусству, какую самоотверженность, должен проявить творец, чтобы достичь совершенства. А еще раньше я сочинял так называемую «чистую» музыку, в рамках которой экспериментировал, искал необычные звукосочетания.
- В студенческие годы вы начали писать оперу «Портрет» по одноименной повести Гоголя. Завершена ли она?
- Осталось написать последние сцены – самые значительные по смыслу и драматическому накалу. В них речь идет об ответственности художника перед собственной совестью.
- Есть ли какая-нибудь надежда поставить эту оперу?
- Надеяться надо. Без надежды творчество становится проблематичным. У меня ведь камерная опера. Чтобы исполнить ее, не нужны большие затраты. Быть может, в будущем, когда в Гродно созреют условия для постановок камерных опер, она увидит свет.
- А как обстоят дела с воплощением белорусской темы?
- Буду искать подходящий материал из истории Беларуси. Прошлое Беларуси насквозь трагедийно. Здесь сталкивались интересы многих народов и государств, вели борьбу за свои сферы влияния различные религии – католицизм, православие, униатская церковь, порой достигали критической точки достигали критической точки взаимоотношения между сословиями и классами. И все это происходило в контексте извечного антагонизма между Востоком и Западом, между патриархальными и цивилизованными формами жизни, между национальными и вненациональными элементами в культуре, науке, искусстве. Словом, тут есть над чем поразмыслить.
- Какие же планы?
- Буду сотрудничать с творческими коллективами, которые сейчас формируются вокруг капеллы Тизенгауза. Рассчитываю также на ежегодные фестивали камерной музыки в Гродно. Уверен, что новые формы музицирования принесут свои плоды.
(Гродненская правда. – 1992. – 1 февраля)
КОМПОЗИТОР ИЗ ПОРОЗОВО ВОЗРОЖДАЕТ КАПЕЛЛУ
Недавно в Минске прошел фестиваль «Нараджэнне капэлы». Его цель заключалась в том, чтобы возродить белорусскую капеллу, существовавшую на территории республики в VII-VIII веках. Такие капеллы были у Радзивиллов и Огинских. Известна гродненская капелла Тизенгауза. Одним из руководителей будущей капеллы стал уроженец Порозово, композитор Евгений Поплавский. Ему чуть более тридцати, а он возглавляет столь престижный и важный для развития национальной культуры творческий коллектив.
Поплавский – воспитанник Порозовской музыкальной школы – закончил Гродненское музучилище. Белорусскую консерваторию и Ленинградскую ассистентуру. Теперь он – член Союза композиторов. Все чаще и чаще его музыка звучит по радио и телевидению, в различных залах.
На мой вопрос: «что привело сына в музыку?», мать Евгения – Ирена Иосифовна Поплавская ответила: «Он любил музыку с самого раннего детства. У нас был обычай собираться на рождественские праздники всей семьей, чтобы вместе попеть. Пел и Женя. Иногда он аккомпанировал нам. Уже тогда мы, родные, называли его «маленьким музыкантом».
Занятия в музыкальной школе с его первыми учителями по баяну Иваном Андреевичем Борелем и Аркадием Евстафьевичем Каштаном подтвердили, что у него – незаурядные музыкальные способности.
Когда он с первого раза не поступил в консерваторию, мы советовали оставить музыку. Но, вернувшись из армии, он решил добиться своего и успешно сдал вступительные экзамены.
Как и следовало ожидать, свой взор талантливый композитор обратил на родные края. И вот он в числе тех, кто сегодня возрождает музыкальные традиции Гродненщины.
На заседании Гродненского горисполкома Е.Поплавский вместе со своими коллегами из Минска рассказал о новой капелле, обстоятельно аргументировал мысль о том, что такую же капеллу нужно создать и в Гродно. Его идею поддержали заместитель председателя горисполкома А.В.Милинкевич и заведующая отделом культуры горисполкома И.И.Клименко. По общему мнению, капелла в Гродно должна быть капеллой Тизенгауза. В ее состав войдут оркестр, хор, а в будущем, вероятно, балет и камерная опера. Проекты значительные, но очень своевременные.
Теперь надо сказать и о самом фестивале. Он помог слушателям заглянуть в наше музыкальное прошлое. Впервые в Минске прозвучала опера Иоганна Давида Голанда «Агатка». Этот немецкий композитор жил и работал в Варшаве, Вильнюсе, Гродно, Несвиже. Правда, оркестровое переложение этой оперы, сделанное профессором – Дмитрием Смольским, по моему мнению, и мнению Поплавского, страдает некоторые недостатками. Исполнялась также музыка талантливых композиторов из рода Радзивиллов и Огинских. Выяснилось, что музыку сочинял руководитель польского восстания Тадеуш Костюшко, чьи полонезы пользовались успехом в аристократических салонах. Публика узнала, что автор знаменитого русского гимна «Гром победы, раздавайся» Осип Козловский родился в Беларуси. Музыка этого и других малоизвестных авторов исполнялась на фестивале.
Отрадно, что и наши земляки в лице Е.Поплавского возрождают и продолжают богатые музыкальные традиции Гродненщины.
(Свислочская газета. – 1992. – 15 февраля)
ЭНТУЗІЯСТЫ АДРАДЖЭННЯ
Мінула ўжо нямала часу пасля таго канцэрта, але не магу не падзяліцца ўражаннямі. Вядомы чытачам “ЛІМа” беларускі ансамбль салістаў “Класік-Авангард” выступіў ў Гродне з праграмай старадаўняй і сучаснай музыкі. Наша музычнае мінулае было прадстаўлена псалмамі на тэксты Сімяона Полацкага і "Віленскім сшыткам".
Сюіта “Віленскі сшытак” мае і другую назву: “Зборнік п’ес беларускага барока ў інструментоўцы А.Літвіноўскага”. У яе ўвайшлі асобныя п’есы з лютневай табулатуры, знойдзенай у Вільні і датуемай прыкладна 1600 годам. Сюіта пабудавана на чаргаванні аркестравых і сольных нумароў. Сольную партыю выканаў таленавіты гітарыст Валерый Жывалеўскі. Як заўсёды гітара кранала стрыманым і журботным гукам, непасрэднасцю і разам з тым таемнай глыбінёй. Гітарныя нумары, на мой погляд, выклікалі большае ўражанне, чым аркестравыя часткі сюіты. Ці не таму гэта здарылася, што гітара і лютня – роднасныя інструменты, што гітары блізкі інтымны свет лютні? Вядома, кожны музыкант мае права на індывідуальнае прачытанне арыгінала. У будучым В.Жывалеўскі мяркуе зрабіць свой варыянт “Віленскага сшытка” з інакшым адборам п’ес і новай аркестроўкай. Хацелася б пажадаць, каб ён захаваў далікатнасць і тактоўнасць у рабоце з такім крохкім матэрыялам, як старадаўняя музыка.
Мастацкі кіраўнік “Класік-Авангарда” Уладзімір Байдаў распавёў пра творчае аблічча ансамбля, які быў удзельнікам трох фестываляў памяці І.Салярцінскага ў Віцебску, Першага міжнароднага фестывалю камернай авангарднай музыкі ў Мінску, а таксама гістарычнага ўжо фестывалю “Адраджэнне беларускай капэлы”. Цяпер калектыў плануе цыкл тэматычных канцэртаў у філармоніі, запісы на грампласцінкі, мяркуюцца гастролі ў Маскве і Пецярбурзе.
Мне падалося, што музыка мінуўшчыны ў выкананні “Класік-Авангарда” гучыць трохі больш сціпла, чым рамантычная ці сучасная. Узнікла пытанне: ці не чужы нам стаў духоўны вопыт нашых продкаў? На думку У.Байдава, нівеліроўка гучання непазбежная, па-першае, з-за таго, што ў распараджэнні ансамбля няма старадаўніх інструментаў – лютняў, віёлаў, флейт, па-другое, творы мінулага – гэта ціхая, вытанчаная музыка і яе трэба іграць у малых (камерных) залах, а не ў такіх аграмадных, як зала гродзенскага палаца “Юнацтва”, па-трэцяе, трэба ўлічыць і тое, што яна звычайна падносіцца ў сучасных транскрыпцыях. Таму часам цяжка вызначыць, у якіх выпадках арыгінал рэстаўруецца, а ў якіх – скажаецца. Мабыць, лагічней было б ставіцца да твораў старых майстроў як да помнікаў гісторыі і не спяшацца ацэньваць іх з мастацкага пункту гледжання. Слухачы з часам яшчэ атрымаюць асалоду ад хараства сапраўднай старадаўняй музыкі!
Саліст Віктар Скарабагатаў праспяваў чатыры псалмы, у тым ліку – псалму Васіля Цітова, выдатнага рускага кампазітара другой паловы XVII ст., якім, дарэчы, напісана цудоўная музыка да ўсёй “Псалтыры рыфмаванай” Сімяона Полацкага. Застаючыся вядучым салістам опернага тэатра, В.Скарабагатаў аддае шмат сіл нашай камернай музыцы. Ён праспяваў дзесяткі й дзесяткі рамансаў беларускіх кампазітараў. Яго падзвіжніцтва ў гэтай справе заслугоўвае самых добрых слоў. Як вядома, менавіта ён быў ініцыятарам правядзення фестывалю “Адраджэнне беларускай капэлы”. Цяпер садзейнічае адкрыццю Цэнтра адраджэння нацыянальнай музыкі. Як мыркуе В.Скарабагатаў, нам трэба аднавіць у прыстойным аб’ёме музычную культуру мінулага – як свецкую, так і духоўную. Акрамя таго, трэба аднавіць важнейшы эстэтычны прынцып колішніх капэл: сёння пішацца – сёння ж і выконваецца! Без гэтага прынцыпу любое творчае аб’яднанне – філармонія ці капэла – будзе ў аснове сваёй кансерватыўным і ў рэшце рэшт перастане выконваць ускладзеныя на яго функцыі.
Выснова зразумелая: без рэспубліканскай і абласных капэл, без Цэнтра адраджэння нацыянальнай музыкі не ўдасца вярнуць да жыцця наша багатае музычнае мінулае, мы не здолеем далучыць кожнага беларуса да гісторыі сваёй дзяржавы. Беларусь была краем высокай музычнай культуры, і дай Бог ёй зноў набыць сябе ў гэтай якасці.
(Літаратура і мастацтва.- 1992.- 24 красавіка)
ЗОРКА ПЕРШАЙ ВЕЛІЧЫНІ
У музычным вучылішчы выступіў выдатны віяланчэліст Данііл Шафран. Навучэнцам пашчасціла непасрэдна ўбачыць і пачуць славутага артыста. Ігру Шафрана адрознівае прыгажосць і рамантычная прыўзнятасць, пявучасць гукаў. У 14 гадоў ён стаў лаўрэатам міжнароднага конкурсу скрыпачоў і віяланчэлістаў у Празе. Некалькі пазней выбраны ганаровым членам Міжнароднай акадэміі артыстаў у Рыме. Шафран удастоены Дзяржаўнай прэміі, яму прысвоена званне народнага артыста. Шматлікія тытулы і ўзнагароды гавораць аб узроўні яго майстэрства.
З класічнай выразнасцю былі выкананы віяланчэльныя санаты Бетховена і Шастаковіча. Ярка прагучалі мініяцюры Шумана, Сен-Санса, Чайкоўскага, Дэбюсі, Пракоф’ева, Шнітке. У лірычных п’есах ён успамінаў аб шчаслівым мінулым. Насупраць, жанравую музыку іграў тэмпераментна, з віртуозным пасажам.
Адным словам, будучыя педагогі пазнаёміліся з мастацтвам высокага класа!
(Лідская газета. – 1992. – 14 мая)
МУЗЫКА ЗДОЛЬНА АДНАВІЦЬ ЖЫЦЦЁ
Нядаўна ў Баранавічах адбыўся заключны канцэрт пераможцаў аркестровых калектываў Рэспублікі Беларусь, а заадно былі ўручаны ўзнагароды. Аркестр рускіх народных інструментаў Лідскага музвучылішча і цымбальны аркестр Лідскай музычнай школы ўзнагароджаны дыпломамі ІІ ступені, а цымбальны аркестр Лідскага музвучылішча – дыпломамі ІІІ ступені. Гэтыя калектывы дабіліся высокага майстэрства і прыцягнулі ўвагу журы і слухачоў.
Цымбальны аркестр музычнай школы добра сыграны. Ён добрасумленна аднёсся да конкурснай праграмы. Дзякуючы старанню дырыжора Галіны Агарок выкананне кожнага нумара было прадуманым і пераканаўчым.
Цымбальны аркестр Лідскага музвучылішча шмат сіл аддае беларускай музыцы. Узначаліўшы яго літаральна перад конкурсам, Алена Сечка знаходзіць свежыя фарбы і тонкія нюансы для таго, каб ажывіць, зрабіць сімпатычнымі творы Дзмітрыя Смольскага, Андрэя Мдзівані, Валерыя Іванова, Генадзя Ермачонкава. Аркестр адчувае стыль, ахоплівае ўнутраны імпульс кампазіцыі. Дыханнем сапраўднага сімфанізму павеяла ад вядомай расініеўскай уверцюры да оперы “Сарока-зладзейка”. Калі трыумфуе музыка, сочыш за яе кожным згібам і зусім забываеш пра цымбалы. А гэта ўжо мастацтва!
З першых гукаў выступлення аркестра рускіх народных інструментаў музвучылішча трапляеш пад уладу дырыжора Аляксандра Патапейкі. Музычная форма адточана да драбніц, не ўпушчана ні адна нота, ні адзін штрых, высветлены ўсе партыі, улічаны гукавы баланс як асобных аркестровых груп, так і цэлага аркестра, дынаміка гібкая, хоць у іншых выпадках дынамічныя кантрасты даведзены да крайняй мяжы, кульмінацыі валодаюць вялікай сілай і ўпаўне вычэрпваюць сябе. Словам, уноў і ўноў пераконваешся, што кіруе аркестрам вялікі майстар! Патапейку лепш удаюцца народна-бытавыя сцэны з іх розыгрышам, прыўзнятасцю, смехам, дзе ўладараць танцавальная стыхія і раздольныя песні. Прысутныя з захапленнем прынялі рускія народныя песні “Ці выйду я на вуліцу” і “Стэп да стэп вакол” у апрацоўцы Гарадоўскай.
Думаю, што аркестру трэба часцей выступаць на сцэне. Гэта ўзнімае дырыжора на новы ўзровень артыстычнай адухоўленасці і дае слухачам магчымасць адчуваць асалоду яго мастацтва.
Напрошваецца яшчэ адзін вывад: у Лідзе з усёй сур’ёзнасцю аднесліся да конкурсу. Тут для кожнага калектыву была арэндавана зала, запрасілі салістаў з Мінска і Гродна, належным чынам аднесліся да беларускай нацыянальнай музыкі, задзейнічалі прэсу, радушна сустракалі гасцей (у тым ліку і з Польшчы), і, самае галоўнае, дырэкцыя музычнага вучылішча і школы зрабіла ўсё, каб удзельнікі конкурсу былі зацікаўлены ў выніках сваёй нялёгкай працы. Так, у Лідзе разумеюць, што творчасць здольна аднавіць жыццё.
Лідская газета. – 1992. – 26 мая)
ВЕНОК МАКСИМУ БОГДАНОВИЧУ
Долгие годы преподавал сочинение музыки в Гродненском музучилище, районных и сельских музыкальных школах. Сейчас приезжаю в Лиду и Волковыск, чтобы выявить таланты. Постепенно возникли предпосылки для конкурса в Гродно, ибо у нас есть уже и свои композиторы, и дети, которых учат сочинять музыку. Приведу несколько цифр о «Надзее-92».
Преподаватель Лидского музучилища О.Л.Гиренко исполняет сюиту для виолончели и фортепиано Нины Ролик (ІІ место) г.Лида.
Играет Динара Мазитова (ІІІ место), Лидская музыкальная школа.
В конкурсе участвовало около 40 детей и юношей с 7 до 18 лет. Примерно столько же приехало преподавателей и концертмейстеров. Учащихся младших классов оказалось вдвое больше, чем учеников средних классов, ребят – втрое меньше, чем девочек. Было исполнено свыше 120 произведений, в том числе произведения сложной формы (вариации, сюиты, фантазии). Звучала музыка для фортепиано, скрипки, виолончели, трубы, флейты, баяна. Конкурсные выступления украшали песни и романсы на стихи Максима Богдановича, современных белорусских поэтов. Вот некоторые из них: «Астры» Нины Ролик, «Прыйдзе вясна» и «Трыялет» Евгения Ларионова, «Срэбная рака» Тимура Щербакова, «Зiмою» Екатерины Баркатиной, «Ужо пара мне да дому збiрацца» Ростислава Кримера, «Вечер» Инны Тарновской и многие другие.
Конкурс проводился по трем возрастным группам. Первое место заняли Вячеслав Заранок (преп. Тисаков), Татьяна Богданова, Тимур Щербаков (преп. Коретников), второе – Нина Ролик (преп. Родионов), Татьяна Виторская (преп. Морих), Наталия Тихонова (преп.Дорофеева), третье – Алена Андрияш (преп. Коретников). Татьяна Тхарова (преп. Исхакбаева), Динара Мазитова и Евгений Ларионов (преп. Родионов). Евгений Ларионов удостоен также премии за лучший романс на стихи Максима Богдановича.
Представители Минска завоевали 5 премий, Лиды – 3, Бреста и Борисова – по 1.
Конкурс стал реальностью благодаря многим государственным учреждениям, общественным организациям, коммерческим структурам и отдельным лицам. Самых добрых слов заслуживает заместитель председателя областного отделения Белорусского фонда культуры Надежда Анатольевна Труханович. В ее лице я нашел заботливого покровителя юных дарований. Без ее готовности пойти навстречу и энергичной работы конкурс не состоялся бы.
Позже к организации конкурса присоединилось Министерство культуры, вклад которого оказался весьма и весьма значительным.
Не могу не упомянуть о поддержке со стороны Союза композиторов, областного отделения Союза музыкальных деятелей, культурно-просветительского фонда «Бацькаўшчына» управления культуры облисполкома. Последнее представляла Валентина Вячеславовна Медведева, отдавшая немало сил и времени конкурсу.
Нельзя не вспомнить также о директоре Лидского музыкального училища Михаиле Андреевиче Бояровиче – подлинном энтузиасте возрождения национальной культуры, которому, как мне кажется, многим обязано музыкальное образование республики в целом и композиторская молодежь в частности.
Особо надо сказать о двух меценатах. Волковысское малое предприятие «Преко», возглавляемое директором Евгением Федоровичем Косенко, преподнесло ценные подарки волковысским детям и их педагогу. Лидская фирма «Запад-Вест» (Западное представительство независимой системы «Алиса») вручила девяти победителям конкурса японские фотоаппараты стоимостью по 9 тысяч рублей каждый.
Оргкомитет намерен сделать конкурс традиционным, проводить его ежегодно или через год. Надо расширить границы конкурса, чтобы он со временем приобрел статус международного (Гродно в этом смысле удачно расположен!). Целесообразно организовать при Союзе композиторов Ассоциацию преподавателей сочинения музыки. Пора рассмотреть вопрос об увеличении набора на композиторское отделение Белорусской академии музыки. Конкурс продемонстрировал, что в республике есть огромное число одаренных детей и юношей, которых нужно учить и всячески поддерживать. Уверен, что скоро у нас появятся свои Глазуновы, вступающие на артистическую стезю с первой симфонией в 16 лет!
(Гродненская правда. – 1992. – 19 декабря)
1993 год
НАВАГОДНЯЕ ІНТЭРВ’Ю
На фоне сацыяльна-эканамічных клопатаў, у якіх літаральна захлынулася жыццё на зыходзе года, падзея, вартая, на мой погляд, увагі, падаецца светлай і сімвалічнай. У яе і назва такая: “Надзея-92”. Гэта першы на Беларусі конкурс юных кампазітараў, прысвечаны Максіму Багдановічу і праведзены ў дзень яго нараджэння ў Гародні. Вылучаю гэтую някідкую быццам бы падзею не таму, што самому давялося выступаць тут у чатырох амплуа: ініцыятара, аднаго з арганізатараў, члена журы ды выкладчыка, чые вучні занялі прызавыя месцы. У наш час, калі ўсё юбяць улічваць-падлічваць ды ўпадаць у роспач, аптымістычна гучаць такія лічбы. Конкурс “Надзея-92” сабраў каля 40 ўдзельнікаў ад 7 да 18 гадоў, малодшых аказалася ўдвая болей, чым навучэнцаў сярэдніх класаў. Было выканана больш за 120 твораў, у тым ліку складанай формы (варыяцыі, сюіты, фантазіі). Гучала музыка для фартэпіяна, скрыпкі, віяланчэлі, трубы, флейты, баяна, песні ды рамансы на вершы Багдановіча, сучасных беларускіх паэтаў. Сума кожнай з дзесяці прэмій складала ад 1 да 3 тыс. рублёў, падарункі спонсараў каштавалі ў межах 10 тыс. Агульная сума выдаткаў (за выключэннем камандзіровачных) каля 250 тыс. рублёў. А за лічбамі, вядома ж, людзі: конкурс спраўдзіўся дзякуючы многім установам, камерцыйным структурам, канкрэтным асобам. Самых добрых словаў заслугоўвае намеснік старшыні абласнога аддзялення Беларускага фонду культуры Н.Трухановіч, без чыёй энергічнай працы конкурс проста не адбыўся б. Адчулі мы і падтрымку народнага дэпутата А.Трусава, і Міністэрства культуры, Саюза кампазітараў Беларусі, абласнога аддзялення Саюза музычных дзеячаў, культурна-асветніцкага фонду “Бацькаўшчына”, упраўлення культуры аблвыканкама, кіраўніцтва Лідскага музвучылішча… А два нашы спонсары? Ваўкавыскае малое прадпрыемства “Преко” (дырэктар Я.Касенка) зрабіла каштоўныя падарункі канкурсантам-землякам, лідская фірма “Захад-Бест” (заходняе прадстаўніцтва незалежнай сістэмы “Аліса”) уручыла дзевяці пераможцам японскія фотаапараты коштам па 9 тыс.рублёў. Гэта цудоўна, калі прэзідэнт фірмы М.Давыдоўскі ды віцэ-прэзідэнт І.Івашкевіч перакананы, што эфектыўная камерцыйная дзейнасць магчыма толькі пры высокім узроўні культуры, а значыць культуру ды мастацтва трэба падтрымліваць. Шырокі жэст “Захад-Беста” паспрыяў кансалідацыі грамадскіх сіл у высакароднай справе! “Надзея-92” атрымала добры розгалас у музычным асяроддзі. Аргкамітэт мае намер зрабіць конкурс традыцыйным, мабыць, пашырыўшы яго геаграфічныя межы, надаўшы статус міжнароднага. Тым болей, што паэзія Багдановіча ёсць у перакладах на мовы розных народаў, і абавязковае напісанне твора на тэкст беларускага паэта можа зрабіцца тым рэальным стымулам, што заахвоціць дух сяброўства і творчасці юных музыкантаў з блізкага і далёкага замежжа.
(Літаратура і мастацтва. – 1993. – 1 студзеня)
НОВАЕ ДЛЯ НАШАГА ГОРАДА
Цікавую форму абслугоўвання прапанавалі сваім кліентам работнікі прыватнага рэстарана “Аркадзія”, які нядаўна адкрыла ў былым Доме сямейных урачыстастей фірма “Захад-Бест”. Цудоўная кухня, шырокі асартымент напіткаў, прафесіянальны эстрадны аркестр, ахова правапарадку дазваляюць наведвальнікам добра адпачыць.
Шмат увагі надаецца культурнай праграме, якой нам так не хапае сёння. У рэстаране па суботах арганізаваны музычны салон, дзе выступаюць прафесіянальныя артысты.
Ужо парадавалі сваімі канцэртнымі праграмамі дыпламант міжнародных конкурсаў ансамбль “Фестываль”, артысты з Масквы, лаўрэаты міжнародных конкурсаў па спартыўных танцах Аляксандр і Алена Зайцавы, тэлезорка Барбі. А 5 лістапада музычны салон прымае вядомых артыстаў беларускай эстрады з малым складам Дзяржаўнага аркестра пад кіраўніцтвам М.Фінберга. Гэта Дайнека, Афанасьева, Хлястоў, Скараход, Кудрын і іншыя.
У бліжэйшы час плануецца прыезд ансамбляў “Верасы” і “Песняры”.
Вельмі прыемна, што ў нашым горадзе з’явілася месца, дзе можна цудоўна правесці час.
(Лідская газета. – 1993. – 4 лістапада)
НА СЦЕНЕ – ЮНЫЕ ТАЛАНТЫ
Юным талантам Гродненщины довелось выступать с вундеркиндами из музыкальной одиннадцатилетки при Московской консерватории. Это произошло на фестивале «Новые имена России», который на днях завершился в Минске.
Публика тепло принимала вдумчивую игру виолончелиста Сергея Ерилина. Непосредственностью отличались им сочиненные мелодии для виолончели. Сергей учится в четвертом классе Гродненской музыкальной школы у педагога Людмилы Викентьевны Пекарской.
Приятное впечатление оставила сюита для фортепиано «Времена года» Леры Янковской. Лере 11 лет. Она приехала из Волковыска.
Покорила, можно сказать, обворожила слушателей девятилетняя Динара Мазитова – ученица третьего класса Лидской музыкальной школы. Она блестяще выступила как пианистка и как композитор. И разве кто-либо останется равнодушным, узнав, что Динарой написано более 50 произведений и детская опера «Цветы под ливнем»! Динара исполнила 12 миниатюр из «Лесной сюиты» и сюиты «Незнайка и его друзья». Надо отдать должное ее педагогу по фортепиано Марии Ильиничне Речковской. Признаюсь, что и мне было лестно показать своих учениц по композиции Леру Янковскую и Динару Мазитову на столь высоком уровне. А ведь рядом с ними играли лауреаты Международных и Всесоюзных конкурсов, питомцы общепризнанных корифеев советской музыки пианистки Татьяны Николаевой и композитора Татьяны Чудовой. Тем не менее, наши дети не растерялись.
В Минске Динара познакомилась с директором оперного театра Сергеем Кортесом. Показала певцам свою оперу. Премьера ее ожидается в начале декабря на конкурсе юных композиторов «Надзея-93».
Фестиваль «Новые имена России» был организован Вячеславом Шлеенковым и Шушанной Исхакбзевой – двумя белорусскими композиторами, окончившими Московскую консерваторию у Тихона Николаевича Хренникова.
Примечательно, что фестиваль объединил талантливых детей из Беларуси и России.
(Гродненская правда. – 1993. – 13 ноября)
КАБ ЖЫЎ “ФЕСТЫВАЛЬ”…
Уладзімір Бубен, чыё інтэрв’ю мы прапануем увазе чытачоў, працуе выкладчыкам акардэона ў Лідскім музычным вучылішчы. Два гады таму разам са сваімі вучнямі ён падрыхтаваў канцэртную праграму з арыгінальных твораў. Паказалі яе на ІІІ Міжнародным фестывалі акардэоннай музыкі ў Вільні, куды былі запрошаныя вядомым літоўскім акардэаністам Рычардам Свяцкевічусам. З таго выступлення й пачалося канцэртнае жыццё ансамля, якому далі назву “Фестываль”…
- Уладзімір Паўлавіч, а што было пасля Вільні?
- Нас запрасіў з канцэртамі прэзідэнт асацыяцыі акардэаністаў Польшчы Я.Пухноўскі на рэгіянальны конкурс акардэаністаў – у якасці гасцей. Запамінальным было і выступленне на Міжнародным фестывалі акардэоннай музыкі ў Даўгаўпілсе. Але найбольш адказны для нас быў канцэрт у “жывым” эфіры на Беластоцкім радыё. “Лайф-канцэрт”, як там яго называюць, арганізуецца рэдакцыяй музычных праграм у выхадны дзень з 17 да 19 гадзін і збірае такім чынам вельмі многа слухачоў. На працягу гэтага часу мы гралі і атрымалі добрыя водгукі на выступленне.
- Цяпер вы часта выязджаеце з канцэртамі за мяжу, вось і не так даўно былі ў Германіі. А ці ладзіцца канцэртнае жыццё “Фестывалю” на Беларусі?
- Мы мелі канцэрты ў Лідскім музычным вучылішчы, многа было канцэртаў для жыхароў горада і раёна. Зрабілі запісы на Беларускім радыё. Выступалі па абласным радыё, тэлебачанні. Шэраг канцэртаў сыгралі ў фонд таварыства “Дзеці ў бядзе”.
- Раскажыце, калі ласка, пра гэта больш падрабязна.
- Таварыства “Дзеці ў бядзе” аб’ядноўвае бацькоў, дзеці якіх пакутуюць ад анкалагічных захворванняў у выніку аварыі на ЧАЭС. І хоць невялікія заробкі ад канцэртаў мы ім змаглі пералічыць, але ж мелі магчымасць расказваць сваім слухачам пра тое гора, якое прыйшло ў сем’і, дзе цяжка захварэлі дзеці і дзе ёсць патрэба ў дапамозе… У лютым я быў у Германіі з рэкламай ансамбля, давялося сустрэцца з бургамістрам горада Порта-Вестваліка і з людзьмі, якія шчыра жадаюць дапамагчы нам. Яны ж тады перадалі лекі для дзяцей і выказалі жаданне прыняць групу малалеткаў з Беларусі на аздараўленне…
- А хто падтрымлівае існаванне самога ансамбля, хто дапамагае вам ладзіць канцэрты, вандраваць?
- Дырэктар Лідскага музычнага вучылішча Мар’ян Баяровіч дапамог з набыццём апаратуры для нашага ансамбля, гарадскія ўлады далі на першы час пакой для рэпетыцый у будынку гарвыканкама. Але каб “Фестываль” жыў, патрэбныя сродкі, якіх, зразумела, па нашым часе робіцца ўсё менш. Большасць канцэртаў даводзіцца арганізоўваць самім.
- Ці не шукаеце спонсараў?
- Не так даўно ў нас з’явіўся спонсар, якому мы вельмі ўдзячныя. Гэта фірма “Запад-Бест”. Яе прэзідэнт спадар Давыдоўскі неаднаразова аказваў нам дапамогу. Спадзяёмся на працяг нашага супрацоўніцтва.
(Літаратура і мастацтва. – 1993. – 10 снежня)
ПРЫЗ ДЗІНАРЫ – МІЛЬЁН РУБЛЁЎ!
Мне як аднаму з арганізатараў конкурсу юных кампазітараў “Надзея-93” прыемна паведаміць, што яго межы ў гэтым годзе пашырыліся: у Гродна прыехалі дзеці з Ваўкавыска, Ліды, Шчучына, Слоніма, Маладзечна, Баранавіч, Брэста, Магілёва, Гомеля, Мінска, Ніжняга Ноўгарада, Яраслаўля, Масквы. Конкурс фактычна стаў міжнародным.
Каля 40 юных аўтараў вынеслі на суд публікі звыш 150 сваіх твораў. Прагучалі два дзесяткі рамансаў на вершы М. Багдановіча і прыкладна такая ж колькасць п’ес, прысвечаных паэту.
Творчасць канкурсантаў ацэньвала кампетэнтнае журы ў складзе дацэнта Маскоўскай кансерваторыі, кампазітара Таццяны Чудавай, дацэнта Беларускай акадэміі музыкі, кампазітара Віктара Войціка, кампазітараў Андрэя Бандарэнкі, Людмілы Шлег, Сяргея Багданава.
Сярод 15 лаўрэатаў конкурсу 4 з Мінска, 3 з Масквы, 2 з Ліды. Астатнія гарады маюць па 1 лаўрэату. Перамога лідчан адчувальная! На мой погляд, такіх дзяцей, як Дзінара Мазітава, Яўген Ларыёнаў (абодва з Ліды), Дзмітрый Тарошын (Ніжні Ноўгарад), Фёдар Аміраў (Масква) чакае бліскучае будучае.
Матэрыяльную падтрымку конкурсу аказалі камісія Вярхоўнага Савета па культуры, адукацыі і захаванню гісторыка-культурнай спадчыны (Н.С.Гілевіч), Міністэрства культуры (В.П.Рылатка), Беларускі фонд культуры (І.Т.Чыгрынаў), Ленінскі райвыканкам г.Гродна (А.М.Пашкевіч) і многія іншыя дзяржаўныя і камерцыйныя структуры. Аднак самы адчувальны ўклад унёс старшыня Лідскага гарадскога Савета народных дэпутатаў Уладзімір Міхайлавіч Малец. Ён асабіста ўручыў 9-гадовай Дзінары Мазітавай спецыяльны прыз – 1 мільён рублёў, цудоўную вазу з мастацкага шкла і вялікі торт за складзеную ёю дзіцячую оперу “Кветкі пад ліўнем”. У гэтым высакародным жэсце праявіўся сапраўды дзяржаўны падыход да мастацтва. Дзякуючы атрыманым грашам удалося развучыць і паставіць оперу на сцэне Гродзенскага тэатра, дзе разыгрываліся балетныя і оперныя спектаклі больш чым 200 гадоў назад.
Шмат намаганняў уклалі ў конкурс мае калегі па аргкамітэту – намеснік старшыні Гродзенскага абласнога аддзялення Беларускага фонду культуры Надзежда Анатольеўна Трухановіч і начальнік аддзела ўпраўлення культуры аблвыканкама Валянціна Вячаславаўна Мядзведзева. Іх энтузіязм заслугоўвае ўдзячнасці. Раскрыю маленькі сакрэт: назва конкурсу “Надзея-93” узята ад імя… Надзежды Анатольеўны.
(Лідская газета. – 1993. – 31 снежня)
1994 год
НАСУСТРАЧ АБНОЎЛЕНАЙ ОПЕРЫ
(парады маладым кампазітарам)
1. Оперныя традыцыі
Перш чым прыступіць да сачынення оперы, малады кампазітар павінен пазнаёміцца з багатай опернай спадчынай, вывучыць прыроду і спецыфіку опернага жанру. Класічная опера паслужыць яму спрыяльнай глебай для работы над уласным спектаклем. У партытуры “Яўгенія Анегіна” Чайкоўскага заўважаюцца сляды творчага пераасэнсавання “Фаўста” Гуно, тонкі псіхалагізм “Вайны і міру” узяў у спадчыну Пракоф’еў ад “Яўгенія Анегіна”.
Недарэчна разлічваць на поспех у оперы, не аддаючыся ёй цалкам. Аднак той, хто ўпадабае оперу, застанецца яе дбайным паклоннікам назаўсёды. Ён не пройдзе міма вопыту людзей, якія прысвяцілі оперы жыццё. У гэтым сэнсе паказальнае падзвіжніцтва Балакірава, які, як вядома, не стварыў ніводнай оперы, але выхаваў цэлую плеяду выдатных оперных кампазітараў.
У оперы захаваліся і элементы культавага мастацтва. Вось чаму кампазітары мінулага служылі і пакланяліся оперы как нечаму святому. Каб дасягнуць жаданай мэты, працавалі шмат. З бяспрыкладным энтузіязмам узяліся за рэфармацыю оперы Мусаргскі і Вагнер.
Не маючы эстэтычных навыкаў успрымання твораў сусветнага мастацтва, малады кампазітар не зможа разбірацца ў оперы розных мастацкіх эпох, нацыянальных школ, індывідуальных стыляў. Без сталага эстэтычнага ідэалу яго будзе кідаць з боку ў бок як лядачае судна ў непагадзь. На жаль, рускія кампазітары не заўсёды дэманстравалі высокую эстэтычную культуру, таму часта грашылі залішняй самаўпэўнасцю і катэгарычнасцю ў меркаваннях. Напрыклад, у адным з пісем Рымскі-Корсакаў прызнаваўся: “Скажу табе (па сакрэце) абсалютна непрадузятую маю думку: “Снягурка” – лепшая опера пасля Глінкі не толькі з рускіх, але із усіх наогул”. Яго спробы напісаць разгорнутую працу па эстэтыцы музычнага мастацтва былі беспаспяховыя. Не знойдзем усебакова абгрунтаванага опернага ідэалу і ў музычна-крытычных артыкулах Чайкоўскага, якія мелі ў асноўным апісальны характар.
Оперны кампазітар глядзіць на свет праз прызму сінтэзу мастацтваў. Ён адбірае тое, што адпавядае гуманістычнай прыродзе оперы і адкідае чужое ёй – дробязнае, нікчэмнае, звычайнае. З часам опера відазмянілася: чым больш дасканалай рабілася яе драматургія, тым паўнейшы быў сінтэз. Варта выдзеліць чатыры перыяды развіцця опернага мастацтва:
1) опера да Глюка (касцюміраваны музычна-сцэнічны дывертысмент;
2) опера пасля Глюка (цэласны музычна-драматычны спектакль);
3) опера Вагнера і Мусаргскага (“музычная драма”);
4) сучасная опера (пераход ад “музычнай драмы” да шматжанравага музычнага дзейства).
Вялікі мастак не будзе ўшчамляць сваю творчую свабоду сацыяльным заказам. Ад каго б ні ішоў заказ і каму б ні прызначалася опера, ён упэўнены, што стварае для ўсяго грамадства, для ўсяго чалавецтва! Асабліва моцна ўздзейнічалі на настрой думак людзей вялікія рэфарматары Глюк і Вагнер. Яны былі сапраўды прарокамі ў сферы мастацкай творчасці!
Опера задыхаецца ў руціне і коснасці большасці сучасных тэатраў. Оперу гвалтуюць бяздарныя і карыслівыя аўтары, абыякавыя да духоўных патрэб народа. Опера асуджана на пагібель у грамадстве, якое забівае творчую ініцыятыву і натхненне. І наадварот: дзе грамадства на ўздыме, дзе культура квітнее, дзе сцвердзілася цівілізацыя, там опера трыумфуе і захапляе сваёй асляпляльнай прыгажосцю! Узнікшы у эпоху Адраджэння, опера паслядоўна перамешчалася з Італіі ў Англію, Францыю, Аўстрыю, Германію, Расію. Сёння сусветным цэнтрам опернага мастацтва стала Амерыка.
2. Рамеснікі і наватары
Далёка не кожнага, хто піша оперы, можна назваць оперным кампазітарам. Часта за так званым прафесіяналізмам нічога не стаіць, акрамя самага звычайнага рамесніцтва. Пры гэтым кампазітар не заўважае негатыўных вынікаў для уласнай творчасці, звязаных з вузкапрафесійнай самаізаляцыяй ад свету. Ён глухі да таго, што жыццё патрабуе ад мастака актыўнай грамадска-асветнай дзейнасці. Хіба пабудаваў бы Вагнер Байрэцкі тэатр без шырокай прапаганды сваіх ідэй, без грашовых сродкаў, сабраных Вагнераўскімі таварыствамі, што ўзніклі ўсюды, без велізарнага энтузіязму і дзелавых якасцей самога кампазітара – яго ўнікальнай здольнасці даказаць, пераканаць, захапіць, дабіцца станоўчага выніку, нягледзячы ні на якія абставіны і аўтарытэты. У выніку Вагнер ажыццяўляе грандыёзную пастаноўку “Пярсцёнка нібелунга”, грамадскае значэнне якой цяжка пераацаніць.
Калі кампазітар маральна прымітыўны і не здольны ўвасабляць ідэалы ў жыццё, то няма сэнсу чакаць ад яго чаго-небудзь істотнага: зноў і зноў ён будзе пладзіць мёртванароджаныя творы. І нават тады, калі захопіцца пошукам новых выяўленчых сродкаў, эксперыментамі ў музычнай форме, ён не набудзе непаўторнасць, пакуль не ўпэўніцца, што сутнасць - не ў незвычайнасці, а ў ім самім: змястоўнасці і вытанчанасці яго эмоцый. Як правіла, яркай асобе аўтара спадарожнічае індывідуальны стыль. Здаралася, што рамеснікі стваралі “прагрэсіўную” для пэўнага часу оперу (“Вільям Раткліф” Кюі, “Дуброўскі” Напраўніка, “Арэстэя” Танеева). І толькі оперныя шэдэўры геніяў – неўміручыя.
Нам вядомыя рэцыдывы псіхалогіі кампазітара-рамесніка. Напрыклад, Напраўнік выказваўся пра Мусаргскага як пра “круглага невука”, дапускаючы выпады і супраць астатніх членаў “Магутнай кучкі”. Кюі да канца сваіх дзён заставаўся непрымірымым ворагам Вагнера, зусім не сумняваючыся ў сваёй справядлівасці. Нават таленавіты Рымскі-Корсакаў, набыўшы музычную “вучонасць” прафесара, гаварыў пра нібыта ўласцівую Мусаргскаму “гарманічную няскаладзіцу”. А вось водгук таго ж Рымскага-Корсакава пра Вагнера: “…Сама факту ра яго ў гарманічных адносінах уяўляе аднастайнасць прыёмаў… Вагнер забыўся на два наймагутныя элементы – строгі і свабодны стыль, забыўся на прастату і стрыманасць і, прымяняючы толькі раскошу і шчодрасць, пазбавіў сябе самага галоўнага – магутных мастацкіх сродкаў: разнастайнасці і супрацьлегласцей. У вагнераўскім рытме наглядаецца, наадварот, манатонія беднаці”. Няцяжка зразумець, чаго варты такі выключна “прафесійны” аналіз.
Ёсць некаторая доля рамеснага прафесіяналізму ў творчым метадзе геніяльнага Чайкоўскага. Гэта накладвала след абмежаванасці на яго оперную эстэтыку. Чайкоўскі не выходзіў за рамкі традыцыйнай оперы і глядзеў на гэтае мастацтва з пункту гледжання бягучага дня. Калі б Чайкоўскі задумваўся, якой павінна быць опера ў будучым, ён, відаць, больш уважліва сачыў бы за Байрэцкімі ўрачыстасцямі. Між тым Ларош успамінаў, што Чайкоўскаму “Пярсцёнак нібелунга” “падабаўся вельмі мала” і што адзін на адзін з ім ён не рабіў з гэтага тайны. Бясспрэчна, Чайкоўскі не збіраўся рэфармаваць оперу, яго не цікавіла і філасофія Вагнера. Аднак бяда ў іншым: ён нібы не заўважаў надыходу новай эпохі ў развіцці оперы, не адчуваў, як перараджаецца традыцыйная опера ў “музычную драму”. А Вагнер, наадварот, выдатна ўсведамляў, якія якасныя змены адбываюцца ў оперы. “На самай справе, – пісаў Вагнер, – гэта такі твор мастацтва, які, адрозніваючыся як ад оперы ва ўласным сэнсе, так і ад найноўшай драмы, узвышаецца над операй тым, што развівае да лагічнага канца яе выдатныя тэндэнцыі і звязвае іх у ідэальнае свабоднае адзінства”. Натуры Чайкоўскага былі чужыя розная тэорыі і дактрыны, на яго думку, згубныя для жывой творчасці. Часта ён рабіў вывады спантанна. Пра музыку “Золата Рэйна” Чайкоўскі адгукаўся як пра “сумбур неверагодны, праз які часам мільгаюць незвычайныя падрабязнасці”. Не менш парадаксальнае меркаванне Чайкоўскага пра ўсю тэтралогію: “Зразумела, ёсць цудоўныя падрабязнасці – але ўсё разам страшэнна сумнае!!!” Ці трэба казаць, што Чайкоўскі вёў спрэчку з Вагнерам абсалютна бесперспектыўную!
У кожнага значнага мастака эстэтыка неаддзельная ад этыкі, прыгажосць знешняга свету ад унутранай прыгажосці чалавека. Леў Талстой падкрэсліваў, што руская літаратура адрознівалася шырынёй узнятых праблем, а рускія пісьменнікі ставілі ў прамую залежнасць апісаныя падзеі ад уласных маральна-этычных памкненняў. У нейкай ступені гэта справядліва і ў адносінах да рускіх кампазітараў. Асабліва выразна абазначылася патрэба пераасэнсоўваць падзеі і факты гісторыі ў Мусаргскага. Шкада, што менавіта гэтай якасці не хапае сучасным аўтарам оперы.
Беручыся за сачыненне оперы на рэлігійную тэму, малады кампазітар так ці інакш закране асноватворныя маральныя праблемы. Больш таго: наўмысна або ненаўмысна будзе набліжаць оперу да жыцця і, значыць, ісці насустрач якасна новаму мастацкаму сінтэзу, бо сама па сабе рэлігійнасць з аднаго боку апіраецца на жыццё, а з другога – разлічана на адухоўленую “усяздольнасць асобы” (тэрмін Вагнера). Няма патрэбы даказваць, наколькі важна кампазітару, які стварае “рэлігійную” оперу, валодаць універсальным талентам і гледачам, якія слухаюць яго оперу, быць гарманічна развітымі людзьмі. Вагнераўскі “Парсіфаль” – адзін з нямногіх прыкладаў “рэлігійнай” оперы з надзвычай складанымі суадносінамі мастацтваў, з незвычайна глыбокім філасофскім зместам і непаўторнай наватарскай формай. У некаторым сэнсе “Парсіфаль” – гэта музычна-сцэнічны філасофскі трактат пра выратаванне чалавечага роду. Трэба прызнаць, што ў рускай музыцы няма оперы, роўнай “Парсіфалю” па значнасці для развіцця опернага жанру.
Акрамя эстэтычных, этычных і рэлігійных састаўных светаадчування мастака, усё часцей заяўляе пра сябе філасофская ідэя, усё настойлівей выводзяцца на першае месца ідэйна-сцэнічныя аспекты. У нашы дні маладому кампазітару ўжо недастаткова быць прафесійным музыкантам. У яго ўзнікла патрэба разважаць, ён спрабуе канструяваць уласную філасофскую канцэпцыю. Нават тады, калі малады кампазітар з галавой акунуты ў бясконцае вынаходніцтва найноўшых выяўленчых сродкаў, гэта азначае, што яго светапоглядная ўстаноўка змясцілася ў бок формы. Каб аднавіць раўнавагу паміж формай і зместам, яму трэба спалучаць у сабе мастака і мвсліцеля. Вялікія пераўтваральнікі Мусаргскі і Вагнер паднялі планку раўнавагі паміж наватарскай формай і ўсеабдымным зместам надзвычай высока. І пераадольвалі яе прыкладна аднолькава.
Мусаргскі дайшоў да “мелодыі, якая ствараецца гаворкай”; ператварыў звычайную оперу ў “народную музычную драму”; пашырыў (калі не фармальна, то фактычна) оперную форму да дылогіі: “Барыс Гадуноў” плюс “Хаваншчына” (а ў задумках меркаваў далучыць да “Барыса Гадунова” і “Хаваншчыны” “Пугачоўшчыну”); быў самабытным пісьменнікам, стварыўшы такі арыгінальны літаратурны твор, як лібрэта “Хаваншчыны”; у якасці мысліцеля ўвасобіў у сваіх гістарычных палотнах ідэю пра Ідэальную Расію, якую можна супаставіць хіба што з асноўнай ідэяй платонаўскай “Ідэальнай дзяржавы”!
Галоўным элементам опернага выказвання Вагнер зрабіў “драматычны дыялог”; пераўтварыў традыцыйную оперу ў “музычную драму”, форма якой разраслася да тэтралогіі; праявіў сябе як натхнёны паэт; як тэарэтык опернага мастацтва; як філосаф, які паспяхова палемізаваў з Феербахам і іншымі мысліцелямі; падняў оперу да вышыняў усеабдымнага рэлігійна-філасофскага зместу; гэта значыць, што сярод філосафаў Вагнер быў Вагнерам, а ў свеце оперы – Платонам!
3. Універсальная драматургія
Каб быць аўтарам лібрэта ці літаратурнага сцэнарыя, маладому кампазітару неабходна: пастаянна пашыраць гуманітарныя веды; выпрацаваць уласную філасофскую канцэпцыю бачання свету; добра разбірацца ў псіхалогіі людзей і мас; выяўляць індывідуальнае, непаўторнае і агульнае ў персанажах і гістарычнай эпосе; выразна вызначыць, для якіх пластоў грамадства прызначана опера.
Выступаючы ў якасці аўтара лібрэта, малады кампазітар: выразна ўсведамляе, якую ідэю трэба ажыццявіць; добра ведае, якімі выяўленчымі сродкамі валодае; на свой погляд суадносіць планы драматургіі (робіць іх паралельнымі, дапускае паміж імі вядомае разыходжанне ці супрацьпастаўляе іх); у любы момант можа змяніць першапачатковую задуму, гэтак жа як і ўдакладніць ранейшую.
Аўтар, які мысліць універсальна, адмаўляе ганебную практыку пісаць музыку на зададзены тэкст ці падганяць словы пад раней створаную музыку.
Першага метаду прытрымлівалася большасць кампазітараў, другога – нямногія. Да ліку апошніх належаў Роберт Шуман, які раіў спачатку арганізаваць матэрыял музычна і сцэнічна, а потым шукаць паэта, які б выказаў яго вершамі. Музыка часта апярэджвала словы ў Глінкі ў працэсе работы над “Іванам Сусаніным” і “Русланам і Людмілай”. Яму даводзілася пераадольваць пэўныя цяжкасці, пра што сведчыць той факт, што ў напісанні лібрэта “Івана Сусаніна” прымалі ўдзел сем аўтараў. Неаднойчы Вагнер указваў на недарэчнасці, што ўзнікаюць у выніку падпарадкавання тэксту музыцы ці музыкі – тэксту. У вакальнай партыі вельмі часта сустракаюцца няправільныя націскі, нярэдка акцэнтуюцца другарадныя па сэнсу словы. І толькі мастак, які мысліць комплексна, дасягае натуральнай гармоніі паміж музыкай і словам. Яго фантазія напоўнена паэтыка-музычнымі імпульсамі і асацыяцыямі.
Дык вось, оперны кампазітар сёння – гэта найперш драматург, які свабодна валодае выяўленчымі сродкамі многіх мастацтваў і імкнецца стварыць цэласны сінтэтычны спектакль.
Оперны кампазітар бярэ на сябе функцыю рэжысёра, які будуе ўнутраную логіку спектакля на аснове натуральных пераходаў ад аднаго мастацтва да другога і вобразна-сімвалічнага канструявання цэлага.
Опернаму кампазітару важна ўбачыць будучы спектакль вачыма гледачоў, каб не апынуцца ў палоне ўласных ілюзій.
Оперны кампазітар абавязаны ўлічваць грамадскую сітуацыю, у якой будзе пастаўлена яго опера, каб яе не спасціг лёс бязроднага і нікому не патрэбнага дзіцяці.
Карацей кажучы, оперны кампазітар персаніфікуе сабой “актыўнае ўзаемадзеянне розных мастацкіх спосабаў асваення свету” (Таццяна Курышова).
4. Па-мастацку ўзбагачанае жыццё
Рэфармаваць оперу па сіле буйным асобам, якія гатовы змагацца з руцінай і коснасцю оперных тэатраў. Гэта зробяць хутчэй вяшчальнікі абнаўлення, чым кансерватыўна настроеныя прафесіяналы.
Рыхард Вагнер рэкамендаваў опернаму кампазітару паклапаціцца найперш пра “добры паэтычны твор”, які паслужыць асновай для будучай оперы. На самай справе: цяжка ўявіць сабе оперу без кахання, захапленняў, драматычных канфліктаў, што звычайна вабіць гледача. Здаўна асноўным сродкам выяўлення ўзвышаных эмоцый у оперным спектакле была цудоўная мелодыя. Оперы неабходныя цудоўныя мелодыі як гаючае паветра, як жыватворная вада. Аднак Вагнер зусім не меў рацыі, калі сцвярджаў, што “час “прыгожых мелодый” прайшоў і без новых музычных “ідэй” наўрад ці можна дасягнуць… чаго-небудзь арыгінальнага”. Гэта няпраўда, бо свабоднаму мастацкаму сінтэзу зусім не чужыя ні музычныя “ідэі”, ні арыі, ні песні. Хіба ў операх самога Вагнера не займаў значнае месца пратэстанцкі харал? Трэба таксама ўлічваць неадназначнасць развіцця сучаснай оперы: побач з выкарыстаннем складанай тэхнікі пісьма ў ёй прыкметнае імкненне да “яснасці, прастаты, сцісласці” – якасцей, якія патрабаваў ад мастацтва Леў Талстой. Тут адкрываецца перспектыва пабудовы опернага сінтэзу на шырокай дэмакратычнай аснове. І чым больш адукаваны кампазітар, тым хутчэй ён пойдзе насустрач публіцы, тым энергічней будзе пераадольваць штучны бар’ер паміж артыстамі і гледачом. Як і кожны мастак, малады аўтар уздзейнічае на жыццё творчасцю. Аднак калі ён паставіць сабе задачу інтэнсіўней набліжаць оперу да жыцця, то яму трэба будзе заняцца грамадскай дзейнасцю. Вагнер гарэў жаданнем прысвяціць сябе служэнню Германіі. “Менавіта бяспрыкладная блытаніна і занядбанасць грамадскага мастацкага жыцця Германіі, – пісаў ён, – зноў прымусілі мяне ўгледзецца ў нейкаю таямніцу, што ляжыць глыбока ў яго аснове, а гэта ўсё больш уладарна клікала мяне зноў на радзіму”. Крыўдна, што для оперных кампазітараў, як і для маладых аўтараў, опера – гэта музычны жанр, і толькі. Яны не клапоцяцца пра тое, каб абудзіць грамадскую цікавасць да оперы, не абцяжарваюць сябе няўдзячнай асветніцкай працай.
Сёння на хвалі нацыянальнага і культурнага адраджэння зноў набірае сілу мастацкае падзвіжніцтва, як і ў мінулым стагоддзі. Успомнім Таварыства аматараў старажытнасці Аленіна, Румянцаўскую бібліятэку, “Таварыства перадзвіжнікаў”, “Магутную кучку”, Маскоўскі Мастацкі тэатр, студыйны рух Суляржыцкага, Вахтангава, Камісаржэўскай, тэатры Таірава, Меерхольда. Усім гэтым энтузіястам была ўласціва пільная цікавасць да жыцця. Не прымаючы ўдзелу ў лёсе краіны, будучы далёкім ад маральных і духоўных патрэб народа, кампазітар урэшце ператворыцца ў абмежаванага рамесніка, занятага сабой і ўласным дабрабытам.
Наадварот, набліжаючы оперу да жыцця, мастак-наватар будзе садзейнічаць арганізацыі розных творчых гурткоў, студый, аб’яднанняў, накшталт італьянскіх камератаў і акадэмій ці хатніх тэатраў і салонаў рускай арыстакратыі. Там ён знойдзе сцэнічныя падмосткі для рэфармаванай оперы. Сярод новых людзей і для новай публікі ён будзе ствараць па-мастацку ўзбагачанае жыццё. Ён ператворыць твор мастацтва ў значнае грамадскае мерапрыемства. Ён адчуе сябе архітэктарам жыцця, памнажаючы яго матэрыяльныя і духоўныя каштоўнасці.
Скептык запярэчыць: ужо не раз падобныя планы цярпелі крах. Нагадае, што пасля трыумфу “Пярсцёнка нібелунга” Вагнер зведаў расчараванне, бо, нягледзячы на найвялізныя намаганні, яму не ўдалося аб’яднаць чалавецтва ў адзіную сям’ю (бетховенская мара!). Думаецца, драма Вагнера была хутчэй суб’ектыўным пачуццём, чым аб’ектыўным значэннем зробленага ім. А зрабіў Вагнер надзвычай многа: прыцягнуў увагу мастацкай эліты да неабходнасці карэннай перабудовы оперы, стварыў якасна новы оперны сінтэз, адкрыў перад мастацтвам раней нязнаныя магчымасці, накіраваў творчасць да жыцця.
Ідэі Вагнера развівалі рускія філосафы і паэты. “Дасканалае мастацтва, – пісаў Уладзімір Салаўёў, – у сваёй канчатковай задачы павінна ўвасобіць абсалютны ідэал не ў адной фантазіі, а сапраўды – павінна адухавіць само жыццё”. Салаўёў настойваў на мэтазгоднасці спалучэння мастацтва з жыццём. За Салаўёвым ішоў Блок, які сцвярджаў, што мастак ужо “отсозерцался”. У эпоху сацыялізму перад мастацтвам ставіліся канкрэтныя ідэалагічныя задачы, што было як станоўчым, так і адмоўным. Ва ўнісон з блокаўскім “отсозерцался” гучыць заклік Валерыя Брусава: “Няхай паэт стварае не сваі кнігі, а сваё жыццё”. На думку Брусава, Поль Верлен, “які стаіць на парозе новага мастацтва, ўжо ўвасабіў у сабе тып мастака, што не ведае, дзе канчаецца жыццё, дзе пачынаецца мастацтва”. Гэтыя словы дапамогуць маладому кампазітару лепш зразумець, у якім накірунку трэба ўдасканальваць оперу. У пераломныя перыяды гісторыі мастакі асабліва востра перажывалі адарванасць мастацтва ад хуткаплыннай рэчаіснасці. Выйсце з трагічнай сітуацыі можна знайсці. І знаходзім мы яго ва Ўсевалада Іванава. Пісьменнік бачыць у драме адну з формаў “саборнасці”, ніжэйшай прыступкай якой быў старажытнагрэчаскі міф пра Дыянісія (дыянісаўскія ўрачыстасці), а вышэйшай – хрысціянскія культавыя мерапрыемствы. У абедзвюх прыступках драмы ёсць агульная асаблівасць – гэта “ўсенароднасць” міфалагічнага ці рэлігійнага дзейства. Усевалад Іванаў прымірае “паэта” і “чэрнь” у рамках “усенароднага мастацтва”. У дадзеным моманце выразна пазнаюцца агульныя кропкі судакранання паміж яго тэорыяй “усенароднага” мастацтва і нашым патрабаваннем перабудовы оперы на максімальна шырокай дэмакратычнай аснове. Тут схаваны і адказ на пытанне, чым павінен быць малады кампазітар сёння і якое мастацтва ён будзе ствараць.
(Тэатральная Беларусь. – 1994. – № 3)
І МУЗЫКА, І КВЕТКІ
У Лідскім музычным вучылішчы адбыўся аўтарскі канцэрт Веранікі Швец. Прагучалі творы для фаптэпіяна і рамансы. У сваім “Дзіцячым альбоме” В. Швец “распавяла” пра незвычайныя падзеі, што адбыліся на працягу дня з хлопчыкам. У “Альбом” увайшло 12 вобразна яркіх мініяцюр. Сярод іх “Лянівыя мінуткі”, “Крыўляка”, “Крыўда”, “Лясны карнавал”, “Лясун”, “Упарты конік”, “Паламаныя цацкі”, “Тайны старога замка”. Пасля мноства ўражанняў дня хлопчык засынае, і сняцца яму непрыступныя сцены замка, міма якіх крочаць закаваныя ў латы рыцары.
Сюіта “Асоль” напісана для юнацтва. У яе аснове – вядомая аповесць А.Грына “Пунсовыя ветразі”. Тут п’есы больш разгорнутыя і больш глыбокія па сэнсе: спакойнае сузіранне ранішняга мора змяняецца драматычным напалам страсцей, які дасягае часам трагедыйнага пафасу.
Рамансавая лірыка Веранікі Швец адухоўленая, бо выкліканае да жыцця чыстай і трапяткой душой. Эмацыянальна адкрытым спевам спадарожнічае тонкі акампанемент: паміж імі нібы ўзнікае шчырая гутарка. Слухачы пазнаёміліся з рамансамі на вершы М.Багдановіча, В.Гюго, А.Блока, Г.Ахматавай, Д.Кедрына. Выканала іх Анжэліка Гурская сумесна з аўтарам. Трэба сказаць, што В.Швец – цудоўная піяністка, чыя ігра здольная захапіць.
Пасля канцэрта маладога кампазітара павіншавалі дырэктар музвучылішча М.Баяровіч, паэт М.Мельнік, старшыня Лідскага гарвыканкама У.Малец. І таленавітая музыка, і цёплыя словы, і кветкі, і захоплены прыём публікі, – усё гэта стварыла атмасферу свята.
(Літаратура і мастацтва.– 1994. – 1 красавіка)
ЦІ ЁСЦЬ НАДЗЕЯ НА “НАДЗЕЮ-94”
З лёгкай рукі выкладчыка музыкі Віталія Радзіёнава стаў прыжывацца ў Гродне рэспубліканскі конкурс кампазітараў “Надзея”, прысвечаны вядомаму беларускаму паэту Максіму Багдановічу. Прайшоўшыя сустрэчы пачынаючых аматараў музыкі ў 1992-м, 1993-м гадах выклікалі ў рабят вялікую цікавасць, жаданне больш плённа займацца творчасцю. Дарослым, у сваю чаргу, паказалі на хібы ў эстэтычным выхаванні падрастаючага пакалення.
Здавалася б, добрую справу трэба толькі вітаць, даваць “Надзеі” зялёнае святло. Але днямі меў сустрэчу з В.Радзіёнавым, які завітаў у рэдакцыю, каб падзяліцца сваімі сумнымі думкамі – сёлетні плануемы конкурс пад вялікім пытаннем. Віталь Канстанцінавіч з пачатку года абышоў многія зацікаўленыя арганізацыі вобласці, меў некалькі сустрэч з урадавымі асобамі ў сталіцы, але ад гэтага на душы ў яго лягчэй не стала.
- У гэтым годзе Міністэрства культуры і друку, – гаворыць мой суразмоўнік, – паводзіць шэраг буйных фестываляў і конкурсаў. А вось для “Надзеі-94” грошай не знайшлося. Чаму? Таму што з творчасці беларускіх дзяцей прыкметных выгад не атрымаеш, не кажучы ўжо пра бізнес, за якім гоняцца арганізатары фестываляў.
Не трэба быць мудрым, каб не разумець, якое месца займае музыка ў сістэме выхавання дзяцей і юнацтва. Стымулюючы музычную творчасць, мы даем штуршок яго маральнаму і эстэтычнаму развіццю. У нас ёсць юныя кампазітары, якія пішуць оперы і балеты, мы маем юных выканаўцаў-віртуозаў, якія дастойна пакажуць сябе на любой сцэне. Толькі прадастаўце ім мажлівасць выступаць, падтрымайце іх таленты, дапамажыце матэрыяльна, бо далёка не ўсе з іх жывуць у забяспечаных сем’ях.
- Мне здаецца, Віталь Канстанцінавіч, што галоўны аргумент аб недахопе сродкаў – не галоўны. Пры жаданні грошы знайшліся б. Прычына ў чыноўніцкай ляноце. Цяпер, калі ў грамадстве пануе такі разлад, вэрхал, навошта ім займацца здзяйсненнем таго, што прыдумаў нейкі апантаны выкладчык і кампазітар з правінцыі.
- Сапраўды так. У міністэрстве ўсякае мерапрыемства, якое ідзе не ад яго, называюць “прафанацыяй”. Каб адцягнуць турботы, звязаныя з конкурсам, на больш позні час, чыноўнікі прапануюць правесці папярэднія конкурсы ў раёнах і абласцях. Калі паступіць такім чынам, то гэта выкліча вялікія грашовыя затраты, спатрэбіцца многа часу, што не на карысць справе.
Конкурс юных кампазітараў ужо сёння аказвае прыкметны ўплыў на беларускую музыку: больш інтэнсіўна развіваецца працэс навучання, таму што ўсё часцей у школьным асяроддзі з’яўляюцца дзеці-кампазітары, з іх бяруць прыклад аднагодкі, выклікаюцца да жыцця новыя дзіцячыя калектывы, якія выконваюць творы юных кампазітараў – оперныя і балетныя групы, ансамблі і аркестры, умацоўваецца беларуская кампазітарская школа.
- Мне здаецца, што вы, Віталь Канстанцінавіч, не развітваецеся з думкай, што здаровы сэнс возьме верх. Таму і стукаецеся ў розныя дзверы. Падзяліцеся, як вам уяўляецца будучы конкурс. Спадзяюся, што ў вобласці, рэспубліцы знойдуцца энтузіясты музыкі, з’явяцца мецэнаты, якія падтрымаюць карысную ідэю. Тым больш, што час яшчэ ёсць.
- У гэтым годзе мяркуецца геаграфію конкурсу “Надзея-94” значна расшырыць, спадзяемся на гасцей з Расіі, Прыбалтыкі, Польшчы, краін Заходняй Еўропы. Побач з дзецьмі і падлеткамі будуць запрошаны студэнты кансерваторый. Палануецца некалькі пастановак оперных і балетных спектакляў.
Па палажэнню кожны ўдзельнік конкурсу павінен скласці музыку на вершы Максіма Багдановіча або прысвяціць паэту інструментальны твор. Ні Пушкін, ні Шэкспір, ні Гётэ пакуль не маюць такой перавагі, каб на іх вершы складалі музыку юныя кампазітары розных краін. Вось чаму конкурс “Надзея-94” – гэта, па-першае, даніна памяці Максіму Багдановічу, па-другое зацвярджэнне нацыянальнага прэстыжу Беларусі на міжнароднай арэне.
У інтарэсах справы варта было б аб’яднаць “Надзею” з дзіцячым музычным тэатрам “Казка”, які дзейнічае пры тэатры аперэты ў Мінску. Падобную ж “Казку” можна стварыць і ў Гродне. Такім чынам узнік бы ўнікальны мастацкі цэнтр па пастаноўцы опер і балетаў, створаных дзецьмі розных краін. Гэта быў бы першы цэнтр як у краінах СНД, так і ў Еўропе.
Важна прылучыць да конкурсу дзіцячыя харавыя і аркестравыя калектывы. Ва ўсякім выпадку трэба наладзіць з імі супрацоўніцтва, а таксама цесныя кантакты з прафесійнымі калектывамі і артыстамі, якія гатовы аказваць дапамогу ў выкананні музыкі дзяцей і падлеткаў. Напрыклад, на конкурсах “Надзея-92” і “Надзея-93” выпускніца Гнесінскага інстытута Алена Казанцава не палічыла ніжэй асабістага гонару выканаць рамансы навучэнцаў музычнага ліцэю. А пастаноўку “Кветкі пад ліўнем” юнай лідчанкі Дзінары Мазітавай была б немагчымай, калі б не згадзіліся ўдзельнічаць у ёй спевакі Міхаіл Булыга і Міхаіл Жылюк.
Чаму б нашым пісьменнікам, кампазітарам, мастакам, рэжысёрам не падумаць над тым, каб кожнаму з іх асабіста падтрымаць творчасць юных. Выбар сродкаў вялікі – ад матэрыяльнай дапамогі да ажыццяўлення складаных культурна-асветніцкіх праграм, звернутых да дзяцей. Праявіце да іх дабрыню і будзеце ўзнагароджаны іх любоўю, не дайце бюракратычнаму пустазеллю задушыць кволыя парасткі духоўнасці.
Звернем усе разам увагу на юныя таленты, і колькі новых імён заблішчыць на канцэртных эстрадах, у альманахах, у карцінных галерэях, колькі свежых сіл увальецца ў беларускае мастацтва сёння і заўтра.
З думкамі і разважаннямі Віталя Радзіёнава нельга не пагадзіцца. У іх боль чалавека, занепакоенага лёсам развіцця творчасці нашай юнай змены. Думаецца, што ў сваіх турботах ён не адзінокі. Ці памыляемся?
(Гродзенская праўда. – 1994. – 30 красавіка)
КАМПАЗІТАРЫ ГУРТУЮЦЦА
Пры абласным навукова-метадычным цэнтры народнай творчасці створана Асацыяцыя кампазітараў Гродзеншчыны. Сёння ў нас іх больш як 40. На жаль, іхняя творчасць амаль невядома шырокай публіцы. А напісана ж нямала цудоўных твораў, выкананне якіх магло б радаваць слухачоў. Створаная асацыяцыя мае на мэце аб’яднаць кампазітараў, ладзіць канцэрты, выдаваць зборнікі, абараняць аўтарскія правы, збіраць і сістэматызаваць ноты, гуказапісы, рэцэнзіі і г.д. Трэба прадоўжыць і развіваць багатыя музычныя традыцыі Прынёманскага краю.
На ўстаноўчай канферэнцыі пра музычнае жыццё Гродна 40-60-х гадоў расказаў дырэктар АНМЦ М.Коп. Ён быў адным з членаў "Магутнай кучкі", у якую ўваходзілі такія вядомыя кампазітары, як Юрый Семяняка, Эдуард Казачкоў, Антон Валынчык, Аляксандр Шыдлоўскі, Яўген Петрашкевіч. З успамінамі пра першыя крокі шырмаўскай харавой капэлы падзяліўся старэйшы гродзенскі кампазітар Аляксандр Шыдлоўскі. Калектыў, як вядома, быў створаны ў 1939 г. у Беластоку, вайну правёў “на колах” у несупынных паездках з канцэртамі для франтавікоў, партызанаў, працаўнікоў тылу, пасля вайны да 1953 г. хор знаходзіўся ў Гродне. Шыдлоўскі ўзгадаў, якая прыўзнятая атмасфера панавала ў калектыве і з якім натхненнем працавалі Рыгор Раманавіч Шырма, яго стрыечны брат балетмайстар Іван Хвораст, хормайстар Віктар Роўда. Канцэртмайстар Юрый Семяняка. У 1970-1980-х гг.
Гродзенскае музычнае вучылішча дало пуцёўку ў жыццё цэлай плеядзе вядомых сёння кампазітараў: Віктару Войціку, Леаніду Захлеўнаму, Валерыю Іванову, Мікалаю Ліцвіну, Уладзіміру Кандрусевічу. Усе яны цяпер у Мінску. З’явілася і наступнае пакаленне кампазітараў, якія жывуць альбо ў Гродне, альбо ў Мінску: Андрэй Бандарэнка, Яўген Паплаўскі, Мікалай Калешка, Сяргей Багданаў, гітарысты-кампазітары Валерый Жывалеўскі і Уладзімір Захараў. Нядаўна заявілі пра сябе лаўрэаты Міжнароднага конкурсу “Надзея-94” – вундэркінды, якія ствараюць оперы і балеты!
Няцяжка заўважыць, што калі першае пакаленне гродзенскіх кампазітараў пісала ў асноўным песні, а другое – побач з песнямі і “класіку”, то трэцяе цалкам аддае сябе акадэмічным жанрам. Або – іншы ракурс: калі кампазітары старэйшага пакалення не заўсёды маглі атрымаць прафесійную адукацыю, то сёння стварэнне музыкі выкладаецца дзецям у пачатковых класах музычнай школы. Прагрэс відавочны! Дзесяцігоддзі карпатлівай працы прыносяць выдатны плён. Душэўна шчодры і добразычлівы да талентаў Рыгор Раманавіч Шырма шчыра парадваўся б нашым поспехам.
(Літаратура і мастацтва. – 1994. – 27 мая)
АЎТАРЦЫ – 12 ГАДОЎ
Нячаста выпадае бачыць афішу, якая запрашае на аўтарскі канцэрт 12-гадовай дзяўчынкі. Але ж такі канцэрт адбыўся ў Ваўкавыскай музычнай школе. З уласнымі творамі выступіла пяцікласніца Лера Янкоўская. Нельга сказаць, што Лера – пачатковец: яна ўдзельнічала ў розных творчых спаборніцтвах для дзяцей і юнацтва. Стала лаўрэатам Міжнароднага конкурсу юных кампазітараў “Надзея-93”, заняўшы другое месца пасля вельмі даравітага маскоўца Фёдара Амірава.
У яе канцэрце прагучалі рознахарактарныя мініяцюры, сюіты “Поры года” ды “Каштоўныя камяні”, “Мелодыя” для скрыпкі й фартэріяна, рамансы на вершы М.Багдановіча і Ф.Цютчава (праспявала іх выкладчыца Л.Ушанава), а таксама ўрыўкі з будучай дзіцячай оперы “Белая вішня”, якую Лера піша паводле аднайменнай п’есы С.Клімковіч.
Пасля канцэрта прадстаўнік фірмы “Юралан-Д” і загадчык гараддзела культуры В.Мякуць уручылі таленавітай дзяўчыне грашовы чэк і падарункі. Нямала намаганняў дзеля арганізацыі гэтага адметнага мерапрыемства прыклала завуч музычнай школы А.Канановіч.
(Літаратура і мастацтва.– 1994. – 17 чэрвеня)
ДЗЮЙМОВАЧКІ З ЛІДЫ
У Лідскай музычнай школе адбыўся канцэрт з твораў дзвюх дзяўчатак – Дзінары Мазітавай і Ані Маркевіч. Абедзьве былі ўдзельніцамі Міжнароднага конкурсу юных кампазітараў “Надзея-93”. І калі Дзінара Мазітава ўжо вядомая як лаўрэат многіх конкурсаў і як аўтар дзіцячай оперы “Кветкі пад ліўнем”, то Аня Маркевіч – імя новае. Аняй (яна перайшла ў 3-ці клас музычнай школы) напісана каля 50 п’ес для акардэона.
Дзінара ды Аня пазнаёмілі публіку з двума інструментальнымі цыкламі пад аднолькавымі назвамі: “Дзюймовачка”, і кожная па-свойму ўвасобіла герояў знакамітай казкі Андэрсена. Дзінара бліскуча выканала на раялі і ўласныя мініяцюры. Аня паказала, акрамя сюіты “Дзюймовачка”, сюіту “У лесе” і сюіту “Сустрэча з вальсам”.
Пасля канцэрта юныя аўтаркі адказалі на пытанні слухачоў – гэта было першае інтэрв’ю ў іх жыцці! Хай жа спадарожнічае дзвюм Дзюймовачкам з Ліды творчы поспех.
(Літаратура і мастацтва. – 1994. – 22 ліпеня)
З МУЗЫЧНАЙ ДЫНАСТЫІ
Нядаўна слухачы пазнаёміліся з музыкай выкладчыка Гродзенскага вучылішча мастацтваў Аляксандра Чопчыца. Не часта здараецца, каб публіка з захапленнем прымала твор маладога аўтара. Аднак гэта адбылося на аўтарскім канцэрце Чопчыца: зала бурна выяўляла свае эмоцыі і патрабавала яшчэ і яшчэ раз паўтарыць песню “Скажы мне, вішня”! Аляксандр – прадстаўнік вялікай музычнай сям’і. Ягоны бацька Адам Сідаравіч Чопчыц добра вядомы як арганізатар і мастацкі кіраўнік народнага ансамбля “Нёман”, сястра і муж сястры – выкладчыкі музыкі, жонка гожа спявае, іх дзеці, беручы прыклад з бацькоў, таксама пайшлі вучыцца музыцы. Цэлая музычная дынастыя!
У юнацтве ў Аляксандра была мара паступіць на кампазітарскае аддзяленне Беларускай кансерваторыі. Яго музыку адобрылі вядучыя прафесары кафедры кампазіцыі Анатоль Багатыроў ды Яўген Глебаў. Але сямейныя абставіны не дазволілі спраўдзіцца марам. Тым не менш ён прадаўжаў пісаць музыку. На сённяшні дзень ім створана звыш 40 песень, ёсць і творчыя планы.
Песні А.Чопчыца меладычна яркія і лёгка запамінаюцца. Яны глыбокія па змесце, хоць звернуты да самай шырокай аўдыторыі. У яго тонкі паэтычны густ. На канцэрце прагучалі песні на вершы Янкі Купалы, Адама Русака, Роберта Бёрнса, П’ера Беранжэ і інш. Прынамсі, вылучылася песня “Маладая Беларусь” на вершы Янкі Купалы, якая была адаслана ў журы конкурсу на стварэнне Дзяржаўнага гімна Беларусі. Яе вызначае шырокая, стрыманая і ясная мелодыя. Упэўнены, што песня-гімн А.Чопчыца знойдзе сваё месца сярод патрыятычных твораў. Песню “Люблю лугі квяцістыя” на вершы Адама Русака агучыў на ІІ Нацыянальным фестывалі песні і паэзіі ў Маладзечне Дзяржаўны канцэртны аркестр пад кіраўніцтвам М.Фінберга. Працяг кантактаў гродзенскага аўтара з гэтым калектывам яшчэ наперадзе.
Аўтарскі канцэрт А.Чопчыца правёў эстрадны ансамбль пад кіраўніцтвам аўтара. Прыемнае ўражанне зрабілі салісты Сяргей Квашнін, Святлана Сколыш, Дзмітрый Якубовіч, Вікторыя Міхінкевіч, інструменталісты Аляксандр Пішчык (клавішныя), Міхаіл Захарэвіч (бас-гітара), Іван Кебіч (гітара сола), Сяргей Фінскі (ударныя). За раялем быў сам кампазітар.
Пажадана, каб А.Чопчыц уключаў у рэпертуар свайго вучэбнага ансамбля пераважна песні гродзенскіх аўтараў. Такі калектыў быў бы адзіным у вобласці, меў бы ўласнае аблічча, унёс бы неацэнны ўклад у прапаганду песеннай творчасці кампазітараў нашага краю. І тады, у чым я перакананы, мы адкрыем нямала новых выдатных песень, з якімі будзе не сорамна паказацца на самых прэстыжных эстрадных фестывалях.
(Літаратура і мастацтва. – 1994. – 29 ліпеня)
ПАНСОФІЯ – МУДРАСЦЬ ДЛЯ ЎСІХ
Можна толькі здзіўляцца, як у гэтым хаосе, калі пзўныя грамадскія працэсы ўжо непадуладныя кіраванню, існуе прыстойнасць, захоўваецца парадак, выяўляюцца міласэрнасць і павага да чалавека. Калі йдзе несумленнае “першаснае назапашванне капіталу” і адны захапіліся казнакрадствам або “прыхватызацыяй”, іншыя, не здраджваючы свайму сумленню, дбаюць пра інтарэсы грамадскія, не маючы з гэтага ніякай карысці. З ліку гэтых “іншых” – і гродзенскі педагог, выкладчык кампазіцыі, старшыня Асацыяцыі кампазітараў Гродзеншчыны Віталь Радзіёнаў. Яшчэ я назваў бы яго гуманістам і асветнікам. Бо гэтага энтузіяста ведаюць не толькі ў Гродне, але і ў Вайкавыску, Гожы, Лідзе, іншых мясцінах вобласці. Ён не толькі прапагандуе музыку, выкладаючы ў школах, але і дапамагае даравітым дзецям у творчасці, для заахвочвання ўстанаўлівае сваі імянныя стыпендыі. Выдаткоўвае свае сумленна заробленыя і зусім не лішнія грошы – у той час як шмат каму карціць урваць хоць нешта ад агульнага набытку…
- Віталь Канстанцінавіч, пра сваё прызванне людзі дазнаюцца рознымі шляхамі. Як прыйшлі ў музыку вы?
- Калі мне споўнілася 12 гадоў, наша сям’я пераехала з Ваўкавыска ў Гродна. Тут у школе нейкая нагода звяла са старшакласнікам – апантаным музыкай Іванам Харытановічам. Уразіла, як пранікнённа граў ён на баяне Сёмы вальс Шапэна. Запомнілася, як тлумачыў ён сэнс фіналу Першага фартэпіяннага канцэрта Чайкоўскага. Ён навучыў любіць класічную музыку. Я прыняў яе і зразумеў, што музыка, пра існаванне якой раней і не ведаў, удасканальвае чалавека, уплывае на ягонае жыццё. Я пачаў займацца на баяне, іграў па некалькі гадзін у дзень. Потым з’явіліся першыя ўласныя мелодыі. У 1964 годзе паступіў у Гродзенскае музычнае вучылішча. Яно не сталася для мяне чымсьці значным, апроч аднаго: некалькіх канфліктаў з дырэкцыяй…
- ?!?
- Справа ў тым, што са свету сяброўскіх адносін, якія пераважалі ў школе, з ідэальнага свету класічнай музыкі да высокіх ідэй я трапіў у іншы свет – карыслівасці ды крывадушнасці. Аднойчы, заступіўшыся за сваіх таварышаў, зрабіўся вінаватым у вачах выкладчыкаў. Не раз выключалі мяне з вучылішча, ды, дзякуй Богу, аднаўлялі… Нягледзячы на непрыемнасці, наведваў канцэрты. Слухаў цудоўную ігру Валерыя Клімава, Ігара Бязроднага, Святаслава Рыхтэра, спевы Зары Далуханавай, Барыса Штокалава. Прадаўжаў пісаць музыку – прынамсі, рамансы на вершы Гётэ, Гейнэ, Пушкіна. Чытаў філасофскую, мастацтвазнаўчую літаратуру.
- Затым была кансерваторыя. Што яна дала?
- Многае. На шчасце, маімі настаўнікамі ў БДК былі Сяргей Картэс і Дзмітрый Смольскі – па кампазіцыі, па гармоніі – Уладзімір Алоўнікаў, па інструментоўцы – Мікалай Аладаў, па аркестроўцы – Пётр Падкавыраў, словам, увесь свет беларускай музыкі. Увогуле, думалася, што кансерваторыя – гэта храм мастацтва, яе выкладчыкі – жрацы, на якіх мы, пачаткоўцы, глядзелі здаля. Ну, а жыццё аказалася куды больш празаічным.
Калі я пазнаёміўся з праваслаўнымі вернікамі, каб праз іх спазнаць сутнасць хрысціянскай рэлігіі, за мною пачалі сачыць: куды, да каго я іду. Патрабавалі прызнацца, што і я – веруючы, пагражаючы выгнаць з кансерваторыі. Зноў – канфліктныя стасункі з адміністрацыяй, і мне зноў трэ было набірацца мужнасці, каб не здрадзіць сумленню.
- На той час аналагічная сітуацыя пагражала выключэннем з ВНУ…
- Правільна. Махнуўшы рукою на “храм мастацтва”, я вярнуўся ў Гродна. Даў сабе слова выхоўваць вучняў, і выхоўваць іначай, чым гэта рабілася ў дачыненні да мяне. Доўгі час я выкладаў у Гродзенскім музвучылішчы. Калі не было працы там, настаўнічаў у Поразаве, Лунне, Верцялішках, Путрышках, Індуры. Пасля кожнага ўрока рабіў запісы. Паступова склалася ўласная методыка выкладання кампазіцыі ў музычнай школе й вучылішчы.
- Сярод вашых вучняў ёсць і вядомыя сёння музыканты…
- Так, Андрэй Бандарэнка вядомы і як кампазітар, прынамсі, аўтар оперы “Князь Наваградскі”, і як мастацкі кіраўнік Гродзенскай гарадской капэлы. Малады і перспектыўны кампазітар Яўген Паплаўскі з’яўляецца дырэктарам аб’яднання “Беларуская Капэла”. Валерый Жывалеўскі – знаны гітарыст, прыкладае нямала намаганняў для фарміравання беларускай гітарнай школы, выкладае, ды і музыку піша. Ягоны аднакурснік па Гродзенскім музвучылішчы Уладзімір Захараў – першы з беларускіх гітарыстаў, хто вылучыўся на міжнародным конкурсе. Валодзя таксама піша музыку, займаецца педагогікай. Ягоны вучань Дзяніс Асімовіч ужо заваяваў званне лаўрэата міжнароднага конкурсу. І гэта, між іншым, цудоўны прыклад, бо Захараў па сутнасці здзейсніў подзвіг, пачаўшы займацца з невідушчым хлопчыкам, паказваючы яму літаральна вобмацкам, як здабываюць гукі з гітарных струн, падтрымліваючы яго маральна, даводзячы ягоную ігру да належнага ўзроўню!
- Віталь Канстанцінавіч, ваш выкладчыцкі плён гаворыць сам за сябе… Калі ласка, некалькі слоў пра творчасць.
- Пакінуўшы кансерваторыю, захапіўся стварэннем музыкі. Напісаў некалькі опер, рамансаў. Мяне асабліва хваляваў трагічны лёс загадкавай асобы Пушкіна, і опера “Аляксандр Пушкін” сталася вынікам маіх разваг. Урыўкі з яе выконваліся ў Мінску, Маскве, Пецярбурзе…
- Наколькі я чуў, вы спрабавалі ў музыцы асэнсаваць аблічча тагачаснага савецкага грамадства, і не толькі…
- Мае канфлікты з начальствам паступова перараслі ў канфлікт з уладамі. Неаднойчы ў 70-я гады наведваў тайныя сходы ў Маскве. Сярод незадаволеных становішчам грамадства былі сумленныя і добрапрыстойныя людзі. На жаль, лідзіравалі ў іхнім асяроддзі, як правіла, агрэсіўна настроеныя дысідэнты. Я раіў не займацца палітыкай: калі верыце ў Бога, дык верце, абараняйце правы веруючых, адсойвайце свабоду веравызнання, але не кранайце палітыку… І зараз задумваюся: а ці валодаў Андрэй Сахараў дастатковымі гуманітарнымі ведамі, каб патрабаваць карэнных змен у краіне? Ці знойдзеце вы ў ягоных “праваабарончых” працах духоўную пераемнасць з рускімі пісьменнікамі ды рускімі філосафамі? Не. Праўда, ён спасылаецца на Салжаніцына, які на той час зрабіўся сцягам іншадумцаў. Аднак… Прыгледзьцеся: ці назавяце вы яго майстрам слова і ці ёсць у яго арыгінальныя ідэі? Іншая справа, што Салжаніцын пісаў на забароненую тэму – пра лагеры (не новую, але досыць раскрытую раней Дастаеўскім) – і падаў яе публіцыстычна ярка. Салжаніцын – хутчэй публіцыст, чым пісьменнік… Перада мной паўстала пытанне: палітычнымі або культурна-асветніцкімі метадамі трэба ўдасканальваць жыццё? І я канчаткова абраў другое, бо культура вышэй за палітыку…
У маёй фанатэцы больш за сотню самых розных опер, слухаючы якія, вывучаў законы опернай драматургіі і не толькі стараўся ўлічыць іх ва ўласных вопытах, але і абагульніць у тэарэтычных нататках. Сёе-тое ўдалося надрукаваць у “Тэатральнай Беларусі”. Аднак парады маладым кампазітарам лепей даваць на практыцы. Апошнім часам я імкнуўся пашырыць геаграфію выкладання асноў кампазіцыі. Маімі вучнямі сталі дзесяткі даравітых дзяцей – з Ліды, Ваўкавыска… Урэшце, вырашыў арганізаваць рэспубліканскі конкурс юных кампазітараў. Звяртаўся да бізнесменаў, кружляў па дзяржаўных і грамадскіх установах, банках у пошуках сродкаў для фінансавання конкурсу. Клопаты аказаліся не марнымі: конкурс юных кампазітараў “Надзея-92”, прысвечаны Максіму Багдановічу, прайшоў у Гродне і меў добры рэзананс. У працэсе яго падрыхтоўкі склалася невялічкае кола энтузіястаў, дзякуючы якім удалося правесці у конкурс “Надзея-93”. Ёсць думка далучыць да кампазітарскага ды выканальніцкага конкурсаў (“новыя імёны” – ёсць і такі ў нас) спаборніцтва юных паэтаў ды празаікаў. Такім чынам Гродна можа з часам зрабіцца горадам апекавання й падтрымкі творчай моладзі краіны. А наогул – хочацца бачыць Гродна цэнтрам еўрапейскай культуры! Ну, і ёсць у мяне яшчэ адна справа, якой займаюся штодня: запісы афарызмаў на самыя розныя тэмы з самых розных галін жыцця. Чытаю рэлігійную, філасофскую літаратуру, займаюся педагогікай, назіраю за з’явамі прыроды, задумваюся над палітычнымі праблемамі… Словам, паступова складваецца ўласная пансофія.
- Даруйце, давайце нагадаем чытачу, што гэта такое.
- Пансофія – гэта ўсеагульная мудрасць. Пад пансофіяй маю на ўвазе філасофска-літаратурны твор пра ўсеагульныя культурныя і духоўныя каштоўнасці, неабходныя кожнаму асвечанаму чалавеку. Пансофія ёсць у Яна Амоса Каменскага – сямітомная праца пад назваю “Усеагульная парада наконт выпраўлення спраў чалавечых”, выдадзеная ў Чэхаславакіі ў 1966 г. Пансофіяй займаўся Леў Талстой у апошнія гады жыцця. Самую сапраўдную пансофію ўяўляе з сябе 14-томная “Жывая этыка” Алены Рэрых. Натуральнанавуковым варыянтам пансофіі можна лічыць “Тэкталогію” Аляксандра Багданава (навука пра агульныя законы арганізацыі, якая папярэднічала некаторым ідэям кібернетыкі).
Чаму я ўзгадаў Багданава? Не таму, ўто ён быў вестуном кібернетыкі. І не таму, што ён у спрэчцы з Леніным наконт прыроды матэрыі, як аказалася, меў рацыю (Ленін жа сцвярджаў, што матэрыя падзяляецца на бясконца малыя часцінкі, а Багданаў даводзіў, што матэрыя ператвараецца ў энергію). Справа і не ў самаахвярным учынку Багдановіча-лекара, які рабіў на самім сабе эксперымент па пераліванні крыві, ад чаго й памёр. Усё гэта, безумоўна, цікава і важна! Аднак для мяне асабліва важная тая акалічнасць, што вучоны, філосаф, эканаміст, палітык, лекар, самаахвярны чалавек Багданаў – гэта ўраджэнец Гродзенскай губерніі Аляксандр Аляксандравіч Маліноўскі! Гэта яшчэ адно сведчанне таго, што Гродзеншчынв багатая на таленавітых людзей…
(Літаратура і мастацтва.– 1994. – 30 верасня)
ПОСЛЕСЛОВИЕ К КОНЦЕРТУ
Любой концерт по случаю какой-либо значительной даты демонстрирует успехи и достижения в художественном творчестве. Чем примечателен был этот, посвященный 50-летию образования области?
После того, как городской духовой оркестр ни шатко, ни валко отыграл «Песню аб Нёмане» Н.Соколовского, в зале будто сверкнула молния: прекрасный тенор Михаил Булыга и обладательница чистого сопрано Татьяна Бугасова с воодушевлением спели « Застольную песню» Дж. Верди из оперы «Травиата». Певцы из Лиды вызвали бурю аплодисментов. Даже подумалось, что в Гродно вполне мог бы существовать оперный театр и что недавно высказанная мною в печати мысль об открытии оперных театров в Витебске и Гродно – не бред, не абсурд, не такая уж далекая от реальности мечта.
Следующую бурю восторга вызвали опять-таки представители Лиды. Слушателей буквально покорил оркестр русских народных инструментов Лидского музыкального училища под руководством Александра Потапейко. Этому коллективу свойственны виртуозная игра, слаженность ансамбля, артистизм и тонкость интерпретации музыки разных стилей.
Накануне вместе с воспитанниками училища я слушал пластинки знаменитого оркестра имени Осипова. И что же вы думаете? Учащиеся без всякого самомнения отмечали те места, где их оркестр играет лучше, а где – хуже. Иной скептик возразит: разве это возможно в провинциальном городе?
И вот они на сцене. Их искусство на самом деле оказалось впечатляющим. Понятно, почему светились радостью глаза молодого завуча училища Татьяны Гусевой. Вправе гордиться своими питомцами и его директор Михаил Боярович.
Затем пришло время для третьего всплеска эмоций. В сопровождении квартета преподавателей все того же Лидского музучилища Михаил Булыга, вновь заставил трепетать публику, которая подобно искушенным меломанам, следила за каждым его звуком. И когда певец взял верхнее си бемоль в песне Куртиса «Не плачь», присутствующие в зале ощутили выразительную силу итальянской манеры пения.
Подумалось, способны ли солисты Гродненской капеллы сотворить нечто подобное? Сомневаюсь. Тем не менее, руководство капеллы пренебрежительно относится к тем, кто не вхож в их узкий круг, хотя ему уже давно следовало бы пригласить Михаила Булыгу для исполнения с камерным оркестром бессмертных творений Россини, Беллини, Верди. Но этого до сих пор не сделано. В результате теряют слушатели, не имея возможности наслаждаться шедеврами оперного искусства.
Наряду с замечательными выступлениями лидчан надо отметить еще один отрадный момент. На концерте прозвучало несколько песен композиторов Гродненщины: «Б’юць крыштальныя крынiцы» М.Коппа (Гродно), «Калi ласка» В.Горячова (Лида) и «Мы з вёскi-калыскi» А.Парфенчика (Лидский район). Их дополнили произведения белорусских композиторов Е.Глебова и Л.Захлевного.
Однако основная часть концерта – это народная песенно-танцевальная стихия, к сожалению, часто грубая и примитивная. Разноликих, в большинстве случаев псевдонародных фольклорных ансамблей было столько, что они едва не поглотили профессиональную музыку и подлинное мастерство. Более чем из 30 номеров программы только дуэт из «Травиаты» Верди представлял классику. Невольно возникает вопрос: неужели у нас отсутствуют исполнители серьёзной музыки или режиссеры концерта просто-напросто игнорируют ее? Явный крен в сторону легковесной самодеятельности всегда отрицательно влиял на музыкальную культуру города.
Например, почему бы ни показать на праздничном концерте наших одаренных детей – композиторов, которые в 10-12 лет сочиняют оперы и балеты? Нет же: лучше – писк, визг да юбки веером…
Почему бы не найти в программе концерта место для духовной музыки из репертуара хора Анны Стрихи или хора той же Гродненской капеллы? Правда, капелла в это время укатила развлекать западную публику…
Почему не задействовать на столь значительное мероприятие имеющихся у нас лауреатов международных и всесоюзных конкурсов?
Вопросов много. И надо дать на них ответы.
(Гродненская правда. – 1994. – 1 октября)
У ДЗЕСЯЦЬ ГОД – І ТАКОЕ ЎМЕННЕ?
Я вырашыў расказаць пра маіх таленавітых вучняў у газеце. Усе яны – цудоўныя дзеці, дораць маладосць і ўсяляюць надзею на лепшае.
Прыемна бачыць, што на змену нам ідзе пакаленне новае, больш адукаванае.
Да прыкладу, у вучаніцы 3-га класа Лідскай музычнай школы Ані Маркевіч 50 п’есаў для акардэона. І, што вельмі важна, кожная арыгінальная ў меладычных адносінах. Аня напісала сюіту “У паходзе”, якая адлюстроўвае настрой адной са школьных вандровак, дзе было весела і цікава. На адным з канцэртаў выконвалася яе сюіта “Дзюймовачка”. Асабліва запамінальныя тут характарыстыкі жабы-маці і яе веселуна-сына – няўдалага жаніха Дзюймовачкі. Гэтым летам Аня напісала чарговую сюіту – “Срэбны капыток”.
Задуменная і сур’ёзная па сваёй натуры Валерыя Янкоўская – вучаніца 6-га класа Ваўкавыскай музычнай школы. Мяне заўсёды кранаюць яе мелодыі, якія перадаюць настрой, што ўзнікае ў нас у ясныя, восеньскія дні, калі лістота дрэваў, кружляючы і падаючы, пакрывае зямлю залаціста-чырвоным дываном. Адна з яе п’есаў на гэтую тэму з’яўляецца заключнаю часткай інструментальнага цыкла “Часіны года”. А нядаўна дзяўчынка скончыла оперу “Белая вішня” паводле п’есы Святланы Клімковіч. Хіба не спакусліва быць першым слухачом будучага опернага спектакля?
Хацелася б больш падрабязна спыніцца на гэтым творы. У оперы Леры расказваецца пра Гарадзенскае княства, пра мужнага князя Юрыя, пра каханне князя Васількі да простай дзяўчыны Алесі, пра яе подзвіг, калі яна ахвяравала сваім жыццём дзеля ўратавання Бацькаўшчыны. А супрацьпастаўлены ім такія адмоўныя персанажы, як здраднік Усевалад ды славалюбная Агата, якая пляце змову супраць свайго мужа князя Юрыя. Упэўнены, што опера Леры будзе станоўча ўплываць на выхаванне публікі.
А вось яшчэ адна адораная дзяўчынка. Гэта Дзінара Мазітава, якая вучыцца ў Лідскай музычнай школе. Ёй 10 гадоў. Многія ведаюць яе как аўтара бліскучых мініяцюраў і дзіцячай оперы “Кветкі пад ліўнем”. Сімвалічна тое, што опера Дзінары ішла ў Гродзенскім лялечным тэатры – у тым будынку, дзе 220 гадоў таму артысты знакамітае капэлы Тызенгаўза ставілі оперныя і балетныя спектаклі. Інакш кажучы, гэтая маленькая дзяўчынка напісаннем свайго твора садзейнічала таму, каб праз два з лішкам стагоддзя оперны жанр зноў загучаў у Гродне. Хіба гэта не цудоўна?! Вы бачыце, якімі велізарнымі магчымасцямі валодаюць сённяшнія дзеці, аднагодкі маленькіх чытачоў газеты “Дзеці і мы”. Яны ўжо сёння закладваюць асновы будучага грамадства.
Да партрэта Дзінары дадам яшчэ некалькі штрыхоў. Яна – выдатная піяністка, лаўрэат абласных, рэспубліканскіх і міжнародных конкурсаў. Дзяўчынка марыць, каб яе балет станцавалі дарослыя выканаўцы. Працуе яна старанна, не даючы сабе лішнях раскошаў і расслабленняў. Часам, напрыклад, мне хочацца набыць ёй марозіва альбо кавалак торта, але Дзінара адразу ж заяўляе: “Я пішу музыку не за марозіва”. І я веру, што яна піша бескарысліва.
Аднойчы са мною ў Ліду прыехаў адзін выкладчык Беларускай акадэміі музыкі. Ён паслухаў таленавітую дзяўчынку, быў вельмі захоплены яе здольнасцямі і доўга не мог супакоіцца. Упершыню, па ягоных словах, давялося сустрэць сапраўды таленавітага чалавека. Быў гэтым выкладчыкам вядомы ў рэспубліцы гітарыст і кампазітар Валерый Жывалеўскі. Некалькі разоў ён перапытаў: “Дзінара, няўжо табе толькі 10 гадоў?” Валерый Жывалеўскі сказаў, што ў ёй ёсць Бог.
Якое шчасце навучаць такіх дзяцей! Мне лёгка з імі, бо яны пішуць музыку па волі Всявышняга. Удасканальваючыся, яны ўдасканальваюць мяне, уліваюць у маю душу нешта патаемнае і жыватворнае.
(Дзеці і мы. – 1994. – 21 лістапада)
БІЗНЕСМЕН – ДЫРЫЖОР
З энергічным і жыццярадасным Анатолем Вялікіным я пазнаёміўся ў Лідскім музычным вучылішчы. Ён быў дырыжорам цымбальнага аркестра. Хутка, на здзіўленне многіх выкладчыкаў, ён пакінуў вучылішча. Мінула некалькі гадоў. Колішні дырыжор стаў бізнесменам. Займеў набытак. І вось – о, эўрыка! – яго азарыла шчаслівая думка стварыць аркестр беларускіх народных інструментаў пры ўласнай фірме. Цудоўная ідэя!
Пачаліся карпатлівыя рэпетыцыі. Нарэшце адбыўся канцэрт-прэзентацыя ў гарадскім Доме культуры. Зазначу, што аркестру Вялікіна ўласцівыя імпульсіўнасць, павышаная ўвага да дынамікі і тэмпаў, адчуванне формы. Дырыжор умее захапіць публіку. Паэтычна прагучалі лірычныя п’есы Г.Ермачэнкава. Жыва ўзноўлены гумар аркестравых папуры А.Дзвілянскага. Сярод салістаў аркестра вылучаліся Таццяна Бугасава і Наталля Даргель. Закончыўся канцэрт шматразовым паўторам “Танца з шаблямі” А.Хачатурана. Публіка была ў захапленні. Не раз яна бурна апладзіравала музыкантам нават падчас іх ігры.
Свята адбылося! У Лідзе з’явіўся яшчэ адзін творчы калектыў. Пажадаем яго таленавітаму кіраўніку новых поспехаў у бізнесе і ў музыцы.
(ЛіМ. – 1994. – 28 кастрычніка)
“ДА РАДАСНАГА СВЯТЛА…”
З творчасцю гродзенскага кампазітара Сяргея Багданава я быў знаёмы павярхоўна. Станоўча ацэньваў ягоную поліфанічную санату для баяна. Без раздражнення прымаў складаную па мове санату для фартэпіяна. Убачыўшы ў Багданаве моцнага прафесіянала, запрасіў яго ў аргкамітэт конкурсу юных кампазітараў. Пазней прыцягнуў да працы ў Асацыяцыю кампазітараў Гродзеншчыны. Так склаліся ў нас дзелавыя стасункі.
Аднойчы ён запрасіў мяне на кубачак кавы. Уключыў магнітафонны запіс з выпадковымі гукавымі эксперыментамі на электронным інструменце – той самай вясельнай “Ямасе”, да якой не дакранецца кожны музыкант, калі сябе паважае! Прызнаюся: мне не хацелася слухаць абсалютна ніякай музыкі, што даносілася з японскай “самаграйкі”. Але якое было маё здзіўленне, калі я адчуў у незвычайных тэмбравых спалучэннях голас Зямлі, подых Сусвету. Ува мне загарэўся інстынкт “першаадкрывальніка” талентаў, хоць побач быў ужо сталы музыкант (Багданаў закончыў Ленінградскую кансерваторыю, як выканаўца ўдзельнічаў у многіх міжнародных фестывалях, як аўтар музыкі быў лаўрэатам Усесаюзнага конкурсу маладых кампазітараў). Тым не менш я параіў Сяргею стварыць закончаныя мастацкія кампазіцыі для электронных інструментаў.
Разам прызначылі час прэм’ерных канцэртаў, добра ўсведамляючы, што на Беларусі амаль ніхто (за выключэннем, бадай, А.Літвіноўскага) не займаецца акадэмічнай (не дэкаратыўнай, не эстраднай, не шлягернай) электроннай музыкай. Хутка планы пачалі ажыццяўляцца. Адбылося некалькі канцэртаў у Гродне, Мінску, Лідзе, былі зроблены запісы на рэспубліканскім радыё. Адначасова Багданаў атрымаў шэраг заказаў напісаць музыку да тэатральных пастановак.
Свой наватарскі твор кампазітар назваў “Альбомам электроннай музыкі. Форма яго – скразная (нягледзячы на тое, што ёсць падзел на адносна самастойныя часткі), змест – эпічны. Музыка Багданава асацыіруецца ў мяне з вобразамі сусветнага Розуму, які сузірае Зямлю з вышыняў Сусвету, з абліччам самой Зямлі, пагружанай у трывожную цемру, з чыстымі струменямі Вады і Паветра, з зараджэннем Жыцця на Зямлі. Складана? Так: палатно сапраўды манументальнае!
А чым адрозніваецца традыцыйная музыка ад прасторавай? Калі першая абмежаваная зямнымі межамі, дык другая пераносіць нас у касмічныя прасторы, калі першая апавядае пра жыццё чалавека ў гэтым свеце, дык другая выяўляе той свет, куды перасяляецца душа пасля смерці. Традыцыйную музыку запісваюць нотамі, у прасторавых музычных карцінах столькі гукаў, што іх амаль немагчыма зафіксаваць нотнымі знакамі. Традыцыйную музыку іграюць па нязменным тэксце, прасторавыя кампазіцыі ўзнаўляюцца штораз зноўку. Такім чынам, кампазітару, які выконвае прасторавую музыку, трэба быць чуйным барометрам, каб выяўляць свае эмоцыі і эмоцыі сваіх слухачоў. Адначасова яму трэба быць чалавекам-аркестрам, чыя гукавая энергія пранікае ў самыя аддаленыя куткі душы і сягае ў космас. Нарэшце, ён павінен быць тэхнікам-электроншчыкам, які свабодна валодае сучаснай камп’ютэрнай і гуказапісваючай апаратурай.
Як прымалі музыку Сяргея Багданава на канцэртах? У Гродне публіка была стракатая: не абышлося без п’яных тыпаў, якія гучна размаўлялі, сёй-той нават з музыкантаў дэманстратыўна пакінуў залу. У Мінску аўдыторыя Саюза кампазітараў уважліва вывучала невядомага ёй аўтара. Навучэнцы Лідскага музвучылішча з юнацкай непасрэднасцю патрабавалі паўтарыць незвычайны твор. Выснова простая: якая публіка, такая музычная культура ў горадзе! На жаль, Гродна ў гэтым сэнсе надта адстала ад "правінцыйнай" Ліды.
Сёння перад Сяргеем Багданавым адкрываюцца заваблівыя перспектывы. Найноўшыя камп’ютэрныя сінтэзатары дазваляюць яму значна пашырыць галіну выяўленчых сродкаў. Пры гэтым ён у любы момант можа дапоўніць “пазазямное” электроннае гучанне цёплымі тэмбрамі звычайных інструментаў і, вядома, жывым чалавечым голасам. Прасторавая музыка сінтэтычная па сваёй прыродзе: яна мае патрэбу ў мастацкім святле, у жывапісе, у тэатральным дзеянні. Стваральнікі прасторавай музыкі непазбежна падыдуць да поўнага мастацкага сінтэзу, да якога імкнуўся ў пачатку стагоддзя А.Скрабін. Ідэя Скрабіна наконт пераўтваральнага ўздзеяння мастацтва на жыццё – гэта не толькі сімвал рэвалюцыйнай эпохі, але гэта перш за ўсё агульначалавечая мара пра перастварэнне жыцця на разумных асновах.
Дарэчы будзе згадаць тут паплечніка і блізкага сябра Скрабіна, ураджэнца Віцебска Барыса Фёдаравіча Шлёцара. Як пішацца ў “Музыкальном энциклопедическом словаре”, ён “аказаў істотны ўплыў” на Скрабіна. У савецкіх музыказнаўцаў Шлёцар быў у няміласці, бо ён “зводзіў” Скрабіна ў бок ідэалізму і містыцызму. Не думаю, што Барыс Шлёцар мог сур’ёзна ўплываць на геніяльна адданага кампазітара, які, дарэчы сказаць, быў на 10 гадоў старэйшы за яго і чый светапогляд вызначалі непараўнана большыя велічыні, чым Шлёцар, а менавіта выдатны філосаф С.Трубяцкой ды знаны мысліцель-тэасоф А.Блавацкая.
Ды ўсё-такі наш зямляк Б.Шлёцар быў самым блізкім сябрам Скрабіна, “першым пестуном” кампазітара ў філасофіі! Ці ж гэтага мала? Важны яшчэ адзін момант жыцця Барыса Шлёцара. Паехаўшы за мяжу ў 20-я гады, ён супрацоўнічаў з французскім кампазітарам П’ерам Булезам. Маючы на ўвазе, што Шлёцар быў на 44 гады старэйшы за П’ера Булеза і што ён у свой час прашоў школу скрабінскага ўсеабдымнага сінтэзу, можна з упэўненасцю гаварыць пра станоўчы ўплыў Шлёцара на Булеза, які, вядома, актыўна займаўся электроннай музыкай і пабудаваў падземныя электронныя лабараторыі паблізу Парыжа.
Адным словам, Шлёцар у значнай ступені вызначаў кірункі не толькі рускага, але і заходнееўрапейскага музычнага мастацтва. Аднак на Беларусі пра гэтага выдатнага чалавека, нашага земляка, ніхто не піша і не гаворыць!
Я глыбока перакананы, што для нас, беларусаў, мастацкі сінтэз – гэта не дзіўная, не чужая забаўка. Адмяжоўваючыся ад дасягненняў сусветнага мастацтва, у тым ліку ад вопыту нашых суайчыннікаў (у жывапісе – Кандзінскага, Малевіча, Шагала, у музыцы – Салярцінскага, Шлёцара), мы проста трапляем у яму самаізаляцыі ды глупства… Калі мы не жадаем гэтага, то будзьма падтрымліваць маладых кампазітараў, якія разам са Скрабіным гатовыя йсці за межы будзённага жыцця “да радаснага Святла, да Агню, да пераможнага Сонца”. Адзін з іх – Сяргей Багданаў, які зусім свядома прысвяціў свой “Альбом электроннай музыкі” Праметэю мастацтва ХХ стагоддзя Аляксандру Мікалаевічу Скрабіну.
(ЛіМ. – 1994. – 16 снежня)
КАНЦЭРТ ПЕСЕННІКАЎ
Гродзенскія кампазітары – знаныя аўтары і моладзь – выступілі са сваімі песнямі перад навучэнцамі вучылішча мастацтваў. Блізкасцю да народных інтанацый вылучаліся песні Аляксандра Шыдлоўскага, Яўгена Петрашэвіча, Марка Копа, Вячаслава Пакумейкі, Уладзіміра Малочкі. Іх выканаў жаночы вакальны ансамбль пад кіраўніцтвам Анатоля Шамлі. Усхваляванай дэкламацыйнасцю вызначаліся песні Вячаслава Макуця. Жывасцю і непасрэднасцю вабілі дзіцячыя песні Іраіды Саўчук. Меладычны дар прадэманстравала юная Наташа Дэбыш, змясоўнасць – Алесь Лойка, чые разгорнутыя маналогі па-майстэрску праспявала Ірына Мамуль.
Увагу публікі прыцягнула Алена Пячыніна. Найлепей яна паказала сябе як аўтар слоў і музыкі, а таксама як спявачка, чый багаты па тэмбры голас перадаваў самыя тонкія рухі жаночай душы. Мне думаецца, што гэта адметнае слова ў сучасным рамансе.
Закончыў канцэрт Аляксандр Чопчыц прэм’ерай песні на словы А.Раманава “Гародня”.
(ЛіМ. – 1994. – 23 снежня)
1995 год
ТЕПЛАЯ ВСТРЕЧА
Тепло встретили лидчане Елену Печинину из Гродно. Композитор, поэтесса, исполнительница собственных песен доставила истинное удовольствие своим слушателям, посетителям ресторана «Аркадия». Творческая встреча была организована Обществом c ограниченной ответственностью «Аркадия» и Ассоциацией композиторов Гродненщины.
Надо сказать, директор ООО «Аркадия» А.Сакович много внимания уделяет работе музыкального салона ресторана. Его гостями были как звезды белорусской эстрады, так и талантливые молодые исполнители.
(Гродненская правда. – 1995. – 4 февраля)
ВЯСЕННІ БУКЕТ МУЗЫКІ
Яўген Гладкоў вядомы ў рэспубліцы як энтузіяст беларускіх цымбалоў, артыст, педагог, грамадскі дзеяч. Перад намі – рознабаковы музыкант, здольны захапіць ідэяй, даказаць яе рэальнасць і ўвасобіць задуманае ў жыццё. Толькі па аднаму факту, што не без намаганняў Гладкова ў Мінску збіраецца сусветны кангрэс цымбалістаў, можна меркаваць аб яго ўкладзе ў музычную культуру Беларусі.
Канцэрт Я.Гладкова ў Лідскім музвучылішчы быў захапляючым. Гучала старадаўняя англійская і італьянская музыка, Феранс Ліст і Альфрэд Шнітке, Віктар Войцік і Яўген Глебаў і, безумоўна, папулярныя рэчы. Адным словам, маэстра падарыў аўдыторыі вясенні букет музыкі. У адказ лідчане прападнеслі сціплую фіялку – раманс для двух цымбалаў і фартэпіяна Веранікі Швец, які выканалі выкладчыкі вучылішча Зоя Булатава, Уладзімір Дубіцкі і аўтар.
Так, у Лідзе ўмеюць ператварыць звычайны канцэрт у свята. Тут цэняць беларускае мастацтва і ўсхвалявана апладзіруюць таленавітым артыстам.
(Лідская газета. – 1995. – 20 мая)
МУЗЫКАЛЬНАЯ НЕДЕЛЯ
С успехом прошла Неделя Лидского музыкального училища, посвященная 50-летию Победы. Это неординарная культурно-просветительная акция вызвала живой интерес у лидчан. Сотни людей смогли познакомиться с шедеврами музыкального искусства прошлого и настоящего.
Неделя открылась выступлением цимбального оркестра под руководством Елены Сечко. Репертуар оркестра состоит в основном из произведений белорусских композиторов. В прошлом году музыканты гастролировали в Германии, где дали ряд благотворительных концертов.
Второй день был посвящен фортепианной, скрипичной и духовой музыке. Слушатели тепло принимали ансамбль скрипачей, который возглавляет Михаил Двилянский, и духовой оркестр под управлением Василия Летуновского.
Затем настала очередь молодых композиторов. Наиболее яркими выглядели отрывки из балета «Дюймовочка» юной Динары Мазитовой, романсы Наталии Ганул и Евгения Ларионова (выпускника училища, ныне студента композиторского отделения Белорусской академии музыки), фортепианные пьесы Детского альбома педагога Вероники Васильевны Швец.
Кульминационными днями Недели стали четвертый и пятый. Блестяще выступил оркестр русских народных инструментов. За дирижерским пультом стоял многоопытный Александр Потапейко. Оркестр убедительно интерпретирует симфоническую, оперную, духовную и народную музыку. Способствуют этому талантливые оркестровые переложения, сделанные самим Потапейко. Восхитил публику солист Михаил Булыга, красивый голос и артистический темперамент которого неизменно вызывают бурю аплодисментов.
В пятый день показывал свое мастерство ансамбль «Фестиваль». Его создал замечательный аккордеонист-виртуоз Владимир Бубен. Изящно и непринужденно играет «Фестиваль» эстрадную европейскую музыку 30-60-х годов.
Завершили Неделю хоровые коллективы: академический хор Л.Ф.Песецкой исполнил произведения Бортнянского, Рахманинова, советских и белорусских авторов, тогда как народный хор (хормейстер Т.П.Хорошилова) пел преимущественно обработки народных песен.
Неделя Лидского музыкального училища вылилась в творческий отчет учащихся и преподавателей.
(Гродненская правда. – 1995. – 1 июня)
ЦЯРНІСТЫМІ СЦЕЖКАМІ “НАДЗЕІ”
(Некалькі пытанняў да мастацага кіраўніка конкурсу юных і маладых кампазітараў Віталя Радзіёнава)
- Віталь Канстанцінавіч, адбыўся ўжо трэці конкурс юных кампазітараў – “Надзея-94”. Чаму ён праводзіцца менавіта ў Гродне, як увогуле ўзнік гэты конкурс?
- Воляю гісторыі ў Гродне склалася спрыяльная атмасфера для творчасці. Ужо ў наш час тут давялося працаваць Рыгору Шырме і Юрыю Семяняку. Сярод выпускнікоў Гродзенскага музычнага вучылішча – Віктар Войцік, Леанід Захлеўны, Валеры Іваноў, Уладзімір Кандрусевіч, Мікалай Літвін, Андрэй Бандарэнка, Яўген Паплаўскі, Мікалай Калешка, Сяргей Багданаў – цэлая плеяда адметных кампазітараў.
“Надзея” – гэта трэцяя мая спроба арганізаваць кампазітарскі конкурс. Добра помню, што ў абласным конкурсе 1972 года ўдзельнічаў 10-гадовы Яўген Паплаўскі, у 1978 годзе прайшоў яшчэ адзін конкурс, журы якога ўзначальваў Дзмітрый Камінскі і пераможцамі якога сталі цяпер вядомыя гітарысты-кампазітары Уладзімір Захараў ды Валеры Жывалеўскі. І вось у 1992 годзе з’явіўся на свет сённяшні конкурс. Называючы яго “Надзеяй”, я ўкладаў у гэтае паняцце не толькі пэўны сімвалічны сэнс, мне хацелася таксама аддаць належнае жанчыне, без чыіх намаганняў конкурс не спраўдзіўся б: маю на ўвазе яго выканаўчага дырэктара Надзею Анатольеўну Трухановіч.
Працы было процьма: кожны год шукалі грошы, даводзілася пераадольваць абыякавасць і коснасць тых, хто паводле службы павінен займацца культурай. Не адчувалі хоць якой важкай дапамогі ад беларускіх грамадскіх арганізацый. На словах – усе мы гарачыя патрыёты, на справе – кожны шукае ўласную выгаду. Калі ж уласная выгада не праглядаецца, тады і нацыянальная ідэя, здаецца, губляе для яе абаронцаў сваю прывабнасць, – вось якія горкія высновы даводзілася часам рабіць…
- А якія ж мэты і задачы паставіў перад сабой аргкамітэт конкурсу?
- Галоўная задача конкурсу ў тым, каб пашырыць на Беларусі сістэму выкладання стварэння музыкі. Сёння літаральна па пальцах можна пералічыць гарады, дзе выкладаецца кампазіцыя. Таму, на мой погляд, конкурс трэба праводзіць кожны год, пакуль не дасягнём станоўчых вынікаў. Параўноўваць жа кампазітарскі конкурс з выканаўчым зусім няправільна, бо ў кожным горадзе, у кожным пасёлку вучаць дзяцей іграць на фартэпіяна, баяне, цымбалах і іншых інструментах. Вядома, чыноўнікі не жадаюць уцягвацца ў штодзённую карпатлівую працу: ім патрэбен хуткі поспех і гучны рэзананс, каб далажыць начальству пра вынікі сваёй дзейнасці. Канечне, праца з дзецьмі, схільнымі да творчасці, доўгатэрміновая і нібыта няўдзячная. Але ж конкурс адкрывае і развівае таленты. Конкурс памагае маладым людзям вызначыцца ў жыцці, а найбольш таленавітым – паступіць на кампазітарскае аддзяленне Акадэміі музыкі. Конкурс павышае прафесійны ўзровень беларускай кампазітарскай школы.
Нарэшце, конкурс адыгрывае важную ролю ў прапагандзе творчасці Максіма Багдановіча, імя якога носіць і да дня нараджэння якога прымеркаваны. Напрыклад, вучні Цэнтральнай музычнай адзінаццацігодкі пры Маскоўскай кансерваторыі, удзельнікі “Надзеі-93”, не знайшлі ў бібліятэцы вершаў Багдановіча, і ім давялося абмежавацца інструментальнымі прысвячэннямі паэту. Праз год становішча змянілася: яны загадзя паклапаціліся, каб прыдбаць зборнік Багдановіча, і выступілі на конкурсе з рамансамі на яго вершы. Прыкладна тое ж адбывалася з астатнімі ўдзельнікамі з Расіі ды Украіны. Думаю, што прэстыж Беларусі на міжнароднай арэне будзе часткова залежаць і ад нашага стаўлення да гэтага прадстаўнічага форуму дзіцячай і юнацкай музычнай творчасці. Недальнабачныя тыя дзеячы культуры, якія робяць стаўку на эстраду, на масавыя забаўляльныя жанры: гэта ніколі нічога не мяняла ў лепшы бок. Глыбінныя і перспектыўныя духоўныя працэсы адбываюцца толькі праз сур’ёзную творчасць. Ведаеце, я з павагай стаўлюся да паэзіі Ніла Гілевіча і Генадзя Бураўкіна. І часам успадае на думку: калі б гэтыя масцітыя паэты аддалі самае малое, адну сотую або адну тысячную долю сваёй славы ў эстраднай песні юным кампазітарам, калі б яны хоць неяк дапамаглі скіраваць грамадскую ўвагу на будучых творцаў, накіраваць у іх бок радыё, тэлебачанне, то гэта паўдзельнічала б на беларускую культуру яшчэ больш поўна і больш змястоўна.
Давайце задумаемся: колькі сродкаў ідзе на грандыёзныя эстрадныя фестывалі? Ці зважае хто на бездухоўную падаснову маляўнічых відовішчаў для паўгалоднага натоўпу? Ці ведаюць арганізатары, удзельнікі ды спажыўцы масавых шоу, што сярод беларускіх дзяцей ёсць такія, якія ў 10-12 гадоў пішуць оперы і балеты і робяць гэта таленавіта? Ці гэта магчыма? Так, магчыма! У Аўстрыі Моцарт быў 200 гадоў назад, чаму ж у нас праз 200 гадоў не можа з’явіцца Моцарт? Тым не менш выключна на прапаганду эстрады, “папсы” трацяцца мільёны і мільярды рублёў. Але ж адной дзесятай долі сродкаў, затрачаных на вядомыя віцебскія і маладзечанскія фестывалі хапіла б, каб праводзіць конкурс юных кампазітараў сто гадоў! Міжволі задумаешся, якая культура ў нас цяпер…
- “Пераацэнка каштоўнасцей” не на карысць сапраўднаму мастацтву?
- Перакосы страшэнныя! Адны – сядзяць на вяршыні славы, другія – год за годам ездзяць у вёску, каб даць урокі дзецям. Прычым другія не менш таленавітыя, чым першыя. Але ж аднымі мы любуемся, як каштоўнымі ўпрыгожваннямі, другія – нікому не патрэбныя. З тэлеэкранаў мы часцей чуем адно імя: Фінберг! Так, маэстра Фінберг па-майстэрску кіруе аркестрам, і ён, несумненна, такі ж выдатны дырыжор эстрадна-джазавай індустрыі! Дзе ж іншыя імёны?
Я далучаюся да закліку Генадзя Бураўкіна падтрымліваць таленты. Я падзяляю ягоную думку, што ў першую чаргу трэба праяўляць клопат пра класічную музыку. Таму звяртаюся да Генадзя Мікалаевіча асабіста – з просьбаю пасадзейнічаць Міжнароднаму конкурсу юных і маладых кампазітараў “Надзея-95”.
- Вядома, конкурс “Надзея” варты і шырэйшай прапаганды, і грунтоўнай падтрымкі. Пазалетась на ім была паказана опера 9-гадовай Дзінары Мазітавай “Кветкі пад ліўнем”, летась – яе балет “Дзюймовачка” і опера 12-гадовай Валерыі Янкоўскай “Белая вішня”. Радасны факт! Але як прадставіць гэтыя таленты грамадскасці?
- Найперш трэба пра іх гаварыць… Ведаеце, Моцарт убачыў сваю оперу на сцэне ў 12 гадоў. Дзінара Мазітава – ў 9! У 10 гадоў яна напісала балет “Дзюймовачка”, фрагменты якога станцавалі падчас “Надзеі-94” навучэнцы Беларускага харэаграфічнага вучылішча. Увосень плануецца паставіць балет цалкам. А нядаўна ў мяне ўзнікла дзіўная думка. Я папрасіў Дзінару напісаць оперу на сюжэт адной з геніяльных моцартаўскіх опер. Потым мы пачалі марыць пра пастаноўку яе ў тым тэатры, у якім бачыў свае оперы Моцарт. Але для гэтага трэба перадусім арганізаваць “Міжнародную мацартыяну” – фестываль оперных і балетных спектакляў юных кампазітараў не старэйшых за 15 гадоў, з тым, каб кожная краіна-ўдзельніца фестывалю прывезла ў Зальцбург або ў Вену гатовы спектакль свайго таленавітага дзіцяці. Беларусь магла б выглядаць досыць і досыць прыстойна. Да таго ж, напрыклад, міністэрства культуры і друку, Беларускі фонд Сораса маглі б стаць ініцыятарамі такога міжнароднага праекта. Дзіўная ідэя, праўда?
- Цудоўная ідэя! А ў вас жа ўжо назапашаны сур’ёзны вопыт: артысты беларускай опернай трупы на працягу двух гадоў удзельнічаюць у пастаноўках опер юных кампазітараў…
- Так. У оперы “Кветкі пад ліўнем” спяваў Міхаіл Жылюк. Яму дасталася вельмі цяжкая партыя Гандляра. У асобе Жылюка мы сустрэлі энтузіяста высакароднай справы і моцнага прафесіянала. Ён бліскуча справіўся з роллю. Ён, уласна кажучы, удыхнуў жыццё ў спектакль! Дзякуючы Жылюку мы паверылі, што дзеці здольныя ствараць оперную музыку. Зусім не звысоку ён паглядаў на такія-сякія недахопы ў творы маленькай Дзінары Мазітавай, бо як сапраўдны прафесіянал адчуваў у дзіцяці талент і лічыў сваім абавязкам падбадзёрыць малодшага сябра па мастацтве. Не магу не ўспомніць добрым словам іншых удзельнікаў спектакля “Кветкі пад ліўнем” – Алену Казанцаву і Міхаіла Булыгу. Оперу Валерыі Янкоўскай “Белая вішня” выконвала цэлае сузор’е выдатных спевакоў опернага тэатра: Тамара Кучынская, Віктар Чарнабаеў, Таццяна Варапай, Міхаіл Дружына, Уладзімір Пятроў, Рыгор Палішчук, Сяргей Драбышэўскі ды іх канцэртмайстар Таццяна Траццяк. Пастаноўку балета “Дзюймовачка” Дзінары Мазітавай ажыццявіла са сваімі выхаванцамі вопытны педагог-балетмайстар Галіна Сінельнікава. Ад імя аргкамітэта конкурсу выказваю глыбокую ўдзячнасць усім выканаўцам дзіцячых опер і балетаў.
- Пастаноўкі музычных спектакляў вымагаюць грошай. Хто вам дапамагаў? Міністэрства культуры? Мясцовыя ўлады?
- На оперу “Кветкі пад ліўнем” грошы выдаткаваў старшыня Лідскага гарвыканкама Уладзімір Міхайлавіч Малец. Дзінара Мазітава жыве ў Лідзе, і ён палічыў, што горад абавязаны падтрымаць таленавітую дзяўчынку. Асноўную частку выдаткаў конкурсу “Надзея-94” узяў на сябе Беларускі фонд Сораса. Маі сустрэчы з каардынатарам культурных і выдавецкіх праграм Алесем Анціпенкам і іншымі прадстаўнікамі фонду аказаліся плённымі. Прыемна было працаваць з людзьмі, якія добра разумеюць значэнне Міжнароднага конкурсу юных і маладых кампазітараў для развіцця беларускага мастацтва. Яны зрабілі амаль немагчымае, своечасова прыняўшы рашэнне наконт фінансавання конкурсу. Менавіта фонду мы абавязаны тым, што чарговы конкурс быў арганізаваны значна лепш, чым у мінулыя гады. Да нас паступілі ўжо ўдзячныя пісьмы з Украіны і Расіі. Мы лічым за гонар для сябе супрацоўнічаць з фондам Сораса. Дасць Бог, і “Надзея-95” парадуе нас новымі дасягненнямі і новымі імёнамі!
(ЛіМ. – 1995. – 2 чэрвеня)
ДИПЛОМАНТЫ ПРЕСТИЖНОГО ФЕСТИВАЛЯ
В заключительный тур III национального фестиваля белорусской песни и поэзии «Минск-95» прошли два молодых певца из Гродно: Светлана Ефимчик и Сергей Квашнин. Светлана – воспитанница педагогического училища, Сергей отстаивал честь училища искусств.
Похвально, что молодые певцы включили в свою конкурсную программу песни гродненских авторов. Сергей исполнил песни Александра Чопчица и Юрия Иоффе, а Светлана – собственные сочинения.
Как выяснилось позже, Гродно представил больше песен, чем другие областные центры. Да и качество их достаточно высокое: они глубоки по содержанию, оригинальны по мелодическому рисунку, непосредственны по манере выражения.
(Гродненская правда. – 1995. – 4 июля)
РАДАСЦЬ ТВОРЧАСЦІ
(Канцэрт-прэзентацыя зборніка песень
гродзенскага кампазітара Марка Копа)
Шчодры на таленты Гродзенскі край падарыў музычнаму свету многа вядомых імёнаў. У розныя гады тут жылі і працавалі Рыгор Шырма, Уладзімір Семяняка, Генадзь Цітовіч, Віктар Роўда, Аляксандр Шыдлоўскі, Віктар Войцік, Леанід Захлеўны, Уладзімір Кандрусевіч, Валерый Іваноў, Андрэй Бандарэнка.
У свой час пры абласным Доме народнай творчасці была створана секцыя самадзейных кампазітараў. Зараз яна ператворана ў Асацыяцыю кампазітараў Гродзеншчыны. Адным з актыўных членаў кампазітарскай садружнасці з’яўляецца Марк Аляксандравіч Коп.
Калі гаварыць аб вытоках творчасці Марка Копа, то, напэўна, яны і ў песеннасці Гродзенскай зямлі, у спакойных водах Нёмана, у радаводзе кампазітара. Трэба адзначыць, што дзед яго – прафесійны музыкант, скрыпач, закончыў Вышэйшае імператарскае музычнае вучылішча ў Кіеве, канцэртаваў у Расіі, Беларусі, на Украіне. Пасля Вялікай Айчыннай вайны працаваў выкладчыкам музычна-педагагічнага вучылішча.
Нядаўна ў абласным цэнтры адбыўся канцэрт-прэзентацыя зборніка песень Копа “Над сінім Нёманам”, што быў выдадзены Міністэрствам культуры і друку Рэспублікі Беларусь і Беларускім інстытутам праблем культуры. Гэтая падзея стала магчымай дзякуючы дапамозе рэктара інстытута У.Скараходава і прарэктара М.Крыловіч. У зборнік увайшло 18 песень самых розных жанраў: лірычныя, героіка-патрыятычныя, жартоўныя.
Яны напісаны пераважна на вершы гродзенскіх паэтаў Янкі Насуты, Уладзіміра Шурпы, Дануты Бічэль-Загнетавай, а таксама на вершы вядомых беларускіх паэтаў А.Русака, П.Прыходзькі, А.Ставера. Апрацаваны песні для голасу і фартэпіяна Мар’янам Наско. Ён жа рэдагаваў зборнік. Доўгія гады Наско “шэфстваваў” над самадзейнымі гродзенскімі кампазітарамі, быў іх настаўнікам, старшым таварышам. І вось цяпер з яго блаславення песні Марка Копа набылі другое жыццё. Каштоўнасць гэтага спеўніка ў тым, што ён дазволіць спевакам, вакальным ансамблям, харавым калектывам узбагаціць свой рэпертуар творамі кампазітара-земляка.
Песні Марка Копа абапіраюцца на народную меладычную аснову. У першую чаргу гэта трэба аднесці да жартоўных песень, для якіх характэрныя непасрэднасць пачуццяў, здаровы народны гумар. Гэта “Чарацінка”, “Ласы зяць” (словы Я.Насуты), “Вяселле” (словы П.Прыходзькі), “Жоначка” (словы М.Мамонькі), “Я чакаю на марозе” (словы Д.Бічэль-Загнетавай). Лірычным песням Копа ўласцівы пранікнёнасць і шчырасць. Сярод іх “Гродзенская лірычная” (словы У.Шурпы), “Спеў пра пушчу” (словы Я.Насуты), “За ракою” (словы А.Русака). З прафесійнага пункту гледжання песні Копа напісаны пераканаўча: дакладныя формы, выразныя мелодыі, нязбітыя гармоніі.
Кампазітар без выканаўцаў – як птушка без крылаў: ніхто пра яго не даведаецца, ніхто не пачуе яго музыку. На шчасце, у Копа яны ёсць. Гэта вядомыя творчыя людзі. З песняй “Невядомы салдат” выступіў лаўрэат міжнародных конкурсаў, народны хор царкоўнай музыкі “Дойлідства” пад кіраўніцтвам Наталлі Бульцэвіч. Заслужаная настаўніца рэспублікі Ніна Жыткова праспявала песні “Я дачка твая” і “Абеліск”. Вакальны ансамбль “Расінка” (кіраўнік Ніна Бяссмертная) выканаў “Гродзенскую лірычную”. Публіка цёпла прыняла сямейны дуэт у складзе аўтара спеўніка і яго дачкі Марыны. Яны прапанавалі аўдыторыі песню “Чарацінка”. Жанравыя сцэнкі “Спадабацца хачу” і “Ласы зяць” жыва перадала салістка хору “Дойлідства” Вера Ярошына. Лірычныя песні “Б’юць крыштальныя крыніцы” і “Чаромха белая” праспявала вакальная група “Гармонія” Дома культуры хімікаў. Гэты самабытны калектыў пастаянна ўключае ў праграмы сваіх канцэртаў песні гродзенскіх кампазітараў, за што нельга не выказаць падзяку яго кіраўнікам – спявачцы Наталлі Боевай і акампаніятару Анатолю Шамлі.
На канцэрце-прэзентацыі панавала атмасфера радушша і добразычлівасці.
Аб аўтару зборніка расказаў найстарэйшы гродзенскі кампазітар А.Шыдлоўскі. Больш за 40 гадоў іх звязвае чалавечае і творчае сяброўства.
Вобразна, з іранічным падтэкстам расказалі аб сваім сааўтарстве з кампазітарам паэты У.Шурпа і Я.Насута. Хто, як не літаратары, умее пажартаваць па-сяброўску, пакпіць з нябачных чужым вачам “азарэнняў” творчых людзей?
Насычанае гумарам і шчырай добразычлівасцю было выступленне загадчыка аддзела культуры Свіслацкага райвыканкама В.Раманцэвіча, які не без падстаў лічыць, што такія, як ён, маюць поўнае права ад імя матухны-зямлі перасцерагчы кампазітара ад завоблачных вышыняў. Цяжка пераацаніць ролю радавых культработнікаў у папулярызацыі песень сярод народа. Таму іх прысутнасць на аўтарскім канцэрце была больш чым дарэчы.
Уяўленне аб кампазітары Марку Копу будзе няпоўным, калі не сказаць аб яго чалавечых якасцях. Яшчэ ў 1971 годзе Коп стаў дырэктарам абласнога навукова-метадычнага цэнтра народнай творчасці. Праўда, ён не лічыць сябе чыноўнікам. Усё жыццё М.Коп складаў песні, падтрымліваў таленавітыя калектывы і адораную моладзь.
Тым не менш, займаючы адміністрацыйную пасаду, ён знаходзіў новыя формы ў культурна-асветнай рабоце. Пря яго садзейнічанні ўзнікла Асацыяцыя кампазітараў Гродзеншчыны.
Нарэшце, нельга не ўспомніць аб асноўным прынцыпе Копа-чалавека: ён лічыць сваім абавязкам развіваць і памнажаць народныя традыцыі і ў першую чаргу – народную творчасць Прынёманскага краю. Ён разумее, што нельга адрывацца ад зямлі і што цэннасць чалавека вызначаецца не п’едэсталам і трыбунамі, не славай і пашанай, а непасрэднай блізкасцю да народа. На мой погляд, Марк Коп дасягнуў самага галоўнага ў жыцці: рэалізаваў сябе як творчая асоба на сваёй роднай зямлі.
(Культура. – 1995. – 19 ліпеня)
ЧЕМ БОЛЬШЕ БУДЕТ У НАС МУЗЫКАНТОВ,
ТЕМ МЕНЬШЕ ПОНАДОБИТСЯ… ПРОКУРОРОВ
Помнится, лет пять назад собрались за «круглым столом» в редакции «Гродненская правда» исполнители и композиторы, преподаватели музыки и представители ведомств, которые музыкой «правят». Острый получился тогда разговор о проблемах музыкальной жизни области, низком уровне культуры.
Почему именно музыке такое внимание? Да потому, что она, как все мы знаем, наибольшее из белых пятен в эстетическом воспитании молодежи. А не зря еще древний философ сказал: чем больше будет в стране музыкантов, тем меньше понадобится ей прокуроров.
За последнее время многое изменилось. И в системе музыкального образования. И в воспитании самым изящным из искусств посредством приобщения к нему все большего числа поклонников. В области появились профессиональные музыкальные коллективы. Открылся концертный зал в Центре народного творчества в Гродно. Наконец зазвучала живая музыка, а не только лекции о ней, чего долгие годы так не хватало нашему городу. С его-то культурными традициями, с особым микроклиматом и огромным творческим потенциалом.
К сожалению, как раз о возможностях и достижениях местных музыкантов меньше всего осведомлена широкая публика. Восполнить пробел взялась созданная год назад Ассоциация композиторов Гродненщины. О том, что удалось сделать на этом поприще, я беседую с председателем Ассоциации В.Родионовым.
- До недавнего времени, Виталий Константинович, на слуху у нас было лишь несколько имен гродненских музыкантов и композиторов: А.Бондаренко, А.Шидловский, Е.Петрашевич… Но вот на концертных афишах стали появляться новые, никому не известные. Расскажите, пожалуйста, о тех, кому вы помогли выйти к публике.
- В конце прошлого, начале нынешнего года серию концертов электронной музыки в родном городе и Лиде дал гродненец Сергей Богданов. Затем он удивил и покорил искушенную публику столицы, выступив в Государственной филармонии и престижном зале Союза композиторов Беларуси. Дважды концерты Сергея записывало республиканское радио для своей фонотеки. И в итоге по достоинству оцененный молодой музыкант уехал в Минск, где ему предложили и жилье, и работу, и прекрасную аппаратуру. Чего, увы, не смогли предоставить у нас, вероятно не поняв, что это «звезда» отнюдь не местного значения. Но высоко подняться ей все же надо помочь.
Сейчас готовим авторский концерт лидского композитора Вероники Швец. Гродненцы имели возможность познакомиться с ее творчеством весной прошлого года. А на этот раз Вероника предстанет перед минскими слушателями. И надеюсь, тоже будет иметь успех. За последние полтора года она создала четыре альбома фортепианной музыки, которые и будут включены в предстоящий концерт. Это романтическая сюита для юношества «Ассоль», детские альбомы «Встречи с театром» и «Летние впечатления», Космический цикл «Знаки зодиака». Последний я могу сравнить с музыкой Родиона Щедрина. Но это вовсе не значит, что молодой композитор подражает именитому маэстро. Я имею в виду как раз уровень мастерства.
Если музыка Сергея Богданова и Вероники Швец больше предназначена для элитарной публики, то песенное творчество Елены Печининой доступно любому, кто не разучился слушать и откликаться чувствами на услышанное. На фоне заполонившей нас массовой культуры ее чистое благородное искусство, сродни салонному романсу, выделяется утонченностью и изысканностью. К тому же Елена обладает замечательным голосом. Недаром сотрудники республиканского радио, где она тоже записывалась, были приятно удивлены, хотя видали разных исполнителей.
Думаю, обрадую многочисленных поклонников певицы, неизменно заполнявших залы на ее концертах, если добавлю, что скоро Елена Печинина издаст свой сборник стихов и запишет новый альбом.
С большим успехом прошел в прошлом году авторский концерт Александра Чопчица. Прозвучали его песни на стихи Роберта Бернса, Пьера Беранже, Юнны Мориц, Янки Купалы…
Подчеркиваю, я называю имена, которых раньше никто не слышал…
- То есть вы хотите сказать, что главной своей задачей ассоциация видит покровительство начинающим или давно и плодотворно работающим, но не имевшим возможности заявить о себе?
- Да, это так. Признанные мастера, такие, к примеру, как А. Шидловский или М. Копп, в какой-то особой поддержке не нуждаются.
Полный зал слушателей в областном Центре народного творчества привлекла нынешней весной презентация сборника песен Марка Коппа. Его песни исполнял хор церковной музыки «Дойлiдства», женский вокальный ансамбль «Гармония», певицы Нина Житкова и Вера Ерошина. Огромный успех у публики имел семейный ансамбль семьи Копп.
Трое гродненских авторов-песенников – Александр Чопчиц, Светлана Ефимик и Юрий Иоффе – участвовали в заключительном концерте III национального фестиваля белорусской песни и поэзии «Минск-95», что уже само по себе является высокой оценкой их творчества.
Но именитые наши мастера тоже не в стороне от ассоциации. На мой взгляд, она как раз аккумулирует лучшие творческие силы.
Кстати, ассоциация создавалась при активном участии Марка Александровича Коппа. Так же активно он помогает сейчас в организации концертов, потому что чувствует себя причастным ко всему, что происходит в музыкальной жизни области. Благодаря инициативе композитора А.Бондаренко камерный оркестр перерос в Гродненскую городскую капеллу, которая покорила не только местную, но и зарубежную публику.
- Я знаю, что другие наши музыкальные коллективы тоже постепенно выходят на мировую сцену.
- Только что вернулся из Австрии и Дании лидский эстрадный ансамбль «Фестиваль» под руководством Владимира Бубена. Во многих странах побывал ансамбль «Белые росы» Гродненской филармонии. Снискал международную популярность гитарист В. Захаров. Есть много других примеров. Но лично я не в восторге от гастрольных поездок наших музыкантов, потому что считаю – больше хорошей музыки должно звучать у нас дома. Только так мы научим людей понимать, любить и ценить музыкальное творчество.
- Наверное, эти надежды вы как педагог связываете и со своими воспитанниками?
- Безусловно. Считаю, что нашими достижениями в музыкальной педагогике можно гордиться. На международном конкурсе юных и молодых композиторов «Надзея-94» представители Гродненщины получили сразу три Гран-при: десятилетняя Динара Мазитова из Лиды за балет «Дюймовочка», двенадцатилетняя Валерия Янковская из Волковыска за оперу «Белая Вишня» и, простите за нескромность, педагог Виталий Родионов. Нам удалось обойти даже Центральную музыкальную школу при Московской консерватории. А ведь международное жюри было весьма представительным, авторитетным и требовательным.
Стремимся чаще приобщать способных детей и подростков к концертной деятельности. Во-первых, чтобы они привыкли к сцене. Во-вторых, выступления перед публикой вдохновляют и побуждают к новым поискам, а значит, способствуют творческому росту. Педагоги же получают возможность выявить наиболее талантливых из учеников, тех, у кого есть все данные, чтобы продолжить образование в Белорусской академии музыки.
А еще я пытаюсь внушить своим ученикам: все в этом мире проходяще, и только искусство вечно. Оно пробуждает эмоции, очищает и облагораживает души, дарит нам неповторимое наслаждение. И потому-то служить ему – счастье.
(Гродненская правда. – 1995. – 22 июля)
ХОЧУ СТАТЬ ЗВЕЗДОЙ
Красивый и мягкий голос Елены Печининой доставляет огромное удовольствие слушателям. Ее имя приобретает широкую известность не только в Гродно, но и далеко за его пределами буквально на наших глазах.
14 сентября состоится авторский вечер певицы в Доме офицеров. В его преддверии мы предлагаем читателям поближе познакомиться с Еленой.
- Что нового услышат почитатели вашего таланта?
- «Большой» концерт – это скорее относиться к большому залу Дома офицеров, в котором я давно мечтала петь. Станет ли этот концерт значительным для моей артистической карьеры – известно Богу. 14 сентября я выйду в несколько ином амплуа: попробую петь под аккомпанемент рояля, может быть, скрипки, флейты. Репетируем увлеченно. Идет поиск оптимальных вариантов. Прежде чем окончательно определить свое лицо, надо попробовать себя в разных обликах.
- В прошлом году вы вели интенсивную концертную деятельность. Были ли у вас незабываемые концерты-озарения? Или пришлось заниматься изнурительной каждодневной работой?
- И то, и другое. Подготовка к концерту идет задолго до афиш. Когда я только начинала работать на сцене, мне казалось: достаточно иметь один обкатанный сценарий концерта, чтобы быть готовой выступить в любое время. На практике получилось иначе. Однажды мне пришлось дать серию концертов в Минске. Все они были очень разные хотя бы потому, что атмосфера концерта – это не только разная аудитория, это ещё и разный психологический климат, смесь разных биополей, в конце концов, разное время года, не говоря уже о моем настроении и самочувствии. Поэтому песни звучат по-разному. И каждый концерт – это новое озарение, новая радость, новые встречи.
- Какие примечательные события произошли в прошлом сезоне?
- Когда-то девочкой с трепетом слушала гитариста Владимира Захарова в зале Дома народного творчества. В январе пела в этом зале сама – сначала для директоров музыкальных школ области, затем для гродненцев. Ездила в Лиду с концертом для бизнесменов. Но самое главное для меня – это первая запись на республиканском радио. Удалось записать 15 лирических песен. 9 сентября будет уже третья передача по белорусскому радио. В конце августа прозвучала получасовая программа из Москвы.
- С чего начиналась ваша творческая биография?
- Мой первый концерт прошел в зале Дворца химиков 18 февраля 1992 года. Никогда не забуду этот день. Спасибо Анатолию Кардабневу – президенту Клуба самодеятельной песни. Тогда он почти насильно вытолкнул меня на сцену. Собрался полный зал, не хватало кресел, люди стояли в дверях! А я с температурой, в полной прострации оказалась на сцене и… поняла, что без этого больше не смогу жить. Через полтора часа я была в бесчувственном состоянии: ноги подкосились, голос пропал – взяла свое болезнь. Но тепло того зала, той напряженной тишины, того внимания и радушия я до сих пор ношу в себе.
- Для кого вы поете? На какую публику ориентируетесь? Есть ли у вас свои почитатели?
- Я пою для всех – «…для всех, кто понимает» (как выразился Булат Окуджава). Я пела для инвалидов-опорников в Минске. И, знаете, кое-кто из них уверял меня, что проходит боль! Я пела для незрячих, среди которых есть немало людей с нарушенной нервной системой. Я пела в тюрьме, где у каждого – минимум по «червонцу».
А поклонники? Я никогда никого не обзваниваю перед концертом или трансляцией по радио и ТВ. Однако после всех этих мероприятий телефон у меня не смолкает. Зачастую звонят совершенно незнакомые люди.
- Как мне кажется, ваше одухотворенное пение вызвало бы восторженный прием у русских эмигрантов, испытывающих острую тоску по родине.
- Меня и моего менеджера приглашает Русский центр Вашингтона. Нужна мелочь: деньги на билеты туда и обратно.
- Есть ли у вас кассеты, клипы? Рассчитываете ли на поддержку меценатов в осуществлении ваших планов?
- Недавно в Гродно зарегистрировано Русское общество. Надеюсь с его помощью записать второй альбом моих песен. Тем более, что во главе «РО» – молодые, обаятельные ребята. Кто ещё «вытащит», как не близкие по духу люди? Хотя, надо признать, мои самые искренние друзья – это белорусы. Одним словом, если кто-то из белорусских меценатов захочет мне помочь – низкий им поклон от русского человека.
- Не страшит ли судьба эстрадной «звезды»? Ведь она так зыбка, так изменчива. Часто популярность артиста зависит от моды и вкусов толпы.
- Судьба «звезды» не страшит. А вот если ею не стану, – это страшно, ведь у меня нет пути назад. Одна журналистка недавно спросила: «Почему вы пишите?». Я ей ответила: «А почему вы едите, почему дышите, почему любите, наконец?».
- Такое у вас призвание?
- Если хотите – да. В одном из моих стихотворений есть строки:
Благославляют небеса
Меня на этот трудный путь.
(Гродненская правда. – 1995. – 2 сентября)
УЗРОСТ ХРЫСТА
“Няўжо цяжка быць добрым?” – гэта радок з верша Уладзіміра Захарава, вядомага гродзенскага гітарыста і кампазітара. Нядаўна яму споўнілася 33 гады. Многа гэта ці мала? Мне, першаму настаўніку Уладзіміра Захарава па складанні музыкі, здаецца, што гэта многа, бо помню яго 15-гадовым юнаком, які толькі пачынаў спасцігаць асновы музычнага мастацтва. Але гэта і мала, калі суаднесці дасягнутае Уладзімірам Захаравым (ён пакуль адзіны лаўрэат міжнародных конкурсаў сярод гітарыстаў Беларусі!) з ягоным узростам.
У ранняй маладосці Валодзя быў паэтычным, удумлівым і ўнутрана безабаронным чалавекам. Акрамя музыкі, ён складаў вершы. Калі служыў у арміі, пісаў пісьмы пра свае пачуцці і перажыванні. Ім валодала мара стаць гітарыстам.
Сёння Уладзімір Захараў – сталы музыкант. Ён знайшоў у сябе сілы пераадолець жыццёвыя перашкоды, зведаўшы нямала гора. І вось перад намі – артыст, улюбёнец публікі, таленавіты педагог і нястомны асветнік!
Аднак, у Захарава ёсць праблемы, якія не даюць працаваць з максімальнай аддачай. Я маю на ўвазе яго кватэрныя ўмовы. Уявіце сабе двухпакаёвую кватэру без выгод і фактычна на тры сям’і! Дзе яму рэпеціраваць? Ці пацікавіўся хто з чыноўнікаў, у якіх умовах жыве не абы-які для Беларусі музыкант? На жаль, у нас мала зважаюць на класічную музыку. Чаму? З-за абывацельскага разумення мастацтва? Ці з-за некампетэнтнасці тых, хто па абавязку службы павінен клапаціцца пра развіццё культуры?
А памагчы Захараву няцяжка: трэба знайсці яму невялікі пакой для заняткаў на інструменце. Выдзяляюць жа ўлады мастакам – вядомым і малавядомым, таленавітым і досыць пасрэдным – майстэрні! Чаму ж не даць такую майстэрню прызнанаму музыканту? Хто ведае, магчыма “куток для гітарыста” станецца выдатнай мясцінай Гродна, кшталту тых памятных мясцін, якія звязаны з імёнамі Максіма Багдановіча і Элізы Ажэшкі.
Балазе, абыякавасць не канчаткова авалодала намі, і сярод нас жывуць добрыя і чулыя людзі. Яны-то і сабраліся ў гродзенскай галерэі “У майстра”, каб выказаць Уладзіміру Захараву сваю ўдзячнасць. У салоне панавала атмасфера радасці. Для прысутных была разыграна музычна-паэтычная кампазіцыя “Час адлёту лісця”. Растрывожылі душу чароўныя песні Алены Пячынінай. Настройвалі на лірычны лад вершы Сяргея Рамашова. Іх дыялог дапаўняла вытанчаная ігра Уладзіміра Захарава. Гэта камернае трыо паэта, аўтара песень і выканаўцы ўразіла аўдыторыю крыштальнай чысцінёй пачуццяў.
Знаходзячыся ў палоне ўзвышаных эмоцый, я разважаў: менавіта ў такіх паэтыка-музычных салонах узнікае новае мастацтва. Варта толькі дадаць да слова, да спеваў, да музыкі сцэнічную ігру, танец, пантаміму, дэкарацыі, святло, як мы наблізімся да абноўленай оперы! Не ў заімшэлых оперных тэатрах і не пры ўдзеле кансерватыўных оперных кампазітараў нараджаецца жыватворны сінтэз мастацтваў! Толькі мастакі з незамутнёнай паэтычнай свядомасцю створаць мастацтва заўтрашняга дня.
Святочны вечар закончыўся. Уладзіміра Захарава павіншавалі з днём нараджэння яго сябры, яго паклоннікі – людзі, чые думкі звернуты да Дабра і Прыгажосці!
(ЛіМ.–1995.–25 лістапада)
1996 год
ЗАВІТАЛІ Ў ЛІДУ
Перад навучэнцамі Лідскага музычнага вучылішча выступілі госці з Мінска – лаўрэат міжнародных конкурсаў кларнетыст Генадзь Забара і лаўрэат Міжнароднага конкурсу імя Чурлёніса піяніст Алег Крымер.
Цікавай аказалася праграма іх канцэрта. Мяркуйце самі: Саната французскага кампазітара ХVІІІ стагоддзя Дэўена і Варыяцыі на тэмы ранніх опер Вердзі нямецкага кампазітара ХІХ ст. Паудэрта, Саната для аперджыоне Шуберта і пяць танцавальных Прэлюдый сучаснага польскага кампазітара Лютаслаўскага. Ансамблевую ігру дапаўнялі сольныя выхады Алега Крымера, які граў Гайдна і Шапэна. На “біс” была выканана п’еса француза мяжы ХІХ-ХХ стст. Дэлюна “Вецер, які плача”. Такім чынам, слухачы пазнаёміліся з цэлым шэрагам аўтараў, якія рэдка гучаць.
Далёка не кожны мае ўяўленне пра аперджыоне. Генадзь Забара расказаў гісторыю вынаходніцтва гэтага дзіўнага гібрыда віяланчэлі і гітары венскім майстрам І.Штауферам у 1823 годзе. Шуберт захапіўся незвычайнымі выяўленчымі магчымасцямі новага інструмента. Для нас жа важная тая акалічнасць, што беларускія музыканты вярнулі да жыцця паўзабытую шубертаўскую музыку.
Дуэт Забары і Крымера ўзнік пяць гадоў таму. У яго складзе – дзве яркія індывідуальнасці. Забару ўласцівы камерная манера ігры, тонкае адчуванне стылю твора, бездакорная філіроўка гуку, бліскучая тэхніка. Крымер – больш імпульсіўны, ён шукае і знаходзіць “энергетычныя кропкі” кампазіцыі. Менавіта ў спалучэнні класічнай стрыманасці першага і рамантычнай парывістасці другога – сакрэт прыцягальнай сілы іх мастацтва.
Пасля канцэрта мы пагутарылі з артыстамі. Сапраўдныя прафесіяналы, яны лічаць сваім абавязкам іграць усюды – у сельскай мясцовасці, у раённым ці абласным цэнтры – і іграць як мага лепш! Не па грошы і не па славу яны едуць у правінцыю. Імі кіруе ідэя служэння мызыцы. Адзін мудры чалавек сказаў: дзе пачынаюцца грошы, там канчаецца мастацтва. Нашы музыкі цалкам падзяляюць гэтую простую думку. Дзе жартам, а дзе ўсур’ёз яны ўдзячныя Богу, што той не зрабіў іх багатымі. Такое маральнае аблічча гэтых разумных і таленавітых людзей!
Назаўтра яны прадоўжылі гастролі па Гродзенскай вобласці…
(ЛіМ. – 1996. – 2 лютага)
ВЕДАЮЦЬ У ЕЎРОПЕ…
На працягу пяці гадоў прыязджаю ў Лідскае музычнае вучылішча, каб даць урокі кампазіцыі. І ўсе пяць гадоў не перастаю здзіўляцца, як наладжаны ў ім вучэбна-выхаваўчы працэс, з якой самааддачай працуюць выкладчыкі. Немалая заслуга ў гэтым належыць дырэктару вучылішча Міхалу Андрэевічу Баяровічу, сапраўднаму энтузіясту музычнай адукацыі.
Я папрасіў Міхаіла Андрэевіча расказаць пра творчыя сувязі Лідскага музычнага вучылішча з замежнымі краінамі.
- Першымі нашымі “ластаўкамі” за мяжой, – адзначыў ён, – былі эстрадны ансамбль “Фестываль”, якім кіруе Уладзімір Бубен, і яго вучаніца Святлана Квач. У 1990 годзе яны ўдзельнічалі ў Міжнародным фестывалі акардэоннай музыкі ў Вільнюсе. Праз год ансамбль выступаў з новай праграмай на рэгіянальным конкурсе ў польскім горадзе Аўгуставе і на Міжнародным фестывалі ў латвійскім горадзе Даўгаўпілсе. У 1992 годзе Беластоцкае радыё прадаставіла магчымасць ансамблю Бубена іграць у прамым эфіры. Канцэрт даваўся не толькі для радыёслухачоў, але і для выбранай публікі, што сабралася ў студыі радыёцэнтра. Лідчане пакарылі аўдыторыю майстэрствам і вытанчаным густам. 1993 год – новы поспех: Уладзімір Бубен і Святлана Квач былі адзначаны дыпломамі на адным з самых аўтарытэтных еўрапейскіх конкурсаў акардэаністаў у горадзе Клінгенталі (Германія). Для баяністаў і акардэаністаў усяго свету гэты конкурс азначае прыблізна тое ж, што для піяністаў Міжнародны конкурс імя Чайкоўскага.
Вось яшчэ адна памятная падзея: Аўстрыя, горад Інсбрук. З 4 па 7 мая 1995 года тут праходзіў ІV Міжнародны фестываль акардэоннай музыкі, на які прыехалі 270 акардэонных аркестраў і ансамбляў з 12 краін. Адзіным прадстаўніком СНД аказаўся лідскі ансамбль. І ён меў гонар выступіць у заключным гала-канцэрце! Пасля Аўстрыі “Фестываль” наведаў не менш шырокамаштабны і цікавы форум у Даніі. Поспехі Уладзіміра Бубена засведчылі ягоны талент – як педагога і выканаўцы. Бубен – гэта практычна адзіны ў рэспубліцы акардэаніст, які канцэртуе на такім высокім узроўні.
- Верагодна, у вучылішчы ёсць і іншыя калектывы, з мастацтвам якіх змаглі пазнаёміцца еўрапейцы?
- Не раз выязджаў за рубеж аркестр беларускіх народных інструментаў пад кіраўніцтвам Алены Сечка. У 1991-1992 гадах ён дэманстраваў сваё майстэрства ў Польшчы. Хутка некаторыя нашы калектывы, а іменна: аркестр беларускіх народных інструментаў, інструментальны ансамбль “Калейдаскоп” (кіраўнік Васіль Сечка) і вакальная група народнага хору (кіраўнік Тамара Харашылава) здзейснілі двухтыднёвае турнэ па Германіі. Іх цёпла прымалі ў Грэвесмюлене, Вісмары, Анкламе, Любеку, Гамбургу.
- Я чуў пра цікавы артыстычны лёс нядаўніх выпускнікоў вучылішча Уладзіміра Нехвядовіча і Валерыя Салькоўскага…
- Закончыўшы наша вучылішча, Нехвядовіч і Салькоўскі прадоўжылі навучанне ў Санкт-Пецярбургскай кансерваторыі. Потым Нехвядовіч перавёўся ў Гановерскую вышэйшую школу музыкі і тэатра. Аднакурснікі вырашылі стварыць рэдкі ансамбль баяна (Нехвядовіч) і гусляў (Салькоўскі). У такім складзе яны пачалі працаваць у Кёльнскай філармоніі. З цягам часу ані аб’ездзілі ўсю Германію. Добра заявілі пра сябе, напрыклад, на прэстыжным фестывалі зямлі Шлезвіг-Гальштэйн. Ім апладзіравалі ў Аўстрыі, Галандыі, Італіі, Францыі. Дуэт атрымаў переканаўчую перамогу на Міжнародным конкурсе ў італьянскім горадзе Кастальфедарда. Нехвядовіч і Салькоўскі заваявалі ІІ месца ў катэгорыі ансамбляў. Адначасова Нехвядовічу было прысуджана ІІІ месца ў катэгорыі салістаў. Пасля конкурсу лаўрэаты далі серыю канцэртаў у Бразіліі і Грэцыі. Цяпер яны жывуць і працуюць у Заходняй Еўропе.
- Не кожнае вучылішча можа пахваліцца такімі гадаванцамі…
- Аднак варта ўспомніць і пра маладых кампазітараў – выхаванцаў вучылішча, якія сталі лаўрэатамі міжнародных конкурсаў маладых кампазітараў “Надзея-92” і “Надзея-93”. Нягледзячы на тое, што конкурс “Надзея” праходзіў у Гродне, нашы пачынаючыя аўтары ўступілі ў барацьбу са сваімі равеснікамі з розных краін. І яны паказалі сябе з лепшага бока. Гаворка пра Ніну Ролік і Яўгена Ларыёнава, якія атрымалі дыпломы лаўрэатаў ІІ і ІІІ ступені. Цяпер яны вучацца на кампазітарскім аддзяленні Беларускай акадэміі музыкі, адпаведна ў Дзмітрыя Смольскага і Яўгена Глебава. Для нас гэта вялікае дасягненне, і між іншым, гэта было б немагчыма без вашых педагагічных намаганняў, Віталь Канстанцінавіч.
- Дзякуй за камплімент!..
(ЛіМ.– 1996. – 29 сакавіка)
ІМЁНЫ МАЛАДЫХ
Аўтарскія канцэрты нашых юных кампазітараў – гэта новая і радасная з’ява ў музычным жыцці Гродзеншчыны. Тыя, каму давялося пабываць на іх, не змогуць забыць святочнай атмасферы, якая пануе ў зале: увачавідкі нараджаецца будучы кампазітар, адбываецца цудоўнае пераўвасабленне звычайнага дзіцяці ў Творцу! Больш таго: вы, як добразычлівы слухач, як сведка чараўніцтва, міжволі робіцеся далучаным да далейшага лёсу таленавітага чалавека. Усё гэта вельмі хвалюе!
Бясспрэчна, пальма першынства ў правядзенні такіх канцэртаў належыць Гродзеншчыне. З вялікім поспехам прайшоў аўтарскі канцэрт 10-гадовай Дзінары Мазітавай у Лідскім Доме культуры. Выконвалася оперная, балетная, інструментальная і вакальная музыка таленавітай дзяўчынкі.
Двойчы выступала з уласнымі творамі 12-гадовая Валерыя Янкоўская ў Ваўкавыску: першы раз – у музычнай школе, другі – у раённым Доме культуры.
Са сваімі вершамі і песнямі пазнаёміў наведвальнікаў Лідскай карціннай галерэі 14-гадовы Дзяніс Лятуноўскі.
А вось яшчэ адно імя. Нядаўна мяне запрасілі на творчую сустрэчу з Сяргеем Калабухіным. Яму – 12 гадоў. Жыве ў вёсцы Бердаўка. Кожны тыдзень прыязджае на ўрокі ў Лідскую музычную школу. Па фартэпіяна займаецца ў Веранікі Швец, пра творчасць якой “ЛіМ” у свой час пісаў. На сваім канцэрце Сяргей сыграў 16 рознахарактарных п’ес. Сярод іх і жанравыя – Полька, Вальс, “Вясёлая песенька”, і ў старадаўнім стылі – Прэлюдыя, Пастараль, Экспромт, і вострахарактарныя абразкі – “Кот”, “Мышынае шэсце”, “Кураняты”, “Кікімара”, “Гном” і іншыя. Бердаўскія дзеці цёпла прынялі музыку свайго таварыша і пажадалі яму ўдала выступіць на Міжнародным конкурсе маладых кампазітараў “Надзея-96”, які пройдзе ў Гродне.
(ЛіМ. – 1996. – 5 красавіка)
“НЕ ХАЧУ ЧЭРПАЦЬ ВАДУ СА СТУДНІ ДЗІРАВЫМ ВЯДРОМ”
Міжнародны конкурс юных кампазітараў імя Максіма Багдановіча “Надзея-96”, што выклікаў у горадзе вялікі розгалас, спарадзіў шэраг пытанньяў. Сёння госьць нашай рэдакцыі Віталь Радзівонаў – старшыня Асацыяцыі кампазітараў Гарадзеншчыны, галоўны “ідэолаг” фестывалю.
- Спадар Радзівонаў, што засталося “за кадрам” фестывальнай праграмы?
- Конкурсу папярэднічаў цэлы год абіваньня парогаў кабінетаў чыноўнікаў розных узроўняў, год абыякавасьці і супраціву з боку бюракратычнага апарату. Наша бюракратыя – гэта сьляпая няўмольная сіла, якую не закрануў сьвежы вецер пераменаў. У асяроддзі самадавольнага мяшчанства ніколі не разгарэцца Божай іскры. Урэшце я прыйшоў да высновы, што няма сэнсу чарпаць ваду са студні дзіравым вядром.
- Тым не менш, конкурс прайшоў пасьпяхова…
- З аднаго боку так. Ні на адным дзіцячым конкурсе ў Эўропе вы не сустрэнеце цэлых пяць балетных спектакляў! Усьцешна, што наш фестываль не схіліўся да эстрадна-джазавых формаў музыцыраваньня, а прадэманстраваў класічны накірунак. Прыкра аднак, што “Надзея-96” зьвялася да спаборніцтва толькі самых юных кампазітараў. Па вяльможнай волі прадстаўнікоў Міністэрства культуры студэнты і асьпіранты кансерваторый апынуліся “за бортам” конкурсу. Яны ня мелі магчымасьці прэтэндаваць на званьне лаўрэатаў. Заганнай памылкай стаў і падзел журы па ўзроставых намінацыях. У выніку ўдзельнікі і педагогі пазбавіліся магчымасьці ўсеагульнага праслухоўваньня і абмену творчымі набыткамі. Сумнеў выклікала і аб’ектыўнасьць ацэнак журы. Нельга было ўводзіць у яго склад прадстаўніка міністэрства культуры – чалавека, які ніколі не пісаў музыкі, не выкладаў кампазіцыю. Атрымалася, што некампетэнтнае меркаваньне ў многіх выпадках было вызначальным.
- Падобныя імпрэзы ладзяцца для адораных таленавітых дзяцей, ці адчуваеце вы задавальненьне ад вынікаў працы?
- Прафесія музычнага педагога – даволі няўдзячная. Неяк я гутарыў з калегамі, і адзін з іх прамовіў, што “дзеці – гэта нашы кветкі”, на што другі дадаў: “Кветкі на нашай магіле”. У апошнім выслоўі крыецца горкі сэнс – многія вучні, дасягнуўшы пэўнага ўзроўню, перастаюць лічыцца з настаўнікамі. Гісторыя музыкі мае шмат падобных прыкладаў. Узяць хаця б удзельнікаў славутай “Магутнай кучкі”, калі яе стваральнік Мілій Балакіраў апынуўся на ўзбочыне, забыты выхаванцамі.
- Параўнайце ўзровень нашых юных талентаў з вудэркіндамі з блізкага замежжа.
- Тое, што гарадзенцы заваявалі аднолькавую колькасьць лаўрэацкіх месцаў з масквічамі, сведчыць пра многае. У нас няма ніякіх падставаў хварэць на комплекс непаўнавартасьці. Іншая рэч, ці дастаткова ашчадна ставімся мы да падрастаючых дараваньняў. Востра стаіць праблема арганізацыі аўтарскіх канцэртаў у прэстыжных залах. Паверце, многія нашыя дзеці (такія, як Дзінара Мазітава, Валерыя Янкоўская, Аня Маркевіч) заслугоўваюць іх. Нядаўна наведаў у Менску канцэрт 9-гадовай Алены Усьпенскай з Расеі. Уявіце, дзесьці знайшліся грошы на цэлы сімфанічны аркестр, першакласных выканаўцаў, вядучага, прэстыжную залу, арганізатары здолелі запрасіць належную публіку: іншаземцаў, дыпламатаў. Між тым, музычная індывідуальнасьць гэтай дзяўчынкі даволі пасрэдная, ідзе, можна сказаць, штучная раскрутка юнай кампазітаркі, што ў галіне класічнай музыкі непрымальна. Але ж нам так патрэбна выявіць сваю беларускую псеўдагасьціннасьць! У той жа час паспрабуйце, напрыклад, наладзіць канцэрт для дзяўчынкі з Ліды ў нашай сталіцы.
- Сумнаватая ў нас атрымліваецца размова.
- Ня ўсё так змрочна. “Надзея-96” удалася перш за ўсё дзякуючы фундатарскай падтрымцы Фонда Сораса. Людзі, што працуюць у яго прадстаўніцтве, цудоўна разумеюць нашы патрэбы, бачаць перспектыву і гатовыя дапамагаць нават у неспрыяльных варунках. Хацеў бы выказаць падзяку і дырэктару Беларускага дзяржаўнага харэаграфічнага каледжу Людміле Каробкінай. Гэта дзякуючы ёй змаглі ўбачыць сьвет на сцэне нашага лялечнага тэатра дзіцячыя балеты. Пакуль ёсьць такія асобы, рукі ў мяне не апусьцяцца.
(Пагоня. – 1996. – 24 траўня)
СМОТР МОЛОДЫХ ИСПОЛНИТЕЛЕЙ
Однажды по городу были расклеены афиши, в которых сообщалось о гастролях американского гитариста в Гродно. Он выступил с бесплатным концертом в Театре кукол и провел открытый урок с учениками музыкальной школы.
Примерно с такой же программой гость из Америки побывал в Минске: сам поиграл, послушал студентов Академии музыки, дал ценные указания педагогам.
При встрече с известным гитаристом Валерием Живалевским, выпускником Гродненского музыкального училища, я спросил, как все-таки играет маэстро. «Да так себе, – последовал ответ, – на уровне нашего третьекурсника». «Позволь! – недоумевал я. – И он гастролирует по всему свету. В таком случае, почему ты, ведущий педагог гитары в республике, лауреат всесоюзного конкурса не выступаешь ни в ближнем, ни в дальнем зарубежье?» Мой собеседник развел руками.
Оказывается: нет денег. Где их взять на проезд, гостиницу, питание, рекламу? Наконец на то, чтобы установить необходимые связи, подобные тем, какие наладил предприимчивый американец с нашим Министерством культуры, по мановению волшебной палочки которого и афиши расклеились, и лучший зал нашелся, и учащиеся собрались.
Но, по-моему, главная беда все же не в деньгах. Беда в другом: мы не желаем замечать собственных достижений в культуре. Нам даже в голову не приходит мысль, что наши студенты могут играть ничуть не хуже многих заморских «светил». Только им надо помочь встать на ноги, найти средства для гастрольных поездок. А это, согласитесь, хлопотно. С иностранцами – проще, да и дешевле они обходятся. Пусть нередко подсовывают нам суррогат, зато – в красивой обертке.
Подлинная культура делается незаметно. Давайте заглянем в лабораторию педагогического процесса.
В Гродненском музыкальном училище состоялось отборочное прослушивание участников республиканского конкурса молодых исполнителей на народных инструментах имени И.И.Жиновича. Свое мастерство продемонстрировали баянисты, аккордеонисты, домристы, балалаечники, гитаристы. При этом каждый из них был неповторим: Александр Антончик – импульсивен, Евгений Кремко – обстоятелен, Наталия Курлович – деликатна, Оксана и Инна Ивашко – вдумчивы, Ларисе Сидорович удавались лирические эпизоды, Татьяну Суворину отличала мягкость звука, Светлана Савина обнаружила внутреннюю культуру, Ирина Ермак искренна в народно-песенной кантилене, а Анна Смолей, напротив, прекрасно чувствует классический стиль, в гитаристах Максиме Гирене, Дмитрии Семове, Дмитрии Щербо и Александре Дылевском заложены прочные основы владения инструментом.
Подробнее надо сказать о тех, кто прошел в следующий тур конкурса. Это домристка Алеся Губарь (преп. Л.Лубовская), аккордеонистка Наталия Дебыш и баянист Валерий Звержевич (преп. С.Игнатович).
Недавно Алеся ездила консультироваться в Белорусскую академию музыки, где ее игру высоко оценили. Меня же привлек ее профессиональный подход к произведению, когда каждая деталь продумана и весома. У Алеси есть чувство формы, она не боится динамических контрастов и обладает блестящей техникой.
Я от всей души порадовался за Наталию Дебыш и Валерия Звержевича, так как в прошлом они занимались композицией у меня. Теперь они предстали в амплуа исполнителей-виртуозов.
Наташа прекрасно сыграла «Арабески» А.Пожарицкого – вещь причудливую и полуфантастическую. Сразу подумал: не потому ли, что в ее собственном «Детском альбоме» была пьеса под названием «Кикимора»? Она добилась убедительности также в Сонате №2 А.Кусякова, привнеся в сложную современную музыку народный элемент. Соната в ее трактовке вдруг зажила, засверкала новыми красками.
Валерий Звержевич всегда удивлял нас своей виртуозностью. Правда, ему часто не хватало выразительных средств для раскрытия композиторского замысла. И вот на наших глазах произошло чудо: в предельно сложной по музыкальному языку Сонате №4 А.Кусякова он вдруг раскрылся как творческая личность, как художник. Появилось концептуальное мышление. На первый план вышло спокойное и мудрое созидание музыки. Эту фактически абстрактную Сонату он «расшифровал» и донес до аудитории. Не погрешу против истины, если скажу, что Звержевич-мастер превзошел Звержевича-виртуоза.
Велика роль педагога в воспитании талантливой молодежи. Благодаря их кропотливому труду учащиеся становятся лауреатами республиканских и международных конкурсов. Не составляют исключение те педагоги, которые подготовили своих учеников к нынешнему конкурсу. Это Ф.Мартынюк, О.Альферович, А.Сазон, М.Дриневский, С.Игнатович, С.Булай, Л.Лубовская, В.Захаров.
(Гродненская правда. – 1996. – 25 апреля)
«ВЕСНЯНКА» ОБНОВЛЯЕТСЯ
Весна – это время надежд, расцвета и обновления. Праздничное настроение испытывали все собравшиеся в зале Гродненского педагогического училища, где состоялось прослушивание концертной программы хора «Веснянка». Авторитетная комиссия в составе заслуженного деятеля культуры, композитора А.К.Шидловского, директора областного методического центра народного творчества, композитора М.А.Коппа, заслуженного деятеля культуры А.С.Чопчица и главного специалиста ОМЦНТ Т.В.Григорян высоко оценила мастерство хора, присвоив ему почетное звание народного коллектива.
В этом году хор стал работать активнее, а его художественный руководитель Ирина Давыденко, несмотря на молодость, обрела черты настоящего профессионала. Ирина Михайловна – взыскательный педагог и талантливый дирижер. Она предана своему делу и коллективу. Петь в «Веснянке» – это честь, которой далеко не каждый учащийся удостаивается. Кроме того, девушки, зачисленные в хор, получили счастливую возможность общаться с обаятельной, утонченной женщиной.
В концерте прозвучали произведения самых разных стилей, жанров и форм. Духовная музыка была представлена такими авторами, как А.Кастальский, П.Чесноков, А.Львов. Значительное место в программе отведено обработке белорусских народных песен. Выразительно были спеты «Рэчанька», «Араў мужык ля дарогі», «Каля майго церама». Не забыты также современные композиторы, среди которых О.Хромушин, В.Рубин, В.Агафонников, А.Николаев. И в каждом произведении дирижер добивается чистоты интонирования и художественной убедительности. Но самое сильное впечатление производит то, что пение девушек отмечено знаком качества и знаком любви – любви Ирины Михайловны к хору, хора – к своему руководителю и всех вместе – к музыке!
Хотелось бы сказать еще об одном участнике хора: концертмейстере В.Н.Таланове – высокообразованном и опытном музыканте. С приходом его в коллектив хор приобрел новый импульс, свежие краски и уверенность. «Наш маэстро», – говорят о нем воспитанницы училища.
Публика горячо аплодировала каждому номеру и искренне радовалась решению комиссии.
(Гродненская правда. – 1996. – 8 июня)
НА ПАЧАТКУ ДАРОГІ…
Аматары музыкі Гродна і Ваўкавыска пазнаёміліся з ігрой маладой піяністкі Марыны Белашук. Яе выканаўчай манеры ўласцівы эмацыянальная адкрытасць, парывістасць. Яна валодае цудоўнай тэхнікай і бездакорным густам. У яе – добрая школа. Адным словам, мы пачулі музыканта вельмі высокага прафесійнага ўзроўню.
Марына нарадзілася ў Гродне. Вучылася ў Гродзенскім музычнай школе. Потым паехала ў Маскву, дзе прадоўжыла адукацыю ў музычным вучылішчы і ў Акадэміі музыкі імя Гнесіных, цяпер удасканальваецца ў асістэнтуры.
Сустрэча з таленавітым чалавекам – гэта амаль заўсёды свята. Але сустрэча з сур’ёзным і ўдумлівым мастаком – гэта ўжо нагода для размовы. Аднак я быў крыху расчараваны нешматслоўнасцю піяністкі. Пэўна ж, у сапраўдных прафесіяналаў свая логіка: яны аддаюць перавагу стварэнню мастацтва, а не гаворцы пра мастацтва.
- Марына, ці не ўспомніце сваю першую сустрэчу з музыкай – гэтую вызначальную для вашага жыцця падзею?
- Вельмі цяжка адказаць. Колькі сябе помню, заўсёды любіла музыку, хоць, вядома, розныя настроі бывалі…
- Многія гады аддадзены вучобе…
- Думаю, што мая ігра ўключае цылы шэраг кампанентаў, унесеных маімі педагогамі. Я адчуваю гарачую ўдзячнасць да ўсіх, хто са мной працаваў. З кожным днём я ўсё ясней пачынаю разумець, як важна здолець навучыцца лепшаму, чым настаўнік валодае.
- Уяўляю, колькі сілы трэба маладому артысту, каб не згубіцца ў велізарнай прасторы такога мегаполіса, як Масква. Ці ёсць у вас апекуны? Да якога музычнага кола вы належыце?
- Пакуль я знаходжуся яшчэ “пад крылом” роднай Акадэміі. І толькі ажыццяўляю першыя спробы пачаць самастойную дзейнасць. На жаль, без саліднага патраната немагчыма колькі-небудзь паспяхова рэалізаваць сябе. Ёсць і ўнутраныя складанасці: дзеля таго, каб удасканальвацца і дасягнуць вяршыняў, трэба шмат працаваць. Таму сіл на барацьбу за існаванне пакуль не хапае. Але надзея жыве.
- Вы іграеце Скарлаці, Баха, Шапэна, Ліста, Равеля, Альбеніса. Ваш рэпертуар досыць шырокі. Ёсць, відаць, і любімыя аўтары?
- Я люблю іграць рамантычную музыку. Хоць лічу для сябе немагчымым цяпер прысвяціць усе сілы аднаму кампазітару або аднаму стылю: монаграфічнасць – гэта не мой падыход. Што да сучаснай музыкі… Яна (выключаючы бясспрэчныя шэдэўры, вядома) здаецца мне хутчэй цікавай, чым захапляючай. Кампазітары сёння не столькі ствараюць, колькі спрабуюць стварыць вялікія творы.
- Дарога да Алімпа выбрукавана камянямі. Тым не менш я веру ў тое, што вас чакаюць прызнанне і вядомасць!
(ЛіМ. – 1996. – 27 верасня)
1997 год
МУЗЫЧНЫЯ ЗОРКІ БЕЛАРУСКАГА НЕБАСХІЛУ
У снежні 1996 года ў Мінску адбыўся І Міжнародны форум творчай моладзі “ХХІ стагоддзе – Музыка Надзеі”. У зале Беларускай дзяржаўнай філармоніі прайшлі два зусім незвычайныя канцэрты.
Першы з іх – гэта гала-канцэрт маладых кампазітараў і выканаўцаў. Ён сабраў лаўрэатаў міжнародных і рэспубліканскіх конкурсаў, стыпендыятаў спецыяльнага фонду Прэзідэнта Рэспублікі Беларусь па падтрымцы таленавітай моладзі.
Юных музыкантаў Гродзеншчыны на гэтым фестывалі прадстаўлялі пераможцы ІV Міжнароднага конкурсу маладых кампазітараў “Надзея-96” Кірыл Кедук (клас Т.Баравік) і Дзінара Мазітава (клас В.Радзівонава). Песні Кірыла прыцягнулі ўвагу слухачоў прастатой і кранальнасцю. Яскравай вобразнасцю і далікатнасцю вылучалася музыка балета “Дзюймовачка” Дзінары Мазітавай, асобныя нумары з якога выканалі навучэнцы Беларускага харэаграфічнага каледжа. 7-гадовы кампазітар і піяніст Фарыд Махмудаў з Масквы (клас Т.Чудавай) зацікавіў усіх. Ён выканаў уласныя творы, прадэманстраваўшы пры гэтым цудоўнае валоданне інструментам. Нельга не ўзгадаць пра Аркадзя Чубрыка і Цімура Шчарбакова з Мінска (клас У.Карэтнікава). Іхнія п’есы адшліфаваныя да найдрабнейшых дэталяў і прагучалі даволі пераканаўчы. Уразіў публіку віртуознай ігрой брэсцкі баяніст Аляксандр Пылік (клас В.Шыманоўскага). Толькі той факт, што Аляксандр пяць разоў быў лаўрэатам самага прэстыжнага ў свеце конкурсу баяністаў у г.Клінгенталі, пераканаўча сведчыць аб ягоным майстэрстве! Ніколькі не саступаў яму ў прафесіяналізме мінчанін Арцём Шышкоў (клас Э.Кучынскага). Зграбнасцю і хараством вылучаліся таксама балерыны Ірына Цымбал і Аста Базавічутэ (клас Г.Сінельнікавай). Карацей, усіх, хто выступіў у першы дзень форуму, пералічыць проста немагчыма.
Навучэнцы Рэспубліканскага ліцэя пры Беларускай акадэміі музыкі правялі канцэрт з сімвалічнай назвай “Музычныя зоркі беларускага небасхілу”. І гэтая назва цалкам апраўдала нашыя чаканні. Далёка не палахлівым выглядаў 10-гадовы скрыпач Алег Яцына (клас Л.Умновай), натхнёна сыграла “Кампанелу” Паганіні цымбалістка Аксана Хахол (клас Я.Гладкова), лёгка пераадольваў складаныя пасажы кларнетыст Яўген Аўсянікаў (клас У.Скараходава).
Асобна трэба адзначыць таленавітага піяніста Івана Сцяпанава (клас А.Гуджылоўскай). У ягоным стылі мыслення яскрава вызначаюцца індывідуальныя рысы. Выконваючы “Карнавал” Р.Шумана, малады піяніст трактаваў гэты твор па-свойму, вылучаючы дзве эмацыйныя сферы: пяшчотная, крохкая лірыка і жорсткае адмаўленне ад яе.
Праграма форуму прадугледжвала выставу юных мастакоў, майстар-класы прафесара Маскоўскай кансерваторыі Таццяны Чудавай, навукова-практычную канферэнцыю. Найстарэйшы беларускі кампазітар Анатоль Васільевіч Багатыроў зрабіў спавешчанне пра методыку выкладання кампазіцыі Рымскага-Корсакава. Ён нагадаў пра цудоўныя традыцыі рускага класічнага мастацтва.
Форум стаў сапраўдным святам дзіцячай і юнацкай творчасці. Хочацца пажадаць усім ягоным удзельнікам новых дасягненняў і новых перамог на конкурсах.
(Культура. – 1997. – 7 студзеня)
КАЛІ ГУЧЫЦЬ АКАРДЭОН…
Акардэон для людзей некалькіх даваенных і пасляваенных пакаленняў – гэта сімвал іхняй маладосці, масавых святаў, сяброўскіх сустрэч і прызнанняў у каханні. Ягоны ўсхваляваны голас гучаў пад небам Парыжа, на Чыстых ставах у Маскве. І сёння ён ўздымае ў нашых душах успаміны пра мінулае шчасце.
Амаль кожны тыдзень чую па радыё акардэаніста з Ліды Уладзіміра Бубна. І кожны раз лаўлю сябе на думцы, што ягоная ігра не страчвае свежасці і прывабнасці.
Нядаўна гэты таленавіты музыкант вярнуўся з італьянскага горада Кастэльфідарда, дзе ён браў удзел у міжнародным конкурсе. Я папрасіў спадара Уладзіміра адказаць на мае пытанні.
- Перадусім дазвольце павіншаваць вас з дыпломамі, атрыманымі на адным з самых прэстыжных конкурсаў. Распавядзіце, калі ласка, пра свае ўражанні.
- Уражанні вельмі яскравыя. Конкурс сабраў выканаўцаў з дзевятнаццаці краін. Ён праводзіцца па розных узроставых групах і розных музычных стылях. Я выступаў у катэгорыях “джаз-саліст” і “джаз-ансамбль” (разам са мною ігралі Анатоль Міцкевіч і Зміцер Карабан).
У конкурсу склаліся даўнія традыцыі. Горад Кастэльфідарда месціцца ў прыгожым куточку правінцыі Анкона. Ён справядліва лічыцца міжнародным цэнтрам вырабу акардэонаў вышэйшага класа. Тут знаходзяцца вядомыя фірмы “Бугары”, “Паола Сапрані”, “Эксэльсіёр”, “Вікторыя” і іншыя.
- Ваш поспех далёка не выпадковы. За апошнія гады вы наведалі большую частку Еўропы. Дзе давялося пабываць?
- Геаграфія маіх вандровак вялікая. Мне пашчасціла ўдзельнічаць у многіх конкурсах і фестывалях. Сярод іх – міжнародныя фестывалі акардэоннай музыкі ў Вільнюсе і Даўгаўпілсе, у дацкіх гарадах Фрыдэрыце і Бінцліфе, у міжнародных конкурсах акардэаністаў у Клінгенталі (Нямеччына), Аўгустуве і Сувалках (Польшча), Інсбруку (Аўстрыя), Капенгагене (Данія). На міжнародным семінары акардэаністаў у Паланзе я выступіў адразу ў трох ролях: як музыкант браў удзел у канцэрце, выступіў з дакладам і правёў майстар-клас. На ХХІ Міжнародным конкурсе акардэаністаў у Кастэльфідарда (Італія) быў узнагароджаны чацвёртай прэміяй. Акрамя гэтага, пяць гадоў таму правёў у прамым эфіры канцэрт у студыі Беластоцкага радыё…
- Унушальны спіс. У калейдаскопе падзей, канцэртаў, прэзентацый былі, напэўна, такія моманты, пра якія вы будзеце ўзгадваць яшчэ неаднойчы. Што асабліва засталося ў памяці?
- Мабыць, гэта маштабныя, я б сказаў, грандыёзныя фестывалі ў Інсбруку і Бінцліфе. У Інсбрук з’ехаліся 270 акардэонных аркестраў, мноства ансамбляў і бясконцая колькасць аматараў акардэона. Увогуле сабралася 10 тысяч музыкантаў. Цудоўная арганізацыя, высокі прафесіяналізм музыкантаў, выстава нот і інструментаў, заключны канцэрт у Алімпійскім комплексе – усё гэта ўражвала. Генеральны спонсар фестывалю, вядомая фірма “Хомер”, стварыла сапраўднае свята акардэона на радзіме вялікага Моцарта.
Ансамбль “Фестываль” – анатоль Міцкевіч (бас-гітара), Дзмітрый Карабан (ударныя інструменты), Уладзімір Рыжэнін (сінтэзатар) і Уладзімір Бубен (акардэон).
На фестывалі ў Бінцліфе панавала такая ж атмасфера. Артыстам і публіцы было аддадзена некалькі вялікіх шатроў, у кожным з якіх было 6 тысяч гледачоў. Мяне здзівіла і ўзрадавала беззаганная акустыка. Штодня з 10 гадзін раніцы і да ночы на сцэну выходзілі салісты, ансамблі, аркестры з Даніі, Швецыі, Нарвегіі. Акардэон у краінах Скандынавіі вельмі папулярны. Людзі з задавальненнем музіцыруюць і ўважліва слухаюць музыку.
- Як развіваецца эстрадная акардэонная музыка на Захадзе? Якія тэндэнцыі вы маглі б адзначыць?
- Іх дзве: аматарскае і прафесійнае эстраднае выкананне. Акардэаністы-аматары іграюць, у асноўным, народную танцавальную музыку. Акардэаністы-прафесіяналы атрымліваюць вышэйшую музычную адукацыю, а потым нібы “перапрафілююцца” ў эстрадны жанр. Іхні кругагляд і кола інтарэсаў значна шырэйшыя. Яны, зазвычвй, дасягаюць значных мастацкіх вынікаў у абранай сферы дзейнасці.
- А на якім узроўні мастацтва ігры на акардэоне на Беларусі?
- Нашы акардэаністы, больш дакладна, баяністы (у Еўропе сучасны баян называюць кнопачным акардэонам), заваёўваюць лаўрэацкія званні на міжнародных конкурсах класічнай музыкі. У нас склалася разнагаліновая сістэма прафесійнага навучання ігры на баяне і акардэоне. Вялікая заслуга ў падрыхтоўцы таленавітай моладзі належыць выкладчыкам кафедры баяна-акардэона Беларускай акадэміі музыкі.
- З чаго складаецца ваш рэпертуар?
- На Беларусі амаль ніхто не стварае музыку для акардэона. Даводзіцца самому рабіць пералажэнні і ствараць п’есы. Шкада, што нашы кампазітары яшчэ не павярнуліся тварам да гэтага інструмента. А спрыяльныя ўмовы для гэтага ёсць. Поспех прыйдзе да таго, хто здольны ствараць цудоўныя мелодыі і хто застаўся ў душы свецкім, галантным чалавекам.
- Раскажыце, калі ласка, пра вашы бліжэйшыя планы.
- Ёсць шмат цікавага музычнага матэрыялу, які з цягам часу ўвойдзе ў мой рэпертуар. Але спачатку трэба вырашыць арганізацыйныя пытанні, бо пасля сямі гадоў актыўнай канцэртнай дзейнасці я не маю, на жаль, неабходных умоў для плённай працы: няма прыстойнай апаратуры, пастаяннага памяшкання для рэпетыцый, адчуваю цяжкасці з арганізацыяй канцэртаў. Нягледзячы на праблемы, мяркую паказаць у Мінску новую праграму. Ёсць запрашэнні і з-за мяжы.
- Вы з’яўляецеся загадчыкам народнага аддзялення Лідскай музычнай вучэльні. Выхоўваеце маладых акардэаністаў, якія затым працягваюць вучобу ў акадэміі музыкі. Кожны год даяце дзесяткі канцэртаў. Як удаецца спалучаць у сабе адміністратара, педагога, артыста?
- Гэта нялёгка. Аднак калі з’яўляецца цікавы праект, укладваеш усе свае здольнасці, творчыя сілы, каб дасягнуць выніку. У кожнага выканаўцы ёсць процьма ўсялякіх здольнасцей. Але часам рукі апускаюцца, калі падумаеш, што зноў трэба ісці “па інстанцыях” і “выбіваць” сродкі для канцэртнай паездкі.
- Тым не менш дасюль вы знаходзілі сродкі? Нехта ж вам дапамагаў? Хто яны – вашыя мецэнаты, вашыя спонсары?
- У першую чаргу трэба назваць старшыню Лідскага гарвыканкама Уладзіміра Міхайлавіча Мальца – кіраўніка, які пастаянна клапоціцца пра развіццё культуры ў нашым горадзе. Павінен выказаць удзячнасць дырэктарам АТЗТ “Піўзавод”, “Еўратара”, ВА “Лакафарба”, “Нафтапрадукты”, “Гарторга”, АТ “Парацець”. Дапамагаюць нам таксама супрацоўнікі Беларускага фонду Сораса.
Без падтрымкі гэтых людзей беларуская эстрадная акардэонная музыка наўрад ці здолела б зрабіць свае першыя крокі на міжнароднай арэне.
- Дзякуй за гутарку. Творчага вам плёну!
(Культура. – 1997. – 28 студзеня)
НА КРЫЛАХ “НАДЗЕІ”
Гэтым іменем мы адзначаем свядомых
людзей, нясушчых сваю свядомасць на
карысць простага народа нават і проці
ўласнага інтарэсу.
Максім Багдановіч
На часопісных старонках сустрэліся два артыкулы сталых аўтараў “Мастацтва”, прысвечаныя адной падзеі – міжнароднаму конкурсу юных кампазітараў “Надзея-96”, які прайшоў летась у Гродне.
Віталь Радзіёнаў, старшыня Асацыяцыі кампазітараў Гродзеншчыны, адзін з арганізатараў конкурсу, засяроджваецца на яго гісторыі, творчых здабытках і перспектывах. Ірына Морых, вядомы педагог з Брэста, якая шмат гадоў практычна займаецца праблемамі музычнага выхавання дзяцей і падлеткаў, акцэнтуе ўвагу на праблемах і недахопах такіх спаборніцтваў. Чыя пазіцыя больш пераконвае, няхай мяркуе чытач. Такім чынам, святло і цені аднаго конкурсу…
Афіны над Нёманам
Конкурс юных кампазітараў “Надзея” нарадзіўся на гродненская зямлі зусім не выпадкова.
Гродна – старажытны горад. На яго ўзгорках выгінаюцца вузкія сярэдневяковыя вулачкі. На яго плошчах глядзяць у неба велічныя касцёлы. З даўняга часу тут склалася спрыяльная атмасфера для творчасці. У Гродне жылі Рыгор Шырма і Юрый Семяняка – два папярэднія старшыні Саюза кампазітараў Беларусі. Гродзенскае музычнае вучылішча заканчвалі Віктар Войцік, Леанід Захлеўны, Мікалай Літвін, Валерый Іваноў, Уладзімір Кандрусевіч – цэлая плеяда кампазітараў сярэдняга пакалення.
Уладальніца Гран-пры ў старэйшай групе Ганна Пасаман (у цэнтры).
Мне выпала роля быць пасрэднікам паміж старэйшым, сярэднім і малодшым пакаленнямі музыкантаў. Добра памятаю той дзень, калі Рыгор Шырма з пахвалой адазваўся пра маю музыку. Высока цаню яго шматганную асветніцкую дзейнасць. Лічу Божым знакам тое, што побач з маім домам знаходзіліся дамы Шырмы і Багдановіча. У асобе Рыгора Раманавіча я бачыў прыклад для пераймання, Максіма Багдановіча шанаваў як таленавітага паэта і, вядома ж, падзвіжніка беларускай нацыянальнай культуры.
Неўзабаве ў мяне з’явіліся вучні. Не аднойчы блукалі па горадзе з юнаком Андрэем Бандарэнкам. Мы ўяўлялі, што Гродна – гэта Афіны над Нёманам: у іх абавязкова пабудуюць оперны тэатр і там будуць ісці напісаныя намі оперы! Праз шмат гадоў Бандарэнка зрабіўся масцітым кампазітарам. Але ён не пакінуў свой родны горад, стварыў Гродзенскую гарадскую капэлу. Зараз піша другую гістарычную оперу. У маштабных палотнах ён увасабляе маральны і духоўны свет нашых далёкіх продкаў.
Вехі станаўлення
Конкурс “Надзея” ўзнік не на пустым месцы. Ён прайшоў значны шлях развіцця, перш чым узняўся да міжнароднага ўзроўню.
Сцэна з балета “Дзікія лебедзі” Валерыі Янкоўскай (Ваўкавыск).
Сцэна з балета “Лясная сюіта” Ц.Шчарбакова ў выкананні навучэнцаў Беларускага харэаграфічнага каледжа.
Вось некаторыя вехі яго станаўлення.
1. Конкурс юных кампазітараў Гродзенскай вобласці (1972 г.). Добра памятаю 10-гадовага Жэню Паплаўскага. Пазней гэты сціплы хлопчык зробіцца маім выхаванцам. Цяпер Яўгена Паплаўскага ведаюць у рэспубліцы як арыгінальнага кампазітара. На працягу шэрага гадоў ён быў вядомы і ў якасці дырэктара тэатральна-канцэртнага аб’яднання “Беларуская капэла”.
2. Конкурс маладых кампазітараў сярод навучэнцаў Гродзенскага музыкальнага вучылішча (1979 г.). Журы ўзначальваў Дзмітрый Камінскі. Пераможцамі аказаліся Ўладзімір Захараў і Валерый Жывалеўскі (курс сачынення музыкі абодва праходзілі ў мяне). Сёння яны – вядучыя беларускія гітарысты, лаўрэаты ўсесаюзных і міжнародных конкурсаў. Часта выступаюць на канцэртнай эстрадзе з уласнымі творамі.
3. Рэспубліканскі конкурс юных і маладых кампазітараў “Надзея-92”. У ліку лаўрэатаў былі Славамір Заранок (педагог К.Цесакоў), Ніна Ролік і Яўген Ларыёнаў (педагог В.Радзіёнаў). У цяперашні час яны паспяхова займаюцца на кампазітарскім аддзяленні Беларускай акадэміі музыкі. Яны трапілі да моцных прафесіяналаў – прафесараў кафедры кампазіцыі Андрэя Мдывані, Дзмітрыя Смольскага, Яўгена Глебава. Конкурс сабраў звыш 30 удзельнікаў, якія сплялі цудоўны вянок Максіму Багдановічу, бо па ўмовах конкурсу кожны павінен быў сачыніць раманс на вершы паэта або прысвяціць яму інструментальны твор.
4. Міжнародны конкурс маладых кампазітараў “Надзея-93”. У Гродна прыехала 45 юных талентаў з Беларусі і Расіі, улічваючы і тыя гарады, дзе жыў Максім Багдановіч. І публіку, і журы літаральна скарыў рознабакова адораны падлетак з Ніжняга Ноўгарада Дзмітрый Тарошын. Аздобіла конкурс дзіцячая опера дзевяцігадовай Дзінары Мазітавай. Гэтую дзяўчынку я знайшоў у Лідзе. Яна пачала сачыняць музыку ў сем гадоў. За два гады напісала дзесяткі фартэпіянных мініяцюр, так што яе опера была натуральным працягам раней назапашанага кампазітарскага вопыту. У аснову оперы пакладзена п’еса Ігага Сідарука “Кветкі пад ліўнем”. Ярка і тэмпераментна выканаў партыю Гандляра заслужаны артыст рэспублікі Міхаіл Жылюк. Грошы на пастаноўку оперы выдзеліў мэр горада Ліды Ўладзімір Міхайлавіч Малец.
5. Міжнародны конкурс маладых кампазітараў “Надзея-94”. Ён сабраў каля 50 чалавек з Беларусі, Украіны і Расіі. Гучалі творы самых розных жанраў і рознага памеру: ад маленькай пьескі да грандыёзнай сімфоніі. Званне лаўрэатаў атрымалі беларусы Валерый Воранаў (педагог Д.Смольскі), Аксана Амяльчук (педагог І.Морых), Аркадзь Чубрык (педагог В.Карэтнікаў). Гран-пры заваяваў аспірант Маскоўскай кансерваторыі Сяргей Галубкоў (педагог Т.Чудава). Ён паказаў сімфонію-канцэрт для аргана, фартэпіяна і сімфанічнага аркестра. Гран-пры былі таксама адзначаны мае вучаніцы Дзінара Мазітава і Валерыя Янкоўская. На гэты раз Дзінара сачыніла балет “Дзюймовачка”. Танцавалі яго вучні Беларускага дзяржаўнага харэаграфічнага каледжа (балетмайстар Г.Сінельнікава). Валерыя Янкоўская вынесла на суд публікі оперу “Белая вішня” паводле п’есы Святланы Клімковіч. Выконвалі оперу вядучыя салісты ДАВТа Беларусі Віктар Чарнабаеў, Тамара Кучынская, Таццяна Варапай, Сяргей Драбышэўскі, Рыгор Паляшчук, Міхаіл Дружына, Уладзімір Пятроў. Абодва спектаклі выклікалі шквал авацый. Фінансаваўся конкурс Беларускім фондам Сораса.
“Надзея-96”
У конкурсе ўдзельнічала 65 чалавек з Беларусі, Украіны, Расіі. У Гродна прыехалі пасланцы 22 гарадоў, сярод якіх Екацерынбург, Тальяці, Яраслаўль, Сімферопаль, Харкаў, Львоў, Мінск, Брэст, Гомель, Наваполацк, Маладзечна, Ліда і інш. Колькасць выканаўцаў конкурсных праграм перавысіла 150 чалавек. Варта адзначыць такія творчыя калектывы, як хор “Крынічка” СШ № 170 г.Мінска, хор Маладзечанскага музычнага вучылішча, цымбальны аркестр Лідскай дзіцячай музычнай школы, харэаграфічныя трупы з Мінска, Масквы, Яраслаўля.
У складзе журы было 11 кампазітараў. Сярод іх можна вылучыць прафесара Маскоўскай кансерваторыі Таццяну Чудаву, дацэнтаў Беларускай акадэміі музыкі Віктара Войціка і Ларысу Мурашку, лаўрэата Дзяржаўнай прэміі Беларусі Андрэя Бандарэнку, старшыню Нацыянальнага абласнога аддзялення Саюза кампазітараў Украіны Багдана Клымчука. Прагучала больш за 200 твораў інструментальнай, вакальнай і харавой музыкі. Цэнтральнае месца па праву занялі пяць дзіцячых балетаў. Чатыры з іх былі пастаўлены на сцэне Гродзенскага лялечнага тэатра.
Дзінара Мазітава сыграла балет “Чарадзейная флейта” (па матывах знакамітай оперы Моцарта). Музыка яго – узвышаная, зграбная, вытанчаная. Складаная філасофская казка ператварылася ў лірычнае апавяданне пра дабро і зло. Шкада, што не давялося ўбачыць балет у яго сцэнічным увасабленні, хоць навучэнцы харэаграфічнага каледжа падрыхтавалі яго раней, чым іншыя балеты. Здарылася прыкрае непаразуменне. Дзінара плакала цэлы тыдзень. Але потым сабралася з духам і самым годным чынам прадставіла публіцы сваю “Чарадзейную флейту”!
Захапіў гледачоў жыццярадасны балет “Лясная сюіта” Цімура Шчарбакова. Пяшчотнымі і кранальнымі мелодыямі захапіў слухачоў балет “Дзікія лебедзі” Валерыі Янкоўскай. Два балеты прывезлі расіяне: “Снежную каралеву” Вольгі Амбросавай і “Маю фантазію” Антона Кузняцова (пра лёс прыгоннай актрысы Парашы Жамчуговай).
Трэба адзначыць, што балеты на музыку Ц.Шчарбакова і В.Янкоўскай паставіла балетмайстар з Санкт-Пецярбурга Вольга Арыніна. Іншыя балетныя спектаклі былі прадстаўлены харэографамі з Масквы і Яраслаўля. Урачыстасць балетных спектакляў доўжылася цэлы вечар! Дзеці і дарослыя захапляліся раскошнымі касцюмамі, грацыяй танцавальных рухаў, шчодрай музычнай фантазіяй юных аўтараў і самой тэатральнай атмасферай у зале! Скажыце, на якім еўрапейскім аглядзе творчай моладзі вы сустрэнеце адразу некалькі балетных пастановак? Гэта яшчэ раз пераконвае ў тым, што конкурс “Надзея-96” быў унікальны і адзіны ў сваім родзе.
З дзевятнаццаці яго лаўрэатаў назаву імёны тых, хто атрымаў Гран-пры і дыпломы першай ступені. У старэйшай узроставай групе Гран-пры ўдастоена Ганна Пасаман (Львоў, педагог М.Валынскі), у малодшай – Цімур Шчарбакоў (Мінск, педагог В.Карэтнікаў). Першае месца занялі: Кірыл Кедук (Гродна, педагог Т.Баравік), Наталля Казакова (Масква, педагог Т.Чудава), Вольга Смаленская (Тальяці, педагог Т.Альшэўская), Яўгеній Старадубцаў (Масква, педагог Т.Чудава), Дзінара Мазітава (Ліда, педагог В.Радзіёнаў), Аляксандра Баркоўская (Мінск, педагог В.Карэтнікаў). Спецыяльная прэмія імя Максіма Багдановіча прысуджана Вользе Воінскай (Маладзечна, педагог А.Атрашкевіч). Калі звярнуць увагу на тое, як лаўрэаты размеркаваліся па рэгіёнах, дык атрымаем наступную карціну: Масква – 5, Гродзенская вобласць – 8, Львоў – 3, Мінск – 2, Екацерынбург, Тальяці, Яраслаўль, Цярнопаль – па 1. Акрэсліваецца яшчэ адна выснова: у жорсткай канкурэнцыі з буйнымі гарадамі не згубілі свайго твару раённыя цэнтры Гродзеншчыны – Ліда, Ваўкавыск, Слонім.
Усім без выключэння ўдзельнікам конкурсу былі ўручаны граматы, медалі, кветкі, сціплыя падарункі. Дыпламанты і лаўрэаты атрымалі грашовыя прэміі ў памеры ад 500 тысяч да 1 мільёна рублёў. Педагогі, чые вучні зрабіліся пераможцамі, таксама былі падтрыманы матэрыяльна.
Фінансаваўся конкурс Міністэрствам культуры Рэспублікі Беларусь і Беларускім фондам Сораса (уклад апошняга ў агульны бюджэт аказаўся вызначальным).
Значэнне конкурсу
Конкурсы “Надзея” спрыяюць пашырэнню сістэмы выкладання кампазіцыі ў рэспубліцы. Расце колькасць гарадоў, дзе музычнай творчасці дзяцей надаецца сур’ёзная ўвага (Брэст, Гомель, Маладзечна, Ліда, Слонім).
Вольга Амбросава (Масква), лаўрэат 3-яй прэміі, аўтар балета “Снежная каралева”.
Валерыя Янкоўская (у цэнтры) з выканаўцамі галоўных партый у балеце “Дзікія лебедзі”.
Лаўрэаты музычнага спаборніцтва ўзмацняюць кантынгент тых, хто паступае на кампазітарскае аддзяленне Акадэміі музыкі, бо яны ўжо маюць значны мастацкі вопыт (Заранок, Ролік, Ларыёнаў, Амяльчук, Даньшова).
Віталь Радзіўнаў з Дзінарай Мазітавай (справа) і Таццянай Пясецкай (Ліда).
Пераможцы конкурсу нярэдка займаюць першыя месцы на аналагічных конкурсах Расіі і Еўропы (Мазітава, Шчарбакоў, Чубрык, Заранок, Воранаў). Яны з поспехам выступаюць у прэстыжных міжнародных праграмах тыпу “Новыя імёны Расіі” (Мазітава, Янкоўская), “Сад Музыкі” (Чубрык, Шчарбакоў). Некаторыя з іх іграюць у канцыртных залах Еўропы (напрыклад, удзельнік “Надзеі-94” Сяргей Хаміцкі паказаў сваю музыку ў Парыжы). Такім чынам, конкурсы “Надзея” сур’ёзна ўмацоўваюць пазіцыі і аўтарытэт беларускай кампазітарскай школы.
“Надзея-96” адкрыла новыя таленты. Зрабіла іх музыку здабыткам грамадскасці. Радыё і тэлебачанне падрыхтавалі шэраг перадач пра вынікі конкурсу. З’явілася рэальная магчымасць выдаваць творы юных аўтараў. Хутка выйдзе з друкарні зборнік фартэпіянных п’ес Дзінары Мазітавай. У Мінску адбылася прэм’ера балета “Лясная сюіта” на музыку Цімура Шчарбакова. Навучэнцы харэаграфічнага каледжа разучваюць балет “Дзюймовачка” Д. Мазітавай. Ёсць планы і ў Дзіцячага музычнага тэатра “Казка” супрацоўнічаць з юнымі кампазітарамі.
Конкурс дазволіў педагогам абмяняцца вопытам, выявіць сучасныя тэндэнцыі ў выкладанні кампазіцыі. Ён пераканаўча даказаў, што дзеці могуць і павінны сачыняць музычныя спектаклі. Пры гэтым яны лягчэй і хутчэй авалодваюць асновамі кампазітарскага пісьма. Напярэдадні ХХІ стагоддзя ў педагогаў карэнным чынам мяняюцца ўяўленні пра тое, як трэба выхоўваць творча адораную моладзь.
“Надзея” выявіла вострую патрэбу ў абагульненні назапашанага педагагічнага вопыту – гэта дазволіць распрацаваць універсальны падручнік па кампазіцыі. У час конкурсу педагогі з розных краін аб’ядналіся ў Міжнародную асацыяцыю выкладчыкаў сачынення музыкі, каб каардынаваць сваю работу ў галіне музычнага выхавання дзяцей і юнацтва.
Споведзь педагога
Іншым разам у мяне цікавяцца: “Навошта табе займацца такой клапатлівай справай, як арганізацыя конкурсаў?” Для большасці людзей відавочнае глупства – кідаць сям’ю і ехаць за сто кіламетраў, каб вучыць чужых дзяцей. Не буду таіць: далёкія вандроўкі на працягу многіх гадоў вымотваюць, забіраюць апошняе здароўе. Тым не менш асветніцкая праца патрабуе ад чалавека самаахвярнасці.
Але галоўная бяда – не ў гэтым. Зневажаюць бясконцыя паходы па кабінетах вялікіх і малых начальнікаў. Даказваеш, што конкурс патрэбен, моліш выдзеліць грошай. Гатовы на калені стаць, каб толькі зрабілі ласку! Наша бюракратыя – гэта высокая сцяна, праз якую не пранік свежы вецер перамен. І нават тады, калі даб’ешся жаданага, калі конкурс дазволяць праводзіць, яго адразу узначаляць так званыя “спецыялісты”, пасля чаго ўсе тваі планы павісаюць у паветры. Цябе апаноўвае роспач! У галаву прыходзіць думка: навошта даставаць ваду з калодзежа дзіравым вядром?
Ды яшчэ ў бяссонныя ночы адольваюць іншыя разважанні. Кожнаму вядома, наколькі няўдзячная прафесія педагога: вучні хутка вырастаюць і неўзабаве забываюць, хто даў ім пуцёўку ў жыццё.
Пасля конкурсу перажываеш перыяд упадку сіл. Ні пра што не хочацца думаць. Даеш сабе слова кінуць усё – адзін раз і назаўсёды. Так доўжыцца да таго часу, пакуль у свядомасці не ўсплыве пытанне: а хто будзе гэта рабіць, калі не ты? Адказу няма. І зноў бярэшся за справу.
Міжнародная Мацартыяна
Пад яе пальчыкамі ўзнікае музыка! Хіба гэта не цуд? У дзевяць гадоў яна сачыніла оперу “Кветкі пад ліўнем”, у дзесяць – балет “Дзюймовачка”, у адзінаццаць – балет “Чарадзейная флейта”. Зараз заканчвае оперу “Чарадзейная флейта”. Мы марым паставіць яе ў Зальцбургу або Вене. Гэта зусім рэальна, таму што такія дзеці, як Дзінара Мазітава, нараджаюцца пад сузор’ем Моцарта і апякуе іх сам Моцарт.
Пасля “Надзеі-96” мае думкі звярнуліся да міжнароднай Мацартыяны.
Новы конкурс адбудзецца ў Мінску. Будзе запрошана сто найбольш таленавітых маладых кампазітараў СНД і Еўропы. Усім ім трэба вытрымаць складаны экзамен: сачыніць твор на тэму Моцарта без фартэпіяна і зымпрывізаваць твор на тэму гэтага кампазітара Ў канцэртнай зале. Оперныя і балетныя спектаклі юных аўтараў таксама павінны быць звязаны з імем аўстрыйскага кампазітара. У выніку ў нас з’явіцца магчымасць параўноўваць музычныя здольнасці сучасных дзяцей з талентам юнага Моцарта.
Дай Божа ажыццявіць задуманае. Агульнымі намаганнямі мы дапаможам выжыць беларускаму мастацтву. Бо калі нашы дзеці сачыняюць цудоўную музыку, значыць у нас яшчэ ёсць надзея на духоўнае адраджэнне народа.
(Мастацтва. – 1997. – № 2)
ПОД СОЗВЕЗДИЕМ МОЦАРТА
Начались занятия по композиции. Моя новая ученица из города Лиды Динара Мазитова всего за год сочинила около ста фортепианных миниатюр, «Лесную сюиту», сюиту «Незнайка его друзья».
Вскоре судьба преподнесла еще один сюрприз: увенчались успехом мои многократные попытки организовать конкурс юных и молодых композиторов. Он состоялся в Гродно, получил символическое название «Надежда». Шел 1992 год…
А мы с Динарой уже ждали «Надежду-93». Нам было чем удивить публику. Девочка написала оперу «Цветы под дождем». Сюжет ее незамысловат: торговец срезал цветы тайком от садовника, чтобы продать их. За это он понес заслуженное наказание. Ведь красота не продается и не покупается! Опера, исполненная на фестивале артистами Академического Большого театра Беларуси, вызвала бурю оваций. Растроганный мэр города Лиды Владимир Малец вручил юной лидчанке специальный приз.
Через год Динара создала новое крупное произведение – балет «Дюймовочка» по мотивам сказки Андерсена. Музыка балета понравилась педагогам и воспитанникам Белорусского колледжа. И вскоре участники «Надежды-94» увидели на конкурсной сцене и крохотную Дюймовочку, и отвратительную Жабу, и слепого Крота, и добрую Ласточку. Не удивительно, что жюри конкурса единодушно присудило автору балета Гран-при.
Творческая фантазия Динары Мазитовой по-прежнему удивляла. Музыка словно лилась из рога изобилия. Какие только образы ни вдохновляли талантливую девочку! К каким только сферам нашего огромного мира ни обращалась она! Это мир растений и животных, мир детей и их веселых игр, мир чувств и переживаний, мир живописи, литературы, театра, кино. И все это красочное многообразие воплощалось в музыке Динары Мазитовой.
Творческая фантазия Динары Мазитовой по-прежнему удивляла. Музыка словно лилась из рога изобилия. Какие только образы ни вдохновляли талантливую девочку! К каким только сферам нашего огромного мира ни обращалась она! Это мир растений и животных, мир детей и их веселых игр, мир чувств и переживаний, мир живописи, литературы, театра, кино. И все это красочное многообразие воплощалось в музыке Динары Мазитовой.
Реальность и мечты у одаренных людей неразделимы. Истинный талант преображает мир, делает жизнь более гармоничной и счастливой. Вот и расцветающая одаренность 12-летней Динары приносит замечательные плоды. Ее пьесы удивляют слушателей яркой образностью. Ее мелодии трогательны и изящны. Ее гармонии просты, хотя среди них встречаются и причудливые аккорды. Ее музыкальные формы лаконичны. А ее творчество в целом наполнено светом, радостью, красотой, отмечено фантазией и вдохновением.
Не так давно Динара стала лауреатом Международного конкурса «Я – композитор» в Санкт-Петербурге и Международного конкурса «Надежда-96». Сейчас она напряженно работает над очередным крупным произведением – оперой «Волшебная флейта». Да-да, именно над той непростой философской сказкой, которая легла в основу последней оперы Моцарта. И в этой перекличке эпох, в этом своеобразном творческом состязании есть что-то глубоко символическое: музыка не умирает, музыка будет жить всегда. И новые таланты будут очаровывать наши сердца своим искусством!
(Беларусь. – 1997. – №3)
СВЕТ ЧИСТОЙ ДУШИ
«В новом замке города Гродно состоялся концерт лауреата международных конкурсов гитариста Дениса Асимовича. Он исполнил классическую, романтическую и современную музыку Фрескобальди, Баха, Соро, Паганини удачно дополняли произведения латиноамериканских композиторов Морелля, Кардоссо, Пиаццолло. Публика восторженно принимала молодого артиста».
За краткой газетной информацией скрывается жизнь человека сложной судьбы. Денис ослеп, когда ему было три года. Теперь он не помнит, как выглядит солнечный свет, зеленая трава, синие васильки, разбежавшиеся по краям пшеничного поля. Он не представляет себе ни ярких звезд на ночном небе, ни ослепительную белизну глубоких сугробов, ни красногрудых снегирей, беззаботно чирикающих возле дома. И сны к Денису приходят не цветные, даже не черно-белые. Когда ему снится мама, он узнает ее по тембру голоса.
В пять лет Денис начал играть на фортепиано. Вскоре переехал в Гродно, чтобы учиться в школе-интернате для слепых детей. Здесь закончил музыкальную студию. Затем произошла встреча с известным в республике гитаристом Владимиром Захаровым. Это событие определило всю его дальнейшую жизнь. Захаров подготовил юношу к вступительным экзаменам в Гродненское музыкальное училище, где он был его преподавателем. С именем Захарова связаны первые успехи Дениса-гитариста: он стал лауреатом областного конкурса «Новые имена» в Гродно, республиканского конкурса им.Жиновича в Витебске, международных конкурсов гитаристов в Кракове и Кринице Горской (Польша). Жюри международного конкурса незрячих музыкантов в Марианских Лазнях (Чехия) по достоинству оценило его мастерство и преподнесло в дар гитару замечательного чешского мастера Чапека.
Особенно тепло принимала Дениса Прага. В этом городе он дал около двадцати концертов. Выступал в испанском посольстве. Участвовал в благотворительной акции «Помощь нашим детям», организованной супругой президента Чехии Вацлава Гавела. Дважды играл по Национальному радио. Знаменитый гитарист Штепан Рак лично пригласил срок обучения на три месяца, причем сделал за свой счет.
Штепан Рак – новатор, который коренным образом изменил взгляд на гитару. Он значительно расширил диапазон ее выразительных средств, произвел буквально революцию в технике извлечения звука. Уже вышло 6 компакт-дисков с его музыкой. Когда слушаешь виртуозную игру Штепана Рака, перед глазами встает фигура неукротимого Паганини: чем был Паганини для скрипки в начале ХІХ века, тем стал Степан Рак для гитары в конце ХХ столетия.
Много сил и времени отдает Штепан Рак педагогике. Он заметил в Денисе творческую личность. Бережно, но без тени миндальничанья развивал его талант. Не раз он давал Денису собственную гитару. Бог знает, сколько тысяч долларов стоящую, для концертных выступлений.
Денис вернулся домой окрыленным. В Праге видели в нем артиста, оказывали знаки уважения. Дома же встретило безразличие. Повсюду неодолимые преграды и скрытая вражда. Серые будни погасили энтузиазм. Разве не досадно, что поступил в Белорусскую академию музыки и, проучившись четыре года, ему так и не удалось дать ни одного большого концерта в Минске? Беларусь значительно отстает от Европы в развитии искусств. Это вполне объяснимо, ибо европейцы начали возделывать свою культурную ниву 250 лет назад. Между тем и в Европе гении с невероятным трудом пробивали себе дорогу: кому не известны трагические страницы жизни Моцарта и Шуберта, какими душевными муками терзались Бетховен и Вагнер? «Несладко» приходилось русским композиторам: Мусоргскому, Чайковскому, Скрябину. Однако все они были востребованы обществом и сделались кумирами не одного поколения людей.
А где наши гении? Кто просвещает наш народ? Много ли публики собирают такие концерты, какой давал Денис в Новом замке? К сожалению, нет. Перед такими, как Денис Асимович, открывается другая перспектива.
Чтобы выяснить характер артистической индивидуальности Дениса Асимовича, вернемся к его концерту в Новом замке. В зале царила абсолютная тишина. Аудитория вслушивалась в голос гитары с затаенным дыханием.
Публика прониклась атмосферой прошлых эпох. Концерт проходил в замке короля Станислава Понятовского. Рядом высился замок Стефана Батория. Несколько столетий назад в их просторных залах звучала почти такая же музыка, какую играл Денис. Строгая гармония произведений Фрескобальди и Баха возвращала во времена величественных соборов и молитвенных гимнов.
Я воспринимал игру Дениса иначе: никак не мог отделаться от ощущения, что нахожусь в темной пещере. Кругом бездна мрака. Но вот кто-то зажигает свечу, и перед глазами вырисовывается чудесный неземной красоты храм. При более пристальном взгляде на Дениса – исполнителя чувствуешь, что его душа излучает внутренний, невидимый свет, который готов вырваться за пределы сумрачной пещеры. Он несет нам Любовь и Веру.
(Гродненская правда. – 1997. – 18 марта)
СВЕТ ГІТАРЫ АДКРЫЕЦЦА КОЖНАМУ…
Проста інфармацыя
У Новым замку горада Гродна адбыўся канцэрт лаўрэата міжнародных конкурсаў гітарыста Дзяніса Асімовіча. Ён выканаў класічную, рамантычную і сучасную музыку. Фрэскабальдзі, Баха, Саро, Паганіні ўдала дапаўнялі творы лацінаамерыканскіх кампазітараў Марэля, Кардосы, Піацола. Публіка захоплена прымала маладога артыста.
Свет гітары адкрыецца кожнаму, хто пачуе яе пяшчотныя гукі, хто ацэніць яе высакародную прыгажосць, хто суаднясе парыванні свайго сэрца з тым радасным гімнам жыцця, які яна творыць з незвачайнай далікатнасцю і вытанчанасцю…
З чаго пачыналася
За кароткай інфармацыяй хаваецца жыццё чалавека складанага лёсу.
Дзяніс страціў зрок, калі яму было тры гады. Цяпер ён не памятае, як выглядае сонечнае святло, зялёная трава, сінія валошкі, якія разбегліся па краях пшанічнага поля. Ён не ўяўляе сабе ні яркіх зорак на начном небе, ні іскрыстую бель глыбокіх сумётаў, ні чырвонагрудых снегіроў, якія бесклапотна чырыкаюць каля дома. І сны да Дзяніса прыходзяць не каляровыя, нават не чорна-белыя. Калі сніцца яму мама, ён пазнае яе па тэмбры голаса.
У пяць гадоў Дзяніс пачаў іграць на фартэпіяна. Затым – вучоба ў гродзенскай школе-інтэрнаце для сляпых дзяцей. Тут закончыў музычную студыю. Сустрэча з вядомым у рэспубліцы гітарыстам Уладзімірам Захаравым вызначыла ўсё далейшае жыццё Дзяніса. Захараў падрыхтаваў юнака да ўступных экзаменаў у Гродзенскае музычнае вучылішча, дзе стаў ягоным выкладчыкам. З імем свайго настаўніка звязвае Дзяніс і першыя поспехі: малады гітарыст хутка стаў лаўрэатам абласнога конкурсу “Новыя імёны” ў Гродне, рэспубліканскага конкурсу імя І. Жыновіча ў Віцебску, міжнародных конкурсаў гітарыстаў у Кракаве і Крыніцы Горскай (Польшча). Журы міжнароднага конкурсу невідушчых музыкантаў у Марыянскіх Лазнях (Чэхія) высока ацаніла ягонае майстэрства і паднесла ў дар гітару цудоўнага чэшскага майстра Чэрніка!
Асабліва цёпла прымала Дзяніса Асімовіча Прага. У гэтым горадзе ён даў каля 20 канцэртаў. Выступаў там у іспанскім пасольстве. Удзельнічаў у дабрачыннай акцыі “Дапамога нашым дзецям”, арганізаванай жонкай прэзідэнта Чэхіі Вацлава Гавела. Двойчы іграл на Нацыянальным радыё. Знакаміты гітарыст Штэпан Рак асабіста запрасіў Дзяніса на стажыроўку ў Пражскую акадэмію мастацтваў. Потым прадоўжыў тэрмін навучання на тры месяцы, прычым зрабіў гэта за свой кошт.
Штэпан Рак
Ці трэба гаварыць, хто такі Штэпан Рак? Гэта наватар, які карэнным чынам змяніў погляд на гітару. Ён значна пашырыў дыяпазон яе выяўленчых сродкаў. Зрабіў літаральна рэвалюцыю ў тэхніцэ здабывання гуку. Ён непераймальны і ні з кім не параўнальны ў трэмала.
Штэпан Рак – яркі і плодны кампазітар. Ужо выйшла 6 кампакт-дыскаў з яго музыкай. Калі слухаеш віртуозную (я сказаў бы, неверагодна віртуозную!) ігру Штэпана Рака, перад вачамі паўстае постаць неўтаймоўнага Паганіні: чым быў Паганіні для скрыпкі ў пачатку ХІХ стагоддзя, тым жа стаў Штэпан Рак для гітары ў канцы стагоддзя ХХ.
Гітара – надзвычай капрызлівы інструмент. Для яе немагчыма стварыць штосьці значнае, не граючы на ёй больш-менш прыстойна. Гітара – інструмент дзёрзкіх. Яна скараецца толькі настойлівым і мужным людзям – такім, як Штэпан Рак!
Шмат сіл і часу аддае ён педагогіцы. Ён заўважыў у Дзянісе творчую асобу. Ашчадна, без ценю міндальнічання развіваў ягоны талент.
Нарэшце, Штэпан Рак – гэта добры і разумны чалавек, інтэлігент да мозга касцей. Не раз ён даваў Дзянісу ўласную гітару (Бог ведае, колькі тысяч долараў яна каштуе!) для канцэртных выступленняў – вось яшчэ адно сведчанне велікадушнасці вялікага музыканта!
Вечныя праблемы
Дзяніс вярнуўся дадому акрылены. У Празе бачылі ў ім артыста, былі шчодрыя на знакі павагі. На радзіме – поўная абыякавасць да чалавека. Паўсюль неадольныя перашкоды і прыхаваная варожасць. Шэрыя будні патушылі энтузіязм маладога музыканта. Ці же крыўдна, што, паступіўшы ў Беларускую акадэмію музыкі і правучыўшыся ў ёй чатыры гады, так і не ўдалося даць ніводнага сольнага канцэрта ў Мінску? Мне незразумела, чаму ў такой прэстыжнай навучальнай установе нікому няма справы да творчага росту таленавітага студэнта.
На здымку: сустрэча ў Празе. Штэпан Рак і Дзяніс Асімовіч.
Сённяшняя Беларусь наогул значна адстае ад Еўропы ў падтрымцы мастацтва. Цяжка сказаць, хто адукоўвае наш народ. А хто наведвае ў Гродне такія канцэрты, які даваў Дзяніс Асімовіч у Новым замку? Ці была там свядомая інтэлігенцыя? На жаль, у яе няма патрэбы атрымліваць асалоду ад музыкі. Тыя, хто лічыць сябе мастацкай элітай, разышліся па цэхах і старанна вымучваюць з сябе натхненне. Ёсць сярод іх такія, што ўжо даўно закасцянелі, ператварыліся ў рамеснікаў, непрыкметна для сябе зрасліся з безаблічнай чыноўнічай масай…
У Новым замку
Каб высветліць характар артыстычнай індывідуальнасці Дзяніса Асімовіча, згадаем ягоны канцэрт у Новым замку.
У зале панавала абсалютная цішыня. Аўдыторыя ўслухоўвалася ў голас гітары з прытоеным дыханнем.
На музыку, якую выконваў Дзяніс, можна было паглядзець з трох пазіцый: гістарычнай, псіхалагічнай, духоўнай.
Публіка праніклася атмасферай мінулых эпох. Канцэрт праходзіў у замку караля Станіслава Панятоўскага. Побач узвышаўся замак караля Стэфана Баторыя. Некалькі стагоддзяў таму ў іх прасторных залах гучала амаль такая ж музыка, якую граў Дзяніс. Строгая гармонія твораў Фрэскабальдзі і Быха вяртала ў часы панавання велічных сабораў і малітоўных гімнаў.
Я ўспрымаў ігру Дзяніса вельмі своеасабліва: ніяк не мог пазбавіцца адчування, што знаходжуся ў цёмнай пячоры. Вакол бездань цемры! Але вось зтосьці запальвае свечку, і перад вачыма вымалёўваюцца тысячагадовыя каменныя рэльефы, са столі звісаюць сталактыты, насустрач ім узыходзяць загадкавыя сталагміты. Я бачу цудоўны, незямной прыгажосці храм! Геніяльныя творы Баха асвятляюцца цёмна-чырвоным полымем Вечнасці. Чалавек ператвараецца ў кропку, у імгненне. А недзе наверсе адыходзяць у нябыт цывілізацыі, дзяржавы, народы!
Пры больш пільным поглядзе на Дзяніса-выканаўцу адчуваеш, што ягоная душа выпраменьвае ўнутранае няўгледнае святло, якое гатова вырвацца за межы змрочнай пячоры. Яно не звязана ні з Гісторыяй, ні з Вечнасцю. Яно нясе нам Любоў і Веру!
У Іосіфа Бродскага ёсць такія вершы:
В замётанной снегом пещере,
своей не предчувствуя роли,
младенец дремал в золотом ореоле
волос, обретавших стремительно навык свеченья…
Так, душа Дзяніса набывае “навык свеченья”. Яна заклікае нас звярнуцца да Бога. Ці не ў гэтым хаваецца сакрэт уздзеяння выканаўчага майстэрства Дзяніса Асімовіча?
(ЛіМ. – 1997. – 9 мая)
МУЗЫКА ПРИНЕМАНСКОГО КРАЯ
Как известно, в Беларуси нет музыкального издательства. Выход в свет нотного сборника – редкое явление. Обычно печатались те композиторы, чья музыка получала широкий общественный резонанс. Остальные же могли только мечтать об этом.
В 1997 году управление культуры облисполкома и областной методический центр народного творчества начали выпускать сборники композиторов Принеманского края.
Сборник «Вяснянка – Беларусь» Евгения Петрашевича содержит 10 песен на стихи Янки Насуты. По духу они близки к народным истокам. В них присутствует местный гродненский колорит. Автор хорошо знает специфику сольного и ансамблевого пения.
«Квітней, радзіма Беларусь», «Верасовая паляна», «Раняе клён лістоту залатую» – сборники Марка Коппа. Его песни написаны на стихи Геннадия Буравкина, Янки Насуты, Владимира Шурпы, Лидии Яловчик и других поэтов. Подкупает их взволнованный лирико-драматический тон. Они просты и сердечны, хотя имеют развитый фортепианный аккомпанемент.
Нельзя пройти мимо детской оперы «Весення сказка», созданной Александром Маркеловым.
Опера поэтична, отличается светлым настроением. В ней немало красивых мелодий. Она нравится детям, которые с удовольствием поют партии необычных героев: среди них Северный ветер, Сугроб, Подснежник, Солнечный луч, Весна.
Хочется надеяться, что на нее обратят внимание руководители детских коллективов.
В будущем ОМЦНТ рассчитывает выпустить сборник фортепианных произведений Вероники Швец, детский балет «Дюймовочка» юного композитора Динары Мазитовой, сборники хоровой, баянной, гитарной музыки.
(Гродненская правда. – 1997. – 15 мая)
С ОТКРЫТЫМ СЕРДЦЕМ
Звуки простой, искренней песни заполнили зал Дворца культуры химиков. Атмосфере взаимопонимания содействовали доверительный рассказ о пережитом, чтение стихов, ответы на записки, поданные из зала, и, конечно же, песня.
Такой была встреча гродненцев с гостем из Минска, лауреатом республиканских и всесоюзных фестивалей самодеятельной песни Михаилом Володиным.
Михаил работает корреспондентом журнала «Рабочая смена», освещает вопросы культуры. Увлекся самодеятельной песней еще в школе. В студенческие годы, активно занимаясь альпинизмом, он не мог не встретиться и с туристской песней.
Творческий портрет Михаила Володина окажется незавершенным, если не вспомнить о его многочисленных концертах в различных уголках страны. В настоящее время Михаил Володин руководит республиканской творческой мастерской самодеятельных авторов.
Концерты Володина были первыми в нынешнем сезоне для городского клуба самодеятельной песни. Впереди встречи с новыми именами. 24 октября КСП приглашает на «Парад авторской песни». Тридцать гродненских авторов и исполнителей, гостей из Минска, Вильнюса, Риги примут в нем участие. А в конце ноября клуб приглашает на концерты известного московского автора Геннадия Гладкова.
(Гродненская правда. – 1997. – 20 октября)
УЗЫХОДЗЯЧАЯ ЗОРКА АРЦЁМА ШЫШКОВА
Пяшчотныя гукі скрыпкі пранікаюць у нас гэтак жа лёгка і свабодна, як водар кветак, як спевы птушак, як шум мора. Яе прыветны голас абуджае ў спакутаванай душы любоў. Яна прымушае адчуваць свяшчэннае трапятанне перад абліччам Стваральніка. Але калі яна распаляецца, то з плынню бліскучых пасажаў адносіць у завоблачны свет асалоды і прыгажосці.
І
Упершыню я пачуў 12-гадовага Арцёма Шышкова на І Міжнародным форуме творчай моладзі, які праходзіў у Мінску. Уразіла ягоная не па-дзіцячы сур’ёзная ігра. Было адчуванне, што на сцэне – сталы музыкант з немалым вопытам канцэртных выступленняў.
Больш падрабязна пра Арцёма і ягонага настаўніка Эдуарда Віктаравіча Кучынскага даведаўся з радыёперадачы. Шчыра парадаваўся іх творчай акрыленасці. І неўзабаве захапіўся ідэяй арганізаваць сольныя канцэрты юнага скрыпача ў Лідзе, Гродне і Мінску. Тым больш, што гэты беларускі хлопчык з дзевяці гадоў выступае за мяжой, а мы – тутэйшая грамадскасць, наша моладзь – незнаёмыя з яго цудоўным мастацтвам. Гэта несправядліва. Было крыўдна за свой народ!
Аднак узніклі непрадбачаныя складанасці.
З раніцы да вечара бегаў па школах, па кабінетах вялікіх і малых начальнікаў. Хацеў з іх дапамогай запрасіць дзяцей на канцэрты Арцёма. На маё здзіўленне, ніхто не гарэў энтузіязмам дапамагчы. Чыноўнікі адмахваліся ад мяне, як ад надакучлівай мухі. Або бездапаможна разводзілі рукамі: маўлям, мы не маем права кагосьці прымушаць ісці на канцэрт. Спасылаліся на адсутнасць залаў, раялі і да т.п. Помню, як адной высокапастаўленай даме даводзіў, што Арцём Шышкоў – надзвычай таленавіты, што ён выступае ў многіх краінах Еўропы, што яму дапамагае сам Уладзімір Співакоў. Яна неўразумела глядзела на мяне і раптам спытала: “А гэты хлопчык-скрыпач на чым будзе іграць: на піяніне?” Вось табе і маеш! Падумаў: “Спатрэбіцца яшчэ 100 гадоў, каб народ стаў цывілізаваным!”
У Гродне абышоў 16 арганізацый, у Мінску – каля 20. Звяртаўся ў Міністэрства культуры, у Адміністрацыю Прэзідэнта. І што ж? Далёка не ўсюды сустракаў нават разуменне. Даводзілася выкладаць усё новыя і новыя аргументы. “Падумайце, – гаварыў сваім субяседнікам, – за грошы, выручаныя ад канцэртаў Арцёма ў Швецыі і Нарвегіі, прайшло курс аздараўлення 900 чарнобыльскіх дзяцей з Беларусі, Расіі і Украіны! Чаму ж мы ў знак удзячнасці не можам арганізаваць яму сольны канцэрт у Мінску?.. Як ён будзе думаць пра Беларусь, калі, барані Бог, пакіне яе?
Часам здавалася, што мая задума нерэальная. Ды ці і трэба траціць столькі сіл і часу на зусім старонняе для цябе дзіця, няхай нават вельмі таленавітае? Але, з другога боку, калі ўрэшце убачыў, як публіка ўстае з месцаў і з захапленнем апладзіруе, - я адчуў сябе шчаслівым: бо не хто іншы, а менавіта сам арганізаваў першыя сольныя канцэрты маладой знакамітасці на радзіме!
ІІ
У Арцёма русыя валасы, светлы твар, блакітныя вочы. Ён негаваркі, не спяшае выказвацца. Але калі бярэ ў рукі скрыпку, душа яго пачынае спяваць з такім пранікненнем, якое адразу скарае. У свой час Мсціслаў Растраповіч пісаў: “Адчуваю інструмент, як жывую істоту. Часам мне здаецца, што я складаю з ім адно цэлае”. І Арцём душою зліваецца са скрыпкай. Ад нячутнага дакранання да струн адбываецца цуд: пяшчотныя гукі закранаюць нашы самыя патаемныя думкі і пачуцці.
Арцём на рэдкасць сціплы. Яму не ўскружылі галаву шматлікія перамогі ў конкурсах, узнагароды, прэміі. Яго святы абавязак – пастаянна ўдасканальвацца. У яго склаліся цудоўныя адносіны з педагогам. Усё гэта дазваляе верыць у шчаслівую будучыню юнага музыканта. Я цалкам згодны з думкай амерыканскага дырыжора Канстанціна Арбеляна, што “гэтага хлопчыка праз два-тры гады будзе ведаць уся Еўропа”.
Ужо цяпер Арцём дасягае значных вынікаў у выкананні класічнай і сучаснай музыкі. У ягоным Моцарце – бестурботная радасць жыцця, у ягоным Чайкоўскім – адухоўленая лірыка, у ягоным Масне – задуменная элегічнасць. У сферы ўзвышаных эмоцый ён магічна дзейнічае на людзей. Дастаткова арыгінальныя трактоўкі твораў розных кампазітараў. Ягоны Вяняўскі – ганарлівы, вытанчаны; ягоны Сарасатэ – драматычны; урыўкі з балета Пракоф’ева “Рамэо і Джульета” сведчаць пра наяўнасць у выканаўцы тонкага пачуцця стылю, а п’еса Крола “Банджо і скрыпка” – маладой весялосці і гумару. Пры гэтым у кожным творы Арцём імкнецца да класічнай завершанасці, да гармоніі і прыгажосці. І ў гэтым ён суладны з Валерыям Клімавым ды Уладзімірам Співаковым. Лічу, што ўсе трое – і Клімаў, і Співакоў, і Арцём Шышкоў (не пабаюся паставіць яго імя побач з імёнамі славутых артыстаў!) – адносяцца да светланоснай апалонавай галіны скрыпічнай школы.
Што датычыць знешніх абставін жыцця Арцёма, то яны такія ж адметныя, як і яго ўнутраны свет.
У сакавіку Арцёму споўнілася 13 гадоў. Перайшоў у 8 клас Рэспубліканскага ліцэя пры Беларускай акадэміі музыкі. Двойчы станавіўся лаўрэатам міжнародных конкурсаў: заняў І месца на конкурсе імя Яна Кацыяна (Чэхія) і ІІ месца на конкурсе імя Баліса Дварыёнаса (Літва). На конкурсе ў Класцер Шанталь (Германія) выйшаў на ІV месца (трэцяе не прысуджалася, нягледзячы на тое, што конкурс быў прадстаўнічы і сабаў скрыпачоў з 20 краінаў свету).
Арцём – стыпендыят Спецыяльнага фонду Прэзідэнта Рэспублікі Беларусь па падтрымцы творчай моладзі і Міжнароднай праграмы “Новыя імёны” (ягонае імя занесена ў Залатую кнігу “ХХ стагоддзе – ХХІ”). А яшчэ ён – стыпендыят фонду Співакова. Не раз сустракаўся з маэстра, бачыць у ім свайго куміра. З дапамогай фонду Співакова была набыта скрыпка, на якой цяпер іграе юны беларускі музыкант.
У 1996 годзе выступаў з Маскоўскім камерным аркестрам у краінах Скандынавіі. Паўсюль яго прымалі захоплена. Вывешваліся транспаранты са словамі: “Прывітанне, Арцём”. Выходзілі газеты з ягонымі фотаздымкамі на першых старонках. Запісваліся відэакасеты, каб аматары музыкі маглі паслухаць ягоную ігру ў сябе дома. Шведы нават сабралі грошы на набыццё прыстойнай скрыпкі для таленавітага юнака. У суправаджальным пісьме сказана: “Сабраныя грошы – гэта дарунак народа Швецыі для набыцця інструмента, дастойнага ягонага таленту”. Арцём даў тады 15 канцэртаў, пасля чаго атрымаў заказ яшчэ на 16. У гэтым годзе гасцінныя шведы зноў запрасілі выступіць з серыяй канцэртаў. Сёлетняя восень для яго – гэта таксама турнэ па Германіі і, верагодна, па Іспаніі.
ІІІ
У таленавітага вучня павінен быць як мінімум таленавіты педагог. У маіх вачах Эдуард Віктаравіч Кучынскі – педагог выбітны! Акрамя Арцёма, у яго ёсць яшчэ некалькі цудоўных вучняў. Даўно не пачатковец у канцэртным жыцці ягоная вучаніца лаўрэат Міжнароднага конкурсу Лідзія Дабржынец. Мне давялося таксама слухаць ігру 10-гадовай Каці Дзяругі, якая ўпэўнена выканала Санату Гендэля і Канцэрт Вяняўскага. Яе здольнасці адзначыў мітрапаліт Філарэт, выдаткаваўшы сродкі на пакупку скрыпкі.
Эдуард Кучынскі займаўся ў Малдаўскай кансерваторыі разым з Юрыем Цемірканавым, Марыяй Біешу, Яўгенам Догам. Яны належалі да слаўнай плеяды шасцідзесятнікаў, якія ўзнялі мастацтва на новую вышыню. За плячамі Эдуарда Віктаравіча 41 год музыканцкага стажу: ладная частка аддадзена працы ў аркестры, дзе быў канцэртмайстрам і дырыжорам, шмат гадоў прысвечана педагогіцы. Дык ці не стаўся падмуркам яго багаты вопыт працы з аркестрам для дасягненняў у выкананні? Натуральна, што чалавек, які мае тры амплуа ў прафесіі, дасць больш сваім вучням, чым прадугледжана праграмай. Ён мысліць шырока і перспектыўна. Для яго важна, каб вучань быў гарманічна развіты. Невыпадкова Кучынскі мае намер у бліжэйшы час навучаць Арцёма дырыжорскаму майстэрству. І, вядома, зусім не выпадкова Арцём марыць (як ён аднойчы сказаў на адным з канцэртаў!) мець, як у Співакова, свой аркестр і дырыжыраваць ім!
Педагог адкрывае перспектыву вучню, вучань увасабляе задуманае педагогам у жыццё.
(ЛіМ. – 1997. – 24 кастрычніка)
“ЧАРОЎНАЯ ФЛЕЙТА” – СКОНЧАНА…
Дзінары Мазітавай – усяго трынаццаць гадоў. Яна вучыцца ў сёмым класе Дзіцячай музыкальная школы горада Ліды. Але гэтая унікальная дзяўчынка, надзеленая здольнасцю сачыняць музыку, ужо паспела стаць лаўрэатам некалькіх міжнародных конкурсаў маладых кампазітараў. Сярод іх – конкурсы “Надзея-94” і “Надзея-96” у Гродне і конкурс “Я – кампазітар” у Санкт-Пецярбургу. Дзінара – стыпендыят спецыяльнага фонду Прэзідэнта Рэспублікі Беларусь па падтрымцы творчай моладзі.
Аўтар оперы “Чароўная флейта” – трынаццацігадовая дзяўчынка з Ліды Дзінара Мазітава.
Ужо шмат гадоў педагогам Дзінары па кампазіцыі з’яўляецца Віталь Канстанцінавіч Радзіёнаў, выкладчык Гродзенскага і Лідскага музычных вучылішчаў, старшыня Асацыяцыі кампазітараў Гродзеншчыны. Падставай для размовы з настаўнікам пра яго незвычайную вучаніцу (дарэчы, ім і адкрытую) з’явілася тая акалічнасць, што сёлета дзяўчынка закончыла напісанне оперы “Чароўная флейта”.
З В. Радзіёнавым гутарыць наш карэспандэнт.
- Назва “Чароўная флейта” нязменна асацыіруецца ў аматараў музыкі і прафесіяналаў з імем Моцарта, які напісаў такую ж оперу больш як дзвесце гадоў таму. Ці не рызыкоўна брацца за тую ж тэму і даваць твору тую ж назву? Параўнанні, сапастаўленні так ці інакш, але будуць узнікаць, нават міжволі…
- Опера Дзінары Мазітавай “Чароўная флейта” мае два дзеянні, чатырнаццаць карцін. Узяўшы за аснову вядомае лібрэта Шыканедэра, які супрацоўнічаў з Моцартам, я зрабіў яго новую рэдакцыю. Опера напісана на працягу года. Раней Дзінарай быў створаны балет “Чароўная флейта”, за які ана атрымала званне лаўрэата на міжнародным конкурсе маладых кампазітараў “Надзея-96” у Гродне. На музычным матэрыяле балета нараджалася аднайменная опера. Гэта метад працы, калі спачатку кожны вобраз атрымлівае яркую музычную характарыстыку, а потым на яе аснове будуюцца ўзаемаадносіны герояў і музычная драматургія оперы. Яго я актыўна выкарыстоўваю і ў дачыненні да іншых сваіх выхаванцаў, ён асабліва перспектыўны для юных кампазітараў.
- Раскажыце крыху больш падрабязна пра саму оперу, яе асаблівасці, структуру…
- Працягласць гучання музыкі Дзінары – паўтары гадзіны. У аднайменнай оперы Моцарта ўсе дыялогі герояў ідуць як размоўныя – у клавіры пазначаны толькі тэкст. У Дзінары яны пакладзены на музыку, такім чынам опера выглядае як суцэльны музычны тэкст. У дзеянне натуральна ўвайшла сцэна балю, якая адсутнічае ў Моцарта. Яна крыху змяняе ідэйную скіраванасць твора (баль адбываецца не ў храме Зараста, а ў яго палацы, што надае оперы больш свецкі характар). Музычныя формы – лаканічныя; арыі блізкія да арыёза. Ёсць разгорнутыя арыі (напрыклад, арыя Папагена ў фінальнай карціне падзелена на часткі).
- Што б вы маглі сказаць пра музычную мову новага твора?
- Яна неаднародная. У ёй увасоблены розныя стылі – класічны (Моцарт), рамантычны (Шапэн, Чайкоўскі) і сучасны (атанальны). На маю думку, опера вылучаецца яркай вобразнасцю музыкі. Маляўніча адлюстраваны з’явы прыроды (маланка, землятрус, вадаспад, полымя). Музычныя характарыстыкі герояў індывідуальныя і пераканаўчыя. Гэта датычыць Папагена і трох дам, трох хлопчыкаў, вобразаў Жрацоў. Музычныя партрэты Цырыцы ночы, Паміны, Манастаса адзначаны тонкім псіхалагізмам. Асобныя вобразы дадзены ў інтанацыйным і фактурным развіцці (напрыклад, партыя Папагена).
Наогул музычныя фактуры твора вельмі разнастайныя. З развіццём сюжэта ідзе інтэнсіўная змена фактуры. Рэдка сустракаецца пасіўнае дубляванне вакальнай і фартэпіяннай партый. Цікава, што танальны план оперы распрацаваны ў адпаведнасці з задумай, і кожная група герояў мае ўласную танальную сферу.
- У музыканцім асяроддзі, асабліва кампазітарскім, неаднойчы даводзілася чуць скептычныя меркаванні адносна таго, ці могуць дзеці, падлеткі, няхай сабе і музычна адораныя, сачыніць сапраўдную оперу ці балет. Што вы маглі б сказаць наконт гэтага?
- Такія думкі даводзілася чуць і мне. Кансерватыўна настроеныя людзі сцвярджаюць, што паколькі дзеці не ведаюць законаў опернай драматургіі, дык менавіта таму іхнія оперы і балеты далёкія ад дасканаласці і не заслугоўваюць грамадскай увагі.
Каб адказаць на крытыку, варта прыняць пад увагу дзве акалічнасці.
Па-першае, давайце запытаем сябе: ці былі дасканалыя першыя оперы Моцарта і Пракоф’ева? Ці дасканалая ў іх оперная драматургія? А можа, нашы гора-крытыкі самі напісалі непераўзыдзеныя і дасканалыя оперныя творы?
Па-другое, для мяне як педагога сачыненне опер і балетаў – гэта найперш навучальны працэс. Мая задача – навучыць, падказаць, дапамагчы дзецям сачыняць цікавую музыку на прыкладзе простых музычных форм, якія потым аб’ядноўваюцца ў буйное опернае палатно. Я вельмі хачу захапіць сваіх вучняў уласнай даўняй любоўю да оперы, каб яны і надалей пісалі оперную музыку. Усё астатняе для мяне – неістотнае. І недахопы, якія сустракаюцца ў операх юных аўтараў, і часам негатыўныя водгукі прэсы, і пастаноўкі, якіх чакаеш, але якія прыносяць часцей расчараванне, і рэакцыя публікі… Я вучу дзяцей таму, што трэба сачыняць музыку высокага кшталту і часам не звяртаць увагі на публіку, чые густы і захапленні вельмі пераменлівыя. А сапраўднае мастацтва – вечнае…
- Наступнае пытанне: ці ёсць хоць нейкая магчымасць у гэтага твора быць пастаўленым? Каб ён не заставаўся толькі запісаным на касеце, а зрабіўся набыткам грамадскасці…
- Было б цудоўна паставіць оперу 13-гадовай Дзінары Мазітавай у Нацыянальным акадэмічным тэатры оперы. Бо там ужо ёсць гатовыя касцюмы і дэкарацыі, зробленыя ў свой час для пастаноўкі оперы Моцарта “Чароўная флейта”.
- Ведаю, што і ў галоўнага дырыжора тэатра А.Анісімава, і ў дырыжора В.Чарнухі склалася добрае ўражанне пасля знаёмства з нотным матэрыялам…
- Так. Трэба думаць, што спектакль, калі ён будзе пастаўлены, атрымае вялікі грамадскі рэзананс як у нашай краіне, так і за яе межамі. Успомнім, што калі 12-гадовы Моцарт прыехаў у Вену, дык пацярпеў няўдачу ў спробах паставіць сваю першую оперу. Хоць аўстрыйскі імператар прыняў яго цёпла і абяцаў усялякую дапамогу. І таму ёсць шанс паставіцца да нашага беларускага цуда-дзіцяці так, як гэта б зрабілі ў кожнай цывілізаванай краіне.
Нас з Дзінарай вабіць дзёрзкая мара – паставіць “Чароўную флейту” ў Вене, у тым тэатры, дзе прайшла прэм’ера “Чароўнай флейты” Моцарта.
- Няхай усе вашы самыя смелыя мары збудуцца…
(Мастацтва. – 1997. – № 12)
1998 год
ПЕРАСТВАРАЛЬНЫ ТАЛЕНТ
Не прыгадаю, каб сучасная беларуская музыка калі-небудзь выклікала буру авацый, воклічы “брава!” і слёзы на вачах. Але так было на канцэртах лаўрэата міжнароднага конкурсу Алега Крымера ў Гродне і Лідзе.
Пра што гэта гаворыць?
Перш за ўсё пра тое, што музычнае мастацтва Беларусі зноў перажывае росквіт: у нас з’явіліся кампазітары, здольныя хваляваць слухачоў, выканаўцы, якія дасягнулі вышыняў прафесіяналізму, і публіка, якая разумее складаныя творы. Гэта гаворыць таксама пра тое, што мы можам (калі, вядома, пастараемся) арганізаваць элітарныя канцэрты для людзей з самымі вытанчанымі густамі.
Піяніст Алег Крымер даўно прапагандуе беларускую музыку. І дамагаецца бліскучых вынікаў! У кожным творы ён знаходзіць штосьці адметнае, непаўторнае.
Саната Вячаслава Кузняцова бездакорная па форме. Яна прасякнута крохкімі і чыстымі эмоцыямі – свежасцю ландышаў, пакрытых кропелькамі ранішняй расы.
Журботнай лірыкай напоўнена Прэлюдыя Ігара Паліводы. Створаная літаральна за месяц да смерці кампазітара, гучыць як ягоная “лебядзіная песня”.
Глыбінёй і маштабнасцю задумы вылучаецца фартэпіянны цыкл “Сузор’і Задыяка” Веранікі Швец. У касмічным кругазвароце мільгаюць канфігурацыі зорак. Міжволі суадносіш свой Знак з яго музычным увасабленнем. Меў рацыю Кант, які сцвярджаў, што ў свеце ёсць толькі дзве неаспрэчныя рэчы: маральны закон у нас саміх і зорнае неба над намі!
Зусім іншыя пачуцці занатаваныя ў “Вячэряй сюіце” Галіны Гарэлавай. Радаснае шчабятанне птушак змяняецца залацістым захадам сонца. Прырода засынае ў шчаслівым спакоі.
Саната-Сарабанда Алега Соніна мае эпіграф: “Усім загінуўшым – Дарослым і Дзецям на пароме “Эстонія” 28 верасня 1994 года ў халодным Балтыйскім моры недзе паміж Хельсінкі і Стакгольмам”. Самой тэмай быў прадыктаваны выбар адпаведных сродкаў выяўлення. У маналітнай драматычнай канструкцыі аўтара няма нічога малазначнага і выпадковага. Безумоўна, кожнаму, хто слухаў гэтую музыку, па-свойму бачылася карціна бедства: хтосьці бачыў з вышыні палёту, як знікаюць у водавароце асобныя целы, сплеценыя ў апошніх абдымках; хтосьці нібыта на сабе адчуў шматметровую тоўшчу вады; у чыіхсьці вачах успыхнула яркае святло выбухнулага Сусвету. Ніхто з прысутных не застаўся абыякавым да пахавальнай Санаты-Сарабанды таленавітага кампазітара.
Праграма канцэрта А.Крымера старанна прадумана. Можна ўгледзець сіметрыю ў яе вобразнай сферы: зямля – космас – зямля. К канцу праграмы ўзрастае адчуванне трагедыйнасці.
Для яго далёка не ўсё адно, якую музыку іграць. Ён адрознівае, дзе сапраўднае мастацтва, а дзе – рамяство. У простым – выяўляе прыхаваныя магчымасці, у складаным – унутраны сэнс. Дамагаецца яснасці і пераканаўчасці інтэрпрэтацыі. Часам кампазітары… не пазнаюць свае сачыненні, пераўтвораныя фантазіяй піяніста (не дарэмна ж ён вывучаў кампазіцыю ў маладыя гады!). Піяніст-майстар і піяніст-мастак – так я вызначыў бы творчую індывідуальнасць Алега Крымера. Артыст шмат канцэртуе. Паспяхова выконвае і сучасную, і класічную музыку. Плённа працуе ў педагогіцы – выхаваў некалькі лаўрэатаў рэспубліканскіх і міжнародных конкурсаў. У ім пульсуе жылка арганізатара – па запрашэнні Крымера прыязджалі з канцэртамі ў Брэст карыфеі савецкага піянізму Мільштэйн, Башкіраў, Малінін, Мяржанаў, Вядзернікаў, Васкрасенскі.
Цэласная і самапаглыбленая, але актыўная натура Алега Крымера шукае самавыяўлення ў розных галінах музычнай дзейнасці. Пры гэтым з людзьмі ён просты і далікатны, не пакутуе на амбітнасць – не любіць гучных слоў, не ганяецца за славай. Проста – змяняе жыццё вакол сябе непрыкметнай падзвіжніцкай працай.
(ЛіМ. – 1998. – 27 лютага)
НЕ ДАЙЦЕ ШЛЯГЕРУ НАСТУПІЦЬ НА ГОРЛА ПЕСНІ…
Імя Аляксандра Чопчыца ўжо даўно вядома аматарам музыкі. Яго песні трывожаць душу, вымушаюць задумацца пра наш складаны час. Лепшыя з іх вылучаюцца высокім пачуццём грамадзянскасці.
Значнай з’явай у культурным жыцці Гродзеншчыны стаў зборнік песень Аляксандра Чопчыца, які быў падрыхтаваны і выдадзены Гродзенскім абласным метадычным цэнтрам народнай творчасці. У зборнік увайшло дзесяць песень на вершы Янкі Купалы, Максіма Багдановіча, Адама Русака, Генадзя Бураўкіна, Аляксандра Раманава, Уладзіміра Харытонава, Юнны Морыц, Роберта Бернса. Прадстаўленыя песні разнастайныя па характару: лірычныя, эпічныя, драматычныя, жартоўныя. Ім уласцівы ўзрушаны рамантычны тон. Яны меладычныя, лёгка запамінаюцца. Да таго ж адрозніваецца асаблівай выразнасцю іх фартэпіянны акампанемент. Найбольшую папулярнасць набылі ў слухачоў такія песні, як “Гародня” (сл. А.Раманава), “Люблю лугі квяцістыя” (сл. А.Русака), “Краю мой родны” (сл. М.Багдановіча), “Беларусь маладая” (сл. Я.Купалы). Не выклікае сумнення мастацкая каштоўнасць творчасці Чопчыца.
Прыемна, што гродзенскія кампазітары не збіваюцца на слізкі шлях стварэння шлягераў, песень-пустышак. У адрозненне ад шматлікіх “мэтраў” эстрады, яны не робяць кар’еры з дзвюх-трох аднадзёнак, не ўзбагачаюцца на танным песенным тавары. Праблема у іншым: прыязджае гэткі напалеон з Мінску ў правінцыю з якой-небудзь “Зорнай ростанню” і пачынае камандаваць: “Не, сябры, вашыя песні і вашыя фанаграмы нікуды не вартыя. Спявайце мае песні ці песні маіх калегаў”. Не так даўно яшчэ лапці плёў! А цяпер, бачыце вы яго, – самазадаволены і фанабэрысты “геній”, даймае правінцыялаў, каб тыя галаву не падымалі. Міжволі ўзнікае пытанне: ці ёсць карысць ад шматлікіх рэспубліканскіх “эстрадных каруселяў”? Ці не занадта мы марнатраўныя, калі выкідваем народныя сродкі на вецер?
На Гродзеншчыне здаўна склаліся музычныя традыцыі. На жаль, нашых “апекуноў” таленавітых выканаўцаў не цікавяць культурныя асаблівасці рэгіёнаў. Аднак ім належала б больш уважліва адносіцца да творчасці мясцовых аўтараў. Культура – гэта агульны набытак, у тым ліку песні, што напісаныя ў абласных і раённых цэнтрах. Калі шлягер наступіць на горла Песні, позна будзе казаць пра нацыянальную культуру.
(Пагоня. – 1998. – 5 лістапада)
“СВЕЦКАЯ ВЫТАНЧАНАСЦЬ”
(маладым кампазітарам)
У кароткіх выказваннях пра оперу я паспрабаваў вынайсці формулу гэтага складанага жанру. Хацелася таксама звярнуць увагу кампазітарскай моладзі на оперу, бо ў нас гранічна рэдка задумваюцца пра яе будучыню.
Опера мацней за які-небудзь іншы тэатральны жанр уздзейнічае на чалавека.
Опера – гэта цудоўная казка пачуццяў і душэўных памкненняў.
Опера зачароўвае “прыгожай маной”, “узвышаным падманам” – тым, што нагадвае нам пра шчасце.
Опера дорыць мару і надзею.
У аснове оперы закладзены унікальны сінтэз жыцця і мастацтва.
Спецыфіка опернага спектакля патрабуе, каб музыка пераважала над драмай, а эмоцыі – над сэнсам.
Сцэнічная ігра, дэкарацыі, касцюмы дапамагаюць асэнсоўваць музычную драматургію оперы.
Сімфанізм оперы насычаны яскравымі вобразамі.
Лепшыя оперныя арыі – крыніцы святла і дабрыні – ніколі не вянуць.
Опера – гэта жыццё, упрыгожанае суквеццем мастацтваў.
Оперу любіць той, у каго палкае сэрца.
Без шырокай аўдыторыі опера ператвараецца ў рэдкі экспанат для кунсткамеры.
Оперы, як паветра, патрэбныя багатыя фундатары і страсныя паклоннікі.
Залаты век оперы надыходзіць тады, калі на яе сцэне зіхацяць славутыя спевакі.
Не зрабіўшыся сумленнем народа, оперны кампазітар не здолее напісаць вялікі нацыянальны твор.
Опера – гэта перамога генія, ягоны энтузіязм, ягоная невычэрпная прага ствараць Хараство.
Опера ўпрыгожвае і сагравае жыццё.
Опера робіць пачуцці высакароднымі.
Опера прываблівае свецкай вытанчанасцю.
Опера кліча ў шчаслівую будучыню.
Як опера ставіцца да сваіх творцаў? Яна іх ацэньвае па-рознаму:
Моцарт – вытанчаны,
Гайдн – немудрагелісты,
Бетховен – валявы і пераканальны,
Расіні – улюбёнец лёсу: купаецца ў кветках і шампанскім,
Беліні – пяшчотны, чароўны рамантык,
Даніцэці – у любоўных пакутах гатовы плакаць,
Вердзі – з ім заўсёды весела і лёгка,
Пучыні – усхваляваны, страсны,
Меербер – палымяны,
Гуно – захоплівае пранікнёнай лірыкай,
Бізэ – жыццялюбівы, святочны,
Вебер – настойліва вядзе ад бязвоблачнай ідыліі да трагедыі,
Вагнер – глыбокая, усеабдымная натура,
Глінка – яго рухаюць парывы натхнення,
Даргамыжскі – праставаты,
Барадзін – прыгожы, статны,
Мусаргскі – непрымірымы бунтар,
Рымскі-Корсакаў – разумнік,
Чайкоўскі – ветлівы, культурны, пакутае ад самоты,
Пракоф’еў – дзейны, але адначасова непапраўны фантазёр.
У вольны вечар пастаўце кружэлку з операй, і перад вамі расхінецца чароўны свет шчырасці.
(Культура. – 1998. – 28 лістапада)
1999 год
МАСТАК КАСМІЧНАЙ ПРАСТОРЫ
Яўген Паплаўскі – вядомая зорка на музычным небасхіле, знакаміты кампазітар музыкі новага стылю, які нарадзіўся на Гродзеншчыне. Апроч таго, менавіта дзякуючы яму меламаны атрымалі ў падарунак прэм’еру оперы Антонія Генрыка Радзівіла “Фауст”. У ліпені опера на лібрэта Гётэ была ўпершыню праз сто гадоў пастаўлена на сцэне Беларускага акадэмічнага тэатра оперы. У ХІХ стагоддзі “Фауст” ставіўся 25 разоў у тэатрах Польшчы, Чэхіі, Англіі, Германіі. Потым – забыццё на сто гадоў.
- Яўген Уладзіміравіч, вам удалося “адкапаць” вялікую колькасць старажытных партытур, у тым ліку знакамітага “Фауста”. Што яшчэ вы вярнулі на Радзіму?
- Пошукавая праца ў бібліятэках займае вялікае месца ў маёй рабоце. Да піцерскай бібліятэкі імя Салтыкова-Шчадрына я меў асаблівы інтарэс, бо памятаў размову з Адамам Мальдзісам пра тое, колькі музычных помнікаў Беларусі раскідана па бібліятэках і архівах свету.
“Фауст” знайшоўся ў Пецярбургскай Расейскай нацыянальнай бібліятэцы. У Познані былі партытуры Канстанціна Горскага з Ліды. У Лонданскай бібліятэцы імя Ф.Скарыны знайшоў оперу М.Кулікова-Шчаглова “Усяслаў Чарадзей”, вакальныя творы, рэлігійныя творы М.Равенскага, М.Анцава. Знойдзены творы забытых сёння Напалеона Орды, Ельскіх, Соф’і Радзівіл. Выдадзены зборнік “Царкоўная музыка на Беларусі з 998 года да сучаснасці”, шмат арыгінальных твораў беларускай музыкі 16-17 стагоддзяў. Гэта цуд, што ўсё гэта дайшло да нас. Усё гэта трэба іграць. Бо старажытная беларуская музыка вельмі прыгожая. Яна жыццяздольная на сучасным рынку.
- З чаго пачалася ваша музычная кар’ера?
- У 1982 годзе я паступіў у Беларускую дзяржаўную кансерваторыю ў клас да Ігара Лучанка. Застаўся працаваць у Мінску. Стажыраваўся ў Ленінградскай кансерваторыі. Дзесяць гадоў таму стаў сябрам Саюза кампазітараў. У гэтай падзеі была адна адметнасць: у Мінску, праслухаўшы пададзеныя на разгляд камісіі творы, камісія не палічыла за патрэбнае прыняць мяне ў Саюз. Таму ўступаў у гэтую суполку ў Маскве, прычым без праблемаў. Падчас піцерскай стажыроўкі я меў мажлівасць слухаць урокі, майстар-класы знакамітых музыкантаў Амерыкі і Еўропы. Мы, стажоры, слухалі па 16-20 гадзін. Пасля гэтага свет для мяне перавярнуўся: перада мною паўстала панарама сусветнай музыкі ХХ стагоддзя. Можна сказаць, тады я нарадзіўся як кампазітар.
- Якія свае дасягненні вы назвалі б самымі значнымі падчас працы ў Мінску?
- У Мінску я ажыццявіў ідэю стварэння Міжнароднага фестываля камернай музыкі “Адраджэнне капэлы”. Затым разам з калегамі ў 1991 годзе мы стварылі нацыянальнае тэатральна-канцэртнае аб’яднанне “Беларуская капэла”, у якой я быў дырэктарам. За пяць гадоў у Мінску я арганізаваў каля дзесяці міжнародных фестываляў сучаснай і старадаўняй музыкі.
Яўген Паплаўскі падчас прэм’еры сімфоніі “Lux aeterna” на 1000-годдзі Гданьска (1997, Пётр Кусевіч – тэнар, Зыгмунт Рухерт – дырыжор)
- Аднак апошнія два гады вы жылі за межамі Беларусі, у Польшчы. Гэта звязана з працай?
- Так. Польская амбасада прапанавала мне стажыроўку. Я пагадзіўся і год і дзевяць месяцаў працаваў у Гданьскай акадэміі музыкі, а таксама ў студыі электроннай музыкі ў Кракаве.
- Поспех вашых твораў заснаваны менавіта на “мадэрнізацыі” традыцыйнай музыкі?
- Раз я працую ў электроннай музыцы, то распрацаваў ідэю сінтэзу электрычнай і сімфанічнай музыкі. Новы стыль заключаецца ў пераносе сучаснага электрычнага гучання на сімфанічнае выкананне, як у “Карозіі часу”. У Эскізах для сімфанічнага аркестра “Поразава” – наадварот, электрычныя гукі накладзены на сімфанічнае мысленне.
- Падобны прынцып сінтэзу стыляў і відаў мастацтва ў музыцы актыўна рэалізуе француз Марыс Бежар…
- Бежар пачаў распрацоўваць ідэю, калі харэаграфія з’яўляецца з характару гука. У аснове – псіхалогія балерыны. Так на Захадзе. Я ж у пластычных сцэнах “Людзі святла месяца” спрабаваў вызначыць шлях ад аб’ектыўных пачуццяў да сферы падсвядомага, душы жанчыны. Другая назва твора – “Пластычныя сцэны для танцавальнай групы, гітары, струннага квартэта і ўдарных інструментаў”. Гэта 35 хвілін гучання, музыка падсвядомасці (адна частка твора называецца “Падсвядомасць”). Яна адлюстроўвае найтанчэйшыя адценні душы, чыста суб’ектыўныя адчуванні. Адзін нумар з яго – “Навалета” – пастаўлены былой кіраўніцай Беларускага харэаграфічнага коледжа Галінай Сінельнікавай. На фестывалі сучаснай музыкі ў Мінску Валерый Жывалеўскі на гітары выканаў увесь твор.
Праз сродкі драматургіі, святла, лялечнага тэатра (рэжысура Ляляўскага), гітары, керамічных калакольцаў дасягаецца эфект сінтэзу мастацтваў. Вобразы могуць развівацца на чыста зямных паняццях – каханне, горыч, сум. Але не трэба забывацца, што чалавек мае мноства пластоў у сваёй душы. Калі прыслухаешся да сябе – адчуеш, што эмоцыі – гэта яшчэ не ўсё, што ёсць у чалавечай душы, гэта толькі павярхоўны план.
- У творы 1999 года “Палёты ў месячнай прасторы” для сінтэзатара і камп’ютэра вы ствараеце, паводле водгукаў спецыялістаў, нават новы інструмент. Як гэта магчыма?
- Камп’ютар сам нічога новага стварыць не можа. Ён задае гукавыя фарбы. Я мадэлюю тон, тэмбр. Такіх гукаў, якія атрымаліся ў выніку, няма ў прыродзе, - я сам іх вынаходжу.
- Калі вашыя творы ўжо атрымалі міжнароднае прызнанне, мо надышоў час ставіць іх у нас?
- Праблемы пачынаюцца з таго, што няма студыйных запісаў музыкі – без гэтага дарма думаць пра пастаноўку харэаграфіі. Магчыма, у Кракаве хутка паставім балет “Людзі святла месяца”. Праблема так званай новай беларускай думкі ў тым, што яна стала вельмі канкрэтнай. Дайшло да таго, што акрамя песні амаль нічога не існуе. Развіваецца толькі тое, што “трэба для народа”.
- Апошнім часам вашыя творы выконваюцца толькі за мяжой?
- Так, галоўным чынам у Польшчы. Ёсць твор, напісаны для Фінляндыі.
- Якая прычына таго, што за мяжой ваша музыка ўспрымаецца з энтузіязмам?
- Там кажуць, што перш за ўсё з-за глыбіні думкі. Я ж усё сінтэзую, нічога не знікае: што некалі чытаў, з кім сустракаўся, якія карціны бачыў (у тым ліку беларускіх мастакоў, за што ім дзякуй). Адыгрывае ролю і тое, што я ў сваёй музыцы не парываю з традыцыяй. Даўнія прынцыпы жывуць на новым плане.
- Так бы мовіць, вашыя творы – гэта касмічная музыка, якая адчувае зямное прыцягненне?
- Праблема заходняй музыкі ў тым, што яна згубіла нацыянальны стан, пачала мысліць чыста рацыянальнымі паняццямі. Кампазітар павінен заставацца зямным чалавекам, але чалавекам духу. Самае каштоўнае ў музыцы – сінтэз гэтага духу з сучаснай тэхнікай.
- Што ў вашых бліжэйшых планах?
- Ізноў пачаць арганізоўваць міжнародныя музычныя фестывалі. Іншая справа – як гэта ўсё ўдасца з-за палітычных абставінаў.
(Пагоня. – 1999. – 23 верасня)
“МУЗЫКАНТ ПАВІНЕН НЕ ТОЛЬКІ ЧЫТАЦЬ НОТЫ,
АЛЕ І СТВАРАЦЬ…”
Алег Іванавіч Альфяровіч доўгія гады выкладае ў Гродзенскім музычным вучылішчы. Прафесіяналізм і шырокі кругагляд дазволілі яму дасягнуць значных вынікаў у педагагічнай працы. Яму ёсць што расказаць аб праблемах навучання і выхавання маладых музыкантаў. І не толькі…
- Алег Іванавіч, прыгадайце, калі ласка, як пачынаўся ваш шлях у музыку.
- Нарадзіўся я там, дзе цяпер чарнобыльская зона, у Хойніках. Дзяцінства прайшло ў Ашмянах. Тут я закончыў дзіцячую музычную школу па класе баяна, пасля – музычнае вучылішча ў Мінску і Беларускую дзяржаўную кансерваторыю. Заўсёды з удзячнасцю ўспамінаю маіх настаўнікаў. Вялікі ўплыў зрабілі на мяне прафесар Мікалай Прашко і выдатны баяніст Валянцін Карэлаў. У Прашко я навучаўся ігры на балалайцы. Ад Карэлава пераняў методыку працы з баяністамі. З 1963 года і па сённяшні дзень вяду клас баяна ў Гродзенскім музвучылішчы. За гэты пярыяд выпусціў больш як 50 навучэнцаў. Цяпер яны паспяхова працуюць у розных кутках нашай краіны.
- У вас вучыліся хлопцы, якія ў будучым зрабіліся вядомымі кампазітарамі. Што прывяло баяністаў і балалаечнікаў да складання музыкі?
- Заўважу, што я і сам цікавіўся кампазіцыяй. Напісаў некалькі хораў на вершы Максіма Багдановіча, Янкі Купалы, зрабіў шэраг апрацовак беларускіх народных песень для змяшанага хору, стварыў эцюды і практыкаванні, неабходныя для развіцця пальцавай тэхнікі. Некаторы час я ўзначальваў клуб самадзейных кампазітараў пры абласным навукова-метадычным цэнтры народнай творчасці. Вось чаму я зацікаўлены ў тым, каб і мае выхаванцы далучаліся да стварэння музыкі. Я лічу, што кожны адукаваны музыкант павінен не толькі чытаць ноты, але і пісаць музыку. Хто не знаёмы з асновамі кампазіцыі, той па сутнасці застанецца дылетантам.
З маіх вучняў асабліва актыўнымі ў творчасці былі Яўген Паплаўскі, Валеры Жывалеўскі, Мікалай Калешка. Яўген заваяваў прызнанне ў Беларусі і за яе межамі, як кампазітар, ён стварае камерную, сімфанічную, электронную музыку; Валерый – дацэнт Акадэміі музыкі, гітарыст-віртуоз, аўтар арыгінальных твораў для гітары; Калешка нядаўна ўступіў у Саюз кампазітараў, аднолькава ўпэўнена валодае вакальнымі і інструментальнымі жанрамі. Дый іншыя навучэнцы: Аляксандр Маркелаў, Ігар Макавецкі, Віктар Хомбак, Уладзімір Баркоў, Віктар Кішкун, – пэўным чынам выявіялі сябе ў творчасці. З задавальненнем адзначу, што многія з іх выконвалі або дырыжыравалі ўласныя творы на дзяржаўных экзаменах. А гэта, паверце, адказная справа.
- Як я помню, Яўген Паплаўскі паступаў да вас з вельмі слабой музычнай падрыхтоўкай. Сёння ж ён – кампазітар, чый сімфанічны твор быў прадстаўлены вядучымі польскімі выканаўцамі на ўрачыстасцях, прысвечаных 1000-годдзю з дня заснавання Гданьска! Як растлумачыць феномен Паплаўскага?
- Жэня прыехаў у Гродзенскае вучылішча з Поразава. Ён быў сціплым і працавітым хлопцам. Я заўсёды падтрымліваў і падбадзёрваў яго. І хаця ў кансерваторыю Яўген паступіў толькі з другой спробы, аднак закончыў яе ў ліку лепшых. Жаданне ўдасканальвацца прывяло яго ў асістэнтуру-стажыроўку Санкт-Пецярбургскай кансерваторыі, нядаўна стажыраваўся ў Кракаўскай і Гданьскай акадэміях музыкі. Паплаўскі хацеў быць кампазітарам, і ажыццявіў сваю мару.
- Валерый Жывалеўскі зусім не вучыўся ў музычнай школе. Як жа ён трапіў да вас?
- Мы жылі з ім у адным доме па вуліцы Гагарына. Часта бачыў яго з гітарай у двары. Потым Валерый паступіў у культасветвучылішча па класе балалайкі. Прапанаваў ягонай маці перавесці сына ў музвучылішча, каб займацца ў мяне. Балалайку Валерый асвоіў надзіва хутка, але я хацеў, каб ён паспрабаваў свае сілы і ў кампазіцыі, таму накіраваў да вас, Віталь Канстанцінавіч. Жывалеўскі рабіў вялікія поспехі, пачаў атрымліваць прызнаныя месцы на конкурсах. Але я бачыў, што ягоная душа хінецца да гітары. Урэшце, я дапамог яму на трэцім курсе перавесціся да педагога-гітарыста.
- Далёка не кожны выкладчык аддае перспектыўнага вучня іншаму педагогу па добрай волі. Вы пайшлі на гэта!
- Я ніколі не імкнуўся ўмацоўваць свой аўтарытэт за кошт таленавітых вучняў. Мая задача ў тым, каб ствараць умовы для раскрыцця іх патэнцыяльных магчымасцяў. Валерый Жывалеўскі – адзін з яркіх прыкладаў. Яго далейшы лёс паказальны. Пасля вучылішча закончыў кансерваторыю, асістэнтуру-стажыроўку Маскоўскага інстытута імя Гнесіных. Цяпер ён па праву лічыцца лідэрам беларускай гітарнай школы. Выкладае ў акадэміі музыкі, мае ўжо сваіх таленавітых вучняў, лаўрэатаў рэспубліканскіх і міжнародных конкурсаў. Выдадзены яго творы для гітары. Па радыё і тэлебачанні можна паслухаць яго віртуозную ігру. Я глыбока перакананы, што сёння недастаткова быць вузкім спецыялістам у навучанні ігры на тым альбо іншым інструменце. Час вымагае ад кожнага з нас быць адукаваным педагогам. Гэта значыць, памагаць вучню творча раскрыцца і галоўнае – разам з ім вызначыць, якое ў яго сапраўднае прызванне на зямлі.
- А чым займаецеся ў вольны ад працы час?
- У мяне заўсёды была цікавасць да спазнання новага. Шмат гадоў прысвяціў вывучэнню псіхалогіі, методыкі выкладання. Вышэйшым маім дасягненнем у галіне методыкі было выступленне на літоўскай рэспубліканскай канферэнцыі ў Клайпедзе, дзе мой даклад атрымаў высокую ацэнку. У 90-х гадах закончыў астралагічную школу Паўла Глобы. Маю дыплом магістра народнага лекавання Новасібірскага міжнароднага цэнтра ёгі. Супрацоўнічаю як пазаштатны карэспандэнт з “Гродзенскай праўдай”. Нядаўна ў гарадскіх спаборніцтвах пацвердзіў першы разрад па шахматах. Гэтыя разнастайныя захапленні дапамагаюць мне пераадольваць педантызм і фармальныя адносіны да справы. Сапраўдная педагогіка – гэта жывы творчы працэс, які вымагае ад чалавека адпаведных маральных і духоўных якасцяў.
- Вы ўзнагароджаны медалём “Ветэран працы”. Гэта абавязвае да чаго-небудзь?
- Пакуль ёсць здароўе, буду перадаваць назапашаны вопыт маладому пакаленню музыкантаў. Спадзяюся, што яно годна прадоўжыць зробленае намі.
(ЛіМ. – 1999. – 10 снежня)
2000 год
ПРАСІЦЕ, І ВАМ БУДЗЕ ДАДЗЕНА…
На крутым нёманскім схіле, непадалёк ад Старога і Новага замкаў, муры якіх памятаюць польскіх каралёў Стэфана Баторыя і Станіслава Аўгуста Панятоўскага, стаіць самая старажытная ў рэспубліцы Барысаглебская царква. У ёй служыць айцец Андрэй Бандарэнка. Раней ён быў вядомы шырокай грамадскасці як таленавіты кампазітар, лаўрэат Дзяржаўнай прэміі… Па міласці Божай аўтар манументальнага опернага палатна “Князь Наваградскі” стаў пастырам у святым гістарычным храме. Мне падалося, што ў гэтым крыецца глыбокі сэнс. Захацелася зразумець, як у чалавечай душы спалучаецца музыка І малітва, гісторыя і сучаснасць.
- Айцец Андрэй, вы ўсё сваё свядомае жыццё займаліся музыкай, але раптоўна вырашылі накіраваць яго ў іншае рэчышча – стаць святаром. Што паўплывала на гэтае рашэнне?
- У жыцці кожнага чалавека надыходзіць такі момант, калі ён усведамляе сябе як асобу. Адбываецца яго станаўленне, і ў першую чаргу – духоўнае станаўленне. Упершыню я адчуў гэта падчас вучобы ў Гродзенскай музычнай вучэльні. Кожны з нас выбірае свой жыццёвы шлях на аснове тых ведаў, што былі назапашаны. Але кожны робіць гэта па волі Божай, таму што міласць Тварца распасціраецца на кожны чалавечы лёс. У нашым жыцці ёсць шмат цудоўнага, аднак гэтыя цуды, гэты промысел Божы мы не заўсёды заўважаем. Промысел Божы не пакідае ні аднаго чалавека. І калі мы будзем уважліва прыслухоўвацца да яго, маліцца, каб Гасподзь ачысціў нас, тады мы зможам карэнным чынам змяніць сваё жыццё, прыняць нейкія кардынальныя рашэнні.
- Як вядома, у пару вашай маладосці, у 70-я гады, буйна квітнеў ваяўнічы атэізм. Вера ў Бога не заахвочвалася!..
- Так. Тады было крайне складана знайсці і прачытаць Слова Божае, не кажучы ўжо аб працах рэлігійных філосафаў. Гасподзь прывёў мяне ў Маскву, на рэлігійны філасофскі семінар, які працаваў з блаславення Святара Дзмітрыя Дудко. Туды з’язджаліся людзі з усяго СССР. Неаднолькава ўдзельнікі семінара арыштоўваліся, дастаўляліся на міліцэйскіх машынах у “органы”. Я тады быў студэнтам Беларускай кансерваторыі. Калі вярнуўся з семінара, давялося ў Мінску пабываць на вуліцы Дзяржынскага, дзе месціўся КДБ. У кансерваторыі я зблізіўся з людзьмі, якія таксама імкнуліся да духоўнага жыцця. З нашага невялікага гуртка выйшлі чатыры праваслаўныя святары і адзін ксёндз.
- Дзе пачалася ваша музычная адукацыя?
- Я нарадзіўся ў Вільнюсе. Калі мне споўніўся год, бацькі пераехалі ў Грозны. У 1964 годзе сям’я перабралася ў Гродна. Бацька выкладаў гісторыю ў Гродзенскім педінстытуце. Пасля заканчэння музычнай школы № 1 я паступіў у музычную вучэльню. Прынамсі, сачыняць музыку я паспрабаваў у шасцігадовым узросце. У Гродна нейкі час займаліся са мною вы, Віталь Канстанцінавіч. У Маскве я браў урокі ў кампазітара Мікалая Палынскага. У Беларускай кансерваторыі маім настаўнікам быў прафесар Дзмітрый Смольскі. З 1985 года я жыву і працую ў Гродна. У тым жа годзе мяне прынялі ў Саюз кампазітараў СССР. У 1988 годзе я напісаў сачыненне “Пахвала вялікаму князю Уладзіміру І Святаславічу” – канцэрт для салістаў і хору на тэкст мітрапаліта Іларыёна Кіеўскага. Тады ж пачаў пісаць оперу “Князь Наваградскі”. У 1992 годзе опера была пастаўлена на сцэне Дзяржаўнага акадэмічнага вялікага тэатра оперы і балета Беларусі.
- Ці не збіраецеся вы стварыць яшчэ адну оперу на гістарычную тэму?
- Я пачаў пісаць дзве оперы. Адна – аб прападобнай Еўфрасінні Полацкай. Пабываўшы ў 1995 годзе на Святой зямлі, я задумаў напісаць оперу аб разбурэнні Іерусалімскага храма Цітам Веспасіянам. Зараз у мяне творчы пералом у сувязі з прыняццем сана. Неабходна было звыкнуцца з гэтым. Служэнне Богу – гэта цяжкая, але благадатная праца. Я часта пішу на запланаваныя тэмы. Часам замоўленая музыка гарманіруе з маім унутраным станам. Мае духоўныя творы выконвае хор Рэспубліканскага радыё і тэлебачання пад кіраўніцтвам Віктара Роўды, другі выканаўца – наша Гродзенская капэла.
- У горадзе вы вядомы як мастацкі кіраўнік Гродзенскай капэлы. Раскажыце, як яна ўзнікла?
- У 1992 годзе мы стварылі яе разам з музыкантамі-энтузіястамі пры вялікай падтрымцы гарадскіх улад. Вельмі дапамаглі С. Домаш, А. Мілінкевіч. Без іх дапамогі адрадзіць капэлу мы б не змаглі. Планы былі грандыёзныя – уваскрасіць вядомую з ХVІІІ стагоддзя капэлу Антонія Тызенгаўза. На гарадской плошчы яго імя і размясцілася база капэлы. У 1996 годзе планавалася рэканструкцыя гэтага будынка, каб яго поўнасцю перадаць капэле, адбудаваць рэпетыцыйныя класы і канцэртную залу. На жаль, усе гэтыя планы не ажыццявіліся.
- Як бы вы ацанілі прафесійны ўзровень і творчыя дасягненні капэлы?
- Напачатку быў узлёт, светлая хваля. Толькі прыступіўшы да канцэртнай дзейнасці, мы атрымалі масу запрашэнняў. З 1993 да 1995 года мы двойчы пабылі ў Германіі, гастралявалі ў Нарвегіі, Францыі, не кажучы ўжо пра Польшчу. Тады Еўропа мала ведала пра Беларусь, Маскву ведалі, Варшаву, а тое, што паміж гэтымі сталіцамі, – усур’ёз не ўспрымалася. Мы выконвалі творы беларускіх кампазітараў, у тым ліку і мае. Паўсюль нас ўспрымалі цёпла і душэўна. У 1996 годзе я адышоў ад кіраўніцтва капэлай і цалкам паглыбіўся ў духоўнае жыццё. Падобна, што капэла больш не гастралюе. Музыканты, дырыжоры – гэта выдатныя прафесіяналы, але арганізацыяй канцэртнай дзейнасці павінны займацца энергічныя, дзелавыя людзі.
- Ужо некалькі гадоў запар у Мінску праходзіць фестываль праваслаўных спеваў. Вы прымаеце ў ім удзел?
- Двойчы мяне запрашалі на гэты фестываль у якасці старшыні журы. Летась на фестываль з’ехаліся харавыя калектывы з усёй рэспублікі: свецкія і царкоўныя, дзіцячыя і дарослыя. Гродзенскі камерны хор царкоўнай музыкі “Дойлідства”стаў лаўрэатам сярод свецкіх хароў. Духоўнасць – гэта тое, што спараджаецца Святым Духам. Зараз гэтае слова падверглася “інфляцыі”, стала нейкім аморфным. Каноны духоўнай творчасці выпрацоўваліся стагоддзямі. Ёсць і другая “духоўнасць”, спароджаная Сатаной. Гэта антыдухоўнасць. Творчасць – гэта тое, што выходзіць з нетраў тваёй душы. Але бывае, што натхненне зыходзіць ад лукавага. Неабходна ўмацоўваць веру, прасіць у Бога блаславення на працу. Творчасць – гэта плён роздумаў і сумненняў, за яго трэба нясці адказнасць.
- Вы служыце ў храме, які называюць сэрцам горада. Каложа – помнік архітэктуры ХІІ стагоддзя. Вас заўсёды вабіла гістарычная тэма ў музыцы. Ці няма тут якойсьці ўзаемасувязі?
- Канешне, ёсць: у жыцці нішто не адбываецца выпадкова. Нядаўна я стварыў пры нашым храме праваслаўнае брацтва. Духоўнае прасвятленне, пытанні гісторыі і культуры – вось асноўная мэта брацтва. Так фарміруюцца секцыі музыкі, жывапісу, літаратуры. Гэта менавіта тое, чаго так не хапае нашаму гораду.
- Вы – кампазітар і адначасова святар. Як сумяшчаюцца ў адным чалавеку такія розныя іпастасі?
- Творчасць – гэта тое, што мы ствараем, пераймаючы Творцу Нябеснага і просячы ў яго дапамогі. І без малітвы гэта немагчыма. Сапраўднае мастацтва – гэта форма малітвы, калі яно падмацавана Духам Святым. Нават калі гэта не ўдаецца – прасіце, і вам будзе дадзена. Душа імкнецца да прастола Гасподняга – і гэты стан выліваецца ў музыку. У паэзіі, жывапісе ёсць Боскія радкі, Нябесныя фарбы. Калі Бог адорыць цябе талентам – працуй, не закапвай яго. Усё, што табе патрэбна для шчасця, - тое Гасподзь даруе табе. Прасі ў Бога дапамогі і працуй. Усё ў цябе атрымаецца, калі на тое будзе воля Бога.
(Культура. – 2000. – 7 студзеня)
ПАЧАЛОСЯ З ПЕСНІ…
Добра памятаю дзень святога Валенціна тры гады таму. Мне давялося прысутнічаць на святочным канцэрце ў лідскім Доме культуры. Нечакана адкрыў для сябе цудоўных спевакоў, якія з натхненнем выконвалі творы невядомага лідскага аўтара. Я павіншаваў маладых артыстаў і прапанаваў ім ідэю: стварыць песенны тэатр “Ліда-мюзікл”.
Ідэя аказалася жыццяздольнай. Узначаліў новы калектыў Вячаслаў Пыпець – кампазітар, паэт, аранжыроўшчык. За кароткі час “Ліда-мюзікл” даў больш за 100 канцэртаў. Браў удзел у многіх абласных, рэспубліканскіх, міжнародных фестывалях і конкурсах. Сярод іх “Песня над Нёманам”, “Усе мы родам з дзяцінства”, беларускі фестываль дзіцячай песні “Спяваем з аркестрам…”, V міжнародны конкурс маладых кампазітараў імя Максіма Багдановіча.
Для некаторых юных аўтараў, якія прадстаўлялі на конкурс песні, Вячаслаў Пыпець зрабіў фанаграмы, у тым ліку для ўжо вядомай таленавітай лідчанкі Дзінары Мазітавай. Пазней гэтыя песні гучалі на яе аўтарскіх канцэртах у Лідзе, Гродне, Брэсце, Мінску, Каўнасе, Вільні. Незабыўным быў дзень, калі “Татарскі гімн” Дзінары вянчаў урачыстасці ў нашай сталіцы, прысвечаныя слаўнай даце – 600-годдзю пражывання татараў на землях Беларусі. І яркая музыка Дзінары, і натхнёныя спевы саліста “Ліда-мюзікл” Дзмітрыя Быструхіна, і арыгінальная фанаграма Вячаслава Пыпеця абудзілі залу: устаўшы, публіка горача апладзіравала артыстам з Ліды.
Вячаслаў Пыпець напісаў музыку да дакументальнага фільма “Сустрэчы на восеньскай мяжы”, стварыў музычнае “афармленне” сямі тэатральных спектакляў, дзесяткі песень. На конкурсе кампазітараў Гродзеншчыны ён стаў пераможцам у намінацыі “эстрадная песня”… “Ліда-мюзіклу”, якім он кіруе, нададзена званне народнага калектыву. Дзе б ні выступаў гэты тэатр песні, усюды яму спадарожнічае поспех.
У канцы мінулага года адбыўся творчы вечар Вячаслава Пыпеця. На ім прагучала 36 песень, з іх добры тузін на ўласныя вершы, нярэдкія і прыклады супрацоўніцтва з лідскімі паэтамі: Віктарам Бачаровым, Уладзімірам Васько, Пятром Макарэвічам, Міхасём Мельнікам, Сяргеем Гейлем. Дарэчы, Пыпець вельмі патрабавальны да песенных тэкстаў.
У складзе “Ліда-мюзікла” спевакі розных узроставых груп: дзеці, юнакі, дарослыя. Незвычайныя вакальныя здольнасці Дзмітрыя Быструхіна зрабілі яго улюбёнцам публікі. Уражвае голас Ігара Кумпеля, кранаюць спевы Дзяніса Варановіча, пранікнёны бас у Віктара Верамейчыка, імпульсіўныя Наталля Шурмей і Андрэй Ус. Па-свойму арагінальныя Святлана Мельнікава, Галіна Піваварчык, Наталля Даргель… Для кожнага саліста кіраўнік “Ліда-мюзікла” стараецца напісаць песню, якая адпавядае індывідуальнасці выканаўцы. Да таго ж, некаторыя з іх самі ствараюць песні, здатныя ўпрыгожыць канцэрт.
Творы Вячаслава Пыпеця разнастайныя: тут і чыста лірычныя мелодыі, лірыка-драматычныя рэчытатывы і глыбока трагедыйныя арыі, сучасныя забаўляльныя шлягеры і вясёлыя, жартоўныя прыпеўкі ў народным духу. Ёсць творы для эстраднага аркестра і асобных інструментаў. Таленавіты аранжыроўшчык і тонкі стыліст, Пыпець, робячы аркестроўкі або фанаграмы, пазбягае агульных месцаў і штампаў, шукае свежыя гукавыя образы і фарбы.
А ці ёсць у “Ліда-мюзікла” праблемы? Так. У асноўным яны звязаны са слабай матэрыяльна-тэхнічнай базай: адсутнічаюць музычныя інструменты належнай якасці, камп’ютэры, няма прафесійнага гукааператара, балетмайстра, педагога-вакаліста. Пастаянна ўзнікаюць цяжкасці з касцюмамі, дэкарацыямі, рэкламай. Хочацца верыць, што дырэкцыя лідскага Дома культуры і мэр Ліды Уладзімір Міхайлавіч Малец знойдуць сродкі, каб забяспечыць усім неабходным самабытны калектыў. Толькі тады з’явіцца рэальная магчымасць ператварыць тэатр песні ў паўнацэнны музычны тэатр.
Напярэдадні новага года “Ліда-мюзікл” быў узнагароджаны Ганаровай граматай Гродзенскага аблвыканкама. Гэта радуе і абнадзейвае.
(ЛіМ. – 2000. – 18 лютага)
ЮНЫЕ ДАРОВАНИЯ ИЗ НОВОГРУДКА
В Новогрудской детской музыкальной школе состоялся необычный концерт. Особенность его в том, что слушатели познакомились с произведениями двух юных композиторов: ученицы 3 класса Кошур Кристины и ученицы 2 класса Фалевич Екатерины. Девочки занимаются на фортепианном отделении у преподавателя Хомицкой А.И. Музыка каждой их них имеет индивидуальные черты. Темпераментный характер Кати проявляется в быстрых и напористых пьесах: “Кикимора”, “Карабас и куклы”, “Заводная игрушка”. Более спокойная Кристина выражает себя в лирических пьесах: “Воспоминания старого гнома”, “Горе бабочки”, “Грустный вальс”. Кроме фортепианных миниатюр на концерте звучала музыка для скрипки, цимбал, домры, духовых инструментов: “Еврейский танец”, “Элегия”, “Музыкальные картинки”, “Весенний вальс”. С большим интересом публика познакомилась с фортепианными дуэтами девочек.
Этот концерт стал предварительным этапом в подготовке Кристины и Кати к Международному конкурсу юных композиторов им.Семеняко, который традиционно проводится в Гродно.
(Аркуш. – 2000. – 1 июня)
ВАЛЕРЫЙ ЖЫВАЛЕЎСКІ: “ГІТАРА – ГЭТА МАЁ КАХАННЕ, МЭТА І СЭНС МАЙГО ЖЫЦЦЯ…”
Цудоўны, дзівосны свет гітары адкрываецца кожнаму, каго хоць раз устрывожылі яе хвалюючыя гукі, хто прыклаў намаганні, каб зразумець яе строгую прыгажосць, хто здолеў суаднесці памкненні ўласнай душы з тым гімнам жыцця, які яна творыць з неверагоднай далікатнасцю і высакародствам.
Гэта я зразумеў тады, калі бліжэй пазнаёміўся з навучэнцамі-гітарыстамі Гарадзенскага музычнага вучылішча. Яны абажалі сваю струнную чараўніцу, захапляліся ёю. Сярод іх быў і Валерый Жывалеўскі. Цяпер ён – дацэнт Беларускай акадэміі музыкі, энтузіяст, падзвіжнік старажытнага інструмента. Я папрасіў яго паведаміць, які стан гітары ў рэспубліцы на сёння.
- Валерый Серафімавіч, ці склалася ў Беларусі свая нацыянальная гітарная школа?
- Давайце спачатку вызначымся, што такое наогул нацыянальная музычная школа, што павінна складаць яе падмурак.
На маю думку, у першую чаргу трэба мець усе ступені музычнай адукацыі: пачатковую, сярэднюю, вышэйшую. Неабходныя кваліфікаваныя кадры: выкладчыцкія, выканальніцкія, кампазітарскія. Асаблівую ўвагу варта надаць рэпертуару, які б складаўся з сапраўды нацыянальных твораў. Нельга абысціся без вучэбных дапаможнікаў, хрэстаматыяў, даведнікаў, навукова-метадычных працаў. Гэта зусім не азначае, што не прымаецца сусветны досвед. Але калі размова ідзе пра айчынную музычную школу, – трэба мець і нешта сваё, спецыфічнае. Упэўнены, што падобнага кшталту літаратура павінна выдавацца па-беларуску.
А зараз давайце паглядзім, як у нас справы з вышэй пералічанымі прапановамі.
Класічная гітара з пункту гледжання музычнай адукацыі – гэта зусім малады інструмент. Напрыклад, у Беларускай кансерваторыі яго сталі выкладаць толькі ў 1977 годзе. Да таго ж, ён чамусьці быў прылічаны да кафедры струнных народных інструментаў. Адным з піянераў гітарнага майстэрства можна лічыць Пятра Адамавіча Кароткага. Яго творчая дзейнасць пачалася напрыканцы 30-х гадоў. Пасля вайны ён нярэдка выступаў як саліст. У 1959 годзе быў прыняты на завочнае аддзяленне Мінскага музвучылішча. З яго імем звязана адкрыццё ў 1963 годзе класу гітары ў адной са сталічных музычных школаў. З гэтага моманту гітара стала распаўсюджвацца па ўсёй краіне. Яна з’явілася ў музычных навучальных установах Гродна, Гомеля, Брэста лы іншых гарадоў. Аднак узровень яе выкладання часта не адпавядае сучасным патрабаванням. Так, у мінулым годзе з 11 музвучылішчаў рэспублікі толькі ў 5-ці працавалі дыпламаваныя гітарысты (Мінск, Гродна, Брэст, Магілёў, Маладзечна), ў астатніх класу гітары альбо проста не было, альбо педагог меў іншую музычную спецыяльнасць. На жаль, у Акадэмію музыкі да нядаўняга часу прыймаўся ўсяго адзін студэнт! І толькі ў 2000-м навучальным годзе былі прадугледжаныя масцы для трох гітарыстаў.
Існаванне гітарнай школы немажліва без кваліфікаваных выканаўцаў. У гэтым сэнсе Беларусь выглядае няблага. У нас ёсць некалькі лаўрэатаў міжнародных конкурсаў.
- Хто яны?
- Гэта студэнт ІІ курса Акадэміі музыкі Ян Скрыган. Ён лаўрэат 1-й прэміі трох прэстыжнешых конкурсаў у польскіх гарадах Тыхі, Крыніца і расейскім горадзе Чарапавец. Гэта гарадзенец Уладзімір Захараў, які неаднаразова быў у запаветнай тройцы пераможцаў (Кракаў, Гданьск). Гэта яшчэ адзін гарадзенец Дзяніс Асімовіч, ганараваны званнем лаўрэата ў Кракаве і Крыніцы. Трэба назваць таксама жыхарку Мінска Наталлю Ліпніцкую і магілеўчанку Юлію Лонскую. З сольнымі канцэртамі перыядычна выступае Яўген Грыдзюшка. Яго віртуознае выкананне выклікала ў Маскве сапраўдны фурор! Многія выпускнікі-гітарысты нашай Акадэміі музыкі атрымлівалі перамогі на рэспубліканскіх і міжнародных спаборніцтвах.
- Вы казалі пра тое, наколькі важна мець нацыянальны рэпертуар.
- Так, верна. Тут выявілі сябе не столькі кампазітары, колькі гітарысты. Арыгінальна піша Уладзімір Захараў. У Італіі выйшаў яго аўтарскі зборнік. Аляксандр Уласенкаў, які скончыў магістратуру Лонданскай акадэміі музыкі, выпусціў два кампакт-дыскі, дзе ёсць і яго ўласныя творы. Хочацца адзначыць творчасць выпускніка акадэміі Дзяніса Асімовіча. Створаная ім Парціта “Іісус Хрыстос” стане, без сумневу, хрэстаматыйнай. Пішуць музыку для гітары Уладзімір Мальганаў, Сяргей Плужнікаў, Ігар Кузьміцкі, Ігар Шошын, Аляксандр Лёднеў. Словам, рэпертуар заўважна ўзбагачаецца. Дзесяткі гітарыстаў шдзельнічаюць у гэтым працэсе.
Адбітак вялікага таленту маюць творы для гітары лаўрэата Дзяржаўнай прэміі Беларусі, кампазітара Галіны Гарэлавай. Яе п’еса “Мірскі замак” – самая папулярная на сённяшні дзень. Яна стала свайго роду візітнай карткай беларускіх гітарыстаў за мяжою. Калі Галіна Гарэлава некалькі гадоў таму стварыла Канцэрт для гітары, струннага аркестра і званоў, – гэта была падзея выключнай важнасці, бо ва ўсёй сусветнай музыцы не так шмат твораў такога маштабнага гучання. Не абмінуў гітару і былы выпускнік Гродзенскага музвучылішча Яўген Паплаўскі. Ягоны балет “Дзеці месяцовага святла” пабудаваны так, што гітара саліруе. У творчай скарбонцы Віктара Войціка (зноў-такі ўраджэнца Гродзеншчыны!) ёсць разгорнутая п’еса для гітары і струннага квінтэта “Эолава арфа”, якую я запісаў на рэспубліканскім радыё, – надзвычай цікавая, у авангардным стылі рэч. Нельга не ўзгадаць Аляксандра Літвіноўскага, аўтара гітарнага твора “Інтавалатура” (варыяцыі на тэму ў старажытным стылі). Вячаслаў Кузняцоў стварыў даволі незвычайны твор для гітары і аркестра па матывах рамана Германа Гессэ “Гульня ў бісер”, таксама ў авангардным духу. Выхаванец Гродзенскага музвучылішча Мікалай Калешка напісаў Санату для гітары сола. Яго пяру належыць цікавае музычнае палатно паводле хрысціянскіх сюжэтаў для гітары, флейты, скрыпкі і віяланчэлі.
- Слухаючы вас, прыходзіш да высновы, што карціна ў цэлым выклікае аптымізм: ёсць педагогі, выдатныя выканаўцы, ёсць нацыянальны рэпертуар.
- Ну, біць у літаўры яшчэ ранавата! Перад намі стаіць задача не меншай важнасці: выдаць гэтыя творы, сабраць іх разам. Нешта, безумоўна, ужо ўбачыла свет. Гэта першы зборнік, датаваны 1985 годам, – “Разам з гітарай”. Потым з’явіліся такія зборнікі, як “Альбом юнага гітарыста”, “Гітара ў ансамблі”, “Беларуская гітарная музыка” (усе тры пад маёй рэдакцыяй). Да іх варта далучыць пяць аўтарскіх зборнікаў: адзін – Уладзіміра Кандрусевіча, два – Уладзіміра Захарава і два зборнікі Ігара Шошына (прычым, адзін з іх у сааўтарстве з югаслаўскім кампазітарам Урашам Дайчыновічам). Такім чынам, дзевяць публікацыяў, чаго яўна недастаткова. Калі ж казаць пра навукова-метадычныя дапаможнікі, дык тут мы знаходзімся, па сутнасці, на нулявой адзнацы. Канешне, вельмі дрэнна, што ў Беларусі няма нотнага выдавецтва. Нашыя кампазітары вымушаныя друкаваць свае творы галоўным чынам за межамі рэспублікі. Мне расказвалі, што ў савецкі час партыйнае кіраўніцтва прапаноўвала Союзу кампазітараў заснаваць уласнае выдавецтва. Аднак тагачасныя музычныя верхаводы адмовіліся: ім, бачыце, было прэстыжней друкавацца не дзесьці ў глушы, а ў Маскве і Ленінградзе! Гэтую нішу ў нейкай ступені спрабуе запоўніць Беларускі інстытут праблемаў культуры, хаця яго намаганняў недастаткова. Тыя ноты і вучэбныя праграмы, што ён выдае, – кропля ў моры.
- Але ж патрэбныя яшчэ і манаграфіі па гісторыі гітары і яе “старэйшай сястры”, лютні.
- Асабіста я займаюся гэтай праблемай з 1989 года. Мною напісаны шэраг артыкулаў пра гітару і лютню. Іх публікавалі ў беларускім друку, у прыватнасці, часопіс “Роднае слова”.
- І вось зараз я хачу паставіць пытанне рубам: дык ёсць у Беларусі нацыянальная гітарная школа ці яе няма?
- Беларуская гітарная школа ўжо нарадзілася, але яшчэ маладая. Калі мы не спынімся, не пабаімся цяжкасцяў, - у яе цудоўная будучыня.
- Не буду утойваць: у маёй памяці засталася ваша таленавітая ігра. Яна вызначалася імпульсіўнасцю, імкненнем да поўнага самавыяўлення. Калі ў вашай інтэрпрэтацыі я слухаў Віла-Лобаса, то адчуваў подых акіянскага прыбою, да мяне данасіліся рытмы бразільскага карнавала і адначасова агортвала бязмерная пранізлівая самота… Раскажыце, як вы сталі гітарыстам?
- Упершыню я пазнаёміўся з гітарай у дзевяцігадовым узросце. І вось дагэтуль гітара – гэта маё каханне, гэта мэта і сэнс майго жыцця. З асобнымі сольнымі канцэртамі я стаў выступаць яшчэ тады, калі займаўся ў Гродзенскім музычным вучылішчы. Я выконваў як класіку, так і ўласныя творы. Не палічыце за ліслівасць, аднак без вашай дапамогі, Віталій Канстанцінавіч, без вашай педагагічнай і маральнай падтрымкі я, мабыць, так і застаўся б гітарыстам-аматарам, брынкаў бы на дрэнненькім інструменце ва дварах і ў пад’ездах. Вы адкрылі мне вочы, вымусілі паверыць у свае сілы і ўжо амаль дваццаць гадоў мы супрацоўнічаем і сябруем. Пачатак маёй рэгулярнай канцэртнай дзейнасці прыпадае на 1983 год. У той час я быў студэнтам кансерваторыі. Разам з дамрыстам Мікалаем Марэцкім узяў удзел ва Усесаюзным конкурсе артыстаў эстрады ў Маскве. Наш дуэт меў поспех, мы атрымалі ІІ прэмію і званне лаўрэатаў. Потым здзейснілі гастрольную паездку па гарадах былога Савецкага Саюза. Паралельна я наладзіў творчыя сувязі са знакамітымі музыкантамі: габаістам Аляксандрам Прыходзькам, гітарыстам Яўгенам Грыдзюшкам, мастацкім кіраўніком ансамбля “Класік-авангард” Уладзімірам Байдавым. Як саліст выступаю з 1989 года, калі скончыў асістэнтуру-стажыроўку Маскоўскага інстытута імя Гнесіных і прыехаў у Мінск працаваць выкладчыкам кансерваторыі. За некалькі гадоў я даў не меней як 100 канцэртаў, у якіх выконваў старажытную лютневую і гітарную музыку, творы беларускіх кампазітараў. На маё няшчасце, прафесійная хвароба правай рукі не дазваляе мне зараз іграць на сцэне. Застаецца прысвяціць сябе педагогіцы і творчасці.
- Вы выкладаеце ў Беларускай акадэміі музыкі звыш дзесяці гадоў. Якія вынікі?
- Адзначу, што да гэтага я паспеў папрацаваць педагогам у музычнай школе і студыі, у агульнаадукацыйнай школе з музычным ухілам, у Гродзенскім і Мінскім музвучылішчах, у Беларускім універсітэце культуры. За гады выкладання ў акадэміі музыкі выпусціў 13 студэнтаў – няшмат, здавалася б, тым не менш, гэта выдатныя музыканты.
- Як вы ацэньваеце сваю кампазітарскую творчасць?
- Мною напісана каля 50 твораў для гітары. Хацелася б адзначыць Элегію памяці публіцыста Сяргея Палуяна, Сюіту на тэмы невядомых аўтараў ХVІ-ХVІІ стагоддзяў, Прэлюдыю, Фугата і Алегра, створаныя пад уражаннем ад музыкі нямецкага лютніста Сільвіуса Леапольда Вайса, цыкл Ліцьвінскіх фантазіяў на беларускія тэмы, што прысвечаны Уладзіміру Караткевічу. Акрамя таго, трэба ўзгадаць Прэлюдыі ды Фантазію для гітары, дзе выказана захапленне геніяльным Эйтарам Віла-Лобасам!.. Вы, спадзяюся, не выпадкова ўспомнілі яго? Здзіўляе, наколькі шмат зрабіў гэты чалавек для станаўлення бразільскай нацыянальнай музыкі.
- Дзякуй, Валерый Серафімавіч. З нашай гутаркі я зразумеў, што беларуская гітара развіваецца даволі хутка і што ў яе выдатныя перспектывы.
(Пагоня. – 2000. – 29 чэрвеня)
“МУЗЫКА – МАЁ ЖЫЦЦЁ”
Ёсць цудоўныя людзі: яны вечна маладыя, ад іх ідзе душэўная цеплыня. Гэта прыроджаныя весельчакі і вастрасловы. Такім з’яўляецца гродзенскі кампазітар, кіраўнік дзіцячага ўзорнага ансамбля “Гарадзенскія дударыкі” Яўген Канстанцінавіч Петрашэвіч.
Нарадзіўся ён у вёсцы Падбараны Мастоўскага раёна. З дзяцінства хлопчыка актыжала любоў да народнай песні. Маці мела цудоўны голас, бацька іграў на гармоніку. Таму, відаць, нездарма ён звязаў свій лёс з музыкай. Спачатку вучыўся ў Шродзенскай музычнай школе, а затым паспяхова скончыў Мінскую музычную вучэльню па спецыяльнасцям баян і дырыжыраванне. Музыка становіцца сэнсам яго жыцця.
Пасля вяртання ў Гродна Яўген Петрашэвіч вядзе актыўную творчую і педагагічную дзейнасць. На працягу 18 гадоў працуе ў музычнай школе, дзе некалі сам вучыўся: выкладае баян і кампазіцыю, адкрывае клас цымбал, арганізуе інструментальныквінтэт, з якім паспяхова выступае ў Мінску і Беластоку. Пяць гадоў кіруе аркестравай групай народнага ансамбля песні і танца “Нёман”, столькі ж – аркестравай групай народнага ансамбля танца “Вянок”. У гэтыя гады ён піша вакальна-харэаграфічную кампазіцыю “Залатыя каласы” на словы анатоля Астрэйкі. Яна набывае шырокую вядомасць – выконваецца ў розных кутках Беларусі, Польшчы, у шматлікіх гарадах былога Савецкага Саюза, нават на сцэне Крамлёўскага Палаца з’ездаў у Маскве.
У 1987 годзе Яўген Петрашэвіч стварае тое, аб чым доўга марыў, сваю перліну – дзіцячы фальклорны ансамбль “Гарадзенскія дударыкі”. У 1993 годзе калектыву прысвоена высокае званне “ўзорнага”. Зараз яго ведаюць і любяць не толькі на Беларусі, але і ў Літве, Польшчы, Францыі.
Ужо больш за 50 гадоў Яўген Канстанцінавіч аддае сябе творчай працы, ім створаны сотні песень і вершаў, у якіх услаўляецца родная Беларусь, непаўторная прыгажосць яе прыроды, а таксама гаспадар гэтай зямлі – чалавек з вясёлым адкрытым характарам. Кампазітар выяўляе сваю індывідуальнасць і ў скульптурных формах. Ён стварае з каранёў і галінак арыгінальныя вырабы, якія шчодра раздае сябрам і знаёмым. Ім устаноўлены памятны валун каля Гудзевіцкага краязнаўчага музея. Гаворыць, што гэты камень валодае гаючай уласцівасцю. Майстар падарыў жыхарам дацкага горада Колінга сваю скульптуру “Вікінг”. Петрашэвіч імкнецца да максімальнага творчага самавыяўлення. Ён хоча, каб мастацтва не адрывалася ад народных традыцый і было зразумелае простым людзям.
Сёлета Яўгену Канстанцінавічу спаўняецца 70 гадоў. З гэтай нагоды ў гродзенскім Палацы творчасці дзяцей і моладзі адбыўся канцэрт, праграма якога складалася з твораў прызнанага майстра песні. Зала была поўная. Петрашэвіча прыйшлі павіншаваць дзесяткі прыхільнікаў яго таленту. Яны ўручалі яму незвычайныя падарункі – прысвячалі вершаваныя радкі, разнастайныя музычныя нумары. Здавалася, што шумнае народнае свята віхурай уварвалася на сцэну палаца. І вось закружыў, загаласіў шматаблічны харавод, у першых радах якога – віноўнік свята з яго натхнёным заклікам:
Грайце, дудкі,
Грайце, горны,
І гармонік грай:
Пра цудоўны край наш
родны,
Беларускі край!
Канцэрт адкрыў народны ансамбль песні “Гарадніца” аднайменнай выкальна-харэаграфічнай кампазіцыяй, якую Петрашэвіч напісаў спецыяльна для гэтага калектыву. Затым эстафету падхапілі “Гарадзенскія дударыкі”, станцаваўшы “Польку-дабравольку”. “Гарадніца” ў якасці музычнага сувеніра падаравала харавую апрацоўку напісанай Петрашэвічам на ўласныя словы песні “Дай, Божа, вечар”. Потым у выкананні жаночай групы ансамбля “Нёман” прагучала старая, але дагэтуль любімая слухачамі “Бярозанька” на словы Дануты Бічэль-Загнетавай. А следам – “Не шумі, зялёны явар” на словы Уладзіміра Сасюры і раманс на верш Янкі Журбы “Помню сустрэчу з табой”.
Сярод песень кампазітара нямала прысвечаных гарадам і памятным мясцінам, у тым ліку “Беласток-Беласток”, “Замак Мірскі”, “Навагрудскі замак”, “Варшава – сталіца над Віслай”, “Берасцейшчына”, “Зэльвянка”, “Орля”, “Люблю горад мой” (пра Масты) і шмат іншых. Некаторыя з іх таксама пацешылі слухачоў канцэрта.
Музычныя нумары змяняліся вітаннямі самых разнастайных арганізацый і ўстаноў, а затым – зноў танцы, спевы: зазвінелі задорныя прыпеўкі і па сцэне рассыпалася “Прасліца” – вядомы ў горадзе народны ансамбль танца, кіруе якім заслужаны дзеяч культуры Ніна Залеўская.
Беларус павінен быць
вясёлым,
Весяліць усіх наўкола.
І каб кожны так смяяўся,
Толькі б пуп не развязаўся.
Такія знакі ўвагі расчуляць каго заўгодна, і кампазітар у адказ, у звыклай для яго іранічнай манеры, паабяцаў апраўдаць давер. І зноў – шматлікія віншаванні, і сярод добразычліўцаў – 89-гадовы паэт, заслужаны настаўнік Апанас Цыхун, 90-гадовы кампазітар, заслужаны дзеяч культуры аляксандр Шыдлоўскі, яго былыя вучні Барыс Фадзін, Сяргей Кануннікаў, Уладзімір Навасадаў, заслужаны дзеяч культуры, дацэнт Беларускай акадэміі музыкі кампазітар Віктар Войцік і яшчэ многія іншыя.
А кульмінацыяй аўтарскага вечара стаў імправізаваны хор ўсіх удзельнікаў урачыстасці. Якія разам з ансамблем “Госцінец” пад акампанемент яго кіраўніка Аркадзя Карповіча праспявалі “Беларускі вальс” Петрашэвіча на словы Людмілы Кебіч. І кожны з прысутных адчуў сваю далучанасць да творчасці такога шаноўнага і паважанага чалавека, як Яўген Канстанцінавіч.
І яшчэ. Адна настаўніца агульнаадукацыйнай школы распавяла, што неяк маленькі хлопчык, яе вучань, ішоў па гораду і пазнаў кампазітара Петрашэвіча. Ён сказаў: “Добры дзень”. Той адказаў: “Добры дзень, чалавек”, – і пакланіўся яму! У маленькай істоце ён разглядзеў Чалавека з вялікай літары. Як гэта гуманна і ў вышэйшай ступені інтэлігентна.
(Культура. – 2000. – 11 лістапада)
ВЫСОКАЯ МИССИЯ ПЕДАГОГА
Как-то лет десять тому назад в коридорах Лидского музыкального училища я разговорился с преподавателем теоретических дисциплин и музыковедения, заведующей цикловой комиссией Беллой Ароновной Двилянской, педагогом с огромным опытом и многолетним стажем работы. Я поинтересовался у нее, есть ли смысл начать преподавание композиции в Лиде. Она с энтузиазмом отнеслась к моей идее и поддержала меня. Благодаря ее содействию курс композиции существует в Лидском училище на протяжении девяти лет. Недавно мы встретились и поговорили об актуальных проблемах педагогики.
- Белла Ароновна, каковы успехи в области сочинения музыки у лидских учащихся, кто из них поступил на композиторское отделение Белорусской академии музыки, кто прославил ваше учебное заведение?
- Без ложной скромности можно сказать: наши с вами, Виталий константинович, усилия не пропали даром. В Лиде сложилась своя композиторская школа. Мы приобщили к сочинению музыки многих учащихся и преподавателей, дали им путевку в творческий мир. Пусть не все станут профессионалами, но они никогда не хзабудут свои первые, самостоятельно созданные произведения. Если говорить о самых ярких личностях, то это прежде всего такие выпускники, как Нина Ролик, которая теперь занимается в магистратуре у профессора Дмитрия Смольского и преподает в Белорусской академии музыки, Евгений Ларионов, который закончил композиторское отделение у профессора Евгения Глебова и вернулся на работу к нам, в родные пенаты. Я надеюсь, что он продолжит учебу и достигнет замечательных успехов в творчестве. Хочу вспомнить Наталью Воейкову, которая сейчас учится на композиторском отделении в классе профессора Андрея Мдивани. Нельзя не отметить очень талантливую девочку Ольгу Подгайскую – она в это году также пошла по композиторской стезе, поступила в Академию музыки. Предмет композиции в учебных программах содействует расширению кругозора учащихся, дает творческий импульс будущим музыковедам, исполнителям, вокалистам, хоровикам. Среди наших преподавателей занимаются композицией Сергей Иванович Бугасов, 18 лет работавший завучем, Вероника Васильевна Швец, выпускница Лидского училища и Кишиневской консерватории по классу фортепиано. В Лиде живет известный композитор-песенник Вячеслав Пыпеть, который руководит эстрадным коллективом “Лида-мюзикл” при городском Доме культуры. Все эти людипрошли через ваши руки, Виталий константинович. Вам есть, чем гордиться!
- Белла Ароновна, а кто из них занимался непосредственно у вас?
- Все без исключения учащиеся, поступившие на композиторское отделение Академии музыки, изучали те или иные теоретические дисциплины у меня. Мне было интересно заниматься с ними. Это неповторимые, талантливые, умные, трудолюбивые молодые люди.
- Кто из ваших воспитанников избрал теоретическое отделение музыкального вуза?
- Могу назвать Наталью Ганул, Ольгу Двилянскую. Они пошли по стопам своих родителей, которые преподают теоретические предметы в нашем училище. В этом году поступила в Академию Светлана Жидолович, а еще раньше – Диана Жегздрин, Татьяна Лапко, Елена Буряк, Юлия Курченкова, Елена Коврова.
- Вами созданы новые методики, учебные пособия. Расскажите о них подробнее.
- Существующие методики преподавания гармонии меня не всегда устраивали. Поэтому я разработала свою методику, изложенную в работе “Программа-конспект по гармонии” для средних специальных учебных заведений. Она готовится к изданию в Институте проблем культуры. Кроме того, мною составлен сборник из 150 гармонических задач собственного сочинения, созданы так называемые “опорные листы”, где полностью излагается курс гармонии для среднего звена музыкального образования. Эта работа была издана республиканским методическим кабинетом Министерства культуры. Дважды я получала дипломы первой степени на республиканских конкурсах методических и творческих работ.
- Как вы относитесь к своим ученикам. Какие требования выдвигаете на первый план?
- Поначалу я больше всего ценила талант и музыкальный слух воспитанников, но позднее осознала, что это не главное. Куда важнее ум, добросовестность, требовательность к себе ит увлеченность. Самые лучшие результаты именно у тех ребят, кто живет музыкой, кто не представляет себя вне ее, занимается не ради диплома. И даже скромные музыкальные способности при таком интересе и трудолюбии дают прекрасные результаты.
- Ваши ученики смотрят на мир, образно говоря, широко открытыми глазами, у них значительный багаж музыкальных и гуманитарных знаний. Некоторые избирают творческие профессии. Среди них есть неповторимые индивидуальности. Кто вам дорог, кого вы часто вспоминаете?
- Я считаю, что преподаватель не должен быть “предметодавателем”, как порой выражаются в нашей среде. Я ценю культуру, эрудированность своих учеников и нахожу время не только для обязательной программы, я пытаюсь постичь их внутренний мир, настроения, взгляд на текущие события. У нас часто происходят дискуссии о литературе, музыке, живописи, о жизни вообще. Мое общение с ними не ограничивается учебными часами, прозвеневший звонок не является для меня сигналом окончания занятий. Мы встречаемся и вне класса, беседуем, делимся впечатлениями. Зерна. Которые падают на плодородную почву, всегда прорастают. Да, среди моих учеников есть такие, кого я не могу забыть. Всех я не сумею перечислить, так что не обессудьте. Мне очень дорог Женя Ларионов, он выделялся в классе своим умом, начитанностью. Неподдельным интересом к искусству, был поклонником прозы Владимира Набокова. Часто вспоминаю Наташу Воейкову, разносторонне одаренную девушку. Она рисовала, сочиняла музыку, прилично играла на виолончели. Нередко думаю о Наташе Ганул. Которая отличалась тонким критическим чутьем. Я полагаю, что на музыковедческом поприще она добьется высоких результатов. Вижу перед глазами Нину Ролик, очень оригинального, настойчивого, целеустремленного человека. Пусть уж меня простят другие мои питомцы, кого я не назвала здесь, – я всех их помню и люблю.
- Вы – известный специалист по методикам. Какие работы в последнее время привлекли ваше внимание?
- Я бы отметила две книги: Т.Кюрегян и В.Холоповой о музыкальной форме. Особенно хороша работа Холоповой – удивительно красивый, сочный, понятный русский язык. Это не сухое исследование, аэмоциональное изложение не простого для понимания материала. Читается с огромным интересом. Я с удовольствием беру в руки книги швейцарского психолога и философа Карла Густава Юнга, что немало помогает мне в учебном процессе.
- Кто из преподавателей-теоретиков Белорусской академии музыки оказал на вас заметное влияние во время учебы?
- Неизгладимое впечатление произвела на меня Лидия Сауловна Мухаринская – женщина высочайшей эрудиции, редкостной самоотдачи. Знание языков, фольклора многих стран мира выделяли ее в профессорско-преподавательской среде. ЕЕ содержательные лекции стали для меня второй консерваторией. Общение с нею было дополнительным моральным стимулом. Не могу не вспомнить Таисию Алексеевну Щербакову и Радославу Николаевну Аладову. Их курсы по музыкальной литературе отличались глубиной анализа. Незаурядный уровень мышления и тонкий интлеллект были свойственны Борису Николаевичу Златоверховникову, читавшего курс гармонии.
- Каков уровень преподавания в Лидском музыкальном училище?
- Я работаю здесь пости с момента открытия этого учебного заведения. Юношам и девушкам здесь приывивается высокая музыкальная культура. Приятно смотреть, как их глаза светятся на концертах. Исполнители, музыканты, приезжающие в Лиду, отмечают, что у нас необычно благодарная публика. Все это – плод общих усилий нашего педагогического коллектива. Результаты воспитательной работы налицо. Многие выпускники стали лауреатами республиканских и международных конкурсов. Лидчане играют в известных белорусских коллективах: Государственном оркестре народных белорусских инструментов им.Жиновича, Государственном концертном оркестре Михаила Финберга, поют в хоровой капелле имени Ширмы, в хоре радио и телевидения под руководством Виктора Ровдо. Юрий Рудевич солирует в вокальном ансамбле “Чистый голос”, Иван Кирчук – организатор эстрадного ансамбля “Троица”, Дмитрий Войтюшкевич – участник ныне популярного коллектива “Палац”, один из создателей известного коллектива “Крыві”. Среди училищных коллективов следует выделить народный ансамбль под руководством Тамары Петровны Хорошиловой, цимбальный оркестр, возглавляемый Еленой Эдуардовной Сечко. Лауреатом республиканских конкурсов не раз был оркестр русских народных инструментов под управлением Ниеколая Мякшило, а затем Александра Потапейко. Этим успехам немало содействует администрация училища. Прежний директор Михаил Андреевич Боярович всячески поддерживал инициативу молодых педагогов. Новый директор Константин Николаевич Степанов продолжает традиции прошлых лет, постоянно оказывает помощь в решении творческих задач и вопросов. Так что у нас есть определенные достижения, есть что показать общественности города и республики.
- Редко бывает, чтобы члены семьи посвящали себя одному общему делу. У вас же, насколько мне известно, вся семья музыкальная.
- Мой муж закончил консерваторию по скрипке. Он, как и я, преподаватель училища, заведует цикловой комиссией струнных смычковых инструментов. Он понимает меня, ибо знает, что работа требует огромного напряжения. Я могу уйти на работу рано утром и вернуться лишь затемно. Моя дочь тоже закончила Академию музыки, по специальности она музыковед. У меня очень хороший зять. Он, хотя и не музыкант, тем не менее, поет в хоре, ходит с женой в оперный театр, приобщается к музыке. Если вспомнить моего покойного брата, ученого-физика, то и он обладал достоятоно развитым музыкальным вкусом, ценил произведения Альфреда Шнитке. Брат моего мужа, Аркадий Двилянский, – музыковед, композитор, поэт и писатель. Во всех этих сферах творческой деятельности он достиг высокого профессионализма: создал роман, ряд новелл, сочиняет стихи, издает нотные сборники, записывает компакт-диски собственных песен. Правда, он эмигрировал в США, хотя каждый год приезжает к нам в Лиду, регулярно пополняет репертуар еврейского ансамбля “Шалом”, которым руководит его брат Михаил. Там, в Америке, он сочинил мюзикл “Блуждающие звезды” по роману Шолом-Алейхема. Это спектакль собираются поставить на Бродвее: нашлись спонсоры, талантливый режиссер, сложился исполнительский коллектив, сейчас идут репетиции. Возможно, и ваш, Виталий константинович, американо-белорусский проект мюзикла об Иосифе Бродском с его стихами, будет воплощен в жизнь Аркадием Двилянским. Я надеюсь, что эту постановку увидят зрители, как в Соединенных Штатах, так и в Беларуси. Меня поражает духовное родство братьев, Михаила и Аркадия, их творческое горение. Неукротимая энергия этих энтузиастов заражает окружающих людей, делает жизнь радостной, многогранной, насыщенной созидательным трудом. С ними интересно жить и трудиться.
- Благодарю вас, Белла Ароновна, за беседу. Вы правы, мир становится чуточку лучше и добрее, когда люди служат Красоте и пытаются создавать замечательные творения искусства.
(Аркуш. – 2000. – 23 ноября)
2001 год
МУЗЫКА ГРАТА
Не часто покидаешь концерт с умиротворенным чувством. Кажется, что заботы и треволнения отступают на задний план. Обыкновенно это чудо происходит тогда, когда мы слушаем красивую, ласкающую слух музыку. Чтобы благотворно воздействовать на людей, нужно быть настоящим профессионалом, уметь заглянуть в потаенные уголки их сознания и делать это крайне деликатно.
Такими качествами наделены участники камерного дуэта «Музыка Грата» (что в переводе с латыни означает «мягкая», «приятная»). Ансамбль приехал к нам из Праги. В его составе кларнетист Милан Арнер и гитаристка Петра Элидзерова. Коллектив возник сравнительно недавно, в 1995 году, но уже успел стать лауреатом международного конкурса в польском городе Пшемысле. Скоро выйдет его первый компакт-диск.
Чешский дуэт приглашен на гомельский Фестиваль гитарной музыки. Попутно он дал концерт в Молодечно, в Гродно же заехал, чтобы навестить своего давнего друга, гитариста Дениса Асимовича.
Гости выступили в зале музыкальной школы № 1. Они познакомили аудиторию с малоизвестными произведениями.
Открыла концерт Соната ре мажор Пьетро Локателли. Старинная итальянская музыка звучала просто и строго, без малейшего намека на выспренность. Соната до мажор немецкого композитора XVII века Михеля Генкеля была сыграна непринужденно, легко и свободно. Ее сменила песенно-танцевальная сюита «Шехерезада» современного немецкого автора Ганса Капса. Изнутри просветленными оказались два псалма молодого чешского композитора Павла Смутного. Он угадал творческий темперамент своих исполнителей, кому и посвятил этот духовный цикл. К моему удивлению, в сюите «Четыре пьесы и экспромт» прославленного чешского гитариста и композитора Штепана Рака отсутствовала обычно свойственная ему экспрессивность. Напротив, народные ритмы были преломлены сквозь призму утонченных художественных аллюзий. Публика тепло принимала части из сюиты «Маленький джаз» англичанина Джона Дюарта. Одним словом. Все, что нам довелось услышать, было мило и прелестно.
В часы досуга Милан и Петра любят выезжать на лоно природы, делают восхождение в горы, где погружаются в царство первозданной тишины. Они с удовольствием и много играют для детей, чьей непосредственностью нельзя не восхищаться. Как видим, и стиль жизни, и эстетика исполнительского искусства этих двух музыкантов образуют единое мироощущение. Они словно говорят нам: взгляните, как хрупка человеческая душа, прислушайтесь к себе, к собственному внутреннему голосу, и тогда, находясь в дали от шума и лязга локомотива цивилизации, у вас найдутся силы восстановить утраченную связь с природой, с Космосом. Мне показалось, что артистам из Праги хочется одно: приносить мир и покой в людские сердца.
(Аркуш. – 2001. – 4 января)
ПОЭЗИЯ СТАЛА ЕГО СУДЬБОЙ
Дениса Летуновского трудно не назвать счастливчиком. Кто из молодых поэтов может похвастать, что в 18 лет издал три сборника стихов!?
Я познакомился с ним, когда он учился в Лидской музыкальной школе: парнишка сочинял песни, тексты к которым писал сам. Стихи мне показались незаурядными, я посоветовал Денису всерьез заняться творчеством.
Его успехи превзошли все мои ожидания: вскоре он поступил в Литературный институт им.Горького на отделение поэзии. Престижнейший вуз России, стоящий наравне с пресловутыми ВГИКом и МГИМО!
В канун Рождества Денис Летуновский под эгидой Гродненской филармонии дал ряд авторских концертов на родине. Старшеклассники лидских школ смогли познакомиться со стихами и песнями начинающего поэта. В перерыве между его выступлениями я побеседовал с ним.
- Денис, давно ли ты сочиняешь стихи?
- Первые опыты относятся к 9-летнему возрасту. К 15 годам я понял, что в стихах – моя жизнь. Именно тогда я издал свою первую книжку «Вечность». В 17 лет увидел свет поэтический сборник «Продолжение», а в 18 – «Я остаюсь с тобой».
- Какие обстоятельства побудили тебя заняться поэзией?
- Обстоятельства здесь не при чем. Можно жить поэзией, и тогда невозможно не писать. Можно просто существовать – и тогда лучше не браться за перо.
- Три сборника – это немало. Лермонтов, например, увидел только один, исключая журнальные публикации. Кто помог тебе? И что ты хотел сказать читателям?
- Первая книжка увидела свет в Лиде с помощью издательства «Оникс», две другие выпущены в Минске издательским товариществом «Хата». Тематика моих стихов самая разнообразная: это взаимоотношения между людьми, природа, зарисовки, размышления о прекрасном и, конечно же, о Боге.
- Поступить в Литературный институт, как известно, непросто. Очень большой конкурс.
- В жизни нет ничего невозможного. Мне потребовались настойчивость и горячее желание учиться.
- На каком отделении и у кого именно ты занимаешься?
- У профессора И.О.Волгина. Это отделение литературного творчества (поэзия).
- Каким тебе видится современный мир? Какие теории, идеи, философские и религиозные учения тебе близки?
- О прошлом, настоящем и будущем мире можно говорить до бесконечности. Но попробую коротко сформулировать. Каким вы хотите видеть мир – таким вы его и увидите. Каковы люди – таково и общество. Я принимаю только те идеи, которые не подразумевают насилия над личностью, давления на нее. А религия существует только одна, это религия любви. Человечество едино, и говорит оно языком сердца.
- Кто из поэтов близок тебе по духу?
- Моим первым «учителем» был Иосиф Бродский. Очень нравятся такие наши современники, как Михаил Шишкин, Белла Ахмадулина, Валерий Роньшин, Бахыта Кенжеев.
- Какой тебе видится поэзия ХХI века?
- Это свободная мысль в свободной форме, полная любви и окрыленности.
- Над чем ты сейчас работаешь?
- На первом плане, конечно, учеба: контрольные работы, экзамены. Много читаю, пишу. Закончил очередной поэтический сборник, остается его издать. Вдобавок к этому пишу роман.
(Аркуш. – 2001. – 18 января)
ЧУДЕСНЫЕ МЕЛОДИИ ДИНАРЫ МАЗИТОВОЙ
Я глубоко убежден в том, что творчество преображает мир. Музыка талантливого композитора дарит людям эстетическое наслаждение, волнует, трогает их. Конечно, бывает и по-другому. Порой слушаешь в зале этакий экстравагантный модернистский шедевр и недоуменно спрашиваешь себя: «Или я еще не дорос до автора, или же он слишком перерос меня!» Глупая ситуация.
На концертах Динары Мазитовой так не случается. Эта девочка приобщилась к сочинению музыки в 7-летнем возрасте – и вот уже почти 10 лет, не сворачивая, идет по избранной стезе. Ее музыка не утратила свежести и яркости, она по-прежнему радует и увлекает, хотя мы знаем, что многие из ее вещей были написаны в детском возрасте. Мелодии Динары будят воображение людей, не перестают им нравиться!
Подтверждением тому служат авторские концерты молодого дарования, прошедшие в ее родном городе Лида, а также в Лидском районе накануне Рождества и Нового года.
Сейчас Динаре Мазитовой 16 лет, она учится в 11 классе Республиканского комплекса гимназия-колледж при Белорусской академии музыки. Несмотря на молодость – это сформировавшийся композитор и прекрасная пианистка. Именно поэтому Гродненская филармония рискнула организовать ряд пробных концертов, и не прогадала! Выступления Динары в средних школах и детских садах без преувеличения можно назвать триумфальными. Ребята с редким энтузиазмом принимали яркую, живую, образную музыку белорусской «зорачкі». Она написала две оперы и три балета, десятки (если не сотни!) произведений для фортепиано, скрипки, виолончели, флейты, множество песен и романсов на стихи восточных, русских и белорусских поэтов. Это творческий багаж взрослого композитора, а не ученицы школы!
С огромным интересом принимали музыку Динары учащиеся Лидского педагогического училища. Им, будущим преподавателям, выпала редкая возможность познакомиться с нынешним уровнем развития детей, узнать поближе, чем живет и дышит современный одаренный молодой человек. Это, безусловно, пригодится им в будущей самостоятельной работе. Нельзя не вспомнить о новом директоре педучилища Наталье Евгеньевне Кудерко. Она неизменно проявляет внимание и чуткость к творческим людям, следит за прогрессивными тенденциями в современной педагогике. Надо ли говорить, что она охотно согласилась организовать вечер Динары в своем учебном заведении!
Следующее выступление состоялось в Березовской музыкальной школе, где Динара открыла новый концертный зал. Приятно удивила хорошая акустика помещения, чудесный рояль и внимательная публика. После ее вдохновенной игры некоторые из детей изъявили желание сами писать музыку. И такая возможность у них появилась благодаря директору школы Веславе Ивановне Сычевской! И кто посмеет утверждать, что творчество не в силах изменить нашу жизнь?
Не менее внимательно принимали Динару самые юные слушатели из детских садов. Они мгновенно узнавали, каждый образ, изображаемый в ее пьесах: Зиму, Осень, Весну или же Лето. Как двух-, так и пятилетние ребятишки вновь и вновь просили сыграть такие миниатюры, как «Ворона и Воробей», «В лесу», «Танец птичек», «Кузнечик». Их восторгу не было предела. В свою очередь и Динару удивили прибранные, теплые, сплошь и рядом украшенные зеленью помещения, где играет и учится детвора. Как не поблагодарить заведующую яслей-сада № 29 Светлану Ивановну Дадькову, ее заместителя Галину Симоновну Щукалову, музыкального руководителя Людмилу Ивановну Парфенову! Эти высококвалифицированные специалисты делают все для гармонического развития подрастающего поколения, прививают малышам человечность и любовь к прекрасному.
Особенно приятной и запоминающейся была встреча в родной лидской школе № 17, где Динара Мазитова училась перед тем, как уехала в Минск. Ее директор, Галина Яковлевна Бахтерит, всегда выказывала повышенное внимание к исключительно одаренной девочке, что позволяло ребенку успешно совмещать учебу в общеобразовательной и музыкальной школах, многократно выезжать на концерты, фестивали, конкурсы. Не удивительно, что директор и теперь приняла свою недавнюю ученицу сердечно и тепло.
С музыкой Динары также познакомилась молодежь Лидского музучилища, Лидской музыкальной школы, СШ № 4, СШ № 14 и малыши яслей-сада № 27. Стоит назвать их руководитей: К.И.Степанова, В.Ф.Колодко, С.И.Скорба, А.А.Пасканова, К.В.Дамшель.
Смело можно сказать, что впервые в Белоруссии музыка молодого автора была так широко представлена во время гастролей. Надо признать, что творчество Динары Мазитовой – весомая лепта в сокровищницу национальной культуры, немалый вклад в дело нравственного и эстетического воспитания подрастающего поколения. Так, в концертную программу были включены отрывки из оперы «Волшебная флейта», фрагменты балетов «Дюймовочка» и «Торт в небе», сюиты «В лесу», «Незнайка и его друзья», «Восточные танцы», «Сельские сцены», разнохарактерные пьесы.
Музыка молодых и для молодых – это, пожалуй, наиболее действенное и эффективное средство в пропаганде музыкального искусства. Гастроли Динары открыли новую сферу, где юные белорусские исполнители и композиторы могли бы реализовывать свой талант. А ведь таких самородков у нас немало, Динара – отнюдь не исключение. Тем не менее, наши будущие знаменитости брезгуют белорусской глубинкой, их манят концертные залы европейских столиц! Неверное и в чем-то аморальное стремление. Не отдав долг тому обществу, которое тебя взрастило и вскормило, преждевременно искать сытных хлебов за рубежом. Динара с редкой самоотдачей концертирует у себя на родине, даря сверстникам возможность оценить результаты своего 10-летнего композиторского труда.
Нынешние гастроли были организованы Гродненской областной филармонии (директор Эдуард Тихович) при содействии советника-консультанта Администрации Президента Республики Беларусь Нины Павловны Марченко. Удовольствие открывать и вести концерты Динары Мазитовой выпало мне, ее учителю по композиции.
А в заключение приведу несколько отзывов наших благодарных слушателей.
«На уроках методики музыкального воспитания часто приходится подбирать музыку для дошкольников. Главное требование к ней – доступность и образность. Концерт Динары Мазитовой я бы назвала программным. Она исполняла именно такую музыку – яркую, выразительную, запоминающуюся» (Светлана Фельдман, преподаватель Лидского педучилища).
«Ее музыка завораживает, чарует, переносит маленьких слушателей в сказочный мир, полный добра и красоты, который так близок и понятен детям» (Людмила Парфенова, музыкальный руководитель яслей-сада № 29).
«Нам очень понравились чудесные мелодии, придуманные Динарой. Есть с кого брать пример». «Вся школа гордится тем, что она была нашей ученицей». «Приглашаем ее вновь к нам в гости. Будем ждать с нетерпением» (Оля Романовская, Наташа Капачель, Аня Смолич, ученицы СШ № 17).
(Аркуш. – 2001. – 18 января)
В НЕМ ГОРИТ ДУХ ТВОРЧЕСТВА И СОЗИДАНИЯ
Есть люди, дружеские отношения с которыми сохраняются долгие годы. Евгения Поплавского я узнал десятилетним мальчиком. Он был тогда участником Гродненского областного смотра юных композиторов, а я – организатором и председателем жюри этого конкурса. Сейчас ему исполнилось 40, так что наше знакомство можно смело назвать давним, испытанным временем. Им пройден большой отрезок творческого и жезненного пути. Начинающий музыкант стал известным белорусским композитором.
Недавно мы встретились с Евгением Владимировичем и обстоятельно поговорили о его музыке.
- Скажите, где вы учились, у каких педагогов? Кто из них оказал на вас заметное влияние?
- В 1981 году я поступил в Белорусскую государственную консерваторию. До 1985 г. учился по композиции в классе профессора Игоря Лученка, затем перешел к профессору Дмитрию Смольскому. В 1986 г. получил диплом, после чего несколько лет работал в Минске. В 1989 г. меня приняли в Москве в Союз композиторов (Белорусский союз композиторов почему-то счел это нецелесообразным). В том же году я стал ассистен6том-стажером Ленинградской консерватории.Мне очень повезло, что именно тогда в Ленинграде проходил фестиваль современной немецкой музыки. Его панорама была очень широкой. Произвели огромное впечатление концерты Берлинского симфонического оркестра имени Герберта фон Караяна, балетные спектакли Ноймайера, постановки Штутгартского оперного театра, который представил две оперы: это “Соломея” Рихарда Штрауса и “Солдаты” Циммермана. Современная музыка лавиной хлынула на меня широко раздвинула мой музыкальный кругозор. Многое из того, что я услышал, было неизвестно для советских музыкантов, никогда не исполнялось на наших сценах.
В 1991 году под Санкт-Петербургом, в Репино, проходил мастер-класс по композицииТуда приехали такие мэтры, как профессор Амстердамской консерватории Роланд и профессор Парижской консерватории Тон де Леюв. Были еще композиторы из США, Германии. Швеции, Финляндии, Польши, которые рассказывали о музыке ХХ столетия. Мы ежедневно по 18-20 часов прослушивали сотни магнитофонных записей, компакт-дисков. Мир для меня словно перевернулся. Я начал смотреть на многие вещи другими глазами. Тогда я работал над своими симфоническими эскизами “Порозово”. В них уже использованы мои новые наработки в области музыкального языка, колористики и сонорной техники письма. На этом завершился мой “санкт-петербургский” период.
- Итак, период учебы закончился, настала пора самостоятельных решений и поступков.
- Вернувшись в Минск, я загорелся идеей организации международного фестиваля современной камерной музыки. Меня поддержал Союз композиторов Беларуси в лице тогдашнего секретаря Олега Елисеенкова. Этот проект был реализован в 1991 году. К нам приехали такие известные музыканты, как американский композиторАлександрос Калогерос из Бостона, немецкий композиторФранц Иоганн Херферт и гость из Швеции Микаэль Эдлунд. Наряду с произведениями этих авторов звучала и моя музыка.
- Вы были одним из организаторов Белорусской капеллы.
- Да, со дня основания и в течение 5 лет я был ее директором. Мы провели за это время около 10 национальных и международных фестивалей самого разнообразного характера и содержания: три из них – современной музыки в 1991. 1993 и 1995 годах, и старинной, где звучали произведения забытых композиторов от глубокой древности до начала ХХ века, в том сисле и белорусов, которые эмигрировали на Запад.
- Позже вы продолжали учебу за границей, не так ли?
- Польское посольство предложило мне стажировку. Я провел 1 год и пять месяцев в Гданьской академии музыки, и 4 – в студии электроакустической музыки в Кракове.
- В связи с этим я хотел спросить: как ваша музыка принимается за рубежом, кто и где ее исполняет?
- Могу сказать: ее встречают очень хорошо. Так, в 1997 году моя симфония “Lux aeterna” («Вечный свет») для тенора, хора и симфонического оркестра звучала на торжествах, посвященных тысячелетию Гданьска. Солировал ведущий польский тенор Петр Кусевич (он, кстати, постоянный участник всех премьер Кшиштофа Пендерецкого), были задействованы сводный хор академии музыки и университета, симфонический оркестр Балтийской филармонии под руководством главного дирижера Зигмунда Рихарда. Любопытно отметить, что к гданьским празднествам была заказана музыка пяти авторам: тому же Пендерецкому, трем композиторам из Швеции, Германии, Польши – и мне!
- Это неординарный факт! Следовало бы и у нас сделать так, чтобы к юбилейным датам те или иные города заказывали музыку – духовный облик страны, несомненно, изменился бы в лучшую сторону. Какие еще ваши произведения исполнялись в Польше?
- В 1988 году на 10-м Краковском международном фестивале моя Соната для альта и фортепиано была сыграна солистом квартета «Кракове» Михаилом Ференсом и белорусским пианистом Олегом Кримером. Рецензии оказались весьма доброжелательными, завязались тесные контакты с польскими музыкантами, например, с председателем Союза композиторов Кракова Ежи Станкевичем. Станкевич, кстати, «литвин» по происхождению – он родился в Вильне, а его дет жил вообще в белорусской глубинке, близ Нарочи. Благодаря содействию Станкевича на следующем международном фестивале, уже 11-ом («Дни музыки краковских композиторов»), мое крупное произведение «Dea Luna» исполнялось симфоническим оркестром Краковской академии музыки. В этом же концерте звучали произведения поляка Яблоньского и боснийца Менджи Менджиджи. В концерте электронной музыки была представлена моя композиция «Коррозия времени». Пришлось выдержать жесткую конкуренцию, прежде чем войти в программу данного мероприятия. Оно происходило в Центре японского искусства, который построил и постоянно финансирует всемирно известный кинорежиссер Анджей Вайда. Мне повезло, что на этом концерте совершенно случайно присутствовали члены репертуарной комиссии престижнейшего фестиваля современной музыки «Варшавская осень». Они отобрали оба моих произведения. Коллеги из Финляндии в том же 1999 году заказали мне электронное произведение, которое я уже создал и даже записал на компакт-диск.
- В 1999 году вы участвовали в международном конкурсе хоровой музыки в Праге, где было представлено, как мне известно, 176 партитур.
- К моему большому удовольствию, я занял там второе место и получил звание лауреата. Я представил цикл хоров «Погода уже поздней осени» на стихи польского поэта Леопольда Стаффа. Произведение написано во время стажировки в Гданьской академии музыки и предназначено для смешанного хора и ударных инструментов.
- Наконец, в 2000 году вас пригласили на «Варшавскую осень». Расскажите подробнее об этом замечательном событии – ведь впервые за 43 года существования фестиваля в нем приняли участие композиторы из Беларуси!
- Из белорусской музыки в программу фестиваля вошло сочинение «Стронций-90» Сергея Бельтюкова, навеянное чернобыльской тематикой, и моя работа, специально заказанная мне для этого фестиваля. Я назвал ее «Light on the Path» (что по-русски означает «Свет на пути»), ибо тогда находился под впечатлением эзотерических трудов Коллинз, Гурджиева, Блаватской, Успенского. Что касается премьеры – то я совершенно напрасно волновался. Ансамбль «Классик-Авангард» сыграл мое произведение замечательно. Для меня очень важно, что «Light on the Path» вошел в «Хронику Варшавской осени» – это сборник записей на CD тиражом около 500 экземпляров, который в комплекте фестивальных сочинений рассылали по всему миру.
- Так в чем же секрет успеха вашей музыки в Польше, да и на Западе в целом? Мне кажется, современная тенденция такова: абстрактная музыка как бы возвращается к традиционному стилю, реализму. У вас иной подход: от образной реалистической музыки к абстрактной. Для Запада это – противоестественное движение, движение вспять. Вы же развиваетесь последовательно, еще не утратили полнокровную жизненную энергию. Так ли это?
- Разница заключается прежде всего в глубине мысли, в оригинальности замысла, внутренней культуре композитора, в его стремлении быть просвещенным, образованным человеком. Надо уметь разбираться во всех видах и формах искусства, во всех его направлениях: живописи, литературе, пластике. Нужен синтетический образ мышления. Этим, как вы помните, мы занимались с вами, когда мне было 16 лет, и вы были моим учителем по композиции. Вы тогда приобщали меня к всеобъемлющему гуманистическому знанию. Включая философию и религию. Сейчас я понимаю: не проходит даром ни одна встреча, ни одна беседа с творческими людьми. Хорошо помню, как вы меня познакомили с художниками Николаем Бущиком, Алесем Циркуновым, Анатолием Кузнецовым, помню встречи и беседы с поэтами и литераторами – их взгляд на искусство, на то, кто и как должен его создавать, помогал становлению моего собственного творчества. Жизненный опыт и эмоциональное восприятие мира – вот первооснова для формирования личности художника. Забавно высказался Марек Холоневский, профессор Краковской академии музыки, что во мне будто бы находится какой-то компьютер, который вбирает в себя краски, образы, впечатления. Философские концепции – и перерабатывает их в звуковой, а затем и нотный материал.
- Речь идет о высокой духовности. Ведь мало быть узким специалистом, ремесленником в худшем смысле этого слова.
- Согласен. Высокая духовность – это первое, оригинальность замысла – это второе необходимое условие. И третье – это то, что абстрактное мышление не должно порывать с традициями. Старые формы не уничтожаются, не исчезают бесследно, остаются их очертания, хотя сама музыка нередко приобретает современное вселенское звучание.
- Замечательно, что у нас в Беларуси родился композитор, способный вбирать в себя, аккумулировать богатейшее общечеловеческое наследие и создавать оригинальные произведения, которые вызывают большой интерес у западной публики. Евгений Владимирович, я знаю, что вы не только композитор, вы также проявили себя, как исследователь белорусской музыкальной истории. Вы провели массу времени во многих библиотеках и архивах как Европы, так и России, собирая, ноты забытых и малоизвестных авторов. Вы возвратили на родину богатейшее культурное наследие, которое стало ныне национальным достоянием, – то, без чего немыслим наш белорусский менталитет. Еще несколько лет назад о многих ярких талантах нашей земли мы даже не слышали, а теперь их сочинения исполняются в лучших концертных залах республики. Какие находки вы считаете наиболее значительными?
- Возьмем, к примеру, Джованни Паизиелло. Это итальянский композитор. Его опера «La finta amanta» долгое время считалась утерянной, о ней нет свидетельств в итальянских, немецких и польских справочных изданиях. Мне же посчастливилось отыскать список партитуры (к сожалении., не оригинал) в Санкт-Петербурге. Опера была заказана императрицей Екатериной по случаю высочайшего визита в белорусский город Шклов, которым тогда владел ее фаворит граф С.Г.Зорич. Этот вельможа держал собственную капеллу и был известным меломаном. Вторая крупная находка – рукопись «Te Deum laudamus» Осипа Козловского (который, кстати сказать, уроженец Белоруссии). Он создал крупное полотно для двух хоров, симфонического оркестра, органа и солистов по заказу императора Александра I. Следует отметить, что католическое произведение на латинский текст было посвящено православному царю. Довольно редкое явление в истории духовной музыки! Еще одна удача: опера Антония Генриха Радзивилла «Фауст»! Клавир этой вещи я нашел в Санкт-Петербурге, а партитура хранилась в библиотеке Ягеллонского университета в Кракове. Недавно оперу исполнили в Национальном оперном театре. Нельзя не вспомнить и Константина Горского, скрипача и композитора конца XIX – начала ЧЧ века. У него интересная судьба. Родился он в Лиде, в дворянской семье, учился в Вильне и Варшаве, затем поступил в Санкт-Петербургскую консерваторию, где занимался по скрипке в классе Ауэра, по композиции – у Римского-Корсакова. Позже, он сотрудничал с Русским музыкальным обществом, много концертировал по России, играл под руководством Ипполитова-Иванова. Особое место в его биографии занимал Чайковский, Скрипичный концерт которого он исполнял с блеском. Есть свидетельства, что на одном из выступлений Горского в Тифлисе Петр Ильич даже проронил слезу умиления. После революции он безуспешно искал работу в Минске, Варшаве, пока не остановился в Познани. Здесь он был концертмейстером оркестра оперного театра. В 1924 году, уже после смерти выдающегося музыканта, его близкий друг Эдвард Вроцкий поставил оперу «Маргер». Ее материалы и другие его сочинения я разыскал в познанских и варшавских архивах, хотя, увы, партитура пока не найдена. Впрочем, я привез в Минск ксерокопию клавира, который был издан в Санкт-Петербурге в 1903 году. Я продолжаю поиски.
- Несколько отвлекаясь от темы беседы. Мне приятно сообщить вам, что в середине 90-х годов. Опираясь на ваши исследования о выдающемся скрипаче и композиторе, мы организовали в Лиде традиционный конкурс молодых исполнителей имени Константина Константиновича Горского. На него каждый год съезжается до 70 участников!
- Приятная новость!
- Продолжим наш список. Какие еще имена вы назовете, какие творения, погребенные в архивной пыли, с вашей легкой руки стали достоянием общественности?
- Трудно все перечислить. Это произведения и Наполеона Орды, и Софьи Радзивилл, и Флориана Милодовского, и семьи Ельских, и многих, многих других.
- Очевидно, разысканные вами ноты забытых композиторов постепенно начали издаваться?
- В 1998 году был издан труд Гайя де Пикардо «Церковная музыка на Беларуси» под моей редакцией. Увидел свет еще один сборник – «Религиозная музыка на Беларуси». В него вошли хоровые произведения от песнопений, посвященных святой Ефросинье Полоцкой, творений Титова на тексты Симеона Полоцкого и до авторов ХХ века – Щеглова-Куликовича, Равенского, Туренкова, делавших хоровые переложения псалмов Жировичского монастыря для смешанного хора. Это – фактически полная 1000-летняя антология духовной музыки! Сейчас в Польше издается серия нотных сборников современных белорусских композиторов. На книжных полках уже появились Соната для контрабаса Галины Гореловой, Интабулатура Александра Литвиновского и моя альтовая Соната. Готовятся к печати и другие сочинения. Издательство «Brevis» находится в Познании, возглавляет его известный композитор Лидия Зелиньская. Она, кстати, не раз приезжала в Белоруссию и знакомила нас со своим творчеством. Хочется подчеркнуть, что в выпуске этой серии оказывает активную помощь Белорусский институт проблем культуры.
- Подводя итог, можно сказать, что вы и композитор, который сочиняет сложные синтетические произведения, и подвижник национальной культуры. Вы открываете новые пласты старинной музыки и пропагандируете современное музыкальное искусство. Мне почему-то кажется, что вы из скромности рассказали едва ли десятую долю того, что фактически сделали. Надеюсь, что наши встречи на этом не кончается, вы поделитесь новыми творческими достижениями и исследованиями.
- Пусть будет так. Моя мечта – поднять белорусское музыкальное искусство на более высокий уровень. Конечно же, будут и новые произведения, и новые находки, и новые издания.
(Аркуш. – 2001. – 1 февраля)
ЖИЗНЬ В СОДРУЖЕСТВЕ С МУЗАМИ
Встречаются люди, которые излучают добро, энтузиазм, одухотворенность. Они одержимы творчеством: живут в нем, сами создают произведения искусства и всячески поощряют художественные опыты других. Вокруг них пульсирует атмосфера радости, дружелюбия. В их обществе отдыхаешь, будто попал в свиту избранных, тех, кто не обременен хлопотами будней. Это атмосфера ежедневного праздника. Призвание таких личностей – украшать нашу жизнь, дарить гармонию и красоту, призывать нас самих приобщиться к благородным свершениям.
Такова Людмила Кебич – музыкант-педагог, заместитель директора по воспитательной работе Гродненского училища искусств. Недавно вышел в свет ее первый сборник стихов. Как видим, вся ее жизнь непрерывно связана с Музами!
Я попросил Людмилу Антоновну, поэтессу от Бога, как мне кажется, и просветительницу по призванию, рассказать о себе, ибо по сей день нахожусь под неизгладимым впечатлением от ее духовного облика.
- Когда в Вашей жизни впервые появилась музыка?
- Музыка всегда была рядом, с самого рождения. Мой папа – меломан в лучшем смысле этого слова. В его коллекции была русская и зарубежная классика, хранились и популярные грампластинки. Арии из опер, инструментальные пьесы Глинки, Чайковского, Глазунова звучали в нашем доме ежедневно. На них я и выросла. Кроме того, у отца был чудесный голос, лирический тенор. Он постоянно напевал красивые народные мелодии, в юности мечтал стать оперным певцом, но все его планы разрушила война. Он стал историком, хотя и не бросил музыку: выучился играть на мандолине, балалайке, гитаре, аккордеоне, обучал этому и меня. Вскоре я поступила в Волковысскую музыкальную школу по классу фортепиано, а позднее – в Молодечненском музыкальном училище на теоретическое отделение.
- Давно ли вы пишете стихи?
- С раннего детства. Это у меня от мамы. Она у меня учительница начальных классов, писала стихи для своих учеников, для нас, ее троих детей, печаталась в районной, областной и республиканской прессе. Совсем недавно появилась ее книжка стихов для младших школьников. Свое первое стихотворение я написала в первом классе, называлось оно «Весна». В школе предложили сочинение на эту тему, и я почему-то выполнила задание стихами. Я тогда этого не осознавала. Учительница пошутила: дескать, не помогла ли мне мама. Тогда трудно было что-то доказать, но теперь в моих способностях к сочинительству убедились все учителя. Я закончила филологический факультет Гродненского университета, причем русское отделение, однако пишу только на родном белорусском языке. Гены, что ли, победили?
- Кем вы мечтали стать в детстве?
- Вначале – режиссером и сценаристом. На лестничной площадке нашего дома я разыгрывала с детворой настоящее театрализованное представление. Все придумывали сами: героев, сюжет, наряды, оформление нашей импровизированной сцены. Даже продавали билеты по 20 копеек, правда, после спектакля деньги возвращали нашим маленьким зрителям, чтобы те приходили на следующие спектакли. В средних классах школы я была увлечена литературой и мечтала о журналистике. Победила все же любовь к музыке, а точнее – к музыкальной литературе. Это было именно то, что нужно: синтез двух искусств. Позднее я назвала свой первый сборник стихов «Па музычных законах».
- Как долго вы работаете в Гродненском училище искусств?
- Почти тридцать лет. Сначала была преподавателем музыкально-теоретических дисциплин. Кстати, в то время я была единственным в училище педагогом со специальным теоретическим образованием. Потом десять лет возглавляла цикловую комиссию, и вот уже шестой год являюсь заместителем директора по воспитательной работе.
- Какими принципами вы руководствуетесь в своей нынешней должности?
- Очевидно, не я первая скажу, что воспитание – самая трудная, необъятная, невидимая и неблагодарная работа в мире. Впрочем, насчет последнего определения можно спорить. Я считаю, что на первом месте стоит все же не обучение, а воспитание. Хотя эти процессы взаимосвязаны, ведь совершенно недостаточно обучить юношу или девушку основам профессионального мастерства, нужно выковать в нем душу художника, музыканта, режиссера. Поэтому в мое работе главный принцип один: каждый человек – чудо, и поэтому надо увидеть, рассмотреть и почувствовать его душу. После этого надо создать ему все условия для самовыражения, позволить ему в полной мере раскрыть свои человеческие и профессиональные качества. Я часто провожу встречи с интересными творческими личностями Гродненщины – поэтами, музыкантами, композиторами. Это и конкурсы по профессиям: культорганизаторов, баянистов-аккордионистов, чтецов, исполнителей народных песен и частушек, плакатистов. В январе этого года мы подвели итоги конкурса на лучшее общеучилищное мероприятие уходящего столетия. Разумеется, наши учащиеся могут проявить свои способности в многочисленных кружках и спортивных секциях. В общем, делается все для того, чтобы наши талантливые ребята не потерялись в массе таких же талантливых, подобных им сокурсников, не разочаровались в избранной профессии, прижились у нас, впитали атмосферу доброжелательности и творчества, стали хорошими специалистами. Конечно, бывает трудно. И в этот момент на помощь приходят стихи. Складываются, например, такие строки:
Намерзнуцца б, напіцца б
чабарочку,
Залегчы на бабулінай пячы,
Заплюшчыць вочы, звіцца б
у клубочак
І ні аб чым не бумаць,
ні аб чым.
Хай з’енчыцца мяцеліца
над хатай,
Залье ўсё дожд і вецер
злы вішчыць…
Зрабіцца б ватнай або
глухаватай
І ні аб чым не бумаць,
ні аб чым.
Не ўздрыгваць ад рыпення
аканіцы,
Разлезціся, як толькі
ўзяты мёд,
І каб не змог мне нават
ты прысніцца
Ні сёння, ні праз тыдзень,
ні праз год.
- В нашем городе хорошо известен семейный дуэт Людмилы и Геннадия Кебич. Какие песни вы поете, как рождаются эти мелодии?
- Приятно слышать, что наши выступления не прошли незамеченными. Действительно, мы с Геннадием Ивановичем нередко выступаем в средних школах. ПТУ, других коллективах со своими, так сказать, «творческими отчетами». Мой муж – прекрасный музыкант, преподаватель по классу баяна, талантливый композитор. Он пишет не только песни, но и серьезные классические пьесы, обработки народных песен. Гродненской областной методический центр народного творчества издал сборник песен Г.И.Кебича на мои стихи «Чароўны лістапад». Материала у него хватит еще на несколько таких сборников, да и у меня скопилось много новых стихов. Хотелось бы это издать, но пока не видно спонсоров. Где вы, меценаты, ау? Вообще мне кажется, что в Минске нас с мужем любят больше, чем в Гродно. Когда заходит речь о публикации стихов или песен, там нас встречают радушнее.
- Как мне известно, песни на ваши стихи звучат в исполнении профессиональных артистов, музыку на ваши слова пишет не только ваш муж, но и другие композиторы. Кто именно?
- Хочется сказать слова огромной благодарности в адрес нашего прославленного белорусского дуэта, Ядвиги Поплавской и Александра Тихоновича, за их поддержку. Внимание и умение слышать. Ведь именно Ядя первая написала музыку и исполнила песню на мои слова «Зорны сон»! позднее подключился Виктор Войтик с «Речной музыкой» и Олег Елисеенков со «Штучнай любоўю». Поскольку песенных текстов у меня немало, я бы охотно стала сотрудничать и с другими композиторами.
- Где исполнялись ваши песни? Какие награды на конкурсах вы получили?
- Некоторые из наших песен звучали в исполнении молодых солистов и коллективов на республиканских конкурсах в Минске, Молодечно, на «Славянском базаре» в Витебске, на «Зорнай ростані». Сами мы с мужем – лауреаты 1-го городского конкурса эстрадной песни «Песня над Нёманам» и 1-го областного фестиваля-конкурса композиторов Гродненщины, на котором была отмечена песня «Кубачак кавы». Кстати, этот яркий, необычный фестиваль очень порадовал меня. Довелось увидеть столько интересных, талантливых людей различных возрастов, что впечатления живы и поныне.
- Что вы можете сказать о поэзии Гродненщины? Есть ли какая-то принципиальная разница между поэтами и поэтессами, между стихами «мужскими» и «женскими»?
- Я считаю, что женская поэзия (по крайней мере у нас на Гродне6нщине) гораздо сильнее и лиричнее мужской. У меня даже есть на эту тему такие строчки:
Не папракайце за
банальнасць
Мае жаночыя радкі,
І за мінорную танальнасць
Не папракайцу, мужыкі.
Вам да спадобы рэчаіснасць,
Дзе гучна бразгаюць клінкі.
Я ж у сабе шукаю існасць.
Не папракайце, мужыкі!
Вам бы па плошчы
маршам крочыць
Або гісторыю вяршыць.
А я блукаю па жаночай
Непрадказальнасці душы.
Імчаць няўрымслівыя коні
Вас, таямнічых, праз вякі.
Я ж перад вамі – на далоні.
Не папракайце, мужыкі!
Што рыфмаў модных
не шукаю
(Яны ж у мове – чужакі!),
І з родных слоў вянкі звіваю –
Не папракайце, мужыкі!
Сучасных слоў паток
абвальны
Не растрывожыць пачуццё.
Калі ж любоў і кроў
баналны,
Табы банальна і жыццё.
Мне кажется, гродненская поэзия немыслима без Ларисы Гениуш и Дануты Бичель-Загнетовой. Для меня интересны стихи Марии Шевченко, Алены Руцкой, нравятся стихи для детей Татьяны Сучковой и Лидии Проничевой. По долгу службы (я с некоторых пор редактирую рубрику «Литературная гостиная» в гродненском еженедельнике «Аркуш») мне приходится читать множество стихов, авторы которых – молодежь. Радуюсь, стараюсь помочь, если вижу хоть какое-то зернышко таланта. Как не гордиться за нашу славную Гродненщину! А женщинам (не только «поэтессам, а всем без исключения!») хочу пожелать душевного равновесия, поменьше домашних забот, да чтобы мужчины не досаждали нам своими сверхлогичными поступками.
- Когда работа, творчество, семейная жизнь приносят удовлетворение, когда будни кажутся праздниками, когда бытие предстает радостным и торжественным, – жизнь удалась. Как вы полагаете, ваша жизнь удалась?
- Как всегда, самые трудные вопросы вы приберегли на конец беседы. Я не могу вот так сразу, сходу на них ответить. Во всяком случае, сейчас не могу сказать однозначно. Раньше, когда мои дети были поменьше, мы с мужем помоложе, работа попроще – тогда все было ясно и понятно. Сейчас иначе. Вероятно, возросли требования к себе и окружающим. Мне бы хотелось достичь большего в деле воспитания собственных детей, постоянно писать стихи и песни. Мне кажется, необходимо, чтобы изменилась общественная оценка творческих людей, чтобы их любили и поддерживали, чтобы каждого работника и каждую личность рассматривали с точки зрения его творческой инициативы, чтобы думы о хлебе насущном не заслоняли размышления о высоком, духовном, прекрасном.
- Верите ли вы в человека и что такое, по вашему мнению, счастье?
- Конежно же, верю. Думаю, что очень скоро наша жизнь переменится к лучшему, что в 2017 году в книжных магазинах народу будет побольше, чем в колбасных, что там на полках будут стоять не американские бестселлеры, а книги белорусских авторов на родном языке. Вот это и есть счастье. Смеетесь? А что, нельзя помечтать?
Не ведаю, ці маю крылы,
Але часамі ў думках-снах
На голас Музы, спеўны, мілы,
Лячу ў нябёсы, нібы птах.
І там, здымаючы з аблокаў
Натхнення пенныя вяршкі,
Я разумею – выйдуць бокам
Мне паэтычныя грашкі.
(Аркуш. – 2001. – 15 февраля)
“ГІТАРА – МАЁ КАХАННЕ, МЭТА І СЭНС ЖЫЦЦЯ…”
Цудоўны, дзівосны свет гітары адкрываецца кожнаму, каго хоць раз устрывожылі яе хвалюючыя гукі, хто прыклаў намаганні, каб зразумець яе строгую прыгажосць, хто здолеў суаднесці памкненні ўласнай душы з тым гімнам жыцця, які яна творыць з неверагоднай далікатнасцю і высакародствам. Гэта я зразумеў тады, калі бліжэй пазнаёміўся з навучэнкамі-гітарыстамі Гарадзенскага музычнага вучылішча. Яны абажалі сваю струнную чараўніцу, захапляліся ёю. Сярод іх быў і Валерый Жывалеўскі. Цяпер ён – дацэнт Беларускай акадэміі музыкі, энтузіяст, падзвіжнік старажытнага інструмента. Я папрасіў яго паведаміць, які стан гітары ў рэспубліцы на сёння.
- Валерый Серафімавіч, ці склалася ў Беларусі свая нацыянальная гітарная школа?
- Давайце спачатку вызначымся, што такое наогул нацыянальная музычная школа, што павінна складаць яе падмурак. На маю думку, у першую чаргу трэба мець усе ступені музычнай адукацыі: пачатковую, сярэднюю, вышэйшую. Неабходныя кваліфікаваныя кадры: выкладчыцкія, выканальніцкія, кампазітарскія. Асаблівую ўвагу варта надаць рэпертуару, які б складаўся з сапраўды нацыянальных твораў. Нельга абысціся без вучэбных дапаможнікаў, хрэстаматыяў, даведнікаў, навукова-метадычных працаў. Гэта зусім не адзначае, што не прымаецца сусветны досвед. Але калі размова ідзе пра айчынную музычную школу, трэба мець і нешта сваё, спецыфічнае. Упэўнены, што падобнага кшталту літаратура павінна выдавацца па-беларуску.
А зараз давайце паглядзім, як у нас справы з вышэй пералічанымі прапановамі.
Класічная гітара з пункту гледжання музычнай адукацыі – гэта зусім малады інструмент. Напрыклад, у Беларускай кансерваторыі яго сталі выкладаць толькі ў 1977 годзе. Да таго ж, ён чамусьці быў прылічаны да кафедры струнных народных інструментаў.
Адным з піянераў гітарнага майстэрства можна лічыць Пятра Адамавіча Кроткага. Яго творчая дзейнасць пачалася напрыканцы 30-х гадоў. Пасля вайны ён нярэдка выступаў як саліст. У 1959 годзе быў прыняты на завочнае аддзяленне Менскага музвучылішча. З яго імем звязана адкрыццё ў 1963 годзе класу гітары ў адной са сталічных музычных школаў.
З гэтага моманту гітара стала распаўсюджвацца па ўсёй краіне. Яна з’явілася ў музычных навучальных установах Гродна, Гомеля, Брэста ды іншых гарадоў. Аднак узровень яе выкладання часта не адпавядае сучасным патрабаванням. Так, у 1999 годзе з 11 музвучылішчаў рэспублікі толькі ў пяці працавалі дыпламаваныя гітарысты (Менск, Гродна, Брэст, Магілёў, Маладзечна), у астатніх класу гітары альбо проста не было, альбо педагог меў іншую музычную спецыяльнасць. На жаль, к акадэмію музыкі да нядаўняга часу прымаўся ўсяго адзін студэнт. І толькі ў 2000-м навучальным годзе былі прадугледжаны месцы для трох гітарыстаў.
Існаванне гітарнай школы немажліва без кваліфікаваных выканаўцаў. У гэтым сэнсе Беларусь выглядаеняблага. У нас ёсць некалькі лаўрэатаў міжнародных конкурсаў.
- Хто яны?
- Гэта студэнт ІІ курса акадэміі музыкі Ян Скрыган. Ён лаўрэат 1-й прэміі трох прэстыжнейшых конкурсаў у польскіх гарадах Тыхі, Крыніца і расейскім горадзе Чарапавец. Гэта гарадзенец Уладзімір Захараў, які неаднаразова быў у запаветнай тройцы пераможцаў (Кракаў, Гданьск). Гэта яшчэ адзін гарадзенек Дзяніс Асімовіч, ганараваны званнем лаўрэата ў Кракаве і Крыніцы. Трэба назваць таксама жыхарку Менска Наталлю Ліпніцкую і магілеўчанку Юлію Лонскую. З сольнымі канцэртамі перыядычна выступае Яўген Грындюшка. Яго віртуознае выкананне выклікала ў Маскве сапраўдны фурор!
Многія выпускнікі-гітарысты нашай акадэміі музыкі атрымлівалі перамогі на рэспубліканскіх і міжнародных спаборніцтвах.
- Вы казалі пра тое, наколькі важна мець нацыянальны рэпертуар.
- Так, верна. Тут выявілі сябе не столькі кампазітары, колькі гітарысты. Арыгінальна піша Уладзімір Захараў. У Італіі выйшаў яго аўтарскі зборнік. Аляксандр Уласенкаў, які скончыў магістратуру Лонданскай акадэміі музыкі, выпусціў два кампакт-дыскі, дзе ёсць і яго ўласныя творы. Хочацца адзначыць творчасць выпускніка акадэміі Дзяніса Асімовіча. Створаная ім Парціта “Іісус Хрыстос” стане, без сумневу, хрыстаматыйнай. Пішуць музыку для гітары Уладзімір Мальганаў, Сяргей Плужнікаў, Ігар Кузьміцкі, Ігар Шошын, Аляксандр Леднеў. Словам, рэпертуар заўважна ўзбагачаецца. Дзесяткі гітарыстаў удзельнічаюць у гэтым працэсе.
Адбітак вялікага таленту маюць творы для гітары лаўрэата Дзяржаўнай прэміі Беларусі, кампазітара Галіны Гарэлавай. Яе п’еса “Мірскі замак” самая папулярная на сённяшні дзень. Яна стала свайго роду візітнай карткай беларускіх гітарыстаў за мяжою. Калі Галіна Гарэлава некалькі гадоў таму стварыла Канцэрт для гітары, струннага аркестра і званоў, – гэта была падзея выключнай важнасці, бо ва ўсёй сусветнай музыцы не так шмат твораў такога маштабнага гучання.
Не абмінуў гітару і былы выпускнік Гарадзенскага музвучылішча Яўген Паплаўскі. Ягоны балет “Дзеці месяцовага святла” пабудаваны так, што гітара саліруе. У творчай скарбонцы Віктара Войціка (зноў-такі ўраджэнца Гарадзеншчыны!) ёсць разгорнутая п’еса для гітары і струннага квінтэта “Эолава арфа” – надзвычай цікавая, у авангардным стылі рэч, якую я запісаў на рэспубліканскім радыё.
Нельга не ўзгадаць Аляксандра Літвіноўскага – аўтара гітарнага твора “Інтавалатура” (варыяцыі на тэму ў старажытным стылі). Вячаслаў Кузняцоў стварыў даволі незвычайны твор для гітары і аркестра па матывах рамана Германа Гессэ “Гульня ў бісер”, таксама ў авангардным духу. Выхаванец Гарадзенскага музвучылішча Мікалай Калешка напісаў Санату для гітары сола. Яго пяру належыць цікавае музычнае палатно паводле хрысціянскіх сюжэтаў для гітары, флейты, скрыпкі і віяланчэлі.
- Слухаючы Вас, прыходзіш да высновы, што карціна ў цэлым выклікае аптымізм: ёсць педагогі, выдатныя выканаўцы, ёсць нацыянальны рэпертуар.
- Ну, біць у літаўрьі яшчэ ранавата! Перад намі стаіць задача не меншай важнасці: выдаць гэтыя творы, сабраць іх разам. Нешта, безумоўна, ужо ўбпчыла свет. Гэта першы зборнік, датаваны 1895 годам, – “Разам з гітарай”. Потым з’явіліся такія зборнікі, як “Альбом юнага гітарыста”, “Гітара ў ансамблі”, “Беларуская гітарная музыка” (усе тры пад маёй рэдакцыяй).
Да іх варта далучыць пяць аўтарскіх зборнікаў: адзін – Уладзіміра Кандрусевіча, два Уладзіміра Захарава і два зборнікі Ігара Шошына (прычым, адзін з іх – у сааўтарстве з югаслаўскім кампазітарам Урашам Дайчыновічам). Такім чынам, дзевяць публікацыя, чаго яўна недастаткова.
Калі ж казаць пра навукова-метадычныя дапаможнікі, дык тут мы знаходзімя, па сутнасці, на нулявой адзнацы. Канешне, вельмі дрэнна, што ў Беларусі няма нотнага выдавецтва. Нашыя кампазітары вымушаны друкаваць свае творы галоўным чынам за межамі рэспублікі. Мне расказвалі, што ў савецкі час партыйнае кіраўніцтва прапаноўвала Саюзу кампазітараў заснаваць уласнае выдавецтва.
Аднак тагачасныя музычныя верхаводы адмовіліся: ім, бачыце, было прэстыжней друкавацца не дзесьці у глушы, а ў Маскве і Ленінградзе! Гэтую нішу ў нейкай ступені спрабуе запоўніць Беларускі інстытут праблемаў культуры, хаця яго намаганняў недастаткова. Тыя ноты і вучэбныя праграмы, што ён выдае, – кропля ў моры.
- Але ж патрэбныя яшчэ і манаграфіі па гісторыі гітары і яе “старэйшай сястры” – лютні.
- Асабіста я займаюся гэтай праблемай з 1989 года. Мною напісаны шэраг артыкулаў пра гітару і лютню. Іх публікавалі ў беларускім друку, у прыватнасці, часопіс “Роднае слова”.
- І вось зараз я хачу паставіць пытанне рубам: бык ёсць у Беларусі нацыянальная гітарная школа ці яе няма?
- Беларуская гітарная школа ўжо нарадзілася, але яшчэ маладая. Калі мы не спынімся, не пабаімся цяжкасцяў, – у яе цудрўная будучыня.
- Не буду ўтойваць: у маёй памяці засталася Ваша таленавітая ігра. Яна вызначалася імпульсіўнасцю, імкненнем да поўнага самавыяўлення. Калі ў Вашай інтэрпрэтацыі я слухаў Віла-Лобаса, то адчуваў подых акіянскага прыбою, да мяне даносіліся рытмы бразільскага карнавала і адначасова агортвала бязмерная пранізлівая самота… Раскажыце, як Вы сталі гітарыстам?
- Упершыню я пазнаёміўся з гітарай у дзевяцігадовым узросце. І вось дагэтуль гітара – гэта мае каханне, гэта мэта і сэнс майго жыцця. З асобнымі сольнымі канцэртамі я стаў выступаць яшчэ тады, калі займаўся ў Гродзенскім музычным вучылішчы. Я выконваў як класіку, так і ўласныя творы.
Не палічыце за лісцівасць, аднак без Вашай дапамогі, Віталій Канстанцінавіч, без Вашай педагагічнай і маральнай падтрымкі я, мабыць, так і застаўся б гітарыстам-аматарам, брынкаў бы на дрэнненькім інструменце ва дварах і ў пад’ездах. Вы адкрылі мне вочы, вымусілі паверыць у свае сілы і ўжо амаль дваццаць гадоў мы супрацоўнічаем і сябруем.
Пачатак маёй рэгулярнай канцэртнай дзейнасці прыпадае на 1983 год. У той час я быў студэнтам кансерваторыі. Разам з дамрыстам Мікалаем Марэцкім узяў удзел ва Усесаюзным конкурсе артыстаў эстрады ў Маскве. Наш дуэт меў поспех, мы атрымалі ІІ прэмію і званне лаўрэатраў. Потым здзейснілі гастрольную паездку па гарадах былога Савецкага Саюза.
Пралельна я наладзіў творчыя сувязі са знакамітымі музыкантамі: габаістам Аляксандрам Прыходзькам, гітарыстам Яўгенам Грыдзюшкам, мастацкім кіраўніком ансамбля “Класік-авангард” Уладзімірам Байдавым.
Як саліст выступаю з 1989 года, калі скончыў асістэнтуру-стажыроўку Маскоўскага інстытута імя Гнесіных і прыехаў у Менск працаваць выкладчыкам кансерваторыі. За некалькі гадоў я даў не меней як сто канцэртаў, у якіх выконваў старажытную лютневую і гітарную музыку, творы беларускіх кампазітараў. На маё няшчасце, прафесіянальная звароба правай рукі не дазваляе мне зараз іграць на сцэне. Застаецца прысвяціць сябе педагогіцы і творчасці.
- Вы выкладаеце ў Беларускай акадэміі музыкі звыш дзесяці гадоў. Якія вынікі?
- Адзначу, што да гэтага я паспеў папрацаваць педагогам у музычнай школе і студыі, у агульнаадукацыйнай школе з музычным ухілам, у гарадзенскім і менскім музвучылішчах, у Беларускім універсітэце культуры. За гады выкладання ў акадэміі музыкі выпусціў 13 студэнтаў – няшмат, здавалася б, тым не менш, гэта выдатныя музыканты.
- Як вы ацэньваеце сваю кампазітарскую творчасць?
- Мною напісана каля 50 твораў для гітары. Хацелася б адзначыць Элегію памяці публіцыста Сяргея Палуяна, Сюіту на тэмы невядомых аўтараў XVI-XVII стагоддзяў, Прэлюдыю, Фугата і Алегра, створаныя пад уражаннем ад музыкі нямецкага лютніста Сільвіуса Леапольда Вайса, цыкл Ліцьвінскіх фантазіяў на беларускія тэмы, што прысвечаны Уладзіміру Караткевічу.
Акрамя таго, трэба ўзгадаць прэлюдыі ды Фантазію для гітары, дзе выказана захапленне геніяльным Айтарам Віла-Лобасам!.. Вы, спадзяюся, не выпадкова ўспомнілі яго? Здзіўляе, наколькі шмат зрабіў гэты чалавек для станаўлення бразільскай нацыянальнай музыкі.
- Дзякуй, Валерый Серафімавіч. З нашай гутаркі я зразумеў, што беларуская гітара развіваецца даволі хутка і што ў яе выдатныя перспектывы.
(Музыкальный альмах. – 2001. – Выпуск №2)
“РЫМСКІЯ ВАКАЦЫІ” І ГРОДЗЕНСКІЯ БУДНІ
МАРЫНЫ ДАНІЛЕВІЧ
Мінулай восенню адбылася надзвычайная падзея – 18-гадовая Марына Данілевіч з Гродна стала лаўрэатам Міжнароднага конкурсу маладых піяністаў “Рым – 2000”.
…З вакна пакоя, у якім яна жыла, быў бачны сабор Святога Пятра, галоўны храм каталіцкай царквы. На аўдыенцыі ў Папы Рымскага яна атрымала благаславенне. Душа трыумфавала. Паўсюль разлівалася незвычайная яркая для кастрычніка сонечнае святло. Яно азарала велічны Калізей. У Сікстынскай капэле яе ўразілі бессмяротныя тварэнні Батычэлі Мікеланджэла. Асабліва ўразіла фрэска на столі – “Стварэнне чалавека”…
Вярнуўшыся на радзіму, Марына ўсвядоміла, што ніколі не забудзе Вечны горад, які палюбіла з першай хвіліны і якому доўга будзе ўдзячна за вялікі творчы поспех.
Я ж стаў сведкам іншай знамянальнай падзеі, меншай па маштабе, але ўсё ж этапнай. У канцэртнай зале “Гродна” адбыўся першы сольны канцэрт юнай піяністкі, навучэнкі Гродзенскай музычнай вучэльні. Гэта, магчыма, стане пачаткам яе будучай гастрольнай дзейнасці.
Ледзьве змоўклі гукі раяля, у зале раздаліся бурныя апладысменты і воклічы захаплення, выканаўцу засыпалі кветкамі. Слухачы дружна падняліся са сваіх месцаў. “Што яны робяць?” – здзіўлена шапнула Марына. “Вітаюць стоячы, гэта вышэйшы гонар для артыста!” – адказаў я. Не ўтою: мне, вядучаму, было прыемна прадставіць публіцы новае маладое дараванне.
Што можна сказаць пра манеру ігры Марыны Данілевіч?
У “Патэтычнай санаце” Бетховена маю ўвагу прыцягнулі эпізоды, дзе струменілася задорная, па-юнацку свежая радасць (першая і трэцяя часткі санаты). Спакойна, проста, з канкрэтным датыкальным гукам была выканана другая частка. Пранікнёнай лірыкай вызначаўся накцюрн Шапэна (сач. 27, № 1). У знакамітым шапэнаўскімэцюдзе (сач. 25, № 12) піяністка дабілася пераканаўчага кантрасту паміж жалобна-ўсхваляванай партыяй правай рукі і бліскучымі пасажамі левай. У асобныя імгенні праступала сапраўднае натхненне – існая прыкмета прафесіяналізму і мастацкай раскаванасці. У Баладзе № 4 Шапэна Марына раскрылася з іншага боку: часам яна ўпэўнена, ажно дзёрзка “ўразалася” ў пласты складанага драматычнага зместу. А для гэтага ж патрэбна воля, патрэбны “мужыцкі імпульс”, чаго цяжка чакаць ад кволай дзяўчыны. Рамантычную парывістасць яна выявіла ў эцюдзе Скрабіна (сач. 8, № 12). Напорыста, хлёстка сыгралаэкспрэсіўную па духу Такату сучаснага французскага кампазітара Санкана.
У Марыны рэдкая схільнасць знаходзіць кантакт з публікай, весці добразычлівы дыялог з аўдыторыяй. Спадзяюся, у бліжэйшай будучыні яна зможа развіць гэтыя свае якасці.
Першыя поспехі Марына Данілевіч – шмат у чым заслуга яе выкладчыкаў. Ігры на фартэпіяна ў музычнай школе яе навучыла Раіса Альбертаўна Голубева – наш вядомы, я б сказаў, масціты выкладчык. З класа Голубевай выйшла шмат піяністаў і кампазітараў. У музычнай вучэльні Марына займаецца ў таленавітага выкладчыка, загадчыка прадметна-цыклавой камісіі фартэпіана Бруна Зянонавіча Тэрмёна. Абодва выкладчыкі прывівалі ёй піяністычныя навыкі, клапаціліся пра тое, каб раскрыць яе індывідуальныя схільнасці і якасці. Марына не раз удзельнічала і часта перамагала ў абласных і рэспубліканскіх конкурсах – такіх, як “Юныя таленты”, “Новыя імёны”, у Першым і Другім фестывалях фартэпіяннай музыкі “Творчая моладзь – ХХІ стагоддзю”, прэстыжным спаборніцтве піяністаў “Мінск – 2000”, пакуль не стала лаўрэатам у Рыме. Што ні кажыце, гэта еўрапейскае прызнанне.
Радасна ўсведамляць, што менавіта ў нас, на беларускай зямлі, не перапыняецца складаны працэс “стварэння Чалавека” – непаўторнай творчай асобы. Відаць, не выпадкова так усхвалявала піяністку фрэска Мікеланджэла пра шосты Дзень Тварэння. У яе душы адбывалася тое, што вялікія мастакі-гуманісты намагаліся выявіць сваім геніяльным пэндэлем. Эпохі яднаюцца? Гэта знамянальна. Гэта сімвалічна!
(Культура. – 2001. – 24 сакавіка)
МУЗЫКАНТ – УЛАДАР СЭРЦАЎ І… ІДЭЙ
Войцах Дамінік Папеляж – асоба шматгранная. Яго можна ўбачыць у самых розных амплуа: педагога, удзельніка ансамбля, саліста і нават у якасці артдырэктара міжнароднага конкурсу-фестывалю ў польскім горадзе Элку. Зайздросная рознабаковасць! На жаль, не так часта сустракаеш гэтак шчодра адораных прыродай музыкантаў.
Днямі Войцах Папеляж выступіў з сольнай праграмай у канцэртнай зале “Гродна”. Гастролі былі арганізаваны Гродзенскай абласной філармоніяй (дырэктар Эдуард Ціховіч) пры пасрэдніцтве вядомага гітарыста і кампазітара Дзяніса Асімовіча.
Польскі музыкант прадставіў творы старадаўніх і сучасных аўтараў. Строга, стрымана, удумліва ён выконваў творы італьянскіх майстроў Вінчэнца Галілея, Антоніо Нава, Маўра Джуліяні. Наадварот, музыку іспанцаў артыст іграў імпульсіўна, тонка адчуваючы яе танцавальную аснову і своеасаблівы маўрытанскі каларыт. Класічнага па духу Фернанда Сора дапоўніў парывіста-рамантычны Франсіска Тарэга з яго знакамітымі “Успамінамі пра Альгамбру” і “Арагонскай хотай”. Польскі гітарыст паказаў сябе пранікнёным лірыкам у творах Антоніо Лаура, Федэрыка Марэна Тарабы, у п’есе”Прысвячэнне Амеліі” ананімнага аўтара з Каталоніі. Глыбока ўразіллі публіку светлыя інтанацыі “Каваціны” сучаснага англійскага кампазітара Стэнлі Моэрса. Жыва і ярка проагучала руская народная песня “Іванушка” ў апрацоўцы Яўгена Ларычава.
Шчурае захапленне выказала зала, калі гітарыст па-за праграмай прапанаваў джазавую п’есу, а прысутныя пачалі адбіваць такт свінгуючага рытму. Некаторая напружанасць, заўважаная ў пачатку канцэрта, бяследна знікла. Яе змянілі поўнае ўзаемаразуменне і сардэчная цеплыня. Адна з слухачак выйшла на сцэну і прачытала ў гонар маэстра толькі што напісаны ёю верш: Вы музыкант,
вы властелин
Мелодий,
трелей, переливов,
То полных грусти,
то игривых.
Лишь вы один.
Лишь вы один!
Разуменне душы чалавека, закліканага ствараць Прыгажосць – ці не гэта вышэйшы гонар за карпатлівую працу і майстэрства?
Пры канцы сустрэчы госць расказаў пра свій конкурс-фестываль гітарнай музыкі, які сёлета ладкуецца пяты раз. У аснове імпрэзы – ідэя “трох дзён Італіі ў Элку”. 27-29 красавіка ў родным мястэчку Войцаха Папеляжа зноў загучыць класічная гітара, будзе прадстаўлена італьянскае народнае і прафесійнае мастацтва, выступяць аркестры, ансамблі, спевакі, інструменталісты. Публіка пакаштуе сапраўдную піцу і спагеці, паспытае букет лепшых вінаў Марсалы і Калабрыі. Словам, Італія, быццам паўднёвае сонейка, зазірне ў горад адпачынку і турызму, жамчужыну Мазурскіх азёраў – Элк!
І тады мне падумалася: чаму б і нам не арганізаваць штосці падобнае? Напрыклад, фестываль “Санкт-Пецярбург у Гродне” альбо, скажам, “Кракаў у Лідзе”? Няўжо гэтую ініцыятыву не можа ўзяць на сябе Гродзенская абласная філармонія? Ці ж нам не па сіле, як даўным-даўно прынята ў Еўропе, з бляскам праводзіць рознага кшталту фэсты ды імпрэзы ў летні час, калі горад перапоўнены адпачываючай моладдзю? Мы ж наіна мяркуем, што ліпень і жнівень – “мёртвы сезон” для канцэртнай дзейнасці. Значыць, патрэбны кардынальныя змены, свежы погляд!
Не падаюся сцвярджаць: візіт Войцаха Дамініка Папеляжа стаўся плённым. Гітарыст пазнаёміў нас з малавядомымі творамі, прадэманстраваў высокі прафесіяналізм і даў нагоду задумацца наконт новых форм прапаганды мастацкай творчасці ў нашай Гародні.
(ЛіМ. – 2001. – 13 красавіка)
ВАС ВІТАЕ “ШАЛОМ”!
Паспрабуйце з дапамогай свайго ўяўлення перанесціся ў Старажытную Іудзею, туды, дзе раскінуўся Саламонаў гай. Вы знойдзеце прытулак і адпачынак пад шатамі магутнага ліванскага кедра, што струменіць смалісты водпр. Навокал разліваецца духмяны пах кветак. Здалёк даносяцца гукі свірэлі і лютні…
Вядома, што цара Саламона з даўніх часоў шанавалі як мудраца і паэта. Колькі захопленых словаў ён прысвяціў сваёй каханай, якая вылучалася непараўнальнай прыгажосцю і душэўнай чуласцю сярод сотняў і сотняў жанчын, што насялялі яго шыкоўны палац! У біблейскай Песні Песняў ён так адгукаецца пра Суламіф:
“Хто гэтая, блістаючая, як світанак, цудоўная, як месяц, светлая, як сонца, грозная, як войска са сцуягам?”
Адгалоскі гэтай старажытнай любоўнай гісторыі кожны раз усплываюць у маёй памяці, калі я слухаю касету з запісамі ансамбля “Шалом” з Ліды. Яўрэйскія матывы, песні і танцы зачароўваюць, а ў душы ўзнікае мір і спакой. Здаецца, нібы ты трапіў у аазіс узнёсласць і любоў суіснуюць у спрадвечнай гармоніі. “Шалом” (гэта слова ў перакладзе з іўрыта абазначае “мір вам”) быў створаны чатыры гады таму. Кіруе ім Міхаіл Двілянскі. Ён таксама выступае ў ролі спевака і скрыпача. У складзе ансамбля салістка Святлана Фельдман, кларнетыст стас Мішкель, клавішнік Андрэй Ганін. Гэты квартэт вызначаецца тонкім мастацкім густам, адухоўленасцю эмоцый, веданнем асаблівасцяў яўрэйскай музычнай спадчыны, да традыцый і канонаў якой артысты ставяцца з трапяткой павагай.
Ансамбль такога кшталту пакуль адзіны на Беларусі. Ён добра вядомы ў многіх гарадах краіны і за яе межамі: музыканты выступалі ў Расіі, Польшчы, Ізраілі. Калектыў стаў лаўрэатам Рэспубліканскага фестывалю нацыянальных культур у Гродна, дыпламантам ІІ Маскоўскага міжнароднага конкурсу яўрэйскай музыкі. Яны выпусцілі тры музыкальныя альбомы. Карацей кажучы, гастролі. Авацыі і ўзнагароды ўжо звыклыя лідчанам, гэта іх карпатлівая паўсядзённая праца – і радаснае свята!
Расказ пра “Шалом” быў бы няпоўным, калі б мы нічога не сказалі пра Аркадзя Двілянскага – гэта брат кіраўніка ансамбля. Без яго творчай падтрымкі калектыву было б цяжка атрымаць такія ўражлівыя вынікі. Аркадзь шчодра надзелены талентамі: ён паэт і празаік, спявак, кампазітар, музыказнаўца. Калісьці абараніў кандыдацкую дысертацыю. Убачылі свет яго вершы, расказы, нотныя зборнікі песень і камернай музыкі (у тым ліку дзве санаты для фартэпіяна). Зараз ён жыве ў ЗША. У адным з тэатраў Брадвея ставіцца яго мюзікл “Блукаючыя зоркі” паводле рамана Шалом-Алейхема. Дык вось, аркадзь Двілянскі актыўна супрацоўнічае з лідскім ансамблем, піша для яго песні, робіць аранжыроўкі. Будзем спадзявацца, што яго творчая сувязь з Беларуссю не перапыніцца, што ажыццявяцца ўсе яго задумы (напрыклад, мюзікл на вершы Іосіфа Бродскага, ідэю стварэння якога падаў Аркадзю ваш пакорны служка).
Як бачыце, у ансамбля “Шалом” уражальныя напрацоўкі, а перспектывы самыя светлыя.
Застаецца дадаць, што ў канцэртнай зале Гродзенскай абласной філармоніі адбылося выступленне “Шалом”, якое прайшло з вяолікім поспехам. Публіка акунулася ў свет старажытнай культуры, пазнаёмілася з прыгажосцю яўрэйскай нацыянальнай музыкі ў выкананні разумных, добрых і прафесійна падрыхтаваных людзей.
(Культура. – 2001. – 21 красавіка)
НА СКРЫЖАВАННІ ЭПОХ
Ян Скрыган – адзін з самых выдатных і перспектыўных гітарыстаў на Беларусі. Гэты прывабны малады чалавек ужо набыў у нас шырокую вядомасць. Яго імя ведаюць у многіх краінах Еўропы. Ён яркая, самабытная асоба, абаянне якой адчувае кожны, хто з ім знаёмы. Да гонару Яна трэба сказаць, што сціпласць і дружалюбнасць, адсутнасць апломбу і жаданне пастаянна ўдасканальвацца – рысы, якія яго вызначаюць. Як кожны вялікі талент, ён велікадушны і просты з таварышымі па “музычным цэху”.
Адкуль у 22-гадовага артыста такая трывалая маральная аснова?
Яго дзед – беларускі пісьменнік Янка Скрыган, бацька – скрыпач. Такім чынам, перад намі інтэлігент у трэцім пакаленні – штрых немалаважны ў біяграфіі чалавека, што прысвяціў сябе мастацтву!
Ян пачаў іграць на гітары ў 9-гадовым узросце. Яго першымі настаўнікамі былі Мікалай Шыла і Уладзімір Белашоў. Зараз ён студэнтІІ курса Беларускай акадэміі музыкі, займаецца ў класе дацэнта Валерыя Жывалеўскага. На сённяшні дзеньЯн Скрыган лаўрэат трох міжнародных конкурсаў: у Крыніцы, Тыхах, Чарапаўцы. Прычым конкурс у Тыхах, буйным горадзе Сілезіі, не толькі найпрэстыжнае спаборніцтва, але і аўтарытэтны форум выканаўцаў усяго свету. Паводле звычаю, у склад журы ўваходзяць легендарныя асобы: Колін Купер, Павел Штайдл і інш. Ян ужо выступае з канцэртамі ў Расіі, Эстоніі, Польшчы, Венгрыі, Нідэрландах. Уражальны дэбют!
Адказваючы на маё пытанне, гітарыст сказаў, што яго любімыя кампазітары – Бах і Барыёс. Тым самым ён міжвольна вызначыў дзве грані свайго таленту: дар спакойнага, класічнага сузірання і гатоўнасць аддацца бурным, рамантычным пачуццям.
Як жа гэтыя крайнасці спалучаюцца?
У Яна ад прыроды пластычныя, гібкія пальцы, дзякуючы чаму ён валодае цудоўнай тэхнікай. У яго непаўторны гук: прыгожы і моцны. Гэта дазваляе яму іграць як пяшчотную, пранікнёную музыку эпохі барока, так і магутную поліфанію Баха. Музыкальныя трактоўкі адзначаны пячаткай інтэлекту і высакародства.
Бліжэй пазнаёміцца з Янам Скрыганам мне давялося тады, калі я запрасіў яго выступіць у Гродна. Канцэрт у зале абласной філармоніі ён пачаў дзвюма санатамі Скарлаці – дуэтам гітары і мандаліны. Яго партнёрша была Кацярына Пракопчык – аднакурсніца па акадэміі і таксама лаўрэат міжнародных конкурсаў. Маладым артыстам не адмовіш у пачуцці стылю, у філіграннай тэхніцы, у тонкай нюансіроўцы: слухачы нібы апынуліся ў краіне прамяністага сонца і начных серэнад.
У п’есе іспанца Хаакіна Радрыга “Заклінанне” запалі ў душу тыя фрагменты, якія былі стрыманым смуткам. У “Каваціне” польскага кампазітара Аляксандра Тансмана Ян Скрыган ізноў прадэманстраваў пачуццё меры, бо глыбокая журба гэтай п’есы не мела і ценю тугі. Далёка не заўсёды ўдаецца пазбегнуць адчаю, калі свет здаецца беспрасветна змрочным.
У другім аддзяленні Ян Скрыган з невядомых нам прычын вырашыў супрацьпаставіць вельмі экспрэсіўны “Вячэрні шоро” парагвайца Аўгусціна Барыёса (таго самага, якога абагаўляе!) музыцы, якую з поўным правам можна аднесці да гродзенскай кампазітарскай школы. Верагодна, ён хацеў, каб яго калегі-гітарысты супаставілі свае творы з сусветнай класікай. Не ўтаю, мне гэта было ўдвая цікава: бо і Дзяніс Асімовіч, і Уладзімір Захараў, і Валерый Жывалеўскі, творы якіх Ян уключыў у праграму, азы кампазіцыі спасцігалі менавіта ў мяне!
Што ж, давайце супаставім і паглядзім, як мінскі артыст трактуе музыку гродзенцаў.
Парціта “Ісус Хрыстос” Дзяніса Асімовіча напісана па евангельскіх сюжэтах (“Гефсіманскі сад”, “На гары Пераўтварэння” і “Дзень урачыстасці”). Гітарыст аб’яднаў тры эпізоды з жыцця Хрыста і яго вучняў у адзінае манументальнае палатно. Ад выканаўцы патрабавалася нямала душэўных сіл, каб перадаць у музыцы ўнутраны стан Збаўцы, дыяпазон адчуванняў Якога пашыраецца ад смутку да гневу. Аднак музыкант не ўпаў пры гэтым у грубую пачуццёвасць. Ён па-майстэрску перадаў драматызм, які ўзрастае ад першай да другой партыі, улавіў дынаміку кантрастаў, вылучыў ціхую кульмінацыю – эпізод прасвятлення ў душах апосталаў, якія ўбачылі сваімі вачыма азорнае аблічча пераўтворанага Настаўніка. Яны спісціліся з гары абнаўлення з чыстай, цнатлівай верай, якая цяпер будзе суправаджаць іх да канца жыцця. Трэцяя частка – гэта гімн, які ўсхваляе веліч уваскрэслага Сына Божага. Скрыгану ўдалося натуральна перайсці ад глыбокага асабістага перажывання да ўсяленскай урачыстасці.
Тут было над чым падумаць. Аўтар партыты Дзяніс Асімовіч і яго сябар-выканаўца стварылі ўражлівую фрэску трыўмфу Духа. Што нельга не прызнаць грунтоўным укладам у сучаснае гітарнае мастацтва.
Ян заўсёды ўключае ў свій рэпертуар “Грунвальдскую пастараль” гродзенца Уладзіміра Захарава. Вобразны яе змест немудрагелісты: пастушок наігрывае на жалейцы, прыпыняецца, успамінае пра падзеі, што адбываліся ў гэтых мясцінах. А была крывавая сеча, калі нямецкія рыцары сышліся ў баі са славянскімі віцязямі, калі наваколле напоўнілася грукатам конскіх капытоў, лёскатам мячэй, пераможнымі крыкамі і стогнамі паміраючых… Гітарыст заўсёды падкрэслівае беларускі нацыянальны каларыт гэтай п’есы, яе вобразную яркасць.
Трапяткая лірычнасць вызначала п’есу “Сіксцінская мадона” Валерыя Жывалеўскага. Затым прагучалі тры часткі з яго ж цыкла “Ліцвінскія фантазіі” – гэта так званая музычная легенда, якая апавядае аб лёсе беларускага народа. У ёй выразна праступае старажытны “ліцвінскі” каларыт, чутна сярэднявечнае, месцамі бахаўскае шматгалоссе, выразна адчувальны адвечны мелас беларускіх народных песень, якія ляглі ў аснову цыкла.
Няцяжка заўважыць, што гродзенскія кампазітары не баяцца закранаць маштабныя тэмы і пераканаўча іх распрацоўваць. Зусім не выпадкова, што ўслед за імі ў рэспубліцы з’яўляюцца такія майстры гітарнага выканальніцкага мастацтва, як Ян Скрыган. Яму падуладна магчымасць выражаць шматвобразнасць тэм, ідэй, падзей нашага даўняга (і не вельмі) мінулага. Гродденскія аўтары і Ян Скрыган – плоць ад плоці беларускай нацыянальнай культуры, нацыянальнага мастацтва. Якое цяпер на ўздыме. Наперадзе новыя дасягненні!
(Культура. – 2001. – 5-11 мая)
ДВАЙНЫ ПАРТРЭТ: ДЗЯНІС АСІМОВІЧ ІГРАЕ ДЖОНА ДАУЛЕНДА
Пра гітарыста Дзяніса Асімовіча знятыя два дакументальныя фільмы Гродзенскім абласным тэлебачаннем. Не раз пра яго расказвала і давала ў эфір яго запісы Беларускае радыё. Яго імя не сыходзіць са старонак беларускіх і расійскіх газет. Дзяніса добра ведаюць у Беларусі і за яе межамі. Ён лаўрэат рэспубліканскага і міжнардных конкурсаў. Да таго ж, заявіў пра сябе як таленавіты кампазітар, у чыім творчым багажы побач з мініяцюрамі ёсць творы буйной формы – напрыклад, парыта “Ісус Хрыстос”, санаціна “Мегаполіс”. Некалькі яго твораў выдадзены ў нас і ў Польшчы. Яго запрашаюць у журы міжнародных конкурсаў гітарыстаў. На сённяшні дзень ён даў дзесяткі канцэртаў у Польшчы, Чэхіі, Літве, а таксама ў сябе на радзіме.
З удзячнасцю ўзгадвае Дзяніс сваіх выкладчыкаў. Гэта Уладзімір Захараў (Гродзенская музычная вучэльня), Яўген Грыдзюшка (Беларуская дзяржаўная акадэмія музыкі), Штэпан Рак (Пражская акадэмія мастацтваў), Аляксандр Фраучы (Расія), Томас Оферман (Германія), Хорсе Марэль (ЗША), Марыя Ізабэль Сіверс (Аўстрыя), Дэйл Каванаг (Канада). Шмат добрых слоў чую я ад яго і на свой адрас, бо ў свій час навучаў яго кампазіцыі.
Этапнай была для Дзяніса сустрэча з Уладзімірам Захаравым, які стаў для юнака прыкладам, альфай і амегай выканальніцкага мастацтва. Яўген Грыдзюшка займаўся з Асімовічам тэхнікай ігры, увёў яго ў свет сучаснай музыкі. Штэпан Рак уразіў артыстызмам свайго таленту, навучыў паглыбляцца ў сутнасць твора, разумець яго “душу”, падзяліўся сакрэтамі пераадольвання тэхнічных складанасцей. Аляксандр Фраучы звярнуў увагу на пастаноўку правай рукі, даў шмат карысных парад у інтэрпрэтацыі старадаўняй музыкі. Томас Оферман намеціў асноўныя вехі ў разуменні музычнага стылю Фернанда Сора.
За апошнія дзесяць гадоў Дзяніса назапасіў вялізны вопыт выканальніцкага майстэрства. Своеасаблівай творчай справаздачай стаў яго сольны канцэрт у Камернай зале Гродзенскай абласной філармоніі, дзе гітарыст выступіў з арыгінальнай праграмай.
Найперш трэба адзначыць, што ў Дзяніса Асімовіча прыгожы мастацкі гук. Тэмбравае багацце стварае эфект невычарпальнасці музыкі. У выніку ў кожнага слухача ўзнікаюць асацыяцыі, вобразы, адчуванні, сваё суб’ектыўнае разуменне выконваемага твора.
Эмацыянальная адкрытасць робіць велічнага Іагана Себасцьяна Баха больш зразумелым і блізкім. Асімовіч пераканаўча раскрывае стрыманасць і высакароднасць Фернанда Сора, непасрэднасць і мяккасць Алесандра Скарлацці. Дзяніс знаходзіць тонкае пачуццё стылю старадаўняй музыкі ў цэлым і кожнага кампазітара паасобку.
Асаблівую ўвагу аўдыторыі прыцягнулі сачыненні лютніста, кампазітара і спевака XVI-XVII стст. Джона Дауленда. У яго творах відавочна адбіваецца дух англійскага Рэнесансу, амаль адчувальна прысутнічаюць жывыя людзі той эпохі з іх вялікімі і маленькімі радасцямі. У п’есах маэстра бачыцца ўладкаваны побыт тых часоў, грамадскія ўмоўнасці і манеры вышэйшага свету. За знешнімі формамі смутку, меланхоліі выяўляецца нязменны аптымізм індывіда і вера ў свае сілы. Дзяніс Асімовіч выконваў музыку Дауленда з дзівоснай прастатой і шчырасцю. Здавалася б. адкуль у гродзенскага гітарыста такое разуменне тонкасцей музычнай даўніны, сталасць думкі і ўменне зазірнуць у глыбіні чалавечага сэрца?
Верагодна, справа ў тым, што Джон Дауленд – яго даўняя любоў. Больш за гэта, Дзяніс лічыць: Дауленд – гэта Шэкспір у музыцы. Сапраўды, гэты кампазітар, як вядома, быў сучаснікам вялікага драматурга,, сачыняў музыку да шэкспіраўскіх спектакляў, складаў песні на яго вершы. Шматлікія паклоннікі пры жыцці музыканта гаварылі пра яго яшчэ больш захапляльна: “Калі іграе Дауленд, змаўкаюць птушкі”. Дый сам Шэкспір у “Страстным пілігрыме” прысвяціў яму некалькі радкоў: “Цябе бярэ ў палон Дауленд, чыя струна саруе слых мелодыямі рая…”
Для Дзяніса гэта музыка – жывая. Грацыя і галантнасць той эпохі не выключае глыбіні пачуццяў. Дауленд – непадробны жывапісец побытавых сцэнак з жыцця сваіх сяброў, заступнікаў, знатных асоб і самой каралевы. Чаго каштуюць такія п’есы-замалёўкі, як “Скачок місіс Уінтэр”, “Сон Арланда”, “Лорд Стрэнг”, “Поўнач містэра Дауленда”! Яго творчасць, як і Шэкспіра, крыштальна чыстая, у ёй няма і ценю пошласці, намёку на нізкае. Відаць, невыпадкова падобнае слова downland па-англійску азначае ўзгорстую мясцовасць, узвышша.
Англійскі лютніст стаў пуцяводнай зоркай для Дзяніса Асімовіча. У калекцыі гітарыста ёсць копія рукапісу Дауленда з бібліятэкі Кембрыджскага універсітэта, мноства нотных выданняў, прывезеных з Англіі, Чэхіі, Польшчы, Румыніі.
Выконваючы гэту музыку, Дзяніс дае зразумець слухачам: надышоў час на імгненне спыніцца і падумаць пра згубнасць шалёнага тэмпу прагрэсу. Ён нібыта заклікае нас зазірнуць у сябе, асэнсаваць пройдзены шлях, зразумець, што жыццё з яго непазбежнымі засмучэннямі ўсё роўна цудоўнае. Ён прапануе зразумець вечную ісціну: самае каштоўнае знаходзіцца ў нашым сэрцы, у чалавечай душы, якая ў хвіліны прасвятлення спасцягае вялікія таямніцы Айца Нябеснага, што стварыў наш шматаблічны свет.
(Культура. – 2001. – 30 чэрвеня)
АСВЕТНІК ЗЯМЛІ ГАРАДЗЕНСКАЙ
Імя Віталя Канстанцінавіча Радыёнава ў музычных колах рэспублікі ведаюць усе. Ведала яго і я, але асабіста пазнаёміцца неяк не даводзілася. І вось аднойчы дзверы майго рабочага кабінета адчыніліся, і на парозе з’явіўся сам маэстра.
Наша першая размова доўжылася некалькі хвілін, але пакінула моцнае ўражанне. Прызнаюся шчыра, што гэтае ўражанне з працягам знаёмства не згасае, а, наадварот, узмацняецца. Часам здзіўляюся, як шчодра адарыла прырода гэтага чалавека.
Віталя Радыёнава без перабольшання можнаназваць асветнікам. Гэта чалавек, які ўсё сваё жыццё аддае творчасці і падтрымцы маладых талентаў.
Радыёнаў – аўтар трох опер, дзесяткаў твораў камернай музыкі. Але ў рэспубліцы ён вядомы перш за ўсё як выдатны педагог. Больш за чвэрць стагоддзя ён выкладае сачыненне музыкі ў Гродзенскім і Лідскім музычных вучылішчах, у дзіцячых музычных школах Гродзеншчыны – Ваўкавыскай, Лідскай, Індурскай, Лунненскай, Верцялішкаўскай і іншых. Ён проста апантаны ідэяй азнаёміць усіх адораных дзяцей і падлеткаў з асновамі кампазіцыі, далучыць іх да музычнай творчасці.
Нельга не адзначыць тут адну важную асаблівасць. Методыка выкладання В.К.Радыёнава ў поўным сэнсе слова наватарская. У яго няма сумных, занудных лекцый. Навучанне азам кампазіцыі – толькі добраахвотнае, таму выпадковых людзей у класе няма. Ідзе вольная, цікавая гутарка старэйшага чалавека з малодшымі, настаўніка з выхаванцамі. Вучні прыносяць свае работы – рамансы, п’есы, фантазіі, санаты – на суд добразычлівага і разам з тым вельмі патрабавальнага педагога. Віталь Канстанцінавіч аналізуе створанае, дае парады і рэкамендацыі так далікатна, што навучэнец не адчувае ніякай крыўды, нават калі яго музычны твор будзе значна зменены. Наадварот, з кожным урокам ён, малады, пачынаючы кампазітар, адчувае, што здольны сачыніць лепш.
Цікава было пагутарыць з В.К.Радыёнавым пра яго творчую працу.
- Віталь Канстанцінавіч, раскажыце, калі ласка, пра тых вашых выхаванцаў, якія абралі шлях прафесійнага кампазітара.
- Такіх нямала. І я імі асабліва ганаруся. Вось, напрыклад, Андрэй Бандарэнка. Ён стварыў оперу “Князь Наваградскі”, за якую быў удастоены Дзяржаўнай прэміі Рэспублікі Беларусь. У пачатку 90-х гадоў ён заснаваў Гродзенскую гарадскую капэлу, а цяпер плённа працуе ў галіне духоўнай музыкі.
Бліскуча склаўся лёс Яўгена Паплаўскага. Гэта адзін з арганізатараў і першы дырэктар Беларускай капэлы, якая займаецца адраджэннем нацыянальнай музычнай спадчыны. Ён буйны музыказнаўца і архівіст. Так, яму пашчасціла адшукаць у бібліятэках Лондана, Кракава, Познані, Вільнюса і Санкт-Пецярбурга нотныя зборнікі і рукапісы забытых беларускіх кампазітараў ХVІІІ-ХІХ стагоддзяў, вярнуць народу цікавыя, незапатрабаваныя дагэтуль творы. Я.Паплаўскі – лаўрэат міжнароднага конкурсу кампазітараў у Празе, удзельнік сусветна вядомага фестывалю сучаснай музыкі “Варшаўская музычная восень”.
Яшчэ адзін мой навучэнец – Валерый Жывалеўскі, лаўрэат ІІ Усесаюзнага конкурсу артыстаў эстрады, дацэнт Беларускай акадэміі музыкі. Яго справядліва лічаць галавою беларускай гітарнай школы, а творы яго для гітары вызначаюцца тонкім мастацкім густам і ўзнёсласцю.
У Гродне жывуць і працуюць гітарысты-кампазітары Уладзімір Захараў і Дзяніс Асімовіч – абодва лаўрэаты міжнародных конкурсаў і абодва актыўна сачыняюць музыку. Нотныя зборнікі іх твораў выдадзены ў Італіі і Польшчы.
Радуе мяне і лідчанка Вераніка Швец. Незвычайна адораная, сціплая і працаздольная жанчына пачала складаць музыку ў трыццаць тры гады. На сёння ў яе творчым багажы шмат твораў для фартэпіяна. Вось толькі некаторыя з іх: два альбомы для юнацтва, сюіты “Знакі задыяка”, “Малітвы”, фартэпіянныя цыклы, прысвечаныя А.С.Пушкіну і А.Міцкевічу, пяць санат для фартэпіяна, канцэрт для фартэпіяна і сімфанічнага аркестра.
Нарэшце, не магу не ўспомніць Дзінару Мазітаву, з якой мы пачалі займацца кампазіцыяй, калі ёй было сем гадоў. Цяпер Дзінары – 16, яна – лаўрэат многіх міжнародных конкурсаў маладых кампазітараў. Стварыла дзве оперы і тры балеты, дзесяткі (калі не сотні!) твораў для фартэпіяна, скрыпкі, віяланчэлі, інструментальныя ансамблі, шмат песень на вершы беларускіх і рускіх паэтаў. Іншаму і сталаму кампазітару не напісаць столькі цудоўных твораў за ўсё жыццё…
- Вы з’яўляецеся старшынёй Асацыяцыі кампазітараў Гродзеншчыны. Раскажыце пра кола сваіх абавязкаў.
- Асацыяцыя узнікла па маёй ініцыятыве ў 1994 годзе і дзейнічае пры абласным метадычным цэнтры народнай творчасці. У яе складзе – каля сямідзесяці аўтараў, кожнаму з якіх трэба аказаць неабходную дапамогу і падтрымку. Арганізоўваю аўтарскія канцэрты, прадстаўляю творы на радыё і тэлебачанні, а цяпер яшчэ і вяду канцэрты ў камернай зале Гродзенскай абласной філармоніі. Даводзіцца аказваць садзейнічанне ў выданні нотных зборнікаў нашых кампазітараў, выпуску аўдыёкасет. Да кожнага трэба знайсці індывідуальны падыход, перад кожным адкрыць творчыя далягляды.
Вельмі рад, што прыклаў пэўныя намаганні для прапаганды творчасці тых, хто працуе ў песенным жанры, у прыватнасці Алены Пячынінай, Вячаслава Пыпеця, Аляксандра Чопчыца, Аляксандра Маркелава, Марка Копа. Аказваю дапамогу і тым, хто піша камерную і харавую музыку. Гэта Вераніка Швец, Станіслаў Гулецкі, Сяргей Бугасаў, Канстанцін Яскоў.
- Вы нямала зрабілі для арганізацыі конкурсаў і фестываляў. Як ацэньваеце гэтую сферу сваёй дзейнасці?
- Так, сапраўды, я стаяў ля вытокаў першага конкурсу юных кампазітараў Гродзенскай вобласці ў 1979 годзе, Міжнароднага конкурсу маладых кампазітараў “Надзея”, прысвечанага М. Багдановічу (Гродна, 1992 г.), раённага конкурсу юных выканаўцаў імя Канстанціна Горскага ў Лідзе (1996 г.), конкурсу самадзейных кампазітараў Гродзеншчыны (Гродна, 1999 г.). І гэта былі не аднаразовыя мерапрыемствы. Напрыклад, конкурс "Надзея" адбыўся ўжо пяць разоў. На ім збіралася кампазітарская моладзь з Беларусі, Украіны, Расіі. У рамках яго была прадстаўлена амаль уся палітра музычнага мастацтва – ад песні да сімфоніі. Тут упершыню паўсталі перад слухачамі бліскучыя таленты, якія, несуменна, стануць здабыткам нацыянальных культур.
- Вы асвятляеце ў прэсе падзеі музычнага жыцця, сведкам і арганізатарам якіх з’яўляліся. Ці прыносіць гэта вам маральнае задавальненне?
- Безумоўна! Аглядаючыся назад, магу сказаць, што за апошнія 15-20 год у мяне назапасілася каля 150 нататак і артыкулаў пра музыку. З іх спадзяюся з часам скласці кнігу “Гродзеншчына музычная”, якая ахопіць перыяд з 1985 года па сённяшні дзень. Гэта будзе цэлая галерэя творчых партрэтаў выканаўцаў, педагогаў, кампазітараў. Мяркую адлюстраваць у ёй самыя значныя з’явы і падзеі самадзейнага і прафесійнага музычнага мастацтва Прынёманскага краю.
- У снежні 1997 года выйшла ў свет ваша кніжка афарызмаў “У квітнеючых садах кахання”. Ці працягваеце вы працаваць над гэтай тэмай?
- Тэма, сапраўды, неабсяжная. Пішу пра гармонію шлюбу, пра будні і святы сямейнага жыцця. Я перакананы – на нашых вачах адбываюцца кардынальныя змены, наступае эпоха новай маралі, новага погляду на праблему кахання. Мы, як і іншыя людзі свету, ужо сур’ёзна задумваемся, як жыць шчасліва, каб каханне не знікала праз пэўны час. Меў рацыю Фёдар Дастаеўскі, калі казаў, што “прыгажосць выратуе свет”. Ад сябе дадам: і духоўнасць, і вера ў вышэйшае прызначэнне чалавека.
(Настаўніцкая газета. – 2001. – 26 ліпеня)
СЯРГЕЙ БАЧКОЎ: ГРАНІ ТАЛЕНТУ
Музыка ўзбагачае тэатр. Хто не захапляўся элегантнымі, вытанчанымі песнямі ў выкананні Андрэя Міронава? Каго не зачароўваў ягоны бліскучы акцёрскі талент, дакладней, бездань талентаў? Ён стаў кумірам грамадства, таму што быў непаўторнай асобай, цалкам адданай мастацтву.
Гэта думка не пакідала мяне на працягу ўсяго аўтарскага вечара артыста Гродзенскага абласнога драмтэатра Сяргея Бачкова. У імгненне вока ён зачараваў публіку сваёй прывабнасцю і сцэнічнай ігрой, ператварыўшы будны дзень у свята.
Сяргей Бачкоў у тэатры не навічок. Ён сыграў дзесяткі роляў, здзейсніў 15 пастановак у якасці рэжысёра, стварыў музыку да 18 спектакляў і выпускіў у свет тры музычныя альбомы.
Яго песні разнастайныя паводле зместу: адны з іх прыцягваюць лірычным роздумам, іншыя захопліваюць патэтыкай пачуццяў, трэція напісаныя ў немудрагелістым народным стылі, чацвёртыя – сучасныя яскравыя шлягеры.
Калі ён спяваў цудоўную, на мой погляд, песню “Брава, музыкант, брава!”, зала паўтарала ўслед: “Брава, музыкант…”. Рэдкае яднанне душаў!
У журботным маналогу “Расстанне” раскрываецца пра каханне і непазбежнае расстанне.
Прывабліваюць сардэчнай цеплынёй такія песні, як “Прывітанне, дождж”, “Жывіце ў радасці”.
Чароўным домам была прысвечана амаль самая лепшая песня Бачкова “Ave”, цудоўную мелодыю якой дапаўнялі ўзвышаныя, рыцарскія па сваім духу вершы. Гэта не можа не хваляваць тых мужчын і жанчын, хто бачыць у каханні сэнс жыцця, хто адчуў на сабе яче ласкавае датыкненне.
Кантрастам да сур’ёзнай тэмы прагучалі вясёлая “Тамарка”, пікантныя жарты-розыгрышы пад назвай “Шкодныя парады”. Потым прагучала гумарэска “Манюня”. У ёй расказвалася пра тое, як старая галосіць н6а магіле мужа. Напрыканцы высвятляецца, што гэта не ягоная магіла, і нават не тыя могілкі. Смешна? Сапраўды! Наколькі часта мы робім выгляд, што спачуваем – суперажываем сваім блізкім, а на самой справе праяўляем чэрствасць і раўнадушша да іх. Гэта ўжо трагедыя!
Прырода шчодра ўзнагародзіла Сяргея Бачкова. Перад гледачамі паўстаў акцёр, спявак, паэт, кампазітар, аранжыроўшчык – чалавек, гатовы бескарысліва аддаваць людзям творчае натхненне і душэўнае багацце. Не ўтою: я быў прыемна здзіўлены тым, што ў нашым тэатры ёсць талент з сапраўдны “міронаўскім” артыстычным тэмпераментам.
У святочным вечары, які быў прысвечаны 40-годдзю Сяргея Якаўлевіча, прынялі ўдзел эстрадныя выканаўцы Аляксандр Звяровіч, Святлана Сколыш, Ірына Грахоўская і жонка юбіляра Жана Бачкова. Яго віншавалі калегі, сябры, прыхільнікі, знаёмыя і незнаёмыя. Як і звычайна ў такіх выпадках, яму дарылі кветкі, бліскала ўспышка фотаапарата, панавала атмасфера радасці і гучалі надзеі на будучыя сустрэчы.
Застаецца дадаць: ушаноўванне артыста адбывалася ў канцэртнай зале Гродзенскай абласной філармоніі.
(Культура. – 2001. – 28 ліпеня)
СКОРБЬ ЗЕМНОЙ ЛЮБВИ
(соната си минор Листа в исполнении Марины Белашук)
Имя Марины Белашук хорошо известно поклонникам классической музыки. Пианистка родилась в Гродно, училась в музыкальной школе № 1. Закончила музыкальное училище и Российскую академию музыки имени Гнесиных в Москве, где и осталась работать после выпуска.
Недавно Марина и ассистент-стажер РАМ Дмитрий Гриних выступили в камерном зале Гродненской областной филармонии. Молодые московские артисты познакомили слушателей с интересной программой. Они показали высокий уровень профессионализма.
Дмитрий Гриних обладает красивым баритоном. Его репертуар простирается от Баха до Прокофьева. Он убедительно спел романсы Дебюсси на слова Верлена и де Банвиля. На польском языке исполнил 13 песен Шопена, чем приятно удивил и порадовал местную публику.
Однако в центре внимания оказалась соната си минор Ференца Листа, которую блестяще и с полной самоотдачей сыграла Марина Белашук.
Лист создавал свой шедевр на 42 году жизни. Это был период творческой зрелости и глубоких раздумий, время краха иллюзий и надежд. Вслед за сонатой композитор пишет симфонию «Фауст», что позволяет связывать трагедию Гете с образным и тематическим содержанием сонаты. Действительно, в ней можно отыскать как «фаустовские», так и «мефистофельские» элементы, созидательное и разрушительное начало. Правда, у нас нет прямых указаний автора на этот счет. Тем не менее мы едва ли не со школьной скамьи привыкли трактовать замечательное произведение Листа с точки зрения судьбы Фауста.
Прежде чем пианистка вышла на сцену, я рассказал аудитории легенду о гетевском герое – искателе смысла жизни, борце за свободу, поведал о человеке, который должен остановить тот миг, когда будет познана высшая истина. На склоне лет ослепшему Фаусту кажется, будто он достиг давно желанной цели: лемуры под его руководством роют оросительный канал на благо человечества.
«…Мгновенье,
Прекрасно ты, продлись, постой!» –
восклицает Фауст и падает замертво. Он не догадывался, что лемуры, эта мелкая бесовская нечисть, копали не канал, а могилу для неисправимого фантазера! Счастливые мечты обернулись еще одной иллюзией. Скептик Мефистофель не преминул съязвить:
«Нигде, ни в чем он счастьем не владел,
Влюблялся лишь в свое воображенье;
Последнее он удержать хотел,
Бедняк, пустое, жалкое мгновенье!»
Рок всякий раз возвращал Фауста к реальности и напоминал: ход жизни нельзя изменить, ибо он изначально предопределен.
Чтобы как-то связать эту мысль с современностью, я прочел стихи лауреата Нобелевской премии Иосифа Бродского.
И значит, не будет толка
от веры в себя да в Бога.
…И, значит, остались только
иллюзия и дорога.
И быть над землей закатам,
и быть над землей рассветам.
Удобрить ее солдатам.
Одобрить ее поэтам.
Мне казалось, что идея Рока, присутствующая у Гете и Бродского, как нельзя лучше передает смысл сонаты. Однако после концерта я несколько изменил свое мнение.
Марина Белашук привнесла в нее другие краски и оттенки. В первую очередь меня удивила сдержанность эмоций пианистки. У нее не было даже намека на преувеличенное выражение чувств. Напротив, повсюду присутствовала работа интеллекта и самоконтроль. Марина развивала рихтеровскую традицию исполнения сонаты. Известный музыковед В.А.Цуккерман, вспоминая концерт Святослава Теофиловича, пишет: «Он выставляет в ней не столько романтику, сколько сдержанное величие, чистоту духа. На фоне суровости становятся особенно выразительными моменты нежно-лирические. В бурных нарастаниях сохраняется самообладание, выдержка». Эти качества в какой-то мере характерны и для Белашук. Ее игра произвела огромное впечатление на людей. Некоторых она даже потрясла!
В моих ушах до сих пор звучит пронзительная печаль темы из среднего раздела сонаты – той, которую обычно соотносят с образом Елены Прекрасной. Для европейцев мифологическая героиня стала недосягаемым идеалом красоты, символом вечной женственности. Она ведь не была богиней, скорее обыкновенной женщиной. Она неоднократно познавала безутешное горе, утрату возлюбленного. Достаточно вспомнить ее слова о самой себе (цитата все из того же «Фауста» Гете):
«На мне сбывается реченье старое,
Что счастье с красотой не уживается…»
Ее брак с Фаустом, как и предыдущие с Менелаем, Парисом, Деифобом, Ахиллом, оказался непрочным. Небесную красоту Елены можно сравнить с морозными узорами на оконном стекле. Кто ими не любовался, с трудом веря, что такое чудо возможно в реальной жизни? А теперь добавьте в белоснежную мозаику капельку крови из раненного сердца Маргариты, и вы получите некоторое представление о скорби земной любви, о растерянности и смятении современной женщины, встречающей преграды в стремлении к подлинному чувству.
Эти нежные, хрупкие женские переживания не могли не сказаться на интерпретации сонаты. Одно дело – отобразить событийный фатализм (а тему Рока Марина подает очень трагично, даже зловеще!), и совсем другая задача – передать мощный поток энергии, да еще в традиции Рихтера! Белашук попыталась разрешить более сложную проблему: она противопоставила безличным силам мир душевного трепета, пробуждающейся любви и порыва к счастью! Любящее сердце – это воистину центр Вселенной, из которого исходят лучи Добра, Красоты и Милосердия. Любящий человек – это и есть тот образ и подобие Божье, о котором говорится в Библии. А если у нас нет сил осветить мрак окружающей жизни светом духовности – что тогда? Где выход?
Марина Белашук, похоже, понимает всю глубину труднейших философских вопросов, поднятых Гете и Листом. Ее вдохновенная игра не оставляет сомнений в том, что она искренне и талантливо прочла сонату си минор.
(Аркуш. – 2001. – 15 августа)
ДУХОЎНАСЦЮ СВЕТ УРАТУЕЦЦА…
Імя Віталя Радзіёнава добра ведаюць чытачы “ЛіМа”. Музыкан-асветнік, педагог, які ўсё сваё жыццё аддае творчасці і падтрымцы маладых талентаў, ён больш за чвэрць стагоддзя вядзк заняткі па кампазіцыі ў Гродзенскім і Лідскім музычных вучылішчах, у дзіцячых музычных школах – Ваўкавыскай, Лідскай, Індурскай, Луненскай, Верцялішкаўскай і іншых. Ён проста апантаны ідэяй, каб усе адораныя дзеці і падлеткі пазнаёміліся з асновамі кампазіцыі, далучыліся да музычнай творчасці.
Зрэшты, пра В.Радзіёнава і яго колішніх вучняў, якія абралі шлях прафесійнага кампазітара, “ЛіМ” неаднойчы распавядаў. А сам Віталь Канстанцінавіч рэгулярна публікуе ў штотыднёвіку свае карэспандэнцыі пра музычнае жыццё Гарадзеншчыны.
- Віталь Канстанцінавіч, вядома, што вы з’яўляецеся старшынёй Асацыяцыі кампазітараў Гарадзеншчыны. Раскажыце пра кола сваіх абавязкаў.
- Асацыяцыя была створана па маёй ініцыятыве ў 1994 годзе і дзейнічае пры абласным метадычным цэнтры народнай творчасці. У яе складзе каля сямідзесяці аўтараў, кожны з якіх мае патрэбу ў творчай дапамозе і падтрымцы. Арганізоўваю аўтарскія канцэрты, прадстаўляю творы на радыё і тэлебачанні, а цяпер яшчэ і вяду канцэрты ў Камернай зале Гродзенскай абласной філармоніі. Даводзіцца садзейнічаць у выданні нотных зборнікаў нашых кампазітараў, выпуску аўдыёкасет. Да кожнага трэба знайсці індывідуальны падыход, перад кожным адкрыць творчыя далягляды.
Вельмі рады, што прыклаў пэўныя намаганні для прапаганды творчасці тых, хто працуе ў песенным жанры, у прыватнасці, Алены Пячынінай, Вячаслава Пыпеця, Аляксандра Чопчыца, Аляксандра Маркелава, Марка Копа. Дапамагаю і тым, хто піша камерную і харавую музыку. Гэта Вераніка Швец, Станіслаў Гулецкі, Сяргей Бугасаў, Канстанцін Яскоў.
- Вы нямала зрабілі для арганізацыі шэрагу конкурсаў і фестываляў…
- Так, сапраўды, я стаяў ля вытокаў першага конкурсу юных кампазітараў Гродзенскай вобласці ў 1979 годзе, Міжнароднага конкурсу маладых кампазітараў “Надзея”, прысвечанага М. Багдановічу (Гродна, 1992 г.), раённага конкурсу юных выканаўцаў імя Канстанціна Горскага ў Лідзе (1996 г.), конкурсу самадзейных кампазітараў Гродзеншчыны (Гродна, 1999 г.). І гэта былі не аднаразовыя мерапрыемствы. Напрыклад, конкурс "Надзея" адбыўся ўжо пяць разоў. На ім збіралася кампазітарская моладзь з Беларусі, Украіны, Расіі. У межах яго была прадстаўлена амаль уся палітра музычных жанраў – ад песні да сімфоніі. Тут упершыню паўсталі перад слухачамі бліскучыя таленты, якія, несуменна, стануць багаццем нацыянальных культур трох славянскіх народаў.
- Вы асвятляеце ў прэсе музычныя падзеі, з вялікай цікавасцю чытаю вашы публікацыі ў абласных і рэспубліканскіх газетах. Ці прыносіць вам гэтая праца маральнае задавальненне?
- Безумоўна! Азіраючыся назад, магу сказаць, што за апошнія 15-20 гадоў у мяне назапасілася каля 150 розных публікацый пра музыку… З іх спадзяюся з часам скласці кнігу “Гродзеншчына музычная”, якая ахопіць перыяд з 1985 года па сённяшні дзень. Гэта будзе цэлая галерэя творчых партрэтаў гродзенскіх выканаўцаў, педагогаў, кампазітараў, аповед пра самыя значныя з’явы і падзеі самадзейнага і прафесійнага музычнага мастацтва Прынёманскага краю.
- У снежні 1997 года выйшла ў свет ваша кніжачка афарызмаў “У квітнеючых садах кахання”. Ці працягваеце працаваць над гэтай тэмай? У газеце “Аркуш” амаль кожны тыдзень з’яўляюцца вашы новыя выказванні наконт аднаго з самых прыгожых чалавечых пачуццяў…
- Тэма, сапраўды, неабсяжная. Заўважу адно, што кожны дзень стараюся пісаць пра мужчын і жанчын, пра гармонію шлюбу, пра будні і святы сямейнага жыцця. Я перакананы: на нашых вачах адбываюцца кардынальныя змены, ідзе эпоха новай маралі, новага погляду на праблему кахання. Мы, як і іншыя людзі свету, ужо сур’ёзна задумваемся, як дамагчыся таго, каб жыць шчасліва, каб каханне не знікала праз кароткі адцінак часу. Меў рацыю Фёдар Дастаеўскі, калі казаў, што прыгажосцю выратуецца свет. Ад сябе дадам: і духоўнасцю, і верай у вышэйшае прызначэнне чалавека.
(ЛіМ. – 2001. – 31 августа)
СМУТАК ЗЯМНОГА ПАЧУЦЦЯ
Марына Белашук – дыпламант Міжнароднага конкурсу імя Шапэна. Піяністка нарадзілася ў Гродне, вучылася ў музычнай школе № 1. Скончыла музычную вучэльню і Расійскую акадэмію музыкі імя Гнесіных у Маскве, дзе і засталася працаваць пасля выпуску.
Нядаўна Марына выступіла ў камернай зале Гродзенскай абласной філармоніі разам з Дзмітрыем Грыніхам – асістэнтам-стажорам Расійскай акадэміі музыкі. Маладыя маскоўскія артысты пазнаёмілі слухачоў з цікавай праграмай, паказаўшы высокі ўзровень прафесіяналізму.
Дзмітрый Грыніх валодае прыгожым барытонам. Яго рэпертуар распасціраецца ад Баха да пракоф’ева. Ён ўпэўнена спяваў рамансы Дэбюсі на словы Верлена і дэ Банвіля. Выканаў 13 песень Шапэна на польскай мове.
Аднак у цэнтры ўвагі была Саната сі мінор Ферэнца Ліста, якую бліскуча і з поўнай самааддачай выканала Марына Белашук. Мы ці не са школьнай лаўкі прывыклі трактаваць цудоўны твор Ліста з пункта гледжання Фауста. Марына прыўнесла ў Санату іншыя фарбы і адценні. У першую чаргу мяне здзівіла стрыманасць эмоцый піяністкі. Паўсюль прысутнічала творчасць інтэлекту і самакантроль. Марына развіла рыхтэраўскую традыцыю выканання Санаты.
У маіх вушах дагэтуль гучыць пранізлівая журба тэмы з сярэдняга раздзела санаты – той, якую звычайна суадносяць з вобразам Алены прыгожай. Для аўрапейцаў міфалагічная гераіня стала недасягальным ідэалам прыгажосці, сімвалам вечнай жаноцкасці. Нябесную прыгажосць Алены можна параўнаць з марознымі ўзорамі на ваконным шкле. А цяпер дадайце ў беласнежную мазаіку кропельку крыві з параненага сэрца Маргарыты, і вы атрымаеце некаторае ўяўленне пра смутак зямнога кахання, пра разгубленасць і шуканні сучаснай жанчыны, якая сустракае перашкоды ў сваім памкненні да сапраўднага пачуцця.
Гэтыя пяшчотныя, крохкія жаночыя перажыванні не змаглі не адбіцца на інтэрпрэтацыі санаты. Адна справа – адлюстраваць фаталізм падзей (а тэму Лёсу Марына падае вельмі трагічна, нават злавесна!), і зусім іншая задача – перадаць моцны паток энергіі, ды яшчэ ў традыцыі Рыхтэра! Белашук паспрабавала вырашыць болей складаную праблему: яна проціпаставіла безаблічным сілам свет душэўнага трапятання, абуджанага кахання і імкнення да шчасця! Сэрца, што кахае, – гэта сапраўды цэнтр сусвету, з якога зыходзяць праменні Дабрыні, Прыгажосці і Міласэрнасці. Чалавек, чыё сэрца поўнае каханнем, – гэта і ёсць той вобраз і падабенства Боскае, абякім гаворыцца ў Бібліі. А калі ў нас няма сіл асвятліць змрок навакольнага жыцця светам духоўнасці, – што тады? Дзе выйсце?
Марына Белашук, здаецца, разумее ўсю глыбіню найскладаных філасофскіх пытанняў, якія былі ўзняты Гётэ і Лістам. Яе натхнёная ігра не пакідае сумненняў у тым, што яна шчыра і таленавіта прачытала Санату сі мінор.
(Культура. – 2001 – 22-28 верасня)
А ВЫ НОКТЮРН СОЗДАТЬ СМОГЛИ БЫ –
НА КУХНЕ И НЕ ЗНАЯ НОТ?…
(Ученики Виталия Родионова делают это запросто!)
В детстве у композитора Виталия Родионова учителя музыки не было. Он научился играть на баяне сам. А еще – по радио слушал скрипичные концерты Паганини и… плакал. Позже он превратил музыку в смысл жизни, закончил музыкальное училище и со временем занялся сочинительством. Ныне талантивым композитором написаны три оперы, десятки инструментальных и вокальных произведений. Новсе же его истинное призвание – обучение композиторскому мастерству других. 13 самых талантливых его учеников в разное время поступили в класс композиции Белорусской академии музыки. Кроме этого, Виталий Родионов занимается просветительством (им написано более 120 серьезных статей о музыке, издана книга собственных афоризмов “В цветущих садах любви”), возглавляет ассоциацию композиторов Гродненщины.
Виталий Константинович еще в начале своего творческого и педагогического пути вышел “за рамки” одного города. Преподавая композицию в Гродненском музыкальном училище, начал ездить по музыкальным школам области и с интересом обнаружил, как много талантливых детей по всей Беларуси. И кому-то из них повезло: ребята, в некоторых случаях даже не знавшие нот, проучившись у Виталия Константиновича, становились мастерами.
Узнав о том, что в детстве я закончила музыкальную школу и до сих пор под настроение играю на своем фортепиано, этот удивительный человек ответил, что при моем желании научит… писать музыку. Так же было у него с Владимиром Захаровым, ныне гитаристом, получившим международное признание.
Будущий лауреат областного конкурса композиторов Вероника Швец пришла к мастеру в возрасте “за тридцать”. Она пишет музыку по ночам на кухне, не используя инструмента. Недавно она написала концерт для фортепиано с оркестром. Мелодичные, раскрывающие глубинные пласты человеческого сознания произведения Вероники Швец непросты для исполнения, поэтому автору, которая еще и виртуазная пианистка, чаще всего приходится играть их самой.
Особое место в жизни Учителя занимают его талантливые ученики-композиторы: лауреат Государственной премии Республики Беларусь андрей Бондаренко, поставивший в центр своего творчества проблемы духовности и православной веры, лауреат Международного конкурса композиторов в Праге Евгений Поплавский, ищущий в своих произведениях синтез искусств, лауреат Всесоюзного конкурса артистов эстрады в Москве Валерий Живалевский, посвятивший себя становлению и развитию белорусской гитарной школы, и многие другие.
Не отдавая предпочтения ни одному из учеников, Виталий Родионов лелеет композиторскую поросль Беларуси, отказавшись от собственного сочинительства (дабы ученики искали себя, не подражая), посвящая много своего личного времени детям. Внушая юным созданиям веру в себя, он терпеливо взращивает хрупкое растеньице таланта. Критика и неделикатные замечания напрочь отсутствуют в его методике преподавания и общения с учениками. При этом он постоянно напоминает им, что красота и возвышенная музыка рождаются только в трудах праведных…
Много лет назад в Лидской музыкальной школе он обратил внимание на талантливую девочку Динару Мазитову. По принципу “изобрази партию жабы-мамы” он предложил ей облечь в музыкальные формы любимую сказку “Дюймовочка”. 10-летняя девочка написала великолепный балет. Потом еще два, две оперы, сотни произведений для фортепиано, скрипки, виолончели, огромное количество песен на стихи белорусских и русских поэтов.
Судьба талантливой девочки стала предметом стараний и переживаний со стороны учителя. Не без его участия председатель Лидского горисполкома Владимир Малец и председатель общественной организации “Белорусский детский фонд” Владимир Липский выделили деньги для издания “Дюймовочки”. Но Виталий Родионов пошел дальше. Он решил этот балет поставить. Сначала постановка осуществлялась в Минском хореографическом колледже. Но у исполнителей не было костюмов, отчего терялось восприятие. Несколько позже фрагменты балета удалось поставить благодаря ансамблю “Лялечки” Обуховского сельского Дома культуры и его руководителю Надежде Урюкиной.
Виталий Родионов обеспокоен тем, что сегодня по достоинству не оценены его некоторые ученики. Динара поступила в гимназию-колледж при Белорусской академии музыки, а он ездит к ней раз в неделю в Минск, чтобы дать урок. И часто задает себе вопрос: может ли из Динары в наше время и в нашей стране вырасти Моцарт, который 250 лет назад делал то же самое, и за это талантливого мальчика Вена “носила на руках”? По идее, может. У нее, как и у Моцарта, есть учитель, развивающий в ней самобытность. Есть великий талант, есть и некторое признание общества (два раза Динара была президентской стипендиаткой). Но пока не хватает главного – как бы мы ни хотели скрыть этот факт, но уровень культуры и цивилизации в Беларуси пока невысок. Впрочем, даже при всех непростых обстоятельствах, анализируя процессы, происходящие в музыкальном мире, Виталий Константинович Родионов констатирует тот факт, что наше общество стоит на пороге значительных перемен. Белорусские композиторы и исполнители уже получили мужденародное признание. Значит, есть школа, значит, есть перспективное “завтра”. По крайней мере, он искренне счастлив, что из семи студентов, принятых в этом году в Белорусскую академию музыки по композиции, трое – его ученики.
(Рэспубліка. – 2001. – 23 кастрычніка)
ЛІДА – ГРОДНА – НЬЮ-ЙОРК
(мост культурных сувязей)
Гродзенская абласная філармонія арганізавала творчыя вечары кампазітара з ЗША Аркадзя Дзвілянскага, якія прайшлі ў Гродне і Лідзе.
Аркадзій Дзвілянскі нарадзіўся ў Лідзе, пазней скончыў Свярдлоўскую кансерваторыю і аспірантуру. Прырода шчодра надзяліла яго разнастайнымі дараваннямі, ды і ён сам, дзякуючы добрасумленнасці і працававітасці, дасягнуў уражлівых вынікаў. Ён тэарэтык-даследчык, кандыдат мастацтвазнаўства, паэт, пісьменнік, аўтар каля 400 песень і рамансаў. У яго выйшла некалькі паэтычных і музычных зборнікаў, рамансаў, аповесцяў, мноства апавяданняў і казак. З 1996 года ён пражывае ў Злучаных Штатах Амерыкі. У адным з тэатраў Брадвея пастаўлены яго мюзікл “Блукаючыя зоркі” паводле рамана Шолама-Алейхема. Аркадзь выступіў з аўтарскімі канцэртамі ў Расіі, Беларусі, Кіргізіі, ізраілі, ЗША.
Атмасфера канцэртаў была цёплай і сардэчнай. Публіка выказвала шчырую падзяку аўтару прыгожых і светлых песень. Яго лірыка пераліваецца безліччу адценняў і поўтонамі эмоцый. Музыка Дзвілянскага быццам абуджае ў нашай памяці песенна-задушэўныя інтанацыі Дунаеўскага, трапяткія-пяшчотныя Акуджавы, рэчытатыўна-трывожныя Галіча, дэкламацыйна-усхваляваныя Тарывердзіева, салонна-вытанчаныя Сяргея Нікіціна. Тым не менш у мелодыцы Аркадзя няма банальнага эпігонства, яна пераламляецца праз прызму самабытнай індывідуальнасці. Кампазітар сабраў, сінтэзаваў і праасэнсаваў раней дасягнутае. У выніку з’явілася ў свет новая песенная творчасць.
Дзвілянскі – майстар сціплага, аднак псіхалагічна тонкага акампанементу, які натуральна і арганічна зліваецца з вакалам. Ён умее перадаць характар і ўнутраны сэнс песні!
Канцэрт прымусіў мяне задумацца аб сучаснай эстраднай песні, бо, напрыклад, Дзвілянскі паказвае, што песня будзе жыць і прыносіць эстэтычную радасць людзям толькі тады, калі аўтар уклаў у яе душу, здолеў рамантычна ўзвысіцца над звычайнасцю. Я б аднёс музыку Аркадзя Дзвілянскага, нашага земляка, да лепшых узораў сучаснага песеннага мастацтва. Прыемна разумець, што яго голас даляцеў да знакамітага Брадвея, але яшчэ радасна бачыць другое: узнік нейкі культурны мост Ліда – Гродна – Нью-Йорк. Дай Бог, каб ён не парушыўся. Дарэчы, сёлета Аркадзь Дзвілянскі стварыў вакальны цыкл на вершы Іосіфа Бродскага, а таксама пачаў працаваць над мюзіклам аб лёсе. Спадзяюся, што дадзены беларуска-амерыканскі праект хутка здзейсніцца, і паклоннікі таленту Аркадзя Дзвілянскага тут, у Беларусі, і там, у ЗША, убачаць доўгачаканы музычны спектакль.
(Культура. – 2001. – 27 кастрычніка)
СОНЕЧНЫ ДАР ДЗІНАРЫ
Спрытныя дзявочыя пальцы бегаюць па чорна-белых клавішах. Усе навокал стаілі дыханне: грае Дзінара Мазітава. І, нягледзячы на змрок асенняй непагоды за вокнамі, здаецца, што залу Гродзенскай абласной філармоніі залівае цёплае сонечнае святло, здольнае сагрэць кожнае сэрца.
Павольна плыву па хвалях мелодый. І адкрываю для сябе ў музыцы Дзінары цэлы свет, рамантычны і казачны, поўны супярэчнасцей, дзе грознае суседнічае з забаўным, лірычны смутак змяняецца нястомнай весялосцю, а дабро вядзе адвечную барацьбу са злом, каб урэшце перамагчы.
А якая ж яна сама, юная піяністка і кампазітар? За знешнім спакоем і стрыманасцю крохкай семнаццацігадовай дзяўчыны хаваецца бура эмоцый, і той, хто чуйна ўспрымае мастацтва, здатны распазнаць іх у адценнях гукавой палітры. Музыцы Дзінара аддаецца цалкам, выяўляе самыя патаемныя глыбіні душы. Магчыма, таму лепш за ўсё атрымліваюцца ў яе жаночыя партрэты: кранальная Дзюймовачка (з аднайменнага балета), летуценная Паміна (опера “Чарадзейная флейта”), вытанчаная сеньёра Чычылія і гарэзлівая Рыта (балет “Торт у небе”), добрая, шчырая Люсі і мужная прыгажуня Сьюзен (з сюіты для фартэпіяна “Хронікі Нарніі”). Усе разам яны ўвасабляюць гісторыю сталення юнай істоты, ператварэння з сямігадовай дзяўчынкі ў чароўную, непасрэдную, упэўненую ў сабе дзяўчыну. Багатая натура Дзінары – нібыта прырода нашай планеты: заўжды зменлівая, непрадказальная, няўрымслівая, і таму – цудоўная.
Як хочацца, каб цярністы шлях самаўдасканалення, нецікавая і занадта ж будзённая рэчаіснасць не змаглі ператварыць казачныя мары ў шэры попел, не затушылі іскрынку Сонечнага Дару ў яе маладым сэрцы! І каб дапамагалі ўсім юным талентам такія людзі, як настаўнік Дзінары – вядомы педагог-энтузіяст Віталь Радзіёнаў.
(ЛіМ. – 2001. – 23 лістапада)
«МОИМ ГЛАВНЫМ АРБИТРОМ БЫЛА И ОСТАЕТСЯ СОВЕСТЬ»
Родионов – автор трех опер, десятков произведений вокальной и камерной музыки. Однако в республике он известен, прежде всего, как опытный педагог. Свыше четверти века преподает сочинение музыки в Гродненском и Лидском музучилищах, в детских музыкальных школах Волковыска, Лиды, Лунно, Индуры, Вертелишек.
Список имен бывших и нынешних воспитанников Виталия Родионова впечатляет. Это лауреат Государственной премии Республики Беларусь Андрей Бондаренко, лауреат международного конкурса композиторов в Праге Евгений Поплавский, лауреат всесоюзного конкурса артистов эстрады гитарист и композитор Валерий Живалевский. Рядом с ними нельзя не назвать лауреатов международных конкурсов гитаристов Владимира Захарова и Дениса Асимовича, чьи сочинения изданы в Италии и Польше. Это лауреат конкурса композиторов Гродненщины Вероника Швец, лауреаты международного конкурса молодых композиторов в Гродно Нина Ролик и Евгений Ларионов. Это, наконец, яркая звездочка, надежда Беларуси семнадцатилетняя Динара Мазитова. Она автор двух опер и трех балетов, сотен произведений малой формы. Несмотря на свой возраст, Динара лауреат международных конкурсов юных и молодых композиторов в Гродно, Санкт-Петербурге, Москве.
Прибавьте к ним нынешних студентов композиторского отделения Белорусской академии музыки Максима Круглого, Наталию Воейкову, Ольгу Подгайскую, Константина Яськова – и вы получите некоторое представление о человеке, который посвятил свою жизнь обучению и воспитанию талантливой творческой молодежи. Можно не сомневаться, что ученики Виталия Родионова в недалеком будущем станут цветом белорусской музыкальной культуры. Это ли не награда за подвижнический бескорыстный труд педагога-энтузиаста, музыканта-просветителя?
Виталий Константинович широко образованный человек. Он легко ориентируется в гуманитарных дисциплинах: литературе, философии, религии. В его творческом багаже полторы сотни публикаций о музыке. Он собиратель жемчужин мысли от древнейших времен до современности, это краса и гордость его большой коллекции. Поэтому я не мог удержаться от соблазна поговорить с ним о его методике преподавания композиции в свете высказываний великих людей. К тому же Родионов – автор книги собственных афоризмов «В цветущих садах любви». Мне показалось, что такое интервью будет иметь двойную, нравственную и педагогическую, ценность.
- Виталий Константинович, как вы преподаете столь сложный предмет – сочинение музыки? В чем суть вашего метода?
- Содержание моего многолетнего опыта работы с учениками, спасибо за ваше лестное предложение, я действительно попытаюсь раскрыть через призму высказываний великих людей, которых более всего почитаю.
«Искусство смягчает нравы», – говорил римский поэт Овидий. Немецкий композитор Иоганн Себастьян Бах конкретизировал данную мысль: «Цель музыки – трогать сердца». Это важнейшие первоначальные принципы моей системы преподавания. Затем необходимо внушить ученику веру в себя, в его творческие возможности. Поэтому я не скуплюсь на похвалу, на доброе слово, выказываю сочувствие и понимание, если тот столкнулся с какими-то проблемами. Способности ученика надо взращивать терпеливо, ведь он – хрупкое растеньице, и нельзя бесчувственно обрывать зеленые листочки. Именно так поступают иные педагоги: сочинил юный автор коротенькую пьеску и его «наставник» бестактно начинает править ноты и высказывать критические замечания, да еще в такой форме, что уже не захочется творить. Это не педагогика, скорее насилие над личностью.
Далее. Нельзя пороть горячку. Без серьезной кропотливой работы серьезных результатов не добиться. Как сказал Петр Ильич Чайковский: «Вдохновение рождается только от труда». Об этом я постоянно напоминаю своим питомцам. Дарование быстро исчезнет, если не сидеть за инструментом каждый день. Замечательную музыку создавать тяжело. Красота дается потом и мозолями, через неимоверные усилия.
Центральное место в моей практике занимает требование писать красивую, возвышенную музыку – ту, что нравится простым людям. Я не могу не признать очень точной мысль весьма почитаемого мною человека, писателя Гюстава Флобера: «Все, что прекрасно, – нравственно». От красоты неотделимо понятие добра, которое следует рассматривать в двух аспектах: доброе отношение педагога к ученику и доброта в душе воспитанника. Быть добрым, а точнее – добреньким, очень легко. Куда труднее проявлять к ученику строгость, чтобы он осознал справедливость твоих суждений и оценок. Здесь я, признаюсь, еще не достиг совершенства, мне еще нужно поработать над собой. Грешен я и в тех случаях, когда преподаю сочинение музыки первому встречному, не заботясь, добр этот человек, порядочен, будет ли признателен тебе. Что греха таить, часто встречаются люди своекорыстные, с потребительской жилкой. Всякий раз, проиводя набор на мой курс, я стою перед дилеммой: учить всех подряд или брать только достойных? Помня мудрое изречение французского мыслителя Ларошфуко: «Порою из дурных качеств складываются великие таланты», я заставляю себя заниматься с теми, к кому не питаю симпатий. Так надо с профессиональной точки зрения. Кто не знает, что ни Сальери, ни Паганини, ни Вагнер не походили на ангелов! Художники рано или поздно умирают, а их гениальные произведения остаются.
- Любят ли вас ученики, уважают ли?
- Те из них, кто добросовестно осваивает азы композиции ради престижного диплома, вряд ли помянут меня добрым словом. Да и те, кто дерзок, одержим желанием создать нечто свое, оригинальное, частенько бросают вызов педагогу. В их стремлениях нет ничего противоестественного. Приведу фразу прославленного Леонардо да Винчи: «Жалок тот ученик, который не превосходит своего учителя». Повзрослев, молодые коллеги-соперники припомнят тебе каждый промах, каждый неверный шаг. И, безусловно, упрекнут в дилетантизме. Дай Бог им на склоне лет уразуметь, кому они обязаны своими первыми шагами в искусстве. Чтобы впредь не случались подобные казусы с неблагодарными учениками, в них с самого раннего возраста надо закладывать прочную духовную основу, позволяющую по-человечески относиться к людям и верить в Бога. Тысячу раз прав Виссарион Белинский, чье высказывание как нельзя лучше отражает мою мысль: «Орудием и посредником воспитания должна быть любовь, а целью – человечность». Для меня человечность превыше всего, ради нее я порой безрассудно бросался в пропасть. Потом вновь приходилось карабкаться вверх, чтобы восстановить прежний авторитет и репутацию.
- Вы говорили о духовности и, похоже, не все сказали.
- Вторую часть моей формулы духовности можно проиллюстрировать афоризмом того же Леонардо да Винчи: «Где дух не водит рукой художника, там нет искусства». Понятие «дух», как я полагаю, включает в себя одновременно Бога в душе и Творца Вселенной, который незримо, ненавязчиво руководит людскими поступками.
Из сказанного следует вывод: крупный талант – это человек с развитым воображением, добрым сердцем и высоким интеллектом, которому известно, что такое духовная любовь к ближнему и вера в Бога. Он облагораживает мир, делает жизнь более изящной и красивой. На этот счет я приведу очень емкие и точные слова английского мыслителя Томаса Карлейля: «Гениальность – это, прежде всего, выдающаяся способность быть за все в ответе». Вопрос поставлен ребром. Однако надо понимать, что творческая личность вырастет по мере того, насколько масштабные цели ставят перед ней. Кто выше смотрит, тот дальше видит.
- А что собой представляет сам педагог? Каков его внутренний мир, какие задачи он ставит?
- Надо различать педагогов по призванию и педагогов по должности. Кому на роду написано воспитывать юношество, тот будет этим заниматься, невзирая на отсутствие соответствующей вакансии. Не будет места в городе – поедет в поселок, деревню. В каких только уголках Гродненской области я не вел сочинение музыки! И сейчас, после 30 лет «мытарств», я готов сесть в автобус или поезд, чтобы дать урок где-то в глубинке. Вполне разделяю мысль Дмитрия Ушинского: «Воспитатель не чиновник, а если он чиновник, то он не воспитатель».
- Получаете ли вы удовлетворение от «разъездной» педагогической работы?
- Конечно! Но не материальное. Когда учишь кого-то, и сам чему-то обучаешься. Даешь советы, тем и счастлив. Чего же еще? Добросовестное отношение к делу постепенно приносит свои плоды. «Живи по правде – вот самая лучшая проповедь», – уверяет Сервантес. Ему вторит Руссо: «Правдивое сердце – главное орудие истины». Одним словом, мое положение, моя репутация ни от кого не зависят. Главным арбитром была и остается совесть. Она и только она заставляет меня «идти в народ». Ведь человек создан для человека. Более того, от меры нашего бескорыстия зависит степень людской благодарности. Августин Блаженный эту мысль выразил несколько иначе: «Любовь к ближнему ограничена тем, насколько каждый человек любит самого себя». Существует диалектическая связь между моим «я» и общим «мы». Это я начал понимать лишь с приобретением жизненного опыта. Во мне происходило долгое и мучительное становление самосознания. «Наша личность, – говорит великий Шекспир, – это сад, а наша воля – его садовник». Пришлось заняться самовоспитанием, перестроить свое мироощущение на гуманистических началах.
Я составил свод правил, руководствуясь опять же изречениями знаменитых людей.
«Познай самого себя» (Цецерон).
«Нет ничего отважнее, чем победа над самим собой» (Эразм Роттердамский).
«Страдание – основа всей морали» (Шопенгауэр).
«Чем человек умнее и добрее, тем больше он замечает добра в людях» (Паскаль).
«Мудрость – родная мать счастья» (Софокл).
- В чем состоит ваше, Виталий Константинович, счастье?
- Я обрел свободу духа, ибо во мне, в моем собственном сердце, находится, так сказать, «святая святых». Я перестал зависеть от капризов судьбы. Какой бы сложной ни была моя жизнь, я и теперь полон желания приносить людям пользу, заниматься педагогической и просветительской деятельностью. Сегодня я вправе поставить перед собой и перед обществом главный нравственный вопрос: когда мы перестанем говорить одно, а делать другое? Римский император и философ-стоик Марк Аврелий мужественно воззвал к согражданам: «Не все же разглагольствовать о том, каким должен быть человек, пора и стать им». Уверен, что нынешняя эпоха – время переосмысления основ бытия, период кардинальных перемен в моральном облике людей.
(Беларуская думка. – 2001. – № 11)
ГІМН ПРЫГАЖОСЦІ
“Я жыву
па музычных законах”
(Людміла Кебіч)
Аўтарскі вечар паэтэсы Людмілы Кебіч і кампазітара Генадзія Кебіча атрымаў шырокі грамадскі рэзананс. Гэты арыгінальны жыццёвы і творчы дуэт з поспехам выступіў у канцэртнай зале “Гродна” абласной філармоніі.
Людміла Антонаўна працуе ў Гродзенскім дзяржаўным вучылішчы мастацтваў намеснікам дырэктара па выхаваўчай рабоце і выкладчыкам музычна-тэарэтычных дысцыплін. Яна піша вершы, друкуецца ў розных перыядычных выданнях. У свет выйшлі два яе зборнікі вершаў: “Па музычных законах” (1996) і “Зялёная рутвіцы” (2001). На вершы Людмілы Кебіч многія гродзенскія і вядомыя беларускія кампазітары напісалі песні. Гэта Яўген Петрашэвіч, Марк Коп, Аляксандр Чопцыц, Аляксандр Маркелаў, Віктар Войцік, Алег Елісеенкаў, Ядвіга Паплаўская і іншыя – цэлая плеяда вядомых імёнаў.
Але больш за ўсіх на яе вершы стварае песень Генадзь Іванавіч Кебіч – муж, верны сябар і шчыры сааўтар. Ён працуе выкладчыкам па класу баяна і канцэртмайстрам харэаграфічных класаў у сярэдняй школе № 21 г.Гродна. У яго асобе мы ўбачылі сур’ёзнага музыканта і чалавека, таленавітага кампазітара: акрамя песень ён стварае інструментальныя п’есы, робіць апрацоўкі народных песень і сучаснай музыкі. Ім распрацавана школа ігры на гітары і сінтэзатары, створаны і апрабаваны на практыцы рэпертуар канцэртмайстра харэаграфіі.
Дуэт Людмілы і Генадзія Кебічаў быў лаўрэатам шматлікіх конкурсаў сямейнай творчасці абласнога і рэспубліканскага ўзроўняў. Яго ведаюць і любяць не толькі ў Гродне і Гродзенскай вобласці, а і ў іншых куточках роднай Беларусі.
У 1998 годзе ў Гродзенскім АНМЦ выйшаў зборнік песень Генадзія Кебіча на вершы Людмілы Кебіч “Чароўны лістапад”. І сёння яны актыўна працуюць абнаўляюць канцэртны рэпертуар, з ахвотай адгукаюцца на прапановы выступіць там, дзе іх чакаюць. І людзі ім удзячны; іх любяць яшчэ і таму, што жыццё сваё яны ператварылі ў песню, у гімн прыгажосці і хараства.
Праграма аўтарскага вечара Кебічаў аказалася вельмі рознабаковай і цікавай. Паўтары гадзіны праляцелі на адным дыханні. Імгненні. Публіка рэагавала жыва, з вялікай сімпатыяй на іх творчасць.
Значна ўпрыгожылі вечар і навучэнцы вучылішча мастацтваў. Навучэнцы аддзялення рэжысуры масавых абрадаў і святаў пад кіраўніцтвам Святланы Ажарэдавай падрыхтавалі паэтычную кампазіцыю вершаў Людмілы Кебіч. Яе паэзія – гэта простая, лірычная, задушэўная чалавечая мова, шчырая і адкрытая, здаецца, выходзіць з любячага, трапятковага і вельмі чулага сэрца. У ёй заўсёды ёсць месца для ўроніі, гумару, парадоксам нашай звыклай будзённасці. Яна аспеўвае, адухатварае прыроду роднага краю, любай зямлі ўзвышанымі пачуццямі і адчуваннямі. Вершы Л.Кебіч незвычайна музычныя, пявучыя, быццам самыя просяцца на музыку.
Жанравае і стылявое багацце абуджала цікавасць залы да таго, што адбывалася на сцэне. Вакальны ансамбль і саліст Дзмітрый Паўлоўскі выканалі песню “Я і яна” на словы Я.Купалы і Л.Кебіч (кіраўнік ансамбля Надзея Сербул). Рамантычны настрой у песні “Чароўны лістапад” дапамагалі стварыць навучэнцы харэаграфічнага аддзялення (харэограф-пастаноўшчык Наталля Парахневіч). Навучэнка 4 курса Надзея Астроўская выканала песню “Кубачак кавы”, якая ў 1999 годзе была адзначана прызам на 1 конкурсе кампазітараў гарадзенскага краю. Спявачка з цудоўным голасам і цікавым тэмбрам надзвычай артыстычна выканала не меньш цудоўную эстрадную песню. Не абышлося і без прэм’еры – ёй з’явілася новая песня Людмілы і Генадзія “Папараць-кветка”, якую цёпла і пяшчотна выканала абаяльная Вольга Емяльянчык. Завяршыўся канцэрт-вечар сапраўдным гімнам мастацтву, гімнам творчасці, прыгажосці – песняй-гімнам “Светач мастацтва”, які Людміла Кебіч праспявала разам з хорам навучэнцаў вучылішча мастацтваў пад кіраўніцтвам маладога, але вельмі сур’ёзнага і здольнага выкладчыка Вольгі Бялянка.
Трэба адзначыць, што паэтэса аказалася яшчэ і выключна таленавітай вядучай, для чаго, як вядома, трэба валодаць артыстызмам, знаходлівасцю і дасціпнасцю, дарам правільнай мовы. Як бачым, Людміла Кебіч – мастацкі багатая натура, рознабаковая таленавітая і самабытная.
А як праявіў сябе Генадзій Кебіч? Імаверна, ён адчуваў задавальненне ад таго, што яго песні хвалявалі слухачоў, здзіўлялі іх. Кожны раз, калі мелодыя падабалася, прысутныя пляскалі ў такт рытму. Сярод “шчаслівых”, “адзначаных” песень трэба назваць хаця б некаторыя – “Пераборы”, “Не гавары мне пра каханне”, “Не гавары бывай“”, “Зялёная рутвіца”, “Што такое маладосць”. А песня-гімн “Светач мастацтва” сарвала цэлы шквал авацый. Бясспрэчны поспех кампазітара! І невыпадкова. Усе песні Г.Кебіча рытмічныя, часта афарбаваныя ў джазавы каларыт, чым, уласна кажучы, прыцягваюць да сябе ўвагу. Аднак, у Генадзія Кебіча ёсць яшчэ адна важная сфера выразнасці – гэта лірызм, шырокая распеўнасць мелодый. І кожны раз яго лірычныя песні валодаюць непаўторным адценнем эмоцый: у цёплых, шчырых танах напісана песня “Ты – настаўніца”, з ноткамі шчымлівай самоты – песня “Папараць-кветка”, узвышаны настрой – у песні “Я і яна”, зачароўвае сапраўды чароўнай мелодыяй песня з такой жа назвай – “Чароўны лістапад”.
Светлую, узнёслую, рамантычную тэматыку песень дапаўняюць вясёлыя, жартаўлівыя танцавальныя кампазіцыі, часта ў народным стылі, як, напрыклад, жывая і яскравая “Зялёная рутвіца”.
Нельга не прызнаць, што Генадзій Кебіч дабіўся поспехаў з кожнай з гэтых трох сфер музычнай творчасці. Да таго ж, ён праявіў сябе як музыкант, упэўнена валодаючы мастацтвам акампанемента, як смелы і цікавы імправізатар.
Публіка цёпла прымала паэтэсу і кампазітара. У зале панавала атмасфера свята, высокай духоўнасці, чысціні і ўдзячнасці аб’яднаных спалучэннем паэзіі і музыкі, слухачоў так шчодра адоранай прыродай таленавітай і прыгожай сямейнай пары Кебічаў за тое, што яна падарыла нам хвіліны радасці і хараства, якіх так не хапае ў наш няпросты, а для кагосьці і бязлітасны час.
(Аркуш. – 2001. – 5 декабря)
ИЗ ПОРОЗОВО – НА МУЗЫКАЛЬНЫЙ ОЛИМП
Секретами успеха поделился с юными музыкантами Гродненщины
композитор Евгений Поплавский
Что определяет судьбу человека? Воля, разум и настойчивость в достижении поставленной цели. Эту простую истину еще раз подтвердили творческие встречи с композитором Евгением Поплавским в музыкальных училищах Гродно и Лиды.
В начале 70-х годов на конкурс юных композиторов из городского поселка порозово Свислочского района приехал мальчик. Он привез свои песни. Случилось так, что я, будучи председателем жюри, отверг их. Незадачливый автор ехал домой в автобусе, за окнами мелькали унылые пейзажи, а душу отравляла досада: надежды не оправдались. Этим мальчиком был Женя Поплавский.
Несмотря на разочарование, он не опустил руки. Усердно работал над собой, поступил в Гродненское музучилище и продолжал сочинять музыку. Затем учился в консерватории по классу композиции у профессоров Игоря Лученка и Дмитрия Смольского. Потом с успехом закончил ассистентуру-стажировку при Санкт-Петебругской консерватории, где занимался у знаменитого русского композитораСергея Слонимского. Позже была двухгодичная стажировка в академии музыки Кракова, а также в Студии электронной музыки. Детские мечты Жени стать композитором сбылись.
Учащиеся теоретического отделения и мои нынешние воспитанники познакомились с творчеством Евгения Поплавского, члена Союза композиторов Беларуси, лауреата Национального конкурса, посвященного 500-летию со дня рождения Франциска Скорины (1991 г.) и Международного композиторского конкурса сочинений для хора “Иглава-2000” в Праге.
В начале лекции прозвучала запись Сонаты для альта и фортепиано (1984 г.), на редкость целостное и естественное произведение, написанное Евгением, когда он был студентом 3-го курса консерватории. Благодаря его первым исполнителям замечательным альтистам Лючии Ластовке и Александру Хохлову Соната получила широкое признание: ее играют в России, Польше, Чехии, Аргентине, Бразилии.
Чуть позже. В 1985 году, Поплавский закончил “Quo vadis” для симфонического оркестра – масштабное полотно по мотивам одноименного романа лауреата нобелевской премии Генрика Сенкевича. Это уже атональная музыка. Запись, с которой ознакомилась аудитория, была сделана симфоническим оркестром радио и телевидения под управлением Анатолия Ляпунова.
Третьей музыкальной иллюстрацией были Эскизы для симфонического оркестра «Порозово», созданные Поплавским в 1991 году в его «петербургский» период жизни. Здесь применена техника сонорного письма. В партитуру включены керамические колокольцы, которые символизируют собой гончарное искусство, чем издавна славилась порозовская земля. Произведение было в свое время сыграно симфоническим оркестром радио и телевидения (дирижер Николай Колядко).
Звучала также «Коррозия времени» (1999 г.) – произведение, реализованное в краковской Студии электронной музыки. Его премьера состоялась на Международном фестивале современной музыки «Дни музыки краковских композиторов». Примечателен тот факт, что фестиваль проходил в Центре японского искусства «Мангха», построенного ведущим режиссером польского кино Анджеем Вайдой.
2000 год в творчестве Поплавского ознаменовался появлением нового произведения под заголовском «Свет на пути». Эта вещь была заказана ему программной комиссией одного из самых престижных мировых фестивалей современной музыки «Варшавская осень». Первое представление состоялось во время этого фестиваля в Концертной студии польского радио имени Витольда Лютославского. Исполнил его ансамбль солистов «Классик-Авангард» под руководством Влдадимира Байдова. «Свет на пути» включен в хронику «Варшавской осени», которая выходит на компакт-диске. Замечательный успех белорусского композитора!
Годом раньше из-под пера Поплавского вышел хоровой цикл «Супрасльской мадонне», три избранных песнопения из Супрасльского ирмологиона (1598-1601 гг.). Его блестяще спела Академическая хоровая капелла имени Ширмы, возглавляемая талантливым хормейстером Людмилой Ефимовой. Это произошло на 13-м фестивале «Дни музыки краковских композиторов». Надо отметить, что Евгений Поплавский, неизменный участник различных польских музыкальных форумов, часто приглашает в качестве исполнителей своих произведений белорусские коллективы. Что ни говори, благородный жест человека, крепко стоящего на своих ногах.
Учащиеся двух музыкальных училищ, Гродненского и Лидского, в процессе лекционного турне Евгения Поплавского имели возможность близко познакомиться с музыкантом, совершившим головокружительный взлет. Пример, достойный подражания для тех, кто избрал в жизни нелегкую композиторскую стезю.
(Гродненская правда. – 2001. – 11 декабря)
ЧАРУЮЩАЯ ПЕСНЬ ЛЮБВИ
Бескрайний и увлекательный мир гитары откроется каждому, кто вникнет в ее трепетные звуки, кто приложит усилия, чтобы понять ее хрупкую красоту, кто согласует порывы своего сердца с тем гимном жизни, который она творит с необычайной деликатностью и благородством.
На этот концерт в зале Гродненской филармонии собралась элита белорусского гитарного искусства. Далеко не каждого артиста приветствует добрый десяток лауреатов международных конкурсов. В числе слушателей я приметил Яна Скрыгана из Минска (четырехкратный лауреат), Дениса Асимовича и Владимира Захарова из Гродно (оба – двукратные лауреаты), лауреатов Наталью Липницкую и Павла Шамшуру (Минск), Сергея Разуваева, Андрея Ситкова, Александра Якушева (Гродно). Особое место в когорте именитой публики занимал Евгений Гридюшко, гитарист-виртуоз, хорошо известный у нас в республике и за ее пределами, и кроме того старший преподаватель Белорусской академии музыки.
Кто же удостоился такой редкой чести?
Фабио Занон.
Это магическое имя в мире гитары. Занон относительно молод, хотя успел снискать всемирную славу. Его игра – эталон классического совершенства, в ней гармонично сочетаются красота, изящество, утонченность.
Фабио Занон родился в Бразилии. Секреты гитарного искусства искусства постигал на родине и в Италии. Вскоре он стал лауреатом множества международных конкурсов, в том числе и самых престижных – в Испании и Соединенных Штатах Америки.
Чтобы описать исполнительскую манеру выдающегося гитариста, надо владеть пером не хуже, чем тот – шестью струнами. Задача непосильная!
Инструмент в руках Фабио словно шепчет: если хочешь узнать, чем живет твое сердце – вслушайся в звуки гитары. Музыка в его интерпретации дарит нам миг высшего наслаждения, когда мы, изумленные, прозреваем и видим, как создается чарующая Песнь любви и счастья.
Сотни едва уловимых оттенков прекраснейшего из наших чувств передает артист. Кто ни разу не растворялся в неге блаженства после безумия страсти, тот не поймет язык его нежнейшей лирики. Аудитория помимо своей воли попадает в плен благоуханных созвучий, характер которых можно выразить букетом эпитетов: поэтично, сентиментально, мягко, томно, знойно, расслабленно, изысканно… Так был сыгран Долермандо Рейс.
Тонкий аромат источают более строгие аккорды, которые я определю так: просто, спокойно, сдержанно, отстраненно, филигранно, отточено до мелочей… А это уже Доменико Скалатти.
Гитара поет особенно взволнованно, когда она раскрывает поэзию романтических переживаний. Импульсивность и экспрессия у Фабио Занона тесно переплетены с грустной задумчивостью. Его откровенные признания ласкают душу красивым бархатным звуком. Мы отдаемся свободно пульсирующему ритму, внимаем глухому рокоту баса. Мы явственно ощущаем терпкий аромат тропических орхидей, улавливаем дыхание океанского прибоя, впитываем в себя великую латиноамериканскую скорбь, которая витает, подобно дымке, в пронзительной синеве бразильского неба… Такими перед нами предстают Эйтор Вила-Лобос и его младший современник Франсиску Миньони.
Кажется, будто музыка «Аппассионаты» Ринальдо Миранди омывает нас теплыми морскими водами, в которых преломляется мягкий солнечный свет. Даже Большой полонез Яна Бобровича гитарист играет неторопливо, сдержанно, без гордой шляхетской воинственности – скорее по-итальянски, чем по-польски.
…Публика вновь и вновь вызывала на сцену маэстро. Он выходил и щедро одаривал ее своим вдохновением. Похоже, от столь горячего приема в нем с новой силой затрепетала арфа любви. Лишь самая ласковая женщина способна на такие чувства, какие ведомы Фабио Занону: это не печаль по утраченному счастью, а заполняющая душу весенняя свежесть, это неукротимое буйство вечно молодой жизни, это голос Вселенной. Как писал бразильский поэт Олаво Билак, «лишь только тонкий, нежный слух влюбленных поможет разгадать наречье звезд». Да, именно такое любовное признание-исповедь слышалось в пьесе «Луиза» Карлоса Жобима!
Без всяких преувеличений скажу: игра несравненного Фабио Занона останется в моей памяти навсегда, как на всю жизнь запомнились мне титаническая страстность Святослава Рихтера и брызжущие каскады радости Эмиля Гилельса. Подлинное искусство незабываемо.
(Аркуш. – 2001. – 12 декабря)
ГІМН ПРЫГАЖОСЦІ
Аўтарскі вечар паэтэсы Людмілы Кебіч і кампазітара Генадзя Кебіча атрымаў шырокі грамадскі рэзананс. Гэты арыгінальны жыццёвы і творчы дуэт з поспехам выступіў у канцэртнай зале “Гродна” абласной філармоніі.
Людміла Антонаўна працуе ў Гродзенскай дзяржаўнай вучэльні мастацтваў намеснікам дырэктара па выхаваўчай рабоце і выкладчыкам музычна-тэарэтычных дысцыплін. Яна піша вершы, друкуецца ў розных перыядычных выданнях. У свет выйшлі два яе зборнікі вершаў: “Па музычных законах” і “Зялёная рутвіца”. На вершы Людмілы Кебіч многія гродзенскія і вядомыя беларускія кампазітары напісалі песні. Гэта Яўген Петрашэвіч, Марк Коп, Аляксандр Чопчыц, Аляксандр Маркелаў, Віктар Войцік, Алег Елісеенкаў, Ядвіга Паплаўская і іншыя.
Але больш за ўсіх на яе вершы стварае песень Генадзь Іванавіч Кебіч – муж, верны сябра і шчыры сааўтар. Ён працуе выкладчыкам па класе баяна і канцэртмайстрам харэаграфічных класаў у сярэдняй школе № 21 г.Гродна. У яго асобе мы ўбачылі сур’ёзнага музыканта і чалавека. Ім распрацавана школа ігры на гітары і сінтэзатары, створаны і апрабаваны на практыцы репертуар канцэртмайстра харэаграфіі.
Дуэт Людмілы і Генадзя Кебічаў быў лаўрэатам шматлікіх конкурсаў сямейнай творчасці абласнога і рэспубліканскага ўзроўняў. Яго ведаюць і любяць не толькі ў Гродна, а і ў іншых куточках роднай Беларусі.
У 1998 годзе ў Гродзенскім АНМЦ выйшаў зборнік песень Генадзя Кебіча на вершы Людмілы Кебіч “Чароўны лістапад”. І сёння яны актыўна працуюць, абнаўляюць канцэртны рэпертуар, а ахвотай адгукаюцца на прапановы выступіць там, дзе іх чакаюць. І людзі ім удзячныя: іх любяць яшчэ і таму, што жыццё сваё яны ператварылі ў песню, у гімн прыгажосці і хараству.
Праграма аўтарскага вечара Кебічаў аказалася вельмі рознабаковай і цікавай. Паўтары гадзіны праляцелі на адным дыханні, імгненна. Публіка рэагавала на іх творчасць жыва, з вялікай сімпатыяй. Значна ўпрыгожылі вечар і навучэнцы вучэльні мастацтваў. Навучэнцы аддзялення рэжысуры масавых абрадаў і святаў пад кіраўніцтвам Святланы Ажарэдавай падрыхтавалі паэтычную кампазіцыю з вершаў Людмілы Кебіч. Яе паэзія – гэта простая, лірычная, задушэўная чалавечая мова, шчырая і адкрытая, здаецца, выходзіць яна з любячага, трапяткога і вельмі чулага сэрца. У ёй заўсёды ёсць месца для іроніі, гумару, парадоксаў нашай звыклай будзённасці. Яна апявае, адухатварае прыроду роднага краю, любай зямлі ўзвышанымі пачуццямі і адчуваннямі. Вершы Л. Кебіч надзвычай музычныя. Пявучыя, быццам самі просяцца на музыку.
Паэтэса аказалася яшчэ і выключна таленавітай вядучай, для чаго, як вядома, трэба валодаць артыстызмам, знаходлівасцю і дасціпнасцю, дарам правільнай мовы. Як бачым, Людміла Кебіч – багатая натура, рознабакова таленавітая і самабытная.
А як праявіў сябе Генадзь Кебіч? Цудоўна. Усе яго песні рытмічныя, часта афарбаваныя ў джазавы каларыт, чым, уласна кажучы, і прыцягваюць да сябе ўвагу. Аднак у Генадзя Кебіча ёсць яшчэ адна важная сфера выразнасці – гэта лірызм, шырокая распеўнасць мелодый. І ўсякі раз яго лірычныя песні валодаюць непаўторным адценнем эмоцый: у цёплых, шчырых танах напісана песня “Ты – настаўніца”, з ноткамі шчымлівай самоты – песня “Папараць-кветка”, узвышаны настрой – у песні “Я і яна”, зачароўвае мелодыяй песня з такой жа назвай – “Чароўны лістапад”.
Светлую, узнёслую, рамантычную тэматыку песень дапаўняюць вясёлыя, жартаўлівыя, танцавальныя кампазіцыі, часта ў народным стылі, як, напрыклад, жывая і яскравая “Зялёная рутвіца”.
Нельга не прызнаць, што Генадзь Кебіч дабіўся поспеху ў кожнай з гэтых трох сфер музычнай творчасці. Да таго ж, ён праявіў сябе як музыкант, што ўпэўнена валодае мастацтвам акампанементу, як смелы і цікавы імправізатар.
Публіка цёпла прымала паэтэсу і кампазітара. У зале панавала атмасфера свята, высокай духоўнасці, чысціні і ўдзячнасці аб’яднаных спалучэннем паэзіі і музыкі слухачоў так шчодра адоранай прыродай таленавітай і прыгожай сямейнай пары Кебічаў за тое, што яна падарыла нам хвіліны радасці і хараства, якіх так не хапае ў наш няпросты, а для кагосьці – і бязлітасны час.
(Культура. – 2001. – 22 декабря)
К НОВЫМ МУЗЫКАЛЬНЫМ БЕРЕГАМ
24 сентября 1911 года Игорь Стравинский писал А.Н.Римскому-Корсакову: «Что может быть лучше и прекраснее развития раз созданных форм искусства? Разве только одно – создание новых форм».
Этот неукротимый порыв к новому вызывал недоумение у современников гениального композитора. Даже родная мать, музыкально просвещенная дама, жена знаменитого русского певца Федора Стравинского, который происходил из старинного белорусского рода, порицала творчество сына. Так, однажды своенравную старушку приятельница спросила, будет ли та рада послушать «Весну священную» в живом исполнении, когда отмечался 25-летний юбилей первой постановки балета. «Думаю, что эта музыка не для меня» – «Надеюсь, вы не станете свистеть?» – «Нет, ведь я не умею свистеть».
Очень милое признание! Спрашивается, что говорить о посторонних и малосведущих в музыке людях?
Музыкальное искусство ХХ века развивалось чрезвычайно интенсивно. Слушатели не успевали привыкнуть к его резко усложнившемуся языку. Возникла и стала углубляться пропасть между художественной (композиторской) элитой и публикой. И сегодня эта зияющая пустота не преодолена!
Произведения авторов ХХ столетия по-прежнему остаются большой редкостью в наших концертных залах. Музыкальный авангард с трудом прокладывает себе дорогу в областные и районные центры. На Западе уж давно нововенская школа Шёнберга, Берга, Веберна превратилась в классику, а мы по сей день морщим лоб от хаотического, вроде бы, набора звуков. Нам в диковину то, чем восхищаются европейцы.
Чтобы ликвидировать пробелы нашего сознания, нужны неутомимые пропагандисты современной музыки. И они есть в Белоруссии!
В частности, это ансамбль солистов «Классик-Авангард» под руководством Владимира Байдова. Сколько надо иметь терпения и настойчивости, воли и решимости, чтобы следовать по избранному пути! Новые универсалии художественного мышления ставят перед коллективом задачу психологически подготовить аудиторию к восприятию необычного, помочь ей преодолеть стереотипы понимания того, какой должна быть истинная музыка. А это уже просветительство. Кроме того, исполнители обязаны быть настоящими профессионалами, без чего не удастся воспроизвести сложнейшую партитуру и уж тем более убедить меломана в бесспорной ценности того, что противно его сердцу. Без высокого мастерства артистов здесь ничего не сделаешь.
Репертуар «Классика-Авангарда» воистину безграничен: от музыки средневековья до современной эпохи. В последнее время коллектив превратился в творческую лабораторию белорусских композиторов. И дирижер Владимир Байдов, и участники ансамбля с готовностью берутся играть произведения Евгения Поплавского, Виктора Копытько, Вячеслава Кузнецова, Сергея Бельтюкова, Александра Литвиновского, Галины Гореловой, Олега Сонина, Владимира Солтана, Виктора Войтика, Дмитрия Лыбина – словом, целого ряда авторов оригинальной и по-своему талантливой музыки. Коллектив активно популяризирует национальное искусство, выносит на суд общественности недавно написанное. Он открывает доселе неизвестное и, тем самым, расширяет наши эстетические горизонты. Из этого следует, что именно «Классик-Авангард» в первую очередь заслуживает внимания и поддержки со стороны официальных властей, если те действительно заботятся о развитии белорусской культуры.
Выступая с концертами в Гродно и Лиде, «Классик-Авангард» еще раз подтвердил свой статус одного из лучших в республике инструментальных ансамблей.
Пришедшие в зал Гродненской областной филармонии познакомились с двумя программами: франко-итальянской и польско-белорусской. Мы словно посетили музыкальный вернисаж, представляющий различные музыкальные жанры, стили, направления. Любопытно было взглянуть, какие же темы волновали композиторов ХХ столетия.
Неоклассические творения наполнены безмятежным покоем, отрешенным созерцанием мира (Серенада Жана Гризие, «Элегическая колыбельная» Ферруччо Бузони). Произведения, написанные в нетрадиционной, сонористической технике отличаются тончайшей музыкальной тканью, сверкают россыпями тембров, отчего они переливаются чрезвычайно яркой звукокрасочностью («Страх птиц» Анри Буйо). Сонату для четырех духовых инструментов Франчески Мариньери характеризуют короткие мазки, детские, инфантильные ощущения. В Трио француза Пьера Инжё явственно проступают нежно-сентиментальные еврейские интонации. Напротив, у чеха Богуслава Мартину, 30 лет проживавшего в США, на поверхности негритянские ритмы джаза, регтайма – то, что относится к бытовому музицированию. Как видим, палитра эмоций сыгранных сочинений разнообразна: от небесных идиллий до грубой земной чувственности.
Польский авангард имеет дело с неприкрашенной действительностью. Он остро реагирует на социальные драмы и коллизии общества, поэтому в нем господствуют катастрофические, я бы сказал – травматические переживания, он не в силах сопротивляться драме отчуждения человека от бытия. Страх и стоны людских душ в потустороннем мире – это «Баллада нищего» Тадеуша Велецкого; калейдоскоп сумрачных эмоциональных состояний – это Квинтет для духовых инструментов Марека Стаховского; экспрессивный, шостаковичевский гротеск, переходящий в глубокую печаль, а затем в мертвенно-жуткое скерцо – это симфония в трех частях Стефана Киселевского. Поиск новой выразительности в данных опусах сопровождается созданием композиций, в которых обнаруживается влияние вождя современного авангарда Штокхаузена с его гипер-рационализмом и постулатом «пространственной музыки».
Белорусская музыка в сравнении с польской проще, добрее, человечнее. «Классик-Авангард» сыграл два танца из «Виленской тетради» ХVI века, три пьесы из сборника «Планты» («Плачи»), относящегося к ХVII веку, виртуозную пьесу для скрипки и камерного оркестра композитора ХVIII столетия Феликса Яновича. Затем мы услышали четыре галантных танца Яна Давида Голанда и его же “Весенний полонез” (ХVIII век), полонез Константина Ельского, написанный в романтическом духе ХIХ столетия. Завершила панораму эпатажно-хлесткая пьеса нашего современника Вячеслава Кузнецова. Он-то и сделал прорыв в пост-модернизм. Мне подумалось: не опасно ли это? Как бы не утратить духовную основу!
Ансамбль “Классик-Авангард” знакомит слушателей с музыкой многих национальных школ, творческих индивидуальностей, разных концепций и мироощущений. Он представляет на суд аудитории произведения, которые требуют серьезной внутренней работы, преодоления сложившихся предрассудков, а также определенных встречных усилий зала. И гродненцы проявили интерес к элитарному искусству, пришли на концерты. Они были признательны гостям из Минска за музыкальные шедевры былого и настоящего, впервые прозвучавшие на Гродненщине.
(Аркуш. – 2001. – 27 декабря)
2002 год
КОГДА ЛИСТЬЯ ШЕПЧУТ О ЛЮБВИ
Гродненская филармония дала начала новому виду концертной деятельности, организовывая время от времени творческие вечера известных людей области и республики. Один из них состоялся в Лидском городском Доме культуры. Публика смогла познакомиться с творчеством Вячеслава Пыпетя – талантливого композитора. Он – автор музыки к восьми спектаклям, создал сотни песен, лауреат конкурса композиторов Гродненщины 1999 года. К тому же он – создатель театра песни «Лида-мюзикл».
За короткое время увидели свет две его новые авторские программы: «Я еще живу» и «Любит – не любит». Последняя была сочинена исключительно на стихи Виктора Бочарова, творческое сотрудничество с которым оказалось на редкость плодотворным. Автор текстов тоже достаточно популярен в городе: он директор средней школы № 13, депутат Лидского горисполкома, его перу принадлежат пять сборников поэзии и прозы. Два энтузиаста искусства сочинили более полусотни песен, в том числе «гимн города», своего рода «визитную карточку» Лиды.
На сей раз поэт и композитор обратились к молодежной теме. Они попытались раскрыть сложный спектр чувств современных, так сказать, «акселерированных» юношей и девушек, имеющих свой особый взгляд на мир. Попытка тем более смелая и актуальная, что ныне прочно укоренилось мнение о несовместимости и даже чуждости идеологий разных поколений.
Вот переживания девочки, родители которой разводятся, рушится мир и благополучие семьи. Что делать школьнице, если мать и отец для нее – самые дорогие люди на свете? Обида и отчаяние отравляют ее детскую душу:
Папа и мама делят квартиру.
Всю поделили –
осталась лишь я.
Как же мне быть?
С кем идти мне по миру,
Если родители оба – друзья?
А ведь было время,
и в зените
Находилась наша вся семья.
Не делите, я прошу вас,
не делите
Не делите мое сердце –
и меня!
Горестные, плачущие интонации можно было услышать в пении Ольги Пахомовой, исполнившей эту замечательную песню. Не случайно жюри международного фестиваля «День рождения» в Санкт-Петербурге удостоило это произведение Бочарова и Пыпетя диплома первой степени.
Нередко, спеша по делам, мы суетливо пробегаем мимо инвалида, просящего милостыню. Хорошо, если сунем ему в шапку несколько скомканных рублей. Нет времени (а часто и желания!) вникнуть в его жизненную трагедию, проявить милосердие, но и участие. Лишь тот, в ком совесть еще не зачерствела, способен посочувствовать калеке, жертве бессмысленной войны. Такова песня Пыпетя и Бочарова «Отстегните «афганцу»:
Вы не думайте, люди добрые,
Я не пьяница,
мне не друг стакан.
Я клянусь вам всей своей
робою:
Мои ноги там, где Афган.
Так что к вам взываю я,
к публике…
Мой берет у коляски лежит.
Бросьте мятые
в него рублики,
Отстегните «афганцу»
на жизнь.
Казалось бы, очень уж безыскусные, несколько косноязычные, излишне натуралистические строки. Однако мелодия песни задевает за живое. Как-то не верится, что подобное возможно в нашей «благополучной» стране. Певец Виталий Радченко, имитируя надломленный голос инвалида, сумел вызвать в зале сумятицу чувств и неподдельное сострадание. Часто ли такое происходит на эстрадной сцене?
А вот еще одна зарисовка из жизни. Сколько одаренных артистов живет в глубинке, далеко от культурных центров! Их аудитория невелика, столичные менеджеры и продюсеры ими не интересуются. А они продолжают петь, танцевать, играть в любительских спектаклях, не надеясь на гонорары и громкую славу. Любовь к искусству сильнее меркантильных соображений. Образ такой вот «провинциальной певицы» удачно воссоздала солистка театра песни «Лида-мюзикл» Светлана Пыпеть:
Ее районные гастроли
Известность ей не принесут.
А гонорар ей – запах поля
Или родник, что пел в лесу.
Провинциальная певица…
Большая сцена ей лишь
снится.
Нередко по ее ресницам
Слеза сбегает не спеша.
Провинциальная певица…
Она давно на жизнь
не злится.
Провинциальная певица –
Как нераскрытая душа.
Столь же замечательными были и другие песни, звучавшие в тот вечер. Каждая из них отличалась своей особой образной окраской. Изысканный парижский колорит присутствовал в «Шешре ля фам», радость праздника – в «Славянскому – десять», светлые эмоции – в «Музыке из детства» и «Восьмом чуде», быстрые, импульсивные ритмы – в песнях «Неужели ты не слышишь», «В дождик после четверга», «Маршрутный знакомый». Звучали также вдохновенные лирические монологи – «Ты меня потерпи», «Я ухожу», «Траур по любви».
Отдельные песни Вячеслава Пыпетя сделали бы честь любому маститому композитору, самому, как ныне принято выражаться, «крутому»… Жаль, что столичные «небожители» с презрением смотрят на тех, кто живет в глубинке.
В коллективе «Лида-мюзикл» немало ярких солистов. Это лауреаты фестивалей «Звездный дождь» и «волшебный микрофон» Наталья Куровская, Дарья Рябых, Светлана Пыпеть, Виталий Радченко. Это лауреат областного конкурса «Маладыя таленты Гродзеншчыны» Ольга Пахомова, лауреат республиканского фестиваля «Спяваем з аркестрам» Екатерина Гринкевич, лауреаты республиканского фестиваля «песни юности наших отцов» анжелика Гурская и Игорь Ворон, лауреат первой степени международного фестиваля «День рождения» в Санкт-Петербурге Юлия Пахомова и дипломанты этого же творческого состязания Светлана Ярославцева и Александр Маркевич, руководитель студии «Доминанта» Галина Пивоварчик, солисты Алла Пырская, Ярослав Соколовский, Ирина и Александр Макей…
Да и сам композитор отличился на сцене, исполнив две песни, оставив тем самым для слушателей своеобразный «музыкальный автограф».
В концерте приняли участие танцевальные группы под управлением Елены Корейво, Елены Анацко, а также танцевальный дуэт Любови Зверевой и Виктора Боборика. Какое богатое соцветие имен! Сколько разнообразных дарований! Задумайтесь о том, сколько усилий потребовалось, чтобы разучить и представить публике 35 песен двух авторов из одного небольшого города. Разве это не художественный подвиг?
В финале концерта солисты «Лида-мюзикл» все вместе исполнили великолепный шлягер «Любит – не любит». Это философское размышление о неразрывном единстве человека и природы, о любви и счастье:
Разбросила ярко природа
свои акварели.
Мы бродим по парку, где
в спячке стоят карусели,
И ветер на листьях,
осенним огнем опаленных,
Гадает неистово всем
проходящим влюбленным.
Любит – не любит…
Кто это знает?
Листья, как чувства,
бьются, мелькают.
Где этот лист,
что ответом нам будет?
Любит – не любит…
Любит – не любит…
Да, мир полон загадок и таинственного очарования на исходе золотой осени… А ведь радость бытия не исчезает даже тогда, когда в воздухе повиснет пронзительная нота печали.
(Аркуш. – 2002. – 23 января)
ДЭБЮТ ЛІДСКАГА КАНЦЭРТНАГА
У 1971 годзе мне давялося слухаць “караля джаза” Дзюка Элінгтана, заснавальніка так званага стылю джунгляў, стылю настрояў і канцэртнага стылю. Я быў уражаны яго славутым аркестрам з выдатнымі музыкантнамі-віртуозамі.
Прыгадавалася ж мінулае з нагоды нараджэння новага джазавага калектыву – канцэртнага аркестра аддзела культуры Лідскага гарвыканкама пад кіраўніцтвам Дзмітрыя Ціхана.
Ці варта казаць, што дырыжор – душа і мозг калектыву? Ад яго залежыць, наколькі імпульсіўны рытм джазавых кампазіцый, якімі эмоцыямі прасякнута кожная п’еса. Ён павінен валодаць інтэлектам і вытанчаным густам, асабліва неабходнымі ў “лёгкай”, папулярнай музыцы. Акрамя таго, дырыжору трэба мець бліскучыя арганізатарскія здольнасці, каб сабраць у зладжаны ансамбль тры дзесяткі непаўторных індывідуальнасцяў.
Безумоўна, Дзмітрый Ціхан многімі з гэтых якасцяў надзелены ад прыроды. Ён па натуры – лідэр, па прызванні – энтузіяст джаза, па перакананні – дбайны прыхільнік “жывога”, натуральнага гучання, калі музыканты непасрэдна звяртаюцца да публікі.
Як інструменталіст, дырыжор і педагог Дзмітрый Ціхан сфарміраваўся ў Лідзе. Ён выпускнік гарадской музычнай школы і мясцовага музвучылішча. Як былы вучань, ён удзячны свайму настаўніку і старэйшаму сябру Канстанціну Сцяпанаву, цяперашняму дырэктару вучылішча. Без яго парадаў і падтрымкі даўняя мара стварыць джазавы аркестр наўрад ці спраўдзілася б.
Калектыў дэбютаваў з вялікай праграмай, выступіўшы ў трох амплуа: эстрадна-духавога аркестра, дыксіленда і біг-бэнда. Розным складам адпавядалі розныя жанры і стылі джаза.
Эстрада была прадстаўлена ў асноўным пералажэннямі песенна-танцавальнай музыкі рускіх і савецкіх кампазітараў: А.Вярстоўскага, Б.Агапкіна, В.Салаўёва-Сядога, А.Пятрова, М.Мінкова, Д.Браслаўскага. Побач з імі гучалі п’есы з вострымі лацінаамерыканскімі рытмамі, кшталту “Рок-балеро” Д.Бекера і П.Стоуна, “Ціка-Ціка” З.Абрэу, “Антонуіс-бугі” О.Пітэрсана.
Дыксіленд, як вядома – гэта галіна новаарлеанскага стылю. Лідчане сыгралі п’есу “Мейленбергскія радасці” Л.Рапола, “Капенгаген” Ч.Дэвіса, “Расамашы блюз” Мортана.
Пад біг-бэндам звычайна маецца на ўвазе вялікі джазавы аркестр. Такія склады ўзніклі ў ЗША ў 20-30-х гадах ХХ стагоддзя, яны сфармавалі стыль “суінг” (ад англійскага слова “хістацца”). Адным з арганізатараў такіх аркестраў быў Бені Гудман, чыю п’есу пад назвай “Слоуфокс” мы пачулі. Потым прыйшла чарга Глена Мілера з яго складанымі “мілераўскімі” гармоніямі. Прагучалі таксама творы Н.Хэндзі, Д.Бенсана, К.Кельмі.
Характэрна, што музыканты выканалі дзве п’есы беларускага кампазітара Ганны Казловай (“Любімая”, “Марыяна”).
У аркестры ёсць свае аранжыроўшчыкі. Гэта Вячаслаў Пыпець, Андрэй аляксееў, Дзмітрый Ціхан і Яўген Ларыёнаў, які закончыў Беларускую акадэмію музыкі па класе кампазіцыі ў прафесара Яўгена Глебава. Як бачым, у панараму шэдэўраў сусветных зорак арганічна ўпляліся беларускія, лідскія аўтары. Гэта радасны факт. Аднак у будучым, як мне здаецца, трэба смялей уключаць у рэпетруар творы кампазітараў Гродзеншчыны. Я спадзяюся, што і лідскі, і нядаўна створаны гродзенскі аркестры павернуцца тварам да нашай музычнай культуры.
Лідскі канцэртны аркестр граў упэўнена, экспрэсіўна, а нярэдка – эпатажна. Высокі ўзровень ігры прадэманстравалі трубач Дзмітрый Жарын, саксафаністы Навум Віленчык, Сяргей Гаель, гітарыст Юрый Іваноў, піяністка Алена Рамановіч. Аркестр мае цудоўных салістаў: рэдкім па прыгажосці голасам валодае Наталля Даргель, добрымі вакальнымі дадзенымі надзелена Ларыса Шабаліна, прыцягвае ўвагу лірыка-драматычнае спяванне Ігара Ворана. У канцэрце была задзейнічана вакальная група пад кіраўніцтвам Часлава Янушкевіча.
Праграму “джаз-рэтра” публіка ўспрыняла з цікавасцю. Многія п’есы выклікалі жывы водгук. На кульмінацыйныя адкрыцці аркестра яна адказвала бурнымі апладысментамі.
(ЛіМ. – 2002. – 8 лютага)
“ШКОЛА ЗАЖИГАЕТ “ЗВЕЗДЫ” И ВОСПИТЫВАЕТ
ЧУВСТВО КРАСОТЫ”
Вот уже десять лет я приезжаю в Лиду из Гродно, чтобы давать уроки композиции детям и молодежи. Все это время не перестаю удивляться высокому уровню культуры, который существует в городе. Люди проявляют интерес к творчеству, создают талантливые произведения, совершенствуются. Постоянно ощущаешь некую духовную ауру, благодатную атмосферу для раскрытия художественных дарований.
Наряду с музыкальным училищем хорошо известна в республике и Лидская музыкальная школа. О ее роли и месте в культурной жизни города я попросил рассказать директора Владимира Колодко.
- Владимир Филиппович, с чего начиналась ваша работа в Лидской музыкальной школе?
- В 1966 году, когда я стал преподавателем по классу баяна, и через 17 лет, когда был назначен директором, располагалась в тесном помещении. В ней занимались 370 учеников по девяти специальностям. Теперь мы живем несравненно лучше. У нас прекрасное здание, где ранбше находился горисполокм, концертный зал с неплохой акустикой, оркестровый класс. На сегодняшний день у нас 460 учащихся и более ста детей в подготовительных группах. Если раньше существовало два детских коллектива, то ныне уже восемь, причем шесть из них удостоены звания образвовых и народных. Наша гордость – два духовых оркестра (сладших и старших школьников), два хора, два оркестра народных инструментов, струнный камерный оркестр. Далеко не каждая школа, даже в столице, может похвастать таким количеством творческих коллективов. Наш образцовый духовой оркестр под руководством дирижера Дмитрия Тихона выступал во Владимире и Белостоке, его неоднократно записывали на Белорусском телевидении. Пожалуй, не менее известен и образцовый цимбальный оркестр, которым руководит Галина Огарок. В 1992 годуон стал дипломантом Республиканского конкурса оркестровых коллективов в Барановичах, его неоднократно приглашали на фестиваль “Сымон-музыка” в Столбцах – родине Якуба коласа, он побывал с концертами также в Киеве.
- Насколько мне известно, при музыкальной школе организована детская филармония. Когда она создана и насколько успешно работает?
- Филармония существует с 1992 года. Ее артисты – наши ученики и педагоги. На сцене выступают солисты, ансамбли, оркестровые и хоровые коллективы. В течение учебного года мы даем примерно 60 концертов на предприятиях, в средних школах, дестких садах, выезжаем во многие районные центры области и за пределы республики: в Украину, Россию, Польшу.
- Кого из выпускников школы вы назвали бы в первую очередь? Кто прославил ее?
- Это нынешний председатель цикловой комиссии теоретических дисциплин Лидского музучилища Белла Двилянская, педагоги училища скрипач Михаил Двилянский, Татьяна Воробьева, Елена Михалькова, Ольга Бобровская и многие другие. Назову еще преподавателя Гродненского музучилища, солиста областной филармонии баяниста Виктора Казарина, лауреата международных конкурсов аккордиониста Владимира Бубна, композитора Евгения Ларионова, закончившего композиторское отделение Белорусской академии музыки у народного артиста СССР профессора Евгения Глебова. Это победители областных, республиканских и международных фестивалей флейтист Александр Летуновский, домбристки Татьяна Комар и Ирина Цирусь, гитарист Константин Менеляко, балалаечник Виталий Лоско, аккордионист Валерий Зверко, пианистка Ирина Трубеева. Ососбо надо выделить юного композитора и пианистку Динару Мазитову. Она, занимаясь под вашим, Виталий Константинович, руководством, достигла небывалых высот: стала лауреатом международных конкурсов молодых композиторов в Гродно, Санкт-Петербурге, Москве. Совсем недавно Динара завоевала звание лауреата международного конкурса пианистов в Италии. К тому же она – единственный ребенок из Беларуси, которая играла собственную музыку в Большом зале Московской консерватории, в стенах, где исполняли свои сочинения Танеев, Скрябин, Рахманинов.
- Насколько успешна ваша педагогическая деятельность?
- 15 моих учеников окончили средние и высшие музыкальные учебные заведения. Большинство из них трудится по специальности в различных уголках страны. С удовольствием назову всеми почитаемых людей – преподавателя музыки и пения Островецкой средней школы, композитора Александра Якименко, ранее мною упоминавшегося Виктора Казарина, руководителя образцового оркестра русских инструментов нашей школы Ирину Василик.
- Мне известно, что вы тоже выступаете на сцене?
- Конечно. В све время я играл в составе баянных дуэтов, трио, оркестров самого различного профиля. Доводилось принимать участие в конкурсах областного масштаба. Это необходимо, чтобы не терять профессиональную форму.
- Как у всякого человека, у вас есть личные интересы и привязанности. Каковы они?
- Люблю белорусскую природу. Вырос я в деревне. Вокруг было изобилие грибных и ягодных мест. Увлекаюсь охотой, однако бережно отношусь к богатствам родного края. Считаю, что в индустриальный век люди должны оберегать землю, нашу кормилицу. Соприкасаясь с природой, я научился ценить красоту, и это подтолкнуло меня заняться музыкой. С возрастом возникло осознанное стремление воспитывать чувство красоты в детворе и юношестве. Стараюсь, чтобы коллектив Лидской музыкальной школы работал плодотворно, чтобы наши педагоги чутко и внимательно относились к своим воспитанникам. Тогда и появятся юные дарования, которые будут заметны в соцветии славных имен белорусского искусства. Не менее важная задача – наряду с яркими звездами воспитать в каждом школьнике гармонически развитую личность. Тогда новое поколение станет прочным основанием будущего общества!
(Гродзенская праўда. – 2002. – 19 лютага)
“ВЕСЬ МИР ТВОРЮ Я ЗАНОВО!”
Как известно, джаз подразделяется на американский (“классический”) и латиноамериканский (“латинос”). Отдельные музыканты делают попытку соединить оба стиля, достичь их органическое единства. В итоге они создают новые направления в джазовом искусстве.
К числу таких первооткрывателей принадлежит гитарист, композитор и аранжировщик Александр Винницкий – человек, который вполне соответствует девизу Леонида Мартынова, вынесенного мною в качестве заголовка статьи.
1. Вехи жизни
Сразу же хочу оговориться, что его жизненная стезя не была усыпана розами. Александр родился в Омске в 1950 году. Еще подростком он полюбил джаз. Играл на трубе и гитаре, часто под магнитофонные записи. Позднее начал организовывать различные джазовые и танцевальные ансамбли. Одновременно учился по классу гитары в Омской музыкальной школе и институте имени Гнесиных в москве. Несколько лет он был музыкальным руководителем Омского театра драмы, сочинил музыку к семи спектаклям.
Вскоре Александр Винницкий переехал в Москву, где началась совместная творческая работа с известной российской певицей Еленой Камбуровой, с которой сделал запись альбома “Да осенит тишина” для фирмы “Мелодия”. В 1991 году он выпустил свій первый сольный альбом “Зеленый тихий свет”. Последующие десять лет гитарист отдал концертной деятельности и композиции. Александру Виницокму аплодировали в Москве, Вильнюсе, Киеве, Санкт-Петербурге, он – желанный гость на фестивалях Бельгии, Германии, польши. Мало-помалу его имя стало известным в Европе и Америке.
2. Особенности творческого метода
Как на практике осуществляется синтез традиционного джаза с латиноамериканской музыкой, можно было услышать на концерте Винницкого в Гродно, организованном областной филармонией при содейтсвии гитариста Дениса Асимовича, сумевшего привлечь спонсоров: минчанина Андрея Звежинского и гродненца Анатолия Ерошени.
Каковы принципы художественного мышления Александра Винницкого? Что представляет из себя творческий метод композитора? Не могу не поддаться соблазну сравнить его структуру с удивительным самоцветом, искусно отшлифованной уральской яшмой.
Начнем с желтой прижилки, так сказать, с солнечного мира детства. Яркими образами и незатейливыми чувствами отличаются два Детских джазовых альбома, например, такие пьесы из них, как “Чапа”, “Мальчик катается на веселом козлике”, “что-то случилось в волшебном лесу”, “Карусель”. Все это милые, забавные миниатюры.
Следующий слой яшмы – лазоревый мир лирики. Она в своей основе элегична: где-то возвышенна и благородна, где-то задумчива, печальна. Здесь Винницкий находится в родной для себя стихии, и вполне мог бы присоединиться к словам поэта-земляка Леонида Марнтынова:
Я без оглядки со всего разбега
Всегда кидался в лирику, как в реку.
У Винницкого есть собственные лирические пьесы и обработки популярных мелодий других авторов. Это прежде всего “Зеленый тихий свет”, “Джаз-ария”, посвященная Элле Фицджеральд, “Жду известий”, исполнение которой московский гость предварил теплыми словами в адрес своего друга Дениса Асимовича. Рядом с ними стоят аранжировки песен знаменитого бразильского композитора Антонио Карлоса Жобима. Особенно интересна транскрипция его песни «Великая любовь».
Затем следует розово-красный пласт чувствительности, чей эмоциональный диапазон простирается от тихой меланхолии до жгучей страсти. Каких только оттенков душевных переживаний мы не найдем в Фантазиях на еврейские темы, и в первую очередь в обработке широко распространенной песни «В моих глазах ты прекрасна»!
От испепеляющего вожделения один шаг до черного мира ритма. Почему черного? Да потому что биение своего сердца мы слышим в полной темноте ночи! Мгла не поглотит нас, пока мы ощущаем, как по нашим жилам пульсирует кровь. Эти непрерывные удары сродни ритму ливерпульского джаз-рока в пьесе «Мерси-мерси». Надо заметить, что тема Жобима «Какой нерешительный» звучит в бразильском ритме босановы, а пьеса «Желтый верблюд» – зажигательной самбы.
Артист порой сознательно отделяет мелодию от сопровождения, заставляя звучать гитару, как два различных интрумента, а также выделяет и подчеркивает каждый голос, превращая ее чуть ли не в целый оркестр. Это требует от гитариста Винницкого широко дирижерского кругозора, тонкого ощущения тембров, тщательно выверенных штрихов, рельефной контрастности динамических оттенков, способности держать под контролем все детали общего целого. В данном случае он выступает в качестве представителя классического искусства.
3. Визитная карточка
Как человек, наделенный незаурядным талантом, он лучше других понимает, что гитара – универсальный и мобильный инструмент. Она быстро усваивает новые веяния «сложных» и «легких» жанров, мгновенно приспосабливает джаз к изменившимся условиям жизни. Винницкий досконально изучает музыку разных народов и континентов, постоянно ищет, пробует, экспериментирует, стремясь заглянуть за пределы дальних горизонтов.
Александр Винницкий – это романтик, путешественник, первопроходец в джазе. В нем еще очень много восторженности интеллигента, жившего в заснеженной сибирской глуши. Если он и не «Джек Лондон из Омска», как в советское время называли Леонида Мартинова, то уж по духу, по эстетическим воззрениям он весьма близок к этому поэту, поскольку обоим свойственна лирика, столь же проникновенная, как голубизна весеннего неба над водами Иртыша. Порыв души, встрепенувшейся от долгой зимней стужи, Леонид Мартынов выразил в следующих сроках:
И ветер веет
Над прекраснейшим из челноков,
Этим вот, в котором я и ты
Будем плыть на фоне облаков.
(Аркуш. – 2002. – 3 апреля)
НЕЗНАЁМКА-МУЗЫКА
Большасць знаных кампазітараў жыве ў сталіцы. Прэм’еры іх твораў праходзяць на прэстыжных філарманічных падмостках. Праўда, грамадскасць хутка забывае пра чарговы “шэдэўр” якога-небудзь з “жывых класікаў” –да чарговай прэм’еры. Зноў – аплыдысменты, пасля чаго – працяглае маўчанне і пустата.
Ёсць і тыя, хто сціпла складае музыку для сябе і для блізкіх сяброў. Часам столькі шчырасці ў іх простых песнях і п’есах! Каля кампазітар стварыў хаця б адзін-адзіны матыў, які “западае ў душу”, можна смела сказаць: ён жыў недарэмна, ён зрабіў для людзей, можа, больш, чым той “мэтр” або “маэстра”, які пасецца каля міністэрскай “кармушкі”.
Такія вось думкі адольвалі мяне пасля аўтарскага вечара гродзенскага кампазітара Барыса Фадзіна. Лёгкае раздражненне з прычыны таго, што Фадзіна мала хто ведае, растварылася ў цёплых успамінах пра яго музыку. Захацелася разабрацца ва ўбачаным і пачутым.
Гэты чалавек ад прыроды надзелены тонкім паэтычным густам. Ён дае прыгожыя назвы сваім творам, у іх адгадваецца рамантычныя настроенасць на цудроўнае. Фадзін усімі фібрамі душы адчувае прыроду эстрадна-джазавага мастацтва. Яго джаз прыемны на слых, ці не кожная нота афарбаваная настальгіяй па шчаслівым мінулым, ад чаго адчуваеш светлую журбу. У п’есах кампазітара стрыманы рытм, у гармоніях адсутнічаюць неапраўданыя дысанансы, мелодыі кранаюць сэрца. Яны, па сутнасці, з’яўляюцца не чым іншым, як пяшчотнай, крохкай лірыкай. Дадайце да гэтага яшчэ дзве якасці музыкі Барыса Фадзіна – высакароднасць і прыхаваны гумар – і вы атрымаеце поўнае ўяўленне пра яго творчы метад.
Цяжка апісаць усю праграму канцэрта.
З інструментальнай яе часткі, на мой погляд, вылучаліся такія п’есы як “Пах прыбою”, “Знаёмства з Венецыяй”, “Танга з Наталляй”, “Жаніцьба блюза з арыяй”, “Рэгтайм № 18”. Сярод іншых жанравых п’ес – “Раманс”, “Гавот”, “Абрэк з-пад Гародні”. Дзівосная разнастайнасць рытмаў, інтанацый і стыляў!
З песень мяне ўсхвалявала “Муза” з яе крыху меланхалічным напевам, трапяткая “Незнаёмка ў даміно”. Пэўна, лепшае, што я пачуў у Барыса Фадзіна, гэта лірычная споведзь “Як ніколі…” Не пабаюся сказаць, сапраўдны шэдэўр! Песня кранала шчырасцю пачуццяў. Уяўленне малявала такую карціну: сярод бурнай стыхіі, раскатаў грому і бляску маланак стаіць чалавек з флейтай у руках. Мелодыя яго інструмента практычна не чутная, але яна за межамі хмараў і змроку, у нябесных сферах, гучыць ва ўнісон з залатымі званочкамі зорак. Ці не тое ж адбываецца з намі ў грукаце сучаснай цывілізацыі? Я ўдзячны аўтару, чый твор здатны выклікаць такі складны комплекс эмоцый.
“Прыватны вальс” сімпатычны немудрагелістай танцавальнасцю, “Hello, Andreas!” – нямецкім каларытам. Гэтую песню Фадзін прысвяціў сябру, які жыве цяпер у Германіі.
Дзве апошнія песні выканала Маша Шапавал, якая валодае прыемным сапрана. Астатнія – сам кампазітар. Ён жа выступаў і ў якасці інструменталіста: граў на баяне, акустычнай гітары, духавым гармоніку. Зайздросная шматграннасць таленту!
У канцэрце ўдзельнічаў інструментальны ансамбль у складзе анатоля Сматрыцкага (скрыпка), Аляксея Шчэрбы (флейта), Аляксандра Тагановіча (перкусія), Віктара Грышука (электрагітара). Усе яны, даўнія прыяцелі і аднадумцы Барыса, зрабілі выдатную справу – пазнаёмілі публіку з музыкай кампазітара, які здолеў зберагчы ў жыццёвай калатнечы сваю асаблівую, зусім непаўторную індывідуальнасць.
І апошняе. Аўтарскі вечар Барыса Фадзіна адбыўся ў дзень яго 50-гадовага юбілею, на парозе сталасці і новых творчых здзяйсненняў.
(ЛіМ. 2002. – 5 красавіка)
КАБ СВЕТ ЗАЗЗЯЎ ВЯСЁЛКАЙ
Сярод музыкантаў ёсць Праметэі і Арфеі, г.зн. бунтары духу, надзеленыя энергіяй пераўтвараць жыццё, і песняры прыгажосці, тыя, чыё прызванне – лекаваць душу. Да першых я аднёс бы Бетховена, Вагнера, Мусаргскага, стравінскага, да другіх – Моцарта, Шуберта, Гуно, Чайкоўскага, пракоф’ева. Вядома, ёсць і такія мастакі, якія займаюць сярэдняе становішча паміж імі.
Навошта сістэматызацыя тых альбо іншых з’яў, у дадзеным выпадку ў музычнай сферы? Каб лепш разумець сутнасць творчай асобы, ці то выканаўца, ці то кампазітар, з чыім мастацтвам знаёміцца публіка.
Пра маладога беларускага скрыпача, лаўрэата пяці міжнародных конкурсаў Арцёма Шышкова знята нямала тэлевізійных сюжэтаў, напісаны дзесяткі артыкулаў. Ды я і сам некалькі гадоў таму рэцэнзаваў адну з яго гастрольных паездак па Беларусі. Тады хлопчыку было ўсяго 12 гадоў.
Сёння яму 17, таму хочацца яшчэ раз звярнуцца да такога рэдкага таленту і ацаніць яго творчы рост. Так бы мовіць, зрабіць пробу каштоўнага металу.
Зусім нядаўна Арцём Шышкоў гастраляваў у Гродне і Лідзе. Радуе, што ён, для каго не дзіва – канцэртаваць за мяжой, не забывае і родныя пенаты, не цураецца выступаць у аддаленых кутках краіны.
У зале Гродзенскай абласной філармоніі прагучала разнастайная праграма: папулярныя класічныя творы дапаўняла музыка, што вымагала глыбокай думкі, напісаныя спецыяльна скрыпічныя рэчы суседнічалі з пералажэннямі і апрацоўкамі для скрыпкі.
Цяпер паспрабуем ахарактарызаваць манеру ігры “беларускага Паганіні”, як вобразна велічалі Арцёма некаторыя польскія журналісты.
Гук ягонай скрыпкі надзвычай прыгожы, ён радуе сэрца. Здаецца, быццам наша душа птушкай узносіцца ў паднябессе. Часам, заплюшчыўшы вочы, бачыш, як бруіцца вясенні раўчук, у празрыстай вадзе якога слізгаціць серабрыстая стронга. Трэба шчыра любіць прыроду і ўмець растварацца ў ёй, каб гэтак яўна маляваць гукамі акварэльна-зыбкія блікі струменістай вады! Няцяжка зразумець, што прыгажосць, якой Арцём шчодра адорвае слухоў, абапіраецца на прыродныя вобразы, а яго лірычныя адкрыцці народжаныя радаснай блізкасцю да прыроды. Не баючыся папрокаў у перабольшанні, магу сцвярджаць: унутраны духоўны свет Арцёма Шышкова складаецца з роздуму натурфілосафа, пачуццяў паэта-лірыка і майстэрства натхнёнага спевака.
Эмоцыі скрыпача ўражваюць мноствам адценняў. Гэта адухоўленая, крыху журботная ціхамірнасць (2-я частка Канцэрта Рэ мажор для скрыпкі з аркестрам Брамса), гэта жалобная, элегічная патэтыка (“Венгерскі танец” № 1 таго ж аўтара), гэта глыбокі, засяроджаны роздум (Саната для скрыпкі сола № 6 Ізаі). Потым я пачуў зусім не слёзны меладраматызм, а сапраўдны трагедыйную трактоўку “Імправізацыі” Блоха. Пяшчотна і трапятліва гучаў “Славянскі танец” № 2 Дворжака, салодкая настальгія па шчаслівым мінулым адгадвалася ў “старой Вене” Гадоўскага-Хейфеца. Успаміны пра бязвоблачнае дзяцінства, пададзеныя скрозь прызму іроніі, гратэска і нават сарказма, выразна прыступалі ў чатырох прэлюдзыях Шастаковіча ў пералажэнні Цыганова.
Іншымі словамі, ігру Арцёма Шышкова нельга вызначыць іначай, як праз цэлы каскад эпітэтаў: прыгожа, сардэчна, высакародна, вытанчана, ярка, вобразна, захоплена і, што самае важнае, – проста! Ці не гэтымі якасцямі валодалі выдатныя скрыпачы ХХ стагоддзя Давід Ойстрах, Леанід Коган, Ягудзі Мянухін? Арцём, не баючыся папроку ў перайманні, трымаецца традыцый вялікага мастацтва, дорыць людзям неўміручую Прыгажосць, адкрывае перад слухачамі сваю светлую і чыстую душу, вяртае нас да цнатлівай прыроды.
Адна жанчына, якая ніколі раней не мела стасункаў з сур’ёзнай музыкай у жывым выкананні, сказала мне пасля канцэрта: “Я адпачыла”. Яна, відаць не закончыла фразу: адпачыла ад сумятні быцця, дакрануўшыся да цудоўнага.
Малады мінскі скрыпач-віртуоз сваёй ігрой вызваляе нас ад путаў цывілізацыі, адсякае непатрэбныя трывогі, што перашкаджаюць нашаму спакойнаму і шчасліваму жыццю. Арцём правільна зразумеў спевака Арфея: трэба ачысціць душу ад брыдоты і пошласці, каб свет афарбаваўся ўсімі барвамі вясёлкі. Мы смяротныя, затое мастацтва вечнае.
Будзем спадзявацца, што гэта не беспадстаўныя словы, што ідэя Прыгажосці зробіцца эстэтычнай і маральнай асновай далейшай музычнай кар’еры Арцёма Шышкова.
(ЛіМ. 2002. – 5 красавіка)
КАБ ГУЧАЛА МУЗЫКА
Кампазітара і педагога Віталя Радыёнава ведаюць у Беларусі многія музыканты. Шмат сілаў аддае ён творчасці і падтрымцы маладых талентаў. Радыёнаў – аўтар трох опер, дзесяткаў твораў камернай музыкі, але больш вядомы як выдатны педагог. Звыш чвэрці веку ён выкладае сачыненне музыкі ў Гродзенскім і Лідскім музычных вучылішчах, у дзіцячых музычных школах вобласці – Ваўкавыскай, Лідскай, Індурскай, Луненская, Верцялішкаўскай і іншых. Ён проста апантаны ідэяй, каб усе адораныя дзеці і падлеткі пазнаёміліся з асновамі кампазіцыі, далучыліся да музычнай творчасці. Нельга не адзначыць тут адну важную асаблівасць: методыка выкладання ў Радыёнава цалкам наватарская. На занятках настаўніка няма сумных, занудлівых лекцый, няма дактрынёрства, увогуле адсутнічае “казёншчына” (якой так часта грашаць нашы агульнаадукацыйныя школы). Навучанне азам кампазіцыі – толькі добраахвотнае, таму выпадковых людзей у класе няма. Ідзе вольная, цікавая гутарка старэйшага чалавека з малодшымі, настаўніка з яго выхаванцамі. Вучні прыносяць свае работы – рамансы, п’есы, фантазіі, санаты на суд добразычлівага і разам з тым вельмі патрабавальнага педагога. Віталь Канстанцінавіч па-сяброўску аналізуе створанае, дае парады і рэкамендацыі так далікатна, што навучэнец не адчувае ніякай крыўды, нават калі яго музычны твор перацерпіць значныя змены. Наадварот, з кожным урокам ён, пачынаючы кампазітар, адчувае, што здольны сачыняць лепш.
- Віталь Канстанцінавіч, ці шмат вашых выхавальнікаў абралі прафесійны шлях кампазітара?
- Такіх нямала, і я імі асабліва ганаруся. Вось, напрыклад, андрэй Бандарэнка. Ён стварыў оперу “Князь Навагрудскі”, за якую быў удастоены Дзяржаўнай прэміі Рэспублікі Беларусь. На пачатку 90-х гадоў ён заснаваў Гродзенскую гарадскую капэлу, а цяпер плённа працуе ў сферы духоўнай музыкі.
Бліскуча склаўся лёс Яўгена Паплаўскага. Гэта адзін з арганізатараў і першы дырэктар Беларускай капэлы, якая заёмаецца адраджэннем нацыянальнай культурнай спадчыны. Ён буйны музыказнавец і архівіст. Напрыклад, яму пашчасціла адшукаць у бібліятэках Лондага, Кракава, Познані, Вільнюса і Санкт-Пецярбурга нотныя зборнікі і рукапісы забытых беларускіх кампазітараў XVIII-XIX стагоддзяў, вярнуць народу багатыя незапатрабавальныя дагэтуль творы. Яўген Паплаўскі – лаўрэат міжнароднага конкурсу кампазітараў у Празе, удзельнік сусветна вядомага фестывалю сучаснай музыкі “Варшаўская музычная восень”.
Яшчэ адзін мой вучань – Валеры Жывалеўскі. Лаўрэат ІІ Усебеларускага конкурсу артыстаў эстрады, дацэнт Беларускай акадэміі музыкі. Яго справядліва лічаць галавою беларускай гітарнай школы, а яго творы для гітары вызначаюцца тонкім мастацкім густам і ўзнёсласцю.
У Гародні жывуць і працуюць гітаратысты-кампазітары Уладзімір Захараў і Дзяніс Асімовіч – абодва лаўрэаты міжнародных конкурсаў і абодва актыўна сачыняюць музыку. Нотныя зборнікі іх твораў выдадзены ў Італіі і польшчы.
Радуе мяне і лідчанка Вераніка Швец. Незвычайна адораная, сціплая і працаздольная жанчына пачала складаць музыку ў трыццаць тры гады. У яе творчым багажы ўжо вялікая колькасць твораў для фартэпіяна: два “Альбомы для юнацтва”, сюіты “Знакі Задыяка”, “Малітва”, фартэпіянныя цыклы, прысвечаныя Пушкіну і Міцкевічу, пяць санат для фартэпіяна, канцэрт для фартэпіяна і сімфанічнага аркестра.
Нарэшце, не магу не ўспомніць Дзінару Мазітаву, з якой мы пачалі займацца кампазіцыяй, калі ёй было сем гадоў. Цяпер Дзінара шаснаццаць, яна лаўрэат мноства міжнародных конкурсаў маладых кампазітараў, склала дзве оперы і тры балеты, дзесяткі (калі не сотні) твораў для фартэпіяна, скрыпкі, віяланчэлі, інструментальных ансамбляў, шмат песень на вершы беларускіх і рускіх паэтаў. Іншаму сталаму кампазітару за ўсё жыццё не напісаць столькі, як гэта юная лідчанка – надзея, я думаю, беларускага музычнага мастацтва.
- Як мне вядома, вы з’яўляецеся старшынёю асацыяцыі кампазітараў Гродзеншчыны. Раскажыце пра кола сваіх абавязкаў.
- Асацыяцыя ўзнікла па саёй ініцыятыве ў 1994 годзе і дзейнічае пры абласным метадычным цэнтры народнай творчасці. У яе складзе каля сямідзесяці аўтараў, кожнаму з якіх трэба аказаць неабходную дапамогу і падтрымку. Арганізоўваю аўтарскія канцэрты ў камернай зале Гродзенскай абласной філармоніі. Даводзіцца дапамагаць пры выданні нотных зборнікаў нашых кампазітараў, выпуску аўдыёкасет. Да кожнага трэба знаёсці індывідуальны падыход, перад кожным адкрыць творчыя далягляды.
Вельмі рады, што прыклаў пэўныя намаганні для прапаганды творчасці тых, хто працуе ў песенным жанры – у прыватнасці, Алены Пячынінай, Вячаслава Пыпеця, Аляксандра Чопчыца, Аляксандра Маркелава, Марка Копа. Аказваю дапамогу і тым, хто піша камерную і харавую музыку. Гэта Вераніка Швец, Станіслаў Гулецкі, Сяргей Бугасаў, Канстанцін Яскоў.
- Вы нямала зрабілі для арганізацыі розных конкурсаў і фестываляў. Як ацэньваеце гэтую сферу сваёй дзейнасці?
- Так, сапразды, я стаяў ля вытокаў першага конкурсу юных кампазітараў Гродзенскай вобласці ў 1979 годзе, міжнароднага конкурсу юных выканаўцаў імя Канстанціна Горскага ў Лідзе (1996 год), конкурсу самадзейных кампазітараў Гродзеншчыны (Гродна, 1999 год). І гэта былі не разавыя мерапрыемствы. Напрыклад, конкурс “Надзея” праходзіў пяць разоў. На ім збіралася кампазітараская моладзь з Беларусі, Украіны, Расіі. У рамках яго была прадстаўлена амаль уся палітра музычнага мастацтва – ад песні да сімфоніі. Тут упершыню паўсталі перад слухачамі бліскучыя таленты, якія несумненна, стануць багаццем нацыянальных культур трох славянскіх народаў.
- Вы асвятляеце ў прэсе музычныя з’явы, сведкай і арганізатарам якіх з’яўляліся. Я з вялікай цікавасцю чытаю вашы публікацыі ў абласных і рэспубліканскіх газетах. Ці прыносіць гэта вам маральнае задавальненне?
- Безумоўна! Аглядваючыся назад, магу сказаць, што за апошнія 15-20 гадоў у мяне назапасілася каля 150 заметак і артыкулаў пра музыку. З іх спадзяюся з часам скласці кнігу “Гродзеншчына музычная”, якая ахопіць перыяд з 1985 года па сённяшні дзень. Гэта будзе цэлая галерэя творчых партрэтаў гродзенскіх выканаўцаў, педагогаў, кампазітараў. Мяркую адлюстраваць у ёй самыя значныя з’явы і падзеі самадзейнага і прафесійнага музычнага мастацтва Прынёманскага краю.
- У 1997 годзе выйшла ў свет ваша кніжка афарызмаў “У квітнеючых садах кахання”. Ці працягваеце вы працаваць і ў гэтым жанры?
- Так, я кожны дзень стараюся пісаць пра мужчын і жанчын, пра гармонію шлюбу, будні і святы сямейнага жыцця. Я перакананы: на нашых вачах адбываюцца кардынальныя змены, ідзе эпоха новай маралі, новага погляду на праблему кахання. Мы, як і іншыя людзі свету, ужо ўсур’ёз здумваемся над тым, як выбудоўваць жыццё шчасліва, каб каханне не знікала праз кароткі час.
(Беларусь. – 2002. – № 4-6)
МІСІЯ МУЗЫКАНТА
Сапраўдны талант – гэта алмаз, які лёгка прапускае святло скрозь свае грані і раза з тым рэжа цвёрдую паверхню шкла ці металу.
Ні абставіны жыцця, ні выпады Лёсу, ні ўнутраныя крызісы не здатныя зламаць волю творчага чалавека. Часам ён дзёрзкі і фанабэрысты, нярэдка ж – просты і дабрадушны. Жадаючы адгарадзіць сябе ад надакучлівай увагі людзей, ён часцяком іранізуе з іх, але гумар ягоны не злосны. Мастаку і творцу па прызнанні ўсё роўна, дзе і як жыць: у сталіцы альбо ў правінцыйнай глухамані, у арэоле славы або ў цішы невядомасці.
Такім я бачу Аляксандра Патапейку, выкладчыка Лідскага музычнага вучылішча. За ім я назіраў здалёк, баючыся патрывожыць яго мудрае адасабленне, – і кожны раз пераконваўся, што гэта значная самабытная асоба.
Сустрэча першая
У пачатку 90-х гадоў мы, гродзенцы, прыезалі ў Ліду на конкурс аркестравых калектываў музычных школ і вучылішчаў вобласці. Мяне здзівіла, што ў райцэнтры, якім быў і дагэтуль застаецца гэты горад, столькі першакласных аркестраў: цымбальны, духавы, струнны, джазавы… А як яны гралі! Нічога падобнага мне не даводзілася чуць у нашых краях. Асабліва ўразіў аркестр народных інструментаў Лідскага музвучылішча пад кіраўніцтвам Аляксандра Патапейкі. Яго выкананне вызначалася гнуткім, мяккім гучаннем, бліскучай віртуознай ігрой, раптоўнымі кантрастамі дынамічных адценняў, выразнай, выверанай да найдробных дэталяў, формай, уменнем глыбока пранікнуць у задуму кампазітара. Словам, у мяне надоўга захавалася ўражанне ад канцэрта гадаванцаў Аляксандра Патапейкі. Тады падумалася, што поспех не выпадковы, што ён падрыхтаваны гадамі ўпартай працы.
Гэтак і атрымалася.
Патапейка ўзначаліў аркестр у 1984 годзе. Чатыры разы запар калектыў станавіўся лаўрэатам рэспубліканскага агляду-конкурсу аркестравых і харавых калектываў сярэдніх спецыяльных навучальных устаноў. Быў ганараваны лаўрэацкімі званнямі на рэсмпубліканскім конкурсе “Студэнцкая вясна – 98”, рэспубліканскім фестывалі народнага мастацтва “Беларусь – мая песня”, на некалькіх абласных фестывалях “Свята народнай музыкі”. І, нарэшце, атрымаў ганаровае званне народнага!
Аркестр неаднаразова выязджаў з канцэртамі ў Вільню, Гродна, Мінск, запісаў праграму на Беларускім тэлебачанні. З маладымі артыстамі выступалі лаўрэаты нацыянальных і міжнародных конкурсаў – цымбалісткі Наталля Кавалеўская і Вераніка Дабрыніна, вядучыя салісты Нацыянальнага тэатра оперы Наталля Руднева і Алег Мельнікаў.
Сустрэча другая
Гадоў дзесяць таму на конкурс народных інструментаў імя Жыновіча, які праходзіў у Пінску, я прывёз даравітага вясковага хлопчыка, з Індурскай музычнай школы (дарэчы, сёлета ён, мой былы выхаванец, заканчвае Беларускую акадэмію музыкі па класе баяна).
Колькі хваляванняў было і ў мяне, і ў 12-гадовага Валеры Жвяржэвіча! Мы насцярожана глядзелі на масцітае журы. Мяне крыху здзівіла, што ў яго складзе быў Аляксандр Патапейка. Чаму менавіта ён, лідчук, а не гродзенец?
Тады я проста не ведаў гэтага незвычайнага чалавека. Цяпер, параўноўваючы яго дасягненні ў педагогіцы са сваімі, пераконваюся, што спіс ягоных вучняў, якія паступілі ў Акадэмію музыкі, большы, чым мой.
Аляксандр Патапейка працуе ў Лідскім музычным вучылішчы з дня яго заснавання, гэта значыць з 1973 года. Ён выпусціў са свайго класа больш за 50 баяністаў, з іх 30 паступілі ў музычныя ВНУ Мінска, Пецярбурга, Масквы і нават Гановера (Германія). Некаторыя – ужо лаўрэаты абласных конкурсаў “Новыя імёны” (Надзея Ткач, Дзмітрый Жураўскі), нацыянальнага конкурсу імя Жыновіча (Іосіф Гойдзь). Нельга не прыгадаць лаўрэата міжнароднага конкурсу ў Кастэльфедарда (Італія) Таццяну Саўрас і лаўрэата міжнародных конкурсаў у Германіі, Італіі, Іспаніі, англіі Уладзіміра Нехвядовіча.
Ды і сам Патапейка –лаўрэат рэспубліканскага агляду-конкурсу метадычных і творчых работ сярод выкладчыкаў сярэдніх спецыяльных навучальных устаноў. Ім інструментавана каля 200 твораў і песень. Асобныя пералажэнні ўвайшлі ў рэпертуар прафесійных аркестраў.
Сустрэча трэцяя
Зусім нядаўна я выправіўся ў Ліду як адміністратар філармоніі, каб арганізаваць там выступленне ансамбля “Белыя Росы”. Прыйшоў на абутковую фабрыку, маючы намер запрасіць на канцэрт у якасці гледачоў артыстаў народнага ансамбля песні і танца “Чаравічкі”. Яны расказалі мне пра свайго цудоўнага кіраўніка аркестра, добрага і бескарыслівага чалавека. Ці трэба здзіўсяцца, што гаворка ішла ўсё пра таго ж Аляксандра Мацвеевіча Патапейку!
З 1965 года ён працуе ў мастацкай самадзейнасці, дапамагае тым людзям, што імкнуцца да мастацтва воляю сэрца. Розныя калектывы, над якімі шэфстваваў Патапейка, тройчы ўдастойліваліся звання лаўрэатаў Усесаюзнага агляду самадзейнай мастацкай творчасці. Сам ён узнагароджаны медалём лаўрэата ВДНГ (Масква).
Доўгія гады Аляксандр Мацвеевіч аказвае метадычную дапамогу дзіцячым музычным школам і самадзейным аркестравым калектывам Гродзеншчыны. У Лідскім раёне наўрад ці адшукаецца куток, дзе не ведалі б гэтага музыканта-падзвіжніка, усюды яму радыя. Не дзіва: гэта ж сумленны чалавек, незаменны спецыяліст. І ўнікальная творчая індывідуальнасць з такой, здаецца, звычайнай біяграфіяй. Нарадзіўся ў 1949 годзе ў Асіповічах, закончыў Беларускую дзяржаўную кансерваторыю па класе баяна ў Г.Мандруса і па класе дырыжыравання ў І.Абраміса і В.Катаева. Працаваў салістам камерна-інструментальнага ансамбля Беларускага тэлебачання і радыё пад кіраўніцтвам Леаніда Смялкоўскага. Пазней асталяваўся ў Лідзе…
Шматгранны музыкант: выканаўца, дырыжор, аранжыроўшчык, педагог, аўтар метадычных распрацовак, кіраўнік самадзейных калектываў, – А.Патапейка аддае свій шчодры талент прафесійнаму навучанню падрастаючага пакалення, выхаванню эстэтычных навыкаў у аматараў народнага мастацтва і ўсіх простых людзей.
(ЛіМ. – 2002. – 26 ліпеня)
ЖЕНИТЬБА БЛЮЗА НА АРИИ
Множество “маститых” композиторов проживает в столице. Премьеры их творений проходят с шумным успехом на престижных филармонических подмостках. Правда, общественность быстро забывает об очередном “шедевре” какого-нибудь “живого классика”. Нужна новая инъекция, и он опять предлагает публике “писк моды”: вновь льется шампанское, гремят аплодисменты, после чего – длительное безмолвие и пустота.
Есть другая порода музыкантов: те, кто скромно сочиняет музыку для себя и близких друзей. Порой сколько искренности в их немудреных песнях и пьесах! Если композитор создал хотя бы один-единственный мотив, который “западает в душу”, – можно смело сказать: он жил не зря, он сделал для людей больше, чем прославленный “мэтр” или “маэстро” (как только сегодня не называют лжегениев, пасущихся возле министерской кормушки!).
Такие вот мысли одолевали меня после авторского вечера гродненского композитора Бориса Фадина.
Легкое раздражение по поводу того, что Фадина мало кто знает, растворилось в теплых воспоминаниях о его музыке. Захотелось разобраться в увиденном и услышанном.
Этот человек от природы наделен тонким поэтическим вкусом. Он дает изящные названия своим произведениям, в них угадывается романтическая настроенность на прекрасное. Фадин всеми фибрами души чувствует природу эстрадно-джазового искусства. Его джаз приятен на слух, едва ли не каждая нота окрашена ностальгией по счастливому прошлому, отчего мы ощущаем светлую грусть. В пьесах композитора сдержанный ритм, в гармониях отсутствуют неоправданные диссонансы, мелодии трогают сердце. Они, в сущности, являются не чем иным, как нежной, хрупкой лирикой. Добавьте к этому еще два качества музыки Бориса Фдина – благородство и скрытый юмор – и вы получите полное представление о его творческом методе.
Из инструментальной музыки, на мой взгляд, выделялись такие пьесы, как “Запах прибоя”, “Знакомство с Венецией”, “Танго с Натальей”, “Женитьба близа на арии”, “Ретгайм № 18”. К жанровым пьесам относились также “Романс”, “Гавот”, “Обэрэк з-пад Гародні”. Поразительное разнообразие ритмов, интонаций и стилей!
Из песен меня взволновала “Муза” с ее несколько меланхолическим напевом, трепетная “Незнакомка в домино”. Пожалуй, лучшее, что я услышал у Бориса Фадина – это лирическая исповедь “Как никогда…”. Не побоюсь ск5азать, подлинный шедевр! Песня покоряла неподдельностью чувств. Воображение рисовало такую картину: среди разбушевавшейся стихии, раскатов грома и блеска молний стоит человек с флейтой в руках. Мелодия его инструмента практически не слышна, но она за пределами туч и мрака, в небесных сферах, звучит в унисон с золотыми колокольчиками звезд. Не то же ли происходит с нами в грохоте современной цивилизации?
“Приватный вальс” симпатичен непритязательной танцевальностью, “Hallo, Andreas!” – немецким колоритом. Эту песню Фадин посвятил другу, живущему сейчас в Германии.
Две последние песни исполнила Маша Шаповал, обладающая приятным сопрано. Остальные пел сам композитор. Он же выступал и в качестве инструменталиста: играл на баяне, акустической гитаре, духовой гармонике. Завидная многогранность таланта!
И последнее. Авторский вечер Бориса Фадина состоялся в день его 50-летнего юбилея, на пороге зрелости и новых творческих свершений.
(Вечерний Гродно. – 2002. – 31 июля)
ЭСТАФЕТА ТВОРЧЕСТВА
“Мало иметь талант, надо постоянно учиться”.
А.М.Иванов-Крамской
Не раз мне приходилось видеть на сцене хрупкую девочку с гитарой в руках. Это 11-летняя лидчанка Оля Гейль. Она учится в музыкальной школе у преподавателя Ирины Михайловны Рыбак.
Несмотря на столь нежный возраст, Оля отмечена многими наградами и званиями на различных конкурсах. Она стипендиат специального фонда Президента Республики Беларусь по поддержке талантливой молодежи, два раза становилась лауреатом областного конкурса “Пяе над Гародней гітара”, принимала участие в международном конкурсе гитаристов в польском городе Санок. Члены жюри, как правило, отмечают ее эмоциональную игру и техническую стабильность. Оля чувствует музыку душой, каждую фразу, каждую ноту принимает близко к сердцу.
За успехами юной гитаристки стоит огромный труд. Она сама, без принуждения, часами сидит за инстрементом, старательно выводит гаммы и упражнения. Девочка уже сделала свій жизненный выбор: решила стать профессиональным музыкантом. Поэтому она изо дня в день совершенствует исполнительское мастерство, работает над качеством звука, старается проникнуть в образный строй произведения, изучает его форму, стиль, язык.
Постепенно у нее формируются свои вкусы и приоритеты. Оля любит играть Фернандо Сора, Эйтора Вила-Лобоса, Александра Иванова-Крамского, Валерия Живалевского, Александра Винницкого.
Конечно же, нельзя не сказать несколько добрых слов о том человеке, который расширяет музыкальные горизонты Оли. Я имею в виду ее преподавателя Ирину Михайловну Рыбак. Этот молодой педагог работает в школе 6 лет. Сейчас в ее классе занимаются 15 ребят. Она создала и стала художественным руководителем ансамбля гитаристов.
- Преподавать гитару – это мое призвание, – говорит Ирина. – Мне нравится учить детей, приобщать их к искусству.
У нее обучалось немало талантливых ребят, из которых особо отличились лауреат республиканского конкурса имени Жиновича Константин Меленяко, рауреат областного и районного конкурсов Инга Лашкова.
Ирина Рыбак строго относится к своим воспитанникам, не допускает фамильярности или панибратства, совершенно не терпит нерадивых учеников. Для нее дисцпилина и прилежность превыше всего.
- Я полностью разделяю мысль замечательного гитариста и педагога Иванова-Крамского, – продолжает Ирина Михайловна, – о том, что чем талантливее ученик, тем требовательнее надо относится к нему.
Да она и сама не перестает повышать сво й профессиональный уровень: слушает записи известных гитаристов, посещает концерты не только в Лиде, но и в Гродно, Минске. Она периодически консультируется со старшими коллегами: своим наставником Василием Сечко, преподавателем Гродненского музучилища Владимиром Захаровым, с доцентом Белорусской академии музыки Валерием Живалевским.
Кто-то может подумать, что Оля и ее молодая учительница – “сухари”, фанаты, ничего не ведают, кроме скучноватых ежедневных занятий музыкой. Нет! Это приветливые, интересные и красивые люди.
Так, Оля с 5 лет поет на сцене, уже не раз получала дипломы на фестивалях эстрадной песни. В общеобразовательной школе числится отличницей, всесторонне развита, имеет много подруг. С одной из них она как-то заглянула ко мне в гости, доставив тем чамым нежданную радость немолодому педагогу и музыканту, корпевшему над своими рукописями.
У Оли прекрасные взаимоотношения с родителями. Ее отец, Сергей Гейль, до недавнего времени издавал в Лиде первоклассный журнал “Оникс”, мать, Наталия, большое внимание уделяет воспитанию своих детей. Ивлечение дочери гитарой они восприняли как нечто должное: немедленно создали благоприятные условия для занятий, не поскупились на покупку хорошего инструмента.
Мне всегда были симпатичны эти скромные интеллигентные люди. Я скренне радовался тому, что между ученицей, ее педагогом и родителями возник счастливый союз доброжелательности. Это редкое явление на сегодняшний день. Но вот когда такое содружество состоится – успех ребенка обеспечен.
Приятно удивила меня и последняя новость: Оля разучивает пьесу лидчанки Динары Мазитовой из ее балета “Дюймовочка” (которую та сочинила в 10-летнем возрасте под моим руководством).
Сейчас Динара уже взрослая, этим летом поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию, продолжает сочинять музыку.
И все же символично, что родники юных талантов в Лиде не иссякают. На смену одним вундеркиндам приходят другие – золотая цепочка творчески одаренных детей не прерывается.
Да, Оля Гейль – одна из тех, кто подхватил эстафету искусства и будет, подобно Динаре,, блистать в концертных залах многих городов и стран.
(Аркуш. – 2002. – 7 августа)
С МОЛИТВОЙ И ПЕСНЕЙ К ОТЦУ НЕБЕСНОМУ
“…Помни Создателя твоего в дни юности твоей” (Еккл 12 1)
В музыкально богатом белорусском городе Лиде заявил о себе новый творческий коллектив. Это молодежный ансамбль духовной песни “Анастасия”. Его церковным наставником является священник православного Свято-Михайловского кафедрального собора Алексей Глинский, а художественным руководителем – преподаватель Лидского музыкального училища, композитор Вероника Швец.
Правда, с формальной точки зрения ансамбль возник несколько раньше, в 1998 году. Его первоначальный состав насчитывал всего четыре человека, одна вокалистка и три гитары. Впоследствии коллектив значительно расширился. Сейчас в него входят флейта, скрипка, альт, виолончель, синтезатор и пять вокалистов. Как видим, это совершенно новая творческая единица.
Репертуар “Анастасии” впечатляет разнообразием. Ее участники сами пишут музыку. Среди них Вероника Швец, Ольга Клюкевич и Чеслав Янушкевич. В основу песен берутся высокие образцы классической русской поэзии: Михаила Лермонтова, Сергея Есенина, Игоря Северянина, Анны Ахматовой. Не забыты и лидские авторы, в чьих стихах есть религиозные мотивы. Нельзя не упомянуть Аркадия Воеводина, Ларису Кончевскую, Елену Родионову, Александра Черепанова. Разумеется, не остались без внимания и те поэты, тексты которых можно прочесть в различных православных изданиях. Как видим, стихотворная панорама весьма богата.
В концертной афише ансамбля значатся десятки произведений духовного содержания, проникнутых любовью к Творцу, искренним стремлением очистить душу человеческую. В качестве примера стоит назвать такие песни, как “Пришествие”, “К Тебе иду, куда бы я ни шел”, “Ангел”, “Распятие”, “Христос воскрес”. Все эти проникновенные лирические исповеди создала Вероника Швец – музыкант с немалым композиторским опытом. Ее перу принадлежат шесть сонат. Концерт для фортепиано с оркестром, и десятка полтора больших и малых инструментальных циклов. Некоторые ее пьесы уже звучали в концертных залах Белгосфилармонии и по республиканскому радио. Тем не менее, основная часть сочинений, увы, практически неизвестны широкой публике.
Неоценимую помощь членам ансамбля оказывает священник Алексей Глинский – это и духовное покровительство, и прозаическая “материальная помощь”. Он оказывает благотворительные концерты в дни православных праздников для больных, сирот, инвалидов, заключенных. Немалое содействие оказывает артистам “Сестричество преподобной Ефросинии Полоцкой” (старшая сестра – Елана Родионова). Оно изыскивает средства для закупки современной звукозаписывающей аппаратуры, выпуска аудиокассет, для участия в фестивалях.
Отмечу, что новую жизнь вдохнула в коллектив Юлия Яблонская. Она взяла на себя непростые организационные вопросы, хотя и продолжает играть на флейте.
Несколько лет солисткой коллектива выступает Ольга Клюкевич. Было бы несправедливо не назвать и других членов ансамбля: Елену Минойть, Наталию Линник, Марию Павлюченко, Павла Арашкевича, Алесю Лопато, Ольгу Колкину, Веронику Бильдюк. Хотелось бы особо отметить и талантливого аранжировщика Чеслава Янушкевича.
Недавно к основному составу “Анастасии” присоединилась детская группа “Настенька” из шести подростков в возрасте от 11 до 14 лет, которые, выступая вместе со взрослыми, неизменно украшают концерты. Однако это не главное, ведь на наших глазах взрастает юное поколение духовно просветленных людей. Замечательная молодая поросль.
В этом году “Анастасия” была приглашена на Х Международный фестиваль духовной музыки “Магутны Божа”. Слушатели тепло принимали лидчан, как, впрочем, и других участников фестиваля из России, Украины, Молдовы, Латвии, польши и Германии. Бурные аплодисменты были приятной наградой для дебютантов фестиваля.
И последняя новость: сейчас в Барановичах записывается первый компакт-диск “Анастасии”. Надеюсь, что вскоре мы опять услышим возвышенное пение этого уникального коллектива.
(Аркуш. – 2002.–14 августа)
«БЕЛЫЕ РОСЫ» – МОДЕЛЬ БУДУЩЕГО ТВОРЧЕСКОГО СООБЩЕСТВА
(Размышления по случаю 15-летия ансамбля)
…Память возвращает меня в город Волковыск середины 50-х годов…
Не могу забыть ежегодное торжество – День железнодорожника! Это не что иное, как массовое гуляние в лесу, когда люди щедро стелят скатерти на траве и не отказывают себе ни в чем – ни в простых тогдашних яствах, ни в нехитрых тогдашних напитках.
Поблизости, разумеется, павильон со сценой. Культработники дают праздничный концерт. Звучат песни, кружат хороводы, удивляют пестротой нарядов танцевальные коллективы.
Людям кажется: мир прекрасен и надо наслаждаться каждым мгновением жизни. При всей наивности и театральности этих мероприятий в них была искренность, неведомая ныне.
Вероятно, и тогда в клубах существовали танцевальные ансамбли, которыми руководили профессиональные хореографы. Но мы, пацаны, не слушком вникали в подробности и детали взрослого мира. Он виделся нам иначе: ярче, радужнее, колоритнее. Все мы знали танцовщика Гену Герро – стильного парня, учившегося в Минске. Он смотрелся в наших детских глазах этаким баловнем судьбы. Впоследствии он стал главным балетмейстером Варшавского театра оперы и балета
Где-то рядом и в те же годы начиналась и творческая биография Евгения Штопа. В Доме культуры он научился по-настоящему танцевать. Позже были учеба, работа, нелегкие годы в борьбе за существование. В его душе клокотала энергия созидания! Хотелось переделать, изменить мир.
25 лет он руководил народным ансамблем танца «Раніца». За это время Евгений Александрович вместе с питомцами исколесил едва ли не весь свет – от Франции до Японии. Пришли почести, награды, опыт, признание… Однако мечта о собственном, единственном в своем роде хореографическом ансамбле не оставляла его! И задуманное свершилось. В 1987 году он создал именно то. О чем мечтал все эти годы.
Евгения Штопа вместе с артистами принимали на фешенебельных виллах руководители таких всемирно известных фирм, как «Мерседес» и «Пежо», ему довелось пожить в Монтини – пригороде Парижа, где обитают сливки общества в лице миллионеров. «Белым Росам» с восторгом аплодировали в швейцарском Давосе, где ежегодно собиралась на свои саммиты политическая и финансовая элита мира, и куда в эти дни нет доступа простым смертным. Что уж говорить о бесчисленных выступлениях в Германии, Франции, Испании, Голландии, Греции, Польше! Стоит ли упоминать республики бывшего Советского Союза, которые довелось десятки раз проехать вдоль и поперек!
Четыре года Штоп был сенатором, заседал в верхней палате Национального собрания Республики Беларусь. Наконец, на пороге нового тысячелетия Президент А.Г.Лукашенко лично вручил ему специальную премию «За духовное возрождение», «Белые Росы» выступили на торжественном концерте – чествовании лауреатов.
Вершина, казалось, покорена. Эверест взят… А в глазах этого художника я видел печаль, рассмотрел неудовлетворенность.
В чем дело? Где причина досады?
Сильный и зрелый человек, Е.Штоп прекрасно понимает, что после развала СССР наступила пора, которая не благоприятствует творческим порывам, что многие в нашем обществе не нужна красота, что нет духовного единения между людьми, потребности дерзать, создавать шедевры.
Так думает не один Штоп. Его тревогу разделяют все мыслящие художники, изнутри познавшие дух народного искусства, те, кто одержим любовью к Красоте.
Коллектив единомышленников
Будни артистов – это каждодневный упорный труд, концерты, гастроли, фестивали. Так сказать, проза и поэзия жизни.
Не придерживаясь какой-либо хронологии, я постараюсь изложить то, что мне больше всего запомнилось при встрече с участниками ансамбля.
…Недавно «Белые Росы» приняли участие в Днях культуры Республики Беларусь в Красноярском крае, были задействованы в четырех концертах, причем два – с полномасштабной программой. Конечно же, получили прекрасные отзывы в прессе. Довелось быть в числе тех, кто присутствовал при открытии мемориальной доски Виктору Вуячичу, который родился и учился в здешних краях, в станице Придорожной.
На протяжении десяти лет артисты выезжают в Испанию, где успели дать свыше 400 концертов. Гастроли обычно длятся полтора-два месяца. Ансамбль выступал на лучших площадках Барселоны, Бадахоса, Гибралтара, Мадрида. Во время этих поездок «Белые Росы» участвуют в различных фольклорных фестивалях страны Сервантеса и Гойи, кроме того – в Португалии и Франции. Идет пропаганда белорусского искусства за рубежом. Отдельных солистов уже знают по именам. Стоит им выйти на сцену, как раздаются возгласы «браво!».
Жаль, что таких красочных фиест нет в Беларуси, и мы не знаем своих подлинных звезд – тех, кто прославляет нацию. К моему стыду, я, гродненский старожил, работник культуры, до недавнего времени не имел представления о «Белых Росах», не видел выступлений этого замечательного коллектива.
Верно изречение: «Нет пророка в своем отечестве!».
«Белые Росы» именуются ансамблем песни, музыки и танца. В основе идеологии данного содружества лежит принцип универсализма: каждый должен петь, играть и танцевать, обязан быть многопрофильной творческой индивидуальностью. Здесь нет солистов в традиционном смысле слова, никто из артистов персонально не выделяется. Участники коллектива рука об руку работают и совместными усилиями творят Искусство.
Вторая отличительная черта в том, что это – профессиональное творческое объединение, существующее при Гродненской областной филармонии. Его художественный руководитель, заслуженный работник культуры, Евгений Штоп 40 лет лелеял мечту создать именно профессиональный, а не народный ансамбль. Вся трудность заключалась не столько в реорганизации «Раніцы», сколько в том, чтобы убедить людей в необходимости качественно иной сценической деятельности. Время требовало новых подходов и новых решений. Обычно руководители ансамблей художественной самодеятельности мыслили по-старому: им нужно было в первую очередь заявить о себе. При этом терялась из виду глубинная сущность белорусского искусства. Штоп решил организовать нечто особое. Он поставил невероятно служную задачу: каждый член коллектива непременно должен овладеть вокалом, а затем выражать себя в танце, в игре на каком-нибудь инструменте.
Нужно ли говорить, какое впечатление производят на зрителей поющий балет и танцующие музыканты! Порой этим приемом пользуется Владимир Спиваков. Когда «Виртуозы Москвы» начинают напевать во время игры, публика млеет от восторга.
А если весь концерт, целый спектакль выдержать в данном ключе? К тому же экономично – иметь малый универсальный состав, мобильную группу артистов, которую можно разместить в одном автобусе вместе с костюмами и аппаратурой.
У «Белых Рос» внушительная материальная база: общежитие, свой концертно-репетиционный зал, оркестровый класс, гримерные комнаты, современная звукозаписывающая аппаратура, мастерская для пошива обуви и одежды, прачечная и многое другое. При ансамбле существует хореографическая студия на 180 учеников. Целая «фабрика искусства», как однажды выразился Штоп. Или комбинат творчества, не побоюсь этой метафоры!
Сначала пришлось искать свой репертуар, заново создавать концертные программы. Каждый высказывал свои суждения, предлагал собственное решение. При этом добивались, чтобы сценическая драматургия соответствовала художественному замыслу, чтобы все было, как неизменно приговаривает Евгений Александрович, «четко, ясно, понятно и убедительно».
Общими усилиями создавали народное искусство (как ни парадоксально такое словосочетание). Тексты были народными, смысл также народный, но руководитель требовал чего-то большего – высочайшего мастерства.
- Одному человеку это не под силу. Нет таких универсальных гениев, кто сумел бы все задуманное воплотить в жизнь. Поэтому я сторонник коллективного творчества. Законы искусства вечны и непреложны, однако именно мы, простые люди, помогаем претворять их в жизнь! – так энергично высказался Штоп.
Да, сегодня существует коллектив нового типа! И в первую очередь есть он – лидер, незаурядная личность. Человек, который отважно взял на себя роль новатора, кому под силу своей волей, умом и дерзновенностью перестраивать жизнь. Нельзя забывать, конечно же, о тех, кто рядом с ним, кто в нужную минуту готов подставить плечо. Это директор ансамбля и хормейстер Валерий Крючков, музыкальный руководитель и дирижер Александр Аврукевич, балетмейстер Вера Чичина. Они чутко улавливают современные тенденции, знают, в какую сторону трансформируется белорусская музыка.
Особенное внимание участники ансамбля уделяют фольклору Гродненщины: собираются старинные мелодии, делаются их обработка и аранжировка, осуществляются сценические вокально-танцевальные постановки в духе народных традиций. Коллектив считает своим святым долгом давать как можно больше концертов на родине, на принеманской земле, в районных центрах, колхозах и совхозах. Постоянными площадками артистов стали санатории, пансионаты, дома отдыха. Пропагандируют наше национальное искусство в приграничных районах Польши и Литвы.
Как я уже говорил, «Белые Росы» существуют при Гродненской областной филармонии (директор Эдуард Тихович). Артистам оказывает поддержку и помощь управление культуры Гродненского облисполкома (председатель – Людмила Кадевич).
Драматические коллизии времени
Где выход из часто возникающего в жизни противоречия между яркой личностью и отлажено работающим коллективом? Что же такое возрождение? Е.Штоп убежден: оно не может базироваться на зыбком песке, а должно иметь под собой прочный фундамент многовековой национальной культуры, в том числе художественный опыт предыдущих поколений.
Речь, прежде всего, о советском периоде, в котором фольклорные жанры развивались чрезвычайно интенсивно. Без преувеличения можно сказать, что социалистическая эпоха – это золотой век массовой песни, поднявший ее на недосягаемую высоту совершенства и красоты. Именно в 30-80-е годы общество с переменным успехом старалось воплощать в жизнь гуманистические идеалы, а между простыми людьми крепли добрые и честные отношения. Во всяком случае, прекрасное ценилось по достоинству. Теперь, когда западный образ жизни вторгается в нашу повседневность, а бизнес и диктат доллара душат в человеке благородные порывы, когда вместо подлинных ценностей нам предлагают тошнотворный суррогат, вместо настоящего искусства – бездарную подделку под него (лубок или же лакировку – в любом случае это профанация, убогая стряпня!), – мы утрачиваем ориентиры. Как заблудившиеся путники, плетемся по снежному бездорожью, пытаясь отыскать вехи.
Не следует забывать также о мировоззренческом факторе: лидеру, воспитанному на коллективистских началах, совершенно недостаточно иметь подле себя крепких профессионалов и единомышленников. Ему нужны близкие люди – такие же, как и он. Открытые миру и охваченные желанием творить на земле немеркнущую Красоту. Где их сыскать в наш меркантильный век? Как предотвратить коррозию артистических содружеств, подобных «Белым Росам»?
Мне этот путь видится так.
Профессионалам надо предоставить полную творческую свободу, чтобы артисты не чувствовали давления ни со стороны государства, ни со стороны капитала. Но в любом случае они должны быть автономными социальными структурами, в которых общий труд позволяет не только выжить, но и полноценно развиваться в так называемой «Рыночной экономике», не выклянчивая нищую копеечную у меценатствующих невежд, будь то спесивый чиновник или хамоватый нувориш.
К примеру, на Западе в ХХ столетии стали возникать трудовые сообщества, строившие жизнь людей на принципах справедливости и равенства. На социалистических принципах, если уж быть предельно точным. Такой вот нежданный парадокс – оазисы гуманизма в бескрайних песках диких капиталистических отношений! В подобных «артелях» не допускалась эксплуатация человека человеком, и делалось все для того, чтобы каждая личность могла раскрыться во всей красе своего природного дара. Это были своего рода оуэновские «коммунистические колонии» или фаланстеры Фурье, сделавшие явью через сто лет после смерти великих мечтателей. Реализовалось на практике то, что проповедовал знаменитый американский психоаналитик Эрих Фромм значительно позже утопистов, уже в ХХ столетии. Он называл аналогичную социальную структуру «коммунитарным социализмом».
Другой пример. Уолт Дисней, создавая свою корпорацию, пытался сплотить вокруг себя группу единоверцев. И хотя его сотрудники перед второй мировой войной объявили забастовку, он все же успел осуществить задуманное, воплотил в мультипликационных образах идею добра и справедливости, сделал человечество чуточку добрее.
А взять того же итальянского промышленного магната А.Оливетти (вспомните популярную телепрограмму «Время»: на часах в студии красовался фирменный знак «Olivetti», а не советские марки «Салют» и «Победа»). Этот сердобольный капиталист попытался претворить на сети своих заводов принципы христианской и социалистической морали! Сейчас в Западной Европе и Америке несколько тысяч общин такого рода.
Так вот, мне показалось, что «фабрика искусства» Евгения Штопа очень похожа на «La citta del sole» – «Город солнца» Томмазо Кампанеллы, предшественника Шарля Фурье, Роберта Оуэна, Эриха Фромма, Уолта Диснея. Данное содружество, носящее поэтичное название «Белые Росы», – мобильное, универсальное и достаточно автономное сообщество, возникшее в самый разгар неумной и близорукой перестройки. Напрягите память: сколько малых предприятий и кооперативов того времени развалилось, не оставив даже следа! А «Белые Росы» остались и здравствуют.
Это весьма символично! Надеюсь, что детище Е.Штопа явится образцовым прототипом будущих творческих объединений. А пока нужно сделать самое необходимое.
Государство обязано создать в стране благоприятный климат для расцвета национальной культуры, чтобы все искусства, все ансамбли, подобные «Белым Росам», развивались совершенно свободно, разумеется, при материальной поддержке властных структур. Пришло время изменить законодательство, связанное с финансированием художественных коллективов. Они не должны перебиваться с хлеба на квас, имея нищенскую зарплату, не должны испытывать проблем с костюмами, сценическим реквизитом, современной акустической аппаратурой.
Настала пора разработать закон о меценатах, покровителях искусства, который, с одной стороны, поощрял бы состоятельных людей вкладывать деньги в культурные проекты, а с другой – поддерживал инициативу деятелей искусства.
Очень наболевшая проблема – охрана авторских прав. Необходимо ввести в повседневную практику принцип выплаты гонораров по тарифам, предусмотренным международными соглашениями, под которыми наша страна поставила свою подпись. Это касается поэтов, композиторов, режиссеров, балетмейстеров, дирижеров, аранжировщиков, солистов – всех, кто напрямую причастен к художественному процессу.
Наконец, государство, уважающее себя, должно всячески поощрять тех, кто пропагандирует национальное искусство за рубежом. Надо позаботиться, чтобы наши гастролеры имели ощутимую поддержку со стороны посольств и дипломатических миссий, которые помогали бы организовывать концерты за границей и с должной настойчивостью и корректностью защищали их авторские права.
Это выгодно государству, поскольку шел бы экспорт нашего искусства на Запад, и за эту услугу Министерство финансов имело бы законное право на валютные отчисления, едва ли не такие же, как за трактора и калийную соль.
Надо положить конец нынешней вакханалии со стороны западных продюсеров, нещадно эксплуатирующих наших артистов, буквально за гроши скупающих лучшие творческие наработки. Пора понять, что национальное искусство – визитная карточка Беларуси в мире, духовная аура народа.
Думается, реализация этой программы в корне изменит внутреннюю и внешнюю политику государства, введет страну в русло общеевропейских социальных, культурных и духовных процессов, которые сейчас заметно активизировались. Различные общественные движения, ассоциации, фонды, фестивали должны способствовать тому, чтобы театральные и музыкальные коллективы работали на принципах самостоятельности и взаимовыгодного сотрудничества.
Когда у нас возникнут десятки, сотни, тысячи относительно автомных творческих структур, основанных на принципе человечности и взаимного уважения, тогда экономические трудности в сфере культуры решатся сами собой. Не будет нужды уповать на то, что «вот приедет барин, барин нас рассудит». Мы сами придумаем, как наладить мир и порядок в своем доме. У художников не будет оснований тревожиться, что их многолетний труд, их яркие художественные достижения будут во время очередных горбачевских, ельцинских и прочих перестроек сброшены в канализационный люк.
Мрак взаимного отчуждения рассеется – и воссияют Искусство, Красота, Духовность. Конфликт между лидером и коллективом, неизбежный в годы кризисов, исчезнет.
…Такой вот поток мыслей, раздумий и светлых надежд вызвал в моем сознании ансамбль «Белые Росы» в связи с его 15-летием.
(Беларуская думка. – 2002. – № 9)
2003 год
КАПРЫСНАЯ СВАЯЧКА ПАГАНІНІ
Не часта дзеці, нават адораныя, гатовыя да таго, каб даць сольны канцэрт у філарманічнай зале. Але такая знамянальная падзея адбылася нядаўна ў Гродне. Іграла Люба Саладухіна – вучаніца 6 класа Гродзенскай ДМШ № 1. акампанавала ёй вядучы педагог Гродзенскай музычнай вучэльні Алена Лябецкая.
14-гадовая скрыпачка выконвала вельмі складаныя творы, якія ў яе ўзросце ігралі хіба праслаўленыя віртуозы папярэдніх стагоддзяў. Яна валодае6 прыгожым, выразным гукам, тонка адчувае музычныя стылі. Асабліва блізкая ёй лірыка шырокага песеннага дыхання.
Дзяўчынка ўз’яўляецца стыпендыятам Спецыяльнага фонду Прэзідэнта РБ па падтрымцы таленавітай моладзі, лаўрэатам трох рэспубліканскіх і аднаго міжнароднага конкурсаў. Асаблівы поспех да яе прыйшоў на IV Міжнародным дзіцячым конкурсе “Музыка надзеі” ў Гомелі. Скарыўшы журы на чале з Анры Янпольскім, яна атрымала Гран-пры.
Сваімі дасягненнямі Люба шмат у чым абавязана цудоўнаму выкладчыку Віктару Гільдзюку – чалавеку добрага сэрца і сапраўднаму прафесіяналу, які і сам нярэдка выступае на сцэне.
Мне здаецца, у класе Віктара Мікалаевіча пануе атмасфера добразычлівасці і пастаяннай работы над сабой. Тут цалкам падзяляюць словы Чайкоўскага: “Вялікі талент вымагае вялікага працалюбства”. Але артыст, нават добра падрыхтаваны, нараджаецца на сцэне. Невыпадкова на другім канцэрце, што адбыўся тыднем пазнеё, Люба адчувала сябе больш упэўнена.
Я жадаю ёй часцей выступаць перад публікай, адорваючы слухачоў далучэннем да высокага мастацтва.
(Культура. – 2003. – 15 лютага)
ПЕДАГОГИКА, ОБРАЩЕННАЯ К МОЛОДОСТИ
Виталий Родионов, председатель Ассоциации композиторов Гродненщины.
Воспитатель! Какая возвышенная нужна тут душа!
Жан-Жак Руссо
Истинный педагог – гуманист. Он отстаивает идеалы человеколюбия, доброты, верности долгу. Ему хорошо известно христианское чувство сострадания, ибо он готов в любую минуту оказать помощь беззащитному и слабому, утешить и ободрить душевным словом.
Роль педагога не менее значима в обществе, чем писателя, композитора, художника. Нередко он всецело посвящает себя служению людям, жертвует ради них личным счастьем. Порой его жизнь складывается так, что некогда завести полноценную семью и собственных детей. Это говорит об отсутствии в нем гармонии между личным и общественным. Однако когда педагог преодолевает власть родительского инстинкта, а желание иметь родную кровинку отходит на второй план, он поднимается выше обыкновенных людей. По этому поводу у Руссо есть замечательный афоризм: «…Чтобы создавать человека, нужно самому быть или отцом, или больше чем человеком». Трагичная и одновременно подвижническая жизнь великих учителей Януша Корчака и Марии Монтессори глубоко символична.
Исключительное дарование
Впервые за всю историю белорусской музыки в концертном зале Белгосфилармонии состоялся авторский концерт 18-летнего композитора. Виновницей столь редкого и во многом примечательного события стала Динара Мазитова. Как говорил конферансье Владимир Шилихин, трудно перечислить конкурсы, где она была удостоена звания лауреата и дипломанта. Мне остается лишь вслед за ним повторить, что Динара является лауреатом Фонда Президента Республики Беларусь по поддержке талантливой молодежи, лауреатом семи международных конкурсов молодых композиторов в Гродно, Санкт-Петербурге, Москве, лауреатом международного конкурса пианистов в Италии.
Надо ли говорить, что эта лавина наград далась ценой большого труда. Без неиссякаемой потребности создавать музыку такие успехи были бы невозможны. Мне, педагогу, который на протяжении 10 лет занимался с Динарой, более чем кому другому известно, сколько творческих озарений и кропотливой работы потребовало каждое написанное ею сочинение! А их несколько сотен. Спрашивается: имеем ли мы право проходить мимо исключительного дарования? Любой человек без особых раздумий скажет: «Конечно, нет!».
На практике же дело обстоит иначе. Концерт молодого автора, чье имя в будущем может стать украшением национальной культуры, не удостоила своим присутствием художественная элита страны. Равнодушно отнеслись к музыке талантливой девушки, дерзнувшей подняться на престижную филармоническую сцену, наши маститые композиторы, за исключением трех-четырех человек, в числе которых председатель Союза композиторов Игорь Лученок. Он-то не уронил честь профессионала, не опустился до оскорбительных ссылок на занятость, на плохое здоровье, потому что не страдает комплексом ущемленного самолюбия. Талант замечает и поддерживает талант, посредственность же лелеет собственную персону.
Впрочем, нет худа без добра. Как говорится, чем меньше недоброжелателей и зависимость в зале, тем чище атмосфера. Публика радовалась всему услышанному и увиденному на сцене.
Мне, безусловно, заинтересованному лицу, стремившемуся сохранить объективность, показалось, что Динара обнаружила творческую зрелость во многих произведениях. Среди них назову прежде всего цикл пьес под названием «Детство», «Отрочество», «Юность», написанных для разных инструментов: флейты, скрипки, виолончели в сопровождении фортепиано. К ним примыкают Токката и «Грузинский танец» для скрипки. Рядом стоит сюита для фортепиано «Хроники Нарнии» по одноименной сказке Льюиса. Приятное впечатление оставили три хора на стихи Омара Хайяма и отрывки из балета «Дюймовочка», сочиненного Динарой, когда ей было всего 10 лет.
Концерт в двух отделениях пролетел незаметною. В нем приняли участие 150 исполнителей. Произведения Динары Мазитовой публика приняла с искренней симпатией, так как музыка ее была тоже искренней и, кроме того, простой, ясной, доброй, образной, психологически тонкой, светлой, жизнерадостной, темпераментной, изящной, красивой и, главное, личностной – той, что основана на гармонии звуков, очищающей нашу душу.
Что бы я пожелал своей бывшей ученице? Первое: быть отзывчивым и скромным человеком. Второе: чтобы никогда не иссякал родник ее фантазии и вдохновения. Наконец, третье: создавать красивую музыку современным языком – задача, надо признать, неимоверно трудная!
Мой опыт – таков
Родители часто спрашивают меня: как определить талант ребенка? Как развить его способности? В чем суть моего метода преподавания композиции?
Вопросы актуальные, и на них я могу дать обоснованный ответ, поскольку за долгие годы воспитал более двадцати учеников, избравших нелегкую композиторскую стезю.
Пусть мальчик или девочка на первых порах попробуют свои силы в различных сферах самовыражения: музыке, живописи, поэзии, прозе, порекомендуйте им вести дневник или попросите написать заметку в молодежную газету.
Если нет возможности обучать ребенка в специальной школе, то родители должны постараться найти знакомых в среде творческих людей, чтобы дети могли увидеть собственными глазами, чем занимаются взрослые, какие прекрасные творения они создают, и тогда, быть может, чью-то ребячью душу увлечет та или иная область искусства.
Родители обязаны также найти талантливого учителя для своего ребенка. Глупо отдавать его в руки первому встречному педагогу. Кругом очень много преподавателей с престижными дипломами, однако, не каждый – воспитатель по призванию. Следует задуматься, достаточно ли они просвещенны и бескорыстны? Сможет ли кто-нибудь из них стать другом вашей семьи?
Именно отцы и матери должны создавать культурную атмосферу, чтобы юный талант мог развиваться полноценно. Где нет культуры и цивилизации, там нет почвы для возникновения дарования: в болоте розы не растут.
История показывает: там, где родители проявляли настойчивость и терпение в развитии природных данных своих детей, как правило, достигались значительные результаты. Вспомните, какую роль играли отцы в жизни таких гениев, как Моцарт, Бетховен, Паганини, а мать – в судьбе Виктора Гюго. Отсюда следует простой вывод: в формировании таланта 70 процентов успеха зависит от родителей, 20 – от педагога и 10 – от ученика, какими бы выдающимися способностями он ни обладал.
На уроках сочинения музыки педагог не достигнет желаемого, если не будет находиться в приподнятом, праздничном настроении. Ему крайне важно всегда сохранять молодость духа и окрыленность души, чтобы легко находить общий язык с детьми. Это поможет преподавателю понимать характер творческого порыва ученика, заставит ценить каждую написанную им ноту, каждый сочиненный мотив. Он не позволит себе зачеркивать то, что было рождено живым, трепетным чувством и вылилось на бумагу. Учитель, не способный поддерживать первые художественные опыты начинающего автора, на корню загубит его благородные стремления, вызовет неприязнь к святому композиторскому ремеслу.
Напротив, тот, кто снисходителен к неудачам и погрешностям воспитанника, будет действовать иначе: сосредоточит его внимание на тех ошибках, которые нетрудно исправить и оставит в стороне непреодолимые в данный момент недостатки. Более того, он непременно найдет возможность, чтобы похвалить и одобрить его, поддержать в школьнике веру в свои силы.
С каждой новой пьесой окрыленный автор будет обретать опыт и сможет самостоятельно устранять изъяны. Незачем давать задания, которые он не сумеет быстро, без особых усилий выполнить. Нельзя нарушать праздник творчества, портить его утомительными упражнениями.
Мастерство приходит в процессе вдохновенного труда. Светятся глаза ребенка – значит, вы на правильном пути, погасли – поставьте жирный крест на своей работе!
Педагог обязан делать замечания по поводу сочиненной учеником музыки исходя из его логики, а не из своей. Наставник помогает развивать те мысли, которые присутствуют в композиции ученика, пусть даже в зачаточном виде, или вовсе не осознаются им, но нельзя подчинять его волю своей взрослой воле.
Придерживаясь этого метода, преподаватель формирует талант в воспитаннике изнутри, незаметно и безболезненно, но не снаружи, вроде жестянщика, выбивающего узор на упругой металлической поверхности.
Учитель ухаживает за юным дарованием с любовью, как садовник за цветами на клумбе, который не мешает им расти по их собственным законам. Учитель не позволяет себе действовать с помощью исправления нотного текста, всевозможных запретов, предостережений, указаний, требований, критических замечаний и обидных насмешек.
Талантливый ученик – это воздушный змей, взвившийся в небо и обозревающий земные просторы, хотя наставник и удерживает его за ниточку. Он-то, учитель, в детстве сам запускал бумажных змеев и понимает, какое это восхитительное занятие. И, став педагогом, может проникнуть в душу юного существа, охваченного вдохновенным порывом к творчеству.
Одним словом, я не изобрел ничего нового за тридцать лет преподавания. Я интуитивно следовал взглядам на педагогику великого французского мыслителя Жан-Жака Руссо.
Хочу привести два его высказывания, которые являются, в сущности, эквивалентом моей методики. В них, как в зеркале, отражается мой собственный опыт.
«Я не говорю здесь о качествах хорошего воспитания… Замечу только, что воспитатель ребенка, вопреки обычному мнению, должен быть молод, и даже так молод, как только может быть молод человек умный. Я желал бы, чтобы он сам был ребенком, если бы это можно было, чтобы он мог стать товарищем своего воспитанника и привлечь к себе его доверие, разделяя с ним забавы его».
«Если вы на вопрос ребенка, из желанья отделаться от него, приведете хоть один довод, которого он не в состоянии понять, то, видя, что вы в рассуждениях основываетесь не на его идеях, а на своих собственных, он будет считать все сказанное вами пригодным для вашего, а не его возраста: он перестанет вам верить – и тогда все погибло».
Актуальные мысли!
Вовсе не случайно я обратился к многогранной фигуре Руссо – просветителя и философа. Как известно, он был к тому же незаурядным композитором, автором первой французской комической оперы «Деревенский колдун», инструментальной музыки и романсов. Как педагог он выступал против всякого рода авторитаризма в школе, столь часто имеющего место в наших учебных заведениях снизу доверху, включая кафедру композиции Белорусской академии музыки. Там творчески одаренную молодежь нещадно насилуют безнадежно устаревшими методами обучения, досаждают жесткой, я бы сказал, диктаторской опекой. Если не разорвать порочный круг, у нас в стране не появятся национальные гении, равные Эдварду Григу (Норвегия), Яну Сибелиусу (Финляндия), Бела Бартоку (Венгрия), Леошу Яначеку (Чехия), и музыка белорусских композиторов не станет достоянием всего человечества.
(Беларуская думка. – 2003. – № 2)
ДЗІНАРА Ў ПЕЦЯРБУРГУ
Санкт-Пецярбург мае глыбокія і своеадметныя музычныя традыцыі, бо быў калісьці сталіцай Расійскай імперыі. Тут у канцы 50-х гадоў ХІХ ст. стварылася суполка кампазітараў, якая ўвайшла ў гісторыю пад назвай “Магутная кучка”. Пазней, у 1862 г. па ініцыятыве А.Рубінштэйна была заснавана Пецярбургская кансерваторыя, і першым яе выпускніком стаў П.Чайкоўскі. З 1871 г. клас практычнай кампазіцыі і аркестроўкі вёў І.Рымскі-Корсакаў. Суквецце імёнаў узбагацілася тут і за савецкі час. Кампазіцыю, напрыклад, вёў вучань М.Рымскага-Корсакава – М.Штэйнберг, у якога вучыўся Д.Шастаковіч, а той у сваю чаргу вучыў Б.Цішчанку – сёння народнага артыста Расіі, выдатнага кампазітара сучаснасці.
Зусім яшчэ маладая таленавітая лідчанка Дзінара Мазітава (імя гэта добра ведаюць чытачы “ЛіМа”) паступіла ў Пецярбургскую кансерваторыю ў клас кампазіцыі Барыса Цішчанкі. З погляду музычнага “сваяцтва”, пераемнасці Дзінара – “дачка” Цішчанкі, “унучка” Шастаковіча, “прапраўнучка” Рымскага-Корсакава, а той, як вядома, спасцігаў мудрасці кампазіцыі ў Балакірава, кіраўніка “Магутнай кучкі”.
Вось такая дзіўная генеалогія!
Я ўпэўнены ў тым, што творчасць ператварае свет. Музыка таленавітага мастака дорыць людзям эстэтычную асалоду, хвалюе, кранае іх. З музыкай Дзінары Мазітавай я адпачываю душой. Гэтая дзяўчынка пачала займацца кампазіцыяй у сямігадовым узросце – і вось ужо больш за 10 гадоў ідзе па выбранай дарозе. Яе творчасць не страціла свежасці, і яркасці, абуджае ўяўленне слухачоў, радуе іх і захапляе.
Дзінары ўжо 18, у Пецярбургскай кансерваторыі яна вучыцца на двух аддзяленнях: кампазітарскім і фартэпіянным. З поспехам здала першую сесію, прыехала на канікулы ў родны горад Ліду. Там мы і пагутарылі:
- Што скажаш пра свайго новага педагога па кампазіцыі?
- Барыс Іванавіч Цішчанка ставіцца да сваіх студэнтаў, як да родных дзяцей. У той жа час ён не “сюсюкаецца” з намі, як з маленькімі. Яго стаўленне да вучняў паважлівае і сур’ёзнае. З Барысам Іванавічам можна спрачацца, ён заўсёды гатоў выслухаць чужое меркаванне. Ён не прымушае перарабляць напісанае, хаця, канечне, дае зразумець, як мог бы прагучаць той ці іншы фрагмент у яго ўласнай інтэрпрэтацыі. Вельмі прыемна, што не вымушае пісаць “паводле заказу”. Трэба прытрымлівацца праграмы, але калі ты яе выканаў, то можаш займацца творчасцю і звыш вучэбнага плана. З Барысам Іванавічам надзвычай цікава, таму што ён – чалавек-легенда і часта расказвае пра свае сустрэчы з такімі карыфеямі, як Дзмітрый Шастаковіч і Галіна Уствольская.
Мой выкладчык фартэпіяна Алег Юр’евіч Молаў вядзе ўрок такім чынам, каб за невялікі адрэзак часу падаць ёмісты матэрыял. Часам дэманструе піяністычныя прыёмы ігры, напрыклад, у плане пастаноўкі рук. Зазвычай ён дае мне магчымасцть адвольна распараджацца рэпертуарам, а пры выкананні давярае майму музычнаму чуццю і дазваляе іграць так, як я адчуваю тую ці іншую інтанацыю. Молаў верыць у мяне. Гэта вельмі падбадзёрвае, ды часам бывае сорамна, бо я мала займаюся.
- Раскажы пра сваіх аднакурснікаў, хто яны і адкуль?
- На першым курсе нас, кампазітараў, восем чалавек – чатыры дзяўчыны, чатыры хлопцы. Не так даўнозалічылі яшчэ аднаго хлопца з Ірана. У сябе на радзіме ён праславіўся, быў зоркай, аднак вырашыў, што прафесійная руская музычная адукацыя яму не зашкодзіць. Тры студэнты мясцовыя, пецярбуржцы, астатнія з Бураціі, Алтайскага краю, Ноўгарада і я з Беларусі. Нашу групу, не лічачы Б.Цішчанкі, вучаць такія педагогі па кампазіцыі, як А.Мнацаканян, В.Успенскі.
- Дзінара, якія новыя творы з’явіліся ў цябе за гэты час?
- Летам я напісала дзве фартэпіянныя санаты, восенню, ужо ў Пецярбургу, – тры поліфанічныя мініяцюры для фартэпіяна, чатыры п’есы для фартэпіяна, восем прэлюдзій для альта з фартэпіяна, восем прэлюдзій для флейты з фартэпіяна. У студзені – пяць рамансаў для сапрана на словы Хафіза. Апошнія творы мне пакуль яшчэ падабаюцца! У Лідзе, на канікулах, я скончыла вакальны цыкл на вершы Генрыха Гейнэ.
- А выступаць табе даводзілася?
- Аднойчы выканала Прэлюдзію і фугу мі мінор з 1-га тома “Добра тэмпераванага клавіра” Баха і Такату Шумана. Гэта было на канцэрце, прымеркаваным да 40-годдзя Пецярбургскай кансерваторыі, у Зале імя Глазунова. Другі раз у той жа зале здавала залік па фартэпіяна. Як кампазітар прадстаўляла свае творы (рамансы і прэлідзыі) у зале кансерваторыі.
А вось наведваю канцэрты, на жаль, не так часта, як хацелася б. Была на выступленні пецярбургскага піяніста Рыгора Сакалова – вельмі прыемнае ўражанне як ад яго ігры, так і ад твораў, якія ён выконваў. Нечакана патрапіла на канцэрт Яўгена Кісіна. У яго цудоўная тэхніка, праўда, усё астатняе мяне не ўразіла. Была ў Марыінскім тэатры на “Пікавай даме”, у тэатры-студыі пры музычным вучылішчы імя Мусаргскага на “Кармэн”, былша на адкрыцці сезона ў Вялікай зале кансерваторыі, дзе Юры Цемірканаў дырыжыраваў Трэцяй сімфоніяй Малера. Запомніўся канцэрт вядомага кампазітара Андрэя Пятрова і аўтарскі вечар кампазітара Уладзіслава Успенскага. Можна прыпомніць яшчэ з дзесятак канцэртаў, дзе мне пашчасціла на сустрэчу з цудоўнай музыкай. З сябрамі мы часцяком шпацыруем па набярэжнай Мойкі, канала Грыбаедава. Уражваюць відарысы Ісакіеўскага і Нікольскага сабораў, а з вакна майго пакоя ў інтэрнаце можна падзівіцца на панараму Фінскага заліва.
- Ці ўспамінаеш ты пра Беларусь?
- Вельмі часта і з любоўю думаю пра Рэспубліканскі каледж пры Беларускай акадэміі музыкі, які за чатыры гады навучання там зрабіўся для мяне родным. Усё больш упэўніваюся, што нідзе няма такой адметнай сярэдняй музычнай адукацыі, як у Мінску. Бязмежна ўдзячная сваім педагогам: У.Кузьменку, Ю.Гільдзюку, А.Сікорскаму, І.Дзянісавай, В.Густавай. Памятаю ўсіх і жадаю ім ўсялякіх даброт. А ўвогуле, радзіма не забываецца, настальгічныя ўспаміны трывожаць душу.
(Лідская газета. – 2003. – 21 сакавіка)
РАЗВІТАННЕ З ЛЮБІМЫМ АКАРДЭОНАМ
Людзе Юрчук пятнаццаць гадоў. У гэтым годзе яна заканчвае Лідскую дзіцячую музычную школу. Кожнай вясною лепшыя вучні класа выкладчыка Тарэсы Ржан даюць у школьнай зале справаздачны канцэрт. Зараз выбар паў на выпускніцу Людмілу Юрчук.
Дзяўчынка пачала іграць на акардэоне ў пяць гадоў. Яна хацела быць падобнай да дзядулі, бацькі і цёткі, якія нярэдка бралі ў рукі сямейны інструмент. У доме ўсе заміралі, калі слухалі прыгожую музыку. Гукі пераліваліся, быццам перламутр на сонцы, зачароўвалі душу. Канешне ж, ёй хацелася пераймаць дарослых!
У сваім канцэрце Люда выканала творы І.С.Баха, Ф.Кулау, А.Дарэнскага, апрацоўкі ўкраінскіх і беларускіх народных песень. Другую частку вечара складалі яе ўласныя п’есы, якія адораная вучаніца бліскуча выканала ўжо на іншым інструменце – на фартэпіяна. Піяністычныя навыкі ёй дапамагла набыць Людміла Булыга, вопытны педагог школы.
Аднак, трэба сказаць некалькі слоў пра перадгісторыю гэтай падзеі. Аднойчы да мяне падышла Люда, каб прадэманстраваць свае першыя вопыты. Яны мне спадабаліся, і дзяўчынка сур’ёзна захапілася кампазіцыяй. Як пазней расказала яе маці, дачка ўсякі раз бегла на заняткі, быццам на свята, нягледзячы на дождж ці кепскае здароўе.
Вынік аказаўся ўражальным: “Летні дожд”, “Гульня дзяцей” – гэта жывыя, вясёлыя п’ескі. Лірычным пачуццём пранізаны “Цішыня”, “Восень”, “Сакура”. У забаўнай мініяцюры “Негрыцяня” прысутнічаюць джазавыя рытмы. Асабліва запомнілася п’еса “Лянівы кот”, напісаная ў складанай форме ронда, дзе мурлыканне трапна перамяжалася са шчабятаннем птушак, шолахам ціхай ночы і паляўнічай удачай соннага драпежніка, які злавіў-такі шпаркую мышку!
Музыцы Людмілы Юрчук уласцівыя меладычнасць і яскравая вобразнасць, а гэта адзнакі выдатнага таленту.
Люда ўжо вызначыла сваю будучыню і зараз рыхтуецца да ўступных экзаменаў у музычную вучэльню. Яна выбрала тэарэтычнае аддзяленне, каб потым паступіць на кампазітарскі факультэт Беларускай акадэміі музыкі.
Не буду хаваць, такая жыццёвая пазіцыя мяне радуе!
І ўсё ж такі Люда не здраджвае акардэону, інструменту свайго дзяцінства, які вызначыў яе музычны шлях. Развітанне з ім – гэта не драма, гэта ўсяго толькі лёгкі сум напярэдадні ад’езду ў Краіну Цудоўнай Музыкі.
(Культура. – 2003. – 5 ліпеня)
З АГІНСКІМ АМАЛЬ У СВАЯЦТВЕ
Я даўно ведаў, што польская кампазітар Лідзія Зяліньская – вялікі сябра беларускіх музыкантаў. Пад яче рэдакцыяй у Познані выйшла некалькі зборнікаў з твораў нашых кампазітараў, яна сапрыяла перадачы ў дар бібліятэцы Беларускай акадэміі музыкі нотаў сучасных аўтараў, неадноўчы ўдзельнічала ў арганізацыі творчых сустрэч дзеячаў польскай музычнай культуры ў Мінску і ў іншых гарадах Беларусі. Таму менавіта да яе, прафесара Познаньскай акадэміі музыкі, я звярнуўся з просьбай даць кансультацыю маёй вучаніцы, маладому кампазітару Вользе Андрушкевіч з Ліды. Пані Зяліньская згадзілася прыняць нас.
Нас чакала далёкая, цяжкая дарога ў пераднавагоднія дні. І вось мы нарэшце з вокнаў аўтамабіля ўбачылі польскія паселішчы, гарады, начную Варшаву… Апоўдні выехалі на шырокую камфартабельную аўстраду. Дабраліся да Познані. І як кантраст нашым дарожным пакутам адбылася радасная хатняя сустрэча з пані Лідзіяй: гарачая печка ў кватэры, кубачак кавы, змястоўная бяседа пра кампазітарскае жыццё-быццё, пра шляхі развіцця сучаснага музычнага мастацтва.
З выпадковай рэплікі мы даведаліся, што муж Лідзіі – нашчадак Міхала Клеафаса Агінскага. Тут я ператварыўся ў журналіста і вырашыў узяць інтэрв’ю ў пані Зялінскай.
- Пані прафесар, а ці не раскажаце пра свій творчы шлях?
- Я пачала займацца кампазіцыяй яшчэ ў школе, каля мне было 12-13 гадоў. Да гэтай пары захаваліся старыя сшыткі па музычным пісьме. Пад нотны стан я ўклейвала вершы, якія выразала з дзіцячага часопіса. І цяпер усе жартуюць, што гэта былі мае першыя спробы творчасці. Калі споўнілася 19 гадоў, паступіла ў клас кампазіцыі прафесара Андрэя Кардэўскага, вядомага аўтара твораў для хора. Я вельмі ўдзячна яму за парады і рэкамендацыі. Гэта была цудоўная школа. К таму часу я выйшла замуж. Потым радзілася дачка. Я працавала скрыпачкай у аркестры філармоніі ў Познані. І да заканчэння вучобы мусіла зрабіць выбар: дзіця, скрыпка ці кампазітарства. Скрыпку я тады схавала ў футляр, цяпер на ёй іграе мая дачка. А сям’я і кампазіцыя засталіся самай важнай справай майго жыцця.
- Якія з вашых твораў найбольш значныя для вас?
- Канечне ж, самы важны твор – той, які пішу цяпер і неўзабаве скончу. За апошнія 10 гадоў я стварала шмат электроннай і электраакустычнай музыкі. З самых важных твораў я магу вылучыць вялікую п’есу для скрыпкі з аркестрам, напісаную два гады таму, і “Касканда”, харавую драму на тэкст Беккета. Я напісала яе ў 1991-м. Яе запісалі добрыя выканаўцы. “Касканда” я люблю і лічу своеасаблівай вяхой.
- Ведаю пра вашы стасункі з беларускімі калегамі…
- Калісьці я ўдзельнічала ў Днях польска-беларускай культуры. Там пазнаёмілася з выдатнымі людзьмі. Душой кампаніі быў Яўген Паплаўскі. Завязаліся асабістыя кантакты, з абодвух бакоў знайшліся людзі, якія паладзілі ў справе, працягваюць знаёмства. Ідзе інтэнсіўны абмен запісамі, мы выдалі серыю твораў беларускіх кампазітараў: Яўгена Паплаўскага, Галіны Гарэлавай, Аляксандра Літвіноўскага. Мы, вядома, выдаём у першую чаргу польскую музыку і падручнікі, якія змогуць дапамагчы выкладчыкам удасканальваць адукацыю. Але, пры нагодзе друкуем таксама замежных аўтараў – тых, каго паважаем і цэнім.
- А наколькі плённая ваша педагагічная дзейнасць?
- Я некалькі гадоў вяду клас кампазіцыі ў Познаньскай музычнай акадэміі, і ўжо маю выпускнікоў. У многіх ёсць узнагароды, атрыманыя на конкурсах кампазіцыі, іх творы гучаць на досыць аўтарытэтных фестывалях, напрыклад. На “Варшаўскай восені”. Акрамя таго, я чытаю лекцыі, арганізую семінары. На канікулах вяду міжнародныя курсы, якія праводзяцца па чарзе ў Кракаве і Штутгарце. Большасць удзельнікаў – гэта палякі і маладыя кампазітары з Захаду. Зараз пачалі прыязджаць таксама прадстаўнікі Беларусі, Украіны, Расіі. Гэта вельмі цікавая справа.
- Наколькі я ведаю, у вас у Познані ладкуецца выканальніцкі конкурс імя Вяняўскага.
- Так, ён праводзіцца кожныя 5 гадоў і апошнім часам відазмяняецца, каб не згубіць прэстыж. Усе часцей тут можна пачуць музыку ХХ стагоддзя, як абавязковы нумар у праграму конкурсантаў уключаны п’есы для скрыпкі Вітальда Лютаслаўскага. Наогул, змены – у бок сучаснасці. Усё ж ХХ стагоддзе, што не кажы, – ужо мінулае стагоддзе.
- Вашы ўлюбёныя кампазітары ХІХ-ХХ стагоддзяў?
- У ХІХ стагоддзі – гэта, безумоўна, Брамс. У ХХ-м… Цяжка сказаць, усё мяняецца. Можна назваць Месіяна, Шэлсі, музыку спектралістаў, і найперш Грызе. Я ўжо не слухаю музыку, толькі дзеля задавальнення: мне бракуе на гэта часу. Таму ўсялякі твор я ўспрымаю як кампазітар, педагог і часта – як член журы.
- Дзе, на вашу думку, сёння знаходзіцца сусветны культурны цэнтр?
- Некалі, у пачатку ХХ стагоддзя, культурнай сталіцай быў Парыж. Цяпер, я мяркую, вялікія шанцы ёсць у Берліна. Калі казаць пра тэхнічную аснашчанасць, дык Парыж, бясспрэчна, лідзіруе ў электронных тэхналогіях, саступаючы толькі Японіі. Але сынс заключаецца не ў тэхніцы, не ў процьме апаратуры, а ў людзях. Цэнтр культуры, у тым ліку і музычны, там, дзе засяроджваецца найбольшая колькасць таленавітых асобаў. Наогул жа, цяпер цяжка правесці якія-небудзь дакладныя межы. Можна сказаць, што са з’яўленнем інтэрнета яскрава акрэсленыя цэнтры перасталі існаваць – усё мяняецца.
- Чым вы яшчэ цікавіцеся, акрамя музыкі?
- Я люблю навукова-папулярныя кнігі. Мяне цікавіць, як чалавек чуе: гэта не толькі анатомія ягонага вуха ці распаўсюджванне гукавых хваляў, але і апошнія адкрыцці нейрабіялогіі. Аказваецца, між органам слыху і мозгам існуе некалькі каналаў зносінаў: часам гукавы сігнал ідзе аналагавым спосабам, часам – лічбавымі. Гэта ўражвае: прырода і Богзабяспечылі чалавеку на выпадак парушэння слыху дадатковыя спосабыя спосабы атрымання інфармацыі. У здаровых жа людзей гэтыя сігналы праходзяць па многіх каналах. Але існуе механізм, які дазваляе ім дасягнуць мозгу ў адзін і той жа час. З гэтым звязана, напрыклад, з’ява “дэжа вю”… Яшчэ вельмі цікаўлюся культурай Далёкага Усходу, у прыватнасці, Японіі. Маё хобі – спазнаванне традыцыйнай японскай музыкі як з’явы духоўнай культуры.
- Скажыце, у якім сваяцтве ваш муж са славутым і вельмі любімым на Беларусі Міхалам Агінскім?
- Сваяцтва вядзецца па жаночай лініі. Ключавая фігура – Амелія Залуская, у дзявоцтве Агінская, прозвішча Залускіх працягваецца да маёй свекрыві, маці мужа.
- А муж адчувае сябе родзічам Агінскага?
- Так, у чымсьці гэта сямейная музычная традыцыя выяўляецца вельмі цікава. Муж іграе на віяланчэлі ў камерным аркестры Польскага радыё. У яго ёсць стары інструмент, на якім музіцыраваў яшчэ прадзядуля. Свекрыві цяпер 92 гады, яна была піяністкай, скончыла ў Вроцлаве, незадоўга да вайны, кансерваторыю, выступала з канцэртамі. У сям’і Залускіх часта нараджалі музыканты.
- Дзякуй вам за гутарку.
(ЛіМ. – 2003. – 11 ліпеня)
АЛЬБОМ ЮНОСТИ
В Лидском Доме культуры состоялась презентация первого музыкального альбома Виктора Чистякова и его рок-группы “New Doois”. Альбом носит символическое название “Жизнь”.
Виктору 16 лет. Он автор музыки и слов песен, в которых попытался раскрыть внутренний мир современного молодого человека. Его красивый голос буквально очаровал публику юношеской непосредственностью, радостным и светлым восприятием мира.
Виктор Чистяков в этом году поступил в музыкальное училище по классу гитары. Это дает ему возможность улучшить технику игры на любимом инструменте, совершенствоваться в сольном пении и в композиции.
(Гродненская правда. – 2003. – 10 августа)
ГРОДЗЕНСКАЯ “АКВАРЭЛЬ”
Новы харавы калектыў на сцэне – заўсёды свята. Сімвалічна, што “Акварэль” азвалася на поўны голас увесну, калі квітнеюць сады і прырода радуе вока пяшчотнымі, празрыстымі, насамрэч акварэльнымі фарбамі.
Ствараюць хор акадэмічнага кшталту ў цяперашніх умовах – справа нялёгкая. Яна вымагае ад арганізатара-кіраўніка вялікіх высілкаў або, проста кажучы, самаахвярнасці. На такую справу адважылася Марына Петухова. Ёй удалося сабраць разам таленавітых людзей з усяго горада, розных узростаў і прафесій, падобных сваёй любоўю да мастацтва, жаданнем дарыць слухачам прыгажосць. Малады калектыў пачаў працаваць пры Гродзенскім абласным метадычным цэнтры народнай творчасці.
Гродна здавён славіцца сваімі харавымі традыцыямі. Тут пасля вайны доўгі час працавала Дзяржаўная харавая капэла, якая потым атрымала імя свайго стваральніка, Рыгора Шырмы. У нашы дні добра вядомыя такія калектывы, як “Гародня” пад кіраўніцтвам Ганны Стрыхі, “Дойлідства” на чале з Надзеяй Бульцэвіч і Уладзімірам Лябецкім. Мае шырокае прызнанне Камерны хор Гродзенскай гарадской капэлы, якім нязменна кіруе Ларыса Іконнікава. Ёсць акадэмічныя хоры і ў розных навучальных установах: педагагічным каледжы, музычным вучылішчы, каледжы мастацтваў, агульнаадукацыйных школах з музычным ухілам. Словам, падмурак традыцыйны – трывалы. Аднак, трэба расці. І, нягледзячы на аб’ектыўныя цяжкасці, удзельнікі “Акварэлі” апантаныя жаданнем узняцца да вышыняў мастэрства.
Канцэрт хору ў Новым замку парадаваў публіку яркім, запамінальным выкананнем твораў розных эпох і стыляў. У жанры духоўнай музыкі асабліва пранікнённа прагучалі хоры П.Часнакова. Хораша ўспрымаліся беларускія народныя песні “Янка-полька” ды “Лявоніха” ў апрацоўцы А.Атрашкевіч разам з маляўнічым абразком “Гаварыла поле шырокае” ў апрацоўцы Л.Захлеўнага. (Прытым, дырыжору ўдалося данесці да публікі манеру і характар беларускіх народных спеваў, а масціты творца Л.Захлеўны і яго маладзейшая калега А.Атрашкевіч, кожны па-свойму, раскрыліся як арыгінальныя інтэрпрэтатары народнай музыкі).
Вялікія выканальніцкія магчымасці даюць харыстам арыгінальныя і складаныя творы рускіх аўтараў. Ці часта мы чуем са сцэны харавую музыку на словы А.Вазнясенскага? Гэта адбылося дзякуючы выкананню хору “В одном вагоне – четыре гармонии”, напісанага піцерскім кампазітарам Б.Краўчанкам, аўтарам некалькіх опер і араторый. Уразіў і Канцэрт для хору “Рускае вяселле” маскоўскага кампазітара А.Кісялёва, прысвечаны яго настаўніку і сябру, выдатнаму беларускаму харавому дырыжору В.Роўду, першаму выканаўцу Канцэрта. Малады калектыў цудоўна ўвасобіў гэтае складанае і маштабнае музычнае палатно, у аснове якога тэксты народных песень, паказаўшы высокую культуру харавога ансамбля.
Адзначу адпаведны досвед і майстэрства хормайстра “Акварэлі” – М.Петуховай. Яна выдатна чуе партытуру цалкам, так і ў дэталях. Адчувае музычны стыль. Планамерна будуе музычную форму твора, умее дамагчыся ад спевакоў увасаблення яе задумы.
Тым часам народнапесенную стыхію змяніла духоўная музыка Моцарта. Кантраст – відавочны: следам за 17-мі нумараміа капэла ў праграме прагучаў матэт В.А.Моцарта “Misericordias Domini” ў суправаджэнні фартэпіяна (акампанавала хору Ларыса Маркулава). Журботныя інтанацыі нібы нагадалі слухачам пра тое, што чалавецтва атрымала шанц на ўратаванне цаной крыжовай ахвяры Ісуса Хрыста…
Пасля канцэрта хацелася пажадаць дэбютантам не спыняцца на дасягнутым, а іх мастацкаму кіраўніку – часцей уключаць у рэпертуар творы кампазітараў Гродзеншчыны. Удасканальванне і бесперапыннае абнаўленне не дадуць “Акварэлі” паблякнуць, страціць свій першасны веснавы каларыт.
(ЛіМ. – 2003.– 15 жніўня)
ПЕСНІ ВЕЧНАСЦІ
Калі слухаеш Лідскі народны ансамбль яўрэйскай музыкі “Шалом” пад кіраўніцтвам Міхаіла Дзвілянскага, міжволі перад вачыма паўстае старажытны Іерусалім – калыска трох рэлігій, крыніца глыбокіх пачуццяў і перажыванняў, сімвал Вечнасці. Спевы вяртаюць нашу памяць да ўзвышаных псалмаў Давіда.
Жыццё калектыву напоўнена яскравымі падзеямі. Вось і нядаўна ў Доме культуры Бярозаўкі адбылася прэзентацыя твора са шкла заслужанага дзеяча імастацтваў Беларусі Уладзіміра Сямёнавіча Мурахвера “Скрыпач на даху” паводле карціны Марка Шагала, прысвечанага яго памяці. І далікатная, вытанчаная музыка “Шалом” аздобіла гэты вечар.
Ансамбль выступаў таксама на “Славянскім базары ў Віцебску” ў час “Дзён Ізраліля ў Беларусі”. Там адбылася сімвалічная перадача эцюда ў шкле “Скрыпач на даху” музею імя Марка Шагала.
Вось як распавядае Міхаіл Дзвілянскі аб сваіх уражаннях аб фэсце: “У канцэртах дзён прымалі ўдзел у асноўным былыя грамадзяне Беларусі і краін СНД. Гэткія сустрэчы пастаянна ладзіць Таварыства дружбы “Ізраіль-Беларусь”. Дзякуючы яго падтрымцы “Шалом” гасцяваў у Ізраілі тры гады таму. Там нас цёпла прымалі. Можна адзначыць заўсёдную вялікую цікавасць ізраільцян да падзей у нашай краіне, дўа яе культурнага жыцця”.
Міхаіл Якаўлевіч распавёў і пра змены ў “Шаломе”: “У ансамблі, акрамя дарослых, пачалі спяваць і дзеці. У іх рэпертуары песні на рускай, беларускай, польскай і яўрэйскай мовах, малітвы на іўрыце. Адшукваюцца новыя яскравыя творы як для юных удзельнікаў “Шалома”, так і для асноўнага складу. Калектыў заняты падрыхтоўкай праекта “Яўрэйскія малітвы, песні і танцы”. Быў выдадзены нотны зборнік яўрэйскіх малітваў, на чарзе наступны – “Песні яўрэйскіх святаў”. Ансамбль запрашае кампазітараў Беларусі прыняць удзел у стварэнні свайго новага рэпетуару!”.
(Культура. – 2003. – 23 жніўня)
“НАДАЦЬ ФАЛЬКЛОРУ СВЕЖУЮ АФАРБОЎКУ…”
Канстанцін Яськоў – студэнт трэцяга курса кампазітарскага аддзялення Беларускай дзяржаўнай акадэміі музыкі. Скончыў Гродзенскую музычную вучэльню па класе фартэпіяна ў Бруна Тэрмёна, паралельна ў мяне займаўся сачыненнем музыкі. Пісаў не толькі фартэпіянныя п’есы, але і цыклы рамансаў, Трыпціх для флейты і віяланчэлі “Замак Стэфанан Баторыя”, Струнны квартэт, прычым апошнія два творы былі выкананы артыстамі Гродзенскай гарадской капэлы. Ці ж гэта не першае прызнанне? Таму, хаця і сумна развітвацца з вучнямі, адчуваеш гонар, калі яны паступаюць у ВНУ і плённа авалодваюць творчай прафесіяй. Захацелася пазнаёміць чытачоў з маладым кампазітарам, дзеля чаго й падаю сціплую гутарку з ім.
- Канстанцін, вашы бацькі – музыканты, абодва працуюць у Сапоцкінскай дзіцячай музычнай школе. Ніна Вікенцьеўна выкладае гітару і домру. Яўген Васільевіч – баян і акарэон, да таго ж ён і дырэктар школы. Таму можна сказаць, што вы і прадоўжылі сямейныя традыцыі, і парушылі іх, абраўшы не народныя інструменты, а фартэпіяна і, пазней, кампазіцыю.
- Спачатку я думаў звязаць сваё жыццё з медыцынай. У дзяцінстве ставіўся да музыкі неяк нейтральна, без асаблівага захаплення. Тым не менш, акуратна наведваў музычную школу, імкнуўся добрасумленна выконваць заданні. І ў рэшт усвядоміў, што маё прызванне – менавіта музыка.
- Зараз вы займаецеся ў класе Віктара Войціка. Улічваючы, што ён таксама нарадзіўся ў Гродне, у свій час скончыў нашу вучэльню, можна сказаць, што вы цалкам у палоне гродзенскай кампазітарскай школы. Відаць, вам не прыйшлося мяняць арыенціры, каб знайсці агульную мову з новым педагогам?
- З Віктарам Антонавічам у мяне вельмі добрыя адносіны, у нас агульныя эстэтычныя погляды. Ён падтрымлівае маю цікавасць да беларускай народнай музыкі, імкненне надаваць фальклорным інтанацыях і рытмам свежую, арыгінальную афарбоўку, садзейнічае таму, каб мае сачыненні былі годна выкананы, дае карысныя парады і рэкамендацыі ў працэсе іх вывучэння.
- Я праслухоўваў творы, напісаныя вамі на другім курсе. Яны вызначаюцца непасрэднасцю выказвання пачуццяў і думак, характэрнай для народнай музыкі. На мой погляд, найбольш удалымі атрымаліся Варыяцыі для кларнета, віяланчэлі, фартэпіяна і ўдарных інструментаў. У іх адчуваецца шырокі эпічны подых, ёсць эпізоды, блізкія да сузіральнага пантэізму Рымскага-Корсакава і стравінскага. Гэта ўсё таксама ідзе ад народнага светаўспрымання?
- Не зусім з вамі згодны, хаця ў чымсьці вы маеце рацыю. Недарэмна тыя Варыяцыі я назваў “Быліна”.
- Усё ж такі цені мінулага і галасы гісторыі лунаюць над вамі. Гэта адчуваецца нават у Чатырох мужчынскіх хорах на народныя тэксты.
- Не буду спрачацца: збоку бачна лепей.
- Наколькі я памятаю, першапачатковым пунктам адліку ў вашай творчасці быў Бартак з яго бліскучым нацыянальным каларытам.
- Бэла Бартак па-ранейшаму застаецца ў цэнтры маёй увагі. Яго цыкл “Мікракосмас” стаўся літаральна маёй настольнай кнігай. Акрамя таго, рупліва вывучаю музыку Сяргея пракоф’ева, Дзмітрыя Шастаковіча, Густава Малера – агульнапрызнаных майстроў сімфанізму.
- А гэта неяк звязана з тым, што, акрамя кампазіцыі, вы займаецеся таксама дырыжыраваннем?
- Для кампазітара ўсё ўзаемазвязана. Акрамя непасрэднага выканання твораў, у класе вядомага майстра Мікалая Сяргеевіча Калядкі мы дэталёва знаёмімся з партытурамі. Гэта вельмі важна, бо, на жаль, сёння многія задавальняюцца павярхоўнымі ведамі.
- А ці могуць гэтыя заняткі прывесці да таго. Што вы станеце прафесійным дырыжорам?
- Дзеля гэтага трэба яшчэ скончыць факультэт оперна-сімфанічнага дырыжыравання. Таму не будзем загадваць – час пакажа.
- Фармаванне вашай творчай індывідуальнасці адбываецца, пэўна, і пад уздзеяннем кніг па эстэтыцы, філасофіі.
- Так, я чытаў “Захад Езропы” Освальда Шпенглера, “Размовы з Гётэ” Іагана Пэтэра Экермана., “Гістарычныя лісты” Пятраркі, кнігі Фрыдрыха Ніцшэ, альберта Швейцэра, Томаса Мана. Знаёмства з імі дапамагло мне ўсвядоміць сваё месца ў культуры, грамадстве, цывілізацыі. Упэўнены, што сёння, у ХХІ стагоддзі, трэба ствараць мастацтва, сучаснае паводле формы і мовы. Адначасова яно павінна быць жывым і зрузумелым для слухачоў, утрымліваць у сабе агульначалавечыя каштоўнасці.
- А як жа тады з беларускім фальклорам?
- Па-мойму, супрацьлегласці тут няма. Хіба ў народнай творчасці не прысутнічаюць агульначалавечыя каштоўнасці? Няхай не наўпрост, няхай ускосна, аднак народ заўсёды выказваў у легендах і казках, у песнях і танцах самае важнае для любога этнасу. Беларускі фальклор яшчэ не раскрыў сваёй першаснай сутнасці і бясконцага выяўленчага патэнцыялу. Таму нам, малдым кампазітарам, неабходна знайсці новыя ідэі і сродкі для іх увасаблення. Трэба прыкласці максімум намаганняў. Каб беларускую музыку ведалі ў свеце, каб яна гучала на прэстыжных сцэнах не эпізадычна, а пастаянна – і стала заўважнай з’явай у сусветнай культуры.
(Культура. – 2003. – 6 верасня)
ВАЛЬСЫ «ДЮЙМОВОЧКИ»
Ксения Сидорович 12 лет. Она учится в 6-м классе по фортепиано в Лидской детской школе искусств, где изучает также основы композиции. Совсем недавно Ксения выступила перед слушателями с программой из собственных произведений.
Ксения сыграла несколько фортепианных циклов, среди которых сюиты “Незнайка и его друзья”, “Китайские пейжази”, “Времена года”, “Родной край”, пьесы из “Детского альбома” – всего 34 миниатюры образного содержания.
Как пианистка Ксения проявила завидное мужество, поскольку сумела донести до аудитории характер каждой пьесы очень обудительно.
Удивителен полет фантазии юной сочинительницы! Кажется, что нет такой области, к которой она бы ни прикасалась. Это мир природы (“Утро”, “Осень”), животных (“Белка щелкает орешки”, “Пчелиный рой”), мир сказок с портретными зарисовками героев (“Незнайка”, “Стекляшкин”, “Знайка”, “Винтик и Шпунтик”, “Доктор Пилюлькин”, “Музыкант Гусля”, “Художник Тюбик”, “поэт Цветик”). По мотивам сказки Андерсена написан “Вальс Дюймовочки”, древнегреческая мифология вдохновила Ксению на создание “Царства мрачного Аида”. Не остались в стороне и любимые книги – по роману “Сыновья Большой Медведицы” Лизелотты Вельскопф-Генрих написана “Дочь вождя”.
Словом, круг интересов девочки обширен.
Особенный интерес публики вызвала сюита “Времена года”. Она состоит из четырех токкат. Каждая из них имеет название: “Весна пришла”, “Птичий переполох”, “На охоте” и наконец, “Зимняя стужа”. Ксения Сидорович сумела в виртуозных этюдообразных пьесах передать богатую гамму эмоций.
Искра вдохновения присутствовала в пьесах “Конница”, “Мальчик со свирелью”, “Вечернее чаяпитие”, “Мой родной край” и ряде других произведений.
Надеюсь, Ксения Сидорович не затеряется среди многих моих учеников и станет вровень с Динарой Мазитовой, своей знаменитой землячкой. Однако дело не в этом. Главное – писать хорошую музыку и дарить людям радость.
(Гродненская правда. 2003. – 13 ноября)
ДОН КИХОТЫ НАШИХ ДНЕЙ
Виталий Родионов, председатель Ассоциации композиторов Гродненщины.
Блажен тот, кому небо посылает кусок хлеба, за который он никого не обязан благодарить, кроме самого неба!
Дон Кихот
…Мало ли что может быть: ведь не всегда же нам попадаются замки, где за нами ухаживают; случается заезжать и на постоялые дворы, где нас колотят.
Санчо Панса
На камнях Отечества
Жители города Гродно, подходя к центральному рынку, нисколько не удивляются, когда слышат надсадный крик: «Помогите!». Все знают: никого не грабят и не насилуют. Истошно вопит инвалид-колясочник, собирающий милостыню. Догадливые родственники вывозят его, как на работу, в самое людное место и дают возможность помочь семейству за счет сердобольности граждан.
Чуть дальше стоит баянист, не без блеска играющий то полонез Огинского, то вальс Штрауса. Присматриваюсь.
Боже мой! Да это Николай Колешко, которому я некогда преподавал азы композиции. Он успешно закончил композиторское отделение Белорусской академии музыки, вступил в творческий союз, написал немало интересных сочинений. В Гродненской области их всего двое, членов Союза композиторов Беларуси: Колешко и Андрей Бондаренко, кого злые языки величают поп-звезда, поскольку он служит священником Борисоглебской (Коложской) церкви.
- Николай Васильевич, почему ты побираешься? Почему бросил вторую семью на родине, в Брестской области? Неужто отовсюду гонят в шею?
Коля достает откуда-то из-за пазухи грязные и обгрызенные листы с нотными знаками, с отчаянием потрясает ими перед моим носом:
- Вот что проклятые крысы сотворили с моими произведениями в этом занюханном городке!
- А дети? Жена?
Он с раздражением отмахивается:
- Не пропадут…
Я перевожу взгляд на инвалида, который в очередной раз пронзительно закричал: «Помогите!».
- И тебе нравится такое соседство?
Коля злобно скалится:
- А вы-то, Виталий Константинович, кто такой? Вы, если хотите знать, – благообразный, но бездарный Цезарь Кюи. А я Мусоргский! Понимаете? Мусоргский!
Подхватив баян, он с гордым видом уходит. Похоже, сегодня на бутылку и закуску новоявленный «Модест Петрович» уже заработал.
Грустное, невыносимое зрелище… Когда-то музыку этого ныне жалкого человека исполняли лучшие коллективы Минска, записывали на радио. Перед ним открывались радужные перспективы.
У музыкантов есть специфическое выражение: «Играть на камнях». Это означает: вести жизнь уличного музыканта где-нибудь на брусчатке Дрездена или Кельна. Немцы не скупятся на подаяние, так что даже заслуженные люди не брезгуют во время летнего отпуска «лабать на камнях». За месяц выходит две-три тысячи.
А несчастный пьяненький Николай Колешко сидит на «камнях Отечества», поскольку не может оформить загранпаспорт и купить мало-мальски приличный баян.
Птица в клетке
А вот еще одна богато одаренная натура – Вероника Швец из Лиды.
Начну с недавнего прошлого.
Уже более десяти лет я каждую неделю езжу в Лиду, чтобы давать уроки композиции учащимся музыкальной школы и училища. Эти поездки невероятно утомительны, и те 40-50 тысяч, которые мне платят, едва ли покрывают расходы на дорогу.
Однажды ко мне подошла Вероника Швец, преподаватель сельской музыкальной школы, и выразила желание заняться композицией. Я с радостью согласился давать ей уроки.
Прошли годы кропотливого труда. Вероника написала множество интересных пьес мелкой и крупной формы. Ее профессионализм уже не вызывал сомнения.
Как-то я попросил одного пианиста с аспирантским образованием исполнить для коллекции республиканского радио «Детский альбом» Вероники. Он долго тянул время и в последний момент взмолился, что не сумеет сыграть это произведение. Через два дня студийная запись. Катастрофа! Мне пришлось сказать Веронике Васильевне: «Вам нужно самой сесть за рояль, иначе все сорвется». Она решилась. К моему изумлению, эта простая учительница великолепно справилась с трудной задачей!
Во время ее выступления я размышлял: «Ведь это же талант огромного масштаба! Далеко не каждый способен написать и одновременно сыграть нечто подобное. А ведь многие звания приобрели, теплые места позанимали. Куда более одаренный человек изо дня в день бредет через лес и поле к деревенским детям, чтобы приобщать их к красоте! Есть ли на свете справедливость!».
Позже по моему совету она перешла работать в Лидское музыкальное училище. Наши занятия композицией продолжались… За семь лет Вероника Швец создала свыше десяти инструментальных циклов, шесть сонат, Концерт для фортепиано и симфонического оркестра, целый ряд романсов духовного содержания.
Не часто доводилось ей слышать свою музыку на концертной сцене. Трудно отыскать исполнителей-подвижников, кто пожертвовал бы свободным временем для показа широкой аудитории неизвестного автора. Да и почти невозможно пробиться «в люди», не имея композиторского диплома, поскольку не очень-то жалуют новичков. К тому же Вероника не обладает пробивным характером, ей совестно «двигать в массы» собственные сочинения, где столько личного, сокровенного. Она бьется, словно птица в клетке, желая выпорхнуть на волю.
В творческой лаборатории
Я с немалым трудом уговорил Веронику Васильевну рассказать о своих художественных поисках и находках.
- Что такое творчество и как вы его представляете?
- Трудно сказать. Вероятно, одно из многочисленных таинств, дарованных нам свыше. В моей душе, как и у каждого человека, созревает ряд вопросов, касающихся жизни и смерти, общества и личности. Ответить на них простыми или мудреными словами я не в силах. Что важнее в музыке: форма или содержание? Или давайте повернем проблему так: искусство ради искусства, столь значимое для элиты общества, или же масскультура? Это слишком глобальные для меня вопросы. Я здесь не знаток и не эксперт. То, что пишу, – ответ на мои сомнения и размышления, и лично для меня настолько убедительный, что нет нужды исполнять мои пьесы перед слушателями. Творчество для меня – способ самовыражения, и это слишком интимный процесс, чтобы результаты его демонстрировать перед публикой.
К моему сожалению, я имею консерваторское образование только по фортепиано. Годовой курс обучения композиции в классе профессора Белорусской академии музыки Дмитрия Смольского и разовые консультации у московских композиторов Кирилла Волкова и Татьяны Чудовой – для меня маловато. Поэтому стараюсь изучить современную технику письма самостоятельно. Меня несколько беспокоит моя неспособность к абстрактному мышлению. Правда, успокаивают слова А.Шенберга: «Музыка будущего не обязательно будет последовательно атональной, додекафонной. В отдельных случаях она будет возвращаться к тональности».
Еще один момент из моих внутренних противоречий. Очень часто в процессе поиска форм и структур музыкальной речи идет браковка ранее отобранного и достигнутого. После долгих раздумий ты наконец-таки находишь нужные выразительные средства для воплощения своего замысла, затем ищешь, перечеркиваешь, набрасываешь новую схему, которая интересна тебе как теоретику и новатору. Ты выстраиваешь сложные комбинации и соотношения, чтобы достичь желаемой художественной цельности. Казалось бы, все обоснованно, интересно, устраивает глаз. А проходит неделька-другая, и написанное не радует душу, воспринимается как нечто чужое, инородное. Где я ошиблась? Как улучшить пьесу? Каким способом выйти из тупика? Никто не в состоянии помочь. Только я сама должна сделать выбор, а это зачастую не по силам. И одолевают сомнения: правильно ли я использовала тот или иной прием? Может быть, мой мучительный поиск никому не нужен? Хорошо сказал Павел Флоренский: «Макать в чернильницу палец вместо пера вовсе не служит признаком ни индивидуальной самобытности, ни особого вдохновения, если бы таким способом были написаны некие стихи».
Еще одна проблема. Искусство предполагает создание некоей новой художественной ценности, или новизны как таковой. А я не ощущаю себя в достаточной мере новатором.
- Как вы относитесь к сочинениям других авторов?
- Может ли художник оперировать следующим аргументом: «Я так чувствую?» Если судить по многочисленным примерам из практики – то нет. Эмоции часто подводят нас, и при обращении к духовным ценностям их следовало бы отбросить. Однако без субъективности в искусстве не обойтись. Вспоминается эпизод из жизни Врубеля, когда совет Третьяковской галереи решил не покупать его «Демона». Серов, живописец весьма оригинальный и ни в коем случае не академист, прямо и честно заявил, что «не понимает анатомии Демона». Врубель снял кальку с фигуры Демона, и она оказалась совершенно точной, без искажений. Серов спросил: «Почему же этого нет на полотне?» И получил ответ: «Я так не чувствую». Два больших художника, близкие по мироощущению, не поняли друг друга! Что уж говорить о несведущей публике, не знающей тонкостей и секретов профессии?
В иконописи есть такое понятие: обратная перспектива. В отличие от обычного художественного полотна, не мы «входим» в икону, а она – в нас. Обратная перспектива выталкивает наш взор из своего пространства, не дает зрителю возможности до конца понять изображенное. Тогда уместно допустить, что расхожая мысль, будто человек создает произведение искусства, сомнительна. Обладающее созидательной энергией, оно само создает художника, оно его лепит, делает чище, лучше, получая на это благословение господа Бога.
- Как вы относитесь к абстрактной музыке?
- Я высоко ценю произведения современных композиторов, работающих в стиле модерн, если за всеми их экспериментами не теряется мысль. Музыка интеллектуалов зачастую очень интересна в прочтении, но не всегда «слышна» и доступна. Впрочем, это моя субъективная оценка.
- Какие из своих композиций вы считаете наиболее значимыми? Какие задачи ставили перед собой?
- В Сонате № 1 я попыталась выразить свое понимание личности художника и посвятила ее Михаилу Врубелю. У этого мастера на полотнах преобладали фиолетовые и черные колориты, цвета скорби. Его живопись по структуре гармонична и создает целую симфонию красок. Его Демон – это символ гордого человеческого духа, но слабого и беспомощного что-либо изменить в обществе. Серафим – олицетворение высшего прозрения художника-пророка, чей смысл жизни заключен в вечном стремлении познать истину, которая постоянно ускользает.
Концерт для фортепиано с оркестром «Жизнь после смерти» посвящен картинам Ван Гога последнего французского периода. Основная идея произведения – земная и небесная жизнь души художника. Вот перед нашим взором предстают города, где он жил: холод и неприятие Парижа, солнечный Арль, лечебница для душевнобольных в Сен-Реми и спокойный Обер. Трагическая смерть одним ударом останавливает биение сердца, и душа уносится в небеса. Затем наступает посмертное признание гениальных полотен, в которых навеки запечатлена творческая энергия рано умершего живописца. Здесь важнее всего идея бессмертия, ибо земное бытие лишь краткий отрезок большого пути.
Альбом для юношества «Пушкинские строки» – дань уважения великому русскому поэту, всегда молодому и всегда новому. Его стихотворные строки доля меня – это музыка, понятная и одновременно глубокая. Все его произведения, от сказок до трагедий, искренни и возвышенны. Каждая из пьес альбома была вдохновлена отдельными словами Пушкина, их внутренней связью. «Дай Бог, чтобы по всей Вселенной / Воскресли мир и тишина». Или: «Я каждый день, восстав от сна, / Благодарю сердечно Бога». А ведь сколько их, таких емких и самодостаточных строк!
Соната № 4 «На пути к истине» возникла как осмысление существующей во Вселенной иерархии созидательных и разрушительных сил. Драма человека состоит в том, что он выбрал неверный путь и последовал за падшим ангелом, который живет ложью, скрывая свое бессилие. Но благодаря рождению Сына Божьего в мир является нечто абсолютное, и богочеловеческое начало в конце концов побеждает демонические силы.
Вариации «Сказания о Пресвятой Богородице» создавалось по хронологическому принципу: детство, отрочество, юность, материнство Пресвятой девы и, наконец, последние дни ее земной жизни. Все полотно окутано дымкой печали: Мария предчувствует свою страдальческую судьбу, скорбь проникает в ее сердце. Мне хотелось также передать трепетное материнское чувство – то, что роднит всех женщин.
- Где и когда исполнялись ваши произведения?
- На республиканском радио мною записаны два «Детских альбома». В эфире звучали шесть фортепианных пьес «Молитвы» в исполнении лауреата международных конкурсов Алексея Петрова. Позднее Сонату № 3 и Сюиту по балладам Адама Мицкевича сыграл в камерном зале Белгосфилармонии Борис Бергер. «Знаки Зодиака» по картинам Чюрленича неоднократно включал в свои концертные программы Олег Кример. Вокальная музыка представлялась на фестивале «Магутны Божа» лидским ансамблем духовной песни «Анастасия».
Должен сказать, что перечисленное выше – это малая часть созданного Вероникой Швец за последние годы! Мне понятна некоторая растерянность женщины- композитора, ибо ее музыка не имеет выхода к широкому кругу слушателей. Естественно разочарование автора. Ее произведения теряются в серых буднях, не находят поддержки и доброго слова. Она, как и многие представительницы прекрасного пола, чувствует некую подсознательную робость при виде глыбы мрамора, из которой предстоит изваять роденовское совершенство. Все это вместе и создает специфический комплекс неудовлетворенности, неверия в свои силы.
Шлем Мамбрина
Теперь давайте взглянем на судьбу того, кто приобщает молодых людей к искусству.
Здесь без самоиронии не обойтись. Да и без фроммовского самоанализа, где «Сверх-Я», Р-Я«, «И-Я», то есть подсознание, реальное и идеальное «Я», прыгают, словно воробьи на ветке. Как их поймать? Чем заманить? Кроме того, кто захочет беспристрастно всматриваться в себя?
Не проще ли нам заглянуть в обычную комнату смеха? Там, в царстве кривых зеркал, наш герой приобретает разные обличья: то станет толстым и коротким, то худым и длинным. Иной раз в шарже больше жизненной правды, чем на фотографии. Этим приемом частенько пользовались Сервантес и Свифт. Кода Дон Кихот простодушно превозносил себя до небес, он невольно разоблачал свое мнимое величие. Здесь возникают прямые аналогии.
И так…
Последний мой герой незнатен родом и мог бы причислить себя к идальго – самому низшему дворянскому сословию Испании. Он провел детство в захолустном городке, столь же безнадежно провинциальном, как то село в Ла-Манче, где жил рыцарь Печального Образа.
Прочитав в детстве всего Белинского, книги Чернышевского и Писарева, он проникся идеей просвещения народа. Эта немодная ныне идея стала для него чем-то вроде шлема Мамбрина, предохраняющего от ранений. Конечно же, здравомыслящие и практичные люди посмеивались над чудаком, поскольку видели в странном головном уборе не что иное, как обычный медный таз для бритья, который носил безумный Дон Кихот.
Находя в творчестве высший смысл человеческой жизни, наш герой поддерживал каждого начинающего стихотворца, живописца и сочинителя музыки. Словом, всемерно воодушевлял, а главное – не позволял унынию одерживать верх, ибо в каждом существе ему виделся художник-творец. В ответ звучали слова благодарности – увы, не всегда искренние.
Желая приобщить людей к культуре, он взялся вести филармонические концерты. За 20 лет написал свыше 150 статей о музыке, которые с завидным упорством печатал во всевозможных изданиях. Точно с теми же благородными намерениями приобщал к композиции детей в районных центрах и деревнях. Некоторые из его учеников многие годы пользовались радушием и безотказностью своего наставника. Ему думалось так: пусть я потеряю собственную творческую карьеру, но воспитаю плеяду более молодых и перспективных композиторов. Не беда, что они очень скоро забудут своего учителя, будут посматривать на него сверху вниз: пусть, мол, копошится себе в провинции и дальше, мы же в столице станем профессионалами, диктаторами моды, истинными корифеями!
Его не обижает снисходительный, иной раз даже пренебрежительный тон окрепших и вкусивших славы учеников. Его дух несгибаем! Он не изменит идее! И всегда, когда встречает одаренное дитя, самозабвенно борется за его талант. Никакие преграды его не страшат, как и Дон Кихот, который видел цель своей жизни в защите «обиженных и утесненных».
Еще одним качеством он схож со странствующим рыцарем – он верен идеальному образу Прекрасной дамы. Конечно, приходится иметь отношения с реальными женщинами, но он видит в обожаемой им черты единственной и неповторимой. До Кихот едва ли лицезрел свою Дульсинею Тобосскую на самом деле. И все равно его идеал не разрушился!
Так и этот идальго, имеющий довольно смутное представление о женщинах, издал книгу «В цветущих садах любви», где в трехстах пятидесяти высказываниях выразил свое понимание сущности прекрасного пола. И не остановился на этом! За последние пять лет он написал еще 18 тысяч афоризмов о любви, которые надеется опубликовать в ближайшее время! И сколько ему ни указывают прожженные селадоны, что воображаемое им разительно расходится в реальностью, он твердо стоит на своем: в каждой женщине есть росток истинной женственности! Надо лишь уметь увидеть его и взлелеять! И сколько бы новоявленный Санчо Панса не убеждал своего господина, что светозарная Дульсинея – это всего-навсего проворная селянка, умеющая лучше других солить свинину, для истинного рыцаря она принцесса, повелительница, самая красивая и благородная женщина на свете.
Словом, он – фантазер, который свято верит: посеянные им семена культуры взойдут, окрепнут и заколосятся! Он горячо надеется: его воспитанники непременно создадут шедевры, способные прославить нашу Беларусь в мире искусства. Он посылает людям благую весть о любви, что раскроет им глаза на прекраснейшее из наших чувств.
Нет, он не испытывает растерянности от величия своих задач, невзирая на малую вероятность их осуществления в обозримом будущем. Он не станет полагаться на капризную судьбу или щедроты властей предержащих. И уж, конечно, заполошный крик «Помогите!» вы никогда не услышите из его уст.
Пусть его миссия утопична, чревата немыслимыми трудностями, подвигами, которые никто не оценит. Но вы же помните гениальный роман Сервантеса: рыцарь Печального Образа никогда не сдавался. Более того, он и не умер в конце романа. Он жив до сих пор, потому что рыцарский дух бессмертен.
(Беларуская думка. – 2003. – № 11)
КОМПОЗИТОРУ – СЕМНАДЦАТЬ ЛЕТ
Учитель передает ученику знания, закладывает в нем фундамент будущей профессии.
Однако всякий ли преподаватель знает, каков внутренний мир его воспитанника, что происходит в юной душе? Увы, зачастую наставник не считает нужным разгадать своего поджопечного и нередко “читает мораль” за те или иные не понятные для взрослого поступки.
Не лучше ли вступить в откровенный разговор?
Сергей Осоприлко, учащийся первого курса теоретического отделения Гродненского музучилища, который уже четыре года сочиняет музыку. Он буквально одержим музыкальным творчеством, несмотря на то, что вырос в семье художников.
Его отец, Сергей Трофимович Осоприлко, некоторое время был председателем Гродненского областного отделения Союза художников РБ. Его полотна выставлялись в Германии, Франции, Испании. Мать, Жанна Константиновна, тоже занимается живописью.
- Почему ты не пошел по их стопам?
- В школе на уроках рисования от нас требовали умения натуралистически изображать предметы, не давали проявить фантазии, осуждали абстракционизм. Меня это расхолаживало.
- Куда ты полюбил музыку?
- Еще до школы. В пять лет меня отдали в музыкальную школу по классу скрипки. Моим первым учителем была Наталья Николаевна Баранова, а начальные знания в области теории музыки преподал Аркадий Борисович Пескин. Я очень признателен этим двум педагогам.
- Когда ты стал сочинять музыку?
- Первые робкие попытки относятся к 12-летнему возрасту, регулярные занятия начались с 13-ти лет.
- Что на сегодняшний день числится в твоем творческом багаже?
- Соната для скрипки соло, пять скрипичных дуэтов, струнное трио, квинтет по мотивам рассказа Владимира Набокова, “облако, озеро, башня”, несколько циклов фортепиянных пьес, возникших в результате изучения произведений Белы Бартока и Фодиана Щедрина.
- Каковы отличительные черты твоей музыки?
- Это созерцание, меланхолия, лирика, иногда – пародийность и сарказм. Например, в сонате для скрипки я передал настроение отдельных картин Марка Шагала, которые были близки моему видению мира.
- Очень любопытно! Нельзя ли подробнее об этом?
- Во второй части я использовал бытовые интонации, близкие к джазу. С их помощью передал атмосферу гротеска, свойственную, как я полагаю, картине “Портрет брата Давида с мандолиной”. Первую часть квинтета характеризуют скорбные раздумья русского эмигранта в Берлине. Мои чувства будто сливались с переживаниями героя набоковского рассказа.
- Чем, кроме музыки, ты увлекаешься?
- Литературой, причем в большинстве случаев – книгами античных авторов. Гораций, Платон, Плутарх и Лукиан особенно мне дороги.
- А из современных писателей?
- Любимые – это Андрей Платонов, Иосиф Бродский, Фридрих Дюрренматт, тот же Владимир Набоков.
- Платонов – художник весьма неординарный. Его вторческая манера понятна балеко не всем.
- Да, его реализм особый – гиперреализм, сверохреализм. В повестях Платонова наряду с хлестким сарказмом присутствуют хрупкая лирика и какой-то почти документальный историзм. Забавен язык писателя в тех местах, где научные термины соседствуют с высокой поэзией. Люблю читать его фантастические повести, где он серьезно излагает такие утопические проекты, которые уже в его время выглядели смешно. Например, в рассказе “Лунная бомба” он описывает полет на Луну в снаряде, выстреленном из гигантской пушки. Этот скажет задолго до Платонова использовал Жюль Верн.
- Каковы твои творческие планы?
- Хочется сочинять произведения на основе простых, универсальных мелодических формул, попытаться излагать свои мысли ясно и кратко.
(Гродненская правда. – 2003. – 27 снежня)
2004 год
РОМАНТИК ЗА КОМПЬЮТЕРОМ
Музыка на рубеже столетий постепенно перерождается. Наряду с классическими инструментами, известными Моцарту и Бетховену, появляются новые, в том числе и электронные. Новации не могут не затрагивать и сферу композиции. Появляется реальная возможность, используя компьютерные разработки, модернизировать процесс сочинения музыки, а также, что очень важно, самостоятельно игрить ее, не привлекая к делу дорогостоящие и весьма перегруженные оркестровые коллективы. Эта относительная простота выхода прямо на слушателя, минуя исполнителей, вдохновляет автора. Ведь многих композиторов просто угнетает мысль о том, что их произведение не будет востребовано, так и останется нотными значками на пожелтевшей линованной бумаге!
Гродненский журналист Анатолий Качан шел к электронной музыке своими путями. Мне довелось недавно познакомиться с записями анатолия, представленными на областной конкурс композиторов. Признаюсь, они произвели на меня большое впечатление своим возвышенно-романтическим настроением. Вот почему я решил взять у него интервью, чтобы он сам подробно рассказл о своем необычном вхождении в мир музыкального творчества.
- Когда и где у Вас произошла встреча с музыкой?
- Когда родился, тогда, наверно, и произошла. Мама Ульяна – из семьи музыкантов-народников. Ее отец, брат и сестра, она сама были душой городка. На старой фотографии в руках отца – гамонь. Он посвящал маме стихи – трогательные, яркие. Чем, видимо, и покорил ее сердце.
Вечерами в нашем домике звучала радиола, мандолина, но однажды появилась и шестиструнная балалайка. Запомнились счастливые вечера, когда учился играть на ней. Повзрослев, приобрел концертную балалаечку. Лирические наигрыши, народные мелодии живут и сегодня в сердце, как цветы в раю. Играл в школьном оркестре. Участвовал в художественной самодеятельности, выступая на сценах домов культуры. Людям нравилось, а я мечтал освоить технику известных балалаечников Андреева и Рожко.
Был в моей жизни любопытный эпизод: пригласили в оркестр электромузыкальных инструментов при Берестовицком РДК играть на гитаре. Аккомпонировать аккордами дело несложное. Но мне нравилось солировать. Задумал, дабы вписаться в оркестр, сделать балалайку с электромагнитными звукоснимателями. И помог в этом гродненский товариш, специалист-электронщик. Он нашел в журнале описание потрясающей гитары на трех звукоснимателях, изобретенной радиоинженерами по спецзаказу зарубежной рок-группы. Схему ее мы и положили в основу электронной балалайки.
К сожалению, инструмент не дожил до наших дней: увлекшись новой, куда более фантастической идеей, разобрал на запчасти.
- Интересно, что же можно было придумать лучше электронной балалайки?
- Захотелось научить ее петь голосами известных артистов, имитировать любые инструменты, воссоздавать звуки природы. Балалайка выглядела бы обычной, немного дорабатывался только гриф. Главное устройство находилось в отдельном блоке – аналоге магнитофона, но в нем 75 воспроизводящих головок (количество ладов – 25 умножаем на количество струн – 3). В лентопротяжных механизмах устанавливались замкнутые в маленькие кольца магнитные ленты. Чтобы извлечь, скажем, звук “до”, – нужно коснуться соответствующего лада на грифе: включится воспроизводящая головка, проигрывающая с колечка звук “до”. Хочешь аккорд – звучит аккорд. Правая рука струн не касалась бы, а работала с клавишей ритма, меняющей частоты, вплоть до нежного тремоло.
Глвное – запись звука для колечек: профессиональные исполнители напевают граммы или воспроизводят их на инструментах с записью на магнитофон. Магнитная лента с желанными звуками разрезалась бы, склеивалась колечками и помещалась в специальную кассету, присоединяемую к воспроизводящим головкам. Чем больше кассет с различными записями, тем шире палитра инструмента. Но пока их сделаешь – состаришься.
Кстати, сегодня эта идея реализовалась бы иначе: звук записывался бы не на магнитные колечки, а микросхемы, какие мы находим, например, в музыкальных открытках. Этот принцип уже используется, как известно, в органах “Yamaha” и т.п. Но гораздо глубже реализован в компьютерных программах. Эта технология создавалась в передовых странах умами тысяч талантливых людей, в нее инвестированы большие деньги. И так случилось, что многие годы моя профессиональная деятельность была связана с компьютером (в частности, с версткой и дизайном областной газеты). Однажды, когда заболел, месяцами не поднимаясь с постели, в моих руках оказался компакт-диск с удивительным советом на обложке: “Напиши сам музыку”. Предлагались «Cakewalk Audio Pro», «SonicFoundry ACID Pro» и десяток других программ для создания музыки. К сожалению, они требовали быстродействующего, дорогого ПК и немалых усилий в обучении премудростям профессионального управления звуками. Поэтому отложил этот диск до лучших времен, а начал развлекаться легкими популярными редакторами «Dance machine», «Techno, Dance Ejay», позволяющих, как ни странно, создавать интересную музыку различных стилей и направлений.
Меня совершенно не занимало, что из этого получится: игра – есть игра. Но я ощутил целительную силу звуков! Чем с большим увлечением писал, тем быстрее уходили от меня подавленное настроение, отчаяние, слабости. Незаметно для себя совершенно иначе стал слушать музыку и вспоминал все, ранее известное мне о ней, возрождая в своих композициях. Неважно, что служило опорой: народная музыка, эстрадная или классическая, ибо в равной мере они хороши, если оживляют душу.
- Компьютер позволяет использовать практически любые инструменты, сводить их вместе, аккомпанировать, солировать и участвовать в симфонических произведениях. Мало того, что вы придумываете музыку, вы ее, подучившись, виртуозно и безукоризненно исполните, не нанимая музыкантов. О чем еще можно мечтать?
- Можно! Порой в голове невесть откуда берутся мелодии – и в снах, и наяву. Тихонько разгораются, растут до тысяч инструментов и голосов. И я начинаю импровизировать, и все это меня слушается…Господи, если бы в моей голове была розетка, и я мог это чудо записать на магнитофон! Ноты здесь бессильны. Но хуже всего другое: волшебная музыка уходит навсегда, оставляя лишь воспоминание о недолгом, неземном счастье. И когда я работал с компьютером, понимал: это маленький шаг навстречу себе, крохи возможного. Не знаю, вырасту ли я еще, или уже поздно, ведь мне 55.
Я вообще не рассуждаю о музыке, хотя знаком с немалой частью мирового наследия. Не причисляю себя к композиторам, поскольку пользуюсь технологией, далекой от академических традиций.
- В чем заключается процесс сочинения музыки на компьютере?
- В поиске выразительных средств часами и днями прослушиваешь и ощущаешь десятки тысяч звуковых атомов и молекул (сэмплов и лупов), содержащихся в специальных библиотеках и на отдельных компакт-дисках. Вначале все кажется безнадежным. Но вот нанизываешь звуки, переплетаешь их, развязываешь, опять ищешь выразительную комбинацию, пока не появится искорка темы. Это происходит неожиданно: является энергетическое ядро. Я никогда не встречал шаровой молнии. Говорят, она вот так и появляется ниоткуда, гипнотизируя наблюдателя. Молнию трогать нельзя, а этот мелодичный мерцающий призрак надо быстрее поймать, удерживая лишь духовными силами. Такое ощущение, что музыка сама меня находит. А процесс звуковой режиссуры и редактирования, как правило, несколько вариантов пьесы – лишь после того, когда поймешь намеки Всевышнего. Кстати, очень снисходительного Судьи… Трудно вразумительно объяснить, как пишется музыка: мистика! И кажется, что каждый новый музыкальный этюд – последний в жизни. Сколько раз случалось: сидишь перед экраном почти сутки – и все в корзину.
Почему не пишу песен? Да, это наиболее удобный путь к сцене, известности. Тем не менее, это не мой путь. По большому счету, музыке слова не обязательны: она, как и живопись, – сама по себе и значительнее слов. Природа не случайно красива, она – бессловесная – источник вдохновения, а не наоборот. К музыке же небезразличны даже растения.
Порой лучше не открывать рта, надо держать раскрытыми глаза и уши… Представьте: вечернее небо, лесное озеро, летящие над волнами стрекозы, пучеглазых лягушек, заросли камышей, плеск воды от рыбьего хвоста, голоса русалок, лесных духов… Звуки в глубине, слева, справа, прямо перед лицом. И в эти минуты что-то происходит с душой, рожденной природой в незапамятные времена… У меня это видение вылилось в музыкальный рисунок «Вечное озеро».
В композиции «Вызывание дождя» захотелось воссоздать атмосферу мистического обряда… Губы, земля растрескались от жажды. Огненную пыль вихрями носит ветер. Колодцы пусты. Небо безжалостно. Народ идет к жрецам и Богу с мольбой о дожде, вторит древним заклинаниям… Ничего не происходит… И вдруг издалека доносятся раскаты грома. Вот уже грянуло совсем рядом и радостные крики смешались с музыкой грозы!..
Это, как кино. Раньше оно было без звука, а у меня со звуком, но без изображения. Закройте глаза – и все увидите. Я записал 90-минутную кассету, на которой поместились 23 таких «аудио-ролика».
Хотелось бы, чтобы мои бесхитростные, жизнерадостные, будто детские рисунки, композиции помогли кому-то, как и мне, подняться над бессилием и отчаянием, а не запутывали и без того взлохмаченные клубки чужих судеб.
(Аркуш. – 2004. – 10 марта)
КОНЦЕРТ МУЗЫКАЛЬНЫХ ОТКРЫТИЙ
Новой программой порадовали любителей музыки артисты Гродненской городской капеллы. На концерте в городском Доме культуры можно было услышать редко звучащие произведения. Например, впервые в Гродно, да и в Беларуси, исполнялся фортепианный квинтет Андрея Волконского – одного из представителей знатного княжеского рода, проживающего последние 30 лет в Париже. Эта премьера оказалась двойной, так как партию рояля сыграла московская пианистка, дипломант международного конкурса имени Шопена Марина Белашук. Замечательная пианистка родилась и училась в Гродно. Сейчас она преподает в Российской академии музыки им.Генсиных. Тем не менее, она не забывает родные места, никогда не отказывается выступить перед земляками. Автор квинтета занимался по фортепиано и композиции в Московской консерватории у Ю.А.Шапорина, затем неожиданно оставил его класс. Нельзя не заметить общности стиля учителя и его воспитанника: это крупный мазок, широкое дыхание, мощные кульминации и эпический размах, свойственные опере «Декабристы», а также веселость и задор комической оперы «Укрощение строптивой». Оригинальность же произведения Андрея Волконского состоит в том, что он русскую народную песню соединил с придворным классицизмом, в результате чего получилось своеобразное «Необарокко». Публика восторженно приняла это необычное сочинение.
Ирина Гриц и Марина Белашук познакомили нас с Сонатой для виолончели и фортепиано Клода Деюсси, всегда изящного и пленительного. Надо заметить, что эти черты в полной мере удалось передать их слаженному дуэту.
Прозвучало еще одно очень интересное произведение – фортепианный квартет № 3 Иоганнеса Брамса. В данном жанре их написано не так много – два у Моцарта и один у Шуберта, так что этот опус уникален. Играть музыку Брамса трудно из-за ее внешней сдрежанности, хотя в ней пылает огонь чувств. Каждая часть квартета передает особое настроение: тревогу сменяет драматизм, задушевную лирику – лирико-драматическая патетика.
Творения Брамса предназначены для интеллектуально развитой публики. Обывателям они не всегда понятны. Не вызовут у них восторга глубокие по эмоциональному содержанию песни для голоса, альта и фортепиано немецкого классика, в которых преобладают созерцание природы и раздумья о смысле жизни. Две из них, «Умиротворенную тоску» на стихи Фридриха Рюккерта и «Духовную колыбельную» на стихи Лопе де Вега, спела Елена Болтрукевич, обладающая красивым и сильным меццо-сопрано.
Заслуживает всяческой похвалы репертуарная политика капеллы и ее художественного руководителя Алексея Бормотова. Если на концерт приходит сотня-другая поклонников классической музыки, то это означает, что ручеек культуры в нашем городе еще не обмелел.
Остается поблагодарить участников концерта – Татьяну Сухоцкую, Сергея Аврукевича, Олега Телепнева, Ирину Гриц, Елену Болтрукевич, гостью из Москвы Марину Белашук и музыковеда Людмилу Можейко, сумевшую просто и доходчиво рассказать аудитории о творчестве представленных слушателям композиторов.
(Гродненская правда. – 2004. – 16 марта)
ПЕСНИ ОСТРОВЕЦКОГО КРАЯ
Чистый, светлый, звончатый тенор заполняет зал:
Астравеччына – край
дарагі,
Бераг радасці мой
і тугі.
Это поет Александр Якименко.
В каждом городе есть свій кумир. В Островце им является Александр – музыкант, композитор, автор более 50 песен. Он закончил Лидское музыкальное училище и Белорусский государственный университет культуры, теперь руководит вокальной студией “Музыкальная лестница” городского Дома культуры.
Авторский вечер Александра Якименко показал, что его творчество многранно. Оркестр народных инструментов детской музыкальной школы под руководством Н.П.Шарейко сыграл целый ряд пьес: «Увертюру», «Островецкий вальс», «Элегию», «Озорной наигрыш», «Остров счастья». В джазовой композиции для гитары солировал Александр Абрамович.
Песни Якименко различны по стилю и жанру: лирические. Шутливые, эстрадные, народные, серьезные по содержанию и откровенно шлягерные. Словом, автор затрагивает проблемы жизни во всей ее полноте. Этот вывод можно сделать, перечислив названия песен: «Адысея з Беларусі», «Чорны замак Альшанскі», «Дом друга», «Ради Христа», «Разлюбить тебя не в силах», «Красавица-девчонка», «Прости-прощай». Они мелодичны и свежи. Их с воодушевлением спел сам Александр, человек артистический, чувствующий себя на сцене легко и уверенно.
Украшением вечера были молодые певицы: Алина Шостак, Вероника Комар, Светлана Кутько с такими песнями, как «Девочка-мотылек», «Чудеса», «Любовь-ловушка», «Уезжаю от тебя».
Детский квартет тронул непосредственностью и задором. В его исполнении прозвучали «Васильки» и «Солнечный праздник».
Завершился вечер песней «Мірнае неба», которую совместно спели участники концерта.
Презентация творчества Александра Якименко прошла с успехом. Его музыка трогает сердце. Слушателям удалось по-новому взглянуть на высокие понятия Любви, Счастья, Верности. Они искренне благодарили композитора, чьи произведения впервые так широко и содержательно были представлены в Островце.
Уверен, что мы еще не раз услышим его имя и чудесный голос. Наша земля богата талантами, но необходимо поддерживать одаренных людей, ценить их редкостный дар. Тогда они сторицей воздадут за проявленное к ним внимание.
(Аркуш. – 2004. – 17 марта)
СУСТРЭЧА З РАМАНСАМ
Гродзенцы ведаюць цудоўны голас выкладчыцы Гродзенскага педагагічнага каледжа, заслужанага работніка культуры Рэспублікі Беларусь Галіны Качалавай. Многія атрымлівалі асалоду ад яе выдатных спеваў. Яе ўнёсак у прапаганду класічнага мастацтва цяжка пераацаніць.
Таму і выклікаў такую цікавасць вечар рускага раманса з яе ўдзелам, што адбыўся ў зале абласнога метадычнага цэнтра народнай творчасці. Як вядома, тэрмін “раманс” узнік у Іспаніі, але для многіх, у тым ліку і беларусаў, асабліва любімым стаў раманс рускі.
Галіна Качалава спявала разам з лаўрэатам гарадскіх і абласных фестываляў-конкурсаў Наталляй Парфілавай. Іх добра пастаўленыя галасы – мецца-сапрана і лірычнае сапрана зліліся ў злажаны гарманічны дуэт. Акампаніравала на фартэпіяна Ірына Грахоўская.
Не часта мы, гродзенцы, маем магчымасць пачуць жаночыя галасы такой гнуткасці, такога натхнённага юнацкага парыву і з такім незвычайна тонкім адлюстраваннем узнёслых эмоцый. Такія ж рэдкія выпадкі, калі на сцэну выходзяць вакалісты – сапраўдныя майстры, здольныя чыста інтаніраваць, і чыя дыкцыя бездакорная. Менавіта такімі якасцямі ў поўнай меры валодаюць Галіна Мікалаеўна і Наталля Уладзіміраўна. Яны выканалі рамансы Глінкі, Даргамыжскага, Чайкоўскага, Танеева.
Наўрад ці можна знайсці людзей, каго не кранулі б глінкаўскія “Жаворонок”, “Не искушай меня без нужды”, “Сомнение”. Спявачкам удалося данесці да аўдыторыі элегічны смутак гэтых шэдэўраў, аўтар якіх, таксама як і Пушкін, зведаў нямала душэўных пакут.
А Пётр Ільіч Чайкоўскі? І ён не выключэнне. Яго рамансы – энцыклапедыя чалавечай душы. Гэты кампазітар таксама незвычайна лірычны. Слухаючы яго “Рассвет” ці, да прыкладу, дуэт Таццяны і Вольгі з оперы “Яўгеній анегін”, я бачу перад сабой ціхамірную прыгажосць Левітанаўскіх пейзажаў.
Яшчэ адзін карыфей рускага раманса Аляксандр Сяргеевіч Даргамыжскі быў прадстаўлены на канцэрце вакальнай перлінай “Минувших дней очарование” і дзвюма песнямі – гуллівай “Девицы-красавицы” і жартаўлівай “Ванька-Танька”.
Адчувальным кантрастам да класічнага раманса аказаўся раманс бытавы. Высокі стыль саступіў месца простым, шырока распаўсюджаным мелодыям, якія, аднак, блізкія сэрцу кожнага. Кожны раз, калі ў памяці ўсплывае былое, яно становіцца бясконца дарагім. З захапленнем публіка прыняла цудоўныя рамансы “Калитка” і “Осенняя роса”.
Зала ў адказ выказвала свае пачуцці самымі шчырымі апладысментамі…
Канцэрт быў прысвечаны 4-ай гадавіне з дня заснавання клуба творчай інтэлігенцыі “Грані”. Шмат цудоўных сустрэч з паэтамі, пісьменнікамі, кампазітарамі, мастакамі арганізавалі за гэты час прэзідэнт клуба Марк коп і віцэ-прэзідэнт Тэрэза Белавусава.
На гэты раз разам з Галінай Качалавай, Наталляй Парфілавай, Ірынай Грахоўскай і музыказнаўцам Таццянай Перасадзька яны ператварылі глядзельную залу ў астравок мрояў і ўспамінаў.
Часцей бы сустракацца з такімі людзьмі, па-сапраўднаму адданымі мастацтву!
(Культура. – 2004. – 17 красавіка)
ПАМЯЦІ СВЯТЫХ
Вераніка Швец не толькі выкладае ў Лідскім музычным вучылішчы, але і піша музыку. Асабліва кранаюць яе духоўныя творы: у іх шмат душэйшага святла і цяпла, яны не могуць не хваляваць публіку.
Нядаўна адбыліся два канцэрты, падчас якіх можна было пазнаёміцца з яе творамі. У Лідскай музычнай школе прайшоў справаздачны канцэрт класа выкладчыцы Алены Рамановіч. І пасля таго, як вучні розных узростаў сыгралі Баха, Бетховена, Шуберта, Чайкоўскага, Пуленка, Гліэра, Кабалеўскага і іншых кампазітараў, на сцэну выйшла сама Алена Вячаславаўна. Каб паказаць узровень уласнага майстэрства, яна абрала Санату № 6 для двух фартэпіяна В.Швец, прысвечаную прападобнаму Сергію Раданежскаму. За другім раялем сядзела сама аўтарка, і дуэт аказаўся на рэдкасць гарманічным.
Саната яўяляе сабой разгорнутую карціну жыцця і падзвіжніцтва праваслаўнага святара. Дзевяць яе раздзелаў павінны гучаць без перапынку, аднак арганізатары канцэрта палічылі патрэбным да кожнага з іх даваць слоўны каментарый. У выніку навучэнцы пачулі яркі аповед пра дзеянні Сергія і цудоўную музыку – чыстую, светлую, адухоўленую, прасякнутую каларытам рускай даўніны. На прысутных нібыта пралілося нябеснае святло.
Снату № 3 В.Швец “Памяці ўсіх святых Старадаўняй Русі” я пачуў у зале Гродзенскага вучылішча мастацтваў, дзе адбыўся заключны этап Рэспубліканскага агляду-конкурсу метадычных і творчых прац выкладчыкаў пачатковых і сярэдніх навучальных устаноў культуры і мастацтва. Сярод выступоўцаў ад Лідскага музвучылішча была і Вераніка Швец, якая выконвала сваю санату. У творы чуўся святочны перазвон, дабрадатны спеў, трапяткая, усхваляваная малітва.
У творчым багажы Веранікі, акрамя 6-ці санат, – Канцэрт для фартэпіяна з аркестрам, больш за дзесятак фартэпіянных цэклаў. Іх уключалі ў свае праграмы вядомыя беларускія піяністы Алег Крымер, Барыс Бергер, Аляксей Пятроў, якія, да таго ж, зрабілі запмсы яе твораў на радыё. Вакальная духоўная музыка В.Швец на вершы рускіх і беларускіх паэтаў выпушчана на кампатк-дыску.
(Культура. – 2004. – 22 мая)
ПРЕМЬЕРА В ГРОДНО
Гродненская капелла вновь порадовала любителей музыки премьерой. Пианист из Минска, лауреат международных конкурсов Иван Степанцов и камерный оркестр под руководством Владимира Бормотова исполнили фортепианный концерт Алины Безенсон.
Алина Безенсон родилась в волковыске. В 1990 году окончила Гродненское музыкальное училище, где занималась композицией у Андрея Васильевича Бондаренко. В 1995 году завершила учебу в Белорусской академии музыки по классу композиции у профессора Андрея Юрьевича Мдивани, затем училась в магистратуре. С 1996 года член Союза композиторов РБ и Международной ассоциации современной музыки.
Творчество Алины Безенсон охватывает различные жанры: камерная опера «Земля обетования» на библейский сюжет, «Stabat Mater», две мессы, кантата «Laudamus Te Domine», оратория «страцім-лебедзь» на слова Максима Богдановича, контата «Пара веснавая» на слова Нила Гилевича, поэма «Спакусы» на слова Т.Мушинской, две симфонические поэмы, концерт «Просветление» для фортепиано с оркестром, обработки белорусских народных мелодий, вокальные циклы, духовные гимны, песни.
Произведения Алины Безенсон часто звучат не только в Республике Беларусь, но и за рубежом.
Черты стиля
Музыкальный стиль произведений молодого композитора определяется рельефностью мелодий и интенсивным развитием тематизма, красочной палитрой тембров и гармоний, доступностью для широкого круга слушателей. Концепция ее сочинений – религиозно-философская, главная идея – борьба со злом, стремление к добру и свету через веру в Бога.
Вместе с тем демократизм музыки Алины Безенсон не исключает использование новейших выразительных средств и смелых экспериментов. В силу этого профессионалы, поклонники элитарного искусства, и простые любители музыки с равным интересом следят за тем, как развертывается драматургия ее кантат, симфоний и концертов.
Публику притягивает также противопоставление двух сфер, духовной и эмоциональной. Взор автора обращен в Небесную чистоту и при этом ее эмоциям свойственна экспрессивность, динамизм, драматический (если не трагедийный) накал чувств. Все это увлекает и будоражит мысль, заставляет искать выход из противоречий бытия, чьим отражением является музыка Алины Безенсон.
Концерт «Просветление»
Это большое лирико-драматическое полотно. В нем разворачиваются борьба между силами добра и зла. Его эмоциональное содержание простирается от безмятежного покоя до драматизма, который в отдельных местах граничит с фатальной безысходностью. В каждой части Концерта звучит мелодия-катарсис в сопровождении колокольного звона. Она очищает и согревает нашу душу подобно молитве. Пока мы не разучились пребывать в таком просветленном состоянии, есть смысл жить.
Первая часть Концерта – лирико-драматическая, вторая – элегическая, третья – радостная. Тем не менее, в каждую из них врывается дьявольский вихрь отрицания и разрушения, но он бессилен перед мольбой, обращенной к Богу.
Концерт богат оркестровыми красками. Пленительно-нежные и воинственно-разрушительные тембры сменяют друг друга, как цветные стеклышки в детском калейдоскопе. Им сопутствуют благозвучные и резкие, диссонансные гармонии. Рельефные, простые мелодии сильно трансформируются, после чего они приобретают другое качество.
Во всем присутствует раздвоенность, везде мы видим поляризацию сил, повсюду наличествует художественный дуализм. Эта двойственность коснулась в том числе и личности Алины Безенсон. Она родилась 7 июля, под знаком созерцательного Рака, тогда как ее музыка, включая фортепианный концерт «Просветление», насыщена энергией Солнца, Марса, Плутона. Большей динамичности трудно себе представить!
Преодолевает ли Алина Безенсон в своих последующих произведениях Вселенскую конфликтность? Утвердятся ли в ее богатом внутреннем мире Гармония и Красота?
Время покажет.
(Аркуш. – 2004. – 26 мая)
ОРКЕСТР СЫГРАЛ НА БИС
Это был праздник музыки, мастерства и вдохновения, с аплодисментами, возгласами «браво» и «бис».
В зале Гродненской областной филармонии с отчетным концертом выступил оркестр русских народных инструментов Лидского музыкального училища – признанный коллектив, лауреат республиканских смотров-конкурсов хоровых и оркестровых коллективов, республиканских фестивалей «Студенческая весна», «Беларусь – моя песня». Оркестр, которому ныне исполнилось 30 лет, носит звание «народный». Все это время его художественным руководителем и дирижером является Александр Потапейко.
Александр Потапейко – хорошо известный в республике музыкант. Его учителями по дирижированию в консерватории были заслуженный деятель искусств Иосиф Абрамис и заслуженный артист Российской Федерации и Беларуси Виталий Катаев. Серьезная кшола дала замечательные плоды.
Из произведений белорусских авторов выделялась «Юмореска» Евгения Глебова. Дирижер интерпретировал ее по-новому, свежо, как блестящую виртуозную пьесу. Русские композиторы были представлены оркестровыми фантазиями Веры Городовской, Александра Цыганкова, Александра Бакалейникова, Павла Куликова.
А сколько нежного, затаенного чувства в обработке народной песни «Липа вековая» Куликова! Там, где оркестр играет пианиссимо (то есть очень тихо), кажется, что кровь застывает в жилах перед образом любимой женщины, но когда звучность усиливается и доходит до предельной громкости, то словно сама Русь предстает перед мысленным взором в своей величавой красоте.
Напротив, пьесы «Русская мозаика» и «Тустеп» Цыганкова – это совершенно противоположная сфера эмоций, где царствуют зажигательный танец, безудержная радость, веселье. Дирижер превосходно передает национальный колорит разных народов, оркестр раскрывает перед нами необычное богатство тембров, красок, гармонии, ритмов, виртуозных пассажей. Поразительная роскошь музыки покоряет воображение.
Нельзя пройти мимо импульсивного испанского «Болеро» Мацекапо и трагедийно-меланхолической пьесы Родиона Щедрина «В подражание Альбенису». Как правило, именно в контрастных номерах Потапейко добивается редкостной выразительности. Его дирижерская манера строга и требовательна, ощущение стиля тонко и безупречно. Большой талант этого скромного человека, думаю, будет и впредь приносить огромное наслаждение любителям музыки.
Не менее восторженно публика принимала Михаила Булыгу, который обладает приятным лирико-драматическим тенором и профессионально владеет голосом. Это неудивительно, ибо он закончил Ленинградскую консерваторию. Булыга 12 лет пел в оперных театрах Новосибирска, Ташкента, Самарканда. Теперь живет и работает в Лиде. Он всегда поет увлеченно, с полной отдачей сил.
Вальс «В городском саду» Блантера и романс «Бубенцы» Бакалейникова в его исполнении вызвали восторг публики. Две итальянские песни, а именно «Мне не забыть тебя» Куртиса и «Влюбленный солдат» Канио, вновь были встречены с энтузиазмом. Жаль, что у нас так редко звучит бельканто («прекрасное пение» в переводе с итальянского). Кто хотя бы раз слышал Михаила Булыгу, не забудет его артистический темперамент.
И, наконец, следует упомянуть третье действующее лицо – оркестр. Удивительно, что учащиеся музучилища играют, как зрелые музыканты. Рука об руку с ними находятся педагоги. Надо назвать солистов оркестра: Александра Огарка, Ромуальда Стефановича, Дениса Мацука, Александра Варанища, Анатолия Чимирко. Молодежь и взрослые на глазах у зрителей создают образцы подлинного искусства. Им бы гастролировать и гастролировать по области и республике, чтобы народ слушал их и приобщался к красоте!
На бис оркестр сыграл несколько номеров, пока финальная «Цыганочка» не закрутила в вихре танца восхищение и благодарность слушателей, очарованных мастерством лидских артистов.
(Гродненская правда. – 2004. – 5 июня)
ГРОДНЕНСКАЯ КАПЕЛЛА – НА СТОЛИЧНОЙ СЦЕНЕ
С успехом выступила на сцене большого зала Белорусской государственной академии музыки Гродненская городская капелла. В концерте приняли участие лауреат международных конкурсов камерный хор под управлением заслуженного деятеля культуры Ларисы Иконниковой и камерный оркестр, чьим художественным руководителем и дирижером является Владимир Бормотов. Артисты капеллы исполняли произведения молодого белорусского композитора Алины Безенсон.
Алина родилась в Волковыске. В 1990 году закончила Гродненское музыкальное училище, где занималась композицией у лауреата Государственной премии РБ Андрея Бондаренко. В 1995 году она закончила Белорусскую государственную академию музыки, а в 1997 – магистратуру по классу композиции у профессора, лауреата Государственной премии РБ Андрея Мдивани. Алина Безенсон – член Союза композиторов, а также член ассоциации современной музыки. Стиль ее произведений определяется тем, что это элитная и одновременно доступная для широкого круга слушателей музыка. Главная ее идея – борьба со злом и стремление к добру и свету через веру в спасителя.
Программа авторского вечера Алины Безенсон была разнообразной. Звучал вокальный цикл «Все от Бога» на стихи А.Легостаевой, исполненный лауреатом международных конкурсов Ольгой Сотниковой. Затем был представлен концерт для фортепиано с симфоническим оркестром «Просветление», сыгранный лауреатом международных конкурсов Иваном Степанцовым. Ярко и убедительно аккомпанировал ему оркестр капеллы.
Второе отделение открыла Поэма для баритона и хора под названием «Спакуса» (стихи Т.Мушинской). В ансамбле с камерным хором выступил заслуженный артист Республики Беларусь Виктор Скоробогатов. Такое творческое содружество престижно для любого коллектива: во-первых, оно ответственно, во-вторых, ко многому обязывает в будущем.
Завершала концерт оратория «Страцім-лебедзь», написанная по балладе Максима Богдановича. Это широкомасштабное и сложное хоровое полотно с несколькими солистами. Слушая его, не раз ловишь себя на мысли, какие титанические усилия были предприняты коллективом, чтобы разучить ее и донести до публики на высоком художественном уровне. Немалый риск взяли на себя гродненские артисты и Лариса Иконникова, чтобы не подвести молодого композитора, показать ее музыку с лучшей стороны.
Это удалось: публика тепло принимала гродненцев. Высокую оценку творчеству Безенсон дал председатель Белорусского союза композиторов Игорь Лученок. Алина Ивановна выразила признательность капелле, ее артистам и руководителям.
В ближайшие месяцы гродненцы тоже познакомятся с творчеством Алины Безенсон и других молодых авторов.
(Гродненская правда. – 2004. – 27 ноября)
2005 год
ТАЛАНТ И ТРУЖЕНИК ОТ МУЗЫКИ
Начинающему композитору Сергею Осоприлко 18 лет. Он учится на втором курсе музыковедческого отделения Гродненского музыкального училища. До этого девять лет занимался по классу скрипки у Н.Барановой. Его наставниками по теоретическим дисциплинам были и являются ныне А.Пескин и И.Двужильная. В 2001 году Сергей принимал участие в республиканской детской музыкально-теоретической олимпиаде, по результатам которой был удостоен трех дипломов: за композицию, за эрудицию, за содержательный и глубокий анализ музыки. Композицию он начал изучать под моим руководством с 1999 года. И в 2002 году стал дипломантом VII Международного конкурса молодых композиторов имени В.Семеняки. Его произведения напечатаны в сборнике победителей этого конкурса.
За пять лет в творческом багаже юноши скопилось немало пьес простой и сложной формы. Среди них: «Ландини-сюита» и соната для скрипки соло, полтора десятка дуэтов для струнных инструментов, трио, два квартета, фортепианные циклы, квинтет по рассказу Владимира Набокова «Облако, озеро, башня», «Пять стихотворений Иосифа Бродского». И это только малая часть созданного! Сергей Осоприлко – великий труженик и энтузиаст в сочинении музыки.
Недавно в городском Доме культуры прошел авторский концерт молодого композитора. Его открывала соната для скрипки соло, навеянная картинами Марка Шагала. Она по-шостаковически остро психологична, это широкое лирико-эпическое полотно. Глубокая скорбь последней части («Еврейское кладбище») разрастается до вселенских масштабов.
Столь же трагедийна третья часть струнного трио: наружу прорываются рыдания скрипки на фоне жестких диссонансов альта и виолончели. Кажется, что это плач матери, идущей за гробом умершего сына.
Впрочем, у Сергея встречаются настроения иного рода. Вряд ли кого-либо из присутствовавших в зале не затронула тема фуги квартета № 1, в которой заключены истинно ангельская кротость и чистота.
Душевная драма человека запечатлена в квартете № 2. В его основу легла повесть Альберта Камю «Падение». Музыка не следует за сюжетом, она в обобщенном виде передает укоры совести человека, прошедшего мимо бросившейся в реку незнакомой ему женщины. Его «Я» превратилось в блуждающий призрак. Это уже экзистенциализм, где накал чувств достигает крайних пределов.
Заинтересовали зрителя фортепианные миниатюры, краткие дуэты для скрипки и виолончели. Они иной раз экспрессивны, порой изобразительны, некоторые из них трогают просветленной лирикой, однако во всех случаях пьесы искренни.
Исполняли произведения Сергея учащиеся Гродненского музыкального училища. В ансамбле с ними играли студенты Гродненского филиала Белорусской академии музыки. Публика тепло принимала и струнный квартет Гродненской капеллы. Герой вечера – Сергей Осоприлко, солировавший на колокольчиках. Участники концерта продемонстрировали высокий профессионализм и немалую выдержку, чтобы донести до публики сложную авангардную музыку молодого автора. К их чести, они справились с задачей: открыли новое имя, которое, по моему убеждению, в ближайшие годы станет заметным в культурной жизни республики.
Своеобразен и богат внутренний мир Сергея. Он хорошо знаком с симфониями и квартетами, операми и кантатами Дмитрия Шостаковича. Один из его кумиров – Альфред Шнитке. Одновременно изучил творчество И.Стравинского, П.Хиндемита, А.Онеггера, А.Шенберга, не без удовольствия слушает музыку минималистов, в частности, С.Райха, Ф.Гласса, А.Пярта, В.Мартынова, разбирается в творениях живописи. Последнее, впрочем, не удивительно, ведь его родители – профессиональные художники! Любит читать античных авторов. Не случайно в качестве героя своей первой симфонии взял Марка Аврелия, императора и философа. Сергей легко ориентируется в литературе ХХ столетия, ему близки по духу Владимир Набоков, Альбер Камю, Фридрих Дюрренматт. Он находит неожиданные параллели между прозой Андрея Платонова и музыкой Шостаковича, между романами современного писателя Виктора Ерофеева и сочинениями Альфреда Шнитке.
Сергей – полистилист, он исследует различные эпохи – от музыки раннего средневековья до музыкального авангарда. Он реставрирует барокко, классицизм, словом, любой стиль и манеру письма любого композитора, если тот близок к его мироощущению. Вместе с тем у Сергея есть все данные, чтобы стать самобытным автором.
(Гродненская правда. – 2005. – 15 января)
ВЕЧЕР СОЛИСТА ОЛЕГА ТЕЛЕПНЕВА
Музыка Баха и Моцарта очищает душу так же, как молитва, обращенная к Богу. Именно с такой мыслью я уходил с концерта камерного оркестра Гродненской капеллы.
Артисты подготовили на редкость интересную программу. Целый вечер звучала музыка, написанная для альта с его задумчивым, элегическим тембром. В качестве солиста выступил Олег Иванович Телепнев. Он вложил немало труда, чтобы разучить произведения разных эпох и стилей. Его исполнительской манере присущи экспрессия чувств и проникновенная лирика, часто – порыв вдохновения. Он сумел воплотить в звуках любимого инструмента широкий круг образов, от счастливого детства до катастроф вселенского масштаба. Словом, сольный вечер Олега Телепнева прошел с большим успехом.
Художественный руководитель и дирижер камерного оркестра Владимир Бормотов сумел найти баланс между благозвучной классикой и авангардом, так что диссонансная сфера не преобладала и не давила на психику.
Еще одна заслуга дирижера и солиста состоит в том, что они предложили гродненцам малоизвестные произведения. Мне, отдавшему сорок лет жизни музыке, многое довелось услышать впервые. Приятно осознавать себя посвященным в историю мирового музыкального искусства!
Эпоху Моцарта представлял его издатель и друг, композитор Франц Антон Хофмайстер. Сыгранный Телепневым жизнерадостный Концерт для альта с оркестром в кантиленных эпизодах был подернут едва уловимой печальной поволокой. Это трогательно.
Чистой и возвышенной музыкой привлекла Концертная симфония для скрипки и альта с оркестром чеха Карела Стамица, сына Яна Стамица, главы мангеймской школы и основоположника европейского симфонизма. На этот раз вместе с Телепневым солировала Татьяна Сухоцкая.
Флюиды радости наполнили зал. Никто из присутствующих не остался равнодушным от Граве из скрипичного Концерта еще одного чешского композитора – Йиржи Бенды, автора знаменитой мелодрамы «Ариадна на Наксосе», которой восхищался Моцарт. Играя Граве в транскрипции для альта, Олег Телепнев буквально покорил аудиторию теплотой и душевным благородством исполнения. Почудилось будто ты перенесся в зал берлинской королевской придворной капеллы – тем более, что замечательная акустика зала Городского дома культуры, где проходил концерт, способствовала такому впечатлению. Из композиторских имен ХХ века в афише значились Б.Бритен, Э.Денисов, А.Шнитке.
Удивил контраст между двумя советскими авангардистами. «Камерная музыка» для альта, клавесина и струнного оркестра Эдисона Денисова относительно благозвучная. Здесь светлые грезы или воспоминания о чем-то бесконечно дорогом. Напротив, «Монолог» для альта и камерного оркестра Альфреда Шнитке – это жуткий холод, оцепенение, даже, если хотите, безжизненный космос, абсолютный ноль по шкале Кельвина. Но до этого было отчаяние, душевные муки. «Монолог» создан в 1989 году, когда назревали перемены. На наших глазах рушилась великая держава. В отчаянной схватке столкнулись Добро и Зло, Жизнь и Смерть. В музыке композитора преобладает трагическое начало, торжествует мефистофельский дух. Напор диссонансов достигает мощи разрушительного шквала. На отчаянные крики о помощи никто не отзывается. Происходит обвал: прежний порядок рушится, как карточный домик. Смотрим вперед, но перед нами уже ничего нет, кроме пустого пространства и далекого горизонта. Не есть ли это своего рода освобождение? В музыке Альфреда Шнитке – это духовное освобождение. Заключенный раздел «Монолога» спокоен, хотя тревога еще не улеглась, сердце бьется раненой птицей.
С уверенностью можно сказать: если оркестр во главе с Владимиром Бормотовым и альт Олега Телепнева способны вызвать такого рода эмоции, то их исполнительское мастерство достигло высокого профессионального уровня. Это не может не радовать!
(Гродненская правда. – 2005. – 27 января)
ИЗ ТИШИНЫ РОЖДАЕТСЯ МУЗЫКА
В этом году в числе награжденных Гродненским областным исполнительным комитетом премией имени А.И.Дубко был заведующий кафедрой Гродненского государственного университета имени Янки Купалы, художественный руководитель Гродненской капеллы, дирижер камерного оркестра Владимир Бормотов.
История капеллы уходит в XVIII век и связана с судьбой театра Тизенгауза, на сцене которого ставились драматические, оперные и балетные спектакли. В конце 1780-х годов в связи с опалой графа-мецената коллектив распался и возродился к жизни только в 1992 году как концертное объединение, в которое входят оркестр, хор, ансамбль старинной музыки, солисты. Бормотов стал главным дирижером камерного оркестра, с 2001 года он – художественный руководитель всей капеллы.
В репертуаре коллектива свыше 500 произведений самых разных стилей: барокко, классицизма, романтизма, модернизма и простмодернизма. Нередко музыка прославленных гениев в концертной программе соседствует с произведениями менее известных авторов: Корелли и Джузеппе Торелли, Баха и его сына Карла Филиппа Эммануэля, Глюка и Карела Стамица, Моцарта и его друга-издателя Франца Хофмейстера. Инструментальную музыку дополняет духовная, например, оратории «Сотворение мира» Йозефа Гайдна и «Павел» Феликса Мендельсона. Бормотов особенно ценит Франца Шуберта за его эмоциональную открытость и мелодический дар. Не остались без внимания Рихард Вагнер и Густав Малер, произведения современных авторов Арнольда Шенберга, Бенджамина Бриттена, Отторино Респиги.
Нельзя не назвать еще одного близкого натуре Бормотова гения – Альфреда Шнитке. Его контрастная, динамичная, наполненная предчувствием надвигающейся грозы музыка поражает воображением. Рядом стоят произведения Эдисона Денисова, Софьи Губайдуллиной, Сергея Волконского – словом, весь советский авангард.
Артисты капеллы разучивают и произведения известных белорусских композиторов, Негода учившихся в Гродненском музыкальном училище, – Виктора Войтика, Валерия Живалевского, Алины Безенсон.
Не забывает Владимир Бормотов о поклонниках bel canto, «прекрасного пения». В городе нет оперного театра и редки выступления столичных солистов. Потребность же в оперном искусстве огромна! Поэтому он организует дивертисменты, мини-спектакли, которые замечательно принимают слушатели.
Еще одну идею дирижер настойчиво проводит в жизнь: привлекает к концертам бывших гродненцев, достигших признания в других городах и странах.
Постоянно играет на гродненских сценах дипломант международного конкурса пианистов Марина Белашук из Москвы, лауреат международных конкурсов пианист Алексей Петров, проживающий сейчас в Берлине, лауреат международного конкурса солист Одесского театра оперы и балета Станислав Трифонов.
Не забывают о родных пенатах студенты европейских музыкальных вузов: флейтист Павел Телепнев приезжает из Мюнстера, пианист Кирилл Кедук – из Гданьска.
Артисты капеллы не засиживаются дома. Выступали в Лиде, Могилеве, Минске. Их тепло принимали на музыкальных фестивалях в России, Литве, Латвии, Польше, Германии, Франции, Норвегии, Испании.
Конечно не только дирижер определяет лицо творческого коллектива. В Гродненской капелле работает немало талантливых музыкантов – всех не перечислить. Следует назвать и тех, кто поддерживает капеллу организационно и материально. Прежде всего, это председатель Гродненского горисполкома А.А.Антоненко, начальник управления культуры Гродненского облисполкома Л.И.Кадевич, заместитель председателя Гродненского облисполкома М.М.Бирюкова. Премия художественному руководителю капеллы ко многому обязывает. Впереди новые концерты, встречи с благодарной публикой. Дирижерская палочка на мгновение замирает в воздухе – и из тишины рождается музыка…
(Рэспубліка. – 2005. – 4 лютага)
ВОЛШЕБНЫЕ ЗВУКИ
Не часто встречаются люди истинно интеллигентные, наделенные радушием и человечностью. Общение с ними всегда радостно: он врачуют душу и побуждают к добрым делам. Как правило, эти личности – профессионалы в своей сфере деятельности и умеют держать слово. Это люди искусства, безгранично преданные ему.
Сказанное в полной мере относится к Ларисе Николаевне Иконниковой, художественному руководителю и дирижеру камерного хора Гродненской капеллы. Она заслужила уважения и признательность любителей музыки. Бывало, спросишь ее: «Нельзя ли спеть произведение начинающего композитора?». Ответ обычно короток: «Когда надо?».
Мне захотелось заглянуть в ее внутренний мир, чтобы и другие ощутили то благотворное влияние, какое оказывает на нас духовно богатый человек.
Пела с детства
- Когда вы осознали, что ваше призвание – хоровое искусство? Встретился ли на вашем жизненном пути человек, который направил вас по стезе хорового дирижирования и пения?
- В детстве я много пела. Это у нас преемственно, особенно по линии мамы, обладавшей незаурядным голосом. Хорошо пел и ее отец, мой дедушка. В нем сочетались самые разнообразные таланты: административный, музыкальный, литературный. Являясь директором Дома народного творчества Краснодарского края, он имел звание заслуженного деятеля искусств РСФСР, был членом Союза журналистов СССР. Отец, профессиональный военный, самостоятельно научился играть на фортепиано и с неповторимым благоговением исполнял сонаты Бетховена.
Постоянно находясь в атмосфере музыки, и особенно пения, я вначале интуитивно, а затем осознанно потянулась к хоровому искусству, которое наилучшим образом отвечало моим стремлениям. Время подтвердило верность выбора. Кроме естественной любви к хоровой культуре, у меня были моменты потрясающих воздействий и впечатлений. Одно из самых ярких – незабываемое соприкосновение с музыкой кантаты С.И.Танеева «Иоанн Дамаскин». Именно в тот момент я с исчерпывающей глубиной почувствовала, что значит хор.
Если говорить о личностях, повлиявших на мое становление, то их много. С особенной теплотой вспоминаю сокурсника по музыкальному училищу Илью Подкаминского. Его отличала невообразимая вера в возможности хорового пения. Это передавалось окружающим. Он воплотил свою мечту о синтезе искусств, и после окончания Московской консерватории стал директором школы искусств, где успешно претворяет свои замыслы.
- Самый яркий эпизод вашего детства, связанный с музыкой?
- Сон: я взлетаю на самолете и дирижирую хором!
- Кто ваши учителя?
- Самый большой учитель – жизнь. Я люблю жизнь, а тех, кто ее любит, она одаривает всем, и прежде всего знакомством с добрыми людьми. Как не вспомнить о первой учительнице? Лидия Ивановна Лайко была удивительная, как из сказки… Ее отличали врожденный педагогический дар, любовь к людям, профессиональное мастерство, трудолюбие, ответственность, и, наконец, у нее была замечательная внешность. Неповторимое одухотворенное лицо… У нее все и всегда получалось как бы без особых усилий. Особенно любила выращивать цветы, постоянно напоминая нам о том, что самое ценное на земле – красота. Судьба сложилась так, что после окончания мной начальных классов школы наша семья навсегда уехала из города моего детства Чашники, и мы не виделись десятки лет. Когда же навестила ее, она сразу узнала меня и, что особенно поразило, – показала мою школьную тетрадку, которую бережно хранила все эти годы. Ее любовь – свеча, которую я несу через всю свою жизнь.
Запомнилась также Анна Павловна Зеленкова, у которой занималась по специальности во время учебы в консерватории. Это, несомненно, мой главный профессиональный учитель, человек огромного масштаба. Цельная, как драгоценный камень, эрудированная и всю жизнь совершенствующаяся, величественная и неуемная, добрейшая и бескомпромиссная – словом, подлинный образец Учителя с большой буквы. Она воспитала целую плеяду деятелей хоровой культуры Беларуси, среди которых Михаил Дриневский, Алексей Когадеев и другие. Я всегда прислушиваюсь к ее мнению, внимаю ее советам, разделяю точку зрения. Меня связывают с ней узы самой глубокой симпатии и признательности.
- Получаете ли вы удовлетворение, работая художественным руководителем и дирижером камерного хора Гродненской капеллы и камерного хора музыкального училища?
- Несмотря на значительную физическую и моральную нагрузку, связанную с руководством двумя коллективами, удовлетворение, получаемое в итоге, вполне окупает затраты.
В общении со взрослыми и зрелыми в профессиональном отношении певцами (речь идет о работе в Гродненской капелле) удовольствие – во взаимном обогащении исполнительским опытом, в работе же с учащимися – в возможности создания гибких интерпретаций произведений, так как юность менее консервативна.
Кроме сугубо профессиональных радостей, работа – источник положительных личностных переживаний. Ведь самый удивительный феномен творческого коллектива – то, что радость одного участника становится радостью всех, а руководителя – еще в большей степени. Например, у нас родилось несколько семейных пар. Это показатель зрелости не только профессиональной, но и социальной.
Признание – не успокоение
- Каковы достижения обоих коллективов?
- Перечислю только самые крупные. Это, во-первых, Гран-при, завоеванный женским хором на Республиканском конкурсе оркестровых и хоровых коллективов в 2001 году. Эта победа не одноразовая, поскольку хор удерживал лидерство в своем жанре на протяжении более двадцати лет. Он неизменно занимал первые места. Представительством польской культуры женский хор награжден дипломом за участие в фестивале, посвященном творчеству С.Монюшко. Из числа последних достижений хора – защита звания «народный», а самая последняя новость – Гранд-премия и звание лауреата специального фонда Президента Республики Беларусь. Камерный хор Гродненской капеллы тоже имеет свои творческие достижения. Наивысшее из них – первое место на фестивале «Магутны Божа» в Могилеве.
- Где вам довелось гастролировать?
- Ведем интенсивную концертную деятельность на Гродненщине, вдругих областях Беларуси и за рубежом. Записывались на республиканском радио, неоднократно выступали на сцене столичной филармонии. Недавно с женским хором совершили творческую поездку в Германию, что для учебного коллектива – награда и честь. Это говорит о международном признании хора.
Из гастролей камерного хора назову концерты в Норвегии, Польше, Германии, Латвии, России. Успешным было выступление в Париже, где советник президента Франции по вопросам культуры отметила, что в нашем пении есть нечто неповторимое и уникальное. Побывали также в других городах этой страны.
- Какими наградами отмечена ваша творческая работа?
- Мои труды и усилия постоянно получали поддержку, особенно заметно это в последнее время. Из числа давних наград наиболее значительная – грамота московского Большого театра. Из последних – премия в номинации «Женщина года» (Гродно, 1999), звание «Лучший учитель области» (2000), нагрудный знак Министерства культуры «За вклад в развитие культуры Республики Беларусь» (2002), именная стипендия Президента Республики Беларусь (2002). Последняя, самая главная, награда – высокое и ко многому обязывающее звание заслуженного деятеля культуры Республики Беларусь. Своеобразным духовным поощрением можно считать ювелирное изделие и цветы от Патриарха Московского и всея Руси Алексия II, присутствовавшего на одном из концертов.
- Как вам видится процесс развития хорового искусства в Принеманском крае и в Беларуси в целом?
- С одной стороны, в особом внимании к детскому хоровому пению, с другой – в дальнейшем поднятии уровня профессионального хорового исполнительства. Хор как самый демократичный жанр очень перспективен для решения многих задач по эстетическому и нравственному воспитанию нашего народа. Он – гарант духовного здоровья и культуры, так как человеческий голос близок природе всего прекрасного и того, что на земле называют разумным, добрым. Вечным.
- В чем особенности вашего метода преподавания в классе камерного пения?
- В приобщении участников хора, будь то профессионалы или любители, к творческому процессу. Таким образом, они, сами того не замечая, становятся окрыленными, трудолюбивыми. Для того чтобы зажечь других, надо самому быть увлеченным. Именно поэтому предметом постоянной заботы становятся поддержка и развитие собственного профессионального уровня. Нужно не забывать той отправной точки, которая приводит нас к миру музыки. Я имею в виду любовь к искусству. Это передается ученикам, и чувствуется ими прежде всего. Но необходимо приложить немалые усилия, чтобы получился надлежащий результат. Для этого, повторяюсь, очень важны способности и умение напряженно трудиться. Да и теоретическая основательность – это само собой разумеющееся качество.
Хочу поблагодарить тех, кто оказывал мне постоянную поддержку. Это работники Гродненского областного управления культуры во главе с Людмилой Иосифовной Кадевич, директор Гродненского музыкального училища Алексей Михайлович Солодухин, а также все мои коллеги по работе и творчеству.
(Беларуская думка. – 2005. – № 5)
ОЗАРЕНИЕ
Зима. Морозный солнечный день. Пар вализ из ноздрей лошади. Снег скрипит под валенками. Дядьки в тулупах возятся с большим ящиком. Это пианино. Родители ради него продали корову, чтобы сестра маленького Сережи училась музыке. С этого дня в доме с утра до вечера звучали гаммы и этюды. Впоследствии сестра закончила фортепианное отделение Полтавского музыкального училища и Киевскую консерваторию.
По ее стопам пошел и младший брат. Когда его привели в музыкальную школу, на вопрос, кем он хочет стать, Сережа совершенно серьезно ответил: «Ван Клиберном». После школы он закончил Луганское музыкальное училище по классу хорового дирижирования, еще позже – с отличием Донецкий государственный институт.
Именно так произошла первая встреча с музыкой, которая определила дальнейшую жизнь Сергея Ивановича Бугасова.
В 1976 году молодой специалист вместе с женой, Татьяной Алексеевной, приехал работать в Лидское музыкальное училище, причем добился этого места не без помощи тогдашнего министра культуры СССР Екатерины Фурцевой. С 1977 года он занимает должность заместителя директора по учебной части этого учебного заведения. Одновременно преподает хоровое дирижирование, руководит смешанным хором училища, а также народным хором городского поселка Первомайск Лидского района. Неоднократно привлекался к участию в инспекциях Министерства образования страны для проверки средних специальных учебных заведений. По поручению Министерства культуры изучал передовой опыт в системе музыкального образования в учебных заведениях Одессы, Винницы, Ворошиловграда.
Какой бы прозаичной ни казалась официальная сторона жизни замдиректора, без нее не обойтись. Благо, что тяга творчеству никогда не покидала его. Он со студенческих лет сочиняет стихи, пишет музыку.
«Поэтическое чувство у меня от отца. От матери я унаследовал любовь к музыке», – признается Сергей Иванович. Когда отец умер, юноша стал разбирать его архив и тогда-то познакомился со стихами дорогого ему человека. В биографии отца есть любопытный штрих: он учился в свое время у правнука Тараса Шевченко. Следовательно, духовный свет великого кобзаря донесся до наших дней!
В семье Бугасовых (у его бабушки было 14 детей!) все хорошо пели, иногда становились музыкальные спектакли. Народные песни были у него на слуху с раннего детства. Сергей не мог не любить красивые задушевные мелодии, которые оставили заметный след в памяти юноши.
Он пишет стихи, когда есть соответствующее настроение или нужно поздравить кого-то из знакомых с днем рождения, праздником, юбилеем. Порой возникают дружеские шаржи, острые зарисовки. Нередко, в часы раздумий, появляются серьезные вещи о смысле жизни, о месте личности в обществе, где поднимается сакраментальный вопрос: для чего создан человек?
Сергей Иванович активно сотрудничает с различными газетами. Так, он был заместителем главного редактора лидских частных газет «Мариола» и «Принеманские вести», брал интервью у известных и малоизвестных людей, писал обо всем и обо всех. Пожалуй, нет такой городской проблемы, какую бы он не затронул в своих публикациях, а их собралось более сотни.
Потребность сочинять музыку зрела в классном хормейстере медленно. В студенческие годы любил гармонию, полифонию, писал для сокурсников экзаменационные работы, в частности фуги. Затем, когда принял руководство Первомайским хором, делал обработки белорусских песен. С этим коллективом, кстати, он побывал с концертами в Литве, Латвии, Украине, России. А Беларусь изъездил вдоль и поперек! И везде звучали его переложения народных мелодий, сделанные профессионально и со вкусом.
1995 год оказался для него переломным. Именно тогда вместе с женой стал петь в церковном хоре. Как-то случилось невероятное. Он проснулся ночью, взял в руки Библию, которая лежала у изголовья. Открыл том и наткнулся на 66-й псалом. Сразу же родилась музыка! С этого момента Сергей Иванович начал сочинять хоровые произведения систематически. Как видим, произошло творческое озарение, природу которого трудно постичь. Уж не само ли Небо повинно в этом?
На сегодняшний день Бугасовым создано более 70 хоров. Среди них – для смешанного состава, однородные хоры, мужские, женские, детские, простые по форме и развернутые, диптихи и хоровые циклы. Одни написаны на православные тексты, другие – на стихи известных белорусских поэтов. Третья категория – произведения на тексты современных авторов из разных концов Беларуси: П.Килбика из Лиды, Т.Дмитриева из Гродно, М.Курило из Воложина. Наконец, у Сергея Ивановича немало обработок народных песен, например «Ой, ты поле маё», «У вішнёвым садочку», «Ой, зелена, зелена», «Сонца на Купалу».
Его хоровая музыка отличается мелодичностью, искренним выражением чувств, терпкой гармонией, насыщенной полифонической тканью, четкими музыкальными формами и, главное, профессиональным знанием особенностей и специфики хорового искусства. Поэтому ее исполняют с удовольствием многие коллективы страны. Следует упомянуть хотя бы хор Лидского музыкального училища Людмилы Пясецкой, хор Гродненской капеллы Ларисы Иконникововй, хор Белорусского университета культуры и искусства, возглавляемый Л.Михальковой. В 1998 году хор Республиканского радио и телевидения под руководством народного артиста СССР профессора Виктора Ровдо записал четыре его произведения.
Талантливый хоровой композитор смело идет навстречу своей судьбе, радуясь, что его музыка звучит во многих уголках нашей страны – Лиде, Гродно, Молодечно, Барановичах, Могилеве, Минске. Не каждому автору выпадает такое счастье!
(Беларуская думка. – 2005. – № 6)
2006 год
СВЯТАЯ К МУЗЫКЕ ЛЮБОВЬ
Каждый раз с каким-то тайным трепетом входишь в храм музыки. И совсем не важно, будет ли это величественный театр оперы и балета или же неприметная сельская музыкальная школа. Подобное ощущение возникло у меня, когда мы с юным композитором Динарой Мазитовой приехали в Сопоцкинскую музыкальную школу с концертом. Нас приветливо встретил директор школы Евгений Васильевич Яськов. Дети горячо аплодировали произведениям Динары. Мы же радовались успеху. Увозящая нас машина нырнула в вечернюю мглу, а на душе было светло. Через несколько лет я вновь встретился с Евгением Васильевичем. Хотелось поближе познакомиться со школой, поговорить о ее прездниках и буднях.
- Евгений Васильевич, когда возникла Сопоцкинская музыкальная школа? С какого времени вы работаете директором?
- Школа открылася в 1979 году. Ее директором я назначен в 1991. Тогда в школе насчитывалось около 20 учеников. Теперь вместе с Лойковским и Василевичским филиалами их число увеличилось до 82. Правда, в последнее время происходит частичный отток дутей, желающих заниматься музыкой.
- Каков педагогический состав школы?
- Все педагоги – молодые люди. Их средний возраст – 25 лет. Есть и опытные специалисты. Более 10 лет работают Лилия Генриховна Жилинская (теоретические дисциплины и хор), Елена Владимировна Гапоник (класс фортепиано), Нина Викентьевна Яськова (класс домбры и гитары).
- Достаточно ли музыкальных инструментов, инвентаря?
- Материальна база школы постоянно улучшается. За последнее время было приобретено фортепиано, 2 гитары, флейта, 2 музыкальных центра, компьютер с полной комплекцией (сканер-ксерокс, принтер), телефон-факс, новая мебель, покупается нотная, учебно-методическая литература.
- Часто ли выступают ваши творческие коллективы?
- Конечно. У нас созданы два ансамбля народных инструментов, две хоровые группы, ансамбль народных инструментов преподавателей. Выступаем с концертами в Сопоцкинской, Лойковской, Василевичской общеобразовательных школах, детских садах, домах культуры, преподаватели и ученики школы принимают активное участие в художественной самодеятельности. За учебный год даем не менее 20 концертов.
Кроме того, дети участвуют в конкурсах, фестивалях местного, районного или областного уровней.
- Есть ли лауреаты?
- Елена Шамотович – дипломант ІІ степени областного конкурса исполнителей среди сельских музыкальных школ. Гитарист Павел Городович – дипломант ІІІ степени районного фестиваля-конкурса «Музычны красавік», гитарист Андрей Игнатович, ученики фортепианного отделения Ольга Печинская и Марта Яблонская – дипломанты того же конкурса. Победителями внутришкольного конкурса «Августовские гитаристы» стали Вадим Трахимович и Ярослав Гузевич. Нужно сказать, что многие наши воспитанники успешно сдают вступительные экзамены в средние и высшие учебные заведения.
- Вы вскользь упомянули, что количество учеников немного снизилось. Почему?
- По нескольким вполне объективным причинам. Главная из которых – недостаток рабочих мест на селе для молодежи, из-за чего она уезжает в город. В связи с этим упала рождаемость и, следовательно, меньше учеников приходит посупать в музыкальную школу. Сложилась не очень благоприячтная демографическая ситуация в регионе.
- И что же, нет никаких перспектив изменить ситуацию к лучшему?
- Есть. Сейчас идет реконструкция поселка Сопоцкин в связи с восстановлением Августовского канала. Создается туристическая зона с соответствующей инфраструктурой. Вскоре появятся новые рабочие места, и жизнь в поселке забурлит…
(Перспектива. – 2006. – 28 марта)
ЛІРЫКА З ЗАДОРЫНКАЙ
Прыгажуня Ірына Саванкова, якую вы бачыце на здымку, – загадчыца аддзялення клавішных народных інструментаў Лідскай музычнай школы. Малады спецыяліст, выпускніца Лідскага музычнага вучылішча і арлоўскага інстытута мастацтва і культуры. А яшчэ яна піша музыку, ноты яе твораў змешчаны на адным з замежных сайтаў. Правяла яна і свій аўтарскі вечар, выканаўцамі на якім выступілі навучэнцы і выкладчыкі школы і вучылішча.
Шлях Ірыны да музыкі пачаўся ў дзяцінстве. Бацька быў вайскоўцам, таму вучыцца давялося ў музычных школах Шчучына, Ліды, Усходняй Германіі. А вось сачыняць яна стала, калі ўжо сама выкладала. І пачалося ўсё з маці: тая пісала вершы. Неяк прачытала дачцы чарговыя радкі і папрасіла ператварыць іх у раманс. Атрымалася. Але, можа, так і засталося б усё “хатнім музіцыраваннем”, каб не вучні, сярод якіх, між іншым, ёсць дыпламанты і лаўрэаты конкурсаў (адзін Зміцер Лінго чаго варты: лаўрэат рэгіянальнага конкурсу імя К.Горкага, рэспубліканскага імя І.Жыновіча і, нарэшце, Міжнароднага конкурсу-фестывалю “Пралеска”). Для аднаго са сваіх юных акардэаністаў І.Саванкова напісала п’есы, ён з поспехам выконваў іх на канцэртах. Сёння яе п’есы для баяна і акардэона заўважна ўзбагацілі рэпертуар пачаткоўцаў. Піша яна і больш складаныя віртуозныя п’есы, прызначаныя для музычнай вучэльні. Не забываецца і на п’есы і рамансы, у тым ліку на словы сваёй маці Святланы Саванковай. Разам яны стварылі песеннае прысвячэнне Уладзіміру Мулявіну – “Беларусь, любоў мая”.
Пра запатрабаванасць сачыненняў Ірыны Фёдараўны сведчаць і іх пералажэнні, ансамблевыя ды аркестравыя версіі, зробленыя яе калегамі Аляксандрам Сымановічам, Аліцыяй Казак і іншымі. Дый як іх не рабіць, калі музыка І.Саванковай вабіць шчырасцю пачуццяў, узвышанай лірыкай рамансаў, народнай задорынкай, гумарам у танцавальных п’есах, чароўным каларытам эстрадна-джазавых нумароў.
(Культура. – 2006. – 5 жніўня)
ВАРШАВСКАЯ ОСЕНЬ КОНСТАНТИНА ЯСЬКОВА
206 год оказался удачным для молодого композитора Константина Яськова: он закончил Белорусскую государственную академию музыки и стал лауреатом VIII Международного фестиваля-конкурса академической и современной музыки «Фарботони» в городе Каневе (Украина). Кроме того, в конце сентября ему предстоит поездка в Варшаву на самый престижный в мире фестиваль современной музыки «Варшавская осень».
- Как начинался ваш путь в профессиональное музыкальное искусство?
- После окончания Сопоцкинской детской музыкальной школы поступил в Гродненское музучилище по классу фортепиано к преподавателю Бруно Зеноновичу Термену. Затем пять лет – годы учебы на композиторском отделении Белорусской академии музыки, которую закончил с отличием.
- Мне известно, что вашим педагогом в академии был Виктор Антонович Войтик, уроженец Гродно, заслуженный деятель искусств Беларуси, профессор. Интересно, кто были его наставники?
- Когда мой педагог Виктор Войтик учился в Гродненской музыкальной школе, к сочинению музыки его привлек известный композитор-фольклорист Евгений Петрашевич. В консерватории его преподавателем был народный артист СССР Анатолий Богатырев, а в Москве он стажировался у народного артиста РСФСР Альберта Лемана. Я благодарен моему учителю за полученные знания и практические советы.
- Я имел возможность послушать ваши дипломные работы. По-моему, это два искренних и возвышенных произведения. Расскажите о них подробнее.
- Первое имеет название «Пророк». Это музыка для 19 струнных инструментов с солирующим альтом, сочиненная по поэме Михася Башлакова «Лілея на цёмнай вадзе». Пьеса пронизана образами и символами исторической и духовной судьбы Беларуси. Второе произведение – это кантата для смешанного хора и ансамбля инструментов из текста последнего стиха Заупокойной мессы (Реквиема) «Lux aeterna» («Свет вечный»).
- Помимо композиции, вы проходили курс камерного дирижирования.
- Мне посчастливилось постигать основы дирижерского мастерства у дирижера Белорусского национального академического театра оперы доцента Николая Колядко. В результате этих занятий я смог сам продирижировать своей дипломной работой. Думаю и в будущем часть своего времени посвящать дирижированию.
- В этом году в рамках фестиваля «Фарботони» впервые проходил конкурс композиторов. Сопутствовал ли вам успех?
- Я стал лауреатом ІІ премии. ІІІ премию получила также студентка нашей академии Светлана Рынкова. Так что белорусская композиторская школа выглядела достойно. Конкурс помог мне завязать новые знакомства с коллегами, подарил немало ярких впечатлений, когда мы посещали святые места, связанные с жизнью и творчеством Тараса Шевченко. Особый трепет в моей душе вызвал Софийский собор в Киеве – колыбель русского православия.
- А что вас ждет на знаменитом варшавском фестивале?
- Концерты, мастер-классы, конференции, постараюсь показать свои работы авторитетным композиторам.
- Ваши родители – музыканты? Как они воспринимают первые творческие успехи сына?
- Мама преподает гитару и домбру в Сопоцконской музыкальной школе, отец – директор Обуховской школы искусств. Родители всегда принимали живое участие в моей судьбе, за что я им очень благодарен. Сейчас они радуются и немного волнуются за меня, за мое композиторское будущее.
(Гродненская правда. – 2006. – 24 августа)
СИМФОНИЯ ЗВУКОВ ОРГАНА ФАРНОГО КОСТЕЛА
Из истории базилики св.Франциска Ксаверия
Войдя в Гродненский костел св.Франциска Ксаверия, ты видишь, как сквозь высокий купол льется дневной свет. Над ним сияет голубое небо. Ты ощущаешь, что вся эта красота создана совсем не напрасно. Нет, человек здесь – не маленькое, беспомощное существо. В нем заключен образ и подобие Божие, и он своими руками создал этот величественный храм.
Говоря о возникновении кафедральной базилики св.Франциска Ксаверия, нельзя не вспомнить имя польского короля Стефана Батория. В 1584 году он отправил депутацию в Варшаву с тем, чтобы в Гродно приехали иезуиты и определили место для будущего костела.
Вначале это было деревянное сооружение. Но уже 21 июня 1678 года епископ Николай Слупский освятил первый камень новой святыни – костела св.Франциска Ксаверия. 6 декабря 1705 года епископ Теодор Потоцкий в присутствии польского короля Августа II и русского царя Петра I открыл для службы костел. Прежде чем собор приобрел современный вид, прошло еще не одно столетие.
Вот всего лишь некоторые вехи его дальнейшей истории:
1725 – установлены на башне часы 16-го века, одни из старейших в Европе.
1737 – скульптурно оформлен главный алтарь.
1744 – привезен новый орган (не сохранившийся до наших дней).
1750-1752 – написаны 14 фресок со сценами из жизни св.Франциска Ксаверия.
С 1782 года костел стал фарным, т.е. главным.
Идея фестиваля
В наши дни костел является памятником архитектуры и декоративно-прикладного искусства стиля барокко европейского уровня.
Музыка великого Иоганна Себастьяна Баха тоже относится к барокко. Примечательно, что годы строительства храма и годы жизни немецкого композитора приблизительно совпадают. Это значит, что инициатором I Международного фестиваля органной музыки «Симфония звуков органа фарного костела», который состоялся в этом году, понимали его идею как органический синтез архитектуры, скульптуры, живописи и музыки. Организатором фестиваля выступила Гродненская областная филармония с согласия и содействия Гродненской католической епархии во главе с епископом Гродненским Александром Кашкевичем. Надо отдать должное вкусу и такту непосредственных руководителей органного смотра в лице художественного руководителя филармонии В.М.Крючкова и органиста костела Б.З.Термена. Благодаря их хлопотам и заботам состоялся гродненский фестивальный форум.
При открытии фестиваля настоятель кафедрального костела ксендз Ян Кучинский объявил, что это престижное мероприятие посвящается памяти Папы Римского Иоанна Павла II. Оно ставит своей целью познакомить школьников, молодежь, жителей Гродно с шедеврами мировой органной музыки. Фестивальная программа отличалась редким богатством. Звучала органная музыка XVI-XX веков. Мы приобщились к исполнительскому искусству виртуозов из Беларуси, России, Литвы и Польши.
Бруно Термён
Первым выступил гродненский органист Бруно Зенонович Термен, заведующий отделением фортепиано Гродненского музыкального училища. Это потомственный органист: его дедушка, дядя, отец – играли в костелах Вильнюса, Тракая, Гродно.
Открывался концерт скорбным Адажио Томазо Альбинони, а завершал его могучий гимн Токкаты Шарля Видора. В моем сознании сразу же возник холодновато-отстраненный облик св.Франциска Ксаверия, чья скульптура стоит в нише фронтона костела.
Но все-таки основное место в программе Термена занимали произведения И.С.Баха. Вот вселенские звуки заполняют свод и алтари собора. Человека охватывает религиозный трепет или сердечная теплота. В исполнении Термена Токката и фуга ре-минор Баха то потрясает раскатистой мощью, то ее звуки бисером рассыпаются по костельному пространству.
Как видим, Бах у Бруно Термена многогранен. Его музыка охватывает бесконечное разнообразие человеческих эмоций.
Кроме И.С.Баха и Альбинони гродненский музыкант исполнил произведения И.Пахельбеля, Б.Слогедала, Д.Стенли. Игру Бруно Зеноновича отличает вдумчивый подход к композиторскому замыслу, потребность донести до аудитории главную мысль произведения.
Людмила Голуб и Виргиния Сурвилайте
Украсили фестиваль две женщины-органистки: заслуженная артистка России, солистка Московской филармонии Людмила Голуб и доцент Вильнюсской академии музыки Виргиния Сурвилайте.
Москвичка проявила некоторую парадоксальность в составлении своей программы. Она соединила в одно целое классиков – Г.Перселла, И.С.Баха, В.А.Моцарта и американских модернистов, в чьей музыке встречаются интонации блюза и джаза.
У органистки явственно обнаружилась склонность к развернутым композициям. Это прежде всего Дорическая Токката и фуга И.С.Баха, где людскую радость сменяют несколько этапов духовного восхождения, после чего наступает момент ликующего торжества. Здесь подлинный Иоганн Себастьян Бах, внемлющий величию деяний Всевышнего.
Что касается литовской исполнительницы, то она, с одной стороны, вместе с Бахом лицезрела Бога и одновременно внимательно следовала за мыслью автора.
Любимый композитор Виргинии Сурвилайте – Франсуа Куперен. Его стилю свойственны изящество, тонкая отделка деталей, изысканный мелодизм. Именно эти качества исполнительница воплотила в отдельных частях Монастырской органной мессы. Невольно представляешь себе монахов, поющих гимны, сначала торжественные, с суровым оттенком, потом экзальтированно-воодушевленные. В следующем эпизоде сюиты преобладает светлая музыка, словно это воспоминание о счастливом детстве. Вся месса завершается праздничным песнопением.
Артистка отчетливо слышит каждую интонацию и каждую фразу, мельчайший изгиб мелодии, для чего ей необходимо несколько отстраниться от нотного текста. Она замечает тончайшие тембровые оттенки, орган превращается у нее в красочный оркестр, чуткий к звуковым переливам и светотеням.
В музыке Чаконы ми-мажор старшего современника И.С.Баха Битриха Букстехуде, чьи органные импровизации слушал 20-летний Иоганн, артистка подчеркивает архаичность звучания этой пьесы.
Однако лейтмотив нашей статьи – это Иоганн Себастьян Бах. Человек глубоко верующий, создавший музыку, насквозь пронизанную религиозным духом. Всю жизнь И.С.Бах с трудом зарабатывал на хлеб насущный, чтобы прокормить 20 детей. И всю жизнь он завоевывал себе место под солнцем, стараясь утвердить свое имя в немецкой музыке. Четверо из его сыновей при жизни прославились больше, чем он. Уязвленный непониманием современников, Бах тяжело переживал выпавшие на его долю испытания. Может быть, поэтому в музыке Баха, кроме религиозности. Есть немало мест, связанных с чувствами обыкновенного человека. Божественное и человеческое в его музыке нерасторжимо, что, впрочем, вполне осознает гостья из Вильнюса.
Литовская органистка обладает той необходимой выдержкой и твердой рукой, чтобы баховскую Токкату и фугу вести в сдержанном темпе, достигая древней эпической мощи. Каким-то чудесным образом ей удалось соединить вместе мысли и чувства современного человека, баховскую эпоху и эпос Гомера. Как это похоже на контуры трехъярусного скульптурного ансамбля главного алтаря костела св.Франциска Ксаверия. И тут мы увидим такие же баховские духовные восхождения от земли к Небу, от св.Франциска Ксаверия к Иисусу Христу и к Святому Духу, а также баховское эпическое начало, например, в изображениях четырех частей света – Европы, Азии, Африки, Америки. И в музыке Баха, и здесь, в главном алтаре, – всеобъемлющий охват мира!
Игорь Оловников
Игорь Оловников – опытный музыкант, народный артист Беларуси, профессор Белорусской академии музыки. Он окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано у профессора Якова Флиера и по классу органа у профессора Леонида Ройзмана. Игорь Оловников снискал славу лучшего пианиста республики.
Его звук гибкий и упругий, разрастающийся вширь и вглубь, в его манере игры – напряженная мысль, преодолевающая сопротивление музыкальной стихии.
Принцип постепенного развертывания композиции артист использует в «Вариациях на тему паваны» Антонио Кабесона (1510-1566), поднимаясь от суровой мрачности до взволнованной патетики и в Чаконе Букстехуде, восходя от безоблачной пасторали до бурного выражения чувств.
Многолик Иоганн Себастьян Бах в трактовке белорусского музыканта органных прелюдий и фуг. В них мы найдем и народный танец, и радость, и страстность, и покой, и созерцание, но не религиозное, а скорее мирское.
Особенно ярко обнажилась оловниковская певучесть звука в Большой прелюдии и фуге до-минор И.С.Баха. крупный мастер фортепианной игры, Игорь Владимирович добивается такого лирического выражения эмоций на церковном органе, который проявится только в будущем, в фортепианном классицизме и романтизме XVIII-XIX веков. Такую же романтическую выразительность мы найдем в костельных фресках со сценами из жизни св.Франциска Ксаверия. Повествование о подвигах святого рисует нам и волнующее море, и жесты людей, полные энергично-призывного смысла, и зашифрованные библейские символы.
Игорь Оловников совершенно светский человек, рационалист до мозга костей. Он уверенно и основательно строит форму произведения. У него музыкальная интонация ясная, конкретная, целенаправленная. Он точно знает, что надо выразить в каждой части и к чему надо подойти в финале пьесы. Его смело можно назвать архитектором музыки!
В гениальной Токкате и фуге ре-минор Оловников мыслит бетховенскими категориями. Фуга завершается у него апофеозом радости, как Девятая симфония Бетховена. Такая трактовка открывает нам еще одну черту в творчестве Иоганна Себастьяна Баха.
Ростислав Выграненко
Ростислав Выграненко – счастливое открытие гродненского фестиваля. Слушателей покорили его молодой энтузиазм и человеческое обаяние.
Ростислав родился в 1978 году в Симферополе (Украина). Некоторое время он учился в музыкальном лицее при Белорусской академии музыки. С 1998-го по 2003 год занимался в Варшавской музыкальной академии имени Шопена у профессора Иоахима Грубиха. Постоянно проживая в Варшаве, он концертирует в городах Германии, Италии, Швейцарии, Чехии, Словакии, Польши, России, Украины, Беларуси. Его репертуар поистине безграничен: около 1500 органных произведений. Это удивляет и восхищает, ведь музыканту всего 28 лет!
Ростислав не устает учиться. Он непременно посещает всевозможные органные курсы и мастер-классы, где повышает свое мастерство под руководством именитых педагогов.
Молодой органист одержал ряд побед на международных конкурсах и фестивалях в Варшаве, Гданьске, Сен-Морисе, Познани.
Заглянув в программу выступления Выграненко, убеждаешься, что в ней нет И.С.Баха, а главный акцент сделан на музыке романтиков XIX века.
Жаль, конечно, что мы не можем сравнить его понимание И.С.Баха с уже прозвучавшими трактовками музыки немецкого гения. Косвенно же кое-какие ассоциации возникают, если вслушаться, как Ростислав исполняет музыку другого великого немца – Феликса Мендельсона-Бартольди, того самого, кто нашел на пыльных чердаках ноты Иоганна Себастьяна Баха и исполнил его бессмертные шедевры после 80 лет их забвения.
Соната на тему хорала «Отче наш».
Польскому органисту свойственна виртуозная как мануальная, так и педальная игра. У него хорошая артикуляция звука, яркая и красочная оркестровка. Выграненко в полной мере раскрыл тембровое богатство органа Гродненского костела. Сколько блеска, мишуры и помпезности в Триумфальном марше ре-мажора Ж.-Н.Лемменса! Совершенно иная по содержанию «Пасхальная» сюита № 3 ля-минор того же автора. Светлая лирика передает те трепетные чувства, которые мы испытываем в Воскресение Христово. Лирика переходит в Небесный покой, возникающий в человеке в момент его близости к Богу. Завершает сюиту величавый колокольно-торжественный перезвон.
Еще одно малоизвестное имя. Публика услышала «Думку» Фа-диез-мажор Феликса Нововейского. По характеру она близка балладе, неспешно повествующей о славном прошлом Польши. Спокойный рассказ постепенно сменяется патетикой, а та в свою очередь – героическим утверждением победы, тем чувством, которое испытывали воины Речи Посполитой во время битвы. Они увидели св.Казимира на коне с развернутым знаменем. Это воодушевило их. Загляните в алтарь св.Казимира фарного костела, и вы поймете, о чем идет речь.
У Ростислава есть пристрастие к изобразительно-живописным пьесам. Это «Колокола Вестминстера» Луи Вьерна и Марш Ми-бемоль-мажор Луи Лефебюр-Вэли. Ничто не нарушает утренний покой Великобритании, властительницы мира. Лишь в полдень раздается бой часов и звон колоколов. А в Марше буквально брызжет через край французское жизнелюбие. Так возникает картина весеннего праздника, а им, как мы знаем, в наполеоновском Париже середины XIX века не было числа. Органист извлекает из инструмента фонтан редких тембров, ярких красок и блеска меди! Его игра театральна и эффектна.
Под своды базилики св.Франциска Ксаверия словно ворвался май! Зашумели деревья! И люди радовались ожившей природе. Если теперь мы соединим звуки земного рая и Небесного, то ощутим всю полноту жизни: одновременно Божественной и человеческой, духовной и физической, вечной и мгновенной, сверх того: почувствуем Вечность в миге и миг в Вечности.
Все это стало возможным благодаря Фестивалю органной музыки, состоявшемуся в Гродно. Приятно осознавать, что публика приходила на концерты с тем неподдельным интересом, который отличает искренних ценителей высокого искусства.
(Нёман. – 2006. – № 9)
КАКАЯ ПЕСНЯ БЕЗ БАЯНА
Одному из ведущих преподавателей Гродненского государственного музыкального училища Михаилу Федоровичу Дриневскому вчера исполнилось 70 лет.
За плечами – более 50 лет трудового стажа, их них 47 – педагогического. Более 100 баянистов и аккордионистов подготовил Дриневский. Среди них те, кто участвовал в республиканских, всесоюзных, международных конкурсах. 19 выпускников класса Михаила Дриневского поступили в Белорусскую государственную академию музыки.
Трудная, но прекрасная жизнь. Вспоминая детство, родную деревню Тонеж бывшего Туровского района Гомельской области, Михаил Федерович увлеченно рассказывает, как в шесть лет научился играть на гармошке, как однажды кубарем скатился с чердака, не повредив полюбившийся ему инструмент. Вместе с отцом ходил играть на свадьбы. Именно он привил сыну большую любовь к музыке, хотя потребовал от повзрослевшего Миши поступать учиться в Мозырьскую фельдшерско-акушерскую школу. После ее окончания Михаил даже некоторое время работал по специальност. Затем армия, где в свободное время юноша играл на баяне сослуживцам. Они же, в знак благодарности, купили вскладчину старенький «Кировец».
Переломным в судьбе оказался 1959 год. Михаил Дриневский поступает в Гродненское музыкальное училище. Вскоре ему предлагают преподавать в этом же училище. Надо было учиться и одновременно учить своих сверстников.
В 1963 году Михаил Дриневский поступает на заочное отделение Белорусской государственной консерватории им.Луначарского.
По крупицам накапливается педагогический опыт, постепенно складывается своя методика преподавания. Педагог Дриневский удачно сочетает обучение профессии и воспитание – идейное, эстетическое, этическое, общемузыкальное. От природы Михаил Федерович отличается душевной щедростью. Он прививает ученикам любовь к музыкальному искусству, к окружающей красоте. На уроках объективно строг, но не придирчив, доброжелателен, но не беспринципен. Он воспитывает в учениках трудолюбие и настойчивость в работе, требует он них постоянного совершенствования в игре на инструменте. Мастерство достигается через каждодневный упорный труд. Дриневский стремится к тому, чтобы ученики как можно чаще выступали на сцене. И сам показывает им пример. Он создает различного рода ансамбли баянистов. Слушатели тепло принимали трио в составе Михаила Дриневского, Аллы Стасевич, Светланы Хомич, квартет в составе Михаила Дриневского, Терезы Оковицкой, Терезы Шидловской, Сергей Тибец. Получило известность трио преподавателей музучилища Михаила Дриневского, ВладимираВасильева, Леонида Бельника. Эта замечательная традиция продолжается до сегодняшнего дня. Можно назвать хотя бы дуэт, в который вошли Наталия Савоневич и Михаил Дриневский.
Заметный след в музыкальной жизни города оставляют сольные концерты учащихся класса Михаила Дриневского: Сергея Буряка, Анатолия Скиги, Валентина Шота, Игоря Отрадного, Светланы Спас, Александра Семенчика, Виталия Прокопика, Юлии Безруковой, Алеси Кожух.
Игорь Отраднов трижды становился лауреатом международных конкурсов в городе Клингентале. Примечательно, что Отраднов был первым из выпускников Белорусской государственной консерватории, кто завоевал это почетное звание.
Сергей Буряк успешно закончил Московский музыкально-педагогический институт им.Гнесиных, а затем в Свердловской консерватории – ассистентуру-стажировку по специальности симфонического дирижирования.
Сергей Тибец и Сергей Богданов – выпускники Ленинградской консерватории им.Римского-Корсакова. Занимаясь на баяне, Сергей Богданов параллельно прошел курс сочинения музыки. Он получил звание лауреата Всесоюзного конкурса творческих работ среди студентов-композиторов.
Как логическое следствие серьезных достижений, к Дриневскому пришло общественное признание. Он награжден знаком «Победитель социалистического соревнования» Верховного Совета БССР, медалью «Ветеран труда» Верховного Совета СССР, Почетными грамотами Министерства культуры БССР и СССР, дважды Гродненского областного Совета народных депутатов.
Беседуя с Михзаилом Федоровичем, невольно заряжаешься его жизнелюбием, получаешь молральное удовлетворение от того, что общаещься с человеком благополучным как в общественном, так и в личном плане.
У него замечательная супруга. Алла Ивановна Дриневская не менее уважаемый педагог в Гродненском музыкальном училище, она 17 лет возглавляла цикловую комиссию «Хоровое дирижирование». В профессиональном отношении она, пожалуй, не уступает мужу, ибо у нее тоже 19 учеников поступили в Белорусскую государственную академию музыки. В лице Аллы Ивановны Михаил Дриневский встретил верного друга, единомышленника.
Впереди у Михаила Дриневского новые творческие планы. Смысл его жизни работать не покладая рук. Михаил Федерович – великий труженик, человек, увлеченный благородным делом, которому всецело предан и служит с полной отдачей сил.
(Гродненская правда. – 2006. – 12 октября)
С ДНЕМ РОЖДЕНИЯ «ШАЛОМ»!
Народному ансамблю еврейской музыки «Шалом» исполнилось десять лет. Совсем не случайно, что юбилейный вечер коллектива прошел в день еврейского национального праздника света – Ханука. Ведь творчество «Шалом» всегда светло и радостно, всегда трогает сердце какой-то тайной прелестью культуры древнего народа.
Руководит ансамблем преподаватель Лидского государственного музыкального училища Михаил Двилянский, а детской группой Тамара Завадская.
За десятилетие творческого пути лидчане дали более двухсот концертов, выступали в больших и малых городах Беларуси. Им аплодировали в России, Украине, Литве, Польше, Израиле.
Коллективом изданы два нотных сборника, выпущены шесть компакт-дисков с еврейскими песнями и танцами.
Благодаря просветительской деятельности «Шалома» белорусская публика знакомится с еврейской музыкой, с традициями еврейской национальной культуры
(Гродненская правда. – 2006. – 13 декабря)
НАПОЛНИМ МУЗЫКОЙ СЕРДЦА
Новое творческое объединение – арт-мастерская «МузАльянс» появилось в Лиде в этом году.
Создали его местные композиторы-любители по инициативе Вячеслава Пыпетя, автора более 200 песен и музыки к 16 спектаклям. После нескольких собраний арт-мастерской в районном Доме культуры состоялся концерт-презентация с поэтическим названием «Наполним музыкой сердца». В нем приняли участие 28 авторов песен.
Вокальные произведения, посвященные Беларуси и написанные на стихи белорусских поэтов, звучали особенно проникновенно. Известный в республике семейный дуэт в составе Инессы и Александра Парфенчиков, ансамбль народной песни «Гудскі гармонік» публика встречала традиционно тепло.
Серия песен была посвящена Лиде. Среди них задушевная «Песня о моем городе» Марии Тимощик, песня-раздумье «Лидский ноябрь» Сергея Герасимовича, глубокая по смыслу «Лида» Натальи Гомаленко.
Современными ритмами и экспрессией отличались песни Антона Ракшина, Игоря Ворона, Олега Лазовского.
В лирическом ключе представляла трогательный «Романс» Ирина Саванкова.
Порадовал премьерой – прекрасной песней «Христос с тобой» – Вячеслав Пыпеть. Ее молитвенный характер, высокий духовный строй продиктованы великолепными стихами Великого князя Константина Романова, чья поэзия, как известно, вдохновляла Петра Чайковского на создание романсов.
Давно известно, что Лида богата талантами. Их творчество, их самобытные песни заметно обогащают культурную жизнь нашего принеманского края.
(Гродненская правда. – 2006. – 14 снежня)
ТРИ СТИПЕНДИИ СТУДЕНТКИ МАЗИТОВОЙ
Многие любители музыки хорошо знают Динару Мазитову. Она родилась в Лиде. Еще маленькой девочкой не раз становилась лауреатом международных конкурсов юных и молодых композиторов в Гродно, Минске, Санкт-Петербурге, Москве. В то время Динара сочинила несколько детских опер и балетов. А в восемнадцать лет дала авторский концерт в Большом зале Белгосфилармонии.
После окончания Лидской музыкальной школы и республиканского учебного комплекса гимназия-колледж при Белорусской государственной академии музыки поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию им.Римского-Корсакова. Теперь она студентка пятого курса, занимается на двух отделениях: композиторском и фортепианном. Ее педагог по композиции – ученик Д.Шостаковича, народный артист России Борис Иванович Тищенко.
Динара активно концертирует, участвует в различных фестивалях и конкурсах. Например, в авторском вечере Б.Тищенко знаменитый композитор пожелал, чтобы наряду с его произведениями прозвучала ее соната. В авторском концерте В.Наговицина Динара познакомила публику с его сюитой. В концерте петербургских композиторов показала Пятую сонату Г.Уствольской. Участвовала в фестивале С.Танеева и в концерте памяти Андрея Петрова.
За последние годы Динара создала огромное количество музыки. Стоит упомянуть лишь произведения крупной формы: это соната, вариации для фортепиано, «Журавочка» для голоса и инструментального ансамбля, «Веснянки» для симфонического оркестра.
За активную концертно-просветительскую деятельность администрация консерватории назначила Динаре Мазитовой три стипендии: Прокофьевскую, Рахманиновскую (дается тем, кто отлично учится одновременно на композиторском и фортепианном факультетах) и Специальную премию за пропаганду музыки современных петербургских композиторов.
Надо добавить, что престижное петербургское издательство «Композитор» печатает «Детскую сюиту» и «Журавочку» Д.Мазитовой.
На сцене Лидского музыкального училища Динара выступила с несколькими концертами. Исполняла она произведения Бетховена, Шуберта, Шопена, Скрябина, Прокофьева, а также Тищенко, Уствольской, Губайдуллиной и свою сон6ату для фортепиано.
Что ждет Динару в будущем? Уверен: аспирантура. И, конечно же, новые достижения в музыкальном искусстве.
(Лидская газета. – 2006. – 23 декабря)
2007 год
ОТКРЫВАЯ ТАЛАНТЫ-ЖЕМЧУЖИНЫ
Белла Двилянская – ведущий преподаватель музыкально-теоретических дисциплин Лидского государственного музыкального училища. К музыкально-теоретическим дисциплинам, как известно, относятся элементарная теория музыки, гармония, полифония, сольфеджио, музыкальная литература и еще с десяток подобного рода предметов. Чтобы успешно сочинять музыку, композитору нужно усвоить сотни (если не тысячи) всевозможных правил.
Следует сказать, что у нас всегда не хватало теоретиков, а преподавание этих предметов было и остается до сих пор не на должном уровне (тенденция, которая обозначилась еще в русских консерваториях XIX века). Лишь отдельным педагогам удается совершить прорыв из сложной ситуации. Одни это делают жесткими методами, при помощи муштры, натаскивания и устрашений. Они заставляют учащихся заниматься по 10-15 часов в сутки. Результат – минимальный: сдали экзамен и мгновенно забыли вызубренное. Другие обращают взор на музыкальное творчество – импровизацию, сочинение музыки. Они не противятся тому, чтобы их ученики серьезно занимались композицией. Двилянская – среди вторых. Она понимает, что способности человека полностью раскрываются в творческом процессе, в увлеченности, в счастливых минутах вдохновения, когда душу озаряет искра Божья.
Вехи жизни
Еще трех-четырехлетней девочкой она прислушивалась к звукам пианино, доносившимся из соседней комнаты. Это играл брат, который впоследствии стал ученым-физиком. Все члены ее семьи были наделены природным, как выражаются специалисты, абсолютным слухом: мама, брат, племянник. Дочь Ольга, окончившая Белорусскую академию музыки по специальности «Музыковедение», и крохотная внучка Ира – ей посчастливилось обучаться игре на скрипке в Республиканском учебном комплексе «Гимназия-колледж при БАМ». Конечно же, прекрасным слухом обладает и ее супруг, Михаил Двилянский, преподаватель класса скрипки Лидского музучилища, организатор народного ансамбля еврейской песни «Шалом», где выступает еще и в роли певца. Нельзя не упомянуть и его брата Аркадия, родившегося в Лиде, но теперь в силу обстоятельств проживающего в США. Это многогранная личность, кандидат искусствоведения, композитор, поэт, писатель, чьи научные изыскания, нотные сборники, романы, стихи издаются в Беларуси и за рубежом. Как видим, перед нами целый куст музыкантов-профессионалов, скажем, куст белой сирени, благоухающей симфонией звуков.
Родители отдали Беллу в детскую музыкальную школу, в класс фортепиано М.И.Речковской – опытного педагога, которая воспитала не одно поколение пианистов. В стенах музыкального училища Белла Ароновна многое почерпнула от Л.Е.Школьникова. составителя собственного курса гармонии. Ее консерваторские годы прошли под благотворным влиянием Лидии Мухаринской.
Словом, Б.Двилянская получила основательные знания. Это сделало ее отличным специалистом.
После четырех лет работы в Гродненском музыкальном училище она принимает неординарное решение: переехать жить в Лиду. Там трудится вот уже на протяжении тридцати двух лет. Согласитесь, далеко не каждый поедет в провинцию искать свое призвание.
Последние двадцать пять лет Белла Ароновна возглавляет предметно-цикловую комиссию музыковедения. Она выпустила около ста будущих педагогов-теоретиков, двадцать из которых поступили в БАМ. Эти годы были наполнены крополтливым и серьезным трудом, постоянно требовавшим повышения профессионального мастерства. За участие в республиканских конкурсах методических работ преподавателей средних специальных учебных заведений Двилянскую удостоили двумя дипломами и грамотой. Ею написаны «Программа-конспект по гармонии», «Сборник задач по гармонии». Нередко она дает открытые и показательные уроки. Проводит семинары для преподавателей сельских и районных музыкальных школ. Ее всегда ждут с уважением в Лиде, Гродно и Минске. То, что делают педагоги, подобные Б.Двилянской, похоже на нравственный подвиг, ибо они трудятся с полной отдачей сил, часто с утра до ночи, не задумываясь, насколько благородна их миссия. Но кто вспомнит о них в столице? Кто введет в «высший свет»? У них нет доступа ни к великому композитору, ни к прославленному артисту. Им остается одно: работать и работать.
Ученики
Занимаясь в основном с молодежью, Белла Ароновна часто уделяет внимание одаренным детям – тем, кому в будущем понадобится солидная теоретическая база. Иной раз урок с ними превращается в праздник, в некое чудо! Тогда совсем незаметно пролетает четыре часа без перерыва, и никто не чувствует утомления. Более того, вундеркинды говорят: «Мы могли бы еще написать диктантик?» Или, доставая конфеты, предлагают учительнице: «Подкрепитесь, пожалуйста, если устали». Какая тут усталость! Каждый урок с ними удивителен. Они готовы задавать все новые и новые вопросы и, естественно, показывать свои детские сочинения. Двилянская считает, что теоретик не может существовать без композиции, что композиторское творчество есть часть его профессии. «Сочинение меня просто спасало, – говорит она. – Основы композиции необходимы, чтобы давать ученикам собственные музыкальные диктанты, гармонические задачи. Важно найти к каждому из них индивидуальный подход». С другой стороны, учащемуся тоже нужно сочинение музыки: он приобщиться к увлекательному творческому процессу, на практике узнает, из чего «складывается» музыка. Ведь не случайно музыку создавали выдающиеся музыкальные ученые: Б.В.Асафьев, Б.Л.Яворский, Н.С.Жиляев, Н.А.Гарбузов, Ю.Н.Тюлин, И.И.Дубовский, С.В.Способин, С.С.Скребков и многие-многие другие. Их деятельность – наглядное подтверждение необходимости творчества для людей, занятых изучением музыкального искусства, а также пример для преподавателей-теоретиков и их воспитанников.
После окончания музучилища ученики Двилянской поступают в академию музыки на теоретическое или композиторское отделение. Причем некоторые дипломированные композиторы продолжают заниматься теоретическими исследованиями: пишут кандидатские диссертации, работают научными сотрудниками. У них создание музыки и изучение ее гармонично дополняют друг друга. Это люди универсального таланта, музыканты новой формации.
Из своих бывших учеников она с добрым чувством вспоминает Андрея Бондаренко, ныне известного в стране композитора, лауреата Государственной премии Республики Беларусь, с которым занималась гармонией. Выделяет одаренного Евгения Ларионова, закончившего композиторское отделение у народного артиста СССР Евгения Глебова, после чего продолжавшего обучение в качестве музыковеда в аспирантурах Лейпцигской консерватории и Белорусской академии музыки. По ее словам, Ларионов обладает «потрясающим аналитическим умом, умеет увидеть в партитуре то, что скрыто от большинства». Нина Ролик, получив диплом композитора (класс Д.Б.Смольского), работает сейчас в Белорусском институте проблем культуры и готовится к защите кандидатской диссертации на тему «Музыкальная психология в контексте восприятия музыки ХХ века». Нину Ролик знают как одного из разработчиков учебных планов для музыкальных школ и училищ. Среди питомцев Двилянской – Ольга Подгайская, композитор и органистка, лауреат Международного фестиваля органистов в Санкт-Петербурге; аспирантка академии музыки Наталия Ганул, недавно защитившая кандидатскую диссертацию о творчестве композитора, народного артиста Беларуси С.А.Кортеса; студентка академии Анна Маркевич и Ольга Андрушкевич. Ее воспитанница Динара Мазитова, талантливая девушка из Беларуси, учится теперь в Петербургской консерватории у педагога по композиции, ученика Д.Д.Шостаковича, Бориса Ивановича Тищенко, выдающегося современного композитора. Надо отметить, что Динара получает три стипендии: Прокофьевскую, Рахманиновскую (дается тем, кто, подобно великому Сергею Рахманинову, отлично успевает на двух отделениях – композиторском и фортепианном) и специальную стипендию за исполнение музыки петербургских композиторов.
Да, такими учениками можно гордиться. И невольно спрашиваешь себя: «А школа-то чья?»
Наша, отечественная! И, безусловно, лидская!
Самоотверженная педагогическая деятельность Беллы Ароновны приносит замечательные плоды. Маститый педагог открывает миру таланты-жемчужины, чтобы те, в свою очередь, дарили людям красоту музыкального искусства.
(Беларуская думка. – 2007. – № 6)
2008 год
КОМПОЗИТОРСКИЕ ТРАДИЦИИ ГРОДНЕНЩИНЫ
В 1939 году в Белостоке Григорий Романович Ширма создает Белорусский государственный ансамбль песни и танца, который с самого начала фашистского нашествия выступает на фронтах Великой Отечественной войны. После Победы коллектив обосновывается в Гродно. В 1950 году ансамбль переводят в Минск, где он получает статус Государственного хора БССР, а пятью годами позже Государственной академической хоровой капеллы Белорусской ССР. До 1970-го Г.Р.Ширма остается ее бессменным художественным руководителем. За плодотворную общественную и музыкально-просветительную деятельность Григорию Романовичу присваивается почетное звание народного артиста СССР (1955), его выбирают председателем правления Союза композиторов Белоруссии (1966).
На протяжении шестнадцати лет работает концертмейстером хоровой капеллы демобилизованный из армии Юрий Семеняко. В своем творчестве основное внимание он уделяет вокальным и музыкально-сценическим жанрам. По натуре Семеняко – лирик. Его композиторский дар раскрылся в таких песнях, как «Люблю тебя, Белая Русь», «Расцветай, Беларусь», «Беларусь – моя песня», которые отличаются особой мелодичностью. Проникновенными лирическими песнями наполнены оперы и оперетты композитора, как, например, опера-поэма «Зорька Венера» (1970). В 1974 году Юрий Владимирович Семеняко удостоен звания народного артиста БССР, в 1978-м он становится председателем правления Союза композиторов Белоруссии.
Поистине неоценимы заслуги Г.Р.Ширмы и Ю.В.Семеняко перед белорусской национальной культурой. Их деятельность в значительной мере определила пути развития музыкального творчества Принеманского края.
В ансамбле песни и танца Г.Р.Ширмы пел Александр Константинович Шидловский, впоследствии заслуженный деятель культуры Республики Беларусь. Это его слова и музыка песни «Сколько в небе звезд», задушевная мелодия которой сделала ее популярной далеко за пределами области и Беларуси. Многие годы он возглавляет Гродненский областной Дом народного творчества. Близость к народным истокам вдохновляла композитора на сочинение замечательных песен.
Вокруг Александра Константиновича группируется целая плеяда композиторов-песенников 1950-1960 годов: Павел Радолицкий, Антон Волынчик, Евгений Петрашевич, Марк Копп и другие.
После А.К.Шидловского директором Дома народного творчества назначается его друг и сподвижник Марк Александрович Копп. Он содействует возрождению народных промыслов: кузнечного, керамики, резьбы по дереву, соломоплетения, ткачества, вышивки, изготовления белорусских национальных инструментов. При этом он немало делает для расцвета художественной самодеятельности. М.А.Копп всячески поддерживает тех, в ком горит творческий огонь, ибо он сам сочиняет музыку. Белорусским институтом проблем культуры издано два сборника М.А.Коппа: «Над синим Неманом» (1993) и «Жизненные дороги» (2003). В них собрано около 40 песен в сопровождении фортепиано.
С именем Эдуарда Казачкова, члена Союза композиторов Беларуси, связана одна из самых интересных страниц истории музыкальной Гродненщины. Кроме песен он сочиняет камерно-инструментальную и симфоническую музыку, пьесы для духового оркестра. Настоящим праздником стала премьера Симфонии, которая состоялась в середине 60-х годов. Сегодня с сожалением думаю, что наши надежды канули в Лету: куда делся тот симфонический оркестр, да и гродненские композиторы почему-то перестали писать симфонии. Печально, что нам не удалось тогда удержать высокую планку профессионального искусства.
Нельзя не вспомнить еще об одном талантливом композиторе Гродненщины Евгении Петрашевиче. Он написал вокально-хореографическую композицию, которая уже несколько десятилетий не сходит со сцен городских и сельских домов культуры. Свой 75-летний юбилей Евгений Константинович отметил большим авторским вечером. Его произведения исполняли народный хор «Гародня», народный вокальный ансамбль «Гармония», хор и оркестр Гродненской капеллы – всего свыше 10 художественных коллективов. В программе концерта выделялась кантата «Гродно, родной мой город».
У Евгения Петрашевича есть еще одно амплуа: педагогическое. Он направил по композиторскому пути двух своих учеников – тогда студентов Гродненского музыкального училища, а ныне заслуженного деятеля искусств Республики Беларусь Виктора Войтика и народного артиста Беларуси Леонида Захлевного. Очень точно определил роль педагога в своей судьбе Леонид Захлевный: «Будильник, который завел Петрашевич, зазвенел вовремя».
Л.К.Захлевный прославился песнями на военно-патриотическую тему («Героям Бреста», «Поле памяти», «Носите ордена») и лирическими («Земля моя», «Озера Доброты»). Они привлекают слушателей выразительными, запоминающимися мелодиями.
Виктор Войтик посвятил Гродно симфонию «Коложа». С родным городом связана и камерная симфония «Последняя осень поэта» на стихи Максима Богдановича, который несколько детских лет прожил здесь. Возможно, и образы «Сюиты в старинном стиле» для цимбал были навеяны королевскими замками и узкими улочками средневекового Гродно.
За композиторами и еще три выпускника Гродненского музыкального училища: Валерий Иванов, Николай Литвин, Владимир Кондрусевич.
Сейчас Валерий Иванов – народный артист Беларуси. А свой первый авторский концерт известный композитор дал 22 декабря 1967 года в зале Гродненского музпедучилища.
Отдельные черты индивидуального стиля Валерия Иванова обозначились уже в тот памятный вечер. В отличие от песен Леонида Захлевного его лирика более интимна. Иногда красивые мелодии Валерия Иванова полны тихой грусти («Ты да я, да мы с тобой»), патетичны («Любимая»), а есть и искрящиеся безудержным весельем («Гулять так гулять»).
По телевизионному каналу «Культура» часто звучат произведения бывших гродненцев Николая Литвина и Владимира Кондрусевича. Литвин представлен «Вариациями для баяна», хоровым циклом «Родные образы» на слова Я.Купалы и Я.Коласа. Одна из наиболее известных работ Владимира Кондрусевича – симфоническая поэма «Трубят трубы Городенские», посвященная автором родному городу, который упоминается еще в древнем «Слове о полку Игореве». Значительное место в творчестве Кондрусевича занимает музыкально-сценический жанр: им созданы три балета, пять мюзиклов. Среди балетов выделяются «Крылья памяти», «Мефисто», среди мюзиклов – «Стакан воды», «Театр», «Африка», «Ладья отчаяния», продолжающие традиции музыкальной комедии, заложенные Юрием Семеняко.
Под покровительством Евгения Петрашевича находился и я. После учебы, обретя педагогический опыт, стал преподавать композицию в областных, районных, сельских музыкальных школах, Гродненском и Лидском музыкальных училищах. И в какой бы отдаленный уголок меня не забрасывала судьба, я всегда считал за честь давать уроки сочинения музыки моим воспитанникам.
За три десятка лет мне встретилось столько талантливых людей, что невольно удивляешься богатству нашей земли. Мне как педагогу приятно, что 20 моих питомцев поступило учиться на композиторское отделение Белорусской академии музыки. Одни из них обрели известность, другие стали отличными педагогами, третьи – еще студенты.
На моих глазах раскрывался талант Андрея Бондаренко. Ныне он член Союза композиторов Беларуси, лауреат Государственной премии и премии «За духовное возрождение». Общепризнан его вклад в сокровищницу православных песнопений. «Божественная литургия святого Иоанна Златоуста», духовный концерт «Похвала великому князю Владимиру» на текст митрополита киевского Иллариона (XI в.) – вот лишь малая часть хоровой музыки композитора.
К крупным работам Андрея Бондаренко принадлежит опера «Князь Новоградский», поставленная на сцене Белорусского театра оперы и балета в декабре 1992 года. Последнее время композитор работает над новой оперой.
С Евгением Поплавским познакомился, когда ему было 10 лет. Он приехал на областной конкурс юных композиторов из далекого Порозово. В качестве председателя жюри я отверг его простенькие песни под аккомпанемент баяна. Мальчик очень переживал. Тогда я еще не обладал достаточным педагогическим опытом и не рассмотрел в нем способностей и таланта. В следующий раз мы с ним встретились, когда Евгений поступил учиться в Гродненское музучилище. Через четыре года на выпускном экзамене он уже дирижировал своим сочинением. Прошло еще несколько лет. Е.Поплавский закончил Белорусскую консерваторию, ассистентуру-стажировку Ленинградской консерватории (класс Сергея Слонимского), изучал новейшие технологии в электронно-акустической студии при Академии музыки в Кракове. Вскоре его принимают в члены Союза композиторов Беларуси. В 2001 году он завоевывает звание лауреата Международного конкурса композиторов в Праге. Из 167 представленных хоровых партитур со всего света работа Поплавского отмечена дипломом второй степени.
Не останавливаясь на достигнутом, композитор по-прежнему сочиняет много и продуктивно. Он пишет в разных жанрах и для разных составов: это эскизы для симфонического оркестра «Порозово», симфония «Камо грядеши» по роману Генрика Сенкевича, «Эзотерическая симфония» для пятнадцати инструментов, а также балет «Люди лунного света», созданный под впечатлением философских идей Василия Розанова. Композиция Евгения Поплавского «Дорога в Облака» для гобоя, ударных инструментов и компьютера представляла в 2004 году экспериментальная студия Польского радио на Международной трибуне электро-акустической музыки ЮНЕСКО в Риме. Кроме этого, по заказу репертуарной комиссии международного фестиваля современной музыки «Варшавская осень» белорусский композитор создал два произведения: «Свет на Пути» (2000) и «Мое – Ей» (2005). Это огромное достижение отечественной музыкальной культуры, потому что «Варшавская осень» относится к самым авторитетным фестивалям в мире.
Мы стали свидетелями блестящего восхождения к вершинам искусства того самого мальчика, который проливал слезы в десятилетнем возрасте после неудачи на областном конкурсе юных композиторов. Та неудача только подстегнула его, и он стал настоящим комопзитором, потому что по натуре Евгений Владимирович Поплавский – великий труженик. Хочется верить в его блестящее композиторское будущее.
Для каждого преподавателя концерт его ученика – знаменательное событие. Особенно если концерты проходят на толичной сцене. Мне довелось быть зрителем и слушателем на двух концертах гитариста из Гродно с разницей в 22 года.
11 февраля 1984 года в Концертном зале Белгосфилармонии выступил дуэт в составе студента консерватории гитариста Валерия Живалевского и преподавателя домриста Николая Марецкого (накануне они стали лауреатами Всесоюзного конкурса артистов эстрады). Отрадно, что в этом концерте они сыграли «Вальс Наталии» из моей оперы «Александр Пушкин». Второй концерт – авторский вечер профессора кафедры струнных народных инструментов Академии музыки Валерия Живалевского состоялся 2 марта 2006 года в Малом зале им. Г.Р.Ширмы той же филармонии. В конце вечера Валерий Живалевский вместе с коллегами и студентами сыграл свою «Белорусскую старинную сюиту» для двух гитар и камерного оркестра.
Как исполнитель Валерий показал высочайший класс игры на гитаре. Совершенная техника, тонкое. Эмоциональное исполнение произведений еще раз подтвердили, что в настоящее время В.С.Живалевский по праву считается лучшим исполнителем белорусской гитарной школы. А его сюита – что он еще и талантливый композитор.
Среди преподавателей Академии музыки есть еще один гродненец и бывший мой ученик – Максим Круглый. Он заканчивал училище по классу фортепиано. Теперь, после композиторской магистратуры, он ведет теоретические дисциплины в своей alma mater.
С самой лучшей стороны показывает себя новое поколение выпускников и студентов Белорусской академии музыки. Наряду с композиторской профессией они стараются приобрести еще одну специальность: музыковеда, пианиста, органиста, дирижера и т.д.
Нина Ролик и Евгений Ларионов занимались в Лидском музыкальном училище. В свое время они стали лауреатами Международного конкурса молодых композиторов в Гродно. После окончания академии и магистратуры по композиции обратились к научно-теоретическим изысканиям. Сейчас Нина Ролик работает в Белорусском институте проблем культуры. Предмет ее исследований – музыкальная психология в контексте восприятия музыки XX века. Евгений Ларионов еще продолжает обучение, проходя курс одновременно в аспирантурах – Белорусской академии музыки и Лейпцигской консерватории. Он изучает природу тембра, новейшие композиторские технологии, основанные на тембровых свойствах звука.
В прошлом году закончила академию лидчанка Ольга Подгайская. Она получила диплом композитора, создает музыкальные произведения. Добившись победы на Международном фестивале органистов в Санкт-Петербурге, Ольга с успехом выступает в концертах. В ее репертуаре немало произведений белорусских композиторов, в том числе и своих собственных. У Ольги Подгайской есть все возможности создавать органную музыку с учетом особенностей и специфики этого уникального инструмента.
Недавний выпускник академии и гродненец Константин Яськов. Наряду с композицией он специализировался и по дирижированию. Я слушал дипломную работу Константина – поэму «Лилия на темной воде» (по одноименному произведению Михася Башлакова) для камерного оркестра с солирующим альтом, которой он сам дирижирует. Его музыка отличается поэтичностью, национальным колоритом.
Такие молодые композиторы, как Нина Ролик, Евгений Ларионов, Ольга Подгайская, Константин Яськов, еще и яркие музыканты.
Судьба свела меня с Динарой Мазитовой, когда девочке было 7 лет. Юное дарование из Лиды развивалось стремительно. В 14 она уже сочинила не менее ста фортепианных миниатюр, две оперы, три балета. Динара неоднократно становилась лауреатом международных конкурсов юных и молодых композиторов в Гродно, Минске, Санкт-Петербурге, Москве, международных конкурсов пианистов – в Беларуси, России, Италии. В каких только залах не играла она свою музыку! В том числе в прославленном Большом зале Московской консерватории! Динаре посчастливилось познакомиться с выдающимися композиторами современности. Особенно теплыми были встречи с Тихоном Николаевичем Хренниковым, как в Москве, так и в Минске.
Балет «Дюймовочка» написан Динарой в десятилетнем возрасте. Частично он исполнялся учениками Минского хореографического училища в Концертном зале Белгосфилармонии 16 декабря 1996 года. Уникальность балета, как отмечала постановщик Галина Синельникова, в том, что музыку для детей создал не взрослый композитор, а ребенок. Отсюда – редкая непосредственность и яркость образов «Дюймовочки».
Несколько лет трудилась Динара над оперой «Волшебная флейта». Сначала она сочинила балет на моцартовский сюжет, потом мы решили наложить на ее музыку либретто Шиканедера, и получилось замечательное произведение. Сколько музыкальных красот, возвышенных и благородных чувств откроют для себя школьники младшего и среднего возраста в этой опере!
Венцом десятилетних занятий композицией был авторский вечер Динары в Концертном зале Белгосфилармонии 28 марта 2002 года. Публика восторженно рукоплескала молодому композитору за талант, вдохновение, творческую фантазию и душевную щедрость. В концерте звучали: пьесы для фортепиано, скрипки, виолончели, флейты, гобоя, песни на тексты басен И.А.Крылова, хоровой цикл на стихи Омара Хайяма, исполненные Государственным камерным хором под руководством Наталии Михайловой, и, конечно же, вновь прелестный балет «Дюймовочка»! На этот раз его танцевали участники Образцового хореографического ансамбля «Лялечки», возглавляемого заслуженным деятелем культуры Республики Беларусь Надеждой Урюкиной. Коллектив приехал в Минск из деревни Обухово Гродненского района. Всех зрителей поразила многогранность таланта Динары: весь вечер она провела за роялем, выступая в роли солистки и аккомпаниатора. Этот чудесный праздник состоялся благодаря ее артистическому мужеству и выдержке.
После окончания Республиканского гимназии-колледжа при Белорусской академии музыки Динара Мазитова поступает в Петербургскую консерваторию на два отделения – композиторское и фортепианное. Теперь ее наставник по композиции – любимый ученик Д.Д.Шостаковича, народный артист России Борис Иванович Тищенко. Однако Динара не забывает о Беларуси, мечтает после учебы сюда вернуться.
Подрастают новые таланты. Среди них Сергей Осоприлко. Сейчас он – учащийся отделения музыковедения Гродненского музучилища. В 2006 году прошел концерт, состоящий из произведений Сергея. Ему по душе все необычное, экстравагантное. Мыслит он в основном инструментально. «Соната для скрипки соло» написана по картинам Марка Шагала. После нее прозвучали «Дуэты для скрипки и виолончели», «Струнное трио», два «Струнных квартета», пьесы для фортепиано. Вскоре Сергей создал еще один «Струнный квартет» (по картинам Казимира Малевича), «Секстет», «Нонет», наконец, «Симфонию». В ней восемнадцатилетний автор обратился к древнеримскому стоицизму, к облику императора и философа Марка Аврелия. Раньше в его музыке находили воплощение идеи и образы Николая Кузанского, Франца Кафки, Владимира Набокова, Иосифа Бродского, Пауля Целана. И вот заинтересовался Марком Аврелием. Молодой человек решил затронуть актуальные для нашего времени духовные проблемы.
Талантливых учеников воспитал Андрей Бондаренко. Когда он преподавал в Гродненском музыкальном училище, в его классе композиции занимались Алина Безенсон и Александра Даньшова. Теперь он доцент Гродненского филиала Белорусской академии музыки, у него учатся Елена Федоренко и Мария Емельянова.
Алина Безенсон родилась в Волковыске. Успешно преодолев все ступени музыкального образования, она заявила о себе как о композиторе, обладающем мощной энергетикой и стремлением к широкому охвату проблем современной жизни. Мастер в отображении драматических коллизий, разрушительных катастроф, она вместе с тем ищет успокоения, очищения и катарсиса – то, что дает нам вера. Поэтому вполне закономерно ее обращение к религиозной тематике. Она – автор камерной оперы «Земля обетованная» на библейский сюжет, «Stabat Mater», двух месс, кантаты «Laudamus Te Domine».
Алина поддерживает тесные контакты с музыкантами Гродненщины. В мае 2004 года общественность города познакомилась с ее произведениями, исполненными артистами Гродненской капеллы и пианистом из Минска, лауреатом международных конкурсов Иваном Степанцовым. У нас состоялась премьера ее Концерта для фортепиано с оркестром «Просветление». Творческое сотрудничество гродненских и столичных музыкантов продолжилось на авторском вечере Алины Безенсон, прошедшем в Концертном зале Белорусской академии музыки 13 февраля 2004 года. На этот раз на сцену вышли известные певцы Ольга Сотникова, Виктор Скоробогатов, Олег Ковалевский, пианист Иван Степанцов. Кроме того, показали свое мастерство Камерный оркестр и Камерный хор Гродненской капеллы. Такого рода сотрудничество артистов разных регионов очень перспективно и, главное, уже сейчас приносит свои замечательные плоды.
На VIII Международный конкурс юных композиторов им. Ю.В.Семеняко Александра Даньшова привезла из Минска четверых учеников. Она проявила себя как вдумчивый педагог, который прививает своим воспитанникам навыки сочинения музыки и импровизации.
В Гродненском музыкальном училище юным дарованиям преподает композицию лауреат Международного конкурса молодых композиторов Елена Федоренко.
Богат музыкальными традициями Принеманский край. В областную Ассоциацию композиторов Гродненщины входит около 70 авторов. Регулярно проводятся областные конкурсы композиторов-любителей. С 1992 года в Гродно проходит Международный конкурс юных композиторов им. Ю.В.Семеняко. Это свидетельствует о высоком уровне развития музыкальной культуры в Гродненской области.
(Нёман. – 2008. – №9)
Книга Музыкальная Гродненщина
© Copyright: Родионов Виталий Константинович, 2016
Свидетельство о публикации №216070301306
Свидетельство о публикации №216070301306
Рецензии