2. Мастера искусства Очерки о жизни и творчестве

Отредактированный и дополненный текст очерков о жизни и творчестве мастеров искусства, адаптированный для современного восприятия и дополненный актуальными контекстами.

---

2. Мастера искусства: Очерки о жизни и творчестве

Гюстав Доре (1832–1883)

«Не будьте скромными в ваших начинаниях, но будьте всегда скромными в успехе».

Гюстав Доре — пример художника, чье воображение стало его главной движущей силой. Он не просто иллюстрировал книги, он создавал целые миры, позволяя зрителю стать участником фантастических событий. Сегодня, в эпоху визуальной перенасыщенности, его работы сохраняют свою силу: они напоминают нам, что настоящий шедевр рождается не в фотошопе, а в «страстности души» художника.

Родившись в Страсбурге в 1832 году, среди средневековой архитектуры и живописных лесов Эльзаса, Доре с детства впитал любовь к деталям. Он мог часами рассматривать облака или слушать легенды, а в четыре года уже читал, в восемь — иллюстрировал мифы. Удивительно, но он никогда не учился в художественных школах. «Я храню в своей памяти различные типы людей, — говорил он, — я знаю свои модели инстинктивно». Это качество — умение рисовать «набело», без правок, схватывая композицию целиком — сделало его уникальным даже по меркам XIX века.

В 1847 году Доре переехал в Париж, где его учителями стали не профессора, а великие мастера прошлого: Микеланджело, Рембрандт, Рубенс, а также современники-романтики. На его раннее творчество сильно повлияла политическая карикатура, в частности работы Гранвиля, где люди изображались в виде зверей. Этот гротескный опыт пригодился Доре в иллюстрациях к Рабле и Бальзаку, где он виртуозно сочетал сатиру, юмор и фантастику.

«Режиссер» книжных миров. Вершиной его таланта стали 1860-е годы. Его «Божественная комедия» Данте — это не просто рисунки, а полноценный кинематограф до изобретения кино: огромные пропасти, парящие ангелы и эпический масштаб. В иллюстрациях к «Дон Кихоту» Сервантеса Доре выступает не только как фантаст, но и как тонкий психолог, создавая лирические пейзажи, которые отражают душевное состояние героя. Он показал Испанию XVII века с почти документальной точностью, превратив гравюру в исторический роман.

Интересно, что влияние Доре ощущается и в XX, и в XXI веках. Его контрастный стиль (светотень, динамичные ракурсы) предвосхитил эстетику комиксов и графических романов, а его мрачные образы «Ада» до сих пор вдохновляют кинематографистов и гейм-дизайнеров. Доре доказал, что иллюстрация — это не второстепенное искусство, а полноценный перевод литературы на язык графики, что подтвердил и Виктор Гюго, назвав его работы «переводом» своей поэмы.

---

Огюст Ренуар (1841–1919)

В отличие от Доре, Ренуар — певец счастья, света и радости бытия. Его путь к успеху был тернист: торговец картинами Дюран-Рюэль долгое время не видел в нем коммерческого потенциала, предпочитая Моне и Писсарро. Ренуар родился в Лиможе в семье портного и начал карьеру с росписи фарфора — этот опыт сформировал его «ювелирное» отношение к цвету и фактуре.

Ренуар не сразу стал импрессионистом. В 1860-е он искал себя, боролся с академическим жюри Салона, уничтожал собственные картины («Эсмеральда»). Но его «Лиза» (1868) наконец получила признание за «естественность и правдивость рефлексов». Переломным моментом стала работа с Моне в Буживале («Лягушатник»), где родился зрелый импрессионизм: размытые границы, вибрация цвета и ощущение текущего момента.

Однако в отличие от Моне, Ренуар оставался «художником человека». Его главный вклад в историю — это трактовка человеческой фигуры. Если пейзажисты (Моне, Сислей) растворяли людей в природе, Ренуар делал их центром мироздания. В 1880-х он пережил «кризис» и отошел от чистого импрессионизма, обратившись к более классическим формам (период «энгризма»), но светоносность его палитры осталась неизменной.

Сегодня Ренуар — самый «открыточный» из импрессионистов, но за этим стоит тяжелый труд. Он страдал от ревматизма, в старости его пальцы были скрючены, но он продолжал писать, привязывая кисть к руке. Его гений — в умении находить красоту в обыденности: в танцах на открытом воздухе, в обедах, в женских лицах. Ренуар учит нас тому, что искусство может быть гимном жизни, даже когда жизнь сама по себе далека от идеала.

---

Камиль Писсарро (1830–1903)

Писсарро — «патриарх» импрессионизма, единственный, кто участвовал во всех восьми выставках группы. Родился на острове Сен-Тома в семье коммерсанта, но бросил семейный бизнес ради живописи, сбежав в Каракас с датским художником. В Париже его кумиром стал Коро, но уже в конце 1860-х Писсарро выработал свой строгий, структурный стиль.

Почему Писсарро важен сегодня? Он был мостом между импрессионизмом и постимпрессионизмом. Именно он оказал решающее влияние на молодого Сезанна, научив его видеть структуру природы. В отличие от бурного Моне, Писсарро эволюционировал медленно, его работы отличает особая величавость и «крестьянская» честность. Он писал не парадные виды, а будничную жизнь деревни (Понтуаз), поля, огороды и рабочих.

Его судьба трагична: во время франко-прусской войны прусские солдаты уничтожили почти 1500 его картин. Но он не сдался и продолжал искать новые формы, а в конце жизни увлекся пуантилизмом (точечная техника Сёра), хотя позже вернулся к своей манере. Писсарро — символ художественной честности и скромности. Он не гнался за славой, но его влияние на развитие живописи колоссально. В наше время, когда искусство становится всё более концептуальным, Писсарро напоминает нам о ценности ремесла и прямого диалога с природой.

---

Альфред Сислей (1839–1899)

Сислей — самый «недооцененный» из великих импрессионистов. Родился в Париже в английской семье, он всю жизнь оставался чужим и для французов, и для англичан, а признание пришло к нему лишь посмертно. Он не искал шума, его искусство — это лирическая тишина.

Сислей не был новатором вроде Моне, но его пейзажи — это эталон элегантности и тонкости. Ближе всех он стоит к Коро, но с добавлением импрессионистической техники: мягкая дымка, нежные переливы неба, гладь воды. Он умел запечатлеть «атмосферу» так, что зритель чувствует погоду: влажный ветер, утренний туман, осеннее солнце.

В эпоху NFT и цифрового арта, где важен эпатаж, скромный талант Сислея кажется почти анахронизмом. Но именно его «тихая красота» помогает современному зрителю восстановить душевное равновесие. Сислей — художник для медитации, он доказывает, что не нужно огромных полотен или скандалов, чтобы передать величие мира. Его картины — это музыка воды и воздуха.

---

Клод Лоррен (1600–1682)

Клод Лоррен — классик классицизма, который создал идеальный пейзаж. Он жил в Риме, изучал античность, дружил с художниками-северянами. Его главное открытие — свет. Не просто солнце, а свет как божественная субстанция, которая преображает природу. Знаменитая серия «Утро, Полдень, Вечер, Ночь» в Эрмитаже — это не просто смена времени суток, а философия бытия.

Лоррен не копировал природу, он ее «конструировал», отбирая лучшие элементы (как сегодняшний искусственный интеллект создает идеальные изображения). Но в отличие от ИИ, у него была «душа». Люди в его пейзажах — лишь стаффаж, маленькие фигурки на фоне вечности. Это искусство для созерцания. Гёте писал: «Клод знал реальный мир наизусть... как средство для выражения мира своей прекрасной души».

Сегодня, когда мы говорим об экологии и защите природы, Лоррен важен как создатель «эстетики гармонии». Он показал, что человек может жить в согласии с огромным миром, не нарушая его величия. Его влияние чувствуется в кинематографе (особенно в исторических фильмах) и в дизайне парков (английские пейзажные парки вдохновлены им).

---

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669)

«Он похитил солнечный луч», — сказал Брюллов. Рембрандт — мастер света и психологии. В отличие от многих, он не ездил в Италию, он создал свой стиль в Голландии. Его гений — в умении видеть душу человека.

Рембрандт начал как модный портретист, но с годами ушел от внешней красивости вглубь. Он писал себя, стареющего, страдающего, но не сломленного (около 100 автопортретов!). Его поздние работы, такие как «Возвращение блудного сына», — это не библейские истории, а универсальные притчи о прощении и любви.

Почему Рембрандт актуален в наше время? Потому что он первый показал «негероического» человека. Он не приукрашивал заказчиков, за что те перестали платить ему, разорив его. Но именно эта честность сделала его бессмертным. В эпоху соцсетей, где все показывают идеальные фильтры, Рембрандт учит нас смелости быть собой, быть несовершенным. Его техника светотени (кьяроскуро) до сих пор используется в кино (от фильмов нуар до «Барри Линдона» Кубрика).

---

Питер Пауль Рубенс (1577–1640)

Рубенс — «Гомер живописи» по мнению Делакруа. Это художник абсолютной жизненной силы, дипломат и ученый. Он родился в изгнании, но вернулся в Антверпен и стал звездой.

Рубенс — антипод Рембрандта. Если Рембрандт — это погружение внутрь, то Рубенс — это внешний мир в его бурном расцвете. Его мощные, плотские, полнокровные фигуры наполнены энергией. Он писал огромные алтари и мифологические сцены с невероятной скоростью (гигантское «Поклонение волхвов» за 11 дней!). Он создал огромную мастерскую с учениками, которую можно назвать «корпорацией» или «студией», выпускавшей «брендовые» полотна — это очень напоминает современные творческие кластеры.

Рубенс — гимн телу и земной красоте. В современном мире, где часто стесняются натурализма и телесности, Рубенс напоминает, что человеческое тело — это прекрасный сосуд, который не нужно стесняться. Он воспевал плоть без пошлости, с мощью античного героя. Его влияние ощущается в искусстве барокко, а позже — у романтиков.

---

Камиль Коро (1796–1875)

Коро — художник-философ, «певец серебряного света». Он жил долго, пережил все бури XIX века (революции, войны), но остался верен своим сокровенным чувствам. Он не гнался за модой.

Коро прошел через классицизм в Италии, но привнес в пейзаж свежесть и «мечтательность». Его знаменитые «фигуры» — женщины в античных одеждах, бродящие по лесам, — это не портреты, а проекции его души. Он писал «пейзажи настроения», используя вибрирующий мазок и дымку, которая окутывает деревья.

Сегодня Коро интересен тем, что он стоит у истоков двух направлений: реализма (барбизонцы) и импрессионизма. Он был мостом. Его техника «передвижения воздуха» и света предвосхитила пленэрную живопись. Но в отличие от импрессионистов, у него нет стремления к «сиюминутности»; у него есть вечность. В современном мире, с его суетой, Коро — это пространство для тишины и раздумий. Альбер Марке называл его духовным отцом. Коро доказал, что простой мотив (уголок леса, мостик, озеро) может быть глубже, чем самые пафосные исторические полотна.

---

Клод Моне (1840–1926)

Моне — икона импрессионизма, художник, давший имя целому движению. Его картина «Впечатление. Восходящее солнце» (1872) стала манифестом: впечатление (impression) важнее объекта. Моне родился в Гавре, его учителем был Буден, который привил любовь к пленэру.

Моне прошел через нищету и непонимание. Его «Женщины в саду» отвергли, он жил в долгах, ел хлеб с маслом, но не останавливался. В «Лягушатнике» (1869) он вместе с Ренуаром пришел к разложению цветовых тонов.

Главное открытие Моне — серийность. Он писал один и тот же предмет («Стога», «Руанский собор», «Кувшинки») в разное время суток, при разном освещении. Он изучал, как меняется цвет и форма в зависимости от погоды. Это похоже на научное исследование, но с душой поэта. В поздние годы, страдая катарактой, он видел мир иначе, но создал свои лучшие «Кувшинки» — почти абстрактные полотна, которые стали мостом к абстракционизму XX века (Поллок, Ротко).

В XXI веке Моне — один из самых «продаваемых» и популярных художников (выставки-погружения, мультимедиа). Его идея о том, что реальность субъективна и зависит от восприятия, созвучна постмодерну и теориям относительности. Моне учит нас внимательно смотреть на мир, замечать оттенки, которые мы обычно пропускаем, и находить красоту в изменчивости.

---

Итоговое дополнение: «Мастера в цифровую эпоху»

Эти художники жили в XIX — XVII веках, но их уроки актуальны для нас сейчас:

1. Инновации через традиции (Доре учился у старых мастеров; Рубенс копировал античность, но создал новый язык).
2. Понимание света — от Лоррена до Моне — это основа кинематографии и компьютерной графики.
3. Психологизм (Рембрандт) — ключ к созданию убедительного образа в актерском мастерстве и портретной фотографии.
4. Экология созерцания (Коро, Сислей) — важный антидот для цифрового стресса.
5. Упорство (Писсарро, Ренуар) — напоминание, что великое искусство делается через боль и отказ.



2. Мастера искусства: Очерки о жизни и творчестве

Гюстав Доре (1832–1883)

«Не будьте скромными в ваших начинаниях, но будьте всегда скромными в успехе». Воображение художника – это страстность души, помогающая ему оживить фантастические образы, проникнуть внутренним взором в прошлое и будущее, сделать нас участниками удивительных событий и приключений. В полной мере таким богатым воображением обладал Гюстав Доре.

Художник родился в 1832 году в Страсбурге – городе прекрасной средневековой архитектуры. С детства Доре страстно полюбил первозданную природу Эльзаса. Вместе с отцом он проводил целые дни в тенистых горных лесах, окружающих Страсбург. Лёжа на траве, мальчик мог часами рассматривать затейливые очертания облаков, изучать удивительные формы цветов и растений. Дома он заслушивался древними легендами и сказками, которые рассказывали его бабушка и мать.
Очень рано раскрылись его разносторонние способности. В четыре года Доре выучился читать, в восемь лет знал наизусть множество мифов и сам их иллюстрировал. Его привлекает театр, музыка, но две наиболее сильные его страсти – это чтение и рисование.

Ещё в детстве у Доре обнаружилось очень важное качество, пригодившееся ему впоследствии в работе над иллюстрациями: литературные образы прочитанного произведения вставали перед ним во всей своей яркости. Композиция рождалась в воображении часто в законченном виде. Поэтому он рисовал сразу набело, никогда не исправляя первоначальное решение, и мог начать с незначительной детали. В разных частях листа он набрасывал фигуру человека, лошади, силуэт дерева, потом сразу объединял их в цельную многоэпизодную сцену.

Доре не учился в художественных школах и мастерских, не стремился работать с натуры. От природы он имел всё, что необходимо для самостоятельного творчества, — острый взгляд, композиционное мастерство, исключительную художественную память. Однажды художник сказал: «Я открою вам секрет… Я храню в своей памяти различные типы мужчин, женщин, детей, я прекрасно знаю анатомию каждого живого существа. Я знаю свои модели инстинктивно».

Поистине это удивительный пример природной художественной интуиции! Что же повлияло на творчество Доре, что сформировало его как художника? Прежде всего, длительное изучение шедевров мирового искусства. В 1847 году Доре переезжает в Париж, у него появляется возможность познакомиться с великими художественными творениями. Посещать залы Лувра и Национальной библиотеки стало для Доре необходимостью. Отныне его учителя – Жан Гужон, Микеланджело, Рембрандт, Рубенс, французские живописцы-романтики.

Во Франции, которая в середине XIX века была центром революционного движения, развивается политическая и социально-бытовая карикатура. В начале 40-х годов начинают издаваться особые сборники – своеобразные очерки характеров и нравов современного общества, где литературный текст сопровождался серией иллюстраций-карикатур. В оформлении этих изданий участвовали такие художники, как Домье, Гранвиль, Гаварни. Одним из подобных изданий был сборник «Сцены из частной и общественной жизни животных», вышедший в 1842 году.

Из всех иллюстраций наибольшее восхищение девятилетнего Доре вызвали удивительные рисунки Гранвиля, в которых бытовое сочетается с фантастическим, гротесковым, где люди предстают в облике зверей. Под влиянием Гранвиля Доре создаёт юмористические иллюстрации к Данте. В них чувствуется такая острота и живость фантазии, что кажется, их создал не подросток, а зрелый мастер. Яркий талант карикатуриста обнаруживался и в других, более поздних сериях: «История Калипсо» и «Подвиги Геракла», где Доре как бы развенчивает возвышенный мифологический сюжет.

В Париже 15-летний Доре показал свои детские рисунки Филипону – издателю юмористических газет «Шаривари» и «Журналь пур рир» («Газета для смеха»). Тот в полной мере оценил талант юноши. С этого времени начался неустанный труд. За пятилетний период работы в сатирических газетах Доре исполнил тысячи рисунков. Однако в начале 1850-х годов он отходит от карикатуры и полностью посвящает себя книжной иллюстрации.

В работе Доре очень пригодился его опыт художника-карикатуриста. Очарование многих его гравюр к произведениям Рабле, Бальзака, Распе, Сервантеса заключено в живом юморе, подчёркнутой остроте ситуаций, характерности лиц.

Французская книжная иллюстрация находилась в то время в расцвете. В 1830-е годы начали издаваться произведения Стендаля, Гюго, Бальзака. Над их иллюстрированием работала целая плеяда талантливых художников. В это время распространяется более совершенная техника гравюры на дереве – торцовая гравюра. В 40-е годы художники стремятся к созданию большого цикла гравюр, передающих все подробности литературного повествования.

Первыми работами, принёсшими Доре необыкновенный успех, были иллюстрации к «Гаргантюа и Пантагрюэлю» Рабле и к «Смешным рассказам» Бальзака. Доре в иллюстрациях к роману Рабле удачно передаёт сатирическую направленность, высмеивая пороки феодального суда и духовенства. Он прекрасно почувствовал и другую сторону бессмертного романа – его народную основу. Изображая неуклюжих, но добродушных королей-гигантов Гаргантюа и Пантагрюэля, художник воплощает образы народных сказок, удивительным образом соединяя живой юмор с гротеском.

Наивысшего расцвета талант Доре достиг в 1860-е годы. За два года им были созданы блестящие иллюстративные циклы к таким различным произведениям, как «Божественная комедия» Данте, сказки Перро, «Дон Кихот» Сервантеса, «Приключения барона Мюнхгаузена» Распе.

Ещё в 1855 году Доре решил издавать иллюстрированную серию шедевров мировой литературы. Художник на собственные средства исполнил первую книгу задуманной серии, получившую всеобщее одобрение, — это была «Божественная комедия» Данте. В иллюстрациях к «Аду» Доре вдохновляется великими творениями Микеланджело. Изображая ад с его нечеловеческими мучениями и неземную просветлённость рая, Доре стремился выдержать иллюстрации в эпическом духе. Огромные пропасти, мощные уступы скал, необъятная высь неба с сонмом парящих ангелов – это не просто вымышленная природа, а сама атмосфера ада. Удались художнику образы Данте и Вергилия. Поэты поражены картинами ада, но вместе с тем они остаются спокойными, воплощая величие человеческого духа.

В 1862 году Доре иллюстрирует сказки Перро. Он словно возвращается к воспоминаниям детства, связанным с живописной природой Эльзаса. Любовь к поэтическому вымыслу органично выразилась в ландшафтах, которые окружают героев сказок. Чащи окутаны здесь таинственной, загадочной тишиной. Творя мир сказочных образов, Доре сам становится добрым волшебником. Вот перед нами комната в замке Синей Бороды, где собраны бесценные сокровища. Подробно, с большой изобретательностью показана каждая деталь: рыцарское вооружение и дорогие сосуды, тяжёлые узорчатые ткани и шкатулка с драгоценностями. Он не только смелый фантаст и мастер юмористического повествования, но и тонкий лирик.

В этом убеждает и серия иллюстраций к «Дон Кихоту» Сервантеса. Во многих гравюрах Доре создаёт пейзажи, где природа Испании гармонично сливается с повседневной жизнью людей. Почти всегда у Доре пейзаж – это не просто фон, а та эмоциональная среда, которая подчёркивает состояние героев. Часто окружающий ландшафт как бы увиден глазами действующих лиц. Так, в иллюстрации, посвящённой знаменитому поединку Дон Кихота с мельницами, земля словно преображена фантазией благородного идальго. Она вздымается холмами, окружая героя множеством страшных мельниц.

Подобно самому Сервантесу, Доре сохраняет доброе и одновременно ироническое отношение к героям романа. Дон Кихот и Санчо Панса, совершающие свои подвиги и терпящие насмешки и побои, выглядят нелепыми и беззащитными. Но они показаны стойкими в несчастьях, искренне преданными друг другу. Перед нами встаёт бессмертный образ Дон Кихота – человека возвышенно наивного, живущего мечтами о безвозвратно ушедших временах и движимого благородными, человеколюбивыми намерениями.

Заслуга художника состоит и в том, что он мастерски передаёт картину жизни Испании XVII века. Вслед за Сервантесом Доре рисует спесивых дворян и добродушных крестьянок, странствующих артистов и погонщиков мулов, воинов и монахов. Интересен лист, где он даёт целую картину народного праздника. Группируя множество фигур, художник обнаруживает виртуозное мастерство создания композиции. Сцена показана настолько естественно, что мы словно ощущаем себя внутри движущейся толпы.

Умение придать работе доподлинность видно и в композициях чисто фантастических. В том же цикле иллюстраций к Сервантесу мы находим лист «Озеро кипящей и клокочущей смолы». Фантазия художника не знает здесь предела. Он населяет гравюру чудовищными ящерами, гигантскими насекомыми, скелетами пресмыкающихся. Изображены фантастические существа очень убедительно. Уподобляя изображения чудовищ затейливым арабескам, художник добивается большого изобразительного богатства.

В гравюрах к роману Сервантеса Доре достиг поразительного разнообразия художественных средств: от лирических образов он легко переходил к гротеску, сохраняя при этом единство всего цикла. Стоит ли удивляться, что под непосредственным воздействием работ Доре к образу Дон Кихота обращается в конце 60-х годов и Домье? Подчёркнуто живописный характер графики Доре, его работа тональными пятнами, смелое сопоставление света и тени говорят о нём как о преемнике французских художников-романтиков. Интересно, что в такой же живописной манере рисовал великий романтик Виктор Гюго.

Трудно понять широту дарования Доре, если рассматривать его только как иллюстратора и неистощимого фантаста. В историю графики он вошёл и как бытописатель, правдиво отразивший эпоху. В этом убеждают иллюстрации к изданию, повествующему о современной жизни Лондона, созданные в 1874 году. Здесь с почти документальной точностью передана жизнь людей разных классов. Доре показывает Лондон городом контрастов, где бедность соседствует с роскошью. Картины жизни бедняков сменяются сценами беззаботных развлечений аристократии. Не случайно одна из гравюр этой серии, изображающая прогулку заключённых в тюремном дворе, послужила сюжетом для известного живописного полотна Ван Гога.

Гюстав Доре – художник необыкновенно разносторонний. Кроме карикатур и иллюстраций, он оставил много живописных полотен, работал в скульптуре. Доре создал прекрасные примеры оформления книги, где текст органично сочетается с иллюстрациями, образуя единую художественную структуру. Гюго, увидев иллюстрации к «Труженикам моря», сказал, что Доре не просто проиллюстрировал его поэму, а сделал её перевод на язык графики. Эта оценка по праву может быть отнесена ко всем лучшим графическим циклам Доре – одного из самых выдающихся мастеров в истории книжной иллюстрации.

---

Огюст Ренуар (1841–1919)

Огюста Ренуара его маршан (торговец картинами) Дюран-Рюэль оценил позже, чем Моне, Писсарро и Сислея. На лондонских выставках Дюран-Рюэля в 1871 году экспонировалась лишь одна его картина – «Мост Искусств». Ни одна из его работ не репродуцируется в каталоге галереи 1873 года, хотя Ренуар уже создал к этому времени некоторые свои шедевры, и стиль его в отдельных случаях не менее импрессионистичен, чем у Моне или Писсарро. Вероятно, оценить новые тенденции в трактовке человеческой фигуры было сначала труднее, чем в пейзаже. Впрочем, впоследствии Дюран-Рюэль полностью загладит свою ошибку: его отношение к Ренуару до самой смерти художника останется более внимательным и дружеским, чем к кому-либо из его коллег.

Ренуар родился в 1841 году в Лиможе. Отец его был портным и переехал с семьёй в Париж, когда мальчику шёл пятый год. С 1854 года Ренуар занимается росписью по фарфору, затем расписывает ткани для занавесей.
С 1862 по 1864 год он учится в Школе изящных искусств. Одновременно он посещает академию Глейра, где знакомится с Моне, Базилем и Сислеем. На пасху 1863 года он едет с ними в Шайи под Фонтенбло писать этюды с натуры.

В Салоне 1864 года выставляется его академическая композиция «Эсмеральда», которую он впоследствии уничтожит. В 1865 году в Салон принимают один его портрет и «Летний вечер». В 1866 году Ренуар представляет две картины. Одна, которой он очень дорожил (пейзаж с двумя фигурами), была отклонена, а вторая, вид Марлот, написанный за две недели, принята. Коро, Добиньи и ещё четыре члена жюри настаивали на принятии первой, но безуспешно.

В том же году Ренуар снимает комнату в семье своего товарища Жюля Лекёра. Сестра Жюля оставила любопытную характеристику художника в письме 1866 года: «Когда этому бедному малому нечего делать, он напоминает собой тело без души...». Далее она описывает его метания: то он остаётся работать, то в последнюю минуту срывается с места. В Марлот Ренуар пишет свою большую прекрасную картину «Харчевня матушки Антони» (ныне в Стокгольмском музее) и зачитывается статьями Золя о Салоне.

Весной 1867 года он вместе с Моне работает над видами Парижа и одновременно пишет «Диану-охотницу» (ныне в собрании американского коллекционера), навеянную академическими традициями; Салон отвергает её. Осенью Ренуар находит приют в мастерской Базиля.

В 1868 году его картину «Лиза» (ныне музей в Эссене), написанную годом ранее, принимают в Салон. Критика наконец заметила его. Тюре-Бюрже превозносит естественность и правдивость «Лизы», а также точность рефлексов, окутывающих фигуру. В 1869 году, находясь в крайней нужде, Ренуар вместе с Моне пишет в Буживале «Купанье в Гренуйер» («Лягушатник»). Существует два варианта этой картины, ставшие шедеврами зрелого импрессионизма.

В 1870 году Салон принимает «Купальщицу» и «Алжирскую женщину». Во время франко-прусской войны Ренуар служит в кавалерийском полку в Бордо, но вместо военной службы пишет портреты своего капитана и его жены. После войны, в 1872 году, он пишет «Парижанок в костюмах алжирских женщин» и «Пон-Неф» (Новый мост) — подлинный шедевр зрелого импрессионизма, полный жизни, правды и красоты света.

В 1873 году группа импрессионистов созрела и ждала лишь сигнала Дюран-Рюэля, чтобы покорить публику. Однако эти надежды оправдались не сразу. Долгие годы публика и пресса высмеивали их. Положение стало улучшаться лишь к 1880 году, а окончательная победа пришла только к 1892-му. В 1874 году состоялась первая выставка «Анонимного общества живописцев...» у фотографа Надара, где и прозвучало в насмешку название «импрессионисты». Ренуар участвовал в ней, как и в последующих выставках 1876 и 1877 годов. Однако из-за неприятия публикой и финансовых трудностей группа постепенно распадается, и к концу 1870-х Ренуар, как и Моне, начинает искать свой путь, возвращаясь к более классическим формам, но сохраняя импрессионистическую светоносность палитры.

---

Камиль Писсарро (1830–1903)

Камиль Писсарро родился на десять лет раньше Моне, в 1830 году, на острове Сен-Тома (Антильские острова) в семье французского коммерсанта. Окончив коллеж в Пасси (Франция), он в 1847 году возвращается на остров, где до 1852 года служит в коммерческих предприятиях отца. В это время он знакомится с датским художником Фрицем Мельби и вместе с ним уезжает в Каракас (Венесуэла), решив посвятить себя живописи. В 1855 году он окончательно перебирается в Париж, где успевает посетить Всемирную выставку и познакомиться с картинами Коро, которые приводят его в восторг.

В 1857 году Писсарро учится в академии Сюиса, где знакомится с Клодом Моне. Его ранний стиль близок Коро, но уже тогда он начинает искать свой путь. В 1859 году его впервые принимают в Салон как ученика Антона Мельби (брата Фрица). Однако вскоре его работы перестают соответствовать академическим канонам, и Салон закрывает для него двери.

Писсарро поселяется в окрестностях Парижа (Ла-Варенн-Сент-Илер, Понтуаз). Он пристально следит за успехами Мане, встречается с Сезанном. В 1866 году Золя впервые выдвигает его на первый план: «Господин Писсарро неизвестен... Строгая и серьёзная живопись, предельное стремление к правде и точности... Вы художник, которого я люблю». В конце 1860-х годов Писсарро, как и Моне, начинает интересоваться рефлексами на воде и движением света, вырабатывая свой импрессионистический стиль. В отличие от Моне, он эволюционирует медленнее, сохраняя в своих работах особую структурность и величавость.

Во время франко-прусской войны Писсарро уезжает в Лондон, где прожил до июня 1871 года. Вернувшись, он с горечью узнаёт, что из почти полутора тысяч полотен, оставленных в его доме в Лувесьене, уцелело лишь около сорока — многие были уничтожены прусскими солдатами. С 1872 года он вновь обосновывается в Понтуазе, который станет символом его творчества. Здесь он дальше разрабатывает свой эскизный стиль, добиваясь гармоничного совершенства, и здесь же оказывает огромное влияние на молодого Сезанна, работавшего рядом с ним. Писсарро — единственный из импрессионистов, кто участвовал во всех восьми выставках группы. Он был не только великим пейзажистом, но и мудрым наставником для более молодых художников.

---

Альфред Сислей (1839–1899)

Сведения об Альфреде Сислее весьма скудны, хотя он был одной из ключевых фигур импрессионизма. Сислей родился в 1839 году в Париже в состоятельной английской семье. Начиная с 1857 года, он служит в лондонской торговой фирме, но всё больше интересуется литературой и живописью, изучает Шекспира, Тернера и Констебла.

В 1862 году он поступает в мастерскую Глейра, где знакомится с Моне, Ренуаром и Базилем, вместе с которыми едет на пленэр в Фонтенбло. Наиболее сильно в тот период на него влияют Коро и Курбе. Его картина «Каштановая аллея в Сель-Сен-Клу» (1865, ныне в Музее Пти-Пале) доказывает, что он уже тогда отлично владел техникой. Она была выставлена в Салоне 1866 года, но осталась незамеченной.

Искусство Сислея — это прежде всего лирический пейзаж. Как и Моне, он умеет запечатлеть мотив в атмосфере, передать динамику жизни, но делает это с особым изяществом, нежностью колорита и задушевностью. Ближе всего он стоит к Коро, с которым его роднит не столько техника, сколько душевный строй. В 1870-е годы Сислей создаёт свои лучшие, наполненные светом и воздухом пейзажи окрестностей Парижа, деревень вдоль Сены. Несмотря на то, что Дюран-Рюэль выставлял его работы, признание к нему пришло позже всех, и он всю жизнь прожил в нужде, не дождавшись настоящего успеха.

---

Клод Лоррен (1600–1682)

Клод Лоррен (настоящая фамилия Желле) родился в 1600 году в небольшой деревушке Шампани. В тринадцать лет, потеряв родителей, он перебирается в Рим к дальнему родственнику. Случай помог ему попасть в мир искусства: он стал учеником Агостино Тасси, известного пейзажиста. Клод безропотно выполнял чёрную работу, получая взамен знания. Позже он занимался в Неаполе у Готфрида Вальса.

Живя в Риме, в квартале, где селились северные художники, он сблизился с членами содружества «Бент». Особенно близко ему по духу было искусство Адама Эльсхеймера с его идиллическими, одухотворёнными пейзажами и сложным освещением. Но самым важным событием стала дружба с немецким художником Иоахимом фон Зандрартом. Зандрарт обучил Лоррена гравюре, приучил к пристальному изучению природы. Вместе они отправлялись в окрестности Рима делать наброски с натуры. Сохранилось множество рисунков Лоррена, поражающих своей пленэрной свежестью.

Лоррен не просто копировал природу, он её переосмыслял. Он отбирал самые прекрасные элементы и сочетал их согласно своему идеалу. Он создавал образ прекрасной, величавой и элегической Италии. Его картины — это «Утро», «Полдень», «Вечер», «Ночь» (знаменитая серия в Эрмитаже) — не просто пейзажи, а состояние природы, переданное с удивительной правдивостью освещения. Люди в его пейзажах играют второстепенную роль, они — робкие гости в этом величественном мире. Сам художник был человеком спокойным, уравновешенным и скромным. Всю свою душу он вложил в свои полотна. Клод Лоррен завершил особую линию развития римского пейзажа, создав лирический, элегический эталон, который будет вдохновлять многие поколения художников, включая импрессионистов. Гёте, безгранично ценивший Лоррена, писал: «Клод знал реальный мир наизусть... и использовал его как средство для выражения мира своей прекрасной души».

---

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669)

«Он похитил солнечный луч», — писал о Рембрандте Карл Брюллов. Сохранилось лишь одно прямое высказывание художника о целях своего искусства: в письме 1639 года он отметил, что в его работах выражена «наивысшая и наиестественнейшая подвижность». Под этим он подразумевал не только мастерство в передаче жеста и мимики, но и их теснейшую зависимость от внутреннего мира человека. Этому он подчинил всю живописную систему — контрасты света и тени, напряжённый колорит.

Рембрандт родился в 1606 году в Лейдене в семье мельника. Проучившись недолго в университете, он оставил его ради живописи. Он учился у Якоба ван Сваненбюрха, затем у Питера Ластмана в Амстердаме. Вернувшись в Лейден, он открыл собственную мастерскую. В отличие от многих, он отказался от традиционной поездки в Италию.

Рембрандт стал величайшим портретистом. Поначалу он пользовался огромной популярностью, виртуозно выполняя заказы. Но со временем он стал всё глубже вникать в психологию модели, что замедляло работу и не всегда нравилось заказчикам, желавшим видеть себя приукрашенными. Он писал в основном близких людей: сына Титуса, вторую жену Хендрикье Стоффельс. Вершиной его самоанализа стала серия из около ста автопортретов.

Овладение психологическим анализом помогло ему в картинах на библейские и исторические сюжеты, где центральным становится конфликт добра и зла, нравственная стойкость. Таковы «Святое семейство», «Даная», «Возвращение блудного сына». Его монументальные полотна, такие как «Ночной дозор» (групповой портрет стрелков, решённый как историческая сцена), написаны им самим, без помощи учеников.

До нас дошло около двух тысяч рисунков Рембрандта — подготовительные наброски, зарисовки с натуры, композиционные фантазии. Он был также великим мастером офорта, в котором достиг необычайной живописности, используя игру света и тени на бумаге. Рембрандт коллекционировал искусство прошлого, но никогда не подражал ему. Он следовал только природе и собственному видению. Его влияние на всё последующее искусство огромно.

---

Питер Пауль Рубенс (1577–1640)

Дом Питера Пауля Рубенса в Антверпене — национальная святыня Бельгии. Великий фламандский живописец прожил в нём четверть века. Живописец, учёный, дипломат, коллекционер — Рубенс поражает универсальностью своего гения. Его часто называют счастливцем, но успех стал результатом его громадного таланта, трудолюбия и самодисциплины. Э. Делакруа называл его «Гомером живописи».

Рубенс родился в 1577 году в немецком городе Зигене, куда бежала его семья из Антверпена, спасаясь от испанского террора. Его отец, Ян Рубенс, был юристом, и семья жила в сложных условиях. После смерти отца мать, Мария Пейпелинкс, женщина редкого мужества и благородства, вернулась с детьми в Антверпен, где Питер Пауль начал учиться живописи. Он прошёл школу у Тобиаса Верхахта, Адама ван Ноорта и Отто ван Веена.

В 1600 году Рубенс уезжает в Италию, где проводит восемь лет. Он служит при дворе герцога Мантуанского, изучает античность и работы мастеров Возрождения — Микеланджело, Леонардо, Тициана, Корреджо. Этот период сформировал его как мастера. Вернувшись в Антверпен в 1608 году, он становится придворным живописцем и вскоре получает всемирную известность. В 1609 году заключается перемирие, и Фландрия начинает расцветать.

Рубенс создаёт огромную мастерскую с учениками. Он был монументалистом по призванию, создавшим грандиозные циклы (жизнь Марии Медичи, оформление церкви Св. Карла Борромея). Он обладал поразительной скоростью работы (например, «Поклонение волхвов» высотой в пять метров было написано за 11 дней). Бесконечно разнообразие его творчества: от пышных парадных портретов до интимных пейзажей Фландрии, от мифологических сцен до изображений крестьян. Рубенс был глубоко национальным художником, воспевавшим красоту и силу жизни. Он скончался в 1640 году, оставив после себя великую школу учеников, среди которых был и Ван Дейк.

---

Камиль Коро (1796–1875)

Незадолго до смерти замечательного французского художника Камиля Коро один из его современников сказал: «Старый мэтр казался полным жизни и сил: он словно был призван к славному долголетию Тициана». Коро умер на пороге своего восьмидесятилетия. Это был художник-философ, бескорыстный мудрец, преданный одной лишь живописи. Официальные награды на склоне лет не означали всеобщего признания, но он никогда не позволял банальному мнению поколебать свой внутренний мир.

Мастеру выпало жить в бурном XIX веке, но все бури прошли для него стороной. Он избрал путь художника-пейзажиста. Он прошёл краткую школу классицизма и устремился в Италию. Его ранние итальянские работы сравнивают с пейзажами Сильвестра Щедрина. Но Коро искал иные, не традиционные точки зрения, привнося в античные панорамы свежесть и остроту современного восприятия. Италия осталась для него воплощением стройной картины мира, проникнутой сердечностью, подобной искусству Ватто.

Вернувшись во Францию, он бежит от больших городов. Ему милы скромные уголки Нормандии и Бретани, парижские пригороды, окутанные влажной дымкой рощи, старинные улочки. Его выбор натуры выдает горожанина, тоскующего по природе. В 1820–40-е годы он уделяет большое внимание построению картины, единый поток света смягчает контуры, но не лишает формы пластической силы.

В 1850-е годы его полотна напоены утонченным лиризмом. Их называют «пейзажами настроения». Легкая, вибрирующая живописная поверхность, переливчатая дымка, размывающая контуры, — всё это создаёт ощущение мечты. Его искусство становится самоуглубленным. Позже у него появляются «фигуры» — мечтательные девушки, греющие среди лугов или с книгой в руках. Эти образы — воплощение его поэтической натуры. Молодость входит в его позднее творчество, которое он сам скромно уподоблял пению жаворонка. Его искусство высоко ценили барбизонцы и импрессионисты, а пейзажист XX века Альбер Марке называл Коро своим духовным отцом.

---

Клод Моне (1840–1926)

Клод Моне родился в Париже в 1840 году, но детство провёл в Гавре. Там в пятнадцать лет он познакомился с художником Эженом Буденом, который приобщил его к пленэрной живописи. Отбыв воинскую повинность, он в 1862 году начал регулярные занятия в парижской мастерской Глейра, где встретил Ренуара, Сислея и Базиля.

Любовь Моне к природе не знала границ. Уже в 1863 году он пишет, что «с ума сходит от желания всё это написать». В 1865 году он добивается успеха в Салоне, его хвалят критики. Но уже в 1867 году его новаторская работа «Женщины в саду», полная света и воздуха, отвергается жюри. Начинается период жесточайшей нужды, временами доходящей до отчаяния. Друзья, в особенности Базиль, помогают ему. Несмотря на это, Моне не сдаётся и продолжает искать свой путь. «Всё, что я делаю здесь, — пишет он из Гавра, — хорошо уже тем, что ни на кого не похоже: это просто впечатления, которые я получил и пережил сам».

В 1869 году вместе с Ренуаром он пишет сцены купания в «Лягушатнике», вырабатывая окончательный импрессионистический стиль с его разложением тонов и трепетным мазком. Во время войны 1870 года он уезжает в Лондон, где знакомится с Дюран-Рюэлем. Вернувшись, он селится в Аржантее. 1870-е годы — период расцвета его импрессионизма. Именно его картина «Впечатление. Восходящее солнце» (1872) дала название всему движению на скандальной выставке 1874 года у Надара. Моне всю жизнь оставался верен принципам импрессионизма, исследуя изменчивость света и цвета в знаменитых сериях: «Стога», «Руанский собор», «Кувшинки».