Обзор истории изобразительных искусств для детей

                Рабочая программа
                по предмету «История искусств»
                для детской музыкальной школы





                Автор:
                Май Н.Г.














2015 год

                Пояснительная записка

Предмет «История искусств» преподается в детских музыкальных школах в качестве факультатива с 4 по 7 классы. Цели и задачи этой учебной дисциплины – дать учащимся представление о различных эпохах в истории изобразительных искусств: расширить их кругозор историческими сведениями. При этом на каждом уроке должны быть иллюстрации того, о чем рассказывает педагог – изображения картин, скульптур, зданий, фресок, мозаики, орнаментов на предметах обихода.
Чтобы преподавание не стало слишком сухим, предлагается ввести различные формы работы с изучаемым материалом: рисунок (попытка самостоятельно изобразить отдельные, доступные для понимания, элементы изучаемого материала), рассказ о произведении искусства - письменный и устный. Это даст толчок фантазии детей, им станет легче усваивать материал, который иначе покажется трудно доступным для понимания.
Дети должны научиться разбираться в том, что их окружает, узнать о лучших музеях и сокровищницах мира, самых знаменитых местах, которые стоит посетить. И главное – почувствовать желание на протяжении жизни постоянно пополнять свои знания, что должно способствовать обогащению их внутреннего мира и развитию тонкого эстетического вкуса.










Количество часов

1. Первый год обучения. Древние цивилизации:  Египет (9 часов), Азия (7 часов), Греция (11 часов), Рим (9 часов).  (итого 36 часов)
2. Второй год обучения. Древнехристианская эпоха – Византия (9 часов). Арабы - магометанская вера (7 часов).  Зодчество на Западе - Средние века (20 часов).(итого 36 часов)
3. Третий год обучения. Эпоха Возрождения - живопись: Италия, Нидерланды, Испания, Германия. Скульптура, архитектура и зодчество (16 часов).  Европа: от окончания Возрождения до конца XIX века (20 часов). (итого 36 часов)
4. Четвертый год обучения. Древняя Русь (9 часов) - искусство в России до конца XIX века (21 час). Польша, Финляндия (6 часов). (итого 36 часов)






















         Содержание курса

1. Древние цивилизации
Древний Египет. Расположен на узкой полоске плодородной земли вдоль течения Нила между Сахарой и Красным морем. Разливы превратили каменистую пустыню в цветущую долину; экономическое процветание привело к усложнению отношений в обществе и создало условия для появления в Египте первого в истории человеческой цивилизации государства с исключительно своеобразными нравами, обычаями и верованиями (рис. 1,3). Здесь все отличалось неповторимыми характерными особенностями: религия, зодчество, пластика и живопись. Древним грекам и римлянам Египет казался страной чудес. В иероглифах, покрывавших все памятники долины Нила, они видели таинственные знаки, не имеющие никакого отношения к реальной жизни. Боги с птичьими головами на колоссальных пирамидах, священные быки и крокодилы. Прошло 18 веков, чтобы туман, окружавший древнюю страну фараонов, рассеялся, и она предстала нам более ясно. Начало исследованиям положила египетская экспедиция Наполеона. Постепенно стали раскрывать тайны Египта.
Египтяне не были коренным населением Африки, эта народность образовалась в результате смешения различных племен Северо-Восточной Африки и некоторых племен Передней Азии. Люди смуглые крепкого телосложения с черными гладкими волосами. Благополучие зависело от Нила, были подчинены природным условиям. Реку называли священной. Жизнь Египта зависела от разлива реки (ночь, когда ежегодно Нил переливался через берег, была праздником, всюду зажигались огни, и сновали освещенные лодки, праздновалась ночь капли, если ее не перепадало, страну охватывало горе: не было урожая, сухая почва не давала жатвы, и долину ждал голод). Чтобы отрегулировать количество воды для орошения полей, нужно было сделать отводные каналы и шлюзы. Развивалось инженерное и техническое дело. Дороговизна участков повлекла за собой необходимость рационального использования земли. Стимулировало развития землемерия. Календарь – нужен был прежде всего ради того, чтобы знать время разлива, приготовиться к наплыву воды. Каста жрецов посвятила себя изучению астрономической науки, использовав новые знания для развития религиозного культа.Население строго разделялось на касты воинов и земледельцев, над которыми господствовала третья каста – жрецов. Эти рамки создали искусство, строго ограниченное определенными канонами. Здесь нет смелой, живой, игривой фантазии. Выражение абсолютного покоя.
Во время пиров носили гроб с изображением мертвеца, где высочайшие здания – пирамиды – были гигантскими гробницами над прахом царей, где каждый с рождения готовился к переходу в Царство Мертвых, должна была дать идеальное воплощение созерцательного состояния. Величавая недвижимость в позах египетских статуй, строгое спокойствие архитектурных линий и украшений стен выражено крайне неловко или условно. Пестрая роспись стен имеет такой же условный колорит. Древнейшие памятники: остатки гробниц неподалеку от Каира на левом берегу Нила, где находилась древнейшая из египетских столиц – Мемфис. Это не только самые древние, но и самые крупные из памятников, воздвигнутых человечеством. По высоте могут сравниться только верхушки Кельнского собора и Эйфелевой башни. Пирамиды стоят на каменном плоскогорье и разбросаны на площади почти в 30 квадратных километров, большинство разрушено.
Египтяне искусно отделывали внутренность гробниц – молитвы и высеченные на стенах фигуры должны были обеспечить умершему доступ ко всем необходимым средствам к существованию в загробной жизни и предохранить от опасностей. Земная жизнь – лишь подготовка к загробной. Греки называли гробницы египтян вечными жилищами, а дома – их гостиницами.
Идея «вечного жилища» достигла цели: пирамиды простояли сорок веков и могут простоять еще столько же. Их возводили из громадных глыб известняка, из кирпича, сделанного из нильского ила. Стороны были обращены к четырем сторонам света. Их строили уступами вверх; промежутки позднее заполняли трехсторонними кусками полированного камня или мрамора, составлявшими внешнюю облицовку, футляр пирамиды.
Работа над этими постройками была невероятно тяжелой и сложной. Сотни тысяч людей трудились только над сооружением откоса для поднятия тяжестей на каменную гряду террасы. Огромное количество рабов, неограниченная власть фараонов. Центр пирамиды: царский склеп с саркофагом, снаружи туда вел неудобный ход, тщательно заложенный после погребения царя опускающейся дверью, сбоку внутри находилось святилище, посвященное культу усопшего, украшали изображениями умершего в виде статуй, высеченных из камня. Если она служила семейной гробницей, в ней помещалось два или три саркофага (рис. 6). Вокруг них – много частных гробниц: прямоугольные небольшие сооружения со сводчатым потолком, грубо сложенные из желтых кирпичей и камней. Захоронения знати состояли из трех частей: надземной, которая вела в святилище, шахты и подземелья, к которому вела эта шахта. Внутренняя часть – одна комната, в глубине громадный прямоугольный столб, к которому был прислонен жертвенный стол из алебастра или камня, иногда его место занимали два обелиска или два небольших жертвенника с выдолбленными углублениями для пожертвований.
Повторяли устройство помещений, которые в Древнем Египте располагались и на поверхности земли, и в подземельях. Через дверь посетитель попадал на открытый двор, а со двора, по ступеням, выходил на открытую галерею. Жилье было расположено над галереей. На памятниках не встречается жилье выше трех этажей, но греческие и арабские писатели утверждают, что были дома из четырех и пяти этажей. Башня, где располагалась спальня. Спать в нижнем ярусе было невозможно – комары, жара. Чтобы африканское солнце не проникало внутрь, использовали ставни, занавесы и ковры. Окна были всегда обращены на север. На галереях, опоясывающих двор, обедали, когда жара спадала. Для охлаждения на сквозном ветру ставили пористые глиняные кувшины с водой. Вода, испаряясь, охлаждалась и освежала воздух.
В некоторых домах входы и прихожие были великолепно отделаны или украшены статуями божеств и царей. На загородных дачах вельмож устраивали подземные покои – прекрасное убежище во время дневного зноя. Такими подземельями до сих пор оборудуют дома на Востоке. За домом – сад с правильно разбитыми посадками, аллеями, бассейнами, насосами для орошения, амбары, большие скотные дворы. Спасаясь от зноя – огромные стены, которые раскрашивали жанровыми и батальными изображениями. Расписывались и цилиндрические поверхности колонн. Их сверху донизу покрывали иероглифами, на воспроизведение которых требовалось немало труда. Долгое время их не могли расшифровать, теперь читают свободно.
Самые простые знаки: связаны с внешним видом предметов, которые они обозначали. Лев – рисовали крохотную фигурку льва, лотос – рисовали лотос, ходить – рисовали ноги, для передачи более сложных значений рисовали ребус – ряд предметов, каждый из которых обозначал определенную букву. Чтение упрощалось благодаря вспомогательным изображениям (рис. 7). Определенного порядка не существовало, писали и справа налево и сверху вниз. Начертание фигур указывало направление чтения: куда смотрит морда зайца, голова змеи, куда указывает рука, нога, оттуда и читали. Со временем чтение упрощалось для нас  – иероглифическое начертание к 7 веку сменилось демотическим: буквенным. Иероглифы остались только на стенных росписях, носящих священный характер. Благодаря двум найденным камням, на которых надпись демотическим письмом была нанесена рядом с греческим текстом, а также переводу Евангелия на коптский язык удалось разгадать таинственный смысл этих древних письмен.
Нанося иероглифы на здания, египтянин не оставлял не закрашенным ни одного угла на стене и двери. Настенная живопись достигла в долине Нила большого развития. Рисунок 2 – жанровые сцены: сцены пиршества и обряд похорон. Слабый рисунок – нельзя отличить мужчин от женщин. Мужчин изображали темно-красными, а женщин – бледно-желтыми. У женщин длина костюма отличается от мужской. Примитивно нарисованная фигура – голова в профиль, глаз, впереди, нога сбоку, пальцы на руках рисовали одной длины, и только большой палец был сильно отставлен от других, плотно слипшихся фаланг, контур образовывали не формы, а резко очерченные линии. О перспективе египтяне не имели понятия. Каждое кресло и стол изображали с двумя ножками, храмы, обелиски и пирамиды – с одной стороны. Ряд предметов, лежащих в перспективе один за другим, рисовали друг над другом. Если за кувшином не видно было стоявшей сзади скамейки, то ее рисовали в воздухе над кувшином, смешивая перспективное изображение с планом. Шеренга солдат – художник повторял ряд профилей, а не помещал их один над другим (пример наивного понимания перспективы – рис. 11). Величие изображалось материально, поэтому фараона всегда изображали намного большего роста, чем всех окружающих (рис. 9).
С течением времени искусство рисования не становилось совершеннее. Религиозно-культурная замкнутость государства на берегах Нила, презрительное отношение к иностранцам, не допускали никаких свежих веяний. Художественные формы сохранялись неприкосновенными в течение нескольких столетий. Фетишизм переходит в политеизм – поклонение животным и их обоготворение превращается в форму высшей идеи. Путаница образов – человеческих и звериных. К человеческому телу приставляется птичья голова, к львиному туловищу – человеческое лицо. На высшей стадии развития они поклонялись не собственно животным, а определенному символу, который эти существа воплощали. Ярче всего идеал искусства выразился в сфинксе – смешение человеческих и звериных элементов не производит тягостного впечатления, благодаря удачной форме. Спокойствие, соразмерность, созерцательность. Соразмерность человеческого тела – веками выработанный канон. Это распространялось и на амулеты, и на скульптуру. Колоссальные изваяния: знаменитый Мемфисский сфинкс. Из цельной скалы. Высота от земли – 22 метра. Голоса – 24 метров в окружности, уши и нос – в рост человека. Он занесен песком, над поверхностью земли видна только голова. Три раза в течение 19 века откапывали, но песок снова заносил его. Голова сильно пострадала – выстрелы. Между передними лапами чудовища в груди помещалась молельня, где на гранитной плите изображен сфинкс с надписью Гар-ем-ху, то есть Гор в блеске. Остались следы красок, он был так же пестро раскрашен, как и все памятники в Египте.
Сфинксы являются портретами фараонов. К лицу царя приделывали львиное туловище, потому что царю сопутствовал эпитет лев – символ мощи и силы. Превращение в священные – дело более позднего времени. У христиан тоже со святыми отождествляются представители власти – Людовик Святой, Владимир Равноапостольный, Александр Невский и др.
Сидячие статуи богов, богинь, царей и цариц - излюбленные изображения у египтян. Однообразны по стилю. Ровно, спокойно, недвижно. Известные памятники египетской пластики – статуи Мемнона, воздвигнутые 40 веков назад и отнесенные греками к чудесам света. Две фигуры: одна из цельной глыбы песчаника, другая из пяти кусков, наложенных один на другой. Воздвигнуты за 600 лет то Троянской войны, по греческой легенде это памятники знаменитого героя Илиона – Мемнона (полубожественное происхождение - сын Тифона и Эос, богини Зари, сражался с Ахиллесом и был убит, Зевс почтил его память тем, что обратил его прах в черных ястребов, которые дрались над его могилой, изображая битвы под Троей, это таинственные Мемноновы птицы, мать заключила голос Мемнона в статую, и когда на небе заря, статуя поет – очевидцы утверждали, что слышали эти звуки, напоминающие пение лопнувшей струны). В небольших статуэтках египтяне возвышались до глубокого реализма: «Пивовар» (рис. 17) и «Луврский писец» (рис. 18). Обоготворяли царей – Осириса и Исиду, они создали культуру и положили начало хлебопашеству. В честь героев строили храмы, воздвигали алтари, приносили жертвы и курения, их прославляли в песнях.
По мере расширения Египта обряды стали проводить в храмах. Небольшие каменные молельни сменили грандиозные здания. Они становились все крупнее и просторнее. Строились по единому образцу в виде удлинненного параллелограмма, обращенного фасадом к Нилу. От Нила к храму вела дорога, уставленная рядами сфинксов, высеченных из красного песчаника. У них львиные, бараньи или человеческие головы из такого же материала. У входа – обелиски: колонны, которые, суживаясь к вершине, представляли собой четырехгранный столб, заканчивающийся пирамидкой. Грани были испещрены надписями (рис.21). Рядом – сидячие фигуры. Над входом – эмблема солнца в виде диска, украшенного символическим орнаментом, который состоял из изображений змей и больших распростертых крыльев. Это своего рода государственный герб, везде встречался над входами в храмы. Вытянутый ряд пристроек – в основе лежит идея тройного неба: как бы три ящика, один в другом.
Культ мертвых – повышение мастерства отделки гробов, мумий и саркофагов. В Лейципгском музее – гроб из кедрового дерева, небольшие фигуры, у которых вырезаны даже ногти на пальцах, и таких фигур на этом гробе три тысячи. Богатых людей хоронили в тройном гробу, забальзамировав, это было доведено до такой степени совершенства, что высохшие мумии людей и священных животных хорошо сохранились до нашего времени (рис. 25).
Костюм – легкий из-за тропического зноя. Мужчины – передник, узкий кусок ткани, прикрепленный к тонкому ремешку на поясе или пропущенный между ног и подвязанный другим концом к задней стороне пояса. Вельможи драпировали его множеством сборок и складок, к поясу прикреплялись ремни для ношения его оружия. Женщины носили длинную рубаху, которая держалась на бретельках и доставала до пят, а иногда имела рукава и прикрывала плечи, ткань была прозрачной, дома не носили одежды и украшали себя ожерельями, браслетами и великолепными головными уборами. Даже на бедрах – в виде тончайшей цепочки. Но макияж наносили неумело – красили черной краской брови и ресницы, глаза обводили широкими зелеными кругами, руки и ноги окрашивали оранжевой краской. Одной из особенностей костюма был широкий воротник-ожерелье, прикрывавший плечи и верхнюю часть груди, это национальное украшение носили мужчины и женщины, иногда оно выглядело нарядно, украшенное золотом и разноцветной эмалью, служило одним из почетных царских подарков.
Домашняя утварь – роскошь высших классов резко контрастировала с простотой быта народа. У них мебель почти не использовалась. Сидели на циновках из тростника. Из Передней Азии позаимствовали стулья, табуреты и кресла, обитые и украшенные с большой роскошью. Не редкостью были столы из мозаики, слоновой кости, мрамора. Спали на мягких кушетках, подкладывая вместо подушки под голову обтянутые кожей подставки, вроде тех валиков, которые заменяют подушки японкам. Множество разнообразных сундучков, ларчиков, бронзовых зеркал, туалетных принадлежностей, опахал и сосудов самых разнообразных форм, их ввозили из Каппадокии и Кипра. Роскошные сады, виноградники.
Оружие  - лук величиной от одного метра двадцати сантиметров до полутора метров, порой отделанный великолепной резьбой. Порой он был отделан великолепной резьбой. Копья с металлическими наконечниками, пращи, палицы, секиры. Длинные ножи, боевые серпы и кинжалы – из Азии. Боевой флот – расписные паруса и рубки придавали постройке своеобразный стиль, при этом росписью могли быть покрыты не только борта, но и весла.
Сигнальная музыка – вероятно, трубы. Настенные изображения свидетельствуют, что на берегах Нила существовало множество музыкальных инструментов (рис. 27, 34). Любимый – арфа.
Египетское влияние сказалось на соседних территориях – Нубии и Эфиопии. Это сказалось и на еврейском искусстве. Среди настенных изображений встречаются жанровые сцены из быта евреев, которые долгое время пребывали в плену у фараонов (рис. 37). Уходя из долины Нила, евреи унесли с собой множество египетских вещей и драгоценностей.

               
Передняя Азия: Ассирия, Вавилон, Персия

Азиатское древнее  искусство носит этнографический характер, его особенности мало повлияли на европейское искусство. В более поздние века Азия через Африку и народы, населявшие бассейн Каспийского моря, могла влиять на Западную Европу и Восточную Русь.
Самая известная постройка Востока – Вавилонская башня. Одиннадцатая глава Моисеевой книги «Бытие» начинается так:
«На всей земле был один язык и одно наречие,
Двинувшись с Востока, они нашли в земле Севаар равнину и поселились там.
И сказали друг другу: наделаем кирпичей и обожжем огнем;
И стали у них кирпичи вместо камней, а земляная смола вместо извести.
И сказали они: построим себе город и башню, высотою до небес; и сделаем себе имя, прежде нежели рассеемся по лицу всей земли…»
Башня возбудила ревность Иеговы, осталась недостроенной из-за этого, и была названа Вавилоном (Бабелом). Менее древние свидетельства подтверждают существование такой пирамиды, которая называлась капищем Бела или Ваала. Развалины сохранились.
Месопотамия (или Междуречье), расположенное между Тигром и Евфратом, похоже по своим природным условиям на Египет, и здесь благосостояние страны не зависит от разливов обеих рек. Природные условия в Междуречье влияли на умственное развитие народов, ускоряя их движение по пути научного и художественного прогресса. В этих местах за 3000 лет до н.э. расцвела цивилизация: халдеи или калди занимались астрономией, землемерием, инженерным искусством. В освоение письменности продвинулись дальше жителей Нила: создали клинообразные буквы, которые стали шагом вперед по сравнению с иероглифами.
Хитро придуманные видоизменения острия копья (клина) передают разные звуки и отдельные слоги: до нас дошло множество глиняных обожженных пластинок, покрытых этими письменами. Они, описывая построение храмов и крепостей, содержат свидетельства о войнах с северными народами – ассирийцами (рис. 39, 40).
Ассирийцы, по мнению историков, - самая одаренная нация среди всех народов Западной Азии. Воспользовались тысячелетней цивилизацией халдеев, усвоили себе многое из их нравов и религиозных верований,  - но проявили при этом больше силы, энергии и таланта. Личная храбрость и физическая сила находились у них на первом плане. В многочисленных войнах они победили соседние народы, а в мирное время укрепляли свой дух тем, что ходили на диких быков и львов один на один (рис. 41).
Стремление к монументальным постройкам – одна из характерных черт искусства народов Передней Азии. Возможно, вдохновили колоссальные размеры окружающих гор, долин, рек. Искусство развилось в роскошное, самобытное. Повлияло на искусство ближайших соседей, памятники культуры европейских народов. Вплоть до 19 века искусство ассирийцев, вавилонян оставалось практически забытым. Только в 1842 году Ботта, французский консул в Моссуде, начал раскопки на восточном берегу Тибра. По его стопам пошел англичанин Лейярд, откопавший целые дворцы и обогативший музеи Лондона, благодаря ему, мы все это знаем о древнеазиатском искусстве.
Ниневия имела 84 км в окружности и была обнесена огромными стенами и башнями – по свидетельству писателей древности.  Раскопки многое подтвердили. Ниневия располагалась на холмах, которые, группируясь между собой, образовывали естественные границы между частями города. Потом были обнаружены образцы скульптур: портал хорсабадского  дворца с четырьмя изображениями крылатых львов с человечьими головами. Все стены дворцов покрыты алебастровыми плитами, которые были укрыты барельефами. Сооружены уступами.  Есть пирамиды, для которых подобная форма считается древнейшей. Стены были сооружены из кирпича (как Вавилонская башня – рис. 42), достигали колоссальной толщины.
Характерные элементы: живопись и скульптура по алебастровым плитам, глазурованный кирпич. Искусство служило только для декорации дворца, но религиозные сюжеты были далеко не столько популярны. Жанровые сцены, царский быт (рис. 43) особенно, составляют основной предмет изображения в пластике и живописи. Царские охоты, пиры, поединки, мифологические сюжеты. Азиатский отпечаток известного типа: люди приземисты, коренасты и склонны к тучности и ожирению (рис. 44). Реализм мускулов, торсу соответствует грузная голова, зобастая, с крупной нижней челюстью, крючковатым носом и маленьким лбом. Волосы убраны в завитки, движения свободны и характерны. Одежда лишена складок, плотно прилегает к телу и словно выделана из толстой грубой кожи.
Лошади представлены слишком условно, зато дикие звери превосходны (рис. 38, 41, 45). В Ассирии засверкала жизнь в изображениях видимой природы – фантастические фигуры: человеческие головы со звериным туловищем или птичьи головы с человеческим торсом. Оригинально. В Лувре есть талисман в виде бронзового чудовища с собачьим туловищем, птичьими ногами, хвостом скорпиона, человеческим черепом, козьими рогами и четырьмя фантастическими крыльями. Крылатые львы и быки – шедевры. Древнейший памятник – львы, затем – нимрудские и хорсабальские скульптуры. Позднейшая эпоха – дворец в Куюнджи с рельефами по алебастру эпохи 8-7 века до н.э.
Когда Ниневия пала, ее место занял Вавилон, центр науки и просвещения Средней Азии. Колоссальный, он имел в наружной стене сто бронзовых ворот, не считая отдельного ограждения в городской цитадели. Капище Бела стояло посреди огромного двора, куда можно было попасть через бронзовые ворота. Состояло из громадной уступчатой пирамиды, в нижней части которой был расположен храм с золотым идолом, троном и жертвенником. Наверху был другой храм, также полный золотой утвари. Золотые идолы, возможно, лишь имели золотую оболочку. Стены Вавилона – 66 км окружности, а толщина их была такова, что по ним свободно проезжало 6 колесниц в ряд. На 30 км по обоим берегам Евфрата – набережная, соединенная с городом каменным мостом. Городскую стену защищали 250 боевых башен.
Внешний облик жителей
В Египте это мог быть лоскуток материи, обернутый вокруг бедер. В Ассирии – длинная, до пят, рубаха, укороченная до колен, подвязанная поясом. Верхнее платье носили только привилегированные классы, мужской и женский костюм мало чем отличались. Азиатские материи были великолепны: Азия славилась выделкой тканей, особенно цветных и узорчатых. Обшитые кистями и тяжелой бахромой, с широкими каймами, разукрашенные арабесками, они сверкали великолепной пестротой Востока. Придворные в позднейшее время – пурпурные одежды, опахала, блестящее оружие, зонтики. Царь являлся перед подданными в белом клобуке с диадемой в нижней части и фиолетовыми лентами, спускавшимися за спину. В руке – вызолоченный царский посох. Он занимал должность жреца, на его одежде иногда появлялось изображение звезд и созвездий, служивших предметом поклонения ассирийцев (рис. 48 – 50).Оружие – славилось. Превосходная сталь, щиты, луки, мечи работы азиатских мастеров оружейников расходились по всему свету. Кинжал – знак благородного происхождения. Копья, топора, панцири.
Частные жилища
Походили на египетские. Плоские крыши, открытые галереи и простота архитектурных решений. В деталях новизна – своеобразие капителей: волюта (завиток, появился впервые), которая потом заняла важное место, в орнаменте заметны оригинальность и самобытность, комнаты закрывали коврами, которые заменяли циновку, обои и входную дверь и даже перегородку.
Дворцы правителей
Дворцы в период расцвета разрослись до небывалых размеров. Царь Навуходоносор построил для супруги террасные сады, которые занимали 15 тысяч квадратных метров. Поднимались выше садовых башен а напоминали гористую родину царицы-мидянки, потом они получили название «висячие сады Семирамиды» и считались одним из семи чудес света. Каждая платформа террасы была сложена из кирпича, ее подпирали массивные каменные опоры. На них – каменные плиты, потом толстые слои гипса, тростника и асфальта, прикрытые от сырости толстыми свинцовыми листами, на них насыпан густой слой земли. Орошалось все это при помощи насосов, которые поднимали воду из Евфрата в бассейн, расположенный на террасе.
После временного появления мидийцев, пытавшихся объединить другие народы под своим владычеством, появилась новая могучая монархия – персы. Суровые воспитанники пустынной скалистой страны. Завоевали Вавилон, распространили свою монархию до берегов Каспийского моря.
Величайший законодатель Заратустра (Зороастр) дал персам скрижали правил жизни, установил вечный дуализм: борьбу добра (Ормузда) со злом (Ариманом). Религия не допускала ни изображений божества, ни храмов. Освещение – очистительный огонь, которому поклонялись. Нет священных изображений, все искусство сводится к прославлению подвигов царей и героев (рис. 62). Две темы: царская власть и культ умерших, у них нет обширных храмов и идолов. Древние памятники: Пассаргады, столица персидских царей, скалы Персеполя и гробницы царей. Эллинское влияние.

Древняя Греция

В древнейшие времена Грецию заселили выходцы из Азии. Они прибывали через Мраморное море с северо-востока и через острова, лежащие на юго-восток от Эллады. Арийское племя. Называли себя эллинами. Здесь они встретили первобытное племя перасгов. Победили их. Получили отпор от финикийских колоний, которые потом оказали на них большое культурное влияние. Переняли от них письменность – звуковое письмо и алфавит. В мифологии греков есть много финикийских мифов и обрядов. Некоторые греческие божества финикийского происхождения – например, Астарта, которая у греков превратилась в Афродиту. Роскошные пастбища. Окрепли племенные союзы, которые стали обращать внимание на близлежащие территории. Троянская война вынудила цвет греческой молодежи отправиться в Малую Азию, под стенами Илиона погибли храбрейшие из них. Азиатская изнеженность повлияла – возвратившись домой, они упали духом. У них не хватило сил противостоять суровым закаленным дорийцам. Так на развалинах одного племени основывало свою цивилизацию другое.
С ростом политического влияния развивалось и искусство. Все достижения зодчества и скульптуры на Востоке и в Египте оказались только подготовкой к их пышному расцвету на северных берегах Средиземного моря, сперва в Элладе, потом в Риме. Двигаясь к юго-востоку, через острова, искусство нашло в жителях Греции отзывчивую природу, мощную ширь, благоприятные условия. Воплотилось в великолепные пластические фигуры, стало образцом для подражания всех прочих стран и веков.
Сохранилось немного памятников первоначального периода зодчества эллинов. Уцелели циклопические стены, сложенные из неправильных многоугольных камней, «львиные ворота» в Микенах (рис. 67) – вход в город украшен оригинальным порталом, над дверью на мраморном постаменте изображение герба в виде двух львов, поставленных симметрично у небольшой колонны. Другие уцелевшие постройки: подземные сокровищницы, вероятно, были гробницами царей. Близ Микен – сокровищница Атрея (рис. 66). Круглая комната со стенами, сходящимися наверху в одной точке куполообразного свода. Можно предположить по дырочкам, что внутри комната была облицована медными, серебряными или золочеными листами. Высота зала – до 15 метров.
Эти сведения были бы единственным, что мы знаем об истории Эллады, если бы не гомеровский эпос. Во времена Гомера существовали благоустроенные города, дворцы и дома. Предметы роскоши вошли в обиход эллинской жизни: золотые, серебряные вещи, оружие, ткани. Гомер описывает палаты царя Алкиноя («Одиссея») – медные стены, сверху карниз лазоревой стали, двери, литые из чистого золота, фигура серебряного князя с золотым кольцом, золотая и серебряная собаки. Вокруг внутреннего двора, посередине которого располагался очаг, шли ряды спален – для мужчин и женщин по разные стороны. Скотные дворы, конюшни, сараи для колесниц, кладовые, мельницы, ванны, помещения для рабов, кухни. Второй этаж – небольшая площадь, кладовые и спальни для прислужниц (в «Одиссее»). В подвалах хранилось вино и сосуды, иногда достигавшие огромной величины (рис. 71). Ткани, предметы роскоши – изготовление доведено до совершенства. Плетения филигранной работы и мелкие золотые вещи и сегодня приводят в изумление золотых дел мастеров. Роскошь распространялась и на колесницы. Светильники иногда укрепляли на статуях или кариатидах. Великолепное оружие: серебряные поножи, медные латы, огромные щиты, шлемы с конской гривой, копья, стрелы, секиры. В «Илиаде» описан удивительный щит Ахиллеса, выполненный с особенным мастерством. 

                Греческая мифология

Боги одаривали своей любовью простых смертных, от их союзов рождались герои. Нет двухголовых, трехголовых существ, смеси зверя с человеческой формой. Преобладает человеческая природа. Боги подобны людям. Сварливые, мстительные, иногда безнравственные, но каждый воплощает определенную идею. К примеру, Афродита изменяет мужу, но является олицетворением любви.
Начало – Хаос, борьба всех стихий. Из него образовалась земля – Гея, подземный ад – Тартар и любовь  –  Эрос. Гея произвела Урана (небо), от их союза произошел Хронос (время). Потом родились титаны и циклопы. Уран из опасений за свое могущество ниспроверг детей в Тартар. Хронос пошел против отца, и из пролитой им крови возникли Эринии – богини мести. Хронос, овладев миром с помощью титанов, опасаясь своих детей, пожирал их. Но младший, Зевс, успел скрыться и овладел вселенной с помощью циклопов  и Прометея, победив чудовищного Тифона. В мире воцарился порядок.
Зевс Кронид – идея верховного могущества и правителя мира. Изображается с молнией в руках и с орлом у ног, к нему обращались с молитвами (рис. 69, 70). «Волоокая» Гера, его супруга, олицетворяет землю. Художники ее изображали величественной и царственной (рис. 72), но она была сварливой и ревнивой женой. У ее ног изображают павлина. Посейдон, владыка морей, своим трезубцем мог возмущать и укрощать волны, ездил на колеснице в виде раковины, которую двигали морские чудовища. Его называли Зевсом морей. Бог войны – Арей(рис. 75). Воплощение ужаса, распрей, крови. Но в то же время очень красивый. Афродита – богиня любви, вышедшая из морской пены. От союза Арея и Афродиты родился крылатый мальчишка Эрот – маленький божок с луком и стрелами. Костюм Афродиты – узорчатый пояс, особенно ее чествовали на Кипре, даже прозвали Кипридой. Ее свита состояла из Граций – Аглаи, Талии и Эфросины. Супруг Афродиты – хромоногий Гефест. В этом союзе кузнеца-художника с идеальной красой греки хотели выразить необходимость сочетания красоты с искусством и ремеслом. Дети Зевса и Латоны: Феб-Аполлон и Артемида-Диана (рис. 76, 78). Оба непревзойденные стрелки из лука. Феб – бог Солнца, идеал мужской красоты, по утрам на огненных конях он выезжал из моря и мчался по небесному своду, а впереди него неслась Эос – богиня утренней зари. Феб-Аполлон открывал людям будущее: его Дельфийский храм был местом пророчеств. За ним следовали Музы, олицетворяя изящные искусства во всех их проявлениях. Артемида – владычица неба, только ночного. Луной поднималась над спящим миром, она же была богиней лесов и охоты. С луком в руках и колчаном за плечами устремлялась в свои заповедные рощи. Покровительница города Эфеса. Там был воздвигнут в ее честь храм, одно из семи чудес света, сожженный Геростратом. Брат Зевса, Аид, - владыка подземного царства. Его супруга – Персефона. У его ног сидел трехглавый пес, Кербер (Цербер), а вокруг группировалась свита, состоявшая из Эвменид, богинь мести. Персефона полгода жила с мужем, полгода с матерью Деметрой (Церерой), у которой ее похитил Аид. Деметра, опечаленная потерей дочери, лишила землю производительной силы, но Зевс рассудил – пусть живет то с матерью, то с мужем. Так произошли времена года – цветение, холод ассоциируются с летом, зимой и т.п. Дионис, окруженный менадами, фавнами и силенами, смягчал грубость нравов и учил людей виноделию (рис. 65, 77). Гермес (Меркурий) носился в крылатом шлеме и окрыленных сандалиях по небу, исполняя волю Зевса. Стал богом красноречия и промышленности. Ирида-радуга была посланницей державной Геры.
Жители Эллады создали второстепенных богов: в каждом ручье, долине, роще обитало свое божество, которое являлось людям и влияло на их дела и занятия. Изображение получеловеческих, полузвериных существ редко встречается у эллинов, но даже их козлоногие фавны так гармоничны, что не производят отталкивающего впечатления, соединение женского торса с рыбьим хвостом у сирен похоже, скорее, на художественную шутку.
Эллины как нация сложились на основе четырех племен: дорийского, ионийского, эолийского и ахейского. Когда дорийцы вытеснили ахейцев и сделали центром своего правления Спарту, монархическая власть была упразднена, потому что богатства приучали к изнеженности. Противовесом Спарте стала Аттика с ее свободным ионийским населением. Легкий веселый взгляд на жизнь афинян контрастировал с мрачной суровостью спартанцев. Поочередная гегемония то спартанцев, то афинян дает полную картину возмужания, могущества и одряхления государства. История Эллады вместе с историей Рима может служить прототипом для историй всех государств мира.
Дорийцы не привнесли традиций зодчества, они стали возводить простые деревянные храмы. Каменные храмы греки стали возводить довольно поздно, в них не было особой нужды из-за климата. Главная деталь греков – колонна (рис. 83). Без барельефов и надписей. Храмы были невелики и темноваты, жертвоприношения совершались перед храмом. Каменные здания расписывали в яркие цвета, чаще в красный и голубой. Полная свобода творчества. Каждая постройка имела свой индивидуальный облик. Ядро храма – святилище (в центре идол или предмет, олицетворяющий божество). Идолы были деревянными. Облачались в одежды и украшения. Одновременно соскульптурными стали появляться и металлические изображения: храмовая утварь, сосуды. Литейщики, золотых дел мастера, паяльщики.
Великая пластическая школа. Ясное спокойное ничем не замутненное мировоззрение греков породило такое же чистое и ясное искусство. Они овладели формой так, как никто из предшественников. Стали эталоном хорошего вкуса. Любое из государств Эллады равно району в России, а вся Греция меньше области. Округлые горы, рощи, море, испещренное островками, способствовало выработке определенных точных линий. Нет тумана, дождей, вечное лето. Не нужна теплая одежда, прочные жилища, мостовые, тротуары – грязи не было. Не нужны помещения для театра, потому что сидеть там душно, а на террасе горы хорошо и прохладно. В центре террасы помещали сцену. И этого было достаточно.
Миниатюрность природы выработала у эллинов любовь к мелким подробностям. Храмы небольшие, боги в рост человека. Всякое отступление от природы воспринималось как некрасивое, безобразных форм просто не было. Простота и красота.
Храмы Пестума стоят более двадцати трех столетий. Построены так, что не разрушаются. Здания раскрашивали в веселые яркие цвета в соответствии с солнечной природой. Ценилось физически сильное тело. Отсутствия одежды не смущались. В Спарте культ физической силы.Персидские походы на Грецию уничтожили города и поселения, разорили столицу афинян. Но пожар, очищая город от случайных построек, невольно способствовал созданию его нового облика.
Возник Акрополь небывалой чудесной красоты. Вершина ионического стиля. Основное здание Акрополя – Парфенон (рис. 89 - 91). Идеал греческого храма. Кривизна линий. Колонны поставлены с легким наклоном внутрь. Более раннее сооружение – храм Тезея. Периметральный, как и Парфенон, ионийская мягкость, украшен скульптурными фризами. Пропилеи – вход, хорошо защищенный на случай нападения. По бокам стояли колоссальные конные статуи. Храм Эрехтея (рис. 93). Храм Бескрылой Победы – Ники-аптерос, расположенный около Пропилеев. ХрамвЭлевсине был предназначен для многолюдных собраний и задуманный как грандиозная постройка.
Храмы Аполлона Эпикурейского в Аркадии, Скопасов храм Крылатой Победы в Тегее, храм Зевса в Олимпии, Пестумский храм воздвигались почти одновременно. Пятый век до нашей эры оказался самым блистательным в истории искусства.
Наряду с архитектурой развивалась пластика. Имя Фидия затмевает собой всю скульптуру последующих поколений. Живописец, скульптор. Постройки Перикла воздвигались по его чертежам и рисункам Фидия, под его личным наблюдением. Создавал статуи богов в мраморе, золоте и кости. Статуи: Афины-покровительницы, Афины-девственницы (рис. 98), Зевс Олимпийский. Последняя статуя погибла. Ученики Фидия: Алкмен и Агоракрит. Их творение – фронтоны Парфенона. Эпизоды из мифа об Афине – ее рождение и спор с Посейдоном (рис. 91). Ученые выделяют в развитии греческой скульптуры четыре периода: первый – до 5 века до н. э., затем период идеализма и высочайшего совершенства форм, второй – царство Фидия и Поликлета, третий - с 4 века до н.э. до Александра Македонского, четвертый – от смерти Александра Великого до завоевания Эллады римлянами.
Знаменитые скульпторы: Мирон из Элевтерия (статуи из бронзы), Диметрий (скульптор-реалист), Поликлет (искал чистейшую красоту), Пракситель (мечтательный покой), Скопас (тонкие движения души), Лисипп (высекал из мрамора и отливал из металла богов, героев, полубогов в точном соответствии с пропорциями природы), Агезандр, Афенодор и Полидор (знаменитый «Лакоон» - рис. 112), Аполлоний и Тауриск («Фарнезский бык» - рис. 113, реставрировали под наблюдением Микеланджело). Венера Милосская – создание неизвестного автора. Не дошла целиком, руки отломаны (рис. 127).
Роспись посуды – темные фигуры на красных глиняных горшках, потом более масштабные сюжеты, внутреннее состояние человека в меньшей мере увлекало тогда, чем красивые пропорции торса (это пришло позже, в эпоху христианства, когда лица стали отображать изнутри). Четыре краски: желтая, черная, белая, красная. Впоследствии усложнили форму сосуда, заимствованную с Востока, развив ее в греческую вазу (рис. 149).   
Деревянные доски – Полигнот, первый начавший на них работать, расписал Дельфийский храм и Пропилеи, его ученик Зевксис, Паррасий, Тиманф. Апеллес при Александре Великом – блестящий представитель придворной живописи. Их картины до нас не дошли, кроме кое-каких фресок и расписных ваз (рис. 129). Грекам не чужды были и легкие, жанровые вещи (Калликлес).
Одежда (рис. 135 – 137): прямые линии, двойной женский хитон, у мужчин нижняя – рубаха, верхняя - плащ. Очень разнообразны мужские головные уборы – шляпы. Войлочные, широкополые, с мягкими полями – опущенными вниз или поднятыми вверх, иногда напоминали монашескую скуфью, у солдат узкополые шляпы петас. У женщин сетки, обручи, покрывала и колпаки. Защищались от жары зонтиками. У жрецов широкая цветная, иногда пурпурная одежда, венок и подвязка особенной формы. В целом костюм не имел определенных ограничений, потому что не было кастовости, как на Востоке. Жрецы были только чиновниками. Граждане имели право на свои представления о богах и жертвоприношениях. Безусловно преклоняться надо было Зевсу. Вера в него была искренней.
Мебель - поразительная красота. Роскошные ложа, стулья, кресла, столы, вместо шкафов использовали ларцы и сундучки, вырезали из кости или отливали из металла, разнообразие кубков для питья.
Ювелирные украшения – огромное разнообразие: сережки из жемчуга, золота, головные булавки, ожерелья с драгоценными опахалами, браслеты, головные обручи, застежки, гребни, зеркала, опахала. Дети были обвешаны амулетами от сглаза.
Олимпийские игры – сначала театры были переносными, затем при Перикле появился первый каменный театр, послуживший прототипом дальнейших построек такого рода (рис. 146).
Оружие – металлические художественные изделия использовались в военном деле при обработке щитов, панцирей и мечей. Шлемы с гребнями и без гребней видоизменялись на тысячу ладов. Мечи отличались строгой отделкой. Гораздо проще выглядели луки и копья (рис. 145 и 147).

                Древний Рим

По сравнению с Грецией его эстетика лишена чистоты и строгости. Переходный период: Эртрурия (пеласгические племена, вытесненные дорийцами за море, двинулись на Апеннинский полуостров и, смешиваясь с коренным населением, привнесли свою культуру). Это искусство эртрусков веками шло по пути Греции. Расцвет керамики эртрусков – терракотовые вазы со множеством фантастических фигур. Стиль Рима ярче всего проявился в архитектуре. Любовь к роскоши (рис. 155), величественности, помпезности. Колоннада – любимый элемент структуры здания. И внешние, и внутренние пространства заполняли галереи. Арки – элемент и памятника, и моста, и театра. Аркада на аркаду. Художники не искали новых форм, все заимствовано из Эллады. Любили украшения. Не придерживались строгого греческого вкуса. Скульптура стала простой иллюстрацией к их жизни. Ценили за портретные статуи. На второй план искусство отходит и в быту.
Римляне самовыражались в законодательстве, стремлении к определенным идеалам государства. История Рима полна мощными характерами, образцами беззаветной жертвенности ради государственности. Железная воля. Греки считали римлян чванливыми, высмеивали их художественный вкус. Абсолютная власть в государстве – абсолютная власть в семье. Чтили традиции, предания. Не любили реформаторство. Основная идея Рима – покорность главе рода, слепая и безусловная.
Мальчики и девочки учились вместе. В школах был введен греческий язык. Задачи римского воспитания иные – воинские доблести, которые были идеалом всех добродетелей. Девочки  - в весталки отбирали свободно рожденных лет 6-10. Они служили в храме как жрицы, теоретически могли через тридцать лет покинуть храм Весты(рис. 163) и выйти замуж, но это было крайне редко. Это был высший титул в иерархии женщин. Первой весталкой считалась мать Ромула и Рема – Рея Сильвия, дети которой произошли от бога. Длинный костюм, вышитый по краям пурпуром, с широкими головными повязками.
Взгляд на богов был иным, чем у грека. Римские божества были отвлеченными, абстрактными, менее человечными. Римский миф ограничивался тем, что у простой смертной с помощью бога рождался мальчик, который совершал изумительные подвиги и оканчивал жизнь таким же странным образом, как и родился. Тогда его начинали боготворить. Культ мертвых прост и логичен. Умершие люди переселялись в мрачное подземное убежище, где жили на сонных берегах спокойной реки Леты.
Римский культ сложился задолго до общения с Грецией. Юпитер-громовержец, Веста, Марс – покровитель войны, Геркулес – греческий полубог Геракл, Церера – покровительница полей, Минерва, Юнона, Диана, Венера, Сатурн, Нептун и Меркурий. Двуликий Янус – бог всех начинаний. Его изображение помещали над входом в дома. Именно с него изображениям божеств начали придавать пластические формы. Главные жрецы – Юпитера, Марса и Квирина. Служение женским божествам – жены жрецов. При первых царях высшим жрецом становился сам представитель власти, а высшей жрицей – его жена.Понтифики – верховные жрецы. Наблюдали за календарем, занимались астрономией и хранили священные предания. Пять-десять членов. Главный греческий культ – Аполлона. Богослужебный обряд, как и в Греции, состоял из молитв, жертвоприношений, песен, пиров, игр и плясок.
Игры в честь богов устраивали еще в древнейшие времена. «Хлеба и зрелищ» - крик римской черни во времена падения Рима. На римской почве греческие олимпийские состязания приобрели характер жестокой забавы. Гладиаторы. Семейная обстановка: роскошь (рис. 188). Серебряная, золотая посуда, вазы из алебастра, мрамора, порфира и гранита. Бочки и чаны из глины.
Архитектура: греческие и восточные элементы превратили здания в великолепные сооружения (рис. 192). Загородные виллы, дачи – со времен Юлия Цезаря. Окружены виноградниками, лугами, парками с искусственными гротами, бассейнами и скалами. Постройки цезарей – верх роскоши. Нерон воздвиг золотой дворец, который затмил все предыдущие постройки. Удивительное сооружение – термы или бани (рис. 193). Над могилами усопших – саркофаги или мавзолеи (рис. 197 – 199). Наиболее древнее сооружение – Албанский акведук, который сохранился до наших дней. По нему бежала горная вода. Римляне справились с очень сложными техническими задачами. Настоящие архитектурные сооружения появились после завоевания Греции – во II веке до нашей эры. До этого постройки отличались только колоссальностью и практическим смыслом. Одно из грандиозных сооружений в мире  –  Колизей (рис. 170). Арка Тита, построившего Колизей (рис. 215). Расцвет строительства, когда думали не только о прочности огромных зданий, но и о красоте, наступил при Траяне. Эллинский стиль в храме Геркулеса в Коре близ Рима. Из памятников, созданных в правление цезарей, уцелел Пантеон (храм богов) – рис. 168. Храм Юпитера – рис. 218. Могильные памятники –  Августу и ЦецилиюМетеллу (рис. 214). Римские императоры превосходили роскошью своих мавзолеев всех. Каменные постройки водопроводов – раньше, чем общественные здания. Каменные мосты. Большие мощеные дороги.
Мореплавание – появилось очень рано. Со всех сторон моря. Флот. Образцы судов – греко-италийских союзников, поскольку Карфаген подчинил себе всю морскую торговлю. Выброшенное бурей карфагенское судно – основа для нового типа корабля. Башенные и небольшие быстроходные суда.

Археологические изыскания

Рабочие рыли колодец в окрестностях Портичи, наткнулись на каменную глыбу. Открыли верх здания. Постепенно, усилиями правительства, удалось вызволить из-под земли древний город Геркулануми Помпеи. Улицы, площади, храмы и дома, домашняя утварь, статуи, манускрипты, настенная живопись, мозаика, бронзовые художественные изделия, колонны и даже плоды и костюмы  - все это хранится в разных музеях.Образцы древней живописи, дошедшие из античного мира. Эллинский стиль. Тимомах – выражение страсти. На одной геркуланской фреске Медея накануне детоубийства, которая колеблется между детьми и ненавистью к их отцу, Язону. Художница Лалла. Фрески Геркуланума и Помпей – рис. 226-228. Сюжеты из реальной жизни и греческих мифов. О римской живописи принято судить по настенному изображению Помпей. Но скорее всего большинство фресок этого города – копии с римских образцов.
Римская одежда – тога, широкий плащ (рис. 204). У женщин – туники и столы.  Верхняя одежда похожа на нижнюю тунику. Стремление к роскоши – драгоценности (рис. 205). Пользовались благовониями, обесцвечивали волосы мылом, купленным у галлов, у германцев приобретали косы. Искусственные зубы, челюсти в золотой оправе. Духи, помада, белила, булавки, шпильки, ножницы для ногтей, щипцы для завивки (рис. 206). Очень любили драгоценные камни. Выше всех ценили алмазы и опал.
Цари позаимствовали свои регалии с Востока. Тогу, вышитую пальмами, переняли у этрусских. Золотой венок из дубовых листьев на голове, скипетр из слоновой кости с орлом, курульное кресло из слоновой кости и фасции – связки прутьев с привязанным к ним топором, как эмблема высшей судебной власти. Когда цари были изгнаны, атрибуты высшей власти перешли к высшим сановникам. Главными представителями республиканской власти были сенат и два консула (рис. 207). Оружие – рис. 209. Щит, меч, нагрудник, шлем и поножи. Почти не отличалось от греческого.
В целом политика занимала римлян больше, чем искусство. И это отразилось на стремлении мастеров отобразить события из жизни общества.

2. Древнехристианская эпоха(Византия)

Новая гуманистическая религия всеобщего равенства перед богом и провозглашающая жизнь вечную человеческой душе. Протест против рабовладельчества и отношения к людям как к скоту. Поэтому на христиан было гонение. Ранняя христианская религия укрывалась в катакомбах и к концу первого столетия борьба приняла уже иной характер. Постепенно эта вера завоевала Рим, и произошло объединение христиан. Но это был долгий процесс.
Христиане выступали против язычества, поклонения идолам, за веру в единого бога – Христа. Первым, кто сделал христианство своей религией ради привлечения большинства, был Константин. Он даже столицу перенес из Рима в другое место, порвав все связи с языческим миром. Но как верховный жрец он восстанавливал языческие храмы, уравнивая тем самым обе религии. Поставил в Константинополе огромную колонну со статуей на вершине, соединявшей в себе изображения солнца Мессии и императора. Торс фигуры изображал Аполлона, голова принадлежала Константину, а над ней в виде сияния были прикреплены гвозди, которыми Христос был пригвожден к кресту.
В катакомбах христиане ввели в богослужение огонь и символические знаки: крест и монограммы имени Христа. Когда служения проводили открыто, возникла необходимость в архитектуре. Христиане отказывались брать за образец языческие образцы храмов. Наиболее пригодными оказались базилики, общий тип которых повторяется во всех первых христианских храмах (рис. 237). Базилика – место римского суда или совершения коммерческих сделок. Продолговатый прямоугольник из двух частей – большого зала с колоннадами и полукруглой ниши с полукупольным сводом, закруглявшей зал в глубине. В нише заседал суд, само место называлось трибуной. У христиан портик базилики получил название паперти – на ней стояли люди, не допущенные в храм. Трибуна (или апсида – полукруглый выступ здания, перекрытый полукуполом) преобразилась в алтарь (рис. 238). За балюстрадой хора помещались певчие и дьячки, а по бокам – два амвона для чтения Апостола и Евангелия. В центре стоял престол, отделенный рядом колонн от прочей церкви. Средний проход завешан богатыми коврами – «триумфальная арка», впоследствии – царские врата. В глубине апсиды – трон епископа, вокруг в несколько рядов амфитеатром шли места для других священнослужителей. Под престолом размещали саркофаг с мощами, над ним простирался балдахин, из центра которого спускалась лампада или серебряный голубь со святыми дарами. По бокам балдахина находились занавесы, которые задергивали во время совершения таинства. Иногда рядом с главной апсидой устраивали две меньших, в одной из которых священники облачались, в другой готовили дары. С одной стороны – женщины, с другой – мужчины.
Христианство застало античный мир в период упадка. Пластика заимствовала римские традиции. Целомудрие, аскетизм. В десятом веке в Европе влияние Византии стало уменьшаться, на Востоке этот стиль остался господствующим до наших дней. Скульптура воспринималась как идолование. Живопись и мозаики продолжали языческие традиции. Искусство проходило разные стадии.
Одна из первых базилик-церквей, базилика св. Петра, была построена в Риме на том месте, где впоследствии был воздвигнут знаменитый собор св. Петра. Когда в 14 веке ее стали рушить, сохранились чертежи, дающие представление об этом здании. Облики базилик разбросаны по провинциям римской державы. В 4 веке установился тип христианской базилики. Использовали элементы античных памятников. Император Гонорий, считая Рим слабо укрепленным городом, решил перенесли свою резиденцию в Равенну, окруженную со всех сторон лагунами. Здесь стали воздвигать дворцы и церкви. Замечательна церковь святого Аполлинария (рис. 242, 243). Архитекторы, художники, каменщики освобождались от податей. Это стимулировало развитие искусства. Одновременно с базиликами стали появляться круглые церкви, внутри отделанные так же, как базилики. Круглые церкви использовали как баптистерии – или надгробные памятники. Сохранилась оригинальная гробница Теодориха в Равенне (рис. 244). Дальнейшее развитие привело к совмещению круглой формы с квадратной. Интересная постройка этого времени – равеннская церковь св. Виталия, переходное звено к чисто византийскому искусству, к храму Св. Софии.
Живопись – в период гонения интересные картины в катакомбах (рис. 245 – 247). Было воспрещено воспроизводить изображения лика Христа. В виде живописи или скульптуры. Апостолы-евреи позволяли отображать только крест. Трудно установить, когда появились первые иконы. Живопись была запрещена религией иудеев. Допуская архитектуру, на живопись и скульптуру смотрели как на проявления язычества. Первые изображения Спасителя – статуэтки из металла и драгоценного камня. Не сохранились. Символика была довольно тонкой (рис. 249). Символ – голубь, пальмовая ветвь и монограмма Христа. Римская символика сохранилась – Ника, триумфальные венки и пр. Двери обозначали Спасителя, потому что он говорил: «Я есмь дверь, кто войдет за Мной, тот спасется». Агнец с крестом и надпись: «Я - дверь и овчарня овец». Рыба – первые буквы содержали полное имя Христа (рис. 250). Петух – наступление света, увенчивает шпили лютеранских храмов. Агнец, символ кротости и пасхальная жертва. Закланный агнец – воплощение страданий Христа. Крест походил на букву «Т» - тау в греческом алфавите. Это форма орудия пытки, на котором был распят Мессия. Металлические кресты в течение долгого времени были без изображения тела (рис. 253). Голубь с оливковой ветвью – Христос принес благовестие.
Когда стали изображать Христа, то лицо оставалось невозмутимым. Это сохранилось в стенной росписи церквей – голова заключена в золотой круг, разделенный крестом. Когда в 6 веке решились изобразить распятого Спасителя, одели на него длинную тунику и прикрепили к кресту, имеющему вид буквы Т. Лик был спокоен и светел. Крест не был большим, его несли на себе преступники. Нимб или ореол вокруг головы. (На бюстах эпохи Александра Македонского видны металлические лучи, окружавшие головы божества даже в скульптурных работах. Юлий Цезарь носил венец с золотыми лучами. На первых порах христиане отвергали нимб. Потом тоже стали это использовать.)Первые христиане рисовали молодого римского пастуха в виде Спасителя (рис. 248). Реализм был невольным, они не стремились запечатлеть физические страдания, но могли отразить черты эпохи. Во времена падения Римской империи изменилась композиция скульптурных барельефов. Полосу стали делить небольшими колоннами на окошки, в каждом помещали отдельный сюжет. Адам и Ева в момент искушения, шествие Христа в Иерусалим, Иисус Христос на троне рядом с подпирающим небеса Атлантом, Авраам, приносящий Иакова в жертву и т.п. Из статуй выделяется бронзовая статуя Петра, стоящая в соборе апостола Петра (рис. 257). Стены катакомб христианы с первых лет покрывали символическими фресками. Со временем они превратились в сцены из жизни христиан. В 6 веке – изображения святых. Непрочная живопись уступила место мозаике. Она пригодна для больших произведений, в ней трудно достичь той же тонкости, но она привлекает прочностью.
В Византии – расцвет древнехристианского искусства. Меньше базилик. Круглая церковь стала преобладать над остальными типами. Роскошная отделка деталей – еще во времена Константина. Любили купол. Вершина – Софийский собор в Стамбуле (рис. 258). Архитекторы Анфимий из Траллеса и Исидор из Милета. Строили шесть лет, через двадцать лет заменили купол из-за землетрясения. Здание превращено в мечеть, но до сих пор производит впечатление. Византийские легенды гласят, что план храма был показан Юстиниану во сне ангелом. В Софии есть колонны из Афин, с Трои, с Кикладских островов. Брал отовсюду, где можно было, особенно если при этом разрушались храмы ненавистного ему язычества.


Арабы(магометантская вера)

Спустя четыре года после смерти Юстиниана в Мекке родился человек, оказавший огромное влияние на судьбы человечества, он дал арабам новую религию и отучил от поклонения идолам. Его вероучение распространилось на земли, где традиционно исповедовали христианство, в том числе на Палестину, охватило всю Северную Африку и пришло в Европу. Теология Магомета была проста: Бог един. В отвлеченную метафизику он не вдавался и требовал нравственной чистоты: поста, молитвы и милосердия. Говорил, что каждый добродетельный человек спасется без различия религии и национальности. К христианству относился терпимо. Почитания Богоматери считал проявлением многобожия. Отверг учение о безбрачии, утверждая, что взаимное сожительство – естественное состояние человека, аскетизму Европы противопоставил многоженство. Обещал это и в загробном мире. Христианство было почти вытеснено из Палестины, Малой Азии и Египта. Успешному распространению магометантской веры способствовала вражда между церковными иерархами.
Завоевывая народы, заимствовали их культуру. Утверждали, что чернила ученого так же почтенны, как кровь праведника. Высшие посты занимали только образованные люди. Собирали философов при дворе. Астрономы, математики, литераторы и доктора. При каждой мечети – школа. Всюду собирали библиотеки, в них рукописи. Народы, завоеванные арабами, усваивали арабский язык. Этому способствовало и многоженство. Завоевательные войны дали мощный толчок к развитию этих народов.
У Магомета нет глубины философских идей, но есть умение реализовать в обыденной жизни духовные потребности. Коран привлекал сердца людей как книга, мудрости, которая применима к жизни. Любили роскошь, собирали красивых женщин из разных земель, стали первыми садоводами в Европе. Развивали науку и искусство. Любили поэзию и музыку. Расцвела любовная лирика.
Изобразительные искусства: запрещены изображения лиц, отказ от зримого воплощения образа божества. Только архитектура и орнамент (рис. 273). Восточная декоративность, причудливость, фантастичность, округлые линии. Интересные, оригинальные идеи в области архитектуры. Сложная, циркульная форма арки (рис. 275, 276). Первые храмы – простые молельни. Одна из первых монументальных святынь – Кааба в Мекке: обнесенное двором здание неправильной кубической формы. В Иерусалиме знаменитая мечеть Эль-Акс. Сходство с византийскими постройками, черты нового стиля. Мечеть Омара (рис. 279) – архитектурный отпечаток византийского баптистерия. Мечеть Эль-Мойед в Каире (рис. 280, 281).
Столица кордовского Халифата – превосходные здания. Мечеть, построенная при Абдель-Рахмане (рис. 282). Колонны – по античным образцам. Орнаментальная художественность и фантазия, направляемые религией. Арабские писатели писали об удивительном сооружении, которое не сохранилось, – о царском дворце Азоакра. Комплекс построек для халифа и его двора. Сады, украшенные колоннами, свезенными со всего света. Их насчитывалось более 4000. Полы мозаичные, потолки раззолоченные, двери из слоновой кости, черного дерева и серебряной бронзы. Изображения звериных и человеческих фигур, выполненные в самой Кордове, служили украшениями фонтанов. В 11 веке кордовский халифат стал слабеть, что привело к появлению независимых княжеств. Характер искусства стал меняться.
Весь блеск последнего периода мавританского владычества в Испании сосредоточился в Гренаде. Последним словом стал дворец Альгамбра. Сохранилась его часть – жилые покои царя (рис. 284). Орнаментальный характер. Каждую деталь сооружения украшала резьба по дереву или гипсовая лепешка (рис. 277, 278). Форма арок напоминает ковровую бахрому. Любили геометрические фигуры.
Индия – с начала 13 до конца 14 века правили афганские династии. В старом Дели были возведены великолепные массивные сооружения с круглобашенной постройкой и сквозными галереями наверху. Здесь мавританские формы смешивались с индийскими. Воцарившаяся в 1526 году династия Великих Моголов покровительствовала индийско-магометантской архитектуре, и ввела в нее персидский стиль. В Индии стали возводить великолепные мечети. Индийский вкус дополнил красоту построек пейзажностью – мечеть окружали садами и строили у самой воды. Получался гармоничный ансамбль.
Мавзолеи или царские надгробные памятники (рис. 290). Место – на живописном перекрестке за городом. Засаживали кипарисами, разбивали в саду фонтаны, обносили оградой, посередине воздвигали купольное здание с минаретами и изящным порталом у входа. Будущая могила превращалась в дом веселья. Когда государь умирал, его хоронили под полом в склепе, и мавзолей затихал. Индийский стиль родственен мавританскому. Солидные и могучие образы. Размеры этих зданий были велики – главные купола сопоставимы с соответствующими частями самых крупных зданий мира.


Одежда

Грубые сандалии, праща, лук и копье (рис. 289).  Пророк Магомет одевался просто: рубаха с короткими рукавами, кожаный пояс, грубый плащ в виде мешка, головная повязка с кисточками или чалма, один конец которой он спускал на лоб, другой – на плечи. Любимые цвета – черный, зеленый, красный и белый. Из украшений мужчины носили только перстни. Женская одежда – узкий хитон, поверх которого надевали более короткую одежду. Сверху – накидку. На ноги – полусапожки и шаровары. Лицо должно было быть закрытым (рис. 291). Покрывало спускалось не ниже ворота рубахи. Удивительная роскошь. У дочери одного халифа хранились шелковые ткани 30000 наименований. Ювелирные украшения – золото и драгоценные камни, люди победнее – серебро, латунь, цветные стекла (рис. 292). Притирания, румяна, порошком чернили брови и веки, раскрашивали руки и ноги, иногда пальцы, ладони и ступни. Иногда заплетали волосы во множество косичек, в них вплетали шнурки, украшения из листового золота, золотые пуговки и колечки. Кольца носили в носу. На домашнюю утварь смотрели как на необходимость, а не произведение искусства, мастерски изготавливали сосуды из благородных металлов, бронзу, латунь (рис. 293), медь, иногда – стекло (рис. 293). 
Мебель у кочевых народов ограничивалась ковром, которым накрывали пол, и диваном – кирпичной лавкой, которая шла вдоль каменных стен. Стулья не любили. Постель – тюфяк, покрытый простыней. Заимствовали роскошь из других стран – при дворе.
Оружие – первая в мире дамасская сталь была известна издревле, оставалось облагородить ее внешнюю отделку. Узоры по стали увеличивали ценность оружия. Стало не менее известным, чем азиатское. Всегда носили при себе. Полевой знак – знамена. Священное знамя Магомета – белое, полевой значок – черный. Первым знаменем была распущенная чалма, прикрепленная к копью одним из полководцев пророка. Прочие знамена делались из покрывал жен с надписью о пророке Магомете.


Зодчество на Западе (Средние века)

Средние века соединили в себе противоречивые веяния: упадок духа и ханжество, рыцарские подвиги и внутреннее бессилие, мистическую любовь, обоготворение женщины, взгляд на нее как на неземное создание и потребность высших наслаждений. Соперничество церкви и государства. Папство возвысилось и стало могущественной силой, мирская власть не имела достаточной опоры в обществе. Монашество господствовало. Церковь плодила суеверия. Мелкие феодальные владения. Новый стиль зодчества – германское влияние, воздействие византийского и мавританского зодчества.
Первые германские деревянные постройки не сохранились. Повторяющейся формой была базилика, любимым мотивом стала многогранная пирамида, заменявшая купол. Каменные строения, дошедшие до нас, возводили по образцу полуантичных форм с круглыми башнями и длинным фасадом. Памятники английского и французского зодчества также не отличались особым разнообразием, практически отсутствовала игра карнизов и выступов. Интереснее – венецианские постройки, влияние античных развалин Рима. Храмы по сравнению сязыческими должны были быть крупнее, они должны были напоминать о кресте, на котором был распят Спаситель. Каждая его архитектурная подробность становилась символической: розетки – это вечная роза, ее лепестки – души праведников и т.д. Новые здания рассчитаны на населения целых городов. На колоссальные столбы колонн громоздились новые столбы, над ними нависали сквозные воздушные переходы. В небо уходили колокольни, увенчанные островерхими башенками, которые уже терялись в облаках. Внутри – бесконечный ряд колонн, переходов, статуй и гробниц, окутанный кружевом изящного орнамента. Четыре столетия царил фантастический стиль: все здание казалось хрупким, оно постоянно крошилось, железо ржавело и не поддерживало камень, у подножия такого сооружения жил целый городок работников, чтобы поддерживать его в надлежащем состоянии.  Это были как будто ювелирные изделия, воспроизведенные в огромных размерах. Этот стиль обусловил своеобразие произведений искусства на огромной территории от Северного моря доСредиземного, его черты заметны в архитектуре соборов, замков, крепостей, на мебели и даже на одежде. Готика стала порождением романского стиля, который вышел из недр древнехристианского искусства.
Взяв за образец римско-христианскую базилику, романский стиль попал под влияние мавританского. Оно оказалось настолько сильным, что стрельчатую дугу принято считать его порождением. Но в общем стиле образуется нечто новое. Самый оригинальный элемент – крутой скат крыши, почти превративший конус в шпиль. Если на Востоке лепка статуй находилась под запретом, то на Западе, наоборот, изображали не только святых, но и различные фантастические фигуры. 12 знаков зодиака в католических церквях, между которыми перемещается солнце в течение года. Над главным входом обязательно помещали розетку (круглое окно). Это стало одной из визитных карточек романского стиля. В итальянских церквях башни стояли отдельно, в романских они стали частью здания. В верхней части вешали колокол. В Бонне, Майнце, Лимбурге, Зальцбурге, Реймсе и Париже были возведены церковные здания, превосходившие друг друга в фантастичности и красоте деталей.
Огромные замки рыцарей представляли собой целые группы зданий, обнесенных зубчатой стеной с башнями по краям и подъемными мостами, перекинутыми через ров. Когда во Франции утвердилась монархия, в искусстве стало все больше сказываться влияние вкусов двора и светского общества. На первое место вышло великолепие готики.
Собор Парижской Богоматери, соборы Амьена, Бужи, Мо, завершенные в 13 веке, - пример архитектурной свободы. Выражения христианских принципов. Готическое здание подобно карточному домику – опирается на части, совершенно подобные друг другу, и представляет собой чудо равновесия. Материя подчинена идее, как в христианстве. Основная идея готики – стремление вверх, основная структура стиля – острая дуга. Тяготение греков к земле отражала горизонтальная линия карниза. Христианство требовало наклонных линий, сходящихся наверху, у престола Божия. Шпили напоминают пальцы, указывающие на небеса. Лестницы, проглядывающие из-за колонн и извивающиеся кверху, напоминали лестницу Иакова, ведущую в небо. Два отрезка круга изображают стрельчатую дугу. Орнамент, покрывающий стены, стал самобытной формой. Готическая арка – треугольник с полукруглыми дугами двух одинаковых кругов, сходящихся между собой.
Высшее проявление готики, расцвет – 14 век.
Стремление к стрельчатым верхушкам в большей степени свойственно северу, чем югу. В Италии готика – временная мода. Миланский собор – смесь идей готики и Возрождения. Лучшие памятники готики: Кельнский собор, Страсбургский собор с недостроенной башней, церковь Св. Стефана в Вене, Фрейбургский и Антверпенский соборы, Нотр Дам в Париже, собор в Реймсе, Вестминстерское аббатство в Лондоне с часовней Генриха VII, часовня Сен-Шапель в Париже. Крестовые походы и мавританская поэзия оказали влияние. Стремление к новым идеалам нашло отражение в скульптуре – выступы, консоли, галереи стали покрывать статуэтками, мотивы которых были заимствованы из легенд. Статуи расписывали, раскрашивая их одежды в красный или голубой цвет с золотой отделкой. Изображения чертей и фантастических драконов на консолях и капителях. Центром ювелирных работ был Кельн, позже – Лимож.
Рисунки, дающие общую картину готики: 311 – Церковь в Лимбурге, 312 – рака трех королей в Кельнском соборе, 313 – Собор в Амьене, 314 – староготическая капитель из собора в Амьене, 315 – Церковь Богоматери в Эсслингене, 316 – верх портала Кельнского собора, 317 – Собор Парижской Богоматери, 318 – контрфорс из Реймского собора, 319 – Церковь св. Магдалины в Тройесе.
В 13 веке стенная живопись сделала большой шаг вперед, художники начали стремиться к естественности рисунка и правдивой передаче содержания. Любимая тема потолочной живописи – грехопадение, изображения которого украшают потолки Гильдесгеймской церкви св. Михаила и Брауншвейгского собора. Скульптура в 13 веке достигла своего расцвета, Фрейбург и Вексельбург стали центрами пластического искусства.
Еще задолго до 15 века в Италии возникло стремление воскресить античную старину. Никколо Пизано – кафедра баптистерия в Пизе.


3. Эпоха Возрождения - живопись: Италия, Нидерланды, Испания, Германия.
Скульптура, архитектура и зодчество. 

Становление европейских национальных литератур, ослабление папского влияния привело к упадку латинского католичества. Папа Николай V был меценатом наук и искусства. На волне общего подъема духа возрождалась старая греческая литература. Петрарка и Бокаччо изучали греческих авторов, опираясь на их творения как на фундамент мировой литературы. Константинополь пал под натиском турок. Множество греческих беглецов укрылись в Италии. Около 1440 года было изобретено книгопечатание. Во главе этих процессов стала Венеция. В 15 веке первенство Италии в Европе было неоспоримым. В Англии и Германии -жестокие войны.
В Италии стали востребованы умственные наслаждения – впервые после того, как пала античная цивилизация. Версальский двор был только отблеском итальянской утонченности нравов. В Италии была учреждена академия философии, восстановлены пиры Платона, в особом зале собирался цвет учености и искусства. Дома и дворцы меценатов стали местом общения. Жизнь была бурной и веселой. Расцвело эпикурейство, фривольность – и в литературных сюжетах. У женщин стремление к гармонии внешнего и внутреннего, отказ от идеи крайностей и ущемления ее прав на образование. Это отразилось в искусстве. Утонченные мадонны воплощены со вкусом и мастерством. Сияние чистой красоты, не лишенное кокетства, - общая черта итальянской школы, прежде всего, отразившаяся в работах Рафаэля Санти.
Фламандская школа – будничные повседневные сцены мелкого жанра, из круга интересов живописцев исчезли пейзаж и неодушевленные предметы. Цель – красота тела. Все остальное, по мнению Микаланджело, пустая забава, которую можно предоставить меньшим талантам. Достигли совершенства в изображении торса, это было родственно античному телу Греции. Итальянской школе чужды изображения жестокости. Только в период упадка в Болонье появились трагические сюжеты. Расцвет был непродолжителен и охватил конец 15 – начало 16 века. Каждое из имен – эпоха в мировой истории: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буанаротти, Рафаэль Санти, АндреадельСарто, Бартоломео Фра, Тициан, Себастьян дельПьомбо, Антонио Корреджо.
В школу деятельность живописцев превратилась не сразу. Этому предшествовало изучение античных мастеров, подготовившее, возрождение идеалов и целей древнего искусства в новых условиях. Первый крупный представитель Чимабуэ, подготовивший эту эпоху расцвета (картина«Мадонна», написанная для церкви Санта Мария Новелла во Флоренции), ДжоттодиБондоне (живописец и скульптор – выдающиеся фрески в церкви над гробом Франциска Ассизского), Спинелло («Триумф смерти» - фреска в Кампо-Санто на кладбище). С 14 века многие украшали своими работами Кампо Санто в Пизе, но закончено оформление храма только в 15 веке БеноццоГоццоли. Смерть похищает людей посреди забав и увеселений. Она изображена с косой. Выдающееся место в истории живописи 15 века занимают фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции (рис. 355 – 357). «Изгнание из рая» Мозаччо (рис. 356) можно считать началом живописи эпохи Возрождения. Вдохновляло Рафаэля. Современники Мозаччо: Паоло Учеллиди Доно, Анджелико, Фра ФилиппоЛиппи (фрески собора в Прато).
Процветала бронзолитейная скульптура: знание анатомии. Андреа де Верьккью был учителем Леонардо да Винчи, Лоренцо Гиберти (главные двери баптистерия во Флоренции), Донателло (мраморная статуя в церкви Ор-Сан-Микеле во Флоренции «Св. Георгий»), АндреаСансовино (памятник над могилами кардиналов Бассо и СфорцаВисконти), АндреаделлаРоббиа (рис. 370).
К концу 15 века одна за другой появляются работы, свидетельствующие о расцвете искусства, равного античным временам. Художники объединялись в группы или школы. Сандро Боттичелли – изображение Мадонны в торжественной обстановке («Венчание Мадонны»),  ФилиппиноЛиппи (ученик Боттичелли), Пьеро Делла Франческа (легенды о Св. Кресте, начиная с Адама), Мелоццо да Форли (возвышенный стиль), Лука Синьорелли (смелость рисунка, знание обнаженной натуры). Выше других городов Передней Италии по развитию искусства стояла Падуя. Якопо Беллини, АндреаМантенья.
Леонардо да Винчи(1452 – 1519)
Титан, обладатель разностороннего таланта и широчайшего круга знаний. Специалист по математике и механике, анатомии, астрономии, скульптуры, живописи, музыке, танцах, фехтовании. Основная деятельность: скульптура, живопись. Изобрел камеру-обскуру, проводил гидравлические опыты, вывел законы падения тел и движения по наклонной плоскости, выдвинул геологическую гипотезу о движении материалов. Расчленял трупы, чтобы понять расположение и строение мышц. Развлекал аристократию – летающие птички, надувающиеся пузыри и кишки, фейерверки. Руководил проведением каналов из реки Арно, строительством церквей и крепостей, артиллерийскими орудиями, занимался фортификацией, сконструировал серебряную 24-струнную лиру.
Незаконный сын флорентийского нотариуса, получил превосходное образование. Попал в мастерскую Вероккьо. Около 1480 года миланский правитель ЛодовикоСфорца собрал со всей Италии выдающихся деятелей науки и искусства. Призвали Леонардо как композитора и импровизатора – тогда эта слава была выше его славы живописца. Ему поручили создание миланской академии художеств. Стал ее директором. Написал ряд трактатов о живописи. Трудился над колоссальной статуей отца герцога – планировалось отлить из бронзы по форме Леонардо, но реализации замысла помешала война. В этот период написана знаменитая картина «Тайная вечеря» (рис. 385). Вошла в цикл священных изображений католической и православной церквей. Писал масляными красками. Картина со временем была испорчена. Представление о ней дают оригинальный картон Леонардо, этюды некоторых голов и хорошие копии его учеников.
Леонардо вернулся во Флоренцию и занялся живописью: картон «Св. Семейство» и другой, представляющий собой проект фресок для зала суда во Флоренции. Заказ на изображение битвы между флорентинцами и миланцами было поручено Леонардо и Микеланджело. Они не сохранились. Осталась копия Рубенса. Этот период жизни: «Поклонение волхвов» и ряд портретов, самый известный – Мона Лиза.Таинственное выражение женских лиц – тонкие психологические нюансы.
Отправился во Францию, где его окружили почетом и лаской. Жил во дворцовых апартаментах.
Микеланджело(1745 – 1564)
Микеланджело Буонаротти – различные виды искусств: ваяние, зодчество, живопись, поэзия, музыка, анатомия, которой он посвятил двенадцать лет. Порывистость, ширь свободного художественного размаха, независимая свобода – его отличительные черты.
Фамилия Буонаротти – одна из самых почтенных в Италии. Искусство считалось недостойным занятиям для аристократии. Но искусствам покровительствовала семья Медичи, папы-меценаты. Микеланджело стоило больших усилий преодолеть фамильные предрассудки и заставить серьезно к себе отнестись. В 15 лет попал в студию профессора живописи. Жестокий удар товарища обезобразил ему нос и придал лицу сосредоточенное выражение. Считал себя по природескорее скульптором, чем живописцем. Высек из мрамора Амура и показал его знатокам – те решили, что перед ними подлинное античное произведение.
Папа Юлий II задался целью еще при жизни воздвигнуть себе мраморный памятник над могилой, который бы затмил все. Обратился к Микеланджело. Он представил грандиозный проект колоссального сооружения. Образцом должен был стать «Моисей» - одно из величайших скульптурных произведений мира. У Папы возникла мысль о создании колоссального храма Петра, за всю жизнь Микеланджело так и не закончил памятник, зато ему довелось в качестве архитектора достраивать собор, оставшийся после Юлия.
Юношеские работы свидетельствовали, что он ваятель по призванию: «Богоматерь с бездыханным телом Сына» в соборе Св. Петра, «Давид». При росписи стен Ватикана конкурировал с Леонардо, впоследствии с Рафаэлем. Они с Рафаэлем различны: один внутренний созерцатель, думающий о душевной красоте, другой заворожен внешней физической природой. Мадонны Рафаэля – чистота и невинность, у Микеланджело – библейские могучие стихийные образы Иеговы, древних пророков и сивилл (рис. 392 – 394, 398). Величайшие живописные произведения – «Страшный суд» и «Сотворение мира» в сикстинской капелле. В этой росписи его гений отразился в полной мере.До Микеланджело росписи капеллы не существовало. Он с помощниками за два месяца упорной работы выполнил этот невероятный по масштабам заказ. ВеликийСаваоф – в картинах Буонаротти. Везде разнообразен по трактовке (рис. 394, 395). Летит в пространстве, увлекаемый ангелами, указывает путь небесным светилам. Наиболее примечательны «Грехопадение» и «Изгнание прародителей из рая». Соединение форм человека с формами змеи, сила экспрессии. «Страшный суд» написан уже после смерти преемника Юлия, давшего этот заказ. Фигуры выше человеческого роста.
Последний период жизни – окончания постройки римского храма Св. Петра. До него над этим комплексом сооружений работали Сен-Галло, Джакондо, Рафаэль и Перрузи. В 70 лет Микеланджело принялся за этот колоссальный труд. Задача была выполнена блистательно.
Иллюстрации: рис. 390 – «Моисей», 391 – «Богоматерь», 397 – Гробница Джулиано и Лоренцо Медичи в церкви св. Лоренцо во Флоренции, 399 – «Утро», 400 – Группа купающихся солдат, 401 –картина «Святое семейство», 402 – купол собора св. Петра в Риме.
Рафаэль(1483 – 1520)
Рафаэль Санти родился в небольшом городке Урбино. Предки занимались мелкой торговлей. Отец был живописцем и расписывал церкви, монастыри своего округа. Учился у отца. Отправился в Перуджино. Мастерская была духовным убежищем. Кроткий нежный по натуре. Кровавые распри были не по душе. Хотел создавать иные образы.
Первыми самостоятельными работами начала 16 века считают несколько Мадонн, Спасителя на кресте, ряд библейских картин. «Мадонна со щегленком» – рис. 412. Первая большая картина – «Венчание Богоматери». 1502 год – «Мадонна с книгой». Император Александр в 1770 году приобрел ее в подарок своей супруге.
Слава Рафаэля росла. Выполнял работы на заказ. «Обручение Богоматери» для церкви св. Франциска – рис. 407. Поставил впервые свое имя. В 1504 году перебрался во Флоренцию. Продолжал поддерживать связи с Перуджино и выполнял картоны для его мастерской, приезжал для окончательной проработки заказов. Во Флоренции у него было рекомендательное письмо от герцогини к гонфалиньеру герцога Содерини. Тот очень любил искусство и был другом Леонардо и Микеланджело. Через него шли заказы для общественных построек. Рафаэль имел возможность наблюдать за двумя великими художниками. На него повлияла работа с цветом Леонардо и приемы проработки мускулатуры Микеланджело.
В Перуджии Рафаэль считался величайшим. Есть даже документ с мнением земляков. В 1505 году получил заказ от монастыря Монте-Лючиа: монахини хотели получить из его мастерской картину «Венчание Богоматери». Заказчики требовали исполнения канона, к которому привыкли, считается, что это положительно повлияло на талант Рафаэля, сдерживая его порывы в пределах идеального направления. Этот период: первая картина  – «Мадонна Грандука» (рис. 410), «Мадонна св. Антония», «Мадонна семьи Ансидеи», в монастыре Северо работал над монументальными фресками в течение 15 лет и умер, не докончив начатого. Мадонны тяготеют к одному типу. «Орлеанская мадонна» (рис. 409), «Мадонны Колонна» (рис. 411), «Мадонна в зелени» (рис. 413, 414).
1506 год – переезд в Урбино. К этому периоду относится его автопортрет. В конце этого года снова возвратился во Флоренцию и написал «Аполлон и Марсиас», «Св. Екатерина Александрийская», «Положение во гроб». Получил признание во Флоренции. Папа вызвал его в Рим.
Папа Юлий II за два года до этого задумал построить на месте базилики Св. Петра новое здание, которое затмило бы все. Снесли старую. Вызвали Браманте, Микеланджело, Рафаэля. С Микеланджело возникли разногласия. Рафаэль – новый период деятельности. Перед ним открылся Рим – сокровищница античного и христианского искусства, музей, где собрано все, что дала Италии эпоха Возрождения. Его приняли в высших кругах аристократии. Главный строитель собора, Браманте, взял юношу под свое покровительство и перед смертью назначил своим преемником по наблюдению за возведением храм.
Дебют Рафаэля был блестящим. Фрески: «Диспут о триедином боге» (рис. 417), «Афинская школа» (рис. 418), «Торжество поэзии», «Торжество философии», «Торжество права». Три года был занят этой росписью, потом перешел в зал-близнец. В этот период – мадонны (рис. 422, 423, 424).
После смерти Браманте живопись отошла на второй план. Рафаэль, выбрав зодчих, принялся за архитектуру. Выполнял частные заказы. В 1515 году получил новую должность – старшего смотрителя раскопок в окрестностях Рима. Под развалинами старых вилл находили прекрасные памятники античного искусство, и папа хотел оградить их от разрушения. «Сикстинская мадонна» - для небольшого монастыря св. Сикста в Пиаченце. Высшее достижение Ренессанса.
Новый заказ Папы – роспись Ватиканских лож в строго античной манере (рис. 431 – 433). Это открытые галереи, выходившие на небольшой дворик, откуда открывался вид на весь Рим. Он был организатором работ, руководил восемью лучшими учениками во главе с Джулио Романо. «Библия Рафаэля» - так назвали этот труд. Соответствовали простоте и наивности библейской истории.
Похоронили Рафаэля в Пантеоне.
Тициан(ок. 1476/1477 или 1489/1490 –1576)
Венецианец. Вечеллио – известен как Тициан. По колориту признан единственным мастером в своем роде. По торжественности можно сравнить только с Рубенсом. Долгая жизнь, множество произведений. Дворянин, сын богача. Мастерская Беллини. Увлекся талантом Джорджоне. На двери старого шкафа в 1508 году написал «Денария кесаря». Контраст между фигурами Христа и фарисея. Признали первым художником венецианской республики. «Взятие на небо Божьей Матери» упрочила его славу.
Она распространилась за пределы Венеции. Звали в Рим, Париж. Карл V заказывал свои портреты. С 1545 года по приглашению Папы прибыл в Рим и жил там до самой смерти.
Великий мастер изображения женского тела (рис. 458). В музеях хранится много Данай и Венер, принадлежащих его кисти. Писал в романтико-символическом стиле – «Любовь небесная и земная» (рис. 455), «Три возраста».

Другие авторы Возрождения: Антонио Аллегри (Корреджо), Джорджо Барбарелли де Кастельфранко (Джорджоне), Андреадель Санто, Гауденцио Феррари, Бернардо Луини, Даниэль де Вольтерра, Джованни Беллини, Фра Себастьяно дел Пьомбо, Лоренцо Лотто, ЯкопоРобусти (Тинторетто), Паоло Веронезе, БенвенутоЧеллини.


Нидерланды: до Возрождения –Ян Ван Эйк, ПетрусКристус, Квентин Массейс, Ян Госсарт. Их творчество подготовило почву для развития таланта Пауля Рубенса, его ученика Антонисаван Дейка, Давида Тенирса Младшего. Расцвет Возрождения: Рембрандт, Герард Доу, Габриэль Метсю, Франц ванМирис, Филипс Вауэрман, Николас Берхем, Якоб ванРейсдал,  Паулюс Поттер.
Испания: Хуан Дерборгоньо – первый известный в своей стране, далее –Луис де Моралес, Алонсо Берругете, Франсиско де Херрера эль Виеко, Хосе Рибера, Франсиско Суарбаран, Диего Веласкес, Алонсо Кано, Бертоломе Эстебан Мурильо.
Германия: Михаэль Вольгемут, Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах Старший, Ханс Гольбейн Младший.


Скульптура, зодчество и утварь эпохи Возрождения

Все виды искусства – расцвет. Эллины, римляне повлияли на искусство. Филиппо Брунеллески (1377 – 1446) связал античный мир с 15 веком, перенес римский купол на христианские церкви, Венеция дала зодчих, возводивших фасады жилых домов, из Италии новые веяния распространились по Германии, Голландии, Фландрии и Франции.
Фейт Штос – главный алтарь в костеле девы Марии в Кракове, куда он переселился из Нюрнберга, вернувшись в Германию, создал лучшие произведения – «Благовещение», вырезанные из дерева в человеческий рост фигуры, окруженные гигантским венком из роз, венок выточен из дерева, в него вставлены семь медальонов (рис. 569, 570). Рельеф над входом в «Городские весы» в Нюрнберге – самое раннее из выдающихся произведений Адама Крафта. Надгробные памятники Петера Фишера Старшего – изображения умерших на верхней доске, выгравированные или рельефные (рис. 573), рака над мощами св. Зебальда в Нюрнберге – сочетание элементов готики и стиля эпохи Возрождения (рис. 575). Двенадцать фигур пророков и апостолов на пилястрах.
Замок Шенонсо близ Блуа – картинное впечатление из-за переходов от одного стиля к другому. Произведения Пьера Леско отличаются чистотой стиля (Лувр – рис. 579). С 1650 года в орнаментах происходят изменения. Вместо тонких завитков появляется переплетения прямых полос, напоминающие старинную металлическую оковку, плоские витые и загнутые полосы (рис. 578). Каменные постройки провинций – итальянское влияние. Художественное значение фонарей, порталов было так велико, что они образовывали почти самостоятельные части целого здания (рис. 580). 
В 19 веке стиль Возрождения снова возобладал повсюду, особенно в Германии. Немцы старательно заботились о старинных постройках, изучали их, возвращались к стилю, во Франции восстанавливались здания Ренессанса, например, здание Ратуши в Париже. В России вернулись к допетровскому, московскому стилю и стали возводить церкви в соответствии с традициями. Одно из лучших созданий эпохи немецкого Ренессанса – Гейдельбергский замок (рис. 581). Имя строителя неизвестно. Датская архитектура – замок Фредериксборг (рис. 583), построенное в 17 веке и реставрированное после пожара.
Предметы роскоши: золотисто-желтые глиняные сосуды – кружки, чашки, солонки с коричневыми арабесками, известными под названиями фаянса Генриха II. Фаянсовая и майоликовая посуда. Горшечное производство. Раскраска металлической посуды эмалевыми красками. Столярное мастерство – вместо грушевого и орехового дерева использовалось дубовое. В начале эпохи Возрождения преобладали строго архитектурные формы и плоские рельефы. В царствование Генриха II появляются пластические украшения (рис. 587).  Изделия из золота и серебра (рис. 589). Средний и низший классы довольствовались оловянной, цинковой и латунной посудой, которой придавали изящный вид, предметам из латуни придавали изогнутую форму и полировали (рис. 590). В Крейсене делали кружки (рис. 585), их выполняли разнообразно украшенными. Знаменитые «кружки Гершфогеля» (рис. 592).
Процветали все отрасли ремесел. Ювелиры и золотых дел мастера создавали удивительные произведения, на которые тратились чудовищные суммы. Серебряная посуда была необходимой принадлежностью каждого богатого дома в Италии, Франции, Германии. Искусство эмалирования. Гравировка драгоценных камней. Бираго в 16 веке открыл способ гравирования на алмазе. Гравирование по стеклу, способ резьбы по хрусталю и стеклу. Резными вставками из слоновой кости украшали кубки, тарелки и блюда. Резьбой по дереву выкладывали орнаменты на потолках. Оловянные тарелки и блюда обрабатывали изящно. Литейное искусство: дверные молотки из бронзы были превосходного качества. Изготовление ковров – Фландрия на первом месте. Их вешали на стены. Жилища обставляли с большой роскошью, особенно в Венеции. Каждый капитан судна отделывал каюту резьбой с позолотой. Постели у женщин – с шелковыми и парчовыми пологами, простыни и наволочки оторочены кружевом и дорогим шитьем, на стенах – парча и бархат, на столах – восточные ковры, кресла обиты драгоценной материей, шкафы ломятся от дорогой посуды, воздух напоен дивными ароматами, комнаты наполняют сундуки, баулы, горки, оружие.
В Испании – тысячи золотых и серебряных тарелок, но ели руками. Мебель украшали богато. Стулья, кресла, столы, пюпитры, буфеты, горки, сундуки, шкафы были настоящими произведениями искусства. Главное – кровать, наверху – балдахин. Кровать делали из черного, кедрового или розового дерева. На нее клали четыре тюфяка из хлопчатой бумаги, простыню с золотой каймой, атласное одеяло с бахромой и кистями из золота. Полог кисейный, шитый шелками. Внутреннюю часть балдахина вышивали выпуклым шитьем по серебряному фону.
Церковная утварь – сосуды делали мастера даже уровня Челлини. Купелям, дарохранительницам, кадилам придавали самые разнообразные формы. Церковные канделябры, люстры и подсвечники отделывали орнаментами в строго церковном стиле. Кафедры, алтари, епископские сиденья украшали резьбой по дереву.
Музыкальные инструменты – в 15 веке к органу приделали клавиатуру и педаль (Ротенберг), затем был изобретен регистр для регулирования тонов. Арфа, лютня, гитара, цимбалы с клавишами, клавесины стали инструментами домашнего обихода.
Игральные приборы – шахматы и шашки украшали художественной отделкой. Иногда фигуры изготовляли из серебра.
Появление чая и кофе обусловило спрос на небольшие чашки с ручками – образец в виде китайских чашек. Кроме них, новые напитки вызвали к жизни изготовление кофейников, чайниц, жаровен для кофейных бобов и др.



Европа – от эпохи Возрождения до конца 19 века

По сравнению с предыдущей эпохой искусство Италии 17 века кажется утратившим свой блеск. Но были первоклассные мастера: КристофороАллори («Юдифь с головой Олоферна» - рис. 645), Микеланджело да Караваджо («Девушка, играющая на лютне» - рис. 644), семейство Каррачи – шесть превосходных живописцев (Лодовико, Агостино, Аннибале, Франчесско, Паоло и Антонио), Доменико Цампьери, Гвидо Рени, ФранческоАльбани, Джованни ФранческоБарбьери (Гверчино), Карло Дольчи («Св. Цецилия» - рис. 654), Карло Маратта (самый признанный авторитет в области живописи во второй половине 17 – начале 18 века), Сальватор Роза (пейзажи, морские виды, битвы и образа святых), Лука Джордано.
В конце 17 – начале 18 века появилось несколько художников, которые продолжили традицию великого венецианского искусства: Джованни Антонио де Каналь (Каналетто, рис. 655), Джованни Батиста Тьеполо (рис. 656), Помпео Джироламо Баттони, Джованни Лоренцо Бернини (украсил площади рима фонтанами – рис. 657).
Во Франции настоящий расцвет начинается с той поры, когда по приглашению Франциска I во Францию приехали Леонардо да Винчи и АндреадельСарто. Жан Бурдишон (миниатюры, украшающие экземпляр Тита Ливия), Франсуа Клуэ, Жиль Гобелен, Никола Пуссен (рис. 662). В 17 и 18 веке наиболее яркими были Клод Желле (рис. 664), Антуан Ватто (рис. 666 – 668), Франсуа Буше (рис. 669) и Жан Грез (первый народный художник – рис. 671).
ЛеСюэр (рис. 665), Шарль Лебрэн (основатель французской Академии в Риме и живописец Людовика XIV), Жан БуллоньлеВалантен (реализм – рис. 672), Койпель, Сантерр (рис. 673), Гиацинт Риго, Жан Батист Симеон Шарден (простота обыденной жизни – рис. 675), Морис Кантен де Латур (портреты - великие люди эпохи), Жан Франсуа де Труа, Жан Марк Гамми (рис. 679), Жан Оноре Фрагонар.
Новая школа: Жан Луи Давид (археологические подробности в римских жанровых сценах). Его заказы выполнял итальянский мебельщик Жакоб. Картины в античном стиле вошли в моду. Появился «стиль Жакоб». Греческие прически, узкие хитоны. После революции возникло движение против Академии, его возглавил Давид. Систему преподавания называл рутинной. Лучшая картина – «Убийство Марата Шарлоттой Корде» (рис. 682). Создал свою школу. Превозносил эллинов и Рим. Форма стала преобладать над идеями. Завершает эпоху Давида творчество Пьера Поля Прюдона и Пьера Нарцисса Герена. В 18 веке живопись превратилась в декоративное искусство. Достойна украшать вазы и дверцы карет.
19 век: Жан ЭтьеннЛеотар, Франсуа Жерар, Буше, Шарль Верне (рис. 742), Теодор Жерико (рис. 738), Орас Верне (рис. 744),  Жан Огюст Доминик Энгр (рис. 743). В 19 веке группа художников пыталась уйти в мир истинных христианских образов и стряхнуть с себя ложный классицизм предыдущей эпохи. Внести правдивость. Реализм. Во главе – Франсуа Овербек.Эжен Делакруа (живописец движения – рис. 745), Поль Деларош (рис. 746), Леопольд Робер, Анри Реньо, БастьенЛепаж, Жан Луи Эрнест Месонье (рис. 751).
В 60-е годы – отказ от традиций предшествующей школы. Жан Милле, КамильКоро, Гюстав Курбе. Импрессионизм. Изображение не предмета, а впечатления, которое он производит на автора. Эдуар Мане («Завтрак на траве»). Пуантилисты. Переосмысливание основ живописной техники. Работали точками.
В Англии – самостоятельное развитие только в 18 веке. Приглашали иностранных мастеров. Уильям Добс, Самуэл Купер – 17 век, яркие фигуры. Из живописцев 18 века интересны Уильям Хогарт (юморист и сатирик – рис. 726), сэр ДжошуаРейнольдс (люди высшего круга – портреты, рис. 727), Джон Флаксмен, Томас Гейнсборо (первый пейзажист – рис. 730). В 19 веке появился ряд самостоятельных художников – «Братство прерафаэлитов»: Д.Г. Россетти, Х. Хант, Дж. Э. Миллес с критиком Джоном Рескином во главе. Считали, что язычник Рафаэль испортил все самое искреннее в искусстве, воспевали Средние века с их наивным и чистым искусством. Превозносили АндреаМантенью и Сандро Боттичелли.
До прерафаэлитов работали интересные художники. Дэвид Уилки (английская деревенская жизнь – рис. 731), Джон Констебл (пейзажи – рис. 732), Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (акварели), Уильям Блейк (видения – рис. 734), Джон ЭвереттМиллес (мистик), сэр Уильям КуиллерОрчардсон (рис. 736), Форд Мэддокс Браун (рис.737), сэр Джон Джилберт (романтик, иллюстратор литературной классики, любил рыцарские сюжеты).
Конец 19 века – сэр Лоуренс Алма-Тадема (античная жизнь сведена к общечеловеческому жанру – рис. 760, 761), сэр Фредерик Лейтон (античное направление, президент Королевской академии), БрейтонРивьер (животные). Новое направление – реальный мир кажется грезами: Мазон, Фредерик Уолкер.
В Испании– после 18 века первым, давшим новое направление искусству стал Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусиентес (портреты, образы, жанровые фрески, гравюра – 763-765). После него – спад. Шестидесятые годы 19 века – МарианоФортуни, Эдуард Замакоис (рис. 766).
В Германии– после Гольбейна в Германии второй половины 16 века не была выдающихся художников. Все ушло в мелочную технику. Вторая половина 18 века – всплеск интереса к античному искусству. Иоганн Винкельман, Антон Рафаэль Менгс, Даниэль Николаус Ходовецкий, Ангелика Кауфман.
Новая школа – реакция на античное направление. Их задачей стало изучение древнегерманского искусства и обращение к христианству. Во главе – Петер фон Корнелиус (композиции к «Фаусту» и «Нибелунгам», расписавший мюнхенскую Глиптотеку и королевский склеп в Берлине). Интересен его цикл христианских композиций в церкви св. Людвига в Мюнхене. Школа настенной живописи.
«Назарейцы» - идеал Рафаэль. Создание высоких чистых образов во славу религии и церкви. Фридрих Овербек. Нет силы гения.
Карл Фридрих Лессинг – историческое развитие народа.
Людвиг Баварский задумал превратить Мюнхен в германские Афины. Собрал выдающихся людей искусства, в том числе Корнелиуса с учениками. Каульбах, самый интересный из учеников, создал типы из сумасшедшего дома, прославившие его больше, чем фрески Мюнхенского музея (рис. 767). Тонкий юморист и создатель грандиозных фресок.
Адольф фон Менцель – прогресс в искусстве, можно назвать главой европейских художников. Противник шаблонности. Реалист-мыслитель (рис. 768-769). Людвиг Кнаус – отец европейского жанра (рис. 770-772). Расцвет жанра – Вениамин Вотье. Франц Дефреггер, Эдуард Грютцнер продолжили развитие жанра. Идеализм – Арнольд Беклин. Пейзажист в полном смысле слова. Интересно творчество Франца фон Ленбаха, Карла Пилоти, Ансельма Фейербаха, Эдуарда Мейергейма, Габриэля Макса, Ганса Макарта, Франца Стука. Уде – изображения современного Христа, библейские сюжеты. Бруно Пильглейм, Герман Каульбах, Фридрих Август Каульбах, Людвиг Пассини, Ари Шеффер, Альбрехт Адам, ЙосефИсраэлс, МихайМункачи. Символизм. Александр (Саша) Шнейдер (рис. 789).
Скандинавы(датчане, шведы, норвежцы) – долгое время искусство не занимало ведущих позиций. Шли по следам мастеров других стран. Крупнейший талант Скандинавского полуострова – Андерс Цорн (рис. 792). Норвежцы: Венцель, Крог, Веренскиольд, Мунте, Таулау. Датчане – пейзажисты: Мольс, Паульсен. Жанристы – Югансон, Крейер. Во главе датских живописцев стояли Паульсен и Хаммерсхей.

Скульптура 19 века не дала таких мастеров, как Микеланджело. Новый стиль ваятелей проявил себя в творчестве итальянца Антонио Канова. Величайшим скульптором принято считать датчанина БертеляТорвальдсена. В конце 19 века скульптура стала декоративным искусством, статуи дополняли и украшали архитектурные комплексы. Только в монументах великих людей и надгробных памятниках скульптура сохранила самостоятельное значение. Особенное развитие кладбищенское ваяние получило в Италии, где места захоронения заставлены мраморными статуями, этим славится Генуя, хотя большинство работ там ремесленного производства.


4. История России и зависимых государств

 Самое древнее поселение славян в Европе – побережье Среднего Дуная. Одна часть населения – по Дунаю, ближе к Черному морю; другая – движение к северу Европы, побережье Балтийского моря и острова; третья – в северо-восточном направлении в сторону берега Днепра и его притоков. На севере дошли до озера Ильмень и Финского залива. Задолго до начала 9 века, когда появились первые упоминания в истории, жили вдоль торгового пути, пролегавшего по рекам через всю Россию с торговыми центрами в Киеве и Новгороде.   Смешивались с разными народами.
Примитивный крестьянский наряд 19 века из грубой рубахи, лаптей и сарафана, мало чем отличался от несложной одежды, которую носили в этих местах более тысячи лет назад. Овчинные тулупы, валенки, руковицы, душегрейки, которые надевали поверх сарафана. Много разновидностей кокошника, убора восточного происхождения. Типичные славянские постройки: избы, иногда - высокие, двухэтажные, иногда  - низкие с оградой, из которой торчат шесты с головами (вероятно, убитых врагов).
1831 год – найдены раскопки около Керчи: захоронения скифского вождя 4 века до нашей эры. Золотая ваза (рис. 595, 596). Изображения жителей этих земель. Никопольская ваза (рис. 597, 598) – сцены укрощения степных лошадей. Вооружение состояло из короткого меча, лука и стрел. Броня из железных, пластин, нашитых на одежду.
Каменные бабы (рис. 594) – в южнорусских степях памятники древнего происхождения, о которых неизвестно почти ничего.
Христианство – при Святославе получило право гражданства. Мать князя, Ольга, сменила языческую веру на православную, ее внук Владимир сделал христианство государственной религией. Послы Владимира, побывав за морем, стали склоняться к византийской вере. Рациональные соображения: торговые отношения с Византией, скрепленные общей верой, были выгодными. Это решение оказало огромное влияние на дальнейшее развитие искусства. Приехали зодчие, золотых дел мастера и иконописцы. Русь подпала под влияние византийского государства. Начали воздвигать церкви: вся утварь, стиль построек, живопись и орнаментика стали византийскими. Уничтожили языческих идолов.
Искусство, изначально черпавшее вдохновение из греческих источников, оказалось под новым мощным воздействием.
Киевская Русь. Киевские церкви Владимира и Ольги не сохранились. Сгорели или разрушены татарами. Десятинная церковь (название – от указа князя отдавать церкви десятую часть своих доходов с проклятием за невыполнение): утварь вывезена из Греции и Корсуни, внутри – мрамор, яшма, кафель и фрески. Разрушена при разграблении ханом Батыем. Впоследствии восстановлена (XVII век). Потом обветшала и срыта (рис. 599). На ее месте соорудили другую, без связи с прежней.
Самый древний – Софийский собор (София Киевская - 9 век), построенный князем Ярославом (рис. 600). Горел два раза, но часть древних стран храма с мозаиками и даже фресками уцелела. Батый разграбил город, его войны даже выбросили из могил великокняжеские кости. В 14 веке стоял без крыши, с обрушившимися стенами. Восстановили, изменив облик. Надстройки и пристройки. Кладка и материал времен Ярослава – гранит, шифер и мрамор – сохранили алтарную часть сооружения. Главная драгоценность – «нерушимая (алтарная) стена». На ней находится колоссальная византийская мозаика, изображающая Божью Матерь на золотом фоне. Высота фигуры – пять метров. Находится над алтарем, видна отовсюду, производит неотразимое впечатление.
На всех образах  Пресвятая Дева в голубом хитоне, голову окружает нимб (рис. 602). Ниже Богородицы – два ряда мозаик. В верхнем ряду – Тайная Вечеря (святая трапеза – рис. 601), в нижнем – отдельные фигуры священнослужителей.
Наряду с мозаиками до нас дошли фрески – сюжеты из светской жизни: игры, охота, танцы, музыканты. Живопись сохранилась потому, что была закрыта штукатуркой более поздних времен. В 1842 году были открыты, по распоряжению Николая I восстановлены. Общее количество: более трехсот, размеры очень большие – раз в человеческий рост или по пояс.
Гробница Ярослава (рис. 603) – та же эпоха. Византийские орнаменты: пальмовые ветви, рыбы, голубки, кресты и розетки. Белый мрамор.
Церковь святого Михаила (была заложена в 12 веке) – упразднена в 1917 году, в 1934 здания разобраны, мозаики и фрески переданы «Софийскому собору» в Киеве. Киево-Печерская лавра (конец 9 века) в первоначальном виде не сохранилась, это был один из первых монастырей, т.к. Михайловский храм строили греки. Это был более аскетичный, скромный по внешнему облику храм.
Дерево. Русский Север – деревянные храмы. В Новгороде первый Софийский собор был деревянным, тринадцать верхов (куполов). С возрастанием торгового значения города – необходимость в возведении большого собора, мастера были приглашены из Византии. Они создали образец для дальнейших сооружений этого типа. В том виде, в котором он был в 15 веке, не сохранился.
Образцом для новгородских церквей стал Софийский собор (рис. 604). Отклонения от канона: северный климат – снег, дождь, стужа. Пришлось крышу делать восьмискатной – для стока воды. Огромные греческие окна неудобны в зимнем климате. Их стали заделывать. Впоследствии одно большое окно заменяли тремя маленькими отверстиями.
В 17 веке новгородской вольнице пришел конец, архитектура подчинилась московскому влиянию. Излюбленная форма купола – луковица. Стили спутались. Одной из особенностей новгородских церквей являются голосники: горшки или кувшины, горизонтально вмазаннуые в стену для поглощения и отражения звука. Без всякой симметрии. Иной раз в барабан купола. Часть их замазали. В Софийском соборе видно два или три. В Византии они не встречаются.
Новгород, Псков – постройки долго сохраняли свой первоначальный облик, представляли собой варианты одного и того же мотива (рис. 605).
На Западе отдельные колокольни не возводили. У нас был принято привешивать колокола отдельно на деревянном срубе. Позднее каменные колокольни стали воздвигать отдельно от собора.
Владимирско-Суздальское княжество. Новое государство активно соперничало с Киевом. Князь Андрей и его преемники не жалели средств на возведение храмов во Владимире и других городах: Юрьеве-Польском, Суздале. Андрей Боголюбский созвал мастеров со всего света. На новых храмах – влияние романского стиля, в то время процветавшего на Западе.
Покровская церковь близ Боголюбова (12 век) – хорошо сохранилась. Шаг вперед по сравнению с Киевом – стены покрыты изображениями фигур, драконов, тоненькие колонны образуют пояс. Большой собор Успения Богородицы, выстроенный во Владимире Андреем Боголюбским, не сохранился в первоначальном виде, только восточная сторона напоминает прежнее сооружение (рис. 607).
Дмитриевский собор – самая интересная владимирская церковь конца 12 века. Хорошо сохранилась. Возведена под руководством иностранных мастеров оригинально, красиво. Автор неизвестен. По преданию – мастер из Германии должен был возвести здание, которое по красоте превосходило бы все иные постройки города. Сочетание византийского, романского и итальянского стилей. Предположение: влияние собора святого Марка. Фигуры и украшения: львы, кентавры, олени, птицы, восхождение Александра Македонского на небо. Это совпадает с украшением венецианского собора. Центр – Благословляющий Спаситель, изображенный без бороды, как в первые века христианства. При возведении московских церквей Дмитровский собор рассматривался как образец. Фрески были обнаружены в 1830-е годы. В 15 веке знаменитый живописец Андрей Рублев расписывал владимирские соборы, есть предположение, что он писал фрески и в Дмитриевском соборе. Достоверно известно, что ему принадлежат надписи над картинами. Самый интересный сюжет: изображения Богородицы и библейских патриархов, сидящих в свободных позах под райскими кущами. Деревья, птицы, цветущие вокруг них, фантастичны. Все растения имеют закручивающиеся усики и перевиты стеблями лиан. Апостол Петр ведет святых в рай. Они идут толпой в полувизантийских, полурусских одеждах. Рядом с ними трубят два ангела: один в землю, другой в море, о чем говорят надписи над их головами (рис. 610). 
«Золотые ворота» - светское здание во Владимире.  Сохранилась также часть дворца князя Андрея Боголюбского с сильно перестроенной церковью Рождества. Он был возведен из известнякового тесового камня, вывезенного из Волжской Болгарии. Характер постройки церковный: карнизы, арки, колонны, лиственные греческие капители (рис. 611).
Впоследствии владимирские постройки много раз переделывались.  После разорения Киева ханом Батыем киевские митрополиты в поисках безопасного пристанища стали чаще наведываться во Владимир. Там была устроена постоянная резиденция.
Московское царство. Период возвышения Владимирско-Суздальской Руси был непродолжителен. Центром «собирания Руси» стала Москва. По преданию берега Москвы-реки и Неглинной, покрытые сплошными лесами, принадлежали боярину Кучке. Красивый берег, где теперь находится Кремль, издавна привлекал к себе внимание великих князей.
Сын Мономаха, Юрий, заложил здесь городок  (около 1147 года). Он обнесен стеной, за которой от невзгод укрывались окрестные жители. Город разрастался. В результате междоусобиц князей и нападений татар Москва сгорала до основания несколько раз. Поначалу все постройки были деревянными. В мирное время пожары уничтожали княжеские терема и соборы.
Великокняжеские терема невелики: первый покой (передняя), т.е. приемная – перед ним находились сени, обычно теплые, иногда состоявшие из двух половин. Бывало при комнатах устраивали чуланы, предназначенные для сна. Верхние этажи состояли из светлых чердаков, теремов с балкончиками и переходами, идущими вдоль здания. Другая половина помещения – место официальных собраний, куда великий князь выходил в сопровождении бояр и духовенства для приема послов, земского собора и свадьбы. Эти хоромы назывались «гриднями», а зал для застолья – «столовой избой».
Рядом с этими зданиями строились отдельные дворы и хозяйственные постройки: конюшенные, житные, поваренные или кормовые, хлебные и др. Драгоценности не хранили во дворце, а складывали в особой казне или сокровищнице. Сейчас сложно установить, какими были фасады этих зданий, но деревянные постройки 16 и 17 веков дают представление об оригинальном и тяжелом московском стиле (рис. 614 и 615).
По преданию первой церковью Кремля на Боротницком холме была церковь Рождества Предтечи с патриаршим двором митрополита Петра. Несколько позднее, в 1330 году, Иван Калита заложил первый каменный собор Спаса на Бору. В 1336 году Иван Калита задумал построить Успенский собор. Святитель Петр, закладывая его, предрекал Москве величие и славу. Он назначил себе место погребения в фундаменте. Первые кремлевские соборы были копиями суздальских, но строились наскоро и непрочно. Каменщики учились у иностранцев кое-как, потому их сооружения часто разваливались.
Солидные постройки начались только при Иване III. Это была пора процветания и усиления Руси. К Москве, отвоевав Югорскую землю, присоединили Новгород. Женился на греческой царевне, которая привезла из Византии вкус и традиции, чуждые московскому населению. Началась перестройка Кремля.
Итальянец Марко Фрязин – ему предложили оградить Кремль новыми каменными стенами с башнями и бойницами. Внутри Кремля были сооружены три каменных собора: Успенский, Архангельский и Благовещенский. Главную роль играл зодчий Аристотель Фьораванти, выписанный из Болоньи, которого привез русский посол Требузин. Он был известен тем, что сдвинул с места в Болонье колокольню и выровнял в Ченто покосившуюся башню. Научил русских мастеров более надежному способу приготовления извести и кладке из тесаного камня, связанного железными скрепами; показал способ обжигания кирпичей, более узких, длинных и твердых, чем прежние. Он же научил лить пушки и чеканить монеты.
Изучив владимирские соборы, перестроил к 1479 году Успенский собор. Иван III, войдя туда, воскликнул: «Вижу небо!» В первоначальном виде этот собор не сохранился. Через 15 лет горел, а в 1550 году новый пожар уничтожил все внутреннее убранство. В 1612 году после нашествия поляков пришлось ремонтировать, пожары в 18 веке пришлось полностью реставрировать. В 1812 году французы превратили его в конюшню. В порядок собор привели в 1830 году. Перед коронацией Александра III группа архитекторов и археологов провела капитальную реставрацию собора: когда разобрали иконостас, на внутренней стене были найдены фрески 15 века. Иконостас сделали серебряным, чеканным, и только цоколь облицевали золоченой бронзой.  Внутри  –  византийский стиль собора: 4 колонны толщиной в 2 метра каждая поддерживают барабан главного купола. Высота храма от пола до креста среднего купола – около 60 метров. Превосходное освещение. Пятиярусный иконостас: вверху патриархи до Моисея, во втором ярусе изображения пророков от Моисея до Ивана Предтечи, третий ярус посвящен праздникам, четвертый – Христос с апостолами, пятый – местные иконы. Икона Владимирская чудотворная (рис. 636) – риза из чистого золота, один изумруд стоил более двухсот тысяч рублей (записки с кандидатами лиц на избрание на первосвятительскую кафедру клали в ковчег перед иконой). Патриаршее место из резного камня.  «Трон Мономаха» датируют 17 веком, когда на нем во время обедни становились императоры и императрицы. В ризнице собора хранилась масса драгоценностей и древностей, в том числе Евангелие.
Благовещенский собор – начали возводить в 1397 году. При сенях дворца великого князя Василия Дмитриевича, поэтому его долго называли «Благовещение у государя в сенях». Это приходская церковь Кремля. Здесь цари говели, венчались и крестились. Каждый правитель хотел внести свой вклад в украшение храма. Занимает одно из самых видных мест. Пристроена с южной стороны светлая остекленная галерея, соединенная с дворцом. С другой стороны галерея оканчивалась каменным крыльцом, через которое спускались в сад для развлечения царевен. В нем много фруктовых деревьев и бассейнов с рыбками. При Екатерине II этот сад был уничтожен. Собор горел и разграблялся. Отличие от других соборов: девять глав – пять на соборе, четыре на приделах. На стенах изображены греческие философы: Сократ, Аристотель и др. При реставрации в 1882 году были обнаружены интересные древние фрески. Иконы – Всемилостейшего Спаса (14 век), Донской Богоматери (была с Дмитрием Донским на Куликовской битве). Во время нашествия Наполеона ризницу Благовещенского собора перевезли в Вологду. Сохранились рукописи с миниатюрами, кресты, сосуды, драгоценные ризы.
Усыпальница русских князей – третий кремлевский собор, Архангельский. В 14 веке Иван Калита на месте деревянной церкви соорудил каменную, уничтоженную два века спустя при Иване III. Миланский архитектор Алевиз возвел на ее месте новую. Здесь сохранили всех царей дома Рюриков. Когда род Годуновых свергли с престола, прах царя Бориса вынесли из этой усыпальницы. Гроб Василия Шуйского был помещен в собор только двадцать три года спустя после его смерти в Польше.
Судьба собора печальна: был разграблен и осквернен поляками. Наполеоновское войско разместило в нем лошадей и винные хранилища, после восстановления собор пришлось снова святить. Среди драгоценностей много образов. Золотое кадило собора превосходно (рис. 616). В 1825 году в соборе было выставлено тело императора Александра I.
До Петра I существовал обычай класть просьбы на гробницы государей, кроме царей, их никто не трогал. Государи сюда приходили на Страстной неделе просить прощения у предков, на Пасху – христосоваться с ними.
Архангельский собор темнее других. В нем находятся мощи черниговского князя Михаила и его боярина Федора, царевича Дмитрия, всех царей дома Романовых до Петра I, Ивана Даниловича Калиты (основателя Москвы), Ивана Васильевича Грозного с двумя сыновьями – Иваном и Федором. Интересные сооружения – Чудовский монастырь, Вознесенский женский монастырь, бывший архиерейский дом и Никоновский дворец.
В 1849 году было возведено здание в русском стиле – архитектором Тоном по просьбе Николая I.
Иванова колокольня – высочайшее здание Кремля. Видна со всех сторон. Высота – 81 метр. Построена при Борисе Годунове. Под блестящим куполом огромными медными позолоченными буквами была выложена длинная надпись, смысл ее был вот в чем: при Борисе Годунове «храм совершен и позлащен во второе лето государства их». Наполеон снял крест, чтобы увезти в Париж как трофей. Возле колокольни – Рождественская церковь и Филаретовская пристройка. У подножия колокольни – самый большой в мире Царь-колокол, весящий около 200 тонн. Отлит при императрице Анне. Неподалеку от Царя-колокола фантазия конца 16 века – Царь-пушка, отлитая в 16 веке по заказу Федора Ивановича. Вес ствола пушки – около 40 тонн.
Церковь Спаса на Бору, Рождества Богородицы, Воскресения Лазаря, Спаса «за золотой ризницей», Славящего Воскресения – интересные храмы.
Кремлевский дворец не сохранился в прежнем виде, новое здание построено профессором Тоном. Размеры колоссальны. Но помещения занимали только во время коронации, причем парадные комнаты каждый раз отделывали заново.
Старый теремной дворец рядом с Грановитой палатой – заседания Боярской думы, пир государей. Роспись золотом, но в 18 веке ее отскоблили, потолок замазали белой краской, а стены облили малиновым бархатом с золочеными орлами.
Александр III потребовал восстановить Грановитую палату. Бархат сняли, обнаружили древнюю живопись: портреты государей, орнаменты, сцены из библейской истории. У входной двери осталась надпись о восстановлении стенописи иконописцами-крестьянами. Палата производит сильное впечатление, особенно Красный уголо и царский трон.
Тюремный дворец – реставрация под руководством архитектора Рихтера и археолога Солнцева. Восстановлены трапезная горница, соборная и престольная палаты, опочивальня, молельня с крестами и иконами царя Алексея. Роспись исполнена в древнерусском стиле. Печи покрыты расписными украшениями.
Потешный дворец – старина в фасаде с шатрообразной крышей. Эпоха царя Алексея.
Перед Кремлем – Красная площадь с Лобным местом. Иван Грозный здесь каялся перед народом после знаменитого пожара, совершал на этом месте самые ужасные казни. Через Красную площадь вступали войска Лжедмитрия I и ополчение Минина и Пожарского. Торжественные церковные шествия. Казнь мятежных стрельцов при Петре I.
В старину было 15 церквей с кладбищами – от Спасских до Никольских ворот. Для казненных на Красной площади. Называли «на кровях».
На Красную площадь из Кремля можно попасть через Спасские ворота, где никто не имел права пройти и проехать, не сняв шапку.  После Отечественной войны были совершены пристройки, по бокам – маленькие часовенки для молебна. На площади возле Спасских ворот – самое интересное здание: собор Покрова Богородицы, известный под именем Василия Блаженного. Это был юродивый времен Ивана Грозного. Покровский собор – идея Ивана Грозного, так он отметил покорение Казанского ханства.
Храм Василия Блаженного (Покровский собор, что на рву) – построен в 16 веке зодчими Бармой и Постником (возможно, это одно и то же лицо). Разные стили. Влияние индийской (минаретов, идущих вверх затейливыми фигурными уступами), итальянской (очертания и пропорции), мавританской, византийской архитектуры. Кажется нагромождением террас, на которых собраны несколько церквей разных размеров, стилей, цветов и форм. Все маковки разные – то скручены винтом, то пестрят многогранными шишками, то возносятся вверх готическими валиками. Собор несколько раз перестраивали. Рядом с мощами Василия Блаженного помещены мощи юродивого Ивана, который пользовался популярностью в 1812 году.
Подмосковные церкви: Покровский собор в Филях (фили – небольшое селение на можайской дороге с живописными окрестностями) и др.  В 17 веке там была воздвигнута церковь, впоследствии превращенная французами в конюшню.
В 17 веке в Москве насчитывалось около 2000 церквей. У каждого боярина – своя собственная. Причудливый стиль: чешуйчатые крыши, длинные узкие окна, вычурные колокольни с пролетами. Храм Грузинской Богоматери в Грузинском переулке украшен кокошниками, индийскими луковицами, готическими башнями, на Ильинке – храм Николая Чудотворца, где частицы мощей царя Константина, князя Владимира, Марии Египетской, Марии Магдалины и др.
Девичье поле – к западу от Кремля. К нему примыкает Новодевичий монастырь, построенный в 16 веке. Крепостные башни-бойницы. Туда удалились:  вдова Федора Ивановича, царица Ирина, за ней – ее брат Борис Годунов еще до царствования, Ксения Годунова до отправления в Суздаль,  царевна Софья во время стрелецких мятежей.  Дочери царя Алексея слушали здесь перезвон колоколов, в монастыре находятся гробницы дочерей царя Ивана и Алексея, царицы Евдокии Лопухиной, первой жены Петра Великого. Наполеон пытался его взорвать, но взрыв был предотвращен.
Троице-Сергиева лавра основана Сергием Радонежским. Он удалился в пустыню из боярского семейства в середине 14 века. Преподобный Сергий благословил великого князя Дмитрия Ивановича на борьбу с Мамаем. В Смутное время единственная не сдалась врагам. Крепостную стену строили монастырские крестьяне. Общая длина стены с 12 башнями превышает один километр, на них установлено 90 огнестрельных орудий,  медный котел емкостью в 100 ведер – в нем варили смолу для обороны. В лавре постоянно воздвигались новые храмы и здания. После бегства сюда Петра устроили царские покои для приема государей, желавших пожить в монастыре. Главный храм – из белого камня, купол позолочен при Иване Грозном, иконостас пятиярусный, обложен листовым серебром и позолочен. Роспись стен храма – под руководством Андрея Рублева. Успенский собор – погребены королева ливонская Мария Владимировна с дочерью Евдокией, на кладбище в особом теремке – семья Годуновых.
В огромной лаврской колокольне – колокол Царь. Самый большой в России, вес – почти 6 с половиной тонн.
Старомосковский стиль: Воскресенский монастырь близ Москвы, церковь Пресвятой Богородицы в Нижнем Новгороде, построенные в начале 18 века.
Иконопись. Три вида: новгородский с большими пробелами на платье в греческом духе, московский с золотом, суздальский с пробелами в виде тоненьких бликов. Они представляют собой варианты византийского искусства.
В первые века христианства в живописи преобладала символика – до 17 века допускались аллегорические изображения луны и солнца в виде символов, олицетворение Рима, Византии, ветра в виде дующих ангелов. После падения Рима центр христианского искусства переместился в Византию. Отличительные черты – сухость и тонкость фигур.
Канон выработан в 10-11 веках. Выработав образец, художники его повторяли, отклонение запрещалось. Определялся возраст героя, цвет волос, бороды, прическа, риза, обстановка и надписи. Храмы расписывали одновременно разные художники: один намечал контуры, другой их вырисовывал, третий набрасывал блики, помощники растирали краски. Первые мастера были византийцами, которых пригласили в Киев. Они оставили греческие подлинники. Первым, о котором остались сведения, был печорский инок, преподобный Алипий. Согласно преданию, его иконы не горели в огне и во время болезни за него дописывал образа ангел Господень. В 15 веке появился андроньевский инок Андрей Рублев. Он стал знаменитым художником. Организовал дружину: артель иконописцев под управлением старосты. Его образа стали каноном. В конце 16 века появилось два вида живописи: московский, строгого стиля, и строгановский, отличавшийся яркостью красок и золота. Царь Алексей Михайлович вызвал из-за границы искусных мастеров, они обучали русских. Более светлый колорит и изящный рисунок. Разделение труда: лики, ризы, пейзаж и орнамент. Влияние итальянской светской школы – роспись домовых церквей бояр Голицына и Морозова.
Подражание итальянской школе каралось Никоном, который отлучил их от церкви, приказав сжечь иконы, и велел брать за образцы древние иконы греческого письма. И стали подробно описывать греческие образцы словами. Из древних икон наиболее почитаемы: Спасителя и Божьей Матери в Успенском соборе московского Кремля, по преданию из Корсуни; св. Петра и Павла в новгородском Софийском соборе, вывезенная из Византии; образ Смоленской Богоматери, писанный по преданию евангелистом Лукой и известный под именем Одигитрии (рис. 622), вывезенный из Греции при князе Всеволоде Ярославовиче.
В Москве – царьградскаяиконаБожьей Матери, доставленная во Владимир Андреем Боголюбским. Была перенесена из Владимира в Москву во время нашествия Тимура, подошедшего к Оке. Народ встретил икону и, падая на колени, взывал: «Матерь Божия, спаси землю русскую». По преданию Тимур отступил в день встречи иконы, устрашенный ночным видением, в котором ему явилась Владычица, окруженная множеством войск. В память об этом учрежден праздник Сретения Владимирской Божьей Матери, а икона навсегда оставлена при московском Успенском соборе. (Архитектура и скульптура позднейшей эпохи – см. конец главы).

Костюм

 Первые сведения – у арабских писателей и византийских хронистов. Некоторые данные – исходя из предметов, найденных в скифских могилах и рельефов на древних предметах. К сожалению, обычай сжигать мертвецов вместе с утварью способствовал уничтожению памяти о древней культуре.
Рисунок Изборника Святослава 1073. Князь: опушенная мехом шапка, плащ, застегнутый на правом плече. Его супруга – обычный византийский костюм из пестрой дорогой ткани.
На разных рисунках князей – летние шапки, красные сапоги, плащи. У женщин – убрус на голове (убор, который сохранялся до 17 века почти без изменения).
Шапка была одновременно и летним, и зимним убором, только на зиму ее обшивали мехом: верх вышивали резными узорами, нанизанными жемчугом иди драгоценными камнями. Знаменитая шапка Мономаха: колпак, украшенный драгоценными камнями, с меховой опушкой внизу, и крестом наверху. Убор этот считается шапкой Мономаха только по названию и относится, скорее всего ко временам Ивана Грозного (рис. 623). По преданию Иван III стремился создать впечатление, что Русь и Греция давно в дружественных отношениях, и шапку якобы прислал Мономаху Алексий Комнин в знак уважения.
В 15 веке происходит изменение древнего костюма. Детали можно восстановить по памятникам 16 и 17 века. Картины: «Шествие посольства Ивана Грозного к императору германскому Максимилиану» (рис. 627, 628), «Осада русскими Вендена в 1573 году», «Венчание на царство и обручение Лжедмитрия I», «Прием польских послов Лжедмитрием». В 17 веке охабни, старинные русские кафтаны, стали носить с длинными рукавами. Кафтан научились перехватывать в талии, а воротник сделали огромным и стоячим. Он назывался козырем. Каблуки выросли до необычайных размеров, пуговицы на кафтанах были величиной больше грецкого ореха; шапка стала очень высокой. У женщин отличительная особенность – вошвы, длинные рукава, соединяющиеся с подолом.
В России самобытных костюмов долго не было. Сначала одежда создавалась под сильным византийским влиянием, затем – под восточным.Военная одежда только при Александре III стала меняться с учетом климата и национальных особенностей. Князья – византийские и позже татарские элементы в одежде. Золотые узоры всегда шли по красному фону со светло-синим отливом – это цвет византийской багряницы. Позднее ткань представляла собой сплошную золотую парчу, оплечье было вышито драгоценными камнями. Царские регалии: скипетр, корона и держава. У цариц платье вышивали только по подолу и спереди, а с боков и сзади оставляли одноцветным, из-под короны спускалось белое покрывало. Одежда церковнослужителей мало менялась, там традиции хранятся крепче, чем где-либо. И детали одеяния похожи на греческие в эпоху Константина Великого.


Живопись. Портретная, историческая.Перспективная, пейзажная.

Первые художники – иконописцы (рис. 799). Техника письма – у греческих мастеров церковной живописи, которые появились на Руси после введения христианства. Первый художник, биография которого дошла до нас, - монах Киево-Печерской лавры, Олимпий (Алимпий). Он жил в 12 веке и был причислен церковью к лику святых. Было видение: из уст иконы Богоматери вылетел светлый голубь. Он постригся в монахи, стал профессиональным иконописцем. Заработок делил на три части: монастырю, нищим и себе на материалы. Некоторые из работ писал после небесных знамений, поэтому его причислили к лику святых.
В начале 15 века появился знаменитый монах-живописец Андрей Рублев. Работы Рублева считаются гениальными, по постановлению Стоглавого собора (1551 год) они стали обязательными образцами для подражания. Во второй половине 16 века при Иване Грозном вместе с архитекторами приглашали скульпторов, серебряников и живописцев.
Петр Великий решил дать художникам образование – отправил учиться за границу. Среди них были Матвеев, Никитин, Захарьев и Меркурьев. Особенно способный – Матвеев (1701-1739). Сохранилось несколько произведений: Петропавловская церковь в Петербурге – образа, картины в галерее Академии художеств (портрет императора Петра).
В царствование Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны в Россию приглашалось множество иностранных живописцев для росписи церквей и дворцов. Им поручались также портреты высочайших особ. В России в 18 веке работали портретисты ПьетроРотари и Стефан Торелли, писавший аллегорические и мифологические сюжеты Лагрене, немецкие живописцы Георг Кристоф и Иоанн Фридрих, братья Гроот.
Екатерина II приглашала из-за границы талантливых зодчих и художников, основала Эрмитаж и открыла Академию художеств. Проект основания Академии, составленный Иваном Ивановичем Шуваловым, был утвержден за несколько лет до ее вступления на престол. Появление Академии стало отправной точкой для возрождения русского искусства, школой для национальных художников.
Русские таланты появлялись и до основания Академии. Д.Г. Левицкий, автор известного портрета Екатерины II – Законодательницы (рис. 800). Гаврила Козлов, первый русский профессор Академии.
А.П. Лосенко (1737 – 1773) оказал влияние последующих художников. Учился за границей – в Париже, Риме, получил медаль Парижской академии. Вернувшись в Россию, стал профессором Академии. Впоследствии был назначен ее директором. Картина «Каин и Авель» была на выставке в Петербурге в 1707 году. Умер в возрасте 36 лет.
Наиболее талантливые ученики Лосенко: Акимов и Угрюмов.И.А. Акимов был утвержден директором Академии в 1800 году и умер, завещав свои работы этому учебному заведению и пятнадцать тысяч рублей на стипендию талантливым ученикам, Г. И. Угрюмов увлекался огромными композициями и рисовал фигуры больше их натуральной величины (лучшие картины – «Взятие Казани» и «Венчание Михаила Федоровича Романова на царство» - по заказу императора Павла Петровича для Михайловского замка).
Последователь Левицкого – В.Л. Боровиковский. Сама императрица обратила внимание на его талант и посоветовала поступать в Академию. Написал множество портретов, в особенности императорского дома, и немало образов. Славился как художник-миниатюрист.
Ф.Я. Алексеев(между 1753 и 1755 – 1824) – виды городов, с 1803 – профессор Академии. Ф.М. Матвеев(1758 – 1826) прославился красивыми швейцарскими и итальянскими ландшафтами. А.Г. Венецианов (1780 – 1847) – автор многих сцен крестьянского быта (рис. 803). А.Е. Егоров (1776 – 1851), любимый ученик Угрюмова, прозванный императором Александром I «знаменитым». Глубокая религиозность, мистицизм. Библейские, евангельские сюжеты. Во сне видел фантастические композиции, переносил на бумагу. Портреты не писал. Работы его кисти украшали петербургские церкви: Академическую, Казанский собор, Таврическую церковь, Конюшенную, Сенатскую, Вознесенскую и др.В.К. Шебуев (1777 – 1855), ученик Угрюмова. Учился в Италии. Поклонник Леонардо да Винчи, написал картину на сюжет «Тайной вечери», но в собор в Тифлисе послали только копию. Прославился расписыванием плафонов. В актовом зале Академии художеств – Аполлон на потолке, в церкви царскосельского дворца – колоссальный плафон, восхищавший Александра I.О.А. Кипренский (1782 – 1836) – один из лучших портретистов начала 19 века Его картины в галерее Уфицци висели рядом с произведениями Веласкеса, Дюрера и Леонардо да Винчи. Известная картина – «Молодой садовник» (рис. 804).А.О. Орловский (1777 – 1832) – рисовальщик и живописец. Поляк по происхождению. Учился в Варшаве.  Один из самых модных художников 20-х годов 19 века. Жанровые, батальные пастели, русские народные сцены, пейзажи.С.Ф. Щедрин (1791 – 1830) – один из лучших живописцев начала 19 века. Адъюнкт-профессор Академии по классу пейзажной живописи. Эмигрировал в Италию.М.Н. Воробьев (1787 – 1855) – пейзажист. Говорят, что ему первому из художников разрешили срисовать внутреннюю часть пещеры Гроба Господня. В.А. Тропинин (1776 – 1857) – портретист, прозван «русским Грезом» за грацию изображенных головок. Родился в семье крепостных. Один из основоположников романтизма. Учился в Петербургской академии художеств. Был освобожден от крепостной зависимости, получил звание академика. Жанр и портрет сочетались – «Кружевница», «Гитарист». Интерес к бытописательству.Ф.А. Бруни (1799 – 1875) – живописец, гравер, ректор по живописи Академии художеств. В Италии копировал рафаэлевские фрески, громкую славу ему создала самостоятельная композиция «Смерть Камиллы». «Моление о чаше» утвердило за ним имя мастера. Знаменитая композиция «Медный змий». Моисей указывает жезлом на медного змия на вершине колонны. Змеи падают с неба, обвиваются вокруг евреев, жалят их и, убив одних, переползают к другим.
К.П. Брюллов (1799 – 1852) – художник, открывший новый период в истории русской живописи. Точнее завершил период, который длился столетие. Замыкают плеяду художников, которые в короткий срок преодолевали путь, пройденный западным искусством в течение нескольких столетий. Родился в Петербурге, в 10 лет поступил в Академию, учился у Егорова. Из сухих поз академических натурщиков создавал аллегорические картины. «Нарцисс, смотрящийся в воду», «Авраам и три ангела». Поездка в Европу. Увлекся Возрождением. Библейские сюжеты: «Юдифь», «Олег у ворот Царьграда». Копирование Рафаэля заняло у него 4 года.  «Последний день Помпеи» - лучшее произведение (возможно, на сюжет оперы Паччини, имевшей огромный успех). Ярко подчеркнута борьба язычества с христианством. Его называли гением, Академия преклонялась перед ним, художники считали за честь быть его учениками, Пушкин просил на память его эскизы, Жуковский, Глинка, Кольцов постоянно виделись с ним. В Исаакиевском соборе писал ряд святых, покровителей императорского дома. От серьезных работ отрывали заказы для салонных объемов: сцены из турецкой и итальянской жизни. Портреты Крылова, Кукольника. Скончался в Риме.
П.А. Федотов(1815 – 1852) – не получил профессионального образования. Всего несколько больших работ, но значение творчества огромно. С детства наблюдал за людьми, воплотил это в живописи. Выдающийся жанрист (обыденная жизнь с юмором), возвышенные и батальные сюжеты были ему не близки. Известные картины: портрет Крылова (который, увидев его эскизы, посоветовал бросить батальную живопись), «Свежий кавалер», «Разборчивая невеста» на текст басни Крылова, «Сватовство майора», «Вдовушка». Акварели, циклы рисунков, карикатуры. Психическая болезнь, ранняя смерть. Его ставили во главе нового направления в живописи.
А.А. Иванов(1806 – 1858) – с детства учился в Академии под руководством отца, профессора исторической живописи, ездил в Италию.  Его творчество – рубеж старой и новой школы. Религиозный человек, сюжеты из священных книг: «Иосиф толкует сны хлебодару и виночерпию», «Явление Христа Марии Магдалине» (рис. 817 писал пять лет) в стиле итальянских мастеров 17 века, «Явление Христа народу» (писал всю жизнь). Осталась коллекция из 250 акварелей на сюжеты Ветхого и Нового Заветов. Считал, что творить на такие сюжеты без веры грешно. Психическое расстройство, утрата религиозного чувства.
Штейбен– учился у Верне и Делароша, популярен в России из-за двух картин из жизни Петра Великого: «Петр I на Ладожском озере» и «Стрелецкий бунт». Эти картины настолько нравились публики, что художника стали считать почти русским. Франция подарила картину Штейбена Александру I при вступлении союзников в Париж. В 1843 году художник приехал в Петербург и получил заказ на роспись нового собора, писал добросовестно, но без религиозного экстаза. Лучшее произведение: «Христос на Голгофе». Скончался в Париже в 1856 году. Нафф Тимофей Андреевич(1805 год) – эстонец, учился в Дрезденской академии, переехал в Рим, затем – в Петербург. Стал придворным живописцем. Расписал церковь в Петергофе, получил пожизненное содержание. Был завален заказами на портреты знати, особенно великих князей и княжон. Расписывал церковь сгоревшего Зимнего дворца, в Исаакиевском соборе. Звание академика. Расписал храм Христа Спасителя в Москве в итальянском стиле. Иконопись – итальянский стиль, отличающийся от допетровского. Поэтому больше академия не обращалась к нему с подобными заказами. Искусство стремились вернуть к национальным корням.Национальное движение в живописи заявляло о себе все ярче.Ф. Г. Солнцев (1801 – 1893) – ученик Варнека и Егорова. Жанрист и иконописец, отдался археологии. Открыл в Софийском киевском соборе фрески и мозаику 9 века, прославился композициями и орнаментами в древнерусском стиле. «Молитвословы» для императриц и великих княгинь, сделанные на пергаменте. Ездил по древним городам России – сделал до 3000 акварелей с натуры, и 700 были изданы правительством под названием «Древности государства Российского».А.Т. Марков (1802 – 1878) - ученик Егорова и Шебуева, после Брюллова стал профессором исторической живописи. Окончил курс в Академии, уехал за границу, сделал две копии Рафаэля: «Сикстинскую мадонну», «Пожар в Борго». Получил звание академика за картину «Фортуна и нищий» на сюжет басни Крылова. С 1841 года – ведущий профессор Академии, получил заказ на роспись Исаакиевского собора. Лучшая работа: композиция в куполе московского храма Христа Спасителя, изображающая триединого Бога.К.Д. Флавицкий(1830 – 1866) – ученик Бруни, закончивший Академию в 1855 году. Поехал в Италию, через несколько лет привез оттуда картину «Христианские мученики в римском цирке», в ней ощущается подражание Брюллову. Стал почетным членом академии. Знаменитая картина – «Княжна Тараканова в каземате Петропавловской крепости во время наводнения». Сенсация, благодаря удачно выбранному сюжету.
Роспись соборов – Исаакиевского в Петербурге, Христа Спасителя в Москве и Владимирского в Киеве – отражение направления в живописи в течение трех царствований: Николая I,  Александра II, Александра III. В росписи Исаакиевского участвовали: Брюллов, Бруни, Басин, Марков, Штейбен, Шамшин, Плюшар, Алексеев, Завьялов, Никитин, Сазонов, Нафф, Майков, Рис, Муссини. Казанский и Исаакиевский собор проектировались под влиянием западной архитектуры.

               
                Поворот к реализму

Н.Н. Ге(1831 – 1894) – один из основателей Товарищества передвижников. Родился в Воронежской губернии, окончил курс киевской гимназии и поступил в университет св. Владимира. Перешел на физико-математический факультет Петербуржского университета, в 1850 году стал учеником Васина в Академии художеств. Талант, слабая на тот момент техника. Награды: 1856 - медаль за картину «Ахиллес, оплакивающий Патрокла», 1857 - «Саул у Аендорской пифии». Поездка в Италию за казенный счет, поселился во Фландрии. Лучшая картина написана там – «Тайная Вечеря» (рис. 825, 826, 857). На первом плане – Иуда. Иисус лежит на ложе. Все апостолы следят за Иудой. Громадный успех картины. Александр II приобрел ее за десять тысяч рублей и подарил музею Академии. Историческую сторону картины упрекали в недочетах. Окрыленный успехом, снова уехал в Италию. Но в России в то время шли бурные процессы. Поэтому через шесть лет, когда Ге привез картины в том же стиле на тему Христа, они не вписались в новую моду. Для него это стало ударом. Он отказался от евангельских сюжетов. Обратился к русской истории. Это овпало с образованием Товарищества передвижных выставок, состоящего из живописцев, несогласных с политикой Академии. Стал писать на сюжеты русской истории: о Петре, Екатерине. «Пушкин в Михайловском» - полужанровая-полуисторическая картина. Она вернула Ге былую славу. Стал писать портреты: Герцен, Тургенев, Салтыков, граф Толстой и др. Лепка: бюсты Белинского и Толстого. На первый план в середине 1870-х выдвинул идейность содержания, перестав следить за точностью: снова тема Христа. Реалистическая трактовка библейской темы – первым увидел ее возможности. Библейские живописцы впоследствии ощущали на себе влияние его творчества. Прямых последователей не было. Новое поколение стремилось к более совершенной технике письма.
В.Г. Перов(1833/1834 – 1882) – незаконный сын барона Криденера, фамилия Перов как прозвище, которое ему дал учитель грамоты. Осталось на всю жизнь. Арзамасское уездное училище, брал уроки живописи у художника Ступина, жившего в этом городе. Первая картина – «Распятие»: позировал слуга. Подарил церкви соседнего села Никольского. Поехал в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Скульптор Рамазанов, инспектор, принял его в число учеников. Две работы посланы в Академию: «Головка мальчика», «Приезд станового на следствие». Получил серебряные медали. «Сын дьячка» - золотая медаль. «Проповедь в сельской церкви», «Чаепитие в Мытищах», «Сельский крестный ход на Пасху» - картины того периода. Уехал в Париж за казенный счет. Картины жизни этой страны его не вдохновляли. Вернулся в Россию. Мечтал изучить и разработать бесчисленное богатство сюжетов городской и сельской жизни нашего отечества. Картины: «Похороны» на мотив Некрасова «Мороз – красный нос», «Очередная у фонтана», «Приезд гувернантки в купеческий дом», «Дворник», «Монастырская трапезная», «Тройка», «Учитель рисования», «Птицелов», «Утопленница». Передвижная выставка: «Рыболов», «Охотник на привале». Исторические и евангельский композиции считали слабыми. Портреты: Островского, Даля, Достоевского, Погодина. Незадолго до смерти вышел из Товарищества передвижных выставок, недовольный порядками и отношением к себе. Занимался литературой, написал несколько рассказов. Первый последователь Федотова, на его произведениях воспитывалось следующее поколение жанристов.
И.Н. Крамской(1837 – 1887) – огромное влияние на развитие живописи. Родился в слободе Новая Сотня Воронежской губернии и получил образование вОстрогожском уездном училище. Служил писцом в думе, ретушером у фотографа. Приехал в Петербург – работал ретушером в известной фотографии Александровского. Приобрел опыт в портретной живописи и поступил в Академию художеств учеником профессора Маркова. Подрабатывал ретушером. Помогал Маркову в росписи купола храма Христа Спасителя в Москве. Из-за болезни Маркова вместе с двумя коллегами сделал главную роспись. 1863 год – золотая медаль за картину «Моисей источает воду из скалы». Для конкурса предлагали скандинавскую тему «Пир в Валгалле». Художники, не подготовленные к этому, попросили дать им возможность самим выбрать тему, в их числе Крамской, заявивший от лица прочих Совету. Им отказали. Они взбунтовались. Покинули Академию и образовали Петербургскую артель художников, просуществовавшую до 1870 года. Крамской преподавал живопись в рисовальной школе Общества поощрения художеств. Писал много портретов и копий с картин старых мастеров. В 1869 году выставил свои портреты в Академию, был удостоен звания академика. Стал душой Товарищества передвижных выставок. Картины: «Русалки», «Майская ночь», на тему Христа с реалистическим выписыванием деталей. Чувствуя себя недостаточно сильным в библейской живописи, посвятил себя портрету. Самые известные: Григоровича, Полонского, графа Д. Толстого, императрицы Марии Федоровны, Самойлова, графа Льва Толстого, Боткина, Айвазовского, Куинджи, Шишкина (рис. 838), Мельникова. Картины:  «Неизвестная» (рис. 840), «Неутешное горе (рис. 839), «Поругание Христа» (не дописана).
И.Е. Репин(1844 – 1930) – наследник традиций Ге и Крамского. Родился в г. Чугуеве Харьковской губернии, предки – казаки. Художественные навыки – местная школа военных топографов, затем обучение у местного живописца Бунакова. Стал получать заказы на иконописные работы. Поехал в Петербург, поступил в Академию. Приняли через год. Блестящие успехи: медали за рисунки, эскизы, картины «Иов и его друзья», «Воскрешение дочери Иаира». Известная картина – «Бурлаки на Волге» по заказу великого князя Владимира Александровича. Для концертного зала «Славянского Базара» - большая картина «Собрание славянских – русских, чешских и польских – музыкантов». За границей – картина «Садко, новгородский гость», за нее получил звание академика. Приобрел Александр III. Жанровая картина – «Парижское кафе». Сблизился с Товариществом передвижников. За двадцать лет выставил галерею превосходных картин и портретов. Организовал самостоятельные выставки и экспонировал в Академии, куда его пригласили на должность профессора-руководителя. Лучшие произведения: «Проводы новобранца», «Протодьякон» (рис. 841), «Царевна Софья Алексеевна во время казни стрельцов в Новодевичьем монастыре», «Крестный ход в Курской губернии», «Поприщин из «Записок сумасшедшего», «Не ждали?», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (рис. 845). Портреты: Л. Толстого, Писемского, Листа, Глинки, Бородина, Глазунова, хирурга Павлова и др. Техник, тонкий психолог.
В.Д. Поленов(1844 – 1927) – уроженец Петербурга, товарищ по выпуску - Репина. Медали: «Иов», «Воскрешение дочери Иаира». Отправлен за казенный счет за границу, прислал две картины: «Арест гугенотки» и «Право господина». Получил звание академика. Глубокая гармония колорита. Писал пейзажи, для которых сделал много превосходных этюдов во время путешествия по Египту и Палестине. Они послужили материалом для библейских картин: «Христос и грешница» и др. Блеск деталей, достоверность. Картины меньших размеров: «На Тивериадском озере», «Среди учителей», «Больное дитя», «Бабушкин сад», «Забава цезаря».
В.И. Суриков(1848 – 1916) – современник Репина и Поленова, поступил в Академию в возрасте 22 лет, когда закончил гражданскую службу, курс обучения завершил картиной «Апостол Павел перед судом Агриппы». Отправился за казенный счет за границу. Исполнив несколько заказов для храма Христа Спасителя в Москве, он выставил на передвижной выставке картину «Утро стрелецкой казни»: Красная площадь – вдали Петр. «Боярыня Морозова» - знаменитое произведение.
В.В. Верещагин(1842 – 1904) – художник-баталист и этнограф. Поступил в Академию по окончании кадетского корпуса, был удостоен медали за эскиз «Избиение женихов Пенелопы». Бросив Академию из-за консервативной системы преподавания, учился за свой счет в Париже у известного Жерома. Побывал на Кавказе, в Туркестане, где участвовал в военных действиях. В Средней Азии написал картины из туркестанского быта – выставка в Лондоне, Петербурге. Слава в Европе, особенно после выставки индийских жанров в Вене, Париже, Берлине, Петербурге и Москве. Во время русско-турецкой войны находился на Дунае и создал целый ряд батальных картин (рис. 851). Самые интересные из его наследия: «У дверей мечети», «Продажа ребенка-невольника» и др. Евангельские сюжеты – «Отрочество Иисуса». Мастерская обработка деталей. Известен как литератор. Добровольные мученики и самоистязатели – представители религиозной секты в Закавказье (рис. 850), «Джигитовка» (рис. 852), «Военные трофеи» (рис. 853).
Г.И. Семирадский(1843 – 1902) – поляк по происхождению, родился в Харьковской губернии. Отец – кандидат физико-математических наук, автор диссертации «Об инстинкте насекомых». Семирадский окончил курс Академии и 6 лет учился за границей. Изучал античность. Потом переехал за границу и к концу века перестал выставляться в России. Медаль: «Доверие Александра Македонского к врачу Филиппу во время болезни». Получил звание академика за огромную композицию «Христос и грешница» (рис. 855) на сюжет поэмы Толстого. Эту картину и «Оргию времен цезаризма» приобрел Александр III. «Факелы Нерона» были приняты публикой восторженно, Совет Академии присудил автору звание профессора, но критика не приняла рисунок, назвав небрежным.  На Всемирной выставке в Париже получил за это произведение высшую награду и орден Почетного Легиона. Академии Рима, Стокгольма и Берлина избрали его своим почетным членом, а флорентийская галерея Уффици сделала ему предложение написать автопортрет для Пантеона всемирных знаменитостей. Была подарена Краковскому музею. В храме Христа Спасителя в Москве получил заказ на живописные работы: Тайная Вечеря, 4 картины из жития Александра Невского, 2 фрески с полукруглым верхом – «Крещение Спасителя» и «Вход в Иерусалим». Блеск деталей затмевал все остальное. Античные, евангельские сюжеты. «Фрина на празднике Посейдона в Элевсине» подарена Эрмитажу.
Братья Маковские: К.Е. Маковский (1839 – 1915)и В.Е. Маковский (1846 – 1920). Константин родился в Москве, в семье художника, работал в Московском училище живописи и ваяния, перешел в Академию художеств. За картину «Смерть Федора Годунова» получил медаль. Ушел в Петербургскую художественную артель. Получил звание профессора за грандиозный жанр «Балаганы на Адмиралтейской площади во время масленицы», приобретенный для Зимнего дворца Александром II. Путешествие на Восток: «Перенесение священного ковра в Каире», «Похороны в Каире». Во время войны в Турции был на Дунае и написал композицию «Замученная болгарка». С восьмидесятых годов стал, в основном, писать жанры из русской истории: «Выбор невесты царем Алексеем Михайловичем», «Смерть Ивана Грозного». «Алексеич» - старый лакей (рис. 858), «Иоанн III топчет ханскую грамоту» (рис. 859).Владимир – окончил то же училище, что и брат, в Академии не учился. Но ему дали звание академика, в конце века стал профессором и одним из главных деятелей в совете Академии. Последователь Перова. Искрометный юмор, жанровый художник. Громадное число картин: московские типы как у драматурга Островского,  драматические сюжеты – «Осужденный» и «Оправданная», из современной жизни – «Крах банка», «Певчие» (рис. 861), «Утешитель» (рис. 860), «Свидание с сыном» (рис. 862).
В.М. Васнецов(1848 – 1926) – вятская духовная семинария, Академия художеств не окончена. Медали за рисунок в натурном классе и за этюд. Не соответствовал порядкам того времени. Самостоятельное направление. Поехал в Париж за свой счет. Передвижные выставки (рис. 863, 865). Сюжеты из русских сказок и былин, народный дух. «Илья Муромец на распятье», «Поле битвы» по «Слову о полку Игореве». Фрески, написанные для Исторического музея в Москве, - произведения всемирного значения. Мало оценены в России, но замечены зарубежной критикой. Темы: жизнь пещерных людей. Во Владимирском соборе в Киеве разработал целый ряд изображений святых, библейских и евангельских тем. Образцы церковной живописи – фрески «Страшный суд» и др. Роспись собора дала ему широкую известность и поставила во главе современной школы русских художников наряду с Репиным и Поленовым. Богоматель с Младеньцем (рис. 866). Французы в нем увидели великого символиста.
А.Е. Архипов(1862 – 1930)-жанрист, воздушность, приятный колорит, пленэрные жанрово-пейзажные полотна («По реке Оке»), из жизни трудового народа («Прачки»).Мария Башкирцева(1860 – 1884)-жила в Париже и училась у Лепажа, жанровые картины: «Жан и Жак» и «Митинг» (Люксембургский музей).М.П. Боткин(1839 – 1914) - живописец и гравер, академик, коллекционер, известны: этюд «Антикварий» и «Роспись ваз».Ф.А. Бронников – автор картин из античной и средневековой жизни, эмигрировал за границу, известны: «Продавец образков» (рис. 869), «Проклятое поле» и др. Б.П. Виллевальде (1818 – 1903) – известный баталист, особенно привлекала эпоха 1812 года. Ф.Ф.Горшельт(1829 – 1871) – учился за границей, работал в Египте и Испании, воевал на Кавказе, иностранец по происхождению, хорошо уловил дух русской жизни. КарлисГунс(1830 – 1877) –латышский живописец и график, профессор исторической живописи, рисовальщик и акварелист, автор известных картин: «Варфоломеевская ночь» и «Канун Варфоломеевской ночи» (рис. 867). Ф.С.Журавлев(1836 – 1901) –академик, известные картины: «Приезд извозчика на родину», «Перед венцом». Н.П.Загорский(1849 – 1895) – юмор и предельно-грустное чувство: «Наболевшее сердце».МихайЗичи (Михаил Александрович), годы жизни -  1827 – 1906, родился в Венгрии, учился в Вене, переехал в Россию, стал придворным живописцем, сопровождал императора Александра III в поездке по России, известны его композиции к произведениям Лермонтова, особенно к «Демону», превосходный тонкий рисовальщик.   Ф.И. Иордан(1800 – 1883) –гравер на меди, ректор живописи и скульптуры, ученик известного гравера Уткина, последний из числа старых граверов, преподавал в Академии, известны его работы: гравюра с картины Рафаэля «Преображение» и с картины Егорова «Истязание Спасителя». Н.Н.Каразин, акварелист, иллюстратор, батальный живописец, писал гуашью пейзажи, жанры и восточные сцены, выполнял огромные полотна по заказу Александра III из эпохи завоевания Туркестана. Н.А. Касаткин(1859 – 1930) – жанрист, постоянный участник передвижных выставок.А.Д. Кившенко (1851 – 1895) – окончил Академию со званием классного художника первой степени за картину «Брак в Кане Галилейской»,за картину «Военный совет в Филях в 1812 году» он получил право на заграничное путешествие, работал в Германии и Франции, создал много жанровых и батальных картин. М.П. Клодт(1835 – 1914) – сын известного скульптора, Академией послан за границу, учился у Пилоти и Каульбаха, написал множество жанровых картин: «Последняя весна», «Черная скамья» и др. П.О.Ковалевский(1843 – 1903) – профессор-баталист, ученик Виллевальде, работал в Риме, известная работа -  «Раскопки в окрестностях Рима», русские жанры – «Ненастье» и «Тройка во ржи».А.И.Корзухин(1835 – 1894) – жанрист, работал в храме Христа Спасителя в Москве, известны: «В монастырской гостинице», «Перед исповедью». К.А. Коровин(1861 – 1839) – жанрист, участник передвижных выставок, мастер пленэрной живописи и лирических пейзажей, создавал зрелищные театральные декорации, эмигрировал, известны: «Зимой», «У балкона». А.Е.Коцебу(1815 – 1889) – баталист, исполнил множество батальных сцен по заказу императора Николая I, известны: «Переход русских войск через Ботнический залив», «Переход русских войск через Альпы» и др. Н. Д.Кузнецов(1850 – 1929) – жанрист и портретист, наиболее интересные портреты: Виктора Васнецова, жены и портрет Чайковского. К.В. Лебедев(1852 – 1916) – оригинальный талант в прочтении исторических сюжетов: «Свадьба Василия III». К.В.Лемох(1841 – 1910) – член Артели художников, передвижник, автор многих жанров из крестьянского быта и миниатюрных портретов во весь рост, известны: «Всемья чужая», «Выговор» (рис. 884). А.Д.Литовченко(1835 – 1890) – образы, исторические картины, служил преподавателем в Академии, известны: «Иван Грозный выбирает подарки для отсылки в Англию своей невесты» и др. В.М. Максимов(1844 – 1911) – академик, автор многих картин из помещичьего и крестьянского быта, известны: «Приход колдуна на деревенскую свадьбу», «Семейный раздел», «Все в прошлом» (рис.886). В.В. Матэ(1856 – 1917) – один из лучших граверов на дереве и офортистов, пример мастерства: гравюра с портрета Кипренского (рис. 887).М.О.Микешин(1835 – 1896)  –  получил медаль за картину «Граф Тилли в Магдебурге», участие в конкурсе «Памятник тысячелетия»  - проект оказался лучшим, участвовал в конкурсах на все памятники, в Петербурге поставил памятник Екатерине II у Александровского театра на Невском проспекте, известен памятник Богдану Хмельницкому в Киеве, рисовальщик –рисунок «Татьяна» к «Евгению Онегину». Г.Г. Мясоедов(1834 – 1911) – за сцену «В корчме» из «Бориса Годунова» получил медаль и был отправлен за границу, получил звание академика, известны:«Засуха», «Дедушка русского флота» и др. Н.В.Неврев(1830 – 1904) – автор исторических композиций, которые выставлялись на передвижных выставках, жанров «Торг», «Смотрины» и др.  М.В. Нестеров(1862 – 1942) – интересные картины в народном духе, на религиозные сюжеты – например, «Видение отроку Варфоломею», в соборе св. Владимира написал много изображений, среди них - св. Варвара (рис. 889), Богоматерь и Сергий Радонежский.Л.О.Пастернак(1862 – 1945) – жанрист, показавший свое дарование в целом ряде оригинально задуманных бытовых картинах, известны: «К родным», «Беседа» (гр. Толстой и Ге) и др. П.Ф. Плешанов(1829 – 1882) – окончил Академию, ездил за границу учиться за свой счет, автор образов и портретов, звание профессора получил за картину «Убиение царевича Дмитрия». И.П.Похитонов(1850 – 1923) –портретист, жанрист и пейзажист, передвижник. И.М. Прянишников (1840 – 1894) – медаль за жанр в стиле произведений Островского «Шутники. Гостиный двор в Москве», участвовал в деятельности передвижников, последователь Перова, тщательность, приятный колорит, юмор. В.В.Пукирев(1832 – 1890) – жанрист, получивший известность, благодаря картине «Неравный брак».  Н.Е. Рачков (1825 – 1895) – жанрист, писавший также портреты (рис. 894). Г.Р. Рейтерн(1794 – 1865) –портретист и иконописец, известна картина «Приношение в жертву Исаака» (рис. 895). А.П. Рябушкин(1861 – 1904) – жанрист и исторический художник, воссоздавал быт Москвы 17 века. К.А. Савицкий(1844 – 1905) – жанрист, медаль присуждена за картину «Каин и Авель», иллюстратор, прекрасно владел рисунком. В.С.Смирнов(1859 – 1890) – известные картины: «Смерть Нерона» и «Византийская императрица со свитой». П.П.Соколов(1821 – 1899) – акварелист, реставратор, автор охотничьих сцен (рис. 898) и портретов.  Л.И.Соломаткин(1837 – 1883) – жанрист, автор картин «Именины дьячка» и «Городовые-христославы». Е.С.Сорокин(1821 – 1892) –учился за границей, образа, жанры из испанской и итальянской жизни. Г.С.Седов(1836 – 1886) – образа и исторические жанры, известны: «Иоанн Грозный и спящая Василиса Мелентьева». В.А.Серов(1865 – 1911)  - живописец и график, сын композитора А.Н. Серова, передвижник, член «Мира искусства», известны - «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем», писал на темы сельской жизни, поздние произведения близки стилю модерн, мастер рисунка (басни Крылова), его творчество выразило все устремления живописи и графики накануне авангарда. Л.А.Серяков (1824 – 1881) – академик, гравер на дереве, стал академиком, достиг совершенства в гравировании, французы заказывали ему портреты, первый национальный русский гравер, способствовал процветанию иллюстрированных изданий. А.А. Харламов – медаль за картину «Блудный сын»,  писал этюды и портреты, копию с «Лекции по анатомии Рембрандта».
Другие значительные художники: Толстой,Трутовский, Худяков,Чернецов,Чистяков,Шамшин,Шарлеман,Шварц,Якобий.

Третьяковская галерея

Павел Михайлович Третьяков – собирал произведения только русских художников в течение четверти века. Подарил Москве, где она разместилась в построенном специально для нее здании. Впоследствии присоединена коллекция его брата Сергея. Два отдела: русские и иностранные произведения. К концу 19 века – около полутора тысяч картин, рисунков – акварелей, карандашных работ, архитектурных проектов и пр.

Пейзажисты

И.К. Айвазовский(1817 – 1900) – родился в Феодосии, на берегу Черного моря, учился у профессора Воробьева и мариниста Таннера. Медаль: картинга «Штиль на финском заливе». Объехал всю Европу, устраивал свои выставки, удостоен медалей от Папы Григория XVI и от Французской академии. В России – звание профессора. Более пяти тысяч картин масляными красками. В Академии праздновали пятидесятилетний юбилей его деятельности и учредили медаль в честь этого события. Лиризм. Любимые темы: серый день на море, восход луны над морем, лунная ночь, спокойное море,  гроза, восходы и закаты на море, пейзажи – крымские, кавказские и малороссийские, зима, портреты кораблей, композиции исторического характера, фантастические композиции. Не было учеников и последователей.
И.И. Левитан (1860 – 1900) –мастер русского пейзажа конца 19 века, заложил принципы символизма и модерна в этом жанре. Пейзаж-настроение. Тончайшие состояние природы - нюансы, пленэрность. Отказ от отношения к пейзажу как к красивому сочетанию линий и предметов, переход к изображению интимных, трогательных, печальных черт, которые чувствуются в нашем родном пейзаже. Лучшие произведения: «На Волге», «Вечерний звон», «Лилии на пруду», «Туман», «У омута», «После дождя».
И.И. Шишкин(1832 – 1898) – ученик профессора Воробьева, занимался в Париже и Мюнхене, превосходный офортист и рисовальщик, известен изображениями лесной глуши. Каждое деревцо являлось школой для пейзажистов. Поэт природы, писал деревья в каждой стадии: зрелости, старости, смерти. Классические произведения: «Рожь», «Среди долины ровныя…», «Лесные дали», «Утро в сосновом лесу». Последовательница – Ольга Лагода-Шишкина, ученица, впоследствии жена, работала карандашом – рисунки, изображавшие луговые заросли.
А.К. Саврасов (1830 – 1897) – окончил курс в Московской школе живописи и ваяния, выдающийся пейзажист, заложил основы пейзажа-настроения в русском искусстве. Раннее творчество – романтизм. Любовь к контрастам, метеорологическим эффектам. Лучшие работы: «Грачи прилетели», «Разлив Волги под Ярославлем».
Другие:  Поленова,Судковский,Феддер (Федерс),Чернецов,Щедрин.


Иллюстраторы

И.С. Панов(хорошая техника рисования по дереву – «Родные отголоски», «Басни Крылова»),М.М. Далькевич(«История Нижегородского драгунского полка», «Кавказские рассказы»), С.С. Соломка(сочинения Пушкина),В.Н. Бакшеев(народный художник СССР, действительный член АХ СССР, Передвижник, автор жанровых картин и пленэрных лирических пейзажей),Л.С. Бакст (Розенберг)(русский живописец, график, театральный художник, входил в объединение «Мир искусства», жил вПариже, как декоратор Русских сезонов стилизовал античные и восточные мотивы), А.Н. Бенуа (историк искусства и художественный критик, художник, вдохновитель объединения «Мир искусства», в живописи, графике, театральных работах передавал стиль прошедших эпох – иллюстрации к «Медному всаднику»Пушкина, Художественный руководитель Русских сезонов, режиссер МХТ до 1915 года, эмигрировал во Францию),  С.А. Виноградов(русский живописец, передвижник, автор пленэрных лирических пейзажей иинтерьеров, картин из крестьянской жизни),И.Э. Грабарь(живописец и искусствовед, народный художник СССР, академик АН СССР и действительный член Академии художеств СССР, автор монографий о русских художниках, один из основоположников музееведения, реставрационного дела и охраны памятников искусства и старины, Лауреат Госпремии СССР, писал жизнерадостные, пронизанные светом пейзажи, - «Мартовский снег»), К.К. Констанди(украинский живописец, передвижник, автор жанровых картин, проникнутых сочувствием к людям труда, - «У больного товарища),В.Н. Мешков(российский живописец, народный художник России), Н.К. Пимоненко(украинский живописец, передвижник, жанровые сцены в сочетании с пейзажем изображали быт и труд украинского народа),В.Я. Суреньянц(армянский живописец, график и театральный художник, автор эффектных исторических и историко-бытовых картин).

 Декораторы

Отдельный вид русской живописи – декораторское искусство. Начало развиваться в 18 веке, поддерживаемое дирекцией Императорских театров. В мастерских Петербурга работало много иностранных декораторов, знаменитые Гонзаго и Роллер. Национальный стиль – начало 1860-х годов, когда начали свою деятельность Шишков и Бочаров.
М.А. Шишков (1832 – 1897) – учился в Строгановском училище рисования в Москве. Изучал декорационное мастерство и в конце 1850-х был переведен в Петербург на службу при дирекции Императорских театров. Выполнил ряд декораций для трагедии А.К. Толстого «Смерть Ивана Грозного». До этого роскошно обставляли только балеты и оперы. Русские терема впервые появились на сцене без всяких условностей, написанные колоритной, сочной кистью.Декорации к опере Глинки «Руслан и Людмила», «Борису Годунову» Пушкина. В течение последней четверти 19 века много декораций: «Жизнь за царя», «Каменный гость», «Демон», «Тангейзер», «Лоэнгрин», «Аскольдова могила», «Фауст», «Рогнеда», «Орлеанская дева» и др. Открыл в Академии классы декорационной живописи и подготовил ряд декораторов, не получая за это вознаграждения. Получил звание профессора. К.М. Иванов – ученик Шишкова. По колориту и силе рельефа стоял во главе молодых декораторов, известны работы: «Шатровая палата» («Правительница Софья»), «Спальня принцессы» («Спящая красавица»), «Спальня графини» («Пиковая дама»), декорации для «Царя Бориса» А.К. Толстого, написанные для Эрмитажного театра и затем переданных в собственность дирекции. И.П. Андреев (1847 – 1896) – ученик Шишкова. Много декораций с глубоким знанием перспективы и достаточной сочностью колорита.
А.Ф. Гельцер– работал в Москве при Малом театре. Тщательно изучал текст пьесы, декорации в гармонии с замыслом автора. Каждая декорация создавала определенное настроение и способствовала более точному воплощению замысла создателя пьесы. Превосходные работы: декорации к «Орлеанской деве», «Гамлету», «Звезде Севильи», «За право и правду», «Марии Шотландской», «Графу де Ризоору» и др.
М.И. Бочаров (1831 – 1895) – декоратор-пейзажист, окончил Академию картиной «Ай-Петри близ Алупки». Отправившись за границу, изучал галереи Германии и Франции и занимался в мастерской Калама. Долго прожив в Риме, написал множество этюдов и получил звание академика, в 1863 году вернулся в Россию. Поступил декоратором в Мариинский театр. Для декораций ездил писать этюды на Днепр, на Волгу, на Кавказ, поэтому его работы дышат удивительной естественностью, прекрасные сценические изображения русской зимы. «Площадь Замоскворечья» для «Смерти Грозного», площадь для «Фрола Скабеева» и «Волчий буерак» для «Вражьей силы», «Лес» из балета «Калькабрино» - образцы декораторского искусства.
Декораторы 19 века дали толчок дальнейшему развитию этого вида искусства. Его облик на рубеже веков определяла деятельность художников Ореста Аллегри, Ламбина, Перминова и Суворова.

Архитектура позднейшей эпохи

Вторая половина 19 века была представлена целым рядом талантливых имен.
И.П. Ропет (наст.имя Иван Николаевич Петров) – годы жизни: 1845-1908. Использовал декоративные мотивы русской архитектуры 17 века. («Терем» в Абрамцеве, 1873).
А.М. Горностаев (1808 – 1862) – орнаментальные мотивы и композиционные приемы древнерусского зодчества: постройки в монастыре на о. Валаам, Сергиевская пустынь, часовня у гостиного двора.
В.А. Гартман (1834 – 1873) – один из основоположников «русского стиля» в архитектуре. Украшал здания узорами, заимствованными из народных вышивок и деревянной избы («Студия» в Абрамцеве», 1872).
Н.Л. Бенуа (1813 – 1898) – архитектор, мастерски подражавший историческим стилям (фрейлинские дома в Петродворце в духе барокко), построил ряд железнодорожных вокзалов, например, в Петродворце, где воспроизвел готические формы каркаса в металлических конструкциях.               

Скульптура

Развитие скульптуры тормозилось запретом православной религии на скульптурные изображения в церквах. Искусства ваяния в Древней Руси не существовало. Со времени Петра Великого приезжали иностранные скульпторы, украшавшие дворцы государей и вельмож. Этьен Морис Фальконе (18 век) – француз, автор памятника Петру I на берегу Невы у Сената (рис. 924), один из лучших монументов Европы. Голова вылеплена Мари Анн Колло, его ученицей.
Выдающийся русский скульптор позднего классицизма – барон Петр Карлович Клодт (1805 – 1867). Сын чиновника, артиллерист, лепил лошадей без специального образования, получил звание академика. По заказу Николая I выполнил четыре конные группы для Аничкова моста в Петербурге (рис. 925 и 926). Они понравились императору, копии были отлиты Клодтом для подарков прусскому и неаполитанскому королям. Поставлены перед королевским дворцом в Берлине и на королевской площади в Неаполе. Памятник князю Владимиру в Киеве, Крылову в Летнем саду в Петербурге. Крылов – талантливая реалистическая композиция, без прикрас. Конная фигура императора Николая I, памятник у Мариинского дворца в Петербурге, лепные работы у входов в Исаакиевский собор, отлитые по модели академика Токарева, статуя атамана Платова для Новочеркасска. За свою деятельность не только получил звание профессоры, но был избран в члены Парижской, Берлинской и Римской академий.
М.М. Антокольский  (МордухМатысович) – годы жизни: 1843 – 1902. Крупнейший мастер второй половины 19 века. Изучал ремесло резчика в Вильнюсе и поступил в Академию в качестве вольнослушателя. Получил несколько медалей, съездил за границу, удостоился звания академика. Участвовал в выставках Товарищества передвижников, симпатизируя их стремлению отыскать правду в искусстве, сломать обветшалые каноны академизма. Известность принесла статуя «Иван Грозный» (рис. 928). Куплена Александром II и отлита из бронзы для Эрмитажа, вылепил статуи «Петр I», «Ярослав Мудрый», «Дмитрий Донской», «Иван III», «Христос перед судом народа», «Смерть Сократа», «Мефистофель», «Спиноза», «Ермак», «Нестор» и др. Получил звание профессора. Стремился к максимально живой форме изображения – нервная тонкость в облике героев.
Известные работы разных мастеров:Бах (статуя «Пифий»),  Беклемишев («Св. Варвара»),Забелло(«Пушкин», «Александр I»,«Шевченко», «Боровиковский», «Серов»), Каменский («Первый шаг», «Девочка с грибами», «Будущий скульптор»),Лаверецкий(грациозные детские группы и множество портретов – рис. 931 – 933),Либерих(статуэтки из воска – охотничьи сцены, их отливали из бронзы, большой успех в Париже и Лондоне), Лансере (кавказские группы и алжирские жанры, рис. 934 – 936),  Микешин (график-иллюстратор, спроектировал немалопрекрасных монументов – рис. 937, 938),Опекушин(вылепил семь фигур для памятника Екатерины II в Петербурге, известны «Памятник Пушкину» на Тверском бульваре в Москве – рис. 939, «Памятник Лермонтову» на Соборной площади в Пятигорске»), Пименов («Парень, играющий в бабки» - под впечатлением этой статуи Пушкин написал стихотворение «Юноша трижды шагнул…», осталось много бюстов, моделей, носовых украшений для судов, портретов и т.п.),Позен(«Скиф»), Чижов («Резвушка, «Крестьянин в беде», «У колодца» - рис. 941)), Шервуд (занимался скульптурой и изучением древнерусского зодчества, главная архитектурная работа – конкурсный проект с инженером Семеновым здания Исторического музея на Красной площади в Москве, завоевавший первую премию; храм-памятник «Гренадем – героям Плевны» в Москве, памятник хирургу Пирогову у здания хирургической клиники 1-го Медицинского института).


Финляндия, Польша в 19 веке

Искусство Финляндии начало стремительно развиваться только в середине 19 века. В Або на берегу Аура стояла соборная церковь готической архитектуры, построенная еще шведскими зодчими. Этот образец северной архитектуры послужил прототипом для всех финских церквей. Живописи и скульптуры в Финляндии не существовало из-за отсутствия в стране потребности в пластических искусствах. Художники, обучавшиеся искусству за границей и возвращавшиеся назад, были не востребованы.
К ним принадлежал жанрист Александр Лауреус(1783 – 1823), уроженец Або, проведший всю жизнь в Риме, Густав Вильгельм Финбер (1784 – 1833), иконописец и портретист, который переселился в Швецию.
1846 год стал поворотным. В Хельсинки образовали Финское общество художеств. До тех пор единственным живописцем финской столицы был швед Иоанн Эриклинд. Он писал портреты представителей зажиточных семейств и еле сводил концы с концами. Общество образовалось из разовых пожертвований отдельных лиц. Средства были ничтожны, но энтузиазм огромен. К 1860-м годам Общество добилось правительственных субсидий и выдачи пенсии, а в конце 1880-х в Хельсинки выстроили музей «Атенеум». Пожертвований было все больше, выставки проводились и в других городах. Рисовальная школа, основанная в городе Або художником Робертом Экманом, скоро открыла отделения в Хельсинки и Выборге.
Одним из тех, кто стремился к развитию финского искусства, был Карл Людвиг Энгель. Русское правительство преобразовало Хельсинки в губернский город, работами по переустройству должен был руководить финский художник, но никто не подошел, назначили архитектора из Петербурга – немца Энкеля. Он должен был учитывать эстетический уровень населения и сохранить единство художественного замысла. Но он сумел понравиться гражданам и исполнить предписание русского правительства: возвести покоренный народ в число наций. Создал Хельсинки по новому плану, придал индивидуальность, его здания сената, университета, библиотеки, Николаевского собора  - несомненный вкус. Частные дома. Горожане были в восторге.
Еще большее влияние на финнов оказал Роберт Вильгельм Экман, живописец, писавший картины на родные финнам сюжеты из «Калевалы», иконы в церквях Хельсинки и окрестностей. В конце 1850-х годов появился пейзажист Гольмберг, обучавшийся в Дюссельдорфе. На смену пришли два последователя – ПиельмарМунстергельм и Берн Линдгольм. Были известны в России, выставляли картины в Петербурге. Два скульптора – Вальтер Рунеберг и ИоганТаканен.
Поворот к национальному искусству произошел в 1870-х, когда появилось оригинальное дарование – Альберт Эдельфельт (1854 – 1905). Быстро приобрел европейскую известность. Учился в Антверпене и Париже. «Королева Бланка» - известная картина, понравилась во Франции, в Петербурге. «Герцог Карл над трупом Класа Флеминга» упрочила известность. Увлекся новым течением французской живописи, стал работать на пленэре и создал жанровые картины из жизни финнов. «Обедня в финских шхерах» украшала картинную галерею Люксембургского дворца в Париже. Схватывал типы финнов. Национальным оставался и в библейских сюжетах: Мария Магдалина похожа на крестьянку, Христос – на финского пастуха. Природа Финляндии. Превосходный портретист. Известен портрет Пастера, изображающий его в лаборатории.
Ровесник Эдельфельта, ГуннарБерндсон – миниатюрист. К группе их современников принадлежат скульпторы Валогрен и Стигель, позднее появился новый живописец Аксели Галлен-Капелла (1865 – 1931), обладавший несомненным поэтическим чувством в духе импрессионизма.
Финская живопись была самой молодой в Европе. Стремление к национальной самобытности выразилось в ней полнее, чем в искусстве Польши, находившейся под западным влиянием.


Центром польского искусства не могла быть Варшава, где не было высшего художественного учебного заведения. Художники отправлялись за границу, там у них была европейская известность, но на родине они не могли себя реализовать.
Генрих Семирадский, поляк по происхождению, получил воспитание в русской гимназии в Харькове и окончил образование в Петербургском университете и Академии. Уехал за границу, постоянно жил в Риме. Мало сказалось польское происхождение и русское образование.
Первым польским художником, обратившим на себя внимание Европы, был Даниель Николаус Ходовецкий (1726 – 1801). А.О. Орловский (1777 – 1832) стал художником русской школы александровской эпохи. Его преемником был Януарий Суходольский (1796 – 1875), рисовавший лошадей и битвы. Иосиф Симлер (1823 – 1868) писал исторические картины.
Крупнейшим польским художником 19 века принято считать Яна Матейко (1838 – 1893), автор огромных полотен «Битва под Грюнвальдом», «Орлеанская дева», «Эпоха Ивана Грозного» и др. ВойцехГерсон учился в Петербургской академии и от нее получил звание профессора за огромную картину «Коперник излагает свою мировую систему перед римлянами в 1560 г.».  В его картинах чувствуется влияние немецких мастеров середины 19 века. Талантливыми жанристами были Альфред Веруш-Ковальский, рисовавший ярмарки и охоты, Иосиф Брандт, изображавший жанровые сцены в украинских степях и сцены из охотничьего быта.
Из иллюстраторов наиболее значительно творчество Андриолли, которого называли польским Доре. Одна из его иллюстраций: «Охотник» (рис. 944). Он иллюстрировал издание «Женщины русских писателей» (Пушкина, Лермонтова, Гончарова, Толстого, Тургенева и пр.).





                Использованная литература

П.П. Гнедич «Всеобщая история искусств» (ссылки на рисунки в этой энциклопедии)