Китайская живопись в поисках гармонии

Китайская живопись: в поисках гармонии

Уникальность китайской цивилизации, основанной на этических учения Конфуция, Лао-Цзы и буддизме, наложила отпечаток на ее культуру: музыку, живопись, литературу, архитектуру…

Наверное, ярче всего это проявилось в живописи, отражающей принципы, предметы и техники рисования. Изолированность от внешнего мира, духовная сосредоточенность, созерцания и поиск гармонии с Природой создали неповторимую систему искусства в Китае.
Хотя живописец не был так уважаем и популярен, как музыкант и каллиграфист (эти виды деятельности считались главными видами искусства), тем не менее, китайцы любили художников, видя в них выразителей Красоты природы, мастеров раскрытия тайн бытия и Космоса.

В данной статье, или, скорее, рассказе, я раскрою основные принципы творчества китайского художника во взаимосвязи с культурой, природой и обществом. Они никогда не противопоставлялись друг другу, ведь гармония была одной из главных целей жизни китайца.

Авторы китайских трактатов о живописи учили, что главное условие работы художника – отражение не реальности, а отношений. Для живописца важны не столько форма, цвет и линии, а сюжет и глубина отображаемого явления или процесса. При этом мастер должен быть спокоен, находиться в возвышенном состоянии духа, созерцать красоту Природы.
Теоретик искусства Хуан Юэ писал: древнее – не ухватишь, не уразумеешь, не поймать; чистое – седая луна, прозрачный свет, струившийся с облаков; дремлющий с лютней, вдыхающий душистый аромат сакуры и цветов.
Владимир Малявин, китаевед, привел уместное выражение Иоганна Гете: истина как колокол звонящий, наполняющей пространство, и, однако, отсутствующий в конкретных точках.

Для понимания сущности китайской живописи (как, впрочем, всего искусства Поднебесной) необходимо знать основные понятия:
1) Ци – дух и его плоды. Он отражает полноту присутстия Дао (жизненного пути) в картине. Художник старается постичь дух вещей и явлений сердцем, чувствами, погружаюсь в медитацию.
2) Ли – всеобщие принципы искусства. К ним относятся идея, сосредоточение на предмете и избирательность.
3) Ши – структурное единство. Цельность картины должна быть созвучна духу и принципам (ли).
Китайские теоретики указывали на ошибочность европейских художников, пишущих картину по частям. Нужно писать, выделив три или четыре области на холсте. Предметы находятся во взаимном напряжении и взаимозависимости, сохраняя структурную цельность картины.
4) Шэн-дун: движение жизни в ее разнообразии и глубине. Природа находится в постоянном движении, даже когда спит. Поэтому художник избегает статики или неявно выраженного движения предметов.
5) Кай-хэ означает единство целого. Там, где вещи растут и расширяются (например, деревья) – это кай, а где обретают внутреннюю законченность – хэ.

Другим отличительным признаком китайской живописи было избегание страшных, уродливых вещей в Природе и жизни человека. Небеса и Земля, высокое и низкое – равноценны. Живопись, по убеждению китайских философов, должна отражать красоту мира.
Для китайских художников характерна гармония Природы, общества и человека, отсутствие господства личности, ее возвеличивания. Может быть, это главная разница между европейским и китайским искусством. Ведь художники эпохи Возрождения и, особенно, Нового времени, ставили Личность во главу науки и искусства, а итальянские гуманисты (Петрарка, Пико делла Мирандолла, Лоренцо Валла и многие другие) превозносили человека как совершенное творение Бога. В живописи это делали Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Караваджо…Отсюда разные сюжеты, пропорции частей картины, ее восприятие через призму страданий человека, духовных поисков.
В китайской культуре поисков смысла жизни не было, поскольку этическое учение Конфуция объяснило сей феномен необходимостью достижения гармонии человека и природы. Чувства, по мнению китайцев, подозрительны, тем более их крайности, так как ведут к нарушению покоя, чистоты и благородности духа.

Однако ошибочно думать, что китайские художники были абсолютно консервативны. Они накапливали знания и опыт, сочетая традиции с новаторством. Иными словами, искусство Китая не было цикличным, как в Европе, не отрицало старого (отказ от религиозного восприятия и переход к гуманизму). Культура несла черты сотен поколений, традиции древних мастеров кисти и пера, этические принципы, сформулированные задолго до начала возрождения европейской культуры на осколках Римской империи.

Художники стремились к стилизации и простоте своих работ. На картине не должно быть более трех или четырех предметов. Главный элемент картины – гора, на вершину которой восходит человек. Пропорциям уделялось косвенное внимание, как и цвету. К слову, обычно применяли три-четыре цвета. Декоративность китайской картины не отражала многоцветие, как аналоги европейских собратьев по искусству.
В отличие от увлеченности телом и формами (Рубенс, да Винчи), живописцы Поднебесной уделяли внимание физиологическим и психологическим аспектам человека.
Они могли создавать десятки и сотни картин на один сюжет, выражая разные состояния предметов исследования. Часто писали серии картин, отражающих движение воды, конфигурации гор, типов деревьев, листвы, облаков, камней, домов и т.д.
Необходимым элементом картины были облака или дымка, которые выписывали с особой тщательностью. Это прием в европейском искусстве получит название лессировки, и Уильям Тернер блестяще продемонстрирует его. Кстати, приемы китайской живописи, ее декоративность применяли французские импрессионисты Клод Моне, Эдгар Дега, Ван Гог и Гоген. Китайские темы были популярны во Франции, привозили ширмы и вазы, расписанные китайскими художниками. Позже декоративность китайского искусства найдет отражение в работах Анри Матисса, Пьера Боннара, Мориса Дени…
О роли облаков и дымке пишет историк искусства, китаевед Владимир Малявин в ряде работ, посвященных китайской культуре Нового времени (династии Мин и Цин).
Особо отметим картины Поля Сезанна, который, рисуя виды горы Сент-Виктуар, создали великолепные по глубине и декоративности картины. В его других работах отчетливо видна внутренняя напряженность между элементами картины (в натюрмортах).

Флора и фауна Китая служила образами проявления душевных качеств человека. Так,  в сливе видели возвышенные думы; в журавле – воображение; в лошади – героизм. Одиночество или толпу, гнев или радость не нужно изображать, нагнетая страсти. Достаточно одной фигуры рыбака на берегу реки в ненастный день, чтобы выразить его холод и одиночество.

Художники Китая писали также портреты, хотя уделяли ему не столь пристальное внимание, как пейзажам. Теоретики искусства поучали: сначала изучи предмет живописи, то есть человека, его психологические особенности, качества, характер, потом пиши. В этом они порицали своих коллег из Европы, которые сажали клиентов на стул и начинали писать портрет. Это ремесленничество, а не живопись – возмущались Ван Вэй, Хунь Юэ и другие известные мастера кисти и слова.

Выше я говорил о главном условии работы художника, принципах живописи, структуре и психологичности картины.
Но каким должен быть сам художник ? Его удел – бедность, ибо тот обретает свободу, кто ни озабочен собственностью, властью или удовольствием. Конечно, это в идеале…Образ самоотверженного труженика, вдохновленного Природой – таким видели художника в Китае эпохи династий Мин и Цин.
Художник должен быть образован и начитан. Один из философов восклицал: как человек может писать картины, не пройдя тысячи дорог и не прочтя девять (!) тысяч книг ?! Приобретя опыт и знания, освободив разум от страстей и желаний, а душу – от плохих помыслов, художник обретет понимание глубины вещей и гармонию с Природой.

С открытием Китая внешнему миру, в частности, контактам с Англией и Францией, Россией и Америкой, китайское искусство стало меняться. Акцент сместился на бытовую культуру общества, отображение экономических и технологически инноваций, развлечений и антропологических практик. По убеждению Владимира Малявина, это означало гибель искусства. Но любое направление Искусства, как и любая цивилизация, никогда не исчезает полностью. Она трансформируется, сохраняя черты прежних поколений и традиции. К тому же рынок (в смысле экономики) хорош разнообразием, и каждый товар находит своего покупателя. Сознаю, что слово «товар» не вполне применимо к предметам искусства (да простят меня поклонники искусства!), но мы живем не в идеальном мире, в котором нет денег, войн и прочих атрибутов цивилизации. Поэтому художники пишут в разных стилях, придерживаясь и академизма, и модернизма, и синтеза стилей живописи.
Динамика эволюции Искусства не останавливается, порождая новые формы и течения. Да, сейчас наблюдается некий застой в Искусстве, связанный с исчерпанностью форм, способов и направлений. Но я согласен с мнением талантливого российского композитора Эдуарда Артемьева, что нас ожидает новая революция в Искусстве, подобная импрессионизму в живописи или модернизму в музыку.

Китайское искусство, вырвавшись за пределы Поднебесной, оказало немало влияние на европейскую живопись, в том числе на прикладные виды искусства (росписи посуды, ширм, иллюстрации и т.д.), а также на другие страны Востока, прежде всего, на Японию.
Японское искусство, заимствовав формы и технику рисунка, создало свой мир, ориентированный на отображение повседневной жизни и быта жителей Страны восходящего солнца. Но об этом – в другом рассказе.
Тема Искусства неисчерпаема, ведь в спирали мира, как его представляли китайцы, нет начала и конца. Искусство как сад, начинающийся цветами, и уходящий в манящую даль полей и гор…
Очень просто, и одновременно крайне трудно, определить сущность китайского искусства. Наверное, таким универсальным ключом будет Гармония, которую обретают жители великой страны.