Пабло Пикассо. Путь гения. Часть2

ИЗ МАТЕРИАЛОВ ВАЛЕРИЯ КОЙФМАНА

ПАРИЖ. РОЗОВЫЙ ПЕРИОД (1904-1906 ГГ.).
В 1904 г. Пикассо окончательно покидает Испанию, в атмосфере которой оставаться ему было уже невозможно. Лишь немного утрируя, Пикассо говорил: «Если бы Сезанн жил и творил в Испании, его бы сожгли».
И вот Париж, о котором современник Пикассо, известный франц. писатель Жан Жироду писал: «Самый свободный и элегантный, самый искренний перекресток нашей планеты».
В середине 1904г. художник чувствует, что он уже мало, что прибавляет к сделанному раньше, что «голубой период» изжил себя. И Пикассо уже боится самоповторений.
В нарушавшейся целостности «голубого» стиля уже проглядывали пути в следующий – «розовый период». Париж своим существованием как бы стимулировал его появление.
«Бато – Лавуар» Фото. По приезде в Париж Пикассо расположился на Монмартре. Монмартр в 1900-х годах находился в процессе преобразования из района ферм и ветряных мельниц, которые ранее очаровывали Ван Гога, в мощенные булыжниками улицы Парижа.
Пикассо поселился в доме под названием «БАТО-ЛАВУАР» ИЛИ «ПЛАВУЧАЯ ПРАЧЕЧНАЯ».
Дом представлял собой полуразрушенное здание с сырыми и темными лестницами и коридорами. Стены осыпались, а убогие комнаты претенциозно назывались студиями. Жить было неудобно, зато дешево. Здесь проживали эмигранты из Европы, Америки и беглецы из французских провинций. Жизнь Пикассо и других обитателей была неустроенной, нищей и может менее благополучной, чем у себя на родине, но воздух в Париже был другим – свежим и вольным. Монмартр с его многочисленными мастерскими художников: Мориса Утрилло, Жоржа Брака, Анри Матисса и других уже привлек в эти годы внимание серьезных коллекционеров.
Среди них выделялись американцы Гертруда Стайн и ее брат Лео.
«МАТЬ С РЕБЕНКОМ», 1905, гос. гал. Штутгарт.
Наступило время, когда Пикассо, после холодной «голубой» ночи, избрал для себя зону рассвета. Он вступил в период, ставший известным, как «розовый» период. И вот уже все проясняется, позволяет сначала порозоветь лицу, затем возвращает всей фигуре собственные краски. Мир снова ожил!
«ФЕРНАНДА В ЧЕРНОЙ МАНТИЛЬИ», 1905-06, муз. Гуггенхайма, Н.-Й.
Осенью 1904г. началась связь Пикассо с испанкой Фернандой Оливье, ставшей первой из нескольких многозначащих в жизни и творчестве художника женщин. Становление «розового периода» считают, было также результатом его отношений с Фернандой. Она была натурщицей, очень тонко разбиралась в живописи и хорошо понимала творчество Пикассо.
Ей принадлежат следующие слова о Пикассо-художнике: «Этот человек, вечно ищущий и никогда не удовлетворенный найденным, непримиримый враг всего, что уже было им сделано. Он проживет жизнь, отыскивая свое искусство в себе самом, но цели своей не достигнет никогда, ибо он – художник в самом полном и прекрасном смысле этого слова»
Глядя на прекрасный портрет «Фернанда в черной мантильи», 1905-06, муз. Гуггенхайма, Н.-Й., в памяти возникает еще один портрет любимой женщины – «Портрет Берты Моризо», работы великого Эдуарда Мане. Тот же активный черный цвет, нейтральный фон. Разница в манере художников, конечно, большая, но думается, что не будь Эдуард Мане с его «Бертой Моризо», не было бы и Пикассо с его «Фернандой».
«СТРАНСТВУЮЩИЕ ГИМНАСТЫ», 1905 г., Нац. гал., Вашингтон.
Это самое значительное из произведений раннего Пикассо. В «розовом периоде» Пикассо любил изображать на одном полотне людей разного возраста, как бы прослеживая их жизненный путь. Все еще характерными остаются жесты рук, которые подчеркивают замкнутость и отстраненность от мира. Прикосновения как бы объединяют фигуры, выражают чувство общности, взаимной поддержки. Фон картины – пустынный ландшафт, господствует рассеянный призрачный свет, что вносит в картину некоторую загадочность, иррациональность. Фигуры изолированы друг от друга, как вытянутые вверх свечи, погруженные в себя. Фигура женщины – это и мать и муза, объединяет актеров. На картине находим персонажей, схожих с Пикассо – Арлекин, с Аполлинером – старый клоун в остроконечной шляпе.
«АРЛЕКИН С РЮМКОЙ», 1905 г., частное собрание, Н.-Й.
Впечатление изолированности уже не такое безнадежное, как в «голубом периоде». Вокруг арлекина уже появились люди. Пара уже как-то связана между собой, хотя бы тем, что они вместе слушают гитариста. Картина интересна тем, что в Арлекине художник изобразил самого себя, отождествляя себя с «комедиантской братией», а в подруге угадываются черты Фернанды Оливье. Как всегда у Пикассо, каждая деталь имеет свое смысловое значение.
«ЖЕНЩИНА С ВЕЕРОМ», 1905 г., Нац. гал., Вашингтон.
Этой картине, именуемой часто просто «Веер» специалисты посвятили огромное множество статей и научных работ. Это женщина – загадка, как «Джоконда» Леонардо да Винчи. С таинственным выражением лица и возвышенной осанкой женщина напоминает о работах великого Веласкеса. В способе изображения в профиль, в высокомерности портретируемой можно говорить и о намеках на египетское искусство. Свет превращает лицо фактически в маску: исключив все лишнее, художник достигает поразительной глубины.
Пикассо не дает портрет какой-то «женщины с веером», конкретной, как поступил бы художник-реалист XIX века, он не передает мгновение, схваченное с натуры, как художник-импрессионист. Пикассо создает картину-символ, картину-понятие, он показывает, что душа человека тоже веер. Частная деталь – веер, ключ ко всей картине. Правая рука женщины вскинутая вверх, воспроизводит, по сути, тот же образ. Сомкнутые резко очерченные пальцы как бы символизируют веер закрытый, а взмах и размыкание рук говорят о его способности раскрыться, развернуться. Это не женщина с веером, а женщина – веер, готовый взлететь, раскрыться и вместе с тем сомкнутый и недоступный. Это глубина человеческой души, которая жаждет откровенности, открытости, но остерегается стороннего взгляда; призывает и отвергает. Картина является целостным понятием – «веер». «Женщина с веером»– это уже предвестник революции в искусстве живописи и самого Пикассо, и всего европейского искусства.
«ДЕВОЧКА НА ШАРЕ», 1905 г., ГМИИ им. Пушкина, Москва. Юная гимнастка, подобна цветку, контрастирует с фигурой атлета, сидящего на тумбе. Фон – суровый пейзаж, ребенок, женщина с младенцем, собачка.
В целом, в картине не только контраст форм, но и внутреннее противоречие образов, это противоречие между человеком и его ролью, между идеалом и невозможностью его достигнуть. Внешне сильный атлет выглядит бездейственным. Трудно представить, что он вообще может подняться. И, наоборот, хрупкая девочка выглядит более активной, деятельной.
В картине мы наблюдаем хрупкое равновесие изображаемого, кажется, подымись сейчас мускулистый гигант и все изображение, потеряв равновесие, рухнет. Удивительная картина.
«ПОРТРЕТ ГЕРТРУДЫ СТАЙН»,1905-06, Метрополитен муз., Н.-Й. ,
Эта самая знаменитая портретная работа Пикассо была начата зимой 1905 года. Госпожа Стайн, известная американская писательница, крупный коллекционер современной живописи, выдержала множество сеансов. Но Пикассо никак не мог закончить портрет, так как его не удовлетворяла работа над лицом Гертруды. В конце концов, Пикассо смыл лицо с холста и сделал многомесячный перерыв.
Осенью 1906 года художник начал все сначала. Придав лицу, характер маски, написав выступающий вперед лоб, схематичные, правильные черты лица, мастер остался доволен. «Это мой единственный портрет, который всегда будет МОИМ портретом», - сказала Г.Стайн.
ДВА ФОТО (1930 г..; 1940 г.). Взглянув на фотографии писательницы, сделанные значительно позже, можно убедиться, что она была права. Роль, которую Гертруда Стайн сыграла в судьбе Пикассо и модернизма вообще, позволяет говорить о том, что эта женщина «сотворила» Пикассо.
Речь идет, во-первых, о том, что она стала фактически первой покупать работы Пикассо и платить за них неслыханные для художника цены. Художник смог уже сносно жить за эти средства и даже помогать своим бедствующим друзьям, а самое главное, продолжить свое творчество, ибо нищета и голод создавали реальную угрозу его ухода из жизни, самоубийства.
Во-вторых, она стала преданным другом Пикассо, пропагандировала его творчество в статьях и лекциях, а также среди друзей и коллекционеров, как в Европе, так и в Америке.
Портрет Гертруды Стайн выходит за рамки «розового» периода творчества Пикассо. Он – предвестник конца «сентиментальной» живописи мастера. Так позднее искусствоведы стали называть «голубой» и «розовой» периоды творчества Пикассо.
„АВТОПОРТРЕТ“,1906, Инст. иск., Филадельфия. Конец 1906г. – Пикассо 25 лет. Он знаменит, признан собратьями по искусству и коллекционерами; у него много друзей среди писателей, поэтов. Много работает, кроме живописи и рисунка увлечен еще и скульптурой и графикой. Между тем в его душе накапливаются силы, готовые выплеснуться и в корне изменить его творчество. «Розовый» период уже изживает себя и не вмещает в себя всего Пикассо.
„АВТОПОРТРЕТ“, 1907, Народная гал., Прага. В конце 1906 г. в работах П.Пикассо появятся новые стилистические черты. Между автопортретами период всего 8 месяцев, но какое различие. И это не случайно.