Поп-арт. Фаст-фуд в искусстве?

"Позволять вещам оставаться именно такими, какие они есть, - это совершенно в духе поп-арта, в духе 60-х." (Энди Уорхол)

СТИЛЬ

Название «Поп-арт» происходит от английского popular art, что в переводе означает популярное искусство.
Поп-арт впервые был упомянут в 1958 году критиком Лоуренсом Алловеем. По другим сведениям, название направления еще в 1956 году фигурировало в коллаже Ричарда Гамильтона, который был представлен на выставке в Лондоне.
После Второй мировой войны на передний план вышли такие явления, как потребление, массмедиа, реклама, массовое производство и массовые развлечения. Эти социальные феномены считались популярной или массовой культурой в отличие от культуры элитарной. Искусство поп-арта стало ответом обществу потребления, сложившемуся в послевоенный период.
За океаном быстро подхватили идею, и буквально через несколько лет в Нью-Йорке появился американский поп-арт. При этом американское течение выступало еще и как оппозиция абстрактному экспрессионизму и одновременно как движение, дружественное неодадаизму, однако, не такое агрессивное. Работы художников этого направления провоцировали, порой отталкивали, но всё же их содержание было понятно и знакомо широким массам.
Прославляя общество потребления, художники по обе стороны Атлантики создавали яркие образы, основанные на рекламном, медийном и маркетинговом продукте. Это была попытка соединения коммерческого и признанного искусства. В процессе создания арт-объектов традиционные художественные техники нередко отвергались. Вместо них авторы задействовали темы и материалы, прежде немыслимые в качестве составляющих произведений искусства, например: юмористические картинки, образы знаменитостей, упаковочную бумагу, словом, то, что было, по их мнению, доступно каждому, а не только интеллектуальной элите.
Ключевые художники поп-арта:
Энди Уорхол (Andy Warhol) — признанный лидер направления;
Дэвид Хокни (David Hockney) — один из лидеров в Британии; нью-йоркский карикатурист;
Кит Харинг (Keith Haring), испытавший сильное влияние граффити;
 Джаспер Джонс (Jasper Johns), которого прославили «Числа в цвете»;
мастер комиксов Рой Фокс Лихтенштейн (Roy Fox Lichtenstein);
Мортон Уэйн Тибо (Morton Wayne Thiebaud), чьей визитной карточкой стали изображения всевозможных кондитерских изделий в разных контекстах.
С художественной точки зрения этот стиль апеллировал к вещности, предметности — в противоположность другому популярному направлению, абстракционизму. Поп-арт был рождён в борьбе с творчеством абстракционистов и провозгласил возвращение к отображению на полотне конкретных предметов.
Само по себе обращение к бытовым вещам не ново для истории живописи. Натюрморт — это ведь тоже взгляд художников на окружающие предметы. По сути, между вазой Караваджо и зелёными бутылками «Кока-Колы» Уорхола разница не так уж велика.
Но у поп-арта была своя концептуальная особенность: художники брали в качестве объектов знаковые предметы и образы масскульта, которые сейчас бы назвали «мэмами». Кроме того, они обращали внимание не только на предметы, но и на образы — типичным примером является «Диптих Мэрилин» Уорхола.
Факт: Зацикленность Уорхола на Мэрилин Монро как на медиа-героине привела к тому, что он создал сотни вариаций с изображением актрисы. Монро олицетворяла две любимые темы Энди Уорхола: символ pop-art и культ знаменитости. В последующие два года Уорхол сделал тридцать шелкографических картин с Мэрилин.   Он постоянно пересматривал свою серию «Мэрилин», добавляя новые цветовые решения: тыквенный, черно-коричневый, синий и ярко-зеленый. Особенно интересна «Золотая Мэрилин», которая стала первой работой Уорхола после смерти кинозвезды. С этой серией работ связана трагическая и отчасти криминальная история. Однажды, посетительница студии Уорхола выстрелила в стопку картин из револьвера, оставив нетронутой только одну - «Бирюзовую Мэрилин». Изображения же на красном, оранжевом, голубом, синем фоне были прострелены. Именно этот инцидент повлиял на то, что Уорхол назвал свою серию «Застреленные Мэрилин».


ТЕХНИКИ

Основными техниками в направлении поп-арт являются трафаретная печать и акрил.

Трафаретная печать

До изобретения полиэфирной сетки для трафаретной печати использовался шёлк - вот почему эту технику иногда называют шелкографией.
Первый трафаретный оттиск был создан в Китае в 10 веке. В 1907 году был разработан метод, который использовался для печати на тканях и обоях. Его и переняли художники в 60-х годах прошлого столетия. Техника как художественный прием стала популярной благодаря ярким произведениям Энди Уорхола, созданных в стиле поп-арт.
 Для трафаретной печати используется сетка с мелкими ячейками, натянутая на деревянную раму. Через отверстия трафарета на бумагу или ткань при помощи резинового валика (ракеля) наносится густая непрозрачная печатная краска. Область под трафаретом защищена, и краска попадает только на пространство в прорезях. После этого сетка моется, и вставляется новый трафарет с прорезями для краски другого цвета.
Основными художниками, работавшими в этой технике являются: Энди Уорхол, Роберт Раушенберг, Ричард Гамильтон, Роналд Китай, Ричард Эстес, Эдуардо Паолоцци.
Факт: Несмотря на то, что Эдуардо Паолоцци причислял себя к сюрреалистам, он считается одним из пионеров поп-арта. Еще в 1950-х годах он прославился смелыми шелкографическими работами, коллажами и грубо сделанными скульптурами, которые знаменовали зарождение этого направления. Картина Паолоцци "Вечеринка" была создана с помощью трафаретного оттиска на бумаге.


Акрил

Хотя первая акриловая краска появилась еще в 1930-х годах, для художественных работ ее начали производить лишь в 1960-е.
У этой краски есть ряд преимуществ. Водорастворимая и быстросохнущая, она становится устойчивой к воде после высыхания. У акрила широкий спектр цветов, к тому же краска универсальна: может быть жидкой для заливок и свободных подтеков, разбрызгивания и аэрографии или густой для работы кистью, валиком или мастихином. Свойства акрила можно изменять добавлением специальных гелей, паст и растворителей, которые влияют на плотность и текстуру. Художники нередко добавляют в краски песок или воск. Акрил хорошо сцепляется с различными поверхностями и, в отличие от масла, может наноситься на холст без предварительной грунтовки.
Основными художниками, работавшими в этой технике являются: Дэвид Хокни, Чак Клоуз, Энди Уорхол, Хелен Франкенталер, Роберь Мазервелл, Жан-Мишель Баския.
Факт: в своём произведении "Чёрный череп", выполненном акриловыми красками, художник Жан-Мишель Баския использовал уникальный приём, благодаря которому изображение стало похожим на рентгеновский снимок. В работе прослеживается влияние таких направлений, как экспрессионизм, поп-арт и граффити. Кроме черепа, символизирующего мыслительный процесс, и весов, показывающих противостояние различных взглядов, считается, что художник также отразил в картине свою любовь к джазу, хип-хопу и спорту, особенно боксу и баскетболу.
Есть ещё одна занимательная история про Жана-Мишеля Баскию. После расставания с певицей Мадоной, он забрал у неё все свои картины, посвящённые поп-диве, и закрасил их чёрной краской. После этого появилась шутка, что Баския в своём желании уничтожить воспоминания о былых отношениях создал несколько новых вариантов "Чёрного квадрата".


ХУДОЖНИК

Энди Уорхол

Художник, прославившийся благодаря банке супа Campbell.
Энди Уорхола можно смело назвать королём поп-культуры своего времени — это выражение в точности характеризует его образ как одну из самых скандальных личностей 60-х годов прошлого столетия. Присущая ему эпатажность, берущая начало в стиле гик-шик и продолжающаяся в псевдонаивных коммерческих работах, высмеивающих конвейерность и массовую культуру, в конце концов, сыграла художнику на руку и сделала его настоящей легендой в мире искусства.
Прежде чем стать художником, Энди Уорхол был успешным коммерческим иллюстратором в Нью-Йорке. Этот опыт он в дальнейшем стал использовать в своём творчестве для создания трафаретных изображений кинозвёзд, упаковок товаров, сюжетов с сенсационными газетными историями.
Поначалу его картины, фотографии, шелкографии и трёхмерные объекты воспринимались неоднозначно, однако именно они в конечном итоге изменили представления об изобразительном искусстве, художественных материалах, технике и традиции, а также о границе между высоким и низким искусством.
В 1960 году Энди приступил к разработке дизайна банок «Кока-колы», после - к графическим работам, рисуя денежные банкноты. Затем начался этап «консервных банок», которые изображались живописным способом и методами трафаретной шелкографии. В художественный объектив Урхолла попали супы Кэмпбелл и прочие утилитарные предметы.
В 1962 году прошла выставка лучших работ Уорхола, после чего критики отнесли Энди к ведущим мастерам поп-арта. Его творчество вызывало противоречивые мнения: одни утверждали, что Уорхол – сатирик, подчеркивающий потребительский характер жизни американцев, другие считали, что все его «шедевры» - исключительно коммерческий проект, грамотно организованный самопиар, нацеленный на получение дохода.
Сам художник, будучи гениальным мастером эпатажа и самоиронии, пропагандировал художественное искусство не как нечто экстраординарное и заслуживающее поклонения, а как творчество, ориентированное на широкие массы. Уорхол считается самым коммерчески популярным художником прошлого века. У него заказывали портреты Мик Джаггер, Лайза Минелли, Джон Леннон, Брижит Бардо, семейство иранского шаха и другие знаменитости, а его самая дорогая картина - «Серебряная автокатастрофа (двойное бедствие)» была продана в 2013 году за 1054000 долларов.
В 1963 году Энди Уорхол купил на Манхэттене заброшенное здание, где открыл студию, назвав ее «Фабрикой». Именно здесь команда помощников Энди размножала его шедевры методом шелкографии, здесь он снимал свои фильмы, которые, впрочем, мало кто смотрел. В здании «Фабрики» постоянно проходили вечеринки, собирались люди искусства и журналисты, модели и другие представители богемы.
В 1964 году в «Фабрике» прошла очередная выставка работ ее хозяина, где были представлены инсталляции из использованной тары и прочих утилитарных предметов. Уорхол получил не только звание короля поп-арта, но и ведущего представителя современного концептуального искусства.
В последние годы Энди Уорхол возглавляет список самых продаваемых художников. За период с 1985 по 2010 годы средние аукционные цены на работы Уорхола выросли на 3400%, что примерно вдвое превышает средний рост цен на современное искусство за тот же период.
Факт: Чтобы выделиться в богемной тусовке и преобразовать самого себя в объект искусства, Энди Уорхол придумал новый образ, примерив парик из светлых волос (впоследствии ставший одной из визитных карточек легенды) и чёрные очки, добавляющие загадочность фигуре. Пользуясь принципом нарочного преувеличения недостатков и небрежности, Энди заставил комплексы по поводу внешности работать в свою пользу.
Студия "Фабрика" в стиле лофт была оформлена под стать творческим вкусам Уорхола: стены и потолки были покрыты фольгой, повсюду стояли зеркала и музыкальная аппаратура. Все предметы в «Фабрике» художник раскрасил в серебряный цвет. Как говорил Уорхол, «серебряный цвет был, прежде всего, проявлением нарциссизма». Ходят легенды, что в этот цвет был покрашен даже его кот.


ПРОИЗВЕДЕНИЕ

"Банки с супом "Кэмпбелл" 

В 1960 году Энди Уорхол начал работу над изображением банок с супом "Кэмпбелл". Это была настоящая революция в искусстве, ознаменовавшая подъём движения поп-арт в Америке. Позднее Уорхол признался, что это лучшая из всех его работ: "Мне нужно было только рисовать банки с супом "Кэмпбелл" и продолжать это".
Существует легенда, что в начале 1960-х Энди обсуждал с владелицей одной из галерей, как завоевать известность в мире искусства, и она посоветовала ему рисовать то, что люди используют каждый день, будь то деньги или банка консервированного супа. За эту идею Уорхол заплатил 50 долларов.
Пользуясь методами рекламы - навязчивым повторением и однообразием, художник снова и снова создавал изображения банок с супом. Уорхол решил решил представить обычное и привычное в новом виде. Сначала он обводил фотографическое изображение карандашом, а потом отрисовывал от руки, используя краски, а со временем перешёл на технику шелкографии. Изображение упаковки художник делал намеренно плоским, без плавных цветовых переходов; только прерывистые черные линии передавали блеск металла.
Банки с супом "Кэмпбелл" продавались в продуктовых магазинах по всей Америке, и тогда Уорхол высказался о преимуществах общества потребления, когда беднейший человек может себе позволить то же, что и богатый.
Всего художником было создано 32 шелкографии упаковок с супом. Самый дорогой вариант банки с открывалкой ушёл с молотка за 24 млн. долларов сразу после смерти метра поп-арта. При жизни Уорхол продавал эти картины по сотне долларов за штуку. Тогда он и представить себе не мог, насколько изображение обычной банки консервированного супа станет популярным и востребованным.
 

ТЕМА

Консюмеризм (англ. Consumerism от consumer – потребитель)

Термин "консюмеризм" применялся в середине 1950-х годов для описания идеологии, которая поощряла и пропагандировала приобретение товаров и услуг. Люди верили, что товары и продукты потребления сделают их счастливее и успешнее. В конце 20 века шопинг стал одним из основных занятий городских жителей.
Большинство представителей поп-арта относились к консюмеризму с иронией, но в некоторых работах чувствовалось одобрение. Используя знакомые изображения, в том числе заимствованные из массовой культуры - рекламу и комиксы, а также художественные техники, которые обычно применялись в коммерческом искусстве, художники стремились подчеркнуть материальность как основу капиталистического общества.
Названия работ говорили сами за себя: "Я покупаю, следовательно существую", "Кому что принадлежит" Барбары Крюгер. А в 2005 году появились граффити Бэнкси, на которых Иисус Христос изображен с покупками; таким образом автор подчёркивал слияние консюмеризма и традиционных ценностей, несмотря на их противоречия.
Основными художниками, работавшими в этом направлении, являются: Энди Уорхол, Кит Харинг, Яннис Кунеллис, Джефф Кунс, Ричард Гамильтон.
Факт: В 1956 году Ричард Гамильтон создал одну из первых работ на тему консюмеризма, - "Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?" Коллаж, заложивший основы поп-арта, был создан в качестве постера для выставки и отражал массовое распространение рекламы и покупательский бум в Америке. Сам автор определял новое направление так: "Популярный, недолговечный, переходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, навороченный и гламурный". В коллаже соединены изображения, вырезанные из современных американских журналов. Комната на постере заполнена вещами, о которых мечтал едва ли не каждый обыватель: модный диван, магнитофон, пылесос последней модели, телевизор - объект желаний британцев в те времена.

Не стоит отрицать того факта, что поп-арт способствовал утверждению американской мечты, легитимации общества потребления и соответствующего стиля жизни. В то же время, он заложил основы критики философии потребления, которая впоследствии будет набирать силу.
Помимо того:
поп-арт стал зеркалом эпохи;
оказал влияние на развитие рекламы, вписав её (по крайней мере, частично) в область искусства;
сделал кич (трэш) полноценным художественным инструментом;
подготовил почву для концептуализма и постмодернизма.