Ар-нуво или модерн. Новый шик в искусстве

«Орнамент - это жажда найти порядок в том, что такой стройностью не обладает»                («Модерн. История стиля» Д. В. Сарабьянов)

СТИЛЬ

Название «Ар-нуво» происходит от французского art nouveau, что в переводе означает "новое искусство".
Ар-нуво появился на рубеже 20 века и просуществовал почти 25 лет. Этому стилю откровенно не повезло с названием: в разных странах он именовался по-разному, и поэтому его даже путали с другими.
В России ар-нуво назвали «модерн» от французского слова modernе — «современный».  В Германии этот стиль именовали «югендштиль» (нем. Jugendstil — «молодой стиль» — так назывался популярный иллюстрированный журнал той эпохи), в США ему присвоили название «тиффани» (по имени того самого ювелира), а в Швейцарии вообще — «еловый стиль» (style sapin).
Однако главные идеи стиля модерн вне зависимости от названия были едины — это отказ от прямых линий в пользу плавных и извилистых, орнаментальность, плоскностное изображение, пастельная цветовая гамма, природно-органические формы. Весь смысл направления был в том, чтобы дарить человеку чувство единения с природой.
Рассуждая об ар-нуво, в шутку вспоминается реплика секретарши Верочки из кинофильма "Служебный роман": "Ну, вон же она сидит, в жутких розочках!". Это более, чем подходящий образ для доступного описания стиля модерн.
Томная красотка с длинными вьющимися локонами в струящемся наряде в переплетении ветвей цветов и узоров, будто сошедшая с японской гравюры  - типичный "модерновый" образ. Да, да, у французского ар-нуво чётко-выраженный японский след!
Факт
В 1856 году художник и керамист Ф. Бракмон увидел в магазине японские цветные гравюры на дереве. Они предназначались для упаковки пачек чая. Бракмон похвастался своей находкой собратьям по цеху, привлекая внимание к пластике линий. Интерес поддержал открывшийся в Париже магазин немца-антиквара С.Бинга с большим ассортиментом японских вещиц и картин. Да и сама Япония в тот период провозгласила окончание эры затворничества и стала более открытой страной. Вскоре те, кого называли импрессионистами, уже вовсю осваивали японский стиль. Эдгар Дега, Поль Гоген, Эдуард Мане, Винсент Ван Гог в своих работах взяли на вооружение плавные изгибы, растительный декор и плоские контуры. В это же время в Париже учился и делил квартиру с Ван Гогом чешский художник Альфонс Муха, который позже прославился изображениеями прекрасных женщин с ниспадающими волосами в нежной цветовой гамме. Таким образом, история  модерна обрела новый поворот в развитии.
 

ТЕХНИКА

Графика
Графика стала той областью, из которой произрастали и в которой развивались мотивы стиля, и большое влияние на его развитие оказала обложка, созданная для книги под названием «Городские церкви Рена» английским художником и архитектором А. Макмердо. К особенностям этого дизайна, появившегося в 1883 году, относятся цвета и сильно изгибающиеся стебли и листья в монохромном исполнении. Поскольку такая обложка принадлежала книге, посвящённой архитектуре и купленной, вероятно, многими британскими архитекторами, она оказала сильное воздействие на создание изгибов и форм архитектурного стиля ар-нуво.

Графика модерна обладала собственными выразительными средствами: энергичный обобщенный рисунок, резкие контрастные цветовые соотношения, использование больших технических возможностей литографии содействовали развитию такой разновидности графики, как афиша, плакат. Для них характерны тщательно разработанные композиции, декоративные и шрифтовые.
Мастера графики искали новые технические приемы. К таким новшествам можно было отнести рисование на грубой зернистой бумаге с предварительным покрытием ее белилами. Чтобы, например, получить мягко расплывающийся штрих,  графики стали широко использовать японскую кисть. Еще один новаторский прием - получение на белой бумаге отпечатка фактуры грубой материи, слегка пропитанной темной краской. Фон напоминал зернистую поверхность холста; нанесенный на него штрих приобрел специфические свойства. Графики учились обрабатывать бумагу разными кислотами, чтобы превращать ее в подобие пергамента. Линии на такой бумаге выглядели по-новому.
В конце XIX века сформировался тот вид графики, который принято называть плакатом. Рождение плаката обусловлено новшествами в типографской промышленности. Настоящему искусству плаката открыла путь техника литографии. Тираж издания мог теперь составлять несколько тысяч оттисков.

Литография
Литография, искусство книги (книжный дизайн)  достигли в период модерна высокого подъема.
Литография позволяла передавать посредством печати больше знаков, цветов и тонов, чем когда-либо прежде. Она была изобретена в 1796 году немецким писателем и актером Алоизом Зененфельдом для печати театральных афиш, и изначально подразумевала использование плоского камня, который позже заменили на алюминевую пластину. В основе литографии лежит правило: "подобное растворяется в подобном", согласно которому вода и жир не смешиваются. При помощи жирного литографического карандаша или туши изображение наносится на камень или металлическую пластину, после чего валиком накатывается литографская краска, пристающая только к жирным участкам. Бумага прижимается к поверхности прессом, и под давлением создается оттиск.
Литография быстро завоевала популярность среди представителей ар-нуво. С ее помощью создавались афиши, обложки книг, плакаты, упаковка.

Факт
Художник-дизайнер Жюль Шере (1835–1932) был одним из первых создателей французских плакатов в стиле модерн. Он помог превратить рекламный плакат в вид искусства. Сын ремесленников, он учился у литографа, а также занимался в Высшей национальной школе декоративного искусства. Начинал Шере с того, что проектировал мебель и разрабатывал дизайн брошюр. Его прорыв произошел в 1866 году, когда французский производитель парфюмерии и туалетных принадлежностей Юджин Риммель поручил художнику сделать рекламные плакаты для своей продукции. Риммель профинансировал Шере открытие первого магазина цветной литографии в Париже. Дизайнер экспериментировал с различными техниками и материалами, сначала работая с двумя цветами, а затем перейдя к трем цветам: черному, красному и комбинированному цвету. Он создал множество очень популярных плакатов, изображающих идеализированных современных женщин в плакатах для косметики, а затем для театральных представлений и катков, в том числе знаменитый плакат для ледового катка Palais de Glace в Париже.
 
ТЕМА

Ар-нуво зарождался на фоне появления множества новых философских направлений, идей роста, развития жизненных сил, необузданных чувств. Эти темы занимали важное место в творчестве модернистов. Вихри, танцы, вакханалии стали востребованными сюжетами в живописи разных школ.
Модерн находился под сильным влиянием символизма, что нашло свое отражение в сюжетах. Живописцев и графиков прежде всего интересовали персонажи, открыто проявляющие свои чувства. Переполненные эмоциями юные герои, охваченные страстью прекрасные женщины - часто встречающиеся мотивы в творчестве художников ар-нуво.
Среди сюжетов в модерне, как и в символизме, в ходу аллегории и фантазии: дамы (даже реальные образы на портретах) олицетворяют богинь, а действо - словно декорация или застывшая сцена театральной пьесы, основанной на мифах и легендах, романтичных и мистических историях и фантазиях. Даже второстепенные детали картин порой имеют глубокое значение. Например, узор из бутонов - символ новой жизни. Ирис символизирует томление и негу, лилия - чистоту и девственность, подсолнух - горение, колокольчики - желание, орхидея, кувшинка и тюльпан - трагедию и смерть, а роза - любовь и счастье. Традиционный образ Древа Жизни, повсеместно используемый в орнаменте, является символом райской жизни.
Даже классические жанры - натюрморты и пейзажи - в творчестве модернистов наделены неким символическим смыслом. Например, действие на фоне острова подразумевает интригующую тайну, буря символизирует напряжение чувств, а волны на море означают обновление и перемены.
В целом картины имеют мало общего с реальной действительностью  и опираются на заведомую условность. Но тем интереснее их изучать!
Природа стала неиссякаемым источником идей для художников ар-нуво, многие из них обладали обширными познаниями в ботанике и черпали вдохновение в мире растений. Цветы, стебли и листья благодаря своим естественным силуэтам, служили щедрым материалом для фантазий. Предпочтение отдавалось цветам, хотя и любая другая природная форма, будь то пальмовые листья или водоросли, могла быть использована для создания живого узора.

 
ПРОИЗВЕДЕНИЕ
«Удар бича», Герман Обрист, 1895 г.

На самом же деле изначально этот изысканный растительный орнамент, вышитый золотом на голубом шерстяном панно, носил название «Альпийские фиалки» (также можно встретить название «Цикламен»). Но однажды один критик метко сравнил работу с изогнутым в момент удара хлыстом, и это название прижилось.
«Удар бича» (удар хлыста) – яркая демонстрация любви к изогнутой линии, являвшейся сутью ар-нуво. Полное отсутствие прямых линий и углов - девиз первого стиля в искусстве - модерна, пришедшего на смену эклектике в 1890-м году. Герман Обрист находил вдохновение в мире растений. В изысканном рисунке, обладая фантазией, можно рассмотреть корни, листья, цветы растения.
«Удар бича» - самый выразительный орнамент этого стиля. Изогнутые линии использовались как в реалистических изображениях природных форм, так и в абстрактных образах. Во всех случаях основной упор делался на декоративный плоскостной характер рисунка. «Цикламен» в «Ударе бича», как бы разложенное в плоскости растение. Изящная невесомость линий ярче всего проявлялась при работе с мягкими, податливыми материалами или с теми, которые могли таковыми казаться. По сути, это был декоративный стиль, служащий для придания весьма прочным предметам видимости хрупкости, воздушности, лёгкости.
Эта работа стала одним из программных произведений стиля модерн, и в настоящее время она хранится в Городском музее Мюнхена.

Факты
Чтобы прочувствовать дух модерна, можно посмотреть фильмы «Шери» (Cheri, 2009), «Господин оформитель» (1988) или советского Шерлока Холмса: Ирен Адлер выходит из парадной особняка Гаусвальд, которая имеет характерные для модерна элементы декора.
В Москве в стиле модерн построены особняк Рябушинского (сегодня там Дом-музей Максима Горького), особняк Шехтеля и гостиница «Метрополь» на Театральном проезде, 2.
Очень много модерна в Петербурге: это и Витебский вокзал, и Дом книги (Зингеровский дом), и доходный дом инженера Бакта, и десятки парадных, среди которых — парадная с аутентичными окнами и лестницей на Лесном проспекте, 3; парадная на Клинском проспекте, 17 (там есть «камин с павлинами», который оформлял сам Врубель), а также парадная в доме Григория Берштейна на 2-й Советской улице, 10Б.
А в Риге есть знаменитый Музей модерна: фотографию его лестницы можно увидеть в любом учебнике по искусству этой эпохи.
 

ХУДОЖНИК
 
Густав Климт, 1862-1918
Густав Климт – австрийский художник, один из основоположников европейского модерна. Сын гравера и ювелира, с детства выбрал художественную карьеру. Он получил академическое образование в Вене и достаточно долго писал в соответствии с его канонами. До тех самых пор, пока не возглавил бунт молодых австрийских художников против рамок и ограничений академической живописи, основав объединение Венский сецессион. Несмотря на язвительные комментарии и насмешки критиков, Климт до самой смерти оставался любимцем публики, которая охотно раскупала его картины.
Первые заметные произведения мастера были скорее оформительскими. При этом любимой его темой на протяжении всего творческого пути оставалась обнаженная женская натура. Климту удавалось изобразить каждую женщину откровенно сексуальной и чувственной, но при этом избежать пошлости и вульгарности. В конце 90-х годов XIX века в его творчестве начинается так называемый «золотой» период. Произведения этого периода, написанные с использованием настоящего сусального золота, стали самыми знаменитыми и дорогими работами мастера.

Факты
; За любовь к золотому фону и манеру письма, напоминающую мозаику, Климта называли «чужеземцем из Византии».
; Глядя на Климта, никто не верил, что он художник: его внешность была слишком крестьянской.
; В начале 1890-х Климт встретил австрийского модельера Эмилию Флёге — ей суждено было стать музой художника до конца его дней.
; На самой известной картине «Поцелуй» зритель не видит лица мужчины. Возможно, на картине изображен сам художник с Эмилией. Полотно принадлежит к «золотому периоду» художника: тогда Климт много работал с настоящим листовым сусальным золотом.
; «Поцелуй» был продан до того, как художник его закончил. Покупателем стала Галерея Бельведер. Сумма составила 25 тыс. крон (примерно $ 240 тыс.). Это в 5 раз больше, чем цена за проданную ранее самую дорогую австрийскую картину.
; Климт обожал кошек, правда, не так сильно, как женщин.

 
И в заключении - небольшой урок для начинающих ценителей искусства: Никогда не путайте модерн с модернизмом и, уж тем более, ар-нуво с ар-деко! Это азы.

Спасибо за внимание!