Р
РАВА Энрико
Рава Энрико – Rava Enrico
р.20.08.1943 в Триесте, Италия
итал. трубач, исп. на флюгельгорне, рук. анс./орк. / авангард
Один из наиболее ярких джазовых трубачей Италии.
Вырос Рава в музыкальной семье – мать его была пианисткой. Несмотря на это, Энрико был самоучкой. Начинал он играть в ансамблях традиционного джаза на тромбоне, затем перешел на трубу и флюгельгорн. Позднее, уже в Нью-Йорке, Рава брал-таки уроки музыки. В 1964 он играл в квинтете Гато Барбьери, затем (в 1965-68) с различными группами Стива Лейси, гастролируя по Европе, Южной Америке и США. С 1969 по 72 Рава выступал с анс. тромбониста Розуэлла Радда, сотрудничал с “Jazz Composers’ Orchestra Association” и с Биллом Диксоном. В нач. 70-х ему приходилось делить свое время между Нью-Йорком, Италией и Буэнос-Айресом, где жила его жена Грациэла (она кинорежиссер). Начиная с 1975, Рава руководил интернациональным анс., в составе которого играли американец Джон Аберкромби и скандинавы Палле Даниельссон и Йон Кристенсен. В дальнейшем продолжал руководить анс. – в основном квартетами (чаще всего с участием Розуэлла Радда и итал. барабанщика Альдо Романо), за исключением коротких ангажементов для выступлений такими мастерами, как Гил Эванс (1982) и Сесил Тейлор (1984). Руководил Рава и биг-бэндами, в которых в качестве специальных гостей выступали Р. Радд, Альберт Мангельсдорф и Рей Андерсон. В соответствии со своими пристрастиями, записывается он чаще всего на ф. “ECM Records”.
Рава соединяет в себе одновременно и яростного, и лиричного трубача, способного справиться с любым материалом – будь то абстракция, традиционная песенная структура или оркестровая работа. По его собственному признанию, на него оказали влияние Майлз Дэвис, Жоао Жильберто, Телониус Монк, “Дюк” Эллингтон, Чарли Паркер, Чет Бейкер, Джон Колтрейн, Луи Армстронг и вообще “все великие”. Он также любит кино, литературу и живопись. В последнее время его все больше привлекает композиторское творчество: ему принадлежит сюита для биг-бэнда “F(rag)ments”, написанная для Римской оперы, им же написаны многие пьесы, вошедшие в его альбомы.
Альбомы: ;;“The Pilgrim And The Stars” (1975), “The Plot” (1976), “Quartet” (1978), ;“Rava String Band” (1984), ;“Secrets” (1986), ;“Enrico Rava Quintet” (1989).
РАДД Розуэлл
Радд Розуэлл Хопкинс Джуньер (мл.) - Rudd Roswell Hopkins Jr.
р.17.11.1935 в г. Шэрон, шт. Коннектикут
амер. тромбонист, пианист, композитор, педагог, музыковед / фри-джаз, авангард
В колледже Радд учился вокалу и играл на валторне. Позже, в 1954-58, он изучал в Йельском университете теорию музыки. Подобно некоторым другим участникам движения авангарда 60-х, свою джазовую карьеру Радд начинал, играя диксиленд – факт, сам по себе многозначительный, указывающий на прямую эволюционную связь между новоорлеанскими корнями и современным джазом, тем, что называют New Thing. Мощный, порой чрезмерный звук его тромбона недвусмысленно напоминает ранних, т. наз. “tailgate” тромбонистов, причем даже в тех случаях, когда он играет в стопроцентно авангардном окружении.
В 1954 Радд переезжает в Нью-Йорк и начинает выступать в различных местных традиционных анс. Играть в современном контексте он начал лишь с Херби Хэнкоком (в 1960-62), а в 1961 судьба сводит его со Стивом Лейси (который тоже, кстати, начинал свою карьеру, играя традиционный джаз), с которым он играет до 1963. Поворот Радда в сторону фри-джаза начался после встречи с Биллом Диксоном. В 1964 он организует “New York Art Quartet”, в составе которого играли Джон Чикаи (с ним, кстати, его познакомил Диксон) и Милфорд Грейвс. В 1965 квартет гастролировал по Европе, где также записывался на радио и ТВ. Когда через год его квартет распался, Радд вошел в состав весьма влиятельной группы Арчи Шеппа, с которым сотрудничал до 1967, гастролируя по США и Европе. В 1968 он вновь создает собственный анс., на этот раз квинтет “Primordial Quintet” (который, правда, вскоре превратился в нонет) с участием Ли Конитца. В 70-х и 80-х Радд много и успешно гастролирует со своими анс. В к. 70-х он также плодотворно сотрудничает с трубачом Энрико Рава - совместные гастроли и записи в США и Европе. В 1982 он вновь объединяется с Лейси и участвует, вместе с голландскими авангардистами Мишей Менгельбергом и Ханом Беннинком, в т. наз. “проекте Монка” – в записи серии альбомов, посвященных памяти Телониуса Монка.
Среди тех, с кем сотрудничает Радд - Сесил Тейлор, “Jazz Composers’ Orchestra” (в составе этого орк. в 1965 он участвовал в Ньюпортском джазовом фестивале), Алберт Эйлер, Карл Бергер, Перри Робинсон, Гато Барбьери и “Liberation Music Orchestra” Чарли Хейдена. В 1961 он снялся в фильме “The Hustler”.
Выпускник Йельского университета, Радд с 1964 тесно сотрудничает в качестве музыковеда с известным амер. фольклористом Аланом Ломаксом. Музыкант даже стал профессором кафедры музыкального фольклора и этнографии университета штата Мэн. Исследования в области старинной музыки помогают Радду в его собственном композиторском творчестве. В своих сочинениях он стремился показать наличие взаимосвязи между джазом, т. наз. этнической музыкой (фольклором) и европейской классической традицией. В нач. 90-х Радд вновь стал играть диксиленд.
Альбомы: “Everywhere” (1966), “Numatik Swing Band” (1973), ;“Flexible Flyer” (1974), ;;“Regeneration” (с М. Менгельбергом; 1982).
РАЙЛИ Хауард
Райли Джон Хауард (Говард) – Riley John Howard
р.16.02.1943 в Хаддерсфилде, графство Йоркшир, Великобритания
англ. пианист, композитор, рук. анс.
Райли практически самостоятельно начал учиться играть на ф-но в шесть лет (отец его был полупрофессиональным пианистом и играл в танцевальном орк.), но интерес к джазу появился у него гораздо позже, лет через десять. Подростком Хауард начал пробовать свои силы в местных джазовых клубах. Райли окончил сначала университет в Северном Уэльсе (1966), затем учился на музыкальном отделении в университете Йорка, добавив к своим дипломам еще один магистерский диплом – по теории музыки и композиции. В 1967-70 Райли пишет диссертацию по теории музыки под рук. Уилфрида Меллерса (Wilfred Mellers), который является автором сочинения “Yeibichai” для симфонического орк., вокалиста, поющего в технике скэт и джазового трио (соч. это было исполнено в 1969 симфоническим орк. Би-би-си, Фрэнком Холдером и трио Хауарда Райли). Поработав некоторое время со своим трио, Райли вошел в состав квартета Эвана Паркера, предпочитая выступать исключительно в качестве свободного импровизатора.
Выступая, как исполнитель, Райли с 1967 играет в различных клубах, участвует в джазовых фестивалях как в Европе, так и в США и Канаде (и со своим трио, и как солист). Он также активно работает и как композитор; пишет, в частности, для анс. “Spontaneous Music Ensemble” и для квинтета Дона Ренделла и Иана Карра. В концертных программах начинают звучать его сочинения для камерных анс. и больших орк. Райли пишет для орк. “London Jazz Composers Orchestra” (в котором он сам играл с 1970) и “New Jazz Orchestra”, выступая в то же время с ведущими джазменами, такими, как Джон Маклоклин (кстати, в к. 60-х Джон нередко сам играл в трио Райли), Тони Оксли (с 1972), Кит Типпетт (с 1981), Джеки Байард (с 1982), Элтон Дин (с 1984) и др. Играет он и в составе “LJCO”.
Начиная с 1969, Хауард Райли активно занимается педагогической деятельностью – ведет курс джазового ф-но. В к. 80-х он организует собственную фирму звукозаписи “Falcon Tapes”, специализирующуюся на выпуске аудиокассет (на этом лейбле выходят как старые, так и новые записи).
С 1990 Райли вместе с Элтоном Дином возглавляет квартет импровизаторов “All The Tradition”, исполняющий джазовые стандарты.
Альбомы: “Live At The Royal Festival Hall” (с Д. Байардом; 1987), ;“Procession” (1990), ;“The Heat Of Moments” (1991-92), ;“Beyond Category” (1993), “The Bern Concert” (с К. Типпеттом; 1994).
РАМЗИ Хауард
Рамзи Хауард (Говард) - Rumsey Howard
р.07.11.1917 в г. Броли, шт. Калифорния
амер. контрабасист, пианист, ударник, рук. анс. / кул, боп
Заниматься музыкой Хауард начал в раннем детстве. Первыми его инструментами были ф-но и ударные, контрабас же появился чуть позже, когда он уже учился в колледже. В к. 30-х он уже играл в орк. Видо Муссо рядом со Стэном Кентоном, и ушел затем вслед за пианистом, когда в 1941 тот решил организовать собственный орк. Начиная с 1943, Рамзи ведет жизнь свободного художника (фриланс), хотя время от времени и примыкает к оркестрам Фредди Слэка и Чарли Барнета.
В 1949 Рамзи решается на серьезный шаг - он организует джазовый клуб в кафе “The Lighthouse” (“Маяк”) в северном районе Лос-Анджелеса Хермоза-Бич. Рамзи сам играет в клубном орк. и вскоре “The Lighthouse” становится неофициальным центром джазового мира Западного побережья. В течение следующего десятилетия он продолжает играть в “Маяке”, время от времени беря на себя также обязанности управляющего всем заведением. В этот период Рамзи возглавляет свой уникальный орк. “Lighthouse All Stars” и записывается со многими выдающимися музыкантами, среди которых Тедди Эдвардс, “Сонни” Крисс, Хэмптон Хоз, “Шорти” Роджерс, Джимми Джуффри, “Конте” Кэндоли, Рольф Эриксон, Фрэнк Росолино, Боб Купер, “Бад” Шанк, Билл Перкинс, Арт Пеппер и Шелли Манн. Активность Рамзи не снижается и в первой пол. 60-х, но постепенно он перестает играть, а затем вообще отходит от “Маяка”. В нач. 70-х Рамзи продает свой клуб, но затем вновь возвращается на сцену и открывает неподалеку от своего первого клуба другой клуб под назв. “Concerts By The Sea”.
Хотя Хауард Рамзи и был достаточно хорошим басистом, чтобы играть в биг-бэнде Стэна Кентона, но главным его достижением в джазе было все же создание того самого клуба “The Lighthouse” и придание ему чрезвычайно удачного формата, что во многом способствовало развитию джаза в 50-х в столь важном и динамичном регионе, как Тихоокеанское побережье США.
Альбомы: ;“Howard Rumsey’s Lighthouse All Stars, Vol. 3” (1952-56), ;“Sunday Jazz ; la Jazzhouse” (1953), “Howard Rumsey’s Lighthouse All Stars” (1953), “Oboe / Flute” (1954-56), ;;“In The Solo Spotlight” (1954-57), ;“Howard Rumsey’s Lighthouse All Stars, Vol. 6” (1954-55), ;“In The Solo Spotlight, Vol. 5” (1956), ;“Music For Lighthousekeeping” (1956), ;“Jazz Invention” (1989).
РАНДОЛФ “Маус”
Рандолф Ирвинг (прозв. “Маус” – “мышонок”) - Randolph Irving “Mouse”
р.22.06.1909 в Сент-Луисе, шт. Миссури
амер. трубач / новоорлеанский джаз, Свинг
Начинал свою профессиональную деятельность, играя в оркестрах Фейта Мэйребла на речных пароходах. После этого Рандолф играл в нескольких провинциальных орк., в т.ч. у Альфонсо Трента. С 1931 по 33 молодой трубач работает в Канзас-Сити, в орк. Энди Кёрка, после чего перебирается в Нью-Йорк где поочередно играет в орк. Флетчера Хендерсона и Бенни Картера (1934), Кэба Каллоуэя (1935-39), а в 1939 переходит в орк. Эллы Фицджералд (возглавившей его после смерти “Чика” Уэбба). После того, как в 1941 Элла начинает сольную карьеру, Рандолф работает некоторое время с Доном Редманом, а затем целых четыре года (1944-48) играет в секстете Эда Холла. В дальнейшем он работает в различных орк., в частности, в 1950 – у Эдди Бэрфилда.
Отличный универсальный трубач, играющий в стиле Луи Армстронга, Рандолф не был оценен по достоинству.
РАППОЛО Лион
Рапполо Джозеф Лион – Roppolo (Rappolo) Joseph Leon
р.16.03.1902 в г. Лючер, шт. Луизиана; ум.14(05?).10.1943 в Джексоне, шт. Луизиана
амер. кларнетист, гитарист, ударник, композитор / новоорлеанский джаз
Играть на кларнете Лиона научил отец – владелец питейного заведения и, по совместительству, кларнетист. Джазовый вирус занесли гастролирующие оркестры. Вскоре Рапполо уже играл в различных анс. в Новом Орлеане и его окрестностях, в т.ч. в анс. семьи своего друга детства Джорджа Брюниса. Затем симпатичный, кипящий энергией молодой музыкант устраивается в орк., играющий на речных пароходах. Летом 1920 в Давенпорте, шт. Айова, Рапполо познакомился с музыкантами Пола Мэйрса, игравшими на одном из туристических пароходов, плававших по Миссисипи. В нач. 1921 Мэйрс пригласил его и Брюниса в свой анс., игравший в то время в чикагском кабачке “Монах” (“Friar’s Inn”). Анс., называвшийся тогда “Friar’s Inn Society Orchestra”, быстро становится популярным. Особенно поражала слушателей способность музыкантов исполнить на слух любую пьесу – им достаточно было один раз послушать тему в исполнении пианиста (игравший на ф-но Элмер Шёбель был одним из немногих участников анс., умевших читать ноты). Вскоре анс. начинает получать предложения записаться на пластинки. Очередной сеанс записи – в марте 1923 – анс. провел под назв. “New Orleans Rhythm Kings” (в одном из сеансов в записи “NORK” принял участие знаменитый “Джелли Ролл” Мортон). К сожалению, анс. просуществовал очень недолго. Ситуация усугубилась тем обстоятельством, что Рапполо пристрастился к алкоголю и марихуане. В 1925 группа распадается, и Лион с П. Мэйрсом едут в Нью-Йорк, затем Рапполо оказывается в Техасе, где играет в одном из местных анс., но в конце концов возвращается в Новый Орлеан. Здесь он вновь встречает Мэйрса, и они предпринимают попытку воссоздать “NORK”.
К сожалению, карьеру необычайно одаренного и впечатлительного Рапполо прервала психическая болезнь. Его поведение всегда было несколько эксцентричным: он предпочитал надевать к черному костюму белые носки, любил подолгу слушать пение ветра в телеграфных проводах…, а чего стоил такой демонстративный жест – Лион как-то раз на глазах у всех выбросил в озеро Понтчартрейн (к северу от Нового Орлеана) свой лучший кларнет. Ситуация усугублялась его почти непрерывным пьянством и употреблением марихуаны. В 23 года Рапполо навсегда покинул мир музыки - он был помещен в психиатрическую лечебницу (по слухам, он и там продолжал играть, правда, уже на тенор-саксофоне, и даже организовал джазовый анс.), где и провел практически всю оставшуюся жизнь. Вышел он из лечебницы в 1940 и через три года умер.
Кларнет Рапполо обладал красивым, насыщенным тоном. Музыкант много и охотно экспериментировал в области техники и фразировки. Его исполнение оказывало мощное воздействие на слушателей, и молодые музыканты стремились подражать столь же молодому, но необычайно одаренному кларнетисту. После Рапполо осталась его музыка, записанная почти на 30 пластинках. В их числе – записи в составе “NORK”, ансамбля, который иногда назыв. “белым ансамблем с новоорлеанским стержнем”. Этот коллектив сыграл огромную роль в становлении и развитии чикагского джаза, и в первую очередь – т. наз белой школы Чикаго (или Среднего Запада) - White Jazz in the Midwest. Молодые чикагские музыканты, такие, как “Бад” Фриман, Фрэнк Тешмейкер, “Бикс” Байдербек и братья Макпартланд проходили подлинные университеты, слушая непосредственно выступления “NORK”, а также разучивая - нота за нотой – программы, запечатленные на их пластинках.
Альбомы: в составе “NORK”, в т. ч. ;“Jazz Sounds Of The Twenties” (1922-25).
РАССЕЛЛ Джордж
Расселл Джордж Аллан - Russell George Allan
р.23.06.1923 в Цинциннати, шт. Огайо; ум.27.07.2009
амер. пианист, ударник, композитор, аранжировщик, педагог, теоретик джаза, рук. анс./орк. / авангард, пост-боп
Один из крупнейших композиторов современного джаза, Расселл родился в семье профессора консерватории Оберлинского университета (шт. Огайо). Первым его инструментом стал барабан (Джордж играл в орк. бойскаутов). В школе, а затем и в университете Расселл играл в различных анс. (в одном из них – с саксофонистом Эрни Уилкинсом). В 1942 он попадает в больницу с диагнозом “туберкулез”. Сосед по палате обучает молодого музыканта азам искусства аранжировки. Профессиональную карьеру Расселл начал в Чикаго в качестве барабанщика орк. Бенни Картера, но вскоре его сменил Макс Роуч. Расселл же, вместо того, чтобы стучать по барабану, получил возможность сосредоточиться на аранжировке и композиции. Услышав пьесу Телониуса Монка “Round Midnight”, он решил переехать в Нью-Йорк, где вскоре стал членом кружка молодых музыкантов (в который входили Майлз Дэвис и Джерри Маллиган), объединявшихся вокруг Гила Эванса и устраивавших горячие дискуссии по поводу тех или иных музыкальных идей и теорий.
Впервые о Расселле заговорили в сер. 40-х, когда он стал писать для “Диззи” Гиллеспи - особенно после того, как в сентябре 1947 орк. Гиллеспи исполнил ставшую классической пьесу Расселла “Cubana Be, Cubana Bop”, в которой соединились современный джаз и афро-кубинские ритмы. Он писал также для Арти Шоу и Клода Торнхилла. В 1949 биг-бэнд “Бадди” ДиФранко записал композицию Расселла “A Bird In Igor’s Yard” (“Птица во дворе Игоря”), и в названии, и в музыкальном материале соединяющее элементы музыки и стилистики Стравинского и Паркера. Пьеса буквально наполнена прокофьевскими мелодическими фигурами, периодически сменяющимися барочными унисонами кларнета и вибрафона – типичный пример неоклассицизма ХХ века. С джазом она имела мало общего, и сегодня о ней практически забыли .
Расселл вновь попадает в больницу. На этот раз он провел здесь целых шестнадцать месяцев и это позволило ему сформулировать основные идеи фундаментального теоретического (и практического) труда “Lydian Chromatic Concept Of Tonal Organization” (“Лидийская хроматическая концепция тональной организации”), впервые опубликованной в 1953 и сыгравшей чуть позже ключевую роль в процессе создания модального джаза Майлза Дэвиса и Джона Колтрейна.
В сер. 50-х Расселл сближается с трубачом Артом Фармером и пианистом Биллом Эвансом, которых заинтересовали его разработки “лидийской концепции”. Вместе они организовали “репетиционный” секстет, известный под назв. “Smalltet” Джорджа Расселла (на к-басе играли Милт Хинтон или Тедди Котик, на ударных – Оузи Джонсон или Пол Моушн) и в течение нескольких месяцев в 1956 записали альбом композиций Расселла “Jazz Workshop” (“Джазовая мастерская”), ставший одним из лучших альбомов десятилетия. Получив заказ университета Брандейса (шт. Массачусетс) написать какое-нибудь “серьезное” джазовое произведение, Расселл создает великолепную оркестровую сюиту “All About Rosie”, партия ф-но в которой была написана “под Билла Эванса” и им же исполнена.
В к. 50-х Расселл начинает свою педагогическую деятельность – как в частном порядке, так и в известной Школе джаза в Леноксе, шт. Массачусетс. Среди его учеников были такие известные впоследствии музыканты, как Арт Фармер, Эрик Долфи, Карла Блей, Расаан Роуленд Кёрк, Дон Эллис и Стив Суоллоу (двое последних также записывались с ним).
В нач. 60-х Расселл руководит секстетом, много выступает в Нью-Йорке и его окрестностях, на различных фестивалях. В 1964 его анс. участвует в Ньюпортском джазовом фестивале, в том же году выезжает на гастроли в Европу, где выступает на первом джазовом фестивале в Берлине. Параллельно Расселл записывает несколько альбомов, получивших высокую оценку как любителей джаза, так и специалистов (из них наиболее заметным стал, скорее всего, альбом “Ezz-Thetics”). В его записях нередко принимали участие ведущие джазовые авангардисты Шила Джордан (композиция “You Are My Sunshine”), Эрик Долфи (альбом “Ezz-Thetics”) и Дон Черри (“At Beethoven Hall”). В конце 60-х Расселл около пяти лет живет в Швеции. В этот период он увлеченно экспериментирует с электронной музыкой, занимается педагогической деятельностью (причем не только в Швеции, но и в Финляндии, Норвегии и Дании) и тесно сотрудничает с молодыми, набирающими силу скандинавскими джазменами, такими, как Ян Гарбарек, Терье Рюпдаль и Палле Миккельборг. Несколько раз он совершает концертные турне по Европе, причем вместе с ним выступают не только скандинавы, но и амер. джазмены, в частности, Дон Черри.
В 1969 музыкант возвращается в США, где преподает в Консерватории Новой Англии в Бостоне, шт. Массачусетс, при этом он продолжает записываться в Швеции. (Многие из записей, сделанных им в Скандинавии в 60-х и 70-х были выпущены в 80-х фирмой “Soul Note”.) С к. 70-х Расселл начинает регулярно выступать и записываться в США, нередко – с биг-бэндом. Так, в 1978 он возглавил орк. из 19 музыкантов, который в течение шести недель выступал в нью-йоркском джазовом клубе “Village Vanguard”. В 80-х он регулярно играл в клубе “Bottom Line” в рамках программы джазового фестиваля “Ньюпорт в Нью-Йорке”. Расселл был в числе первых исполнителей, приглашенных к сотрудничеству возобновившей свою деятельность ф. “Blue Note”. 1981 – гастроли по Италии; 1983 – выступления на Западном побережье США. Во второй половине 80-х Расселл совершил серию концертных турне по Великобритании с участием ведущих британских джазменов, таких, как Иан Карр, Энди Шеппард и Кенни Уилер.
Активно выступает Расселл и как публицист, он является автором многих агрессивных и насыщенных идеологией Новых Левых статей в периодике. Продолжает он и свои теоретические исследования, результатом чего стал второй том его труда “Lydian Chromatic Concept”, вышедший в 1978. Работа это является заметным вкладом в современную теорию джаза. Начиная с сер. 50-х, Расселл стал чем-то вроде eminence grise (“серого кардинала”) модернизма. Многие молодые джазовые музыканты обращаются к его творческим идеям, изучают его “Lydian Concept”. В некоторых амер. консерваториях эта работа включена в список обязательной литературы. Музыка самого Расселла синтезирует элементы джаза, блюза и музыки госпелз, обогащая их серийной техникой и абстракцией. Он ни коим образом не считает себя революционером; главное для него – эволюционность: он не отрицает джазовые традиции, а стремится добавить к ним новые измерения. Блюзовые и песенные структуры, несмотря на все изломы и искажения, порожденные кривыми зеркалами его творческой фантазии, явственно просматриваются в его работах.
Жена Расселла - талантливая художница Хуанита Одхенар (Juanita Odjenar).
27 июля умер теоретик и композитор Джордж Расселл, создатель «Лидийской хроматической концепции тональной организации». Ему было 86 лет.
Имя этого замечательного музыканта, композитора и теоретика музыки мало известно вне круга джазовых музыкантов и преданных коллекционеров записей; однако влияние, оказанное им на развитие джаза во второй половине XX века, можно сравнить с влиянием джазменов-суперзвёзд — Майлса Дэйвиса, Джона Колтрейна или Эрика Долфи; тем более, что каждый из этих музыкантов в значительной степени основывался на теоретических построениях Джорджа Расселла. Нынешняя джазовая историография почти единогласно считает его едва ли не единственным крупным музыкальным теоретиком, чья работа полностью протекала внутри джазового направления музыкальной культуры и именно джазовым миром и была, главным образом, востребована.
Джордж Расселл родился в Цинциннати, штат Огайо, 23 июня 1923. Своих физических родителей он не помнил; в самом раннем возрасте он был усыновлён и вырос в семье преподавателя музыки знаменитой консерватории им. Оберлина. В детстве его практическое знакомство с музыкой ограничивалось участием в хоре Африканской методистской церкви да ещё тем, что он был барабанщиком бойскаутской организации; но, когда Джордж поступил в университет им. Уилберфорса — старейшее учебное заведение для афроамериканцев в Огайо, он уже изучал именно музыку. В орк. Уилберфорса, The Collegians, в разное время играли будущие звёзды джаза — Флетчер Хендерсон (который в 1920-е гг. увёл с собой весь состав оркестра, ставший первой версией его нью-йоркского биг-бэнда), Бенни Картер, Рекс Стюарт (они были солистами Collegians при Хендерсоне), затем - Коулман Хокинс, Кути Уильямс, Бен Уэбстер и др. В этом оркестре на рубеже 1930-1940-х играл на барабанах и юный Джордж Расселл. Однако в 19-летнем возрасте его учёбу прервал туберкулёз - болезнь, дважды в течение жизни на долгие месяцы приковывавшая его к больничной койке. Парадоксальным образом, шесть месяцев в туберкулёзном санатории чрезвычайно многое дали Расселлу в плане обучения музыке: благодаря интенсивным занятиям гармонией и аранжировкой он вышел из больницы с совершенно новым подходом к музыке и композиции. Ещё в больнице он написал и продал оркестру Бенни Картера свою первую пьесу — «New World»; Картер взял Расселла играть на барабанах в своём чикагском оркестре, когда тот выписался из санатория, но в 1944 Расселла сменил там молодой Макс Роуч. Услышав, как играет будущая звезда бибоповых барабанов, Расселл навсегда оставил игру на ударной установке, посвятив себя композиции. В 1945 туберкулёз вернулся; на этот раз 23-летний Джордж провёл в больнице целых 16 месяцев, но именно в этот период он разработал основы того, что впоследствии стало его вкладом в теорию импровизации — будущей «Лидийской хроматической концепции». Концепция родилась из замеченного Расселлом свойства тяготения к тональным центрам лада определённых нот, иногда весьма от этих тональных центров далёких.
В 1946, выйдя из больницы, Расселл переехал в Нью-Йорк и присоединился к легендарному ныне кружку прогрессивных музыкантов, группировавшихся вокруг молодого Майлса Дэйвиса и собиравшихся в знаменитой квартирке аранжировщика Гила Эванса. Это было время, когда сложившаяся идиоматика и импровизационная методика бибопа начинала рассматриваться в творчестве музыкантов этого круга в новом ракурсе — через призму современной академической музыки (процесс, зафиксированный парой лет позже в серии пластинок, ставших впоследствии альбомом Майлса Дэйвиса «The Birth Of The Cool» и ознаменовавших рождение кул-джаза). Именно тогда Расселл получил заказ написать пьесу для биг-бэнда трубача Диззи Гиллеспи — заказ, результатом которого стала хрестоматийная ныне композиция «Cubano Be/Cubano Bop», первый образец соединения современного джаза и латиноамериканской ритмики. Премьера пьесы состоялась на концерте в Карнеги-Холле в 1947 и представляла первую латин-джазовую звезду — кубинского перкуссиониста Чано Позо. Это была не единственная удачная работа Расселла тех лет: через два года ансамбль Бадди ДеФранко записал его пьесу «Bird in Igor's Yard», интересную сознательным скрещением элементов творчества Чарли Паркера (чьи музыкантские прозвища были именно Bird, «Птица», и Yardbird, «Новобранец») и Игоря Стравинского.
Расселл позднее вспоминал, что решающее влияние в этот период на него оказал Майлс Дэйвис (который, кстати, был на три года младше). Джордж как-то спросил Майлса, в чём тот видит свою музыкальную цель. Майлс ответил, что «хочет выучить все аккорды». Поскольку аккорды трубач явно знал, Джордж сделал вывод, что Майлс хочет найти новые отношения внутри гармонии. Именно этого хотел и сам Расселл. С 1950, после интенсивных занятий гармонией под руководством немецкого композитора Стефана Вольпе, он начал объединять свои идеи в книгу по теории музыки.
В 1953 его книга «Лидийская хроматическая концепция тональной организации» («Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization») была впервые опубликована. При первом издании это была тоненькая брошюрка в грубой бумажной обложке; через шесть лет, при следующем издании, к ней был добавлен блок нотных примеров; при последующих переизданиях Расселл то и дело добавлял к ней новые разделы и главы, и к настоящему времени «Лидийская хроматическая концепция» представляет собой солидный том в твёрдой обложке (последний раз книга переиздавалась в 2001 в радикально переработанном виде, с подзаголовком «Искусство и наука тональных тяготений»).
Именно книга Расселла проложила путь новой импровизационной технике — модальной импровизации, ярчайшим примером которой стал альбом Майлса Дэйвиса 1959 «Kind of Blue». Лидийская хроматическая концепция Расселла (далее ЛХК) исследует идею единства аккорда и соответствующей гаммы, их вертикальные взаимоотношения. Расселл на протяжении 1950-60-х не только занимался углублением теоретической разработки ЛХК, но и руководил собственными ансамблями с участием первоклассных джазовых импровизаторов. Композитор не играл свою музыку непосредственно, выступая только в роли бэндлидера, но все записи его ансамблей носят безошибочно узнаваемый индивидуальный «расселловский» характер, хотя в них участвовали такие яркие исполнители с собственными узнаваемыми манерами, как Милт Хинтон, Арт Фармер, Боб Брукмайер, Билл Эванс, Пол Блэй (на альбоме «Jazz in the Space Age», например, Билл Эванс и Пол Блэй импровизируют одновременно, в разных каналах стереопары!).
Джон Колтрейн и Джордж Расселл, 1959
Лидийский лад, по Расселлу - основной лад европейской музыки; это, по сути, мажорный лад с повышенной четвёртой ступенью. Германский историк и теоретик джаза Иоахим Э. Берендт писал: «Ладовая концепция импровизации Расселла, соответствующая лидийскому ладу в системе средневековых церковных ладов, но, в современном понимании, хроматическая, проложила путь модальной импровизации Майлса Дэйвиса и Джона Колтрейна». Грубо говоря, Расселл пытался разорвать зависимость джазовой импровизации от аккордовых последовательностей бродвейской песенной формы. Его идея заключалась в том, что джазовый музыкант использует гамму, определяемую каждым конкретным аккордом, как исходный материал для импровизации; эти гаммы не только могут, но и должны взаимно перекрещиваться, накладываться друг на друга, создавая у слушателя ощущение, что пьеса написана сразу в нескольких тональностях, хотя у неё при этом всё же имеется укоренённый тональный центр. Майлс Дэйвис, обычно скупой на похвалу, как-то сказал, что концепция Расселла научила его всему, что он знает о композиции.
Журналисты часто просили Расселла разъяснить ЛХК, но композитор всегда пускался в ответ в нарочито сложные рассуждения, где самым понятным термином могло оказаться «сверхвертикальное тональное тяготение», после чего говорил, что его концепцию разъясняет прежде всего сама музыка. И действительно: значительная часть современной джазовой импровизации строится на концепции Расселла, даже если импровизатор её специально и не изучал — просто она вошла уже и в плоть, и в кровь джазового искусства.
В первые годы работы над ЛХК Расселл часто бедствовал: знакомые музыканты видели его работающим на «странных» работах — так, он был одно время кассиром в закусочной, а на Рождество 1955 г. устроился в универмаг Macy's продавать игрушки. Только выход его первого успешного альбома («The Jazz Workshop», RCA, 1956) позволил композитору наконец оставить «дневные работы» (так американские джазмены называют не связанные с музыкой работы, которые позволяют поддерживать своё существование в периоды, когда джаз не кормит). Из более поздних работ Джорджа Расселла самой популярной, в силу относительно большей доступности для неподготовленного слушателя, стал альбом «Ezz-Thetics» (Riverside, 1961), где в составе его секстета играют саксофонист Эрик Долфи, трубач Дон Эллис, тромбонист Дейв Бейкер, барабанщик Джо Хант и контрабасист Стиву Суоллоу, а сам Расселл — редкий случай! — представлен не только как автор, но и как пианист.
Он начал также преподавать: в конце 50-х среди его студентов в Школе Джаза в Леноксе, штат Массачусетс, были Орнетт Коулман и Карла Борг (будущая Карла Блэй).
Отсутствие широкого признания его работы в США вынудило Расселла в 1964 г. уехать до конца десятилетия в Скандинавию. В Норвегии и Швеции признание оказалось широчайшим: работы Расселла поддержал директор Шведского радио Боссе Бромберг, предоставивший композитору все условия для работы и возможность записывать все его сочинения в студии. Работа Расселла в Скандинавии не только восстановила его душевные силы — она оказала колоссальное воздействие на местную сцену, породив в будущем феномен «нордического джаза», обрётший известность в 1970-80-е гг.: достаточно сказать, что у Расселла учились, и играли с ним, три будущих «столпа» нордической сцены — юные Ян Гарбарек, Терье Рипдаль и Йон Кристенсен. Так, Гарбарек, ещё не ставший звездой фирмы ECM (за отсутствием такой фирмы, созданной только в 69-м), исполнял важнейшие соло на саксофоне в двух крупных работах Джорджа Расселла, записанных оркестром Шведского радио — «Electronic Sonata for Souls Loved By Nature» (сюита для оркестра, магнитных лент и джазовых солистов) и балете «Отелло».
Когда Джордж Расселл вернулся в США в 1969 г., времена изменились: из непризнанного полуподпольного занятия, всеми воспринимаемого прежде всего как развлекательная музыка, джаз начал превращаться в уважаемую отрасль музыкального искусства, которую теперь преподавали всё в большем и большем количестве первоклассных учебных заведений. Собственно, Расселл и вернулся-то потому, что его старый друг Гюнтер Шуллер возглавил вновь созданное джазовое отделение престижной бостонской Консерватории Новой Англии и пригласил Джорджа преподавать там. С этого момента жизнь Расселла можно считать вполне благополучной: он продолжал свои теоретические изыскания, много гастролировал со своими ансамблями (в том числе собственным биг-бэндом из 14 музыкантов), выступая в лучших клубах и на самых известных сценах, а его работы в грамзаписи публика и критика встречала со значительным интересом: так, его альбом 1985 г. «The African Game» (Blue Note) получил сразу две номинации на премию «Грэмми». Кроме того, после работы с оркестром Шведского радио Расселл полюбил работать с радиооркестрами; его работы, с ним самим за дирижёрским пультом, исполняли оркестры радио в Финляндии, Норвегии, Дании, Германии и Италии. Количество, качество и размах композиторских работ Расселла поражает воображение: так, в 1992 г. он представил посвящённое 125-летию Консерватории Новой Англии исполинское трёхчасовое сочинение «Time Line» для симфонического оркестра, джазовых ансамблей, хоров, рок-групп и танцоров.
Тем не менее, до конца жизни он, увенчанный массой наград — престижнейшими художественными стипендиями (Фонда Макартуров и Фонда Гуггенхайма), премией Национального фонда искусств США «Мастер джаза», Национальной музыкальной премией США, Премией американской музыки и т.п., — сохранял горькие чувства по отношению к музыкальной индустрии. Он считал, что в современной музыке перекошена самая основа - то, что именно люди считают ценным или важным; в «рыночной» музыке на первое место ставится рыночный успех и, следовательно, коммерческая прибыль, и даже в «высоком» искусстве на политику культурных институтов и фондов оказывает решающие влияние политика спонсорства крупных корпораций. Огорчала его и политика фирм грамзаписи, которые зачастую ничего не вкладывают в современные работы, затем прекращают их издание, ссылаясь на то, что они не продаются, а через несколько десятилетий, когда эти работы становятся классикой, переиздают их большими тиражами с целью извлечения прибыли: Расселл заявлял, что эта политика систематически перекашивает естественный ход эволюции джаза.
В последние годы Джордж Рассел прекратил работу, так как тяжело болел: у него была болезнь Альцгеймера, сопровождавшаяся осложнениями.
Альбомы: ;;“Jazz Workshop” (с Б. Эвансом; 1956), ;;“New York, New York” (с Д. Колтрейном, М. Роучем, Б. Эвансом; 1958-59), “Jazz In The Space Age” (1960), “George Russell At The Five Spot” (1960), “Stratusphunk” (1960), ;;“Ezz-Thetics” (с Д. Эллисом, Э. Долфи; 1961), ;“The Stratus Seekers” (1962), ;“The Outer View” (1962), “At Beethoven Hall” (1965), “Listen To The Silence” (1971), “Vertical Form 6” (1977), ;“New York Big Band” (1978), ;;“Electronic Sonata For Souls Loved By Nature” (1980), “Electronic Sonata: 1968” (1985), “London Concert, Vol. 2” (1989).
РАССЕЛЛ Луис
Расселл Луис Карл - Russell Luis (Louis) Carl
р.06.08.1902 на небольшом о-ве Кэрининг Клей недалеко от Бокас дель Торо, Панама; ум.11.12.1963 в Нью-Йорке
амер. пианист, композитор, аранжировщик, рук. анс./ орк., педагог / Свинг, классический джаз
В возрасте 17 лет Луис выиграл по лотерее $3000 и перевез мать и сестру в США, в Новый Орлеан, где подрабатывал в качестве пианиста в местных салунах и клубах. Одно время (в 1923) он даже играл в анс. Алберта Николаса, выступавшем в известном новоорлеанском заведении “Tom Anderson’s Caf;”. Проведя на родине джаза 5 лет, Расселл перебрался в Чикаго. Некоторое время играл с Джо “Кингом” Оливером в его анс. “Dixie Syncopators” в местном “Plantation Club”, затем – с ним же - в Нью-Йорке, в гарлемском клубе “Savoy Ballroom”. Во время пребывания в Чикаго Расселл интенсивно занимался музыкой: аранжировка, композиция, тромбон, фортепианная классика… Уйдя в 1927 от Оливера, он возглавил секстет (“Джей Си” Хиггинботем, “Барни” Бигард, Оумер Симеон и др.) в чикагском клубе “The Nest Club”. В последующие годы анс. Расселла (ключевыми музыкантами в его составе были новоорлеанцы Генри “Ред” Аллен, Пол Барбарин и А. Николас) играл во многих известных заведениях Нью-Йорка, и первым из них следует назвать “Saratoga Club” – хозяин этого клуба, миллионер Джаспер Хольстейн (Jasper Holstein), сколотивший свое состояние на подпольном игорном бизнесе, содержал заведение больше для собственного удовольствия и среди музыкантов считалось большой удачей получить работу в этом клубе. Кроме того, анс. Расселла выступал в “Arcadia Ballroom”, “Savoy”, “Connie’s Inn” и др. Особую известность пианист приобрел после того, как в 1929 несколько месяцев поработал с Армстронгом. Расселл заметно прогрессировал как аранжировщик, увеличил свой анс. до масштабов биг-бэнда, который на удивление неплохо пережил годы Великой Депрессии, выступая в основном в Нью-Йорке, причем нередко с Луи Армстронгом в качестве солиста. В 1928-35 это был, бесспорно, один из самых лучших до-Свинговых биг-бэндов. Годы работы в клубах не прошли даром – орк. заметно вырос в творческом отношении. Это подтверждают многочисленные записи, в осн. с Армстронгом, который, вернувшись из Англии, стал номинальным рук. коллектива, оставив за Расселлом муз. руководство. Молодой и нахрапистый менеджер Армстронга Джо Глейзер установил жесткие порядки, которые не нравились многим музыкантам Расселла. Кроме того, их беспокоила ощутимая мафиозная тень, стоящая за его спиной. Орк. начал потихоньку распадаться. В 1940, без всяких объяснений, в офисе Глейзера музыкантам объявили, что в их услугах больше не нуждаются (“Джимми Арчи сказали, что он слишком маленького роста,” вспоминал “Попс” Фостер, “а я оказался чересчур старым”). Сам Расселл вплоть до 1943 оставался в орк. Армстронга муз. руководителем, после чего создал свой собственный орк. для гастрольных поездок и записей. Однако музыкальная мода слишком стремительно менялась во второй пол. 40-х и в 1948 он оставил профессиональное музицирование и в основном занимался торговлей в собственных магазинчиках в Бруклине, хотя время от времени и выступал с небольшими анс. в местных клубах.
Всю свою творческую жизнь Луис Расселл стремился интегрировать некоторые фундаментальные принципы новоорлеанского стиля в музыку биг-бэндов, и хотя его оркестры никогда не относились к числу популярнейших, известных на всю страну коллективов, тем не менее вклад Расселла в развитие джаза весьма значителен
Альбомы: ;;“Luis Russell And His Louisiana Swing Orchestra” (2 LP; 1926-34), ;“The Luis Russell Collection” (1926-34), ;“Savoy Shout” (1929-30).
РАССЕЛЛ “Пи Ви”
Расселл Чарлз Эллзуэрт (прозв. “Пи Ви”) - Russell Charles Ellsworth “Pee Wee”
р.27.03.1906 в г. Мейпл-Вуд, неподалеку от Сент-Луиса, шт. Миссури; ум.15.02.1969 в Александрии, шт. Виргиния
амер. кларнетист и саксофонист / диксиленд
Поклонники таланта Расселла – с легкой руки Уиллиса Коновера - присвоили ему титул “The Poet of the Clarinet” (“Поэт кларнета”).
Начинал Расселл свой путь музыканта с того, что выучился играть сначала на скрипке и ф-но, и лишь потом – в нач. 20-х - на кларнете. Профессиональный опыт приобрел, играя по всему Юго-западу, а также на речном пароходе, плавающем по реке Арканзас. Примерно в 1925 он появился в Чикаго, где играл с ансамблями Фрэнки Трамбауэра и Джина Гоулдкетта, с такими мастерами, как Джек Тигарден и “Бикс” Байдербек. Несмотря на сравнительную непродолжительность его чикагской биографии, Расселл стал в итоге одной из ключевых фигур чикагского джаза. В 1927 Расселл перебирается в Нью-Йорк, где работает со многими джазменами, играющими в основном традиционный джаз; среди них Бобби Хакетт, “Уайлд Билл” Дэвисон, Луи Прима, Билли Баттерфилд, “Маггси” Спаниер, Джордж Уэттлинг и Арт Ходс. Одно время он сотрудничал с предприимчивым “Редом” Николсом. “Одному Богу известно, сколько я записал пластинок в Нью-Йорке в к. 20-х – нач. 30-х” – вспоминал впоследствии Расселл. В самые тяжелые годы Депрессии зарабатывал на жизнь, играя на саксофонах и кларнете во второразрядных танцевальных орк.
К 1937 его исполнительская манера окончательно сложилась и Расселл превращается в неизменного участника многих анс. в ведущих нью-йоркских клубах. Его приглашают все лучшие коллективы Нью-Йорка и Чикаго, играющие диксиленд. Постепенно Расселл становится ключевым музыкантом нью-йоркского по месту жительства, но чикагского по духу диксилендового анс. Эдди Кондона, и сделанные в этот период записи обеспечили ему почетное место в истории джаза. Правда, сам Расселл без особого удовольствия, а порой и с горечью вспоминал впоследствии об этом времени (а работал он с Кондоном свыше десяти лет!), поскольку из-за его специфического, словно в чем-то виноватого выражения лица и своеобразного стиля игры в анс. с ним часто обращались, как с клоуном.
В 50-х здоровье Расселла – у него была больная печень - резко ухудшилось, кроме того, обострились его постоянные проблемы с алкоголизмом, но, к счастью, музыканту удалось преодолеть эти недуги и в 60-х он вновь выступал в клубах, на концертах и фестивалях по всему миру. Он участвует в записях и с небольшими анс., и с биг-бэндом Оливера Нельсона. В 1962 вместе с тромбонистом Маршаллом Брауном он создал квартет без ф-но (по типу того, который за десять лет до этого создал Джерри Маллиган). Этот квартет своей современной музыкой и даже названиями альбомов, такими, например, как “New Groove”, открыл миру джаза совершенно нового, неожиданного Расселла. Однако затем последовал как бы шаг назад, “на традиционную территорию”, выступления с Джорджем Уэйном, вновь с Кондоном и старым другом Хакеттом, до тех пор, пока затаившаяся на время болезнь не вернулась и не убила его в феврале 1969.
Один из наиболее любимых публикой джазовых эксцентриков, Расселл обладал уникальным стилем игры, который при первом, а порой и при повторном прослушивании мог показаться примитивным. Однако извлекаемые им время от времени из своего инструмента резкие звуки и, казалось бы, неуверенная расстановка нот во время сольных и ансамблевых пассажей создавали, в конечном счете, ощущение увлекательной встречи с пытливым и рискованным музыкальным интеллектом. “Пи Ви” Расселл был исключительно открытым и постоянно совершенствующимся музыкантом, единственным из джазменов своего поколения, способным перешагнуть границы собственного стиля и легко находить общий язык такими непохожими партнерами, как Телониус Монк, Генри “Ред” Аллен и Коулман Хокинс, исполнять в современном стиле произведения Колтрейна и Орнетта Коулмана.
Литература: Robert Hilbert “Pee Wee Russell: The Life Of A Jazzman”.
Альбомы: ;“Giants Of Jazz” (3 LP; 1927-62), ;“A Chronological Rememberance” (1927-65), ;;“Jack Teagarden / Pee Wee Russell” (1938-40), “The Pied Piper Of Jazz” (1944), “The Individualism Of Pee Wee Russell” (2 LP; 1952), ;“We’re In The Money” (1953-54), “Over The Rainbow” (1958-65), “Salute To Newport” (2 LP; 1959-62), ;“Swingin’ With Pee Wee” (1960), “Memorial Album” (1960), “Jazz Reunion” (1961), ;“Pee Wee Russell Quartet” (1962), “New Groove” (1962-63), ;;“Ask Me Now!” (1965), ;“Over The Rainbow” (1965), “College Concert Of Pee Wee Russell And Henry Red” (1966).
РАССОУ Билл
Рассоу Уилльям (Билл) Джозеф Джуньер (мл.) - Russo William (Bill) Joseph Jr.
р.25.06.1928 в Чикаго, шт. Иллинойс; умер от пневмонии 11.01.2003 там же
амер. тромбонист, композитор, аранжировщик, рук. орк., педагог
Получив серьезную подготовку в качестве аранжировщика (в 1943-47 он учился у Ленни Тристано), Рассоу стал писать аранжировки для Тристано и, время от времени, играть на тромбоне. В к. 40-х - нач. 50-х он возглавлял революционный по тем временам т. наз. репетиционный орк. “Experiment In Jazz” и его стилистические эксперименты привлекли внимание Стэна Кентона, который пригласил его в свой орк. “The Innovations In Modern Music” в качестве штатного композитора и аранжировщика. В 1953 Рассоу перестает выступать как тромбонист, но продолжает писать для Кентона, возобновив одновременно свое обучение – на этот раз в области композиции. В сер. 50-х Рассоу целиком посвятил себя выступлениям с малым анс., но уже к концу десятилетия вновь с жаром принимается писать для больших орк. В 1958 он приезжает в Нью-Йорк, где записывается со своим собственным биг-бэндом “The Russo Orchestra”. Кроме того, он активно включается в преподавательскую деятельность, в частности, в Columbia College в Чикаго, где он фактически создал джазовое отделение, и продолжает с успехом совмещать эти занятия в 60-х и нач. 70-х. Рассоу руководил специальной оркестровой программой в Европейской школе джазовых оркестров (Scuola Europea d’Orchestra Jazz) в Палермо, Италия. Несколько лет он посвятил работе в кино и на ТВ.
В 1965, вернувшись в Чикаго, он создает великолепный анс. “Chicago Jazz Ensemble”, почти сразу же (в 1967) заслуживший высочайшую оценку такого авторитета, как “Дюк” Эллингтон, который в виде исключения разрешил Рассоу и его ансамблю исполнить свой “Первый духовный концерт”. Другой крупной работой “Chicago Jazz Ensemble” этого периода была рок-кантата “The Civil War” (1968), после которой Рассоу на долгие годы сосредоточился на академической музыке. В сущности и до этого, параллельно с джазовыми работами, он писал много академической музыки – начиная с “Symphony № 2 in C (TITANS)” (1959), награжденной премией им. Кусевицкого, и до трехактной оперы “Дубровский” (1992). Сочинения Рассоу, позиционирующиеся в широком стилистическом диапазоне – от авангарда до откровенной эклектики – довольно часто исполняются, в том числе дирижерами мирового класса, такими, как Сейджи Озава . Особую известность, в частности, приобрели сюита Рассоу “Three Pieces For Blues Band And Orchestra”, исполненная в 1973 симфоническим орк. Сан-Франциско под рук. С. Озавы (солировал при этом известный чикагский блюзмен, мастер губной гармоники и пианист Корки Сигель), а также другая его сюита “Street Music. A Blues Concerto” (“Уличная музыка. Блюзовый концерт”), запись которой была награждена престижной европейской премией “Grand Prix du Disque”. Лишь в 80-х он вновь начинает преподавать, а в конце этого десятилетия возвратился к жизни “Chicago Jazz Ensemble”. В течение 90-х этот анс. немало выступал с исполнением джазовых композиций крупных форм – от “Sketches Of Spain” (“Испанских эскизов”, известных по блестящему альбому Майлза Дэвиса) в оригинальной аранжировке Гила Эванса до сочинений самого Рассоу.
Билл Рассоу признан одним из наиболее интересных композиторов и аранжировщиков, пишущих для больших современных джазовых оркестров. В своих сочинениях он умело использует музыкальные средства, в которых преломлены типичные черты блюзового языка (насколько это возможно в рамках европейской темперации и европейских музыкальных тембров). Ощущение мелодической “разорванности”, непривычная интонационная структура придает музыке Рассоу очень необычный облик. Его учебники по джазовой композиции, хотя нередко и критиковались, были одними из первых в этой области. В 1990 Рассоу была присуждена специальная премия “Грэмми” американской национальной академии искусства и науки звукозаписи “За заслуги в течение жизни”.
Альбомы: “Bill Russo And His Orchestra, Vol. 1” (1951), “The Wall Of Alcina” (1955), “Bill Russo Plus The Hans Koller Ensemble” (1955), “Bill Russo And The New Jazz Group, Hanover” (1955), “Bill Russo And His Orchestra, Vol. 2” (1960), “The Seven Deadly Sins” (1960), “Suite N 1 Opus 5 & Suite N 2 Opus 8” (1962), “Bill Russo On The Air In London” (1963), “Bill Russo And The London Jazz Orchestra” (1964).
РАУС Чарли
Раус Чарлз (Чарли) - Rouse Charles (Charlie)
р.06.04.1924 в Вашингтоне, Федеральный округ Колумбия; ум.30.11.1988 в Сиэтле, шт. Вашингтон
амер. тенор-саксофонист, рук. анс. / хард-боп
Научившись сначала играть на кларнете, Раус перешел затем на тенор-саксофон. Вскоре он блестяще овладел этим инструментом, и в 1944 его пригласил в свой боповый биг-бэнд сам Билли Экстайн. После этого Раус играл с “Диззи” Гиллеспи (в его первом биг-бэнде в 1945), Таддом Дамероном (1947) и “Фэтсом” Наварро. В к. 40-х он работал в ритм-энд-блюзовом анс., но в то же время его периодически приглашали к себе “Дюк” Эллингтон (в его орк. Раус играл несколько месяцев в 1949-50) и “Каунт” Бэйси (1950). В нач. 50-х Раус играл в основном в качестве “свободного художника” (фриланс), периодически записываясь с различными небольшими анс. Большинство этих анс. оказали, в той или иной степени, серьезное влияние на развитие джаза - в частности, с анс. Клиффорда Брауна, Арта Фармера, Бенни Грина, Пола Куиничетта и Оскара Петтифорда. В 1956-58 он руководил собственным анс. “Les Jazz Modes”, играл некоторое время у “Бадди” Рича и в “Concert Band” Джерри Маллигана, а в к. 1958 началось его многолетнее плодотворное сотрудничество с Телониусом Монком. Раус играл в квартете Монка около двенадцати лет, став одним из ключевых музыкантов анс. – тенор-саксофонист удивительно тонко, почти мистически чувствовал игру великого пианиста.
В период работы у Монка Раус записывался также и с другими музыкантами, в частности, с Доналдом Бёрдом и Бенни Картером (приняв участие в создание великолепного альбома “Further Definitions”). В 70-х и 80-х он вновь выступал фриланс, иногда возглавлял анс. (одно время был в числе лидеров известного британского орк. “Sphere”), в нач. 80-х играл в квинтете Мела Уолдрона, много гастролировал и как солист, и в составе аккомпанирующих групп. В последний год своей жизни Раус записывался со Стэном Трейси, Кармен Макрей и Маркусом Робертсом.
Характерный, своеобразный исполнитель, Раус в полной мере испытал на себе все плюсы и минусы длительного музыкального партнерства с Монком: с одной стороны, его творчество стало достоянием огромной аудитории, которую уже завоевал к тому времени Монк, с другой стороны, близкое соседство столь яркой личности в немалой степени подавляло, сковывало Рауса, стилистика Монка как бы загоняла его в довольно специфическую, ограниченную область би-бопа, мешая, тем самым, развитию его индивидуальных возможностей.
Альбомы: “5 By Monk By 5” (с Т. Монком; 1959), ;“Takin’ Care Of Business” (1960), ;“Unsung Hero” (1960-61), ;;“Further Definitions” (с Б. Картером; 1961), “Misterioso” (с Монком; 1963-65), “Moment’s Notice” (1977), “Chase Is On” (с П. Куиничеттом; 1986), ;;“Epistrophy” (1988).
РАШИНГ Джимми
Рашинг Джеймс Эндрю (Джимми) - Rushing James Andrew (Jimmy)
р.26.08.1902(03?) в Оклахома-Сити, шт. Оклахома; ум. от лейкемии 08.06.1972 в Нью-Йорке
амер. певец и пианист, рук. анс. / Свинг, блюз (городской блюз), хард-боп
Один из наиболее выдающихся исп. блюзов [в частности, один из лучших “шаутеров” (shouter)] в истории джаза.
В семье Рашинга было немало музыкантов – увлеченно музицировали его родители, а дядя вообще был профессиональным пианистом. Петь, играть на скрипке и ф-но Джимми начал еще в школьные годы. На студенческих вечеринках в Wilberforce University “малыш Джимми” (позже к нему прилипло прозвище “мистер шесть на девять” – по англ. “Mr. Five By Five”, более отвечающее его габаритам) быстро стал “штатным пианистом”. Окончив учебу, Рашинг некоторое время зарабатывал на жизнь в качестве пианиста, скоро понял, что это “не то”, и к 1923 он уже был профессиональным певцом, и выступал в Калифорнии с такими музыкантами, как “Джелли Ролл” Мортон и Пол Хауард. Вернувшись в сер. 20-х в родные края, Рашинг в 1927 начинает петь с орк. Уолтера Пейджа “Blue Devils” - одним из наиболее выдающихся провинциальных орк. Юго-Запада, чья музыкальная палитра во многом послужила основой того, что вскоре стали называть стилем Канзас-Сити (или джазом Канзас-Сити). После распада “Blue Devils” Рашинг в числе других музыкантов вошел в 1929 в состав орк. Бенни Моутена. После смерти Моутена в 1935 он становится членом орк. “Каунта” Бэйси, игравшего в то время в “Reno Club”, и выступает с этим коллективом вплоть до 1948 (снявшись, кстати, вместе с Бэйси в нескольких кинофильмах, в т. ч. в 1943 в полнометражной ленте “Funzapoppin’ ”). После этого Рашинг выступает в основном как солист, иногда – со своим собственным анс. По-настоящему известным его сделали, конечно, годы, проведенные с орк. Бэйси. Безупречно свингующая ритм-группа этого орк. составляла идеальный фон для Рашинга: одна из первых их совместных записей – “Boogie Woogie” (1936) – на всю страну заявила не только о появлении певца Джимми Рашинга, но и о саксофонисте Лестере Янге.
В отличие от многих певцов, тесно связанных с каким-то одним коллективом, Рашинг смог продолжить успешную карьеру и после того, как ушел от Бэйси, неоднократно подтверждая репутацию первоклассного джазового певца. Его партнерами неизменно были ведущие джазовые музыканты, такие, как Дейв Брубек, Коулман Хокинс, Бенни Гудман (с которым он выступал на Всемирной выставке в Брюсселе в 1958), Боб Кросби, “Бак” Клейтон, Дикки Уэллс; во время гастролей по Великобритании в 1957 Рашинг выступал с орк. Хамфри Литтелтона. Творческая судьба не раз вновь сводила его с “Каунтом” Бэйси. Одно время Рашинг со своим орк. играл в гарлемском танцевальном зале “Savoy”, причем нередко соперничая с орк. своего бывшего бэндлидера.
В 60-х он продолжает активно работать, выступая с Гарри Джеймсом, Бенни Гудманом, Эдди Кондоном и периодически вновь с Бэйси. Во второй пол. десятилетия Рашинг регулярно выступает вместе с великолепной парой саксофонистов Элом Коном и “Зутом” Симсом в известном в Сан-Франциско клубе “The Half Note”. Певец прекрасно ладил и с новым поколением музыкантов. К этому периоду относится его высказывание (прозвучавшее как бы эхом слов Билли Холидей, сказанных за полтора десятка лет до этого): “Не могу представить, что когда-нибудь случится такое, что я выйду на эстраду и объявлю тот или иной известный номер, а кто-нибудь из музыкантов скажет – “а я этой вещи не знаю”…
Рашинг обладал высоким, слегка гнусавым (“в нос”) сильным тенором, который с легкостью перекрывал звучание биг-бэнда. То обстоятельство, что его голос был гораздо выше голосов большинства исполнителей блюзов, придавало его пению особенное, пронзительно печальное настроение. Фактически же манера пения и репертуар ставили его вне рамок чисто блюзового певца - Рашинг с удовольствие исполнял романтические баллады. Тем не менее все, что он пел, начиная от любовных баллад и заканчивая темповыми, азартными свинговыми мелодиями, всегда было окрашено в блюзовые тона. Репертуар его был огромным, но в последние годы он чаще всего исполнял такие песни, как “Going To Chicago”, “Every Day I Have The Blues” и “Exactly Like You”. Несмотря на это, его неоднократные выступления в клубах, на концертах и многочисленные записи никогда не надоедали слушателям – таким искренним, заразительным энтузиазмом они были наполнены. Мощный, крепко сколоченный, “мистер шесть на девять” прекрасно смотрелся как на фоне биг-бэнда, так и с небольшими анс. стиля Канзас-Сити, но даже в тех случаях, когда он выходил за привычные имиджевые рамки (так случилось во время его последней официальной записи “The You And Me That Used To Be”), Рашинг с легкостью очаровывал слушателей. В нач. 70-х и в той самой последней записи в его голосе заметно ощущался груз прожитых лет, но он сохранял свой неизменный свинг и привносил в непривычный для себя материал – такие песни, как “When I Grow Too Old To Dream” или “I Surrender Dear” – характерную эмоциональную глубину и остроту ощущения как музыки, так и текста. Недаром критики журнала “down beat” назвали альбом “The You And Me That Used To Be” лучшим альбомом 1972 года.
Одаренный природной артистичностью, Рашинг всегда был безупречен и никогда никому не подражал. Этот своеобразный, уникальный певец был, вне всякого сомнения, одним из величайших джазовых вокалистов.
Альбомы: ;;“The Essential Jimmy Rushing” (1954-57), ;“Dave Brubeck And Jimmy Rushing” (1960), ;“Everyday I Have The Blues” (1967), “Livin’ The Blues” (1968), ;“The You And Me That Used To Be” (1971).
РЕДМАН Джошуа
Редман Джошуа - Redman Joshua
р.01.02.1969 в Беркли, шт. Калифорния
амер. тенор-саксофонист, рук. анс. / пост-боп, хард-боп
Один из последних в длинной череде интенсивно выдвигающихся наверх молодых джазовых музыкантов, Джошуа Редман стремительно ворвался на международную арену в 1991 – ему было тогда чуть за 20 и он обладал всеми необходимыми для этого данными [сложившийся под влиянием хард-бопа стиль, прекрасная внешность, диплом Гарвардского университета, знаменитый саксофонист-отец (Дьюи Редман), великолепное владение инструментом и пленившая воображение джазовых музыкантов старшего поколения оригинальность]. Несмотря на неизбежные ярлыки, которые пытались навесить на него средства массовой информации, Редман сформировался как музыкант в гораздо меньшей степени под влиянием своего знаменитого отца (которого он, увы, видел довольно редко), чем под влиянием матери, профессиональной танцовщицы русско-еврейского происхождения, которая всегда поощряла его интерес к музыке – именно она записала 5-летнего Джошуа в Центр мировой музыки в Беркли, в класс индийской и индонезийской музыки. Следует отметить, что хотя его увлеченность музыкой была несомненной, готовность упорно работать была не столь очевидной и, несмотря на то, что уже в школе Редман играл и в биг-бэнде, и в комбо, он не очень-то отдавался этому занятию. В то время его влекла к себе перспектива блестящей академической карьеры, и он прошел по конкурсу в Гарвардский университет на отделение социальных наук.. Именно там он и начал слушать джаз всерьез, досконально штудируя пластинки послевоенных мастеров саксофона, а летние каникулы проводя в Бостоне в компании студентов джазового отделения Berklee College of Music. В 1991 Редман окончил Гарвард summa cum laude (с самыми высокими баллами!) и получил приглашение в Йельскую школу права, одну из лучших последипломных профессиональных школ в США, однако практически сразу же взял академический отпуск на год, решив поближе познакомиться с музыкальной сценой Нью-Йорка. Он стал регулярно участвовать в джэм-сэйшнз и играть в различных анс., получая случайные ангажементы. В результате уже осенью 1991 Редман побеждает на международном конкурсе саксофонистов им. Телониуса Монка. Престижная награда привлекла к молодому музыканту всеобщее внимание, и вскоре он уже работал со многими выдающимися мастерами джаза, такими, как Джимми Неппер, Элвин Джонс, Джек ДеДжонетт, “Ред” Родни, Пол Моушн (Редман играл в его анс. “Electric Bebop Band”), Кенни Дру, Джон Хикс и Рой Харгроув. В 1992 Редман занимает первое место в анкете читателей журнала “Jazz Times” в номинации “лучший дебютант джаза”. Уже через год ему присуждается звание “Hot Jazz Artist Of 1993” - “Лучший музыкант джаза 1993” (журнал “The Rolling Stone”), а в анкете критиков журнала “down beat” он был назван тенор-саксофонистом № 1 в номинации “заслуживающий более широкого признания”. В марте 1993 на ф. “Warner Brothers” выходит названный его именем дебютный альбом, прекрасно встреченный критикой. Выпущенный в том же году второй альбом “Wish” был записан с участием таких звезд, как Пат Метини, Чарли Хейден и Билли Хиггинс, и стал подлинной визитной карточкой музыканта, удачно отражающей его теплый свингующий стиль. В 1994 вместе со своим старшим коллегой саксофонистом Джо Ловано Редман записал на ф. “Blue Note” яркий альбом, представляющий блестящий дуэт двух теноров.
Редман утверждает, что наибольшее влияние на него оказал “Сонни” Роллинс, но в не меньшей степени он восхищается Декстером Гордоном, Джоном Колтрейном, Стэнли Таррентайном и “Иллинойсом” Джекетом. Он с равным удовольствием дарит свой заразительно яркий, слегка шероховатый звук как поп-мелодиям из репертуара таких исполнителей, как Стиви Уандер и Эрик Клэптон, так и чисто джазовым темам, причем исполняет всё это в исключительно естественной – скромной и в то же время свободной – манере.
Альбомы: ;“Joshua Redman” (1992), ;;“Wish” (1993), ;“Mood Swing” (с К. Макбрайдом; 1994), ;;“Spirit Of The Moment: Live At The Village Vanguard” (1995).
РЕДМАН Дон
Редман Доналд Маттью (Дон) - Redman Donald Matthew (Don)
р.29.07.1900 в Пидмонте, шт. Западная Виргиния; ум.30. 11.1964 в Нью-Йорке
амер. мультиинструменталист: пианист, саксофонист (альт, сопрано, баритон), кларнетист, певец, композитор, аранжировщик, рук. орк. / Свинг, классический джаз
Один из наиболее выдающихся джазменов, стоявших у истоков оркестрового джаза - так называемого джаза биг-бэндов.
Одаренный от природы музыкальными способностями, Редман получил отличное образование и к концу обучения в консерватории овладел почти всеми духовыми инструментами, а также основами искусства аранжировки. В 1923 вместе с небольшим анс. “Broadway Syncopators” саксофониста Билли Пейджа из Питтсбурга, шт. Пенсильвания, Редман приезжает в Нью-Йорк, где знакомится с Флетчером Хендерсоном. В течение следующего года их знакомство переросло в подлинное творческое партнерство, что сыграло серьезную роль в изменении самой концепции джаза биг-бэндов. С 1924 по 27 Редман работал в орк. Флетчера Хендерсона (начав в гарлемском “Club Alabama”), сыграв огромную роль в судьбе этого замечательного коллектива. Хендерсон доверил ему делать аранжировки для своего орк. и не прогадал. Вскоре Редман стал одним из лучших аранжировщиков и вместе с Хендерсоном они разработали собственную модель формы и звучания орк.: диалоги отдельных секция, брейки, включения солистов, расстановку акцентов… Огромное влияние на формирование этой концепции оказала необычная игра Луи Армстронга, присоединившегося в тот момент к орк. Хендерсона, а также появление в орк. такого мастера, как Коулман Хокинс. Так родился эталон, которому так или иначе должны были следовать почти все биг-бэнды в течение следующих двадцати лет – музыка орк. была, как правило, простой, всегда эффектной и идеально подходила танцующей публике в бродвейском танцевальном зале “Roseland Ballroom”.
Столь же быстро прогрессировал Редман и как инструменталист, и позже, перейдя в 1927 в орк. “McKinney`s Cotton Pickers”, он стал великолепным исполнителем. [Следует отметить, что уход Редмана, спровоцированный выгодным – $300 в неделю! - предложением Джина Гоулдкетта (“McKinney`s Cotton Pickers” был одним из орк., входившим в “конюшню” Гоулдкетта), оказался серьезным ударом для Хендерсона]. Редман обновил репертуар орк., произвел удачные кадровые замены (пригласив, в частности, тенор-саксофониста Принса Робинсона и к-басиста Ральфа Эскудеро) и продолжил развивать и совершенствовать искусство аранжировщика. Кроме того, он был весьма оригинальным вокалистом, отлично (хотя и нечасто) поющим в нестандартном, как бы разговорном стиле. В результате за то время, которое “Сборщики хлопка” выступали в танцевальном зале “Graystone Ballroom” в Детройте, орк. стал одним из лучших биг-бэндов Америки. “Cotton Pickers” неоднократно записывались в Нью-Йорке (самую первую запись они сделали без ведома Гоулдкетта), привлекая к записям таких нью-йоркских звезд, как Бенни Картер, Хокинс и “Фэтс” Уоллер.
В 1931 Редман создает собственный орк., с которым выступает около десяти лет, записав в этот период такие ставшие классическими пьесы, как “Chant Of The Weed” и “Shakin’ The African”. Он продолжает сочинять как для своего, так и для множества других орк., и после того, как его орк. прекратил свое существование, сосредоточился именно на этом виде артистической деятельности, открыв в 1941 на Бродвее фирму, которая принимала заказы на аранжировки. Среди его клиентов были Джимми Дорси, “Каунт” Бэйси, Джимми Лансфорд, Пол Уайтман, Гарри Джеймс и многие другие. В 1946 Редман организует новый орк., с которым отправляется в турне по Европе (среди его музыкантов были “Дон” Байас, Тайри Гленн, “Пинатс” Холланд), а затем работает на радио и ТВ. В течение ряда лет (c 1951) он являлся музыкальным рук. программ известной певицы Перл Бейли, время от времени участвуя в записях и посвящая все свободное время композиторской деятельности.
Получив прекрасный первоначальный толчок от соприкосновения с творческим гением Луи Армстронга, Редман сумел сформулировать целый ряд основных принципов джаза биг-бэндов. Работая с Хендерсоном, с “McKinney`s Cotton Pickers” и с собственным орк., он постоянно демонстрировал великолепное владение всеми секретами искусства аранжировки и сумел доказать, что умело выстроенные аранжировки не исключают спонтанных импровизаций, более того, они могут во много раз усилить игру хорошего джазового солиста. Особенно яркими были его работы для секции саксофонов и для медных инструментов: некоторые талантливые последователи Редмана, такие, как “Сай” Оливер, сумели отшлифовать их почти до идеального состояния, но каких-либо принципиальных улучшений не смог сделать практически никто.
Альбомы: “Shakin’ The African” (1931-32), ;;“Don Redman” (1931-33), ;“Chronological Don Redman” (3 LP; 1931-39), “Doin’ The New Low Down” (1932-33), ;;“Don Redman” (1933-36), ;;“Don Redman” (1936-39).
РЕДМАН Дьюи
Редман Уолтер Дьюи - Redman Walter Dewey
р.17.05.1931 в Форт-Уэрте, шт. Техас; ум.02.09.2006 в Нью-Йорке
амер. саксофонист (тенор, альт), кларнетист, композитор, педагог, рук. анс./орк. / пост-боп, фри-джаз
С 13 лет Дьюи начал играть на кларнете (кстати, его партнерами по школьному духовому орк. были Орнетт Коулман, Чарли Моффетт и Принс Лэша), но вскоре перешел на альт-саксофон и лишь потом взял в руки тенор. Он начинал было учиться музыке, но в основном осваивал все её премудрости самостоятельно. Редман окончил Университет Северного Техаса (г. Дентон). Получив диплом магистра в 1959, Дьюи некоторое время работает учителем в школе в родном штате, затем переезжает в Калифорнию. Здесь он обосновывается в Сан-Франциско и выбирает карьеру профессионального музыканта. В течение семи лет он выступает здесь со своими анс., а также играет с “Фэроу” Сандерсом, “Уэсом” Монтгомери и другими известными джазменами.
До того, как Дьюи исполнилось 35, он играл практически исключительно по слуху, не изучая теорию музыки, гармонию и другие сложные материи, а просто копируя Декстера Гордона, Сонни Роллинза и Джона Колтрейна. Как следствие, приобретенные в эти годы привычки стали основными характеристиками игры Редмана и тогда, когда он уже хорошо овладел музыкальной теорией: игра на грани тональности и за этой гранью, фразировка на грани вокализации, огромная экспрессивность игры, укорененность в блюзе и мощный, сырой, неотшлифованный звук. Многие знатоки, особенно традиционалисты, называли его типичным музыкантом фри-джаза, но это не вполне верно. Дьюи Редман мог играть вне гармонической сетки и вне ритма, и регулярно проделывал это, оказавшись на рубеже 1950-60-х в Сан-Франциско. Однако с таким же успехом, желанием и страстью он играл джазовые стандарты, баллады и блюзы.
В 1967 Редман переезжает в Нью-Йорк, где присоединяется к своему школьному приятелю Орнетту Коулману и играет в его анс. вплоть до к. 1974 (дружба с Коулманом вообще была одним из важнейших влияний в жизни Редмана). На альбомах “New York Is Now!”, “Love Call” и “Science Fiction” его тенор-саксофон образует впечатляющий дуэт с альт-саксофоном Орнетта. Он также выступает и записывается с такими мастерами, как Чарли Хейден (в 1969 играет в его орк. “Liberation Music Orchestra”), Розуэлл Радд, Кит Джарретт и Карла Блей. Особенно плодотворным было его сотрудничество с Джарреттом – начиная с 1971 г., в течение пяти лет они записали несколько альбомов, включая маленький шедевр “The Survivors Suite”, выпущенный в 1976.
В том же году Редман организует квартет “Old and New Dreams”, в котором, кроме него, играли Дон Черри, Эд Блэкуэлл и Хейден (все – бывшие участники ансамбля Коулмана). Ансамбль этот (назв. музыканты взяли у своего первого альбома, записанного в 1979) гастролировал по США и Европе и записывался вплоть до сер. 80-х. В сущности, они продолжали играть музыку Коулмана, но уже без самого Коулмана. В 1980 Редман вместе с Патом Метини (компанию им составили Майк Брекер, Хейден и Джек ДеДжонетт) записал студийный альбом. В 1982 он работает в составе реформированного “Liberation Music Orchestra” Хейдена, а в к. 80-х и в 90-х записывается с Полом Моушеном. Он продолжал также выступать со своим анс. - основной группой Дьюи Редмана оставался его собственный квартет, с которым он много записывался и выступал. Их последнее совместное выступление состоялось 27 августа 2006 на фестивале имени Чарли Паркера в Нижнем Ист-Сайде, на Манхэттене.
Музыка Редмана эклектична, он с легкостью и практически “без швов” соединяет блюз с музыкой фри, абстракцию и элементы этнической музыки, выстраивая все это на прочной боповой основе. Исполнительский стиль музыканта демонстрирует его техническое мастерство в игре на множестве различных инструментов, включая экзотические арабские инструменты. Большая часть исполняемой Редманом музыки написана и аранжирована им самим, причем вдохновение музыкант черпает не только в корнях своего народа, но и в бескрайнем океане музыки Востока.
Сын Дьюи Редмана - известный саксофонист Джошуа Редман, а дядя - по собственным предположениям Дьюи – знаменитый мультиинструменталист Дон Редман.
Альбомы: ;“Look For The Black Star” (1966), “The Ear Of The Behearer” (1974), ;“The Survivors Suite” (с К. Джарреттом; 1976), “Musics” (1978), ;;“The Struggle Continues” (1982), ;;“Living On The Edge” (1989), “African Venus” (1992), ;“Choices” (1992).
РЕЙБЕРН Бойд
Рейберн Бойд Алберт - Raeburn Boyd Albert
р.27.10.1913 на ранчо около г. Фейт, шт. Южная Дакота; ум.02.08.1966 в г. Лафейетт, шт. Индиана
амер. саксофонист (тенор, баритон, бас), композитор, аранжировщик, рук. орк. / боп
В годы учебы в чикагском университете, Рейберн возглавлял студенческий анс., позже, став профессионалом, рук. небольшим танцевальным орк. Лишь в 30-х его внимание по-настоящему привлек джаз. Рейберн возглавлял в то время достаточно заурядный свинговый биг-бэнд.
В 1944, приехав в Нью-Йорк, создает он современный анс., в котором в разное время играли такие связанные с бопом молодые музыканты, как “Диззи” Гиллеспи, “Лаки” Томпсон, Бенни Харрис, Эрл Суоп, Оскар Петтифорд, Дон Ламонд, Додо Мармароса, Эл Кон, Шелли Манн, Сердж Чалофф, Джонни Мэндл и др. Иногда в студии звукозаписи к орк. присоединялись мастера старшего поколения Рой Элдридж и “Трамми” Янг. Качество анс. Рейберна высоко оценил сам “Дюк” Эллингтон. Вероятно, главным приобретением Рейберна (на фоне постоянно меняющегося персонального состава его орк.) был пианист-аранжировщик Джордж Хэнди, великолепно умевший формировать репертуар, привлекавший к работе с орк. интересных авторов (именно благодаря ему орк. Рейберна первым записал “Night In Tunisia” Гиллеспи), да и сам написавший для орк. немало оригинальной, сложной музыки, созданной под заметным влиянием европейской музыки двадцатого века. К сожалению, кроме приобретений, у Рейберна случались и ощутимые потери – сильнейшим ударом для него и для всего орк. стал пожар в развлекательном центре “Palisades Amusement Park” в Нью-Джерси. В огне полностью сгорела вся нотная библиотека орк., погибло также большинство инструментов. Тем не менее, Рейберн не опускает руки и формирует новый, удивительно яркий орк., который, тогда, в 1945, на годы опередил свое время. Исполнявшиеся им пьесы, такие, как “Dalvatore Sally”, “Yerxa” и “Boyd Meets Stravinsky” были сюрреалистичны и выполнены в импрессионистском духе, в полном соответствии с их названиями. Вокалисты оркестра - в их числе была и жена Рейберна Джинни Пауэлл (Ginny Powell) – исполняли свои партии в манере, напоминающей стилистику основоположника музыкального импрессионизма Дебюсси.
Почти год орк. Рейберна выступает в Калифорнии, затем в 1946 возвращается в Нью-Йорк. Здесь к ним присоединяется кларнетист “Бадди” ДиФранко. В 1948 появляются проблемы, которых не удалось избежать в те годы практически ни одному биг-бэнду. Хотя критика и неплохо отзывается об из музыке, публика не приняла орк., играющий нетанцевальную музыку. Рейберн пытается что-то сделать, реорганизует орк., но музыканты продолжают уходить. После двухлетней борьбы его охватывает разочарование и он навсегда оставляет занятия музыкой. Какое-то время Рейберн занимается бизнесом в Нью-Йорке (ему принадлежала доля в одном из магазинов в фешенебельном районе Нью-Йорка на Пятой авеню), затем перебирается в г. Нассау на Багамах. В августе 1966 он умирает от сердечного приступа, пережив свою жену Джинни на семь лет.
Сохранившиеся немногие записи, в основном сделанные в 1945, позволяют разместить Рейберна в границах оркестрового бопа, хотя у него и случались эксперименты с музыкой, мало общего имеющей с джазом, или же с компромиссными сочинениями (т. наз. “третье течение”), такими, как “Boyd Meets Stravinsky”.
Альбомы: “Boyd Raeburn And His Orchestra” (1944-45), “Experiments In Big Band Jazz” (1945), ;“Boyd Meets Stravinsky” (1945-46), ;;“Jewells” (1945-49).
РЕЙНИ Гертруд “Ма”
Рейни Гертруд [Гертруда; прозв. “Ма” (наст. имя Гертруд Мелисса Никс Приджетт)] - Rainey Gertrude “Ma” (Gertrude Malissa Nix Pridgett)
р.26.04.1886 в Колумбусе, шт. Джорджия; ум. от сердечного приступа 22.12.1939 там же
амер. певица, рук. анс. / блюз
Поклонники таланта “Ма” Рейни называли её “The Mother of the Blues” (“Мать блюза”). Укоренившееся прозвище этой великой певицы абсолютно правомерно, поскольку в исторической перспективе она действительно была “Матерью блюза”, зафиксированным в звукозаписи связующим звеном между “сельским” стилем первых исполнителей блюзов и такими изощренными мастерами более позднего периода, как её ученица Бесси Смит.
Будущая звезда начала выступать на публике с 12 лет. В возрасте 18 лет она вышла замуж за актера Уилльяма “Па” Рейни (William “Pa” Rainey), вместе с которым много лет выступала в странствующем менестрельном шоу. В 1913 Рейни руководила гастрольной группой “Rabbit Foot Minstrels”, в которой выступала 18-летняя Бесси Смит. В её труппе дебютировал также молодой “Хот Липс” Пейдж.
В 1923 начался новый этап в карьере - и жизни – певицы: вместе с анс. пианистки Лави Остин “The Blues Serenaders” она приступила к серии записей (общее их число перевалило за сотню!). Одним из любимых аккомпаниаторов “Ма” Рейни в этот период был выдающийся трубач и корнетист Томми Лэдниер. Поразительный успех этих записей позволил певице организовать собственное гастрольное шоу, с которым она выступала в южных штатах во второй пол. 20-х.
Мэри Лу Уилльямс вспоминала позже об одной из программ “Ма” Рейни, которую ей довелось увидеть в 1927 (речь идет о шоу под двусмысленным названием “Louisiana Blackbirds” , которое артисты исполняли по неделе в каждом городе, собирая до 1500 зрителей на каждое представление): “Ма” была буквально усыпана бриллиантами – они блестели у неё в ушах, на шее, в роскошной тиаре, венчающей её голову. На обеих руках у неё также было полно камешков, волосы были растрепаны, во рту блестели золотые зубы!… Зрелище было потрясающее!!” Хотя её вряд ли можно было назвать красавицей, она обладала обворожительной улыбкой и спокойным, умиротворяющим характером, который помогал ей с юмором относиться к звучавшим иногда в зале ироническим и насмешливым выкрикам. Важно также отметить, что Рейни была на редкость покладистым и великодушным нанимателем: “К своим музыкантам она относилась прекрасно”, - вспоминал Лайонел Хэмптон. – “Больше того. Она всегда покупала им инструменты”.
В 1933, после смерти матери и сестры, “Ма” Рейни закончила свою музыкальную карьеру. В то время ей и в голову не могло прийти, что спустя 50 лет на Бродвее с успехом будет идти шоу, посвященное её творческому пути. Последние годы жизни Рейни активно участвовала в деятельности баптистского прихода в своем родном городе. Её дочь, “Ма” Рейни II, также бывшая блюзовой певицей, умерла в 1985.
Альбомы: ;“Ma Rainey’s Black Bottom” (1924-28).
РЕЙНИ Джимми
Рейни Джеймс Элберт (Джимми или Джим) - Raney James Elbert (Jimmy; Jim)
р.20.08.1927 в Луисвилле, шт. Кентукки; ум.10.05.1995 там же
амер. гитарист, композитор, рук. анс., педагог / боп, кул
Профессиональный опыт Рейни приобрел подростком, играя в различных анс. в окрестностях Нью-Йорка и Чикаго. В 1948 он становится членом орк. Вуди Германа и играет с Вуди почти девять месяцев. Начиная с этого момента молодой гитарист выступает и записывается со многими ведущими мастерами Свинга и с восходящими звездами – среди его партнеров Арти Шоу, Эл Хейг, “Бадди” ДиФранко и Терри Гиббс. В 1951-52 Рейни играл в квинтете Стэна Гетца. В определенном смысле это было историческое партнерство, поскольку эти двое классически идеально подходили друг другу. Затем Рейни сменил Тэла Фарлоу в трио “Реда” Норво (с Норво он выступал в 1953-54). И здесь гитарист прекрасно вписывался в трио. В сер. 50-х Рейни регулярно записывался под своим именем, выступал в ведущих клубах.
В 1962-63 он снова сотрудничает с Гетцем, затем работает в основном в студиях звукозаписи, аккомпанируя различным певцам, и лишь изредка выступая в джазовых клубах. На какое-то время Рейни вообще уходит из музыки и возвращается в родной Луисвилл. Лишь в 1972 он вновь начинает появляться на эстрадах, в студиях и постепенно возвращает свою прежнюю репутацию; в этот период он все чаще возвращается к джазу. Начиная с сер. 70-х, Рейни регулярно гастролирует по Европе, нередко вместе со своим сыном, гитаристом Дагом (звучание гитары которого поразительно напоминает гитару отца).
Виртуозный, техничный исполнитель, чьи мелодичные, лиричные сольные номера отличались прохладным, искрящимся блеском, Рейни считается одним из ведущих гитаристов 40-х – 50-х. Им неизменно восхищались, хотя в его музыке было гораздо больше рассудка, чем чувств. Рейни был одним из немногих гитаристов, на творчество которых би-боп оказал положительное воздействие.
Альбомы: ;“Jimmy Raney” (1954-55), “Two Jims And Zoot” (1964), “The Influence” (1975), ;;“Live In Tokyo” (1976), “Solo” (1976), “Stolen Moments” (1979), “Duets” (1979), “Here’s That Raney Day” (1980), ;;“Raney” (1981), “Wisteria” (1985), ;“But Beautiful” (1990).
РЕЙНХАРДТ Джанго
Рейнхардт Джанго (Жан Батист Рейнхардт) - Reinhardt Django (Jean Baptiste Reinhardt)
р.23.01.1910 в г. Ливерши, Бельгия; ум.16.05.1953 в Фонтенбло, Франция
бельг.-франц. цыган, гитарист, рук. анс. / Свинг
По преданию, родился Джанго Рейнхардт (сам он называл себя Ренар) в цыганской кибитке в районе г. Ливерши, неподалеку от г. Шарлеруа, в Валлонии, франкоязычном районе Бельгии. Отец его был артистом цыганского варьете, кочующего по Франции и Бельгии. Вначале Джанго научился играть на скрипке, но потом переключился на гитару и уже в раннем возрасте участвовал в концертах бродячих артистов. В ноябре 1928 во время пожара в цыганском таборе Джанго получил серьезные ожоги, особенно сильно пострадала левая рука (он практически лишился двух пальцев, рука стала плохо слушаться). Рейнхардт разработал для себя особую, совершенно уникальную технику игры на гитаре с тем, чтобы преодолеть последствия этого несчастного случая. Вскоре молодой цыган начал выступать с сольными номерами в Париже, в различных клубах на Монмартре. Начав как аккомпаниатор, Рейнхардт некоторое время выступал в качестве артиста – в одном из крошечных парижских театров он играл роль Эдди Ланга (в тот период Ланг был одним из его кумиров), а в 1934 объединился с выдающимся скрипачом Стефаном Граппелли – вместе они возглавили квартет, который вскоре привлек внимание представителей “Hot Club de France”, ф. грамзаписи, которая периодически организовывала концертные программы. На ближайшем таком концерте, главной звездой которого был гастролирующий во Франции Коулман Хокинс, и состоялось первое выступление нового анс. “Quintette du Hot Club de France”. В течение первого же года своей деятельности анс. приобрел международную известность и за пять лет, остававшихся до начала войны, они записали более двухсот композиций (или сторон, как тогда было принято считать по формату грампластинки). Многие из этих записей стали классикой (хотя в то время некоторые критики снисходительно отзывались о них, называя “провинциальными копиями” шедевров Джо Венути и Эдди Ланга), а игра Рейнхардта, сохранившаяся в этих записях, впечатляет столь же сильно, как и лучшие записи Луи Армстронга.
Джанго также часто играл с выступающими во Франции амер. джазменами – его охотно приглашали для совместных выступлений и записей такие мастера, как Эдди Саут, Бенни Картер, Коулман Хокинс и др. Тем не менее, мировую известность ему принесли записи в составе квинтета “Hot Club de France”.
Уже тогда Рейнхардт был на редкость хорош собой – разодетый, как цыганский принц, излучающий сильнейшую ауру неповторимой индивидуальности. “Боже мой, сколько я из-за него намучился!” – вспоминал впоследствии Граппелли, на долю которого выпала в те годы неблагодарная роль “младшего партнера”. - “Мне порой кажется, что лучше бы мне найти в то время музыкантов послабее, и спокойно себе играть, а не находиться все время в напряжении из-за этих его непрерывных фокусов”. Однако музыка, которую создавал Рейнхардт, стократ окупала все хлопоты – это был по тем временам сильнейший европейский джазмен. Поразительная игра гитариста произвела сенсацию и не будет преувеличением сказать, что Рейнхардт стал первым европейцем, оказавшим непосредственное влияние на амер. джаз. Его музыка стала загадочным откровением для самоуверенных американцев: “Было безумно обидно, что какой-то иностранец играет с ТАКИМ свингом”, – вспоминал впоследствии трубач Док Читем. Характерные струящиеся линии гитариста были насыщены новыми идеями и рождали глубоко романтический и в то же время базирующийся на интенсивном ритме стиль. Природный талант Рейнхардта способствовал его беспрецедентному приоритету по отношению ко всем другим джазовым гитаристам 30-х.
После того, как в 1939 разразилась Вторая мировая война, квинтет прекратил свою деятельность. Граппелли осел на время войны в Лондоне, а Рейнхардт вернулся к свой прежней кочевой жизни, выступая в различных странах (от Швейцарии до Северной Африки) и удачно избегая при этом каких-либо контактов с фашистами. В этот период он начал интенсивно работать как композитор, причем его интересы простирались и в сферу классической музыки. Часть созданного им сохранилось в кинофильме, музыку к которому было поручено написать Рейнхардту (“Le Village de la col;re”, 1946). После окончания войны Джанго получил из-за океана телеграмму - сам “Дюк” Эллингтон приглашал его посетить США. Вскоре гитарист оказывается в Нью-Йорке (согласно легенде, первое, о чем спросил Джанго, сойдя с трапа в нью-йоркском порту, было: “Где здесь играет “Диззи”?..). К сожалению, его приезд оказался неудачным – он сыграл (впервые, кстати, используя гитару с усилителем) с орк. Эллингтона лишь несколько концертов и успех был весьма скромный. Немалая доля вины за это лежала на Рейнхардте, подошедшем к поездке весьма легкомысленно, что было совершенно недопустимо, учитывая его статус приглашенного солиста. Некоторые источники того времени предполагают, что Джанго стремился на практике познакомиться с новыми джазовыми идеями, рожденными революцией би-бопа, познакомиться и освоить их, однако в музыкальном отношении возвышенно романтический стиль гитариста трудно было совместить с этой новой музыкой, и его усилия в этой области оказались далеко не столь эффективными на фоне достижений другого гитариста – Чарли Кристьяна.
Вернувшись в Европу, Рейнхардт продолжил выступления со своим небольшим анс., время от времени вновь объединяясь с Граппелли в их знаменитом (хотя и реформированном) “Quintette”. В к. 40-х – нач. 50-х он много гастролировал и записывался, начав в то же время все больше внимания уделять композиторскому творчеству. Несмотря на постигшее его разочарование от поездки в Америку и неудачное знакомство с интеллектуальными исканиями би-бопа, музыка Джанго оставалась яркой и завораживающей до самого конца – умер он от сердечного приступа, прожив чуть больше 43 лет.
Джанго Рейнхардт остался в истории джаза как один из наиболее выдающихся музыкантов, и, хотя Кристьян, вне всякого сомнения, оказал на развитие джазовой гитары более глубокое влияние, отголоски стиля великого цыгана слышны сегодня в игре многих музыкантов, в том числе и тех, кто родился уже после его смерти. К числу его последователей смело можно отнести британцев Денни Райта и “Диза” Дисли и француза Бирели Лагрена. И тем не менее, несмотря на заметно возросшую после 1960 творческую активность европейских джазменов, по сей день остаются справедливыми слова Мерсера Эллингтона: “Рейнхардт был наиболее творческим джазовым музыкантом из числа тех. кто когда-либо родился и жил за пределами США”.
Характерный пример - в фильме Вуди Аллена «Сладкий и гадкий» герой Шона Пенна – амер. джазовый гитарист - падает в обморок от одного вида своего кумира, франко-бельгийского цыгана Джанго Рейнхардта… Джаз давно уже перешагнул границы Америки.
Его брат, Джозеф, также был гитаристом, как и два сына – Луссон (Lousson) и Бабик (Babik). В частности, в нач. 90-х Бабик Рейнхардт выступал на международном фестивале джазовой и цыганской гитары во Франции.
Литература: Charles Delauney “Django Reinhardt”, Mike Zwerin “La Tristesse De Saint Louis: Swing Under The Nazis”.
Альбомы: “Djangologie 1” (20 LP; 1928-36), ;;“Djangologie / USA, Vols. 1-7” (1928-40), ;“Django!” (1934-38), “The Versatile Giant” (1934-51), “Django Reinchardt” (1935), “Parisian Swing” (1935-39), “Django” (1935-39), ;;“Djangology” (10 CD; 1936-48), ;“Django Reinchardt & Stephane Grappelli” (1938-46), ;“Vol. 3” (1938-39), ;“Django’s Music” (1940-43), “Paris” (1945), ;“Swing Guitar” (1945-46), ;;“Peche A La Mouche” (1947-53), “Djangologie 16” (1947-49), “Djangologie 17” (1949), “Djangologie 20” (1949), ;;“Djangologie 49” (1949), “Djangologie 18-19” (2 LP; 1949-50), “At Club St.Germain” (1951).
РЕМЛЕР Эмили
Ремлер Эмили – Remler Emily
р.18.09.1957 в Нью-Йорке; ум.04.05.1990 в Сиднее, Австралия
амер. гитаристка, рук. анс. / хард-боп
Эмили начала играть на гитаре в раннем детстве (росла она в г. Инглвуд-Клиффс в шт. Нью-Джерси) и поначалу её привлекал рок-н-ролл. Лишь во время учебы в Berklee College of Music (Бостон, шт. Массачусетс), куда она поступила в 1974, внимание Ремлер переключилось на джаз. После окончания Беркли в 1976 она начала профессиональную карьеру, выступая в клубах, на концертных эстрадах, участвуя в фестивалях. Молодая гитаристка поселилась в Новом Орлеане, где её довольно скоро заметили и начали часто приглашать для выступлений с приезжающими на гастроли знаменитыми инструменталистами и певцами. Она аккомпанировала, в частности, Нэнси Уилсон. Случилось так, что игру Ремлер услышал Херб Эллис, который во многом способствовал успешному развитию карьеры гитаристки - помог ей заключить в 1980 первый контракт на запись в студии ф. “Concord”, а также принять участие в джазовом фестивале в Конкорде.
Ремлер продолжала много гастролировать, особенно часто она выступала с Аструд Жильберто. В нач. 80-х она выступала в Нью-Йорке со своими трио и квартетом. В 1985 она записала прекрасный альбом “Together” дуэтом с Ларри Кориеллом. Кроме Ларри, Эмили работала с такими мастерами джазовой гитары, как Барни Кессел и Чарли Бёрд.
Потрясающе одаренный исполнитель с несколько эклектичным музыкальным вкусом (образцом гитариста для себя она всегда считала “Уэса” Монтгомери, но в то же время её очень интересовали поиски Пата Метини), она играла удивительно своеобразно, а её блестящая техника базировалась на глубоком знании и понимании самых разных форм джаза. Своей редкостной преданностью джазу, энтузиазмом и замечательным мастерством Эмили быстро заслужила уважение и восхищение как у публики, так и у критиков и у коллег музыкантов. Поэтому-то преждевременная и совершенно неожиданная (хотя и было известно о её героиновой зависимости) смерть этой необычайно одаренной гитаристки стала тяжелой утратой для мира джаза. 32-летняя Эмили Ремлер умерла от внезапного сердечного приступа во время гастролей в Австралии. За год до этого, в 1989, она участвовала в записи альбома “Waiting For Spring” пианиста Дэвида Бенуа, и в память об Эмили он написал для своего альбома “Inner Motion” красивую пьесу “Six String Poet” (“Поэтесса шести струн”).
Альбомы: “Firefly” (1981), ;;“Take Two” (1982), ;“Transitions” (1983), ;“Catwalk” (1984), ;;“Together” (1985), ;“East To West” (с трио “Хэнка” Джонса; 1988). Сборный альбом “Just Friends: A Gathering In Tribute To Emily Remler” (1992).
РИВЕРС Сэм
Риверс Самьюэл (Сэм) Карторн - Rivers Samuel (Sam) Carthorne
р.25.09.1930 в Эль-Рино, шт. Оклахома
амер. саксофонист (тенор, сопрано), флейтист, пианист, исп. на бас-кларнете, композитор, рук. анс., педагог / фри, авангард, пост-боп
Вырос Сэм в музыкальной семье – его дедушка, священник и музыкант, еще в XIX в. опубликовал сборник религиозных гимнов и песен, звучавших на плантациях рабовладельческого Юга, мать была пианисткой, отец – профессиональный певец. В доме непрерывно звучала музыка – от негритянских спиричуэлз до классики. В пять лет мальчик начал играть на ф-но, затем взял в руки скрипку и альт-саксофон. В возрасте 12 лет Риверс уже играл на сопрано-саксофоне в уличном орк., затем его любимым инструментом стал тенор (к тому времени семья уже жила в Техасе). В 1947 юноша поступает в Бостонскую консерваторию по классу композиции и скрипки. По вечерам он играет в баре на саксофоне. Получив, таким образом, блестящую музыкальную подготовку, Риверс начал выступать в различных анс. в Бостоне, шт. Массачусетс, и его окрестностях уже в к. 40-х. (Первым профессиональным ангажементом стал для него контракт с певцом Джимми Уидерспуном во время службы в армии.) После демобилизации Риверс несколько лет продолжает выступать в районе Бостона. Среди его партнеров такие мастера, как Джеки Байард, Нат Пирс, Джо Гордон и Херб Поумрой. По собственному признанию Риверса, наибольшее влияние на него в тот период оказало творчество Лестера Янга, Коулмана Хокинса и Эдди Дэвиса; впоследствии его кумирами стали Джон Колтрейн, Чарли Паркер и “Сонни” Роллинс.
С 1955 по 57 Риверс работает во Флориде – он понемногу пишет музыку и подрабатывает в качестве аккомпаниатора для местных и заезжих исполнителей (раз даже участвовал в этом качестве в гастрольной поездке Билли Холидей). В 1958 он вновь в Бостоне, где играет в биг-бэнде Херба Поумроя, а также руководит собственным квартетом, в котором на ударных играет тринадцатилетний Тони Уилльямс. В нач. 60-х Риверс увлекается музыкой Сесила Тейлора и Орнетта Коулмана, его начинает по-настоящему интересовать абстрактная музыка авангардистов. В этот период он работает муз. руководителем ансамбля, сопровождающего выступления таких знаменитых гастролеров, как исполнители музыки соул и блюза Максин Браун (Maxine Brown), Уилсон Пикетт (Wilson Pickett), “Ти-Боун” Уокер и “Би Би” Кинг.
Однако подлинная известность пришла к Риверсу лишь в 1964, когда он на несколько месяцев стал членом анс. Майлза Дэвиса (помогла ему рекомендация Уилльямса, уже игравшего к тому времени с Дэвисом). Вместе с Майлзом Риверс гастролирует по США, выступает в Японии, где они записывают (на концерте - вживую) альбом. В сер. 60-х Сэм работает в Нью-Йорке, записываясь на ф. “Blue Note” вместе с Уилльямсом, Байардом, Роном Картером и др. В к. 60-х он продолжает записываться – чаще всего с Доналдом Бёрдом, Бобби Хатчерсоном и Джульяном Пристером. Примерно в это время Риверс начинает преподавательскую деятельность, открыв в Гарлеме собственную студию, и, одновременно, на целых пять лет (1968-73) объединяется с Сесилом Тейлором, вместе с которым приезжает на гастроли в Европу.
Прекрасный музыкант, Риверс много времени и сил отдает педагогической деятельности и работе над созданием собственных оригинальных музыкальных концепций. В результате он не слишком известен широкой публике. Те же, кому посчастливится глубже познакомиться с его музыкой, испытают истинное наслаждение от изысканного, причудливого смешения стилей в широчайшем диапазоне – от блюза до джазового авангарда. Особенно хорош Риверс на флейте и сопрано-саксофоне, инструментах, которые наилучшим образом соответствуют его легкой, танцевальной исполнительской манере. Постоянная творческая изобретательность – вот наиболее характерная черта Риверса, композитора и исполнителя. Лишь в одном отношении Риверс консервативен – он абсолютно игнорирует электронную революцию 70-х и связывает свое творчество исключительно с акустическими инструментами.
Риверс-педагог исповедует принцип музыкальной самостоятельности своих учеников. В одном из интервью он сказал: “Я все делаю для того, чтобы они меня не копировали. Я все делаю для того, чтобы мои студенты формировали свой собственный подход к музыке. Они пишут собственные упражнения. Они вообще не играют ничего, кроме собственной музыки – каким образом они могли бы кому-нибудь подражать?”
В 1971 Сэм Риверс вместе с женой Би (Bea) открыл на Манхэттене, в Нью-Йорке, студию “Рив-Би” (“Studio Riv-Bea”), в которой вел преподавательскую работу, а также организовывал концерты, на которых выступали как его собственный анс. – нередко с приглашенными звездами, такими, как Дьюи Редман, Клиффорд Джордан и “Сонни” Форчун, так и другие коллективы.
Риверс с 1968 являлся штатным композитором Оперной ассоциации в Гарлеме, с 1972 – преподавал историю афро-американской музыки в гуманитарном колледже шт. Коннектикут (г. Нью-Лондон), в 1970-73 работал в Уэслианском университете (г. Мидлтаун, шт. Коннектикут). В январе 1975 он выступал в качестве приглашенного солиста с симфоническим орк. Сан-Франциско, в 1978 в рамках джазового фестиваля “Ньюпорт в Нью-Йорке” в знаменитом концертном зале Карнеги Холл состоялась специальная программа “The World Of Sam Rivers” (“Мир Сэма Риверса”), а в 1979 орк. из 32 музыкантов исполнил в Нью-йоркском публичном театре его крупноформатное сочинение. Риверс продолжает преподавать, писать и исполнять музыку с огромным количеством групп и оркестров, включая собственные небольшие анс. Довольно тесное содружество устанавливается у него в к. 70-х с Дейвом Холландом - они выступают и дуэтом, и в трио, много гастролируют по США и Европе, несколько раз участвовали в крупнейших джазовых фестивалях. В этих поездках Риверс все чаще обращается к ф-но и флейте, он также прекрасно поет блюзы. В к. 80-х Риверс участвовал в совместных гастролях с “Диззи” Гиллеспи и продолжал руководить собственными анс.
Альбомы: ;“Fuschia Swing Song” (1964), ;;“Contours” (1965), “A New Conception” (1966), ;“Dimensions And Extensions” (1967), “Streams: Live At Montreux” (1973), ;“Crystals” (1974), “Sizzle” (1975), ;“Sam Rivers / Dave Holland, Vol. 1” (1976), “The Quest” (1976), ;“Waves” (с Д. Холландом; 1978), “Contrasts” (1979), ;“Colors” (1982), ;“Lazuli” (1989).
РИВЗ Дайана
Ривз Дайана - Reeves Dianne
р.23.10.1956 в Детройте, шт. Мичиган
амер. певица / ритм-энд-блюз, Свинг, хард-боп, поп
Наряду с “Ди Ди” Бриджуотер, Дайаной Кролл и Кассандрой Уилсон Дайана Ривз считается одной из наиболее выдающихся джазовых певиц современности. Правда, на сегодняшний день Ривз больше знают по её концертным выступлениям, чем по альбомам.
Родилась Дайана в музыкальной семье. Её отец был певцом, мама играла на трубе. Двоюродный брат – Джордж Дюк – известный пианист и продюсер.
Когда Дайане было два года, умер её отец и семья переехала в Денвер, шт. Колорадо (где она и живет сейчас, вернувшись в 1992 из Лос-Анджелеса). Воспитанием Дайаны и её сестры Шэрон занималась бабушка. Довольно рано будущая певица начала учиться играть на ф-но, а петь она старалась при любой возможности. Когда девочке исполнилось одиннадцать лет, её интерес к музыке поддержал новый учитель, считавший, что музыка – лучшее средство для сплочения класса. Уже тогда Дайана поняла, что музыка будет главным в её жизни – она решила, что станет певицей. Дядя Дайаны, игравший на к-басе в Денверском симфоническом орк., познакомил её с творчеством великих джазовых певиц – от Эллы Фицджералд до Билли Холидей. Особенное впечатление на неё произвела Сэра Воан.
В шестнадцать лет Ривз - солистка школьного биг-бэнда. Уже через год орк. стал победителем музыкального фестиваля и на неё, никому тогда еще не известную школьницу, обращает внимание сам маэстро Кларк Терри. Вскоре состоялось первое выступление Дайаны на профессиональной сцене и первая запись с орк. Кларка Терри. Параллельно юная певица пробует свои силы в классическом репертуаре – несколько раз ей довелось выступать с Денверским симфоническом орк. Проучившись год в Университете Денвера, Ривз в 1976 переезжает в Лос-Анджелес. Здесь у неё появляется возможность начать работу в студиях звукозаписи (причем с такими музыкантами, как Ленни Уайт и Стэнли Таррентайн). Постепенно растет интерес Дайаны к латиноамериканской музыке, она начинает экспериментировать с различными видами вокала и окончательно утверждается в своем решении стать певицей. Некоторый опыт она приобретает, выступая с различными местными анс. и орк.
В 1981 Ривз участвует в гастрольных турне с бразильским пианистом Серджио Мендесом . Через год певица делает свои первые сольные записи. Существенную помощь в этот период ей оказал Джордж Дюк, ставший продюсером её первых записей. С 1983 по 1986 Дайана выступает с Гарри Белафонте в качестве ведущей солистки его шоу.
В 80-х и 90-х Дайана много и активно работает, выступает с концертами и записывается (среди прочих - с Фредди Хаббардом, Херби Хэнкоком, Тони Уильямсом, Стенли Кларком, Виком Фелдманом, Маккоем Тайнером…). Примерно в это же время её начинает привлекать т. наз. всемирная музыка (World Music).
В 1991 Ривз участвует в составе орк. Куинси Джонса в джазовом фестивале в Монтрё, в Швейцарии. В 1995 Дайана вновь в Монтрё, но уже в качестве самостоятельной участницы. Став зрелой, популярной певицей, Ривз все еще не решила, чему полностью посвятить свой бесспорный талант: джазу, поп-музыке или африканскому фольклору - будучи великолепной исполнительницей ритм-энд-блюза и классического джаза, Дайан Ривз известна своими экспериментами с популярной и африканской музыкой. Открытый, не знающий никаких стилевых барьеров музыкант, она прекрасно чувствует себя и в академическом амплуа, выступая с Чикагским симфоническим орк. под упр. Даниэля Баренбойма, с орк. Берлинской филармонии и маэстро Саймоном Рэттлом. Разнообразие музыкальных пристрастий Дайаны позволяет некоторым критикам называть её “фолк-поп певицей с сильнейшим джазовым уклоном”.
В последние годы Ривз добилась значительных успехов: она четырежды удостоилась премии “Грэмми” в номинации “Лучшая джазовая вокалистка”: в 2001 - за концертный альбом “In The Moment”, в 2002 – за посвящение Сэре Воан, альбом “The Calling”, в 2003 – за альбом “A Little Moonlight”, став первой вокалисткой, сумевшей завоевать “Грэмми” в течение трех лет подряд. Четвертая премия - саундтрек к фильму Джорджа Клуни “Спокойной ночи и удачи” (“Good Night, and Good Luck”, 2005). Пятнадцать композиций с этого альбома были признаны лучшим джазовым саундтреком последних десятилетий. Ривз участвовала в культурной программе Зимних Олимпийских игр 2002 года в Солт-Лейк-Сити – пела на церемонии закрытия Олимпиады.. В 2006 эта выдающаяся певица впервые приехала в Москву, где выступила с единственным концертом в Московском международном Доме музыки
Альбомы: “I Remember” (1988), ;“Quiet After The Storm” (1994), “In The Moment” (2001), “The Calling” (2002), “A Little Moonlight” (2003), “Good Night, And Good Luck” (2005).
РИД Руфус
Рид Руфус – Reid Rufus
р.10.02.1944 в Атланте, шт. Джорджия
амер. к-басист, рук. анс., педагог / пост-боп
Руфус вырос в Сакраменто, шт. Калифорния, и поначалу его выбор пал на трубу, но во время службы в ВВС будущий музыкант перешел на к-бас. После демобилизации Рид некоторое время играл в Сакраменто с пианистом “Бадди” Монтгомери, затем прошел – при финансовой поддержке брата – основательное обучение, получив два диплома бакалавра. Первый – в области искусств – в 1969 в колледже в Бремертоне, недалеко от Сиэтла, шт. Вашингтон, а второй – в области музыкального исполнительства – в 1971 в Северо-западном университете в Эванстоне, шт. Иллинойс. Джазовая карьера Рида началась в Чикаго, где ему довелось играть с “Сонни” Ститтом, Джеймсом Муди, Милтом Джексоном, Кёртисом Фуллером и “Диззи” Гиллеспи. В 1970 он принял участие в концерте (который, кстати говоря, был записан на пластинку) в составе анс. Джина Аммонса и Декстера Гордона. В том же году Рид записывался также с Кенни Дорэмом, Ли Конитцем и Хауардом Маги. После этого он много гастролировал – в том числе и за рубежом - с Бобби Хатчерсоном и Гарольдом Ландом (1971), Эдди Харрисом (1971-74), а после переезда в Нью-Йорк работал в орк. Тада Джонса – Мела Льюиса (1974-76). В 1977-79 Рид активно гастролировал с Д. Гордоном, а затем, начиная с 1979, стал преподавать в колледже Уилльяма Патерсона в г. Уэйне, шт. Нью-Джерси, где он длительное время возглавлял джазовое отделение. Одновременно Рид регулярно участвует в зарубежных гастролях, выступая в составе анс. Джека ДеДжонетта “Special Edition”, в анс. “Диззи” Гиллеспи – Фила Вудса, с “Джей Джей” Джонсоном и Кенни Барреллом. Сотрудничал также Рид и с Артом Фармером и Джимми Хитом. Кроме того, вместе с барабанщиком Акира Тана они организовали анс. “TanaReid”, который с успехом гастролировал и записал несколько альбомов. В 1992 Рид записал альбом с Андре Превином, а также исполнил написанный специально для него Бенни Голсоном концерт для к-баса.
Сочный, красивый звук его инструмента в сочетании с великолепным чувством ритма делает Руфуса Рида постоянно востребованным и в качестве члена ритм-группы, и в качестве солиста. Он почти не покидает студий звукозаписи – имя Рида появляется на бесчисленных альбомах, записанных в самых различных стилях: хард-боп, би-боп, Свинг…, он записывает даже поп-музыку!
Альбомы: “Perpetual Stroll” (1980), ;“Seven Minds” (1984), “Corridor To The Limits” (1989), ;;“Yours And Mine” (с А. Тана; 1990), ;“Blue Motion” (анс. “TanaReid”; 1993).
РИТЕНУР Ли
Ритенур Ли Мак – Ritenour Lee Mack
р.01.11.1952(53?) в Лос-Анджелесе (в Голливуде?), шт. Калифорния
амер. гитарист, исп. на банджо и мандолине, рук. анс. / фьюжн, инструментальная поп-музыка, кроссовер
Один из ведущих гитаристов мира, играющих фьюжн.
Ритенур начинал с частных уроков (среди его педагогов были Джо Пасс и Хауард Робертс), затем окончил музыкальное отделение университета Южной Калифорнии. После окончания учебы 21-летний гитарист остался в университете в качестве преподавателя. В 1974 он становится членом анс. бразильского пианиста Серджио Мендеса “Brasil ‘77”, с которым много гастролирует.
Начиная с сер. 70-х, Ритенур чрезвычайно востребован в качестве партнера для студийных записей. Среди музыкантов заслужил прозвище “Captain Fingers” (“Капитан пальцы”), отражающее его виртуозное мастерство. Коллеги высоко оценили его врожденную музыкальность, открытость по отношению к современным стилистическим веяниям и свободное владение как электрической, так и акустической гитарами. Подобно Ларри Карлтону (оба играют чаще всего на гитарах Gibson 335), Ритенур успешно сделал сольную карьеру. Список записей, в которых он принимал участие, вызывает восхищение. Среди сотен его партнеров можно назвать Оливера Нельсона, “Сонни” Роллинса, “Гато” Барбьери, Дейва Грузина, Джорджа Бенсона, Эрла Клафа и Тома Скота, он аккомпанировал таким вокалистам, как Пегги Ли, Арита Франклин, Барбара Стрейзанд, Стиви Уандер и Рей Чарлз. Особо следует отметить совместные работы Ритенура с Херби Хэнкоком, поп-группой “Steely Dan” (известной определенной тягой к джазу) и Стэнли Кларком. С сер. 80-х в его игре ощущается сильное влияние бразильской музыки. Примерно в это же время он начинает работать в студиях ф. “GRP Records”, где записывает (вместе с совладельцем фирмы Дейвом Грузином) отличный альбом “Harlequin”. В нач. 90-х Ритенур выступает и записывается с квартетом “Fourplay”. В 1993 он занимает первое место в джазовом хит-параде журнала “Billboard” с превосходным альбомом “Wes Bound”, записанным в память о Уэсе Монтгомери.
Следует отметить, что в тех немногих случаях, когда Ритенур играет чистый джаз, в его музыке ощущается сильнейшее влияние Монтгомери (кроме того, в молодости он вовсю подражал Джо Пассу и Барни Кесселу). Правда, с годами Ритенур выработал собственное оригинальное звучание и стиль.
Альбомы: “Captain’s Journey” (1978), “Rio” (1979), ;“Harlequin” (1985), ;“Stolen Moments” (1990), “Wes Bound” (1992), ;;“Larry & Lee” (с Л. Карлтоном; 1994).
РИЧ “Бадди”
Рич Бернард (прозв. “Бадди” – “дружище”) - Rich Bernard “Buddy”
р.30.09(06?).1917 в Бруклине, Нью-Йорк; ум.02.04.1987 в Лос-Анджелесе, шт. Калифорния
амер. ударник, певец, танцор, рук. анс./ орк. / боп, Свинг
“Бадди” Рич – талантливый самоучка. С раннего детства выступая в различных водевилях (первый раз он участвовал в спектакле вместе со своими родителями, когда ему было всего 18 месяцев от роду!), он стал вполне приличным певцом и отлично исполнял чечётку - юный артист танцевал и играл на барабане на Бродвее в возрасте 4 лет (опять-таки в спектакле, в котором были заняты его родители). Два года спустя Рич уже гастролировал со своей сольной (!) программой по Америке, а также посетил Австралию. В одиннадцатилетнем возрасте он организует собственный анс. и вскоре на него уже обращают внимание в нью-йоркских клубах. Однако рожден был Рич не для водевилей, а для того, чтобы стать барабанщиком - в 1938 он открывает для себя джаз, а вскоре уже играет в комбо Джо Марсала. По-настоящему же талант Рича раскрылся в биг-бэндах, навсегда оставшихся “первой любовью” музыканта.
Один из самых динамичных белых ударников в истории джаза, Рич начал свою карьеру в период наивысшего подъема Свинга (1938-39). За сравнительно небольшой промежуток времени ему довелось поработать в ведущих свинговых биг-бэндах. В одном из своих интервью он вспоминал: “Сначала был орк. “Банни” Беригана. Именно в этом орк. передо мной открылся совершенно новый мир, и я сказал себе - “так вот что такое музыка!” Затем последовала цепь великолепных биг-бэндов под рук. Гарри Джеймса, Арти Шоу (Рич работал у него почти весь 1939 – именно в это время орк. Шоу был одним из самых популярных оркестров Свинга) и Бенни Картера. С ноября 1939 по 45 (за вычетом времени службы в армии - Рич служил в морской пехоте) он играл в прекрасном орк. Томми Дорси. Именно тогда стало ясно, что “Бадди” Рич является королем ударников, сместив с трона своего приятеля Джина Крупу. В те же годы ярко проявился буйный, вспыльчивый нрав молодого музыканта, несдержанного на язык и обладавшего острым слухом (как на хорошее, так и на плохое): в период работы у Дорси у него не раз возникали конфликты со столь же несдержанным, темпераментным Фрэнком Синатра, бывшим в то время солистом орк. Да и с руководителем орк. Рич сталкивался все чаще и чаще (“Бадди” впоследствии говорил: “у Дорси орк. не был, строго говоря, джазовым – это был просто танцевальный орк. с хорошими музыкантами. Лишь приход “Сая” Оливера, начавшего делать по-настоящему джазовые аранжировки, поставил орк. в ряд джазовых бэндов”). Приобретя за годы работы у Дорси поистине королевскую репутацию как барабанщик, Рич в 1945 формирует собственный биг-бэнд, продержавшийся несколько непростых лет. Ситуация для биг-бэндов была явно неблагоприятной и вскоре деньги у него закончились. Распустив орк., Рич некоторое время работает с Лесом Брауном, а в 1947 присоединяется к программе Нормана Гранца “Jazz At The Philharmonic”, выступает и записывается с самыми различными “звездными” (“The All Stars”) составами, в которых его партнерами становятся Чарли Паркер, Лестер Янг, Арт Тейтум, Нат “Кинг” Коул, Рей Браун, Оскар Питерсон, “Флип” Филлипс, “Диззи” Гиллеспи, Рой Элдридж, Луи Армстронг, Лестер Янг и Лайонел Хэмптон. В 1951-52 Рич выступает в квартете “The Big Four” с Чарли Вентурой и Чабби Джексоном. Судьба вновь сводит его с Томми Дорси – они играют вместе в 1954-55. В 1957 Рич гастролировал по Европе с Г. Джеймсом. В 1959 Рич возглавил собственный квинтет, попутно приобрел известность в качестве неординарного певца и перенес – на 42-м году жизни – свой первый инфаркт. И все это – на пороге шестидесятых, принесших ему подлинную славу.
Следует отметить, что внезапная болезнь не выбила “Бадди” из колеи – он довольно быстро восстановил свою физическую форму, вернулся к своему увлечению борьбой карате и спустя несколько лет (ему было уже далеко за сорок!) даже получил черный пояс…
Свой первый по-настоящему успешный биг-бэнд “Бадди” Рич создает в 1966, после того, как несколько лет (с 1961 по 66) вновь поработал с Г. Джеймсом. Несмотря на то, что сама идея создания биг-бэнда в это время (расцвет “битломании”!) казалась нелепой, успех оказался стопроцентным. Орк., ставший главным его детищем в последние двадцать лет жизни, сразу же обратил на себя внимание прекрасной сыгранностью и дисциплиной, отточенными аранжировками (большой удачей в этом плане стало приглашение Билла Хоулмана и Дона Себески), а также особой энергетической аурой и мощью, которыми буквально дышала его музыка, и основным источником которой был, конечно же, сам Рич. Последовали триумфальные гастроли по Японии, Великобритании, Австралии и другим странам, выступления на лучших площадках Америки, прорыв на ТВ и записи бестселлеров.
Не претендуя на лавры авангардного ударника, “Бадди” Рич по праву занял место в ряду лучших биг-бэндовых барабанщиков, рядом с Джином Крупой, Мелом Льюисом, Луи Беллсоном и самым первым из них – “Чиком” Уэббом. В этом смысле весьма примечательным явился альбом “Rich vs. Roach”, на котором “Бадди” и Макс Роуч играют вместе. Пластинка эта привела в восторг даже такого знатока, как Элвин Джонс . Особое восхищение вызывала уникальная техника Рича в работе со щетками. Кроме мощного драйва и свинга, звучание биг-бэнда Рича привлекало и гораздо более тонкими инструментальными эффектами, такими, например, как противопоставление флейт и медных инструментов (альбом 1984 года “The Magic Of Buddy Rich”).
Спустя десять лет после создания первого биг-бэнда, Рич с огромным успехом выступал с новым орк., “Killer Force”, в составе которого было 16 музыкантов. И по-прежнему орк. окрыляли энергия, драйв и свинг неувядающего лидера. Действительно – в том, что касается техники, темпа, мощи и способности исполнять невероятные соло, “Бадди” Рич вполне заслужил титул “величайшего барабанщика джаза”. Он был то, что принято называть перфекционистом, музыкантом, стремившимся достигнуть идеала, и того же ожидал и от своих сайдменов (с некоторыми из них он обращался порой довольно жестоко – молодые музыканты нередко за глаза называли его “феодалом”, но за всем этим было главное - он добивался результатов). В орк. Рича позднего периода играло довольно много молодежи, и, возможно, поэтому (а может быть и по соображениям чисто коммерческой привлекательности) репертуар 60-х и 70-х содержал немало элементов рок-музыки, хотя эти орк. и не стали в чистом виде фьюжн-оркестрами.
Неукротимый характер никогда не покидал “Бадди” Рича. После перенесенной в 1983 сложнейшей операции шунтирования системы кровообращения сердца, он самовольно сократил период реабилитации с рекомендованных врачами шести месяцев до двух. В 1985 он уже провел в гастрольных поездках девять месяцев из двенадцати, вновь выступая со своим старым партнером Фрэнком Синатра. После серьезной аварии Рич вновь довольно быстро вернулся на сцену (одно время он даже играл с рукой на перевязи), но в итоге врачи поставили фатальный диагноз – опухоль головного мозга. Даже в столь драматический период его жизни, присущие ему оптимизм и сила духа не покидали выдающегося музыканта. Когда медицинская сестра, готовившая Рича к операции, спросила, на что у него аллергия, “Бадди” немедленно ответил: “Только на музыку кантри”…
Литература: Mel Torme “Traps The Drum Wonder”, Whitney Balliett “Improvising”.
Альбомы: ;“Buddy Rich And His Legendary Orchestra” (1946-48), ;“Illusion” (1947-71), ;“Krupa And Rich” (1955), ;“The One’s For Basie” (1956), “Rich Versus Roach” (1959), ;“Swingin’ New Big Band / Keep The Customer Satisfied” (1966), “The New One” (1967), ;;“Mercy, Mercy” (1968), “Buddy & Soul” (1969), “Different Drummer” (1971), ;;“Time Being” (1971-72), ;;“Rich In London” (1971), “The Roar Of ‘74” (1973), “Very Live At Buddy’s Place” (1974), “Big Band Machine” (1975), “Buddy Rich Plays And Plays And Plays” (1977), “Lionel Hampton Presents Buddy Rich” (1977), ;“Best Band I Ever Had” (1977), “Live At King Street Cafe” (1985).
РИЧАРДСОН Джером
Ричардсон Джером - Richardson Jerome G.
р.15.11.(25.12?)1920 в Сили, шт. Техас (по некот. источн. - в Окленде, шт. Калифорния); ум.23.06.2000 в Энглвуде, шт. Нью-Джерси
амер. саксофонист (альт, тенор, сопрано), флейтист, певец, рук. анс. / кул, хард-боп
Вырос Джером в Калифорнии. На альт-саксофоне мальчик научился играть в возрасте восьми лет, а с 14 он уже выступал на публике, играя в местных анс. В 1941 Ричардсон некоторое время играл в орк. Джимми Лансфорда. 1942-45 молодой музыкант провел в армии, играя, в том числе, в танцевальном орк. Маршалла Ройяла. Значительный профессиональный опыт Ричардсон приобрел, играя в орк. Лайонела Хэмптона (1949-51) и Эрла Хайнса (1952-53).
В 1953 он перебрался в Нью-Йорк, где какое-то время вместе со своим анс. выступал в знаменитом клубе “Minton’s Playhouse”. Позже Ричардсон работал в качестве фриланс (“свободного художника”) у “Лаки” Миллиндера, “Кути” Уилльямса, в анс. Оскара Петтифорда (1956-57), с “Чико” Гамильтоном, Джерри Маллиганом, Джералдом Уилсоном, Кенни Барреллом и др. В 1959-60 в составе орк. Куинси Джонса Ричардсон гастролировал по Европе с программой “Free And Easy”. Затем он играл в 60-х в оркестрах, аккомпанирующих таким певцам, как Пегги Ли, Билли Экстайн, Брук Бентон, а в 1965-70 был ведущим альт-саксофонистом в знаменитом “Thad Jones – Mel Lewis Orchestra”.
Переехав в 1971 в Голливуд, он работал в основном в качестве студийного музыканта (а также нередко – для К. Джонса), хотя его уже знали, как незаурядного инструменталиста. Ричардсон действительно был талантливый импровизатор, в основе творчества которого была традиция бопа. Однако то обстоятельство, что значительную часть своей карьеры он провел в качестве студийного музыканта, не позволило ему достигнуть высокого положения в принятых в джазовом мире котировках.
Альбомы: ;;“Midnight Oil” (1958), “Roamin’ With Jerome Richardson” (1959), “Going To The Movies” (1962), “Groove Merchant” (1967).
РИЧМОНД Дэнни
Ричмонд Чарлз Д. (Дэнни) - Richmond Charles D. (Dannie)
р.15.12.1935 в Нью-Йорке; ум.15(16?).03.1988 там же
амер. ударник, певец, тенор-саксофонист, педагог / пост-боп
Начал Дэнни в 13 лет в качестве тенор-саксофониста ритм-энд-блюзовых анс., но в 1955 перешел на ударные. Довольно быстро (буквально через шесть месяцев!) Дэнни добивается признания в музыкальных кругах как ударник и в 1956 становится членом анс. Чарлза Мингуса. Непрерывное партнерство их продолжалось до 1977. В к. 50-х (оставаясь музыкантом Мингуса) Ричмонд периодически выступает с “Четом” Бейкером. Уйдя от Мингуса, Дэнни Ричмонд некоторое время играет в рок-ансамблях, сопровождая выступления таких звезд, как Джо Кокер (Joe Cocker) и Элтон Джон (Elton John), но затем вновь возвращается к Мингусу. Параллельно он выступает и записывается с “Дюком” Джорданом, Джимми Неппером и Бенни Уолласом. После смерти Мингуса Ричмонд становится (1980) одним из учредителей и музыкальным рук. анс. “Mingus Dynasty”. Выступал он и с другими небольшими анс., в частности, в 1980-83 и 1985 играл в группе Джорджа Адамса и Дона Пуллена. Его собственный квинтет, в котором чаще всего играли саксофонист Рики Форд (или Кенни Гарретт) и трубач Джек Уолрат, записал несколько альбомов и неоднократно гастролировал в Европе.
Ричмонд был мощным, экспрессивным барабанщиком (его кумирами были Макс Роуч и “Филли Джо” Джонс), чей исполнительский стиль позволял играть в широчайшем диапазоне от чистого джаза до джаз-рока и просто рока, от камерного трио до биг-бэнда. Это обстоятельство, а также многолетнее (почти 21 год!) сотрудничество с Чарли Мингусом способствовали тому, что Ричмонд оставил после себя обширную, прекрасного творческого качества фонотеку.
Альбомы: ;;“Mingus Ah Um” (1958), ;;“The Great Concert Of Charles Mingus” (3 LP; 1964), “In Jazz For The Culture Set” (1965), ;“Ode To Mingus” (1979), “Plays Charles Mingus” (1980), ;;“Quintet” (1980), ;“Three Or Four Shades Of Dannie Richmond” (1981), “Dionysius” (1983), “Gentleman’s Agreement” (1983).
РОБЕРТС “Лаки”
Робертс Чарлз Лакиет (прозв. “Лаки” созвучно с “lucky” – “счастливчик”) - Roberts Charles Luckeyeth “Luckey”
р.07.08.1887(93 или 95?) в Филадельфии, шт. Пенсильвания; ум.05.02.1968 в Нью-Йорке
амер. пианист, композитор, рук. орк. / блюз, рэгтайм, страйд
Профессиональную карьеру артиста Робертс начал еще ребенком в провинциальных водевилях, причем ему приходилось быть и акробатом, и жонглером. Опыт выступлений в качестве музыканта он приобретал в салунах и кабаре Балтимора, шт. Мэриленд. Перебравшись в Нью-Йорк, Робертс довольно быстро сумел добиться определенной (вначале - небольшой) известности как композитор, а к нач. 1910-х стал признанным исполнителем рэгтаймов и, чуть позже, подлинным мастером нью-йоркского фортепианного стиля страйд. В 20-х и 30-х его композиторский талант получил гораздо более широкое признание. Подобно Юби Блейку (который слегка ревновал к своему более молодому конкуренту), Робертс был весьма плодовитым композитором: в указанный период были поставлены четырнадцать его музыкальных комедий! Он возглавлял также собственный орк., выступавший как в водевилях, так и на сценах нескольких отелей. Робертс-бэндлидер был весьма популярен – в 1939 он был звездой концерта в Карнеги-Холла, в 1941 его имя стояло на первом месте в афишах Таун-Холла, в 1947 он был центральной фигурой программ “This Is Jazz”, которые организовывал Руди Блеш. В 50-х Робертс был владельцем популярного в среде музыкантов бара “The Rendezvous” на Авеню Св. Николая в Гарлеме, причем нередко он сам играл на ф-но для посетителей.
В определенном смысле Робертс предвосхитил появление страйда, написав и опубликовав такие пьесы, как “Pork And Beans” и “Junk Man Rag” еще в 1913. С 1913 по 1923 опубликовал несколько рэгтаймов. Его пьеса “Ripples Of The Nile” стала хитом Гленна Миллера в 1941 (под названием “Moonlight Cocktail”).
Хотя большая часть карьеры Робертса прошла, если можно так выразиться, “на границе” джаза, проведенный им в 1946 сеанс, в ходе которого он записал шесть потрясающих соло, а также пара сеансов в 1958 обеспечили этому музыканту легендарный статус в истории джаза.
К сожалению, Робертс оставил крайне мало своих записей (кроме нескольких звуковых роликов, записанных в 1916, он почти не записывался на начальном этапе своей карьеры, а поздние его записи были сделаны уже после нескольких перенесенных музыкантом инфарктов и автокатастрофы). Тем не менее, по сохранившимся записям можно понять, почему такие пианисты, как “Фэтс” Уоллер, Джеймс Пи Джонсон и Уилли “Лайэн” Смит с благоговением отзывались о его технике (природа, кроме всего прочего, одарила “Лаки” Робертса удивительно длинными руками – его пальцы охватывали 14 клавиш ф-но!).
Альбомы: ;;“Luckey Roberts & Ralph Sutton” (1946-52), “Happy Go Lucky” (1958), ;“Luckey Roberts And Willie The Lion Smith” (1958).
РОБЕРТС Маркус
Робертс Маркус (Мартаниэл) - Roberts Marcus (Marthaniel)
р.07.09(08?).1963 в Джексонвилле, шт. Флорида
амер. пианист, композитор, аранжировщик, рук. анс., педагог / традиционный джаз, пост-боп, хард-боп, Свинг, страйд
Талантливый незрячий пианист (зрения он лишился в пять лет), Робертс относится к тому поколению афро- американских джазменов, которые склонны двигаться в будущее, прочно опираясь на прошлое. Его увлечение старыми формами джаза (он с наслаждением исполняет страйд, различные варианты блюза и би-боп) превращает его собственную музыку в своеобразную стилизацию ушедших в прошлое стилей.
Робертс освоил инструмент в 8 лет, с детства приобщившись к классике и музыке госпелз. Музыкальное образование он продолжил в Университете штата Флорида, который закончил в 1984. В 1985 Робертс пришел в анс. Уинтона Марсалиса, сменив за ф-но Кенни Кёркланда. В качестве сайдмена он записывался со знаменитым трубачом в течение 80-х и 90-х, одновременно выпуская пластинки и под собственным именем. Молодой музыкант буквально расцвел, встретив в своем новом шефе родственную душу и идеального лидера. Результат – Первая премия на Первом Международном фортепианном конкурсе им. Телониуса Монка в Вашингтоне. Впервые в истории журнала “Billboard” три первых альбома Робертса один за другим занимали первое место в хит-парадах этого авторитетного издания. Став ближайшим помощником Марсалиса в проекте “Jazz At Lincoln Center”, он много писал музыки и аранжировок для биг-бэнда Линкольн-центра и активно участвовал в большинстве мероприятий этого проекта в качестве композитора, исполнителя и педагога. Расставшись с Марсалисом, Робертс активно гастролирует с сольными программами и в качестве лидера собственных групп, в 1993 в Линкольн-центре состоялась премьера его крупномасштабного сочинения “Romance, Swing And Blues”. Вскоре после этого он возглавил “Lincoln Center Jazz Orchestra” в качестве муз. руководителя в турне по тридцати городам Америки. В 1994 Робертс осуществил очередной масштабный проект – в сопровождении Американского симфонического оркестра он исполнил программу, составленную из произведений Джорджа Гершвина.
Активное обращение к музыке таких разных композиторов, как Гершвин, Эллингтон, Монк и Мортон, дает основание некоторым специалистам и любителям джаза отнести Робертса к категории чисто репертуарных исполнителей. На самом же деле неустанные поиски в этом направлении осуществляются на фоне его не менее упорной композиторской деятельности.
Робертс является откровенным сторонником джазового традиционализма; он с трудом воспринимает джазовые стили, выходящие за узкие границы допустимых отклонений, установленные его учителями. Абсолютное отсутствие всякого интереса к расширению творческих возможностей джаза придает его музыке некий налет герметической замкнутости, и это весьма прискорбно, поскольку, слушая его ранние композиции, в которых Робертс позволял себе несколько раздвигать эти воображаемые границы, можно предположить, что он способен создавать воистину блестящие вещи.
Альбомы: ;“Deep In The Shed” (1989), “Alone With Three Giants” (1990), ;;“As Serenity Approaches” (1991), “If I Could Be With You” (1993), ;“Gershwin For Lovers” (1994), “Plays Ellington” (1995).
РОБИНСОН Джим
Робинсон Джеймс (Джим; прозв. “Биг Джим” – “Большой Джим”) - Robinson James (Jim; “Big Jim”)
р.25.12.1890(92?) в г. Дир-Рейндж, шт. Луизиана; ум. от рака 04.05.1976 в Новом Орлеане, шт. Луизиана
амер. тромбонист, рук. анс. / новоорлеанский джаз
Один из пионеров новоорлеанского джаза, Джим еще мальчишкой освоил гитару, и лишь в 1917 начал играть на тромбоне (произошло это во Франции, где Робинсон оказался в составе амер. экспедиционного корпуса во время Первой мировой войны). Вернувшись в Новый Орлеан, в 1919 он начал играть с трубачом “Кидом” Рина, в анс. Оскара “Папы” Селестина “Tuxedo Brass Band” и в нескольких др. анс. В орк. Сэма Моргана Робинсон проработал свыше 10 лет. В 1927 Джим Робинсон впервые записался на пластинку.
В течение нескольких десятилетий он практически безвыездно жил в Новом Орлеане, выступал с различными местными анс., а в трудные 30-е подрабатывал грузчиком в порту, подобно многим новоорлеанским джазменам.
С развитием движения возрождения диксиленда и новоорлеанского джаза (ривайвл) Робинсон вновь востребован и вновь целиком уходит в музыку. В 1940 он вновь играет в анс. “Кида” Рина, записывается вместе с ним. В 1942 он присоединяется в Нью-Йорке к “Банку” Джонсону (в его анс. новоорлеанских ветеранов он знакомится с кларнетистом Джорджем Льюисом). В 1946 Робинсон вместе с Льюисом возвращается в Новый Орлеан и играет в его популярном орк. в 50-х и 60-х, гастролируя по всему свету и участвуя в многочисленных записях. В 70-х Джим Робинсон – ведущий музыкант анс. “The Preservation Hall Jazz Band”, выступающего в расположенном в самом сердце Французского квартала Нового Орлеана легендарном джазовом зале “The Preservation Hall”; активно работает почти до самой своей смерти (последняя его запись была сделана в январе 1976).
Альбомы: “George Lewis At The San Jacinto Hall” (1964), “Robinson’s Jacinto Ballroom Orchestra” (1964), “Economy Hall Breakdown” (1965), “Jim Robinson And Tony Fougerat” (1967), “Living New Orleans Jazz” (1976).
РОБИНСОН Перри
Робинсон Перри Моррис - Robinson Perry Morris
р.17.08(09?).1938 в Нью-Йорке
амер. кларнетист / авангард, фри-джаз
Сын композитора Эрла Робинсона (Earl Robinson), автора таких известных произведений, как “Ballad for Americans”, “Joe Hill” и др.
Всю свою профессиональную карьеру Робинсон стремился сделать почти невозможное: утвердить себя в качестве лидера авангарда на инструменте, тысячами нитей связанном с эпохой Свинга. Получив серьезное формальное образование (окончив, в том числе, в 1956 High School Of Music And Art в Нью-Йорке и в 1959 Школу джаза в Леноксе, шт. Массачусетс), молодой кларнетист начал играть с такими блестящими мастерами авангарда, как “Санни” Марри, Пол Блей, Арчи Шепп и Билл Диксон. В 1967 Робинсон выступал на Всемирном фестивале молодежи и студентов в Хельсинки. В 1968 он входит в состав квинтета Розуэлла Радда “Primordial Quintet” и в трио Дэвида Айзензона, его можно услышать в некоторых записях анс. “Jazz Composers’ Orchestra”, а чуть позже он участвует в записи альбома Карлы Блей “Escalator Over The Hill”. В 1972 работает с Гюнтером Хампелем, в его “Galaxy Dream Band”. В виде разнообразия Робинсон в 1973 играл в анс. Дейва и Дарьюса Брубеков “Two Generations Of Brubeck”, в 1978 он записывает (вместе с бразильцем Нана Васконселосом) альбом “Kundalini”, однако и тогда, и по сей день он продолжает выступать и записываться в стилистике авангарда.
Альбомы: ;;“Funk Dumpling” (1962), “Perry Robinson” (1965), “The Traveler” (1978).
РОБИНСОН “Спайк”
Робинсон Генри Бертолд (прозв. “Спайк” – “острый шип; шприц”) - Robinson Henry Berthold “Spike”
р.16.01.1930 в г. Кеноша, шт. Висконсин
амер. тенор-саксофонист / кул
В 1990-х Робинсон был чуть ли не единственным заметным тенор-саксофонистом, игравшем в окрашенном в прохладные (кул) тона стиле “Четверых братьев” (“The Four Brothers”), созданном в свое время Стэном Гетцем, “Зутом” Симсом и Элом Коном. Удивительным является также и то обстоятельство, что по-настоящему Робинсон заявил о себе в 1981, когда ему уже перевалило за 50!
Начинал Генри играть на альт-саксофоне в возрасте 12 лет. В 1948 его призвали в армию, в ВФМ США – служил он в музыкальном подразделении. Демобилизовавшись, Робинсон в 1950 некоторое время выступал в лондонском клубе “Eleven” и записывался с Виктором Фелдманом и другими ведущими британскими боперами. Вернувшись в США, Робинсон получил диплом инженера и в течение 30 лет работал в Колорадо по специальности, лишь иногда играя по вечерам в местных клубах – теперь уже на тенор-саксофоне. Когда в 1981 он решился перейти к профессиональному музицированию, произошла небольшая сенсация – записанный им (вновь с Фелдманом) отличный альбом вызвал множество приглашений, и в 1984 Робинсон снова приехал в Великобританию, дал серию концертов и сделал несколько записей на одном из британских лейблов. В 1990 состоялся его нью-йоркский дебют.
“Спайк” Робинсон и сегодня великолепно свингует (его саунд нередко напоминает то Стэна Гетца, то “Зута” Симса), его регулярно можно услышать на лучших джазовых площадках Европы и Америки, кроме того, он много записывается на ф. “Discovery”, “Capri” и “Concord”.
Альбомы: ;;“Plays Harry Warren” (1981), ;“Spike Robinson At Chester’s. Vols. 1-2” (1984), ;“London Reprise” (1984), “Spring Can Really Hang You Up The Most” (1985), “It’s A Wonderful World” (1985), ;“Henry B. Meets Alvin G. Once In A Wild” (1987), ;“Plays Gershwin” (1987), “Odd Couple” (1988), “Just A Bit O’ Blues. Vols. 1-2” (1988), ;“Three For The Road” (1989), “Stairway To The Stars” (1990), ;“Reminiscin” (1991), ;“Groovin’ High” (1992).
РОДЖЕРС “Шорти”
Роджерс Милтон Майкл (прозв. “Шорти” – “коротышка”; наст. имя Милтон М. Рейонски) - Rogers Milton Michael “Shorty” (Milton M.Rajonsky)
р.14.04.1924 в г. Грейт-Баррингтон, шт. Массачусетс; ум. от внутреннего кровотечения 07.11.1994 в г. Ван-Найз (по др. источн. в Лос-Анджелесе), шт. Калифорния
амер. трубач, исп. на флюгельгорне, композитор, аранжировщик, рук. орк./ анс. / кул, уэст-коуст
Окончив учебу в Нью-Йорке, работал в орк. Уилла Брэдли, в котором его партнерами были Шелли Манн и “Ред” Норво. После перерыва в музыкальной карьере, вызванного службой в армии, Роджерс вошел в состав орк. Вуди Германа. Работая у Германа (1945-46 и 1947-49), он написал несколько неплохих (с ясно ощутимым привкусом би-бопа) пьес для биг-бэнда. В 1950-51 Роджерс работал в орк. Стэна Кентона – здесь он не только играл на трубе и флюгельгорне (Роджерс вообще одним из первых в джазе стал играть на флюгельгорне), но и попробовал свои силы в качестве аранжировщика. К этому времени его имя уже стало известно широкому кругу музыкантов и любителей джаза. Роджерс продолжает сочинять, он пишет несколько пьес специально для своих коллег по орк. Кентона, в частности, для Арта Пеппера и Мейнарда Фергюсона.
В 50-х Роджерс работает в основном в Калифорнии. Он по-прежнему пишет свинговые пьесы для Кентона, работает для ТВ и кино – в 1955 музыкант появляется и на экране, и на звуковой дорожке фильма “The Man With The Golden Arm”. Записывается Роджерс и со своим собственным биг-бэндом, успешно заимствуя материал из репертуара орк. Кентона. Однако гораздо чаще (и в творческом отношении гораздо успешнее) он работает с небольшими анс. Вовлеченность Роджерса в музыкальную жизнь Западного побережья была чрезвычайно интенсивной - фактически он становится одним из создателей стиля уэст-коуст.
В октябре 1951 Роджерс организовал первую свою запись с небольшой группой, результатом чего стал альбом “Modern Sounds” (в его записи принимали участие Манн, Пеппер, Джимми Джуффри, Хэмптон Хоз и ряд других музыкантов). В период с 1953 по 56 он возглавлял анс. “The Giants”, в котором играли те же Пеппер, Манн, Джуффри и Хоз, а также некоторые другие выдающиеся джазмены Западного побережья. Роджерс выступает также в составе знаменитого орк. Хауарда Рамзи “The Lighthouse All Stars”, записывается с различными небольшими составами, а также с биг-бэндом “Cool And Crazy”, в состав которого он включил целый ряд кентоновских музыкантов.
В записях этого орк., так же, как и во многих других его альбомах 50-х, таких, как “The Swinging Mr. Rogers” и “Martians Come Back”, Роджерс ярко демонстрирует свой талант аранжировщика и удивительную способность выявлять лучшие качества всех своих музыкантов, в том числе и тех, кто лишь временно присоединился к его орк. Собрав в один ансамбль несколько молодых ветеранов эпохи Свинга для того, чтобы исполнять музыку, базирующуюся на новейшем словаре бопа, он сумел создать смесь, впитавшую в себя все лучшее из обеих форм джаза. В его орк. практически не ощущалось тех навязших в зубах штампов, которые в тот период были характерны для большинства сохранившихся биг-бэндов (что, естественно, весьма негативно отражалось на восприятии их музыки). И хотя в его варианте джаза уэст-коуст и не доставало (на чей-то вкус) агрессивной напористости, характерной для оркестров Восточного побережья, в нем всегда присутствовал удивительно гибкий свинг.
Вслед за “Диззи” Гиллеспи и Кентоном Роджерс всерьез интересовался афро-кубинской музыкой. В 1953 он записал две пьесы “Tail Of An African Lobster” и “Chiquito”, в которых удачно сочетались афро-кубинская ритмика, импровизированные соло и свинг. Год спустя Роджерс, вместе с другими ведущими представителями стиля уэст-коуст, принял участие, на этот раз в качестве солиста, в исполнении композиции Переса Прадо “Voodoo Suite”, написанной для увеличенного по составу джазового орк. и семи ударников.
“Шорти” Роджерс постоянно находился в поиске, охотно исследовал необычные звуки и стили и был в числе первых джазовых музыкантов, начавших экспериментировать в области 12-тоновой техники.
В 60-х, 70-х и 80-х Роджерс продолжал выступать, записываться (хотя были периоды, когда он подолгу совершенно не притрагивался к трубе) и сочинять новую музыку, много гастролировал и охотно работал с молодежью. Частыми его партнерами были также старые друзья, такие, как “Бад” Шанк и Вик Льюис. В нач. 90-х Роджерс предпочитал играть на флюгельгорне – теплый, густой звук этого инструмента отлично сочетался с его экспрессивной исполнительской манерой. В это же время он создает новый вариант орк. “The Lighthouse All Stars”, в котором играют некоторые ветераны из первого состава, такие, как “Бад” Шанк, Билл Перкинс и Боб Купер.
Альбомы: “Modern Sounds” (1951), ;;“The Complete Atlantic And EMI Jazz Recordings” (1951-56), “Popo” (1951), ;;“Short Stops” (2 LP; 1953-54), “Collaboration” (1954), ;“The Swinging Mr. Rogers” (1955), “Martians Come Back / Way Up There” (1955), “Shorty Rogers Plays Richard Rogers” (1957), “Chances Are It Swings” (1958), “Swings” (1958-59), ;“The Wizard Of Oz And Other Harold Arlen Songs” (1959), “Yesterday, Today And Forever” (1983), “Back Again” (1984), “Lighthouse All Stars” (1991), “America The Beautiful” (1991).
РОДИТИ Клаудио
Родити Клаудио - Roditi Claudio
р.28.05.1946 в Рио-де-Жанейро, Бразилия
браз. трубач, исп. на флюгельгорне / латиноамериканский джаз, хард-боп
В 1970-71 учился в Berklee College Of Music (Бостон, шт.Массачусетс). После окончания колледжа Родити остался в Бостоне, выступая в анс. барабанщика Алана Доусона. В 1976 он перебирается в Нью-Йорк. Здесь талантливый браз. трубач играет с такими музыкантами, как Чарли Раус и Херби Манн. В нач. 80-х начинается период его многолетнего плодотворного сотрудничества с кубинск. саксофонистом Пакито Д`Ривера, разделяющим интерес Родити к слиянию (фьюжн) латиноамериканской музыки и джаза. В 80-х это чрезвычайно востребованный первоклассный трубач, его наперебой приглашают самые известные музыканты для совместных студийных записей. Родити охотно кооперируется с саксофонистами, в частности, с Гари Бартцем, часто играет с пианистом “Бадди” Монтгомери, прекрасно выступает с биг-бэндом Джимми Хита. “Диззи” Гиллеспи пригласил Клаудио в свой знаменитый орк. “United Nations Orchestra”, где он проявил себя как острый и виртуозный солист высочайшего класса.
Клаудио Родити – это великолепный, в значительной степени недооцененный музыкант (иногда его называют “Кенни Дорэмом 1990-х”).
Альбомы: “Claudio” (1985), “Gemini Man” (1988), ;“Slow Fire” (1989), ;“Two Of Swords” (1990), ;;“Milestones” (1990), ;“Free Wheelin`: The Music Of Lee Morgan” (1994).
РОДНИ “Ред”
Родни “Ред” (прозв. “рыжий”; наст. имя Роберт Роуленд Чадник) - Rodney “Red” (Robert Roland Chudnick)
р.27.09.1927 в Филадельфии, шт. Пенсильвания; ум.27.05. 1994 в г. Бойнтон-Бич, шт. Флорида
амер. трубач, исп. на флюгельгорне, рук. анс. / боп, хард-боп
Родни родился в еврейской семье иммигрантов с Украины. Первую свою трубу он получил в подарок от двоюродной бабушки во время празднования Бар Мицва .
Уже в первой пол. 40-х юного трубача оценили и начали приглашать в свои орк. такие известные джазмены, как Джимми Дорси, Бенни Гудман, Лес Браун и Джорджи Олд. Первую запись на пластинку под своим именем (во главе небольшого анс.) Родни сделал в возрасте девятнадцати лет. В 1946, когда он вошел в состав орк. Джина Крупы, Родни (хотя ему не было еще и двадцати) считался уже опытным биг-бэндовым трубачом. К этому времени он уже начал экспериментировать в стилистике би-бопа. Эти его наклонности всячески поощряли как Крупа, так и Клод Торнхилл и Вуди Герман, у которых Родни играл в к. 40-х.
Чрезвычайно важным для Родни был год - с 1949 по 50 - совместной работы с Чарли Паркером (к встрече с Паркером Родни пришел с весьма приличной репутацией быстро растущей боп-звезды). И хотя Паркер безжалостно вымещал на нем все свои комплексы, боготворивший его Родни безропотно выносил всяческие унижения, лишь бы играть со своим кумиром. Именно в это время за ним закрепилась слава одного из лучших трубачей би-бопа; во всяком случае, Родни был в числе первых белых джазменов, добившихся подлинного признания в этом стиле (именно он был приглашен для записи звуковой дорожки к фильму Клинта Иствуда “Bird”, посвященному памяти Паркера). Среди анекдотов, ходивших в те годы среди музыкантов, была легенда о том, как Паркер убеждал своего агента, что Родни на самом деле всего лишь альбинос, опасаясь, что в противном случае его не разрешат включить в состав ансамбля, отправляющегося на гастроли по южным штатам…
Расставшись с Паркером, он играет с Чарли Вентурой и Оскаром Петтифордом. В 60-х Родни – солист эстрадного орк. в Лас-Вегас. Вообще, 50-е и 60-е были для музыканта далеко не простыми – болезни и наркотическая зависимость существенно повредили его карьере. Лишь в 1972 он вновь всерьез вернулся на нью-йоркскую джазовую сцену, продемонстрировав при этом превосходную техническую и творческую форму. В 1980 Родни вместе с трубачом Айрой Салливаном организуют квинтет, с которым выступает вплоть до сер. 80-х, когда создает собственный квинтет. В 1985 он гастролировал по Европе и выступал этим квинтетом в Варшаве, на фестивале “Jazz Jamboree’85”. Он продолжал выступать с джазовыми музыкантами и позже, появляясь на крупнейших джазовых фестивалях, в концертных залах и клубах всего мира вплоть до самой своей смерти, наступившей в 1994 от рака легких..
Альбомы: “The New Sounds: Red Rodney” (1951), “Modern Music From Chicago” (1955), ;;“The Red Arrow” (1957), ;;“Bird Lives!” (1973), “Superbop” (1974), “Red Tornado” (1975), “Home Free” (1977), ;“The Three R’s” (1979), “Hi Jinx (At The Vanguard)” (1980), ;“Alive In New York” (1980), ;“Live At The Village Vanguard” (1980), ;“Night And Day” (1981), ;;“Spirit Within” (1981), ;;“Sprint” (1982), “Then And Now” (1992).
РОЙЯЛ Маршалл
Ройял Маршалл - Royal Marshall
р.12.05.1912 в г. Сапалпа, шт. Оклахома; ум.09.05.1995 в Инглвуде, шт. Калифорния
амер. альт-саксофонист, флейтист, кларнетист, рук. орк.
Ребенком Ройял учился играть сразу на нескольких инструментах, и лишь в подростковом возрасте остановил свой окончательный выбор на альт-саксофоне. В 30-х он перебрался в Лос-Анджелес, где играл в различных анс., включая довольно длительный ангажемент – с 1931 по 39 - в орк. Леса Хайта. Его партнерами в этом орк. были, в частности, брат Эрни и Лайонел Хэмптон. Когда в 1940 Хэмптон организовал собственный орк., Ройял вошел в его состав и некоторое время даже руководил этим орк., безжалостно муштруя молодых музыкантов. Кстати, один из них, Декстер Гордон, позже с благодарностью вспоминал об этом периоде и отмечал, что именно Ройял научил его правильному дыханию и фразировке. В годы Второй мировой войны Маршалл Ройял служил в армии, а после демобилизации некоторое время провел в Нью-Йорке, где играл, в частности, в орк. Эдди Хейвуда. Вернувшись затем в Лос-Анджелес, он начал работать в студиях. В 1951 Ройял вошел в качестве кларнетиста в состав септета “Каунта” Бэйси, заменив в нем “Бадди” ДиФранко, а после того, как Бэйси преобразовал свой биг-бэнд, Маршалл взял на себя примерно те же функции, которые он выполнял в орк. Хэмптона. Во многом благодаря его стараниям орк. Бэйси вскоре превратился в живой и динамичный коллектив с прекрасной командой саксофонистов. Ройял проработал с Бэйси почти 20 лет, участвовал в нескольких мировых турне, но затем, во время его отсутствия из-за болезни, шеф по-тихому нашел ему замену.
Вновь обосновавшись в Лос-Анджелесе, Ройял стал ведущим альт-саксофонистом в оркестрах Билла Берри и Фрэнка Каппа – Ната Пирса. Он играл также Эрлом Хайнсом и “Дюком” Эллингтоном, выступал в клубах, был постоянным участником джазовых фестивалей, записывался с Дейвом Фришбергом, “Снуки” Янгом и многими другими известными джазменами.
В 1989 Ройял перебрался в Европу, где стал выступать в клубах и на фестивалях – иногда в качестве независимого солиста, часто – с Берри и “Бастером” Купером. В том же 1989 он выступал в Японии в составе биг-бэнда бэйсиевского типа, которым руководили Фрэнк Уэсс и Гарри Эдисон. Публика восторженно его принимала, наслаждаясь возвышенным романтизмом саксофониста.
Хотя основным вкладом Ройяла в джаз была, по-видимому, его чрезвычайно важная, хотя и не столь заметная роль ведущего альт-саксофона в целом ряде превосходных оркестров, любители джаза в первую очередь запомнили его богато окрашенные, струящиеся соло, особенно в романтических балладах, сделавших Ройяла необычайно популярным.
Альбомы: ;“Count Basie And His Orchestra Live” (3 CD с орк. К. Бэйси; 1956-69), “Basie” (с орк. К. Бэйси; 1957), ;“Basie One More Time” (с орк. Бэйси; 1959), “Marshall Royal With Gordon Jenkins And His Orchestra” (1960), “Back To Basie” (1962), “Hot & Happy” (с Б. Берри; 1974), “Juggernaut” (с Ф. Каппом и Н. Пирсом; 1976), “First Chair” (1978), “Royal Blue” (1980), “Dear Mr. Basie” (с Ф. Уэссом и Г. Эдисоном; 1989).
РОЙЯЛ Эрни
Ройял Эрнест Эндрю (Эрни) - Royal Ernest Andrew (Ernie)
р.06.02.1921 в Лос-Анджелесе, шт. Калифорния; ум.16.03. 1983 в Нью-Йорке
амер. трубач, рук. анс. / боп, Свинг
Обладавший блестящей техникой, красивым звуком и широчайшим диапазоном, Ройял большую часть своей карьеры играл в различных анонимных студийных составах, несомненно, способствуя повышению качества музыки, но оставаясь при этом известным лишь узкому кругу профессионалов. Его исполнительский стиль формировался под влиянием Луи Армстронга, Роя Элдриджа, Гарри Эдисона и “Диззи” Гиллеспи.
Младший брат альт-саксофониста Маршалла Ройяла, Эрни впервые взял в руки трубу в десять лет (его первым учителем был трубач лос-анджелесского филармонического орк.). В пятнадцать лет он стал профессиональным музыкантом, довольно быстро приобретя репутацию специалиста по высоким нотам. Подлинный практический опыт Ройял приобрел, выступая в своем родном городе с орк. Леса Хайта (1937-38). Позже – в 1940-42 – оба брата играли в биг-бэнде Лайонела Хэмптона, и Эрни принадлежат знаменитые пронзительные высокие ноты, звучащие в оригинальной хэмптоновской версии пьесы “Flying Home”. Отслужив в 1942-45 в армии, Ройял вновь выступает в Калифорнии. В 1946 он играет в составе орк. “Каунта” Бэйси, затем – с 1947 по 49 – во “Втором стаде” Вуди Германа. К этому же периоду относятся его непродолжительные контакты с Чарли Барнетом и “Дюком” Эллингтоном. Некоторое время Ройял играет во Франции, в 1952 выступает с анс. Уорделла Грея, затем дважды (в 1953 и 55) – в орк. Стэна Кентона. В активе трубача также выступления с Гилом Эвансом, Куинси Джонсом и Оливером Нельсоном.
В 1957 Эрни Ройял становится штатным музыкантом на “ABC” и ведет жизнь уважаемого студийного музыканта, участвуя в бесконечном множестве записей, но при этом почти никогда не солируя. Считанное число раз он выступил в качестве лидера анс. - всего лишь 10 записей в Париже в 1950 и альбом на ф. “Urania” в 1954.
Альбомы: ;“Accent On Trumpet” (с Д. Барнсом; 1953-54).
РОЛЛИНИ Эйдриан
Роллини Эйдриан (Адриан) - Rollini Adrian
р.28.06.1904 в Нью-Йорке; ум.15.05.1956 в Хомстеде, шт. Флорида
амер. мультиинструменталист: бас-саксофонист, пианист, вибрафонист, ксилофонист, ударник, рук. анс.
Один из немногих джазовых музыкантов, игравших на бас-саксофоне.
Удивительная музыкальная одаренность Роллини (в четырехлетнем возрасте он сыграл концерт из произведений Шопена в роскошном нью-йоркском отеле “Waldorf Astoria”) вполне могла быть нивелирована его необъяснимым пристрастием к необычным, новым для того времени инструментам, таким, как вибрафон (тогда это было смелое новшество) и бас-саксофон, который он взял в руки по настоянию одного из менеджеров вскоре после того, как в 1922 вошел в состав анс. “California Ramblers”. Этот его новый инструмент, который Роллини освоил буквально за неделю, стал предметом зависти некоторых черных звезд – Коулман Хокинс, например, безуспешно пытался играть на таком же в орк. Флетчера Хендерсона. Более удачливыми последователями, с благоговением слушавшими Роллини, были “Бад” Джонсон, признававшийся, что он “стремился играть все, что играл Роллини”, и Гарри Карни, вспоминавший впоследствии: “Я изо всех сил старался добиться такого же мощного звука, какой был у Эйдриана; думаю, что все, чему мне удалось научиться в этом отношении, восходит к тем дням”.
Расставшись с анс. “California Ramblers”, Роллини стал активно работать в Нью-Йорке – его постоянно приглашали для совместных выступлений и записей “Бикс” Байдербек, “Ред” Николс, Джо Венути, Фрэнк Трамбауэр и другие. После короткого (весьма, кстати, неудачного) опыта бэндлидерства в одном из нью-йоркских отелей, Роллини едет в Лондон, где играет в отеле “Savoy” в орк. Фреда Элизальде.
Вернувшись в 1930 в Америку, он активно работает в качестве студийного музыканта, записываясь с такими мастерами джаза, как Коулман Хокинс, “Банни” Бериган и Бобби Хакетт. В 1935 Роллини открывает собственный клуб “Adrian’s Tap Room” (в подвале отеля “President” на Западной 48-й стрит); в этом клубе регулярно выступал квартет “Уинги” Маноне. С этого момента он сосредоточился на вибрафоне и выступал со своим трио в различных отелях вплоть до 1955.
В начале 50-х Роллини открыл во Флориде собственный отель. Некоторые исследователи предполагают, что к смерти музыканта причастна гостиничная мафия - к этому времени его имя уже мало что говорило новому поколению джазменов.
Альбомы: ;“The Goofus Five” (1926-27), ;“Swing Low” (1934-38).
РОЛЛИНС “Сонни”
Роллинс Тиодор Уолтер (прозв. “Сонни” – “сынок”) - Rollins Theodore Walter “Sonny”
р.07.09.1930 в Нью-Йорке
амер. саксофонист (тенор, сопрано), композитор, рук. анс. / боп, хард-боп, пост-боп
Один из самых выдающихся тенор-саксофонистов современного джаза, музыкант масштаба Коулмана Хокинса, Лестера Янга и Джона Колтрейна, “Сонни” Роллинс по праву входит в число наиболее крупных джазменов последних сорока лет. Примыкал к различным стилевым направлениям джаза - от Свинга до хард-бопа и фри-джаза.
Хотя его старший брат играл на скрипке, а сам он в девять лет начал учиться играть на ф-но, Роллинс был рожден для саксофона. В 1944 он взял в руки альт-саксофон, но затем (в 1946) перешел на тенор. К концу 40-х молодой музыкант уже сформировался, как профессионал. Как ни странно, в юности наибольшее влияние на него оказал не боп (хотя, естественно, он не избежал воздействие этой вездесущей в те годы музыки, да и среди его друзей было немало боперов), а музыка гораздо более живых, свингующих популярных оркестров, т. наз. jump bands, игравших блюзы и риффы. Роллинс восхищался Коулманом Хокинсом и всячески старался перенять силу игры и звучание его тенор-саксофона. Одновременно он приблизился к Телониусу Монку и “Баду” Пауэллу, а также оказался в орбите Чарли Паркера, не поддавшись, однако, гипнотическому воздействию его музыки. Подобное смешение музыкальных и стилистических пристрастий во многом определило своеобразие и некоторый эклектизм “Сонни”; в то же время оно способствовало формированию его независимой индивидуальной позиции на следующие двадцать лет. Если на первых порах он и испытал определённое влияние Паркера и Монка, то во 2-й половине 50-х выработал свою индивидуальную манеру игры.
После первых записей с поющем в манере скэт “Бэбсом” Гонзалесом (1948) последовали довольно значительные работы с “Джей Джей” Джонсоном, “Бадом” Пауэллом и “Фэтсом” Наварро. В среде музыкантов сразу же оценили возможности Роллинса, и вскоре он уже играл с Артом Блейки (1949) и Таддом Дамероном (1950). Первые записи под своим именем молодой музыкант сделал в 1951. В к. 1951 он начинает сотрудничать с Майлзом Дэвисом, карьера которого пошла круто в гору после знаменитой серии записей конца 40-х. После ухода Дэвиса на некоторое время в тень Роллинс записывается с различными анс., в 1953 работает с Телониусом Монком, а в 1954 вновь встречается с возвратившимся к музыке Дэвисом и участвует в чрезвычайно важной серии записей вместе с Майлзом, Перси Хитом, Хорасом Силвером и Кенни Кларком. Тогда были записаны сразу несколько его тем, в т. ч. “Oleo”, ставшая на многие годы джазовым стандартом. Уже в то время проявилась главная особенность творческого дара Роллинса: ясность музыкального мышления в импровизациях, а также умение избегать готовых формул и затертых штампов, которыми в быстрых, темповых пьесах нередко пользуются (или спасаются?) даже сильные джазмены. С годами Роллинс полностью подтвердил свой приоритет в искусстве импровизации, и это, вероятно, гораздо важнее его стилистики, в которой долгое время преобладала “смесь Хокинса с Паркером”. Постепенно, однако, сформировался и собственный стиль Роллинса: короткие, рваные фразы, прерываемые длительными паузами, а также фразы четкого стаккато.
Музыкальный мир постоянно интриговало таинственное поведение Роллинса. Он периодически исчезал, причем не только с джазовой сцены, но и вообще из поля зрения. Первый раз Роллинс пропал в 1954 – тогда он отчаянно старался избавиться от смертельно опасной героиновой зависимости, что, с помощью врачей, ему удалось. Отказавшись от приглашения Дэвиса (который, формируя свой новый квинтет, обратился после этого к Джону Колтрейну), Роллинс перебрался в Чикаго, где выждал до января 1956 и присоединился к квинтету Клиффорда Брауна и Макса Роуча, от которых как раз в это время ушел Харолд Ланд. Трагически рано ушедший из жизни Браун стал для Роллинса образцом музыканта и человека. “Сонни” вспоминал: “Клиффорд оказал огромное влияние на мою личную жизнь. Он показал мне, что можно жить достойно и чисто, и быть одновременно хорошим джазовым музыкантом”.
Параллельно с участием в квинтете Брауна / Роуча последовала серия великолепных записей Роллинса на ф. “Blue Note”, “Contemporary” и “Riverside”. В мае 1956, например, он выпустил на ф. “Prestige”, отличный альбом “Tenor Madness”, в записи которого приняли участие Пол Чэмберс и “Филли Джо” Джонс, ритм-группа анс. Колтрейна. Особенно яркой получилась заглавная композиция, запечатлевшая могучую “битву теноров” – блестящий дуэт самого Роллинса и великого Колтрейна (это была их единственная совместная запись). В 1957 вышел его ставший классическим альбом “Way Out West”, в записи которого участвовали Рей Браун и Шелли Манн. Этот альбом подтвердил статус Роллинса в качестве лучшего тенор-саксофониста в джазе (и это было совершенно бесспорно, по крайней мере в течение года, до того момента, когда лидерство захватил Джон Колтрейн). Фотография Уилльяма Клакстона (William Claxton), размещенная на конверте альбома, на которой Роллинс изображен в виде героя вестерна (естественно – с саксофоном в руках), также стала классической.
Смерть Брауна надломила Роллинса. Последовавшие за этим три года депрессии и попыток найти забвение в алкоголе завершились новым исчезновением музыканта (1959-60). Джазовый мир был в шоке. Целый год Роллинс работал над тем, чтобы вернуться к нормальной жизни, восстановить как физическую форму, так и психическое равновесие. Он не только отказался от алкоголя, но и бросил курить. Любопытная подробность этого периода жизни музыканта – его ставшие легендарными ночные репетиции на Уилльямсбургском мосту над Ист-Ривер в Нью-Йорке. Вновь выступать Роллинс начал в 1961 с квартетом “Sonny Rollins & Co”, в котором играл Джим Холл. Поначалу его стиль оставался неизменным, но постепенно музыка Роллинса становилась все более приближенной к фри-джазу; видно было, что ему знакомы новации Орнетта Коулмана: на какое-то время он даже пригласил к себе коулмановских музыкантов - корнетиста Дона Черри и барабанщика Билли Хиггинса, с которыми в 1962-63 совершил гастрольную поездку по Европе.
После этого он еще дважды исчезал из мира джаза – в 1963-65 и 1968-71. Каждый раз причиной был его внутренний разлад, неприятие самого себя, стремление освежить, восстановить организм и психологическую восприимчивость.
В остальное время Роллинс много выступал, гастролировал как солист – чаще всего с местными ритм-группами. Так было и в его европейских гастролях 1965, 66 (когда он выступал в качестве приглашенного солиста с Максом Роучем) и 67. В 1966 он записал (с участием Джимми Гаррисона и Элвина Джонса, членов ритм-группы классического колтрейновского квартета) альбом “East Broadway Run Down”. Пластинка, на которой яростная, стремительная заглавная композиция соседствует с трепетной версией пьесы “We Kiss In A Shadow”, получилась, вне всякого сомнения, исключительно удачной. Но она отражала и характерную проблему Роллинса – это был анс., собранный лишь для одной записи… Кроме того, ему было уже трудно сориентироваться в стремительно меняющемся музыкальном пространстве – в джаз ворвался авангард. Очередную творческую паузу (1968-71) Роллинс использовал для поездки на Восток, где изучал музыку Индии и Японии.
Начиная с 1972, он регулярно выступает со своим квинтетом. Через год Роллинс записывает альбом “Horn Culture”, используя в качестве аккомпанирующих электронные инструменты. Однако и на этом альбоме, и на ряде последующих сайдмены явно не дотягивали до уровня лидера. Лишь в 1978 Роллинс оказался в достойной команде – он совершил гастрольное турне с анс. “The Milestone All Stars”. Мастера уровня Маккоя Тайнера, Рона Картера и Эла Фостера составили ему отличную компанию, но, увы, каждый из них был лидером в своем собственном анс. и они не могли работать с Роллинсом на регулярной основе. В этой ситуации он решил не работать больше в клубах, и ограничится лишь выступлениями на фестивалях и в больших концертных залах. В 1985 он предпринял попытку совершенно обойтись без ритм-группы, записав “The Solo Album”; затем совершил турне по Европе с анс., в котором играли бывшие музыканты “Weather Report”. В 1986 в Японии состоялась премьера его композиторской работы - “Концерта для саксофона с оркестром”. Конец 80-х ознаменовался несколькими не слишком удачными коммерческими проектами Роллинса. Его нерешительность – какой форме музыки отдать предпочтение (фри, электроника или акустика) – отражала, в сущности, общие колебания джаза 80-х. Сам же Роллинс остается солистом, по-прежнему способным к сольным полетам, покорившим Майлза Дэвиса настолько, что в к. 60-х, участвуя в опросе, проводимом Ленардом Федером, тот назвал Роллинса “величайшим тенором джаза”.
Известен также как автор многих джазовых композиций и тем. Он рос в Гарлеме, рядом с танцевальным залом “Savoy” и Театром Аполлона, где выступал его идол – Coleman Hawkins. Начал он играть на альт саксофоне и преимущественно музыку Louis Jordan, но в возрасте шестнадцати, по настоянию его матери переходит на тенор.
Будучи подростком, он подпадал под период музыкальной революции по имени Bebop и начал упражняться под руководством Thelonious Моnk, который и стал его наставником.
Уже в молодости Sonny начал выступать с такими звездами джаза как Jackie McLean, Kenny Drew и Art Taylor, постепенно его стали приглашать на записи своих альбомов Bud Powell, J.J. Johnson и даже сам Miles Davis. В то время ему не было еще и 20 лет.
В начале 50-х годов он уже был известен публике как наиболее перспективный и творческий молодой тенор саксофонист. Многие поклонники бопа стали утверждать, что по своим творческим способностям и по обилию творческих идей он приравнивается к Charlie Parker.
Не избежал он и «болезни» Parker – благодаря наркотикам он на несколько лет покидает сцену и появляется повторно уже в 1955 году в Чикаго в составе Clifford Brown - Max Roach Quintet.
В середине 50-х годов, Sonny Rollins наконец прибыл. В 1957 году он победил в престижной номинации учреждаемой авторитетным журналом Down Beat magazine как новая звезда тенор саксофона. Он начал делать запись классических сессий, и работать под его собственным именем, начиная с 1957 года. В конце 50-х годов на сцене однозначно признавались два лучших тенора – это Sonny Rollins и John Coltrane.
К чудачествам Rollins относят его периодические уходы со сцены в поисках новых горизонтов и идей. Существует красивая легенда о том, как по ночам Sonny практиковался в игре на саксофоне на мосту в Williamsburg. После очередного возвращения на эстраду в 1962 году его первый альбом назывался «Мост».
Период между 1962 и 1966 годами он стал достаточно полистилистическим музыкантом, стал записываться как с Jim Hall и Coleman Hawkins так и с Don Cherry и Paul Bley. Осознав очередной застой в своем творчестве, он не стал довольствоваться музыкой как бизнесом и ушел в 1966 году в очередной «отпуск». Вслед за многими он постиг восточные религии. Он был уверен, что музыка как бизнес - всегда плохо. Тем не менее, во время этого творческого отпуска он много работает в Японии и Индии, где он жил в монастырях. Начиная с 1972 года, он работает постоянно, выпуская много интересных альбомов на лейбле Milestone, и активно гастролирует, по сей день. Наиболее удачным альбомом последнего времени является “Plus 3”, который побеждал в номинациях «Альбом года».
Альбомы: ;;“The Complete Prestige Recordings” (7 CD; 1949-56), “Sonny Rollins With The Modern Jazz Quartet” (1951-53), ;“Moving Out” (1954), ;“Work Time” (1955), ;“Sonny Rollins Plus 4” (1956), ;“Tenor Madness” (1956), ;;“Saxophone Colossus And More” (1956), “Plays For Bird” (1956), “Sonny Boy” (1956), “Tour De Force” (1956), ;;“Way Out West” (1957), ;“Alternate Takes” (1957-58), “The Sound Of Sonny” (1957), “Newk’s Time” (1957), ;“More From The Vanguard” (2 LP; 1957), ;;“A Night At The Village Vanguard” (1957), ;“The Sound Of Sonny / Freedom Suite” (1958), ;“Brass & Trio” (1958), ;“Sonny Rollins And The Contemporary Leaders” (1958), “In Stockholm” (1959), ;;“The Bridge” (1962), ;“The Quartets” (1962), ;“Alternatives” (1962-64), ;“On The Outside” (1962-63), “All The Things You Are” (1963-64), “Sonny Rollins & Co.” (1964), “Sonny Rollins On Impulse!” (1965), ;“Alfie” (1966), ;;“East Broadway Run Down” (1966), ;;“Next Album” (1972), “The Cutting Edge” (1974), “Easy Living” (1977), “Milestone Jazzstars In Concert” (1978), ;“Don’t Stop The Carnival” (1978), “G-Man” (1986), ;“Dancing In The Dark” (1987), “Old Flames” (1993).
РОСОЛИНО Фрэнк
Росолино Фрэнк (Фрэнки) - Rosolino Frank (Frankie)
р.20.08.1926 в Детройте, шт. Мичиган; ум.26.11.1978 в Лос-Анджелесе, шт. Калифорния
амер. тромбонист, певец, рук. анс. / боп
Начав занятия музыкой с гитары, Фрэнк еще подростком перешел на тромбон. В годы Второй мировой войны он служил в армии, а затем играл в различных биг-бэндах, включая орк. Глена Грея. В 1948 Росолино вошел в состав биг-бэнда Джина Крупы – уже тогда в его игре было ощутимо влияние би-бопа (кроме того, он весьма удачно исполнил вокальную партию – в манере скэт – в ставшей хитом записи орк. “Lemon Drop”). Поиграв некоторое время в различных танцевальных орк., Росолино недолго выступал со своей группой; в 1951 играл в квинтете саксофониста Джорджи Олда, а в следующем году присоединился к орк. Стэна Кентона. Спустя два года он расстался и с этим орк., поселившись в Калифорнии. Здесь музыкант делил свое время между студийной и чисто джазовой работой. Росолино записывался с Декстером Гордоном, Стэном Леви, “Конте” Кэндоли и многими другими музыкантами, посещавшими знаменитый джазовый клуб Хауарда Рамзи “The Lighthouse”.
В сер. 70-х Росолино вновь встретился с Кэндоли, совершил большую поездку по Европе; кроме того, он несколько раз играл с Бенни Картером, который был одним из самых горячих поклонников тромбониста. Росолино играл в это же время в анс. “Supersax”, а также у Куинси Джонса.
Музыкант с блестящей техникой, обладавший великолепной артикуляцией и атакой, Росолино был одним из самых ярких тромбонистов своего времени и одним из немногих представителей этого инструмента, сумевших полностью адаптироваться к би-бопу. Более поздние работы продемонстрировали способность Росолино идеально играть и в секции биг-бэнда, и в малых анс. Его пьесу “Blue Daniel” включали в свой репертуар “Кэнненболл” Эддерли и многие другие джазмены.
В ноябре 1978 Фрэнк Росолино трагически погиб, застрелив сначала двоих своих детей (одного из них врачам удалось спасти), а затем и себя.
Альбомы: “Kenton Presents Jazz: Frank Rosolino” (1954), ;;“Frankly Speaking” (1955), “I Play Trombone” (1956), ;“Frank Rosolino Quartet” (1957), ;“Free For All” (1958).
РОСС Ронни
Росс Роналд (Ронни) - Ross Ronald (Ronnie)
р.02.10.1933 в Калькутте, Индия; ум.12.12.1991 в Лондоне, Великобритания
англ. баритон-саксофонист (вообще играет на всех саксофонах, кларнетах и флейтах), рук. анс./орк.
С 1946 семья Росса переехала в Англию. Здесь он начал играть на тенор-саксофоне. В сер. 50-х молодой саксофонист вошел в состав анс. Дона Ренделла, который уговорил его перейти на баритон. Довольно быстро за Россом закрепилась репутация выдающегося исполнителя на этом инструменте. Он играл в оркестрах Теда Хита и Маршалла Брауна (в составе “Marshall Brown’s International Youth Band” он участвовал в 1958 в Ньюпортском джазовом фестивале). В том же 1958 Росс организовал анс. “The Jazz Makers”, с которым в 1959 с успехом гастролировал по Америке. В 1959 Росс выступал и записывался также с анс. “Modern Jazz Quartet” (в его европейских гастролях). К этому периоду относится сотрудничество Росса с Вуди Германом (он играл в германовском англо-американском “стаде”), с Мейнардом Фергюсоном и “Табби” Хейсом. Росс уверенно заявляет о себе в игре на инструменте, все пространство которого, казалось, было надежно занято Джерри Маллиганом. В нач. 60-х он возглавил (вместе с Биллом Лесажем) квартет, а также участвовал во множестве студийных записей, в частности, с орк. Джонни Данкуэрта. Часто выступал по британскому ТВ, в частности, с “Диззи” Гиллеспи, почти два года играл в орк. “Kenny Clarke - Francy Boland Big Band” и время от времени в биг-бэнде Вуди Германа. Росс играл со многими ведущими европейскими джазменами, в том числе записывался с Фридрихом Гульдой и Лало Шифрином. Выступал и записывался со своими квартетом и секстетом. Последней его записью стали две пьесы на альбоме “Portraits” (1990) молодежного орк. “The National Youth Orchestra”.
Яркий, мощный саксофонист, чей баритон был одним из сокровищ британской джазовой сцены, Росс редко удостаивался оценки, которой заслуживал его талант.
Альбомы: ;“European Windows” (с орк. Д. Льюиса; 1958), “Beatle Music By The Session Men” (1967), ;“Cleopatra’s Needle” (1968).
РОСС Энни
Росс Энни (Аннабелл Шорт Линч) - Ross Annie (Annabelle Short Lynch)
р.25.07.1930 в г. Митчем, графство Суррей, Великобритания
англ. певица, актриса, автор песен / боп
С 1933 живет в США, в Лос-Анджелесе. В детском возрасте снялась в нескольких голливудских фильмах. В Нью-Йорке Энни окончила курсы драматического мастерства. С конца 40-х выступала как певица в различных оркестрах и в клубах как в США, так и в Европе (во Франции). В 50-х Росс записала, используя приём скэт, несколько весьма удачных джазовых композиций. Особенно известной стала её вокальная версия пьесы “Twisted” саксофониста Уорделла Грея (текст певица написала сама). В 1957 случай сводит её с Дейвом Ламбертом и Джоном Хендриксом. Вначале их объединила идея записать экспериментальный вокальный альбом “Sing A Song Of Basie”, но после того, как пластинка оказалась настоящим хитом, было решено продолжить удачно начавшийся эксперимент. Так возникло популярное в 1958-62 вокальное трио “Lambert, Hendricks & Ross”, специализирующееся на технически совершенных вокальных версиях популярных инструментальных джазовых произведений (иногда они писали специальные тексты, иногда использовали технику скэт). Трио выпустило целую серию успешных дисков, много гастролировало, участвовало в нескольких джазовых фестивалях.
В апреле 1963 Энни Росс ушла из анс. (вместо неё в трио пришла Йоланда Баван и анс. просуществовал еще два года). Росс продолжила самостоятельную карьеру вокалистки и актрисы, участвовала во многих джазовых фестивалях. Несмотря на то, что по ряду причин её карьера несколько раз прерывалась, ей удавалось поддерживать на редкость высокий уровень исполнительского мастерства.
В сер. 60-х открыла в Лондоне собственный ночной джазовый клуб “Annie’s Room”. Она также часто выступала в самом известном лондонском клубе “Ronnie Scott’s Club”. В 70-х в Энни Росс пробудилось актерское дарование – она начала играть в театральных спектаклях, участвовать в телевизионных постановках, выступать в мюзиклах. Вместе с известной англ. актрисой Ванессой Редгрейв Росс участвовала в постановке “Трехгрошовой оперы” Курта Вайля, с пианистом Андре Превином она пела на сцене лондонского концертного зала Royal Festival Hall (в концерте, посвященном музыке Вайля). В нач. 80-х Росс нашла весьма удачного партнера в лице популярного англ. певца Джорджи Фейма – вместе они много и успешно гастролировали и записывались. В 1985 Росс вновь перебирается в США и активно выступает в Нью-Йорке в качестве певицы.
Альбомы: в составе трио “Lambert, Hendricks & Ross”, а также ;;“Annie Ross Sings A Song Of Mulligan” (с Дж. Маллиганом; 1958), ;;“Gasser!” (с З. Симсом; 1959), “Annie Ross Sings A Handful Of Songs” (1963), “In Hoagland” (с Дж. Феймом; 1981).
РОУЗВУМАН Мишель
Роузвуман Мишель - Rosewoman Michele
р.19.03.1953 в Окленде, шт. Калифорния
амер. пианистка, рук. анс. / авангард
Мишель росла в музыкальной семье: у её родителей был в Окленде небольшой магазин грампластинок, а старший брат был профессиональным музыкантом. С ранних лет девочку окружала музыка – это был и джаз, и музыка различных жанров и народов. В шесть лет Мишель начала играть на ф-но, а в 17 - познакомилась с местными джазовыми музыкантами, через которых узнала, что такое хард-боп, и кто такие Телониус Монк и Джон Колтрейн. Тогда же она получила первые уроки джаза. Одновременно девушка осваивала искусство кубинских барабанов и перкуссии, а также традиционную музыку народов Зимбабве и Нигерии, прежде всего племени йоруба (Yoruba – впоследствии название этого народа отразится в названии её орк.).
Важный перелом в музыкальном мышлении юной пианистки произошел после того, как в джазовом центре “Keystone Korner” в Сан-Франциско Мишель впервые услышала Сесила Тейлора. Следующим этапом её приобщения к авангарду стало знакомство с несколькими членами творческого объединения черных музыкантов BAG (Black Artists Group), в частности, с флейтистом и саксофонистом Оливером Лейком - её новые друзья входили также в чикагскую Ассоциация поддержки творческих музыкантов (AACM). В 1978 Роузвуман перебирается в Нью-Йорк, где вскоре удостаивается чести выступить (вместе с О. Лейком) на сцене Карнеги-Холла.
Пианистка много выступает с различными ансамблями, а также в качестве рук. своей группы. В 1981 она играет в анс. Билли Бэнга “Rainbow Gladiator”. Роузвуман выступает также с различными кубинскими анс. Интерес к афро-кубинской музыке подтолкнул её к созданию орк. “New Yor-Uba” (в его составе было 15 музыкантов). В декабре 1983 её новый орк. с успехом дебютировал в одном из концертных залов Нью-Йорка с программой “New Yor-Uba, A Musical Celebration Of Cuba In America”, в которой кубинская перкуссия и вокал объединились с джазовым анс. Находясь под сильным влиянием Т. Монка и С. Тейлора, Роузвуман отличается в то же время глубокой лиричностью исполнения.
Её дебют в звукозаписи - в качестве бэндлидера – состоялся в 1985 (альбом “The Source”). В следующем году пианистка создает квинтет “Quintessence”, с которым записывает альбомы “Quintessence” и “Contrast High”.
Она работала с членами организации взаимопомощи черных музыкантов M-Base, среди основателей которой были Стив Коулман и Кассандра Уилсон, участвовала в записи альбома Грега Осби “Greg Osby And The Sound Theatre” (1987), а также в качестве лидера анс., в котором играли саксофонисты Осби и С. Коулман. В 1991 Роузвуман гастролирует с саксофонистом Карлосом Уордом. В том же году она осуществила очередной сильный проект, записав в составе трио (с басистом Руфусом Ридом и барабанщиком Ральфом Питерсоном) альбом “Occasion To Rise”.
Широта музыкального диапазона, столь востребованная в эпоху торжества в джазе неоконсерватизма, гармонично сочетается в творчестве Мишель Роузвуман с внутренней силой её композиций и мощной энергетикой исполнения.
Альбомы: ;“The Source” (1985), “Quintessence” (1987), ;;“Contrast High” (1988), ;“Occasion To Rise” (1991), “Harvest” (1993), “” (19), ;“” (19), “” (19), ;“” (19), “” (19), ;“” (19), ;“” (19), “” (19), ;“” (19), “” (19), ;“” (19).
РОУЛЗ Джимми
Роулз Джеймс Джордж Чарлз (Джимми) - Rowles James George Charles (Jimmy)
р.19.08.1918 в г. Спокейн, шт. Вашингтон; ум.28.05.1996 в Лос-Анджелесе, шт. Калифорния
амер. пианист, вокалист, композитор / боп, Свинг
Пианист-самоучка, Роулз впервые обратил на себя внимание в нач. 40-х, выступая на юге Калифорнии в составе небольших анс. вместе с такими музыкантами, как “Слим” Гейллард, Лестер Янг, Бенни Гудман и Вуди Герман (все это до 1942, до призыва в армию). В к. 40-х он уже играет в больших орк., которыми руководят В. Герман, Томми Дорси, Лес Браун и Б. Гудман. Великолепный аккомпаниатор, Роулз пользуется огромным спросом в среде вокалистов. Среди тех, кто охотно приглашал его в этом качестве, были Пегги Ли, Билли Холидей, Сэра Воан, Кармен Макрей и Элла Фицджералд (с которой он гастролировал в 1981-83).
Долгие годы, проведенные Роулзом в качестве сайдмена в студиях Лос-Анджелеса и Нью-Йорка, не смогли заглушить его собственный талант и не уменьшили его авторитета среди музыкантов. Он записывался с Джорджем Мразом, Элом Коном, “Зутом” Симсом, Стэном Гетцем, Декстером Гордоном, “Пеппером” Адамсом, Мелом Льюисом и многими другими. Его пьеса “The Peacocks” стала настоящим джазовым стандартом, благодаря Гетцу и кинофильму “Round Midnight”.
Одаренный пианист, Роулз обладал отточенной техникой и неограниченным запасом идей, которые он умело использовал в своих концертных и студийных работах. За ним совершенно заслужено закрепилась репутация одного из лучших мэйнстримовых пианистов джаза.
Дочь Роулза, Стейси (Stacy Rowles, р.11.09.1955), стала высокопрофессиональной исполнительницей на трубе. Отец и дочь часто выступали и записывались вместе в Лос-Анджелесе в нач. 80-х.
Альбомы: ;“The Special Magic Of Jimmy Rowles” (1974), “Grandpaws” (1976), ;;“The Peacocks” (1977), “We Could Make Such Beautiful Music Together” (1978), ;“Plays Ellington And Billy Strayhorn” (1981), “Tell It Like It Is” (со С. Роулз; 1984), “With The Red Mitchell Trio” (1985), ;“I’m Glad There Is You” (1985), “Jimmy Rowles, Vol. 2” (1985), “Looking Back” (1988), “Plus 2, Plus 3, Plus 4” (1988), “Lilac Time” (1994).
РОУНИ Уоллас
Роуни Уоллас – Roney Wallace
р.25.05.1960 в Филадельфии, шт. Пенсильвания
амер. трубач, композитор / пост-боп, хард-боп
Один из наиболее интересных молодых трубачей, выросших под накрывшим буквально весь мир “зонтиком Майлза Дэвиса” (хотя сам Уоллас называет среди своих кумиров также и Клиффорда Брауна, да и манеру исполнения Роуни чаще сравнивают с манерой Хауарда Маги). Уйдя от простого копирования, Роуни сумел уловить саму суть звучания раннего Дэвиса с его упругой засурдиненной трубой и изощренной фразировкой, с умелым использованием пространства для обогащения собственных сольных пассажей и оживления ритм-группы.
Пройдя обучение в Университете Хауарда в Вашингтоне и в Школе “Дюка” Эллингтона, юный трубач в 1979 вошел в состав биг-бэнда Абдуллы Ибрагима, а в 1981 стал играть в анс. Арта Блейки “Jazz Messengers” (замещая Уинтона Марсалиса, уезжавшего на гастроли с Херби Хэнкоком). Довольно быстро за ним закрепилась репутация виртуозного и надежного исполнителя, предпочитающего играть стремительный и “вкусный” пост-боп. Одними из первых достижений Роуни стали записи с саксофонистами “Чико” Фриманом (“Tradition In Transition”; 1982) и Рики Фордом (“Interpretations”; 1983). 1986 принес продолжение – записи с анс. Арта Блейки “Jazz Messengers”, выступления с орк. Синди Блэкман, затем - контракт с барабанщиком Тони Уилльямсом, с которым Роуни играет до сих пор. Трубача также приглашал для совместных записей барабанщики Марвин “Смитти” Смит (“Keeper Of The Drums” и “The Road Less Travelled”) и Коди Моффетт, пианисты Джери Аллен, Кенни Баррон и Ранди Уэстон и саксофонисты Кристофер Холлидей, Джеймс Сполдинг, Винсент Херринг и Кенни Гарретт.
Особо следует упомянуть о сотрудничестве Роуни с так назыв. “оркестрами памяти”, о гастролях вместе с Херби Хэнкоком, Уэйном Шортером, Роном Картером и Тони Уилльямсом в составе специально созданного квинтета “в память о Майлзе Дэвисе”; о появлении на сессии “Второе рождение стиля кул”, которой руководил Джерри Маллиган; о записи, сделанной в память о Клиффорде Брауне, которой рук. певица Хелен Меррилл; о выступлениях в последних концертах и Майлза Дэвиса, и “Диззи” Гиллеспи.
Преданность Майлзу Дэвису и даже собственная оригинальная манера выражения этой преданности получили признание самого маэстро, пригласившего Роуни поддержать его летом 1991 на последнем в его жизни джазовом фестивале в Монтрё (Швейцария), где Дэвис попытался воссоздать некоторые из пьес Гила Эванса 1950-х и 60-х годов.
Альбомы: ;“Verses” (1987), “Intuition” (1988), ;“The Standard Bearer” (1989), ;“Obsession” (1990), ;“Seth Air” (1991), ;;“Crunchin’ ” (1993), “Misterioso” (1994), “Wallace Roney Quintet” (1995).
РОУЧ Макс
Роуч Максуэлл (Макс) - Roach Maxwell (Max)
р.10.01.1924 в г. Нью-Ленд, шт. Северная Каролина
амер. ударник, вибрафонист, композитор, рук. анс. / боп, пост-боп, авангард, фри-джаз, хард-боп
Один из наиболее выдающихся барабанщиков джаза последних десятилетий.
Начав играть на барабане очень рано, еще у себя в Северной Каролине, Макс в возрасте четырех лет переехал в Нью-Йорк, где продолжил обучение – первую собственную ударную установку ему подарили в 1936. Музыкальную теорию и композицию юный Роуч осваивал в Манхэттенской школе музыки. В 1942 юный музыкант активно включился в революцию би-бопа. Роуч вошел в состав анс., постоянно выступающего в клубе “Monroe’s Uptown House”, и, кроме того, регулярно участвовал в джэмах в другом питомнике би-бопа - “Minton’s Playhouse”. Его партнерами в обоих клубах были практически все ведущие представители (и создатели) нового джаза. В своем творчестве Роуч развивал и закреплял новаторские идеи Джо Джонса и Кенни Кларка; вместе с Кларком он фактически создал новый “словарь” барабанщиков.
Дебютировал Роуч в звукозаписи в 1943 в составе анс. Коулмана Хокинса. В огромном фонографическом наследии Роуча важнейшими, несомненно, являются записи с “Диззи” Гиллеспи (с которым он играл в 1944 на 52-й улице) и Чарли Паркером. С “Птицей” Роуч много выступал и записывался в 1945, включая первую запись Паркера под своим именем. Эти записи ярко демонстрировали творческую изобретательность и техническое мастерство молодого музыканта.
Наряду с азартным увлечением би-бопом, творчество Роуча в 40-х годах характеризуется активной работой в малых и больших оркестрах, возглавляемых такими ветеранами Свинга, как Хокинс и Бенни Картер (с его орк. Роуч гастролировал целый год в 1944-45). В 1946 он играл со Стэном Гетцем, Алленом Игером и тем же Хокинсом, а в 1947-49 был членом классического паркеровского квинтета. Так или иначе, к концу десятилетия Роуч отошел от старого стиля и окончательно стал одним из ведущих голосов би-бопа. Начиная с 1948, он в течение двух лет выступал с Майлзом Дэвисом, приняв участие в записи серии пластинок, послуживших основой для исторического альбома “The Birth Of The Cool”. Роуч участвует в программах Нормана Гранца “Jazz At The Philharmonic”, руководит собственными анс. В 1953 он становится партнером Чарлза Мингуса в организованной им ф. грамзаписи “Debut Records”, и в том же году принимает участие в знаменитом концерте “Всех звезд” в “Massey Hall” в Торонто (вместе с ним в этом концерте выступили Паркер, Гиллеспи, Мингус и “Бад” Пауэлл). Концерт был сыгран без каких-либо предварительных репетиций, каждый из музыкантов играл с поразительной самоотдачей, как если бы от их выступления зависели их жизни.
Чрезвычайно ярким также был недолгий, к сожалению, период сотрудничества с Клиффордом Брауном. В 1953 Роуч выступал в Калифорнии, где и встретил Брауна. В 1954 они организовали новый квинтет, ставший одним из самых ярких музыкальных коллективов того времени. Трагическая гибель в 1956 “Брауни” и Ричи Пауэлла стала для Роуча тяжелейшим ударом и прошло много лет, прежде чем он сумел оправиться от него.
С к. 50-х Роуч начал всерьез интересоваться политикой и активно участвовать во многих проектах, направленных на развитие культуры черных американцев. Естественно, его работы этого периода несут на себе отпечаток вовлеченности музыканта в движение за гражданские права. Так, среди его композиций появилась сюита “We Insist: Freedom Now!” . Следует отметить, что в отличие от многих других инспирированных политическими идеями джазовых сочинений, аналогичные работы Роуча неизменно сохраняли высокий музыкальный уровень. Попутно маэстро начал экспериментировать с необычными музыкальными рядами, порой выходя за рамки традиционных ритмических структур. В каком-то смысле его поиски перекликались с процессами, происходившими в активно развивавшемся в тот период течении фри-джаза, но Роуч так никогда и не стал приверженцем этой музыки.
В небольших анс., которые он возглавлял все эти годы, выступало множество ярких талантливых джазменов, таких, как Фредди Хаббард, Букер Литтл, Доналд Бёрд, “Сонни” Роллинс, Кенни Дорем, “Хэнк” Моубли, Джордж Коулман, Стэнли Таррентайн, Билли Харпер, Барри Харрис, Мел Уолдрон, Рей Брайант и Джордж Кейблс. Роуч охотно сотрудничал также со многими известными певцами и вокальными группами, нередко аккомпанировал своей жене – с 1962 он был женат на известной певице Эбби Линкольн (развелись в 1970).
В 70-х, хотя он уже начал входить в категорию корифеев джаза, Роуч с интересом работал с представителями авангарда, записав альбомы дуэтом с такими известными мастерами, как Абдулла Ибрагим, Арчи Шепп, Сесил Тейлор и Антони Бракстон. В 1972 он создает довольно необычный анс. под названием “M’Boom”, состоящий из разнообразных ударных и перкуссионных инструментов.
Один из немногих барабанщиков, исполняющих и записывающих продолжительные сольные партии, Роуч добился выдающегося качества исполнения и сумел преодолеть традиционно негативное отношение критики к таким работам. Музыкант смело расширяет ресурсы своей звуковой палитры – в концертах и записях он начинает использовать не только традиционный набор медных и ритм-группы, но и такие нетипичные для джаза компоненты, как хор, соло вокалисты и струнный квартет (несколько раз вместе с ним выступала его дочь Максин). В нач. 80-х Роуч стал одним из первых джазменов, рискнувших на сотрудничество с рэпперами.
Хотя в различных своих проектах Макс Роуч сотрудничал с различными композиторами и аранжировщиками, большая часть материала, исполнявшегося его ансамблями за 40 с лишним лет, была написана самим Роучем. Не будет преувеличением сказать, что каждый раз, когда Роуч играет на ударных, он превращается в композитора. Причем не только исполняемые им соло порождают новое структурное развитие музыкального материала, но и сама его манера создания ритмического аккомпанемента для других солистов поощряет или даже вынуждает их следовать той же тенденции. Эта уникальная способность впервые проявилась в период сотрудничества Роуча с Паркером (и в те полтора года, когда с ним играл “Сонни” Роллинс), а затем, в пост-колтрейновскую эпоху, стала неотъемлемой чертой его творчества. По большому счету, это качество Роуча-барабанщика родилось из тех идей, которые он почерпнул в работах Джо Джонса и Кенни Кларка.
С 1972 Роуч активно включается в педагогический процесс, став профессором музыкального отделения университета шт. Массачусетс.
В 80-х и нач. 90-х он продолжал свою исполнительскую (постоянными партнерами Роуча были в эти годы трубач Сесил Бриджуотер и саксофонист Одиан Поп) и композиторскую деятельность, находя, по своему обыкновению, время и для преподавания, и для участия в политических акциях черных. При этом маэстро демонстрировал неувядающее мастерство владения инструментами. Так, во время гастролей в Великобритании в 1990, Роуч исполнил на бис захватывающее десятиминутное соло, используя лишь педальные тарелки. Вряд ли можно найти другого джазового барабанщика, способного на подобный подвиг – если такой и существует, широкая публика пока еще о нем не знает…
Альбомы: ;“Max Roach Plus Four” (1956), “Jazz In 3 / 4 Time” (1957), ;“Max Roach 4 Plays Charlie Parker” (1957), “Percussion Discussion” (2 LP; 1957-58), “Max Roach Plus Four On The Chicago Scene” (1958), “Max Roach Plus Four At Newport” (1958), ;“Deeds, Not Words” (1958), “Max Roach” (1959), ;;“We Insist!: Freedom Now Suite” (1960), ;;“Percussion Bitter Sweet” (1961), “It’s Time” (1961-62), ;“The Max Roach Trio, Featuring The Legendary Hasaan” (1964), “Drums Unlimited” (1965-66), ;“Lift Every Voice And Sing” (1971), “Force: Sweet Mao – Suid Africa” (1976), “Live In Tokyo” (1977), “The Loadstar” (1977), ;“Birth And Rebirth” (1978), “The Long March” (1979), ;;“One In Two, Two In One” (1979), “Pictures In A Frame” (1979), “Historic Concerts” (2 CD; 1979), “Chattahoochee Red” (1981), ;“Scott Free” (1984), “Survivors” (1984), ;“Easy Winners” (1985), ;“Bright Moments” (1986), ;;“To The Max” (2 CD; 1990-91).
РОШЕ Бетти
Роше Бетти (Мэри Элизабет Роше) – Roch; Betty (Mary Elizabeth Roch;)
р.09.01.1920 в Уилмингтоне, шт. Делавэр; ум.16.02.1999 в Нью-Джерси
амер. певица / стандарты
Профессиональная карьера Бетти началась с победы на любительском конкурсе в нач. 40-х. Приобретя некоторый опыт профессиональной работы во время непродолжительных совместных выступлений с такими музыкантами, как “Хот Липс” Пейдж и Лестер Янг, она “имела несчастье” в 1943 войти в состав орк. “Дюка” Эллингтона. “Несчастье” потому, что в то время в США действовал запрет на звукозапись для музыкантов, членов профсоюза исполнителей (то есть практически для всех американских певцов и инструменталистов - так профсоюз боролся с политикой фирм грамзаписи). Бетти приняла участие в концерте орк. Эллингтона в знаменитом Карнеги Холле, внеся свою лепту в премьерное исполнение его фундаментального произведения “Black, Brown & Beige Suite” (она исполнила часть “The Blues”) – запись этого концерта оставалась неизданной и была выпущена ф. “Prestige” лишь в 1979. Впрочем, вообще все ее первое пребывание в оркестре (1943-44) пришлось на период действия запрета, так что записей практически не осталось (исключение - вышедший на ф. “Columbia” альбом “Reveille With Beverly”, где она пела ставшую хитом пьесу Билли Стрейхорна “Take the A Train”).
Затем Роше некоторое время работала в орк. Эрла Хайнса, после чего её популярность пошла на убыль. Какое-то время она вообще отошла от музыки. Однако в 1952 Бетти вновь с Эллингтоном – вместе с орк. “Дюка” певица выступает в различных клубах, участвует в концертах и радиопрограммах. Именно в этот период она записала ставшую классической версию “Take The “A” Train”, позже использованную Реем Нансом (версия Бетти вошла в сборник “Duke Ellington And His Great Vocalists”.). После этого наступает новый период ухода Роше “в тень”, хотя в к. 50-х – нач. 60-х она выпустила несколько альбомов под своим именем. Тогда же певица работала с Эрлом Хайнсом и Кларком Терри. И вновь Роше исчезает из поля зрения любителей джаза.
Талантливая вокалистка, интересный стилист, Роше прекрасно вписывалась в орк. Эллингтона – известно, что после Айви Андерсон “Дюку” хронически не везло с вокалистками. По иронии судьбы певица на финише своей недолгой карьеры записала свой, вероятно, лучший альбом - “Lightly And Politely”.
В феврале 1999 Бетти Роше умерла в доме для престарелых в Нью-Джерси.
Альбомы: ;;“Carnegie Hall Concert: January 1943” (запись 1943), “The Duke Is On The Air” (1952), “Take The ‘A’ Train” (1956), “Singin’ & Swingin’ ” (1960), ;;“Lightly And Politely” (1961).
РЮПДАЛЬ Терье
Рюпдаль Терье - Rypdal Terje
р.23.08.1947 в Осло, Норвегия
норвежск. гитарист, флейтист, сопрано-саксофонист, композитор, рук. анс. / авангард, фьюжн, пост-боп
Вырос в семье известного в Норвегии дирижера и рук. духовых орк. Якопа Рюпдаля и с детства родители учили его играть на ф-но, однако параллельно с этим Терье в 13 лет самоучкой освоил электрогитару. Начинал он как поп / рок-гитарист, затем, под влиянием Джими Хендрикса, увлекся импровизациями и роком, в большей степени тяготеющим к блюзу. Впоследствии, изучая композицию в университете в Осло, Рюпдаль брал у жившего в тот период в Скандинавии Джорджа Расселла уроки по его, Расселла, фундаментальной теории “Lydian Chromatic Concept Of Tonal Organization” (“Лидийская хроматическая концепция тональной организации”), что во многом способствовало развитию его импровизационного дара. Рюпдаль играл также в биг-бэнде и секстете Расселла.
В к. 60-х Терье вошел в состав квартета Яна Гарбарека, в котором играли также Йон Кристенсен и Арильд Андерсен. Вместе они записали два первых альбома Гарбарека на ф. “ECM Records” Манфреда Эйхера, однако подлинная международная известность пришла к Рюпдалю после его участия в фестивале фри-джаза, состоявшемся в 1969 в Баден-Бадене, Германия. На этом фестивале он играл в орк., состоявшем из представителей стремительно набиравшей в то время силу чикагской сцены фри-джаза (рук. этим орк. Лестер Бауи и играли в нем многие участники известного “The Art Ensemble Of Chicago”).
В 1972 Рюпдаль выступает со своим трио на Берлинском джазовом фестивале, а в сер. 70-х организует анс. “Odyssey”, с которым много выступает и записывается. “Odyssey” успешно гастролирует по многим странам, включая США. Рюпдаль регулярно участвует во всех важнейших фестивалях джаза в Европе (в сер. 80-х нередко во главе трио - его постоянными партнерами становятся Палле Миккельборг и Й. Кристенсен.
Хотя сам Рюпдаль называет в качестве своего кумира Уэса Монтгомери, блестящее использование колористики и текстуры электронных инструментов скорее сближает его с лучшими гитаристами рок-музыки.
Плодотворно работает Рюпдаль и как композитор – его произведения исполняют и биг-бэнды, и небольшие анс. Ему принадлежат несколько симфоний и фортепианных концертов. Интересную композицию Рюпдаль написал и исполнил в импровизационном режиме вместе с играющим на трубе Миккельборгом и в сопровождении группы из симфонического орк. Творчество Рюпдаля явилось серьезным вкладом в развитие европейского джаза.
Жена Рюпдаля - Ингер-Лиз (Inger-Lise) – довольно известная норвежск. поп-певица и актриса.
Записывается Рюпдаль в осн. на ф. “ECM”.
Альбомы: ;;“Odyssey” (1975), ;“Waves” (1977), ;“Terje Rypdal / Miroslav Vitous / Jack DeJohnette” (1978), ;“Descendere” (1979), ;“To Be Continued” (1981), ;“Eos” (1984), “Chaser” (1985), “Blue” (1986), “The Singles Collection” (1988).
РЮЭГГ Матиас
Рюэгг Матиас – R;egg Mathias
р.08.12.1952 в Цюрихе, Швейцария
швейцарск. пианист, композитор, аранжировщик, рук. орк.
В 70-х Рюэгг изучал композицию и аранжировку в Граце и Вене, куда он приехал из Швейцарских Альп. Поселившись в Австрии, молодой музыкант в 1977 организует “The Vienna Art Orchestra”, с которым много выступает и записывается: в 1981 орк. Рюэгга выступает на Берлинском джазовом фестивале, в 1984 совершает грандиозное турне по странам Азии, выступает в США и Канаде, осенью 1985 гастролирует по 15 странам Европы, в 1993 записывается в Нью-Йорке.
В 1983 Рюэгг создает еще один коллектив - “The Vienna Art Choir”, пишет ряд симфонических работ. Отличный пианист (своими кумирами он называет “Бада” Пауэлла и “Чика” Кориа), гораздо большую известность Рюэгг приобрел все-таки как композитор. Несмотря на неоднократно выраженное им восхищение такими композиторами, как Карла Блей и Гил Эванс (а из классиков – Иоганн Себастьян Бах), Рюэгг скорее принадлежит к так назыв. “театральной” школе композиторов, представителем которой является также Майк Уэстбрук. Исключительно эклектичный, с легкостью обращающийся к темам как Мингуса, так и Эрика Сати, Рюэгг создает аранжировки, достаточно индивидуальные для того, чтобы обеспечить определенные рамки, и в то же время предоставляющие солистам достаточную свободу для импровизаций.
Альбомы: ;“From No Time To Rag Time” (1982).
Джазовый алфавит. Р
© Copyright: Валентин Трушин, 2021
Свидетельство о публикации №221111600586
Свидетельство о публикации №221111600586
Рецензии