Сквозь окна картин

                Рисунок автора, Натальи Коноваленко

                Статья для бесед по искусству - с целью пробуждения
                или углубления интереса к живописи.

               
             Время щадит настоящее искусство -  значит, человек тоже обязан сохранять его для будущего.
             Картины  легко сравнить с открытыми настежь окнами. Рассматривая их, можно мысленно перенестись во времени, увидеть мир глазами художника, понять, каким был  он сам, что хотел сказать зрителю, ведь «любое дерево можно узнать по плодам его».

             Есть картины на все времена, потому что они пробуждают мысли.
             Одно из таких полотен, «Христос в пустыне», было  написано  в 1872 году Иваном Крамским. Христос, изображённый на холсте, в глубокой задумчивости сидит на камне, один, посреди пустыни. Кажется странным, почему так, ведь мир обитаем…   
       Художник изобразил Христа одиноким не случайно. Я думаю, он хотел показать, что люди поглощены своими страстями, мирскими заботами и забыли о Боге. Люди поверхностны и беззаботны, им лень заглянуть в собственную  душу, чтобы отыскать свет,  поэтому человеческая  жизнь в плену заблуждений и соблазнов полна страданий.  Но Творец живёт в каждом. Бог знает, что люди вспомнят о нём лишь тогда, когда  не будет видно просвета в их жизни, и опечален этим.
       Христос на картине очень похож на обычного человека.  В трудные минуты выбор делается самостоятельно, каждый ищет свой путь -  и нужно искать силы в себе, чтобы преодолевать жизненные преграды.
        Любой человек - целая вселенная, которую сложно постичь, а мир вокруг похож на пустыню, где нет проторенных дорог, как и на полотне Крамского.

          В 1503 году великий итальянский художник Леонардо да Винчи  создал портрет Моны Лизы. Когда я смотрю на него, я понимаю, что в нём отразилось то неуловимое и непознанное, что живёт в каждой женщине:  простота и возвышенность, мимолётная радость и неизъяснимая грусть, обыденность и неповторимая прелесть совершенства. Взгляд  её словно проникает в душу, легкая улыбка всякий раз меняет выражение лица - и оно кажется  настолько живым, что, спустя пять веков, всё не потеряло своей свежести и глубины: в нём сомнение и вера, оно завораживает, изумляет!..
         От портрета трудно отойти, он написан гением!
         После кончины художника полотно выкупил за четыре тысячи дукатов король той страны, где подвёл итог своим скитаниям сам Леонардо. Теперь картине нет цены. Она пережила всё и принадлежит человечеству как некий символ непрерывности существования жизни.

        Войны стирают целые страны, изменяют поверхность земли, но есть картина, которая как будто проступает сквозь пепел, - это «Сикстинская мадонна» Рафаэля. Картина звучит, словно гимн  той женщине, что лелеет жизнь.  Ступни  мадонны касаются облаков, потому что она выше всех, она - мать!
        Женщина, изображённая на полотне, прижимает к себе ребёнка и в то же время обречённо отстраняет его от себя. И каждая мать поступает так же: любит, растит, дарит ему часть своей жизни, а потом отпускает... В этом её материнский подвиг: она отдаёт самое дорогое, то, что прикипело к душе. Поэтому каждый человек несёт в себе частичку любви.
       Пятьсот лет назад великий художник Рафаэль Санти написал это чудо. Видимо, его рукой водил сам Господь, изображённый здесь младенцем на руках Мадонны, Девы Марии!   
      Рафаэль прожил только тридцать семь земных лет, но его творение бессмертно.
      За семьдесят килограммов золота картину вывезли из родных мест в ту страну, где через неполных четыре столетия созрело ядовитое зерно зла второй мировой войны. Но оно не смогло прорасти. Как знать: не чудесная ли сила этой картины помогла сохранить человеческое в человеке? Словно неопалимая купина, «Мадонна» уцелела среди огня.

        Люди забывают, что война - это страшно,  не делают правильных выводов. Они стали редко читать мудрые  книги, хранящие опыт предков, забыли о чести и человечности, посещая дома для развлечений гораздо чаще, чем музеи. Беспечно рассматривая назойливо мельтешащие картинки в телефонах, пересылая их друг другу, люди попусту теряют бесценное быстротекущее время, легко бросают обидные необдуманные слова, ссорятся и вооружаются целыми государствами.
           Правителю каждой страны, пытающейся развязать   войну, следовало бы перед завтраком  показывать картину Василия Верещагина  - «Апофеоз войны».  На раме слова: «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим».
           И впечатляющее своим драматизмом полотно, и короткий текст - взволнованное письмо автора  из 1871года в будущее, - предостережение,  о том, что любая война -  разрушение, уничтожение живого, опустошение.
          Художник словно кричал воюющим людям: «Остановитесь, посмотрите сюда!». Но это был "глас вопиющего в пустыне": люди так и не опомнились, не задумались…  Верещагин погиб на войне, как будто подтвердив то, о чём так правдиво и убедительно рассказывал при помощи красок и кисти.

       Всё это - шедевры, наполненные мыслью полотна, откуда на нас через века смотрят их создатели. Эти полотна восхитительны, в них торжество жизни и предупреждение новым поколениям людей.

       Среди этих неоспоримых сокровищ нашлось место и для картины, в которой нет ничего, лишь чёрный квадрат в белой раме. Почему эту картину тоже щадит время, о чем думает человек, глядя в его глухую пустоту?

       В жизни есть две стороны: радость и страдания, милосердие и жестокость, любовь и ненависть. Художник всегда более тонко воспринимает окружающий мир, ему порой настолько ярко открывается то, о чем  другие могут только догадываться, что выплеснуть  свои эмоции становится для него жизненной необходимостью. Иначе они могут разрушить его физическое тело.
           Одарённость во все времена тоже бывала разной, не каждый владел мастерством реалистично и доступно рассказывать людям о том, что ему открывалось. Иные художники прибегали к абстрактным формам  в силу разных причин: болезненно-искажённого восприятия действительности, желания прославиться, протеста против существующего порядка или из-за сугубо психологических проблем.  И это понятно, ведь «чем сосуд наполнен, то из него и выльется». Если бы все работали одинаково, искусство бы не пробуждало мысли, а ведь именно это и ценно в нём для человека. Не бессмысленное созерцание, но рождение вопроса, недоумения или восторга, согласия или отрицания, радости или печали.

         Картина Казимира Малевича появилась в тревожное время 1914года, в период  первой мировой войны, и с тех пор никого не оставляла равнодушным.
        Большинству людей она казалась безобразным мрачным пятном на прекрасных творениях живописи, да и сам художник заявлял, что его «квадрат»  - конец всякого искусства. Он был поглощён идеей все предметные формы свести «к нулю и шагнуть за нуль», обозначая главенство чёрного цвета, извлечённого из глубины своего сознания, над белым, для которого Малевич обозначил некую роль рамки вокруг черного проёма тьмы, открывающейся перед зрителем.
         Возможно, что сам художник глубоко и до конца не понял, что создал сплошной символ - времени, собственных ощущений от событий, которые происходили вокруг, своего противоречивого взгляда на искусство…
         «Квадрат» создан, чтобы отрицать живопись, но вызывает обратный эффект: своей чернотой он словно утверждает, как прекрасна многоцветная палитра реалистичной живописи!
           Автор не мог даже предположить, насколько разнообразные и противоречивые мысли способно пробудить его творение. Скорей всего, он стремился к славе, забавлялся или находился  во власти страха - такое бывает, но в любом искусстве два творца: один лишь водит рукой, а повелевает другой, не видимый -  ни нам, ни самому художнику. Ведь изначально квадрат был белым!
         
         Любому виду искусства нужен зритель. Для него пишется музыка, создаются фильмы, пишутся картины. Эту картину всегда будут рассматривать по-разному.
           Для меня  этот квадрат- символ  бытия самого человека, где белый, чистый и понятный - внешние формы, но главное в человеке и вокруг - мир внутренний, и он - сплошная загадка. Четыре угла, словно четыре конца света, ни в одном из которых так и не найден ответ на вечный вопрос: что же такое человеческая жизнь. Ни одно сознание никогда не пробьётся сквозь тьму этой тайны - и опасно долго смотреть в её бездну!
            Картина отталкивает вызывающей простотой и мрачностью, но и притягивает, потому что в этом квадрате - и тайна человека, и страх непознанного, и бесконечность космоса, а космос чёрен, как ночь, и бесконечен, как небо над нами.
            Однако в небе есть звёзды! Как знать - может, это отражение света гениев?  Их несчётное множество!  За тысячи лет небо отразило миллиарды, но Вселенная не стала понятнее нам, как и сам человек.
           На мой взгляд, Казимир Малевич изобразил  окно в тайну,  а звёзды - они внутри нас. Человек светит в мир изнутри и отражается в этом великом зеркале Вселенной.
            Духовная пустота разрушает людей, тьма страшит, но каждый способен нести свет, и значит, приумножать его.
           Белая рамка квадрата тоже сыграла свою роль. Она словно вселяет надежду, подчёркивает - мир вокруг чист и прекрасен.
           Порой кажется, что в человеке нет света, но, если заглянуть в самую глубину собственной души, свет всегда можно отыскать так же, как в безжизненной на первый взгляд пустыне - жизнь.  Нужно лишь помнить:  это открывается  не сразу, и лишь тому, кто ищет.
                Наталья  Коноваленко

                Материал статьи подготовлен автором по собственному рассказу
                http://proza.ru/2019/01/06/1069

От автора: Данная публикация может стать дополнительным подспорьем в воспитательной работе учителя, классного руководителя, способствовать пробуждению интереса обучающихся к искусству и посещению музея. Для применения статьи при её чтении необходимо дополнить ее фотографиями или  репродукциями перечисленных картин, которые не показаны здесь лишь в связи с правилами публикации.