Самодельные основы изобразительного искусства

  Данное эссе основывается на лекциях  для моей дочери Алисы, предпринятых  в попытках дать ей  моё видение предмета изобразительного искусства.

 10 ноября 2018 года -  6 января 2019 года.

 Все кто  сталкивался с изобразительным искусством невольно задавался вопросом - почему такая огромная разница в стоимости  картин ?
 На мой взгляд при необходимости разграничения по безусловному наличию изобразительного уровня мастерства это является недостаточным для объяснения высокого уровня стоимости картины. Стоимость картины в моём понимании определяется уровнем художественного  воздействия на человека , а этот уровень напрямую зависит от уровня трактовки или скажем так уровни мастерства по искажению реальности ( настоящей или воображаемой ). Настоящий мастер умеет заставить мозг зрителя додумывать картину именно так как ему нужно. Например, введение в картину определенной асимметрии вызывает определенный когнитивный диссонанс в мозгу  зрителя. Возможно это воздействие определяется игрой на инстинктах  в  восприятии окружающего мира. Древний человек был заинтересован выживании,  а это определялась в умении распознать в окружающей действительности замаскированных хищников,  которые отличались от окружающей обстановки наличие несоответствия демаскирующих факторов , вот этот код восприятия уже имеющийся в мозгу человека необходимо использовать для конструирования новой реальности, связанной с решением художником его задач в картине.

 возникает вопрос - Какие же это задачи?
 Первая и самая простая задача - это  выделиться из общей толпы художников которых много. Например, есть известный художник Эшер, картины которого построены именно на на ломке стереотипов восприятия, это является тоже своего рода искусством , но в его основе лежит просто эксплуатация одной из особенностей зрительного восприятия  . Сверхзадача выполнена,но она  локальная.
   В числе главных   задач  при написании картины является ее композиционное построение.
 об уровне мастерства художника можно судить по пониманию его сверхзадачи  композиционного построения ее реализации выражающееся в том числе в отработке всех взаимосвязей между всеми частями картиной

  Одним из художественных приемов используемых при написании картины является приём незримого присутствия личности художника, а точнее воображаемой личности придуманой художником в картине. Это делается для того чтобы зритель вошел своеобразный транс сопереживание с картиной ,  примеряя себя на место воображаемого героя этой картины. Это делается с помощью технических приемов связанных с с погружением человека в трансовое состояние. Первым и наиболее широко применяемым подприёмом является перегруз каналов восприятия когда количество информации раздражающей рецепторные поля человека выходит за пределы обычно контроля то есть число больше 7  (Правило S7). На этом фоне  происходит ввод основной идеи картины.
 Это моя догадка которая требует экспериментального подтверждения для этого необходимо проанализировать картины великих художников оказывающих наибольшее воздействие на человека.
 Правило S7 может быть выражено на разном уровне восприятия человека . Всё дело в культурных кодах , так например достаточно спорная гипотеза лингвистической относительности говорит о том ' что многое в мышлении человека предопределяется значением слов языка в котором мыслит этот человек,  на самом деле это конечно не совсем так или может быть и совсем не так. Всё определяется по большому счёту характером рецепторных полей индивидуальных для каждого человека. Таким образом уровень художественного воздействия картины определяется в том числе уровнем проникновения художника в коды человека. Наиболее глубоким уровнем естественно  является уровень инстинктов , всё что выше инстинктов - это так называемая цивилизация. Поэтому можно говорить с определенной долей вероятности,  что гипотеза лингвистической относительности работает,  но на мой взгляд картины имеющие общечеловеческое значение отвергают эту лингвистическую относительность и тем самым лингвистический детерминизм.
 Если обозначить в общих чертах  ИМХО типовые признаки феноменальных картин-  это в первую очередь целенаправленное и чаще всего интуитивное желание художника ввести в транс зрителя своих картин. Но трансовое воздействие не может быть рассмотрено в отрыве от личности самого художника ,  отличие от цыгана владеющего гипнозом и Великого психотерапевта в целях и задачах которые они преследуют.  Если в первом случае есть желание с помощью техники воздействия срубить по быстрому бабла, то втором случае воздействие носит скорее  лечебный характер,  видоизменяющий саму личность зрителя. В первом случае воздействие носит краткосрочный характер и оставляет скорее неприятный осадок обмана, то во втором есть желание повторно подвергнуться благотворному воздействию искусства,  это тот самый катарсис для которого идут на спектакль , читают хорошие книги и смотрят хорошие фильмы -  прогон души для хорошего ещё состояния.

 К вопросу о многообразии стилей в современных художниках.
Если посмотреть историческую ретроспективу изменение стилей то можно заметить,  что раньше эти изменения происходили относительно медленно, а сейчас наблюдается гораздо быстрая смена. Это больше похоже на изменение моды и связано скорее всего с коммерциализацией изобразительного искусства. Просто художникам необходимо выделится из общей толпы. Этот факт присущ всем явлениям в изобразительном искусстве начиная с эпохи бурного развития капитализма и до нынешних дней.  анализируй это явление Я прихожу к выводу что все эти стили иногда осознанно или неосознанно делались с целью  эксплуатации наиболее умной верхушки движения стиля  всеми остальными участниками.  Стиль поддавался как общий тренд развитие для формирования общественного мнения , а индивидуальные бренды выдающихся мастеров стиля проскакивали лучше в таком варианте.  конечно не обошлось и без потребителей искусства потому что их желания как бы формировали и стиль.
Сейчас данные процессы намного ускорились из-за того что повысилась интерактивная составляющая за счёт соцсетей и мессенджеров.
 При наличии должного уровня организации сообщество художников влияние может быть многократно усилена. Это явление может носить искусственный и естественный характер , но с учётом коммерциализации абсолютно невозможно исключить тенденции к манипулированию общественного мнения.  соответственно создание нового стиля необходимо изначально рассматривать как сетевой проект так как другие варианты развития будут неконкурентоспособны. поэтому усилия так называемых галерейщиков  не опирающихся на возможности современного интернета заведомо  находятся в проигрышной  позиции.  Поэтому нужно подходить данному вопросу осознанно как бизнес проекту и иметь хотя бы приблизительное представление о необходимых трудозатратах по построению действующей структуры сетевого сообщества нового стиля в изобразительном искусстве. для этого нужно проанализировать имеющиеся примеры успешной реализации артистических проектов в изобразительном искусстве. коммерциализация без активного маркетинга нереальна , поэтому необходимо иметь какие-то ориентиры по современному артистическому рынку. Надо попробовать выявить какие-то закономерности в смене тенденций стилей и связать их  с явлениями экономической жизни ( думаю такого рода попытки уже предпринимались и их просто нужно найти).


 Искажение реальности должно преследовать определенные цели :
1. во-первых и самое главное само по себе быть системой,  то есть оно  должно быть не просто так, а набором  связанных определенным  образом задач, объединенных сверхзадачей. Например, в первом приближении точнее в первой картине Алисы которая подвергнулась такому специализированному конструированию в построении была сверхзадача - заставить картину пульсировать, то есть объединить все искажения реальности таким образом , чтобы взгляд блуждал по всем основным точкам искажения реальности и в конечном итоге получалось вроде бесконечного мультфильма аниме в котором одна из частей картина за счёт более тщательного выписывания акцентировала на себе внимание  и выполняла роль смыслового рефрена  акцентирующего как сверхзадача.

ОТВЛЕЧЕНИЕ 1
-  при более тщательном рассмотрении картины "Черный квадрат" Малевича выясняется, что квадрат написан не чёрной краской и цвет его является набором красок , геометрические размеры его не соответствует квадрату, соответственно мы наблюдаем в нём те же приемы по манипулированию зрительным восприятием. А сверхзадача - скорее всего " погружение в космос" ,  как в том самом стихе М.В. Ломоносова "Открылась Бездна звезд полна , звездам нет  числа а бездне дна".

 Искажение реальности  не обязательно должно бросаться в глаза явным образом в виде искажения предметов - это может быть сделано за счёт нарушение типичных пространственных лекал построения картины в целом, например искажения перспективы , искажения пропорции, искажение цветовой передачи , искажение светотени ,  игра на разнице уровня прописывание отдельных предметов и областей картины и т.п. и т.д..   общее количество искажений может быть очень большим,  поэтому требуется их систематизация для осознанного точного  применения в картине,  с целью решения художественных задач и сверхзадачи.
Здесь вполне возможна аналогия с фракталом ,  причем нужно чётко определиться с иерархией восприятия,  в определенной степени это гармонизация пространства построенная на иерархическом уровне восприятия человеком ,  базирующаяся на фундаментальных ограничениях, присущих человеческим системам.

ОТВЛЕЧЕНИЕ 2
-  скорее всего преднамеренное искажение реальности присуще всем видам искусств, но каждый вид искусств  имеет свои ограничения  в сути своей.  Условно виды искусств по видам искажений делятся на две основные группы связанные с разверткой по времени:  без развертки и с разверткой. К первому виду относится живопись , скульптура, архитектура всё что имеет застывшее форму. А второе - это сценическое искусство, кинематограф и прочее. Есть конечно попытки объединения разных форм искусства-  статичного и подвижного, разного рода комбинации, иногда это получается достаточно интересно.

 Возвращаясь к живописи можно сказать следующее - ограниченные возможности предоставляемые статичным полотном требуют осознанного применение набора приемов для того чтобы картина начала жить своей собственной жизнью. То что в кинофильме может быть развернуто в течение длительного времени требует от художника такого же воплощения в картине. Если исходить из леммы, что приемы присущие сцене описанные Аристотелем будут действовать и в картине - задачи художника становятся чрезвычайно сложными. Погружение в картину требуют понимание работы мозга человека по детальному реконструированию придуманной реальности. Это понимание подразумевает реконструкцию временной развертки детали картины приблизительное или точное воссоздание хода движения воображение человека во времени. Я думаю , хотя могу и ошибаться , что загрузка мозга основывается на ограниченности его возможностей , то есть  оно является порционным и определяется самим мозгом. Поэтому, в первом приближении, она носит аналитический характер и возможно имеет какую-то предопределенность виде алгоритмов . То есть заданность ( вшитость) определённых алгоритмов восприятия человеком окружающей действительности может быть использована для программирование его восприятия картины. Из нейролингвистического программирования мы знаем  что существует разные типы людей зависимости от ведущих систем восприятия человека. В нашем случае ведущей системой является "Визуальная" и требуется определённые сознательные усилия чтобы произошел перенос в другие системы восприятия человека с целью воздействие на конкретные личности.

 По моему интуитивному определению есть три уровня определения человека по его профессиональной составляющей:
1 уровень - ремесленничество связанный с получением-наличием базовых умений и навыков по профессии;
2 уровень - это уровень мастера, в основном заключающийся в том как он искажает реальность соответственно задачами профессии;
3  уровень связан с формированием мастером его сверх задачи в долгосрочной перспективе - это его миссия.


 Пытаясь объяснить Алисе  влияние Александра Сергеевича Пушкина на современный литературный язык  я высказал простую мысль о том, что  гениальность поэта  определяется тем что он не угадывает будущее , а делает его .  Для иллюстрации этой мысли просто надо сделать анализ  на количество архаизмов в произведениях автора. Сравнивая конкретного автора с другими авторами эпохи выяснится ,что количество архаизмов у других авторов больше. И это говорит не о том, что гениальный автор как бы более современен, а наоборот о том, что он оказал большее влияние на развитие языка - сделав более употребительными слова своих читаемых произведений, тем самым дав им долгую жизнь.

 Здесь интересна наличие аналогии в первооснове творческой деятельности гениев  различных искусств.