Обучающая программа основам изобразительного искус

                ЧИСТЫЙ ЛИСТ
Предисловие:
В Москве стартовала и успешно развивается программа мэра С. Собянина, направленная на активное долголетие пожилых людей, что дает им новые возможности интеллектуального и творческого  развития.
Лично для меня, как для педагога дополнительного  образования, который много лет преподает изобразительное искусство и прикладное творчество школьникам и студентам, работа со взрослыми студийцами -  интересный и плодотворный эксперимент.
Ведь восприятие взрослых гораздо более объемное и структурное, чем восприятие детей, а значит, может дать и гораздо большую результативность.
Взрослыми людьми накоплен значительный социальный опыт, благодаря которому они смогут сознательно дополнить и достроить сказанное и продемонстрированное педагогом во время занятий, взяв за основу собственную идею, свои впечатления.
Их кругозор обширен, мышление и воображение каждого – кладезь зрелого познания мира.
Чем замечательно искусство изображения?
Оно доступно людям с раннего возраста и до глубокой старости, в нем нет возрастных ограничений и противопоказаний.
Для него не нужно иметь определенную группу здоровья и набор навыков.
Рисованию можно начинать учиться с нуля, памятуя про то, что еще на заре цивилизации древние люди испытывали неясное томление и стремились к красоте, оставляя на стенах своих пещер примитивные рисунки, ставшие с течением времени артефактами для современных людей.
Это самое томление, которое позднее получило название «вдохновение» и тяга к его реализации на примере конкретного творчества и используется мною в основе обучающей программы
«ЧИСТЫЙ ЛИСТ», как мотив освоения культуры изображения.
Первое, о чем говорится студийцам, это то, что искусство изображения не нуждается в дорогостоящих инструментах и материалах и в прочной теории.
Даже карандаш и бумага вторичны.
Те образы, что рисует человеку с детских лет его сознание, воплотимы повсеместно.
Простым и моментальным материалом для изображения может стать свежевыпавший снег, а инструментом изображения – прутик, оказавшийся в руках «художника».


 
Фото 1

Материалом может быть песок у моря, инструментом же – обломок морской раковины и т.д.

 
Фото 2

Творческое сознание во всем, что окружает нас, разглядит и узнает то, что может стать материалом и инструментом для изображения.

 

Фото 3
 
Фото 4
И гордое слово «художник» здесь вовсе не искажает и не утрирует действительное положение вещей.
Вокалистом, поэтом или танцором стать может далеко не каждый, так как тут нужны ярко выраженные природные данные, в то время, как искусство изображения доступно всем.
Ведь именно рисунки, как свидетельства творческих поисков и овладения ими доходят к нам из античных времен гораздо скорее и чаще, нежели упоминания об освоении музыкального, хореографического, театрального и литературного пространства.

 

Фото 5

 

Фото 6
В школе во время урока мы все более или менее рисовали на промокашках и на последних страничках тетрадок, не осознавая, что создаем некие изобразительные символы.
И если человек, в котором веками генетически закладывалась способность к изображению, испытывает в любом возрасте к этому творчеству вполне понятный и объяснимый интерес, приходит на занятия, я вместе с ним делаю эти первые шаги на трудном и нескончаемом пути к тем культурным пространствам, которые он, шагая, откроет для себя.
Здесь особо хочу отметить, уже сумев реализовать эту программу со взрослыми учениками, что, общаясь и взаимодействуя между собой, обучающиеся получают не менее продуктивный опыт друг от друга.
Как важно для каждого из них общение с носителем профессиональной художественной теории и практики – педагогом, так, не менее важен им творческий диалог друг с другом.
Если от педагога каждый слышит, видит, получает на занятии полезную информацию, то, интериоризировав, т. е. переработав ее в своем сознании, студийцы предлагают в общении друг с другом свое видение, свою версию творческого осмысления пройденного материала.
Известно, что человеческая личность уникальна в своих проявлениях.
Представьте, каким богатым становится межличностное общение взрослых людей, имеющих общие творческие интересы.
Педагог наблюдает продуктивность такого общения и отслеживает положительную динамику развития, формируя задачи на триместр, полугодие, год  обучения.
В результате каждого учебного триместра на просмотрах готовых работ проговариваются, как ошибки, так и успехи обучающихся и собирается выставочный фонд работ, который демонстрирует итог части пройденной программы.

 

Фото 7
 

Фото 8

Это удобно делать сообразно сезонам под названиями «Цвет осени», «Чудеса зимы», «Весеннее настроение».
Так же есть опыт проведения промежуточных вернисажей, самый первый из которых был назван «Знакомьтесь - это мы.», следующий «Пространство изображения: рисунок и геометрия», «Метаморфозы», «Как прекрасен этот мир!».

Цель программы:

Раскрыть перед взрослым человеком его творческие возможности, направив их на применение в той отрасли изобразительных искусств, к которым наблюдается интерес.

Задачи, реализуемые в процессе обучения:

*Познакомить студийцев с многообразием изобразительных жанров;
*Выявить сходство интересов в формировании приоритетов обучения;
*Помочь освоить навыки  самовыражения в условиях обучения;
*Помочь изучить несложные приемы изображений, помогающих создать самостоятельный  творческий продукт

Методы обучения:

*Беседа педагога с демонстрацией образцов художественного и прикладного творчества;
*Диалог педагога и студийцев, направленный на поиск творческой стратегии, позволяющей реализовать учебные задачи;
*Мастер-класс педагога с демонстрацией тех или иных творческих и технических приемов и возможностей изображения;
*Коллективная творческая работа
*Работа над выставочным фондом, подготовка вернисажей

Поурочное содержание занятий:

 Шаг первый. Вводное занятие
Первотворчество человека – это искусство изображения.
Как только мы научимся самостоятельно держаться на ногах, произносить первые слова, начинает формироваться сознание.
Оно связано с  окружающей средой и все, что человек видит вокруг себя, слышит, осязает, он впитывает благодаря окружающей среде.
Сознание человека, его внутренний мир – уже само по себе можно считать творцом.
Все, что спрятано в хранилище нашей памяти, все, что мы видели хотя бы однажды и запомнили, мы можем изобразить.
Или можем попытаться изобразить.
И поэтому целесообразно начать наше знакомство с того, что уже было освоено вами в процессе жизни.
Имеются в виду навыки рисования. А мне это даст возможность выявить уровень вашей подготовки и проследить ваш интерес к целям, которые вы себе наметили.
Я не стану их менять, с моей стороны будет лишь корректировка ваших возможностей.
Так же я смогу указать вам на сильные ваши стороны и, в первую очередь, сможем заняться их развитием.
В процессе такой работы могут появиться новые интересы и мотивы освоить незнакомое вам пространство творчества или желание обратить внимание на то, что кажется неподъемным.
И в качестве первого задания предлагаю фристайл – произвольную программу.
Попробуйте нарисовать то, что вы можете и умеете, то, что вы не раз рисовали и что у вас хорошо получается.
Это будет несложно и привычно.
Для кого-то это пейзаж реальный или вымышленный, для кого-то что-то прикладное, скажем, вариант орнамента, для кого-то попытка изображения человека, для кого-то карикатура или дружеский шарж, для кого-то рисунок с сюжетной основой.
Во время вашей работы у меня появится возможность отследить ваши навыки рисования, если таковые имеются и сделать первые выводы о приоритетной творческой деятельности студийцев.
Сделав первое изображение в формате занятий, рядом друг с другом, вы уже осуществили шаг в пространство художественной культуры и науки изображений.

Шаг второй. «Особенности сознания, как мотив к самовыражению»
 Сознание человека можно сравнить с зонтиком Оле-Лукойе, которого некогда придумал для людей, маленьких и взрослых, сказочник Андерсен.
Помните, в его сказке добрый волшебник неслышно пробирался ночью в дома к спящим детям и раскрывал над ними зонты? Над плохими черные - и тогда они спали, ничего не видя во сне.
 А над хорошими –цветные. И в тот момент детям всю ночь снились чудесные, красивые, пестрые сны.

 

Фото 9
Все, что нам снится, тоже работа нашего сознания, проекция образов, увиденных и узнаваемых в течение жизни.
От обилия впечатлений извне ребенок берет в руки все то, что может оставить след и неосознанно пытается делать изображения, чтобы закрепить их в своем сознании, как в копилке, которая сохранит его богатства.

 

Фото 10

В качестве инструмента может быть мелок, в качестве изобразительного пространства – чистый и сухой асфальт.
Это может быть скамейка в парке и гвоздик, который оставляет след на спинке скамьи.
Это может быть и привлекающая своей чистотой и яркостью цвета стена после ремонта, на которой так и хочется что-либо изобразить.
Как только я научилась стоять на ногах, я взяла карандаш и первым опытом моего рисования стали испорченные стены в родительской квартире.
Потом я добралась до книг, на  полях которых тоже появлялись обильные каракули, оставленные неумелой, но рьяной моею рукой.
Меня не ставили в угол и не лишали сладкого.
Просто были сделаны соответствующие выводы и в определенный срок я была отправлена в художественную школу, затем в художественное училище, где мною постигались и основы композиции, и культура цвета, и прочее, без чего не может обойтись специалист в своей работе.
Главное, чему меня там научили – это правильно видеть.
Не смотреть, как могут и делают все зрячие люди, а именно видеть.
Это и отличает зрение художника, как часть его сознания, от зрения прочих людей.
Но художник – человек, который несет опыт своего видения людям.
И если художник интересно и по-своему индивидуально не только видит, а и способен изобразить, то  рисование-творчество, которое доступно всем.
А еще оно может стать избавлением от повседневной усталости, накопившейся в вас день за днем.
И наконец, оно может создавать хорошее настроение и сделать вашу жизнь гармоничной, а значит, и счастливой.
Теперь об изобразительном пространстве.
Дети, начиная с походов в детский сад, где, конечно, ими постигаются основы рисования, затем в школе, привыкли, что рисуем мы в альбоме или на отдельно взятом листе бумаги.
Они, дети, как правило, не задумываются, что лежащий перед ними чистый лист – изобразительное пространство.
И что у него есть свои границы.
Если в пространстве изображения вы нарисуете лавочку и куст, склоненный над ней, - пространство будет маленьким. Оно вместит лишь кусочек двора.

 
Фото 11

Если вы изобразите инопланетный корабль, астероиды, звезды, метеориты, пространство станет огромным и вместит космос.

 

Фото 12

И восприятие сможет увидеть именно то, что вы изобразили –маленький тесный дворик или целую вселенную.
Это первое, что необходимо понимать и осознавать, когда перед вами лежит чистый, пока еще нетронутый кистью или карандашом, лист.
Важно помнить и знать - изобразительное пространство мы можем превратить в маленький, альковный кусочек мира , либо сделать его безбрежным, неохватным, несмотря на стандартные размеры листа.
И формируете глубину и размер пространства только вы, сознательно сужая или расширяя его границы.
 Хорошо сопровождать занятия рисованием соответствующей настроению музыкой.
Тогда удваивается эмоциональность наших занятий, ведь звучание музыки проецирует свои, особые образы, которые, сплетясь в нашем сознании с вашим внутренним зрением, образуют продукт уникальный, что может быть сотворен только вашею рукой.
Если вы рисуете спокойный, умиротворенный летний пейзаж, вам подойдет «Баркаролла» П.И. Чайковского.

 

Фото 13

Если захотите изобразить мятежное, бушующее море, прекрасно будет рисовать его под «Летнюю грозу» А. Вивальди.

 

Фото 14

Изображения народного праздника можно сопроводить половецкими плясками А.П. Бородина.

 

Фото 15

И необходимо помнить: раз вы в почтенном возрасте взялись за освоение новой для вас творческой деятельности, вам необходимо удобство.
Следует подумать, каким будет место для работы, насколько необходим источник света, опора для рук.
Не менее важно то, как и на чем вы сидите. Если вы будете чувствовать дискомфорт, творчество будет не в радость, да и результат вас вряд ли удовлетворит.
Поэтому посвятите этому достаточно времени – один раз подумать и подготовить все гораздо рациональнее, чем каждый раз сызнова начинать устраивать свое рабочее - творческое пространство.
Те, кто находится сейчас на моем занятии, сделают попытку устроиться удобно для себя и без ущерба для остальных.
Вместе мы возьмемся освоить мастерскую и найти в ней для себя удобное место, учитывая освещение, для долгой работы в ней.
Итак, зона комфорта создана. Есть предпосылки для успешной и продуктивной работы.
Поехали.

Шаг третий. «Свобода творчества»

Перед вами рисунок, который вы только что сделали или только еще делаете. Скорее всего, он вам не нравится.
Начнем с того, что у многих из вас это первый опыт, про который можно сказать, что это «первый блин комом».
Это не совсем так. Я бы назвала это отправной точкой.
Из этой точки начинается ваше путешествие в увлекательный мир изобразительного творчества.
 То, что сделано и делается вокруг вас не вами – тоже образцы творчества, если вы осваиваете эту науку сообща.
Возможно, чужие попытки творчества кажутся вам более умелыми и интересными. Это в порядке вещей.
Ведь к себе мы гораздо критичней и требовательней. Почему? Каждый человек - средоточие вселенной. Той небольшой вселенной, которая в его голове. Это купол нашего сознания так работает. Остальным мы уделяем гораздо меньше внимания.
Почему и изобразительные успехи тех, кто рядом с вами, кажутся вам гораздо более значительными, чем свои собственные. К ним - то вы менее критичны.
Взгляните на это с другой стороны: те, кто видит ваш первый шаг в творчестве, возможно, оценят гораздо выше ваш опыт, нежели свой собственный.
Не будем же считать первый рисунок, который вам не очень-то и по душе, неудачей. Наоборот, это даже неплохо - есть к чему стремиться.
И не думайте, что этот рисунок никому не нужен и его никто не сможет оценить.
Когда рисунок появится на свет, появится и смысл его присутствия.
Он уже существует. И это ваш творческий символ. Посредством которого вы общаетесь с окружающим миром.
Сложно понять? Вовсе нет! Ведь то, что изображено - оно пришло из среды, окружающей нас.
Тут следует заметить, что гораздо проще изображать элементы, которые нам хорошо знакомы.
Это паттерны – условные рефлексы сознания. Сознание использует копилку образов, что мы часто видим вокруг себя и с чем сталкиваемся в жизни.
Как правило, это растительные элементы - цветы, листья, кроны деревьев. Уж такие-то изображения доступны всем.

 
Фото 16

 

Фото 17
 

Фото 18

Или еще проще - кружочки, треугольнички, квадратики, что, как детские кубики, при минимальных усилиях могут сложиться в некую конструкцию - башню, пирамиду, лестницу и пр.

 

Фото 19
 

Фото 20

Давайте попробуем поставить перед собой задачу – создать композицию, т.е. сочетание простейших объектов изображения.
Следует пояснить, что объектом изображения может служить все, что привычно видит наш глаз.
Объекты могут быть как одушевленными (кошки на улице, птицы на заборе, лошадь, везущая повозку, люди), так и неодушевленными (дом, машина, скамья, мельница, лодка).
Но это объекты гораздо более сложные для изображения, нежели простейшие элементы, перечисленные выше.
Сказано – сделано. Мы попробовали – получилось.
 
Фото 21

Успех следует закрепить двумя-тремя похожими работами и можно двигаться дальше.
Кстати, несколько версий одного и того же замысла очень полезно делать – появляется уверенность в своих силах и опыт такой работы уже прочно закреплен сознанием.
Он остался с нами и позволяет нам уверенно осваивать дальше бесконечность изобразительного пространства.

 
Фото 22

 

Фото 23

Шаг четвертый. Главные приемы изобразительного творчества.

Линия – одно из самых распространенных и самых выразительных средств рисунка.
С помощью линии художник создает абрис, т.е. контур формы, может передать ее объемы и показать пространство.
Линию можно сделать с помощью кисти и пера (инструменты изображения), с помощью мела, пастели, угля, сангины (изобразительные материалы).

 

Фото 24
 

Фото 25

 

Фото 26

Думаю, на вопрос «Гуашь, акварель, темпера, масляные краски – инструмент или материал для изображения?», вы самостоятельно найдете правильный ответ.
Линии очень разнообразны. Они могут быть прямыми, волнистыми, ломаными, прерывистыми, толстыми, тонкими.

 
Фото 27
 
Фото 28
 

Фото 29



 

Фото 30

Они дают нам полную информацию о рисунке. Если линии легкие и не очень уверенные, это может означать, что перед вами эскиз, набросок –начальная стадия работы, самый первый ее этап, в котором все еще будет уточняться и поправляться.
Если линия уверенная, значит, этим приемом пользовался мастер изображения, а зрителю эта изобразительная уверенность, безусловно, видна и понятна.
Есть существенное отличие линии, используемой в чертежах, так называемой «линейной», что делается при помощи линейки от линии, используемой в рисунке.
Она никоим образом не может появляться при помощи линейки, в противном случае рука никогда не приобретет необходимый опыт.
Даже если изображение, задуманное вами, геометрично, скажем, многоэтажное здание, живость рисуночной линии и естество ее восприятия ценно, именно, как ручной труд и линейкой ни в коем случае пользоваться не нужно. Иначе рисунок рискует стать чертежом и в нем пропадет свой собственный взгляд на объект и настроение, которое и отличает рисунки художника от чертежей инженера.
 

Фото 31
 
Фото 32
Поэтому попробуем сделать совсем несложное упражнение и попрактикуемся рисовать привычным и традиционным материалом –простым карандашом различные линии.
Почему простой карандаш? Все, что не получилось, легко удалить мягким ластиком.

 

Фото № 33

Попутно, прокомментирую и возможности материала: простой карандаш предназначен для очень широкого спектра художественных и чертежных работ и имеет различную степень мягкости-жесткости.
Для получения информации необходима консультация специалиста в магазине или просто умение читать техническую характеристику карандаша, которая нанесена на его деревянный корпус.
Если карандаш твердый, его корпус помечен буквой Т, что означает «твердый».
 Твердый карандаш предназначен для чертежных работ.
Карандаш с буквой М имеет различную степень мягкости и годится для наших упражнений, так как его легче стереть и подкорректировать изображение.
Приступим. Проведем несколько горизонтальных линий. Если получается сделать их параллельными, они создают ритм.
Ритм – повтор одинаковых элементов изображения.

 

Фото 34

 

Фото 35
 

Фото 36

В нашем случае, линия не будет создавать целое изображение, она будет лишь частью упражнения.
При взгляде на горизонтальные линии ощущается незыблемость и уверенность.

 

Фото 37
Параллельные линии всегда создают на рисунке ощущение стабильности и порядка.

Далее перейдем к изображению вертикальных линий.

 

Фото 38

Старайтесь не вертеть лист для своего удобства ( вдруг это не лист, а холст или картон, закрепленный на мольберте?), а постарайтесь научиться манипулировать рукой.
Поначалу это кажется трудным делом, зато прекрасно развивает мелкую моторику – амплитуду движения руки при рисовании. А это безусловный шаг на пути к профессионализму.
Вертикальные линии дают ощущение твердости, силы и устойчивости.
Линии, что направлены по диагонали, создают динамику изображения.

 

Фото № 39

Теперь чуть усложним упражнение. Попробуем сделать несколько волнистых параллельных линий. Они вполне могут создать мятежность изображения.

 

Фото 40
Далее поупражняемся в рисовании ломаных линий. Такие линии придают рисунку дерзкий характер, они колкие из-за своих острых углов.

 

Фото 41

А когда мы закончим освоение разных линий в одном формате, можно создать этюд – небольшую работу с целью закрепления первичных навыков.
Озвучу варианты, где можно использовать разнообразие всех этих линий.
Вы можете нарисовать античный храм со стройными вертикальными колоннами, у подножия которого плещется морской прибой.
Еще пример:
Поле, над которым ветер гонит по небу облака и вот-вот разразится гроза.
Тогда с помощью волнистых линий получатся тучи, из которых будет хлестать косой ливень, а ломаные линии превосходно передадут сверкание молний.
Или абсолютно безмятежную в противовес предыдущей картинку – забор деревенского дома из-за которого свешиваются ветки отягощенных плодами деревьев.
Хотя, уверена, что после прочитанного у каждого появится свой вариант изображения.
Когда этюды будут закончены, мы рассмотрим их сообща, обсудим удачное, рациональное и не очень удачное применение линий.
А закончим занятие обсуждением известных всем и каждому произведений, которые послужат нам наглядным примером мастерского использования линий.

 

Фото 42

 

Фото 43

Есть и еще некая версия линий, которые в единственном числе принято называть штрихом, а во множественном – штриховкой. Но, дело в том, что в единственном числе таким приемом не пользуются, как правило, линий должно быть много –тогда они формируют поверхность изображаемого объекта.
Есть ли существенная разница между линией и штрихом, если штрих – разновидность линии?
Есть. Линия создает, повторюсь, контур изображаемого объекта, а штриховка - его объем.
Частые, единонаправленные линии (как правило, недлинные) создают тональность изображения. Речь идет о рисунке, сделанном простым карандашом. Если изображение не цветное, проще говоря, не имеет цвета, оно в законченном виде должно иметь объем, т.е. естество изображения.

 

Фото 44

Яблоко - круглое. Огурец - овальный. Куб - угловатый. Чтобы они получились на рисунке осязаемыми, применим метод штриховки.

 

Фото 45
 
Фото 46

 

Фото № 47
Если штрихи наложены прозрачно, в один слой, значит, объект в этом месте светлый (иными словами, одна из его сторон освещена)
Это очень легко определить. Если свет падает только из окна, объект будет светлым на той своей поверхности, которая обращена к окну. Ну, положим, приведу в пример глобус, что стоит на учительском столе.
Тот выпуклый круглый бок глобуса, что обращен к окну, - самое светлое место глобуса.
На рисунке с карандашной штриховкой  такое точечное  наиболее светлое место можно протереть ластиком или обозначить белилами.
Этот световой акцент называется бликом. С противоположной стороны от блика будет расположена тень. Тень самое плотное по насыщенности штриха место на рисунке. Это фрагмент рисунка, где нет места свету.

 

Фото 48

Как же технически выполнить на нецветном изображении тень собственную (на поверхности объекта) или падающую (тень, которую объект отбрасывает на поверхность, на которой находится)?
Штриховка, чтобы показать тень, наносится в 3-4 слоя под разным углом. Например, один слой – штрихи вертикальные, они перекрещены со следующим слоем – горизонтальным, третий слой –штрихи диагональные. Таким образом, создается тональная канва, напоминающая ткань, в которой переплетены волокна.

 

Фото 49
Если мы хотим добиться объемного изображения объекта, нужно внимательно рассмотрев его, увидеть, с какой стороны он освещен, с какой он затенен и где граница между освещенностью и затемненностью. Оговорюсь, рассматриваем очень простой вариант. С одним предметом, простым по форме, четким по окраске и при одном источнике света. Там, где свет, кроме как из окна, падает еще и сверху, рассматривать не будем. Не стоит усложнять самим себе освоение самых начальных навыков рисования.
Как же определить то место, которое расположено между светом и тенью? Между штриховкой в один слой и штриховкой, которая слоями наложена друг на друга.
Эту пограничную зону принято называть светотень. А дальше, вам и самим нетрудно будет догадаться, что штриховка светотени прозрачней, чем плотность пересечения штрихов в тени и насыщенней, чем на освещенной стороне. Другими словами, это тональная растяжка, в которой не видны границы переходов из тона в тон.

 
Фото 50

И, к тому же, важно помнить: чтобы объект изображения при рисовании простым карандашом был похож на себя, необходимо штриховку накладывать по форме предмета.
Если это шар, фрагменты штриховки накладываем на изображение по кругу, все время изменяя угол руки.

 

Фото 51

Помните, в начале наших уроков я учила вас развивать подвижность рисующей руки для приобретения опыта?
 Разумеется, это сложнее, чем приспособить под свой комфорт лист - т.е. вертеть перед собой изобразительное пространство. Но это трудность вполне преодолимая.
Если предмет имеет три поверхности (гипсовый куб, коробка), то на его вертикальные стороны следует наносить вертикальную штриховку, на горизонтальные –горизонтальную. Принцип понятен?

 

Фото 52
Уверяю, если заниматься интенсивно, понятия, как поставить себе задачу и технически грамотно ее выполнить, появятся сами собой.
Пока, на данном этапе наших занятий, мы осваиваем технические приемы изобразительного творчества.
Эмоциональность, настроение в ваших работах появятся немного позднее, когда будут усвоены первые навыки техники изображения.
Для овладения штриховкой тоже есть свои упражнения.
На чистом листе попрактикуем штриховку – частые параллельные коротенькие линии.
Ну, пусть они для начала будут горизонтальными. Затем наложите сверху штриховку вертикальную. Затем третий слой – диагональный.
Затем попытайтесь с помощью линии сделать контур простого предмета. Груша подойдет. Или банан. С этим легко справиться. А когда контур готов, сделайте изображение тональным. С учетом света, тени и полутени.

 
Фото 53
 

Фото 54

Продолжим знакомство с популярными приемами рисования.
Часто используемым в рисовании приемом, является пятно.
Конечно, это совсем не то, что пятно от борща на скатерти.
Пятном в рисунке и живописи называют часть локально закрашенного изобразительного пространства.
Попутно прокомментирую то, что может пока вызывать вопросы: живопись – работы, выполненные красками, графика – сухие техники – пастель, карандаш, фломастер.
Разновидностей гораздо больше, но мы пока ограничимся этой информацией, все остальное для нас пока - дебри непознанного.
Самым великолепным достижением китайской и японской графики и живописи считаю работу с пятном.
Разумеется, этот изобразительный прием осваивают все, кто учится рисовать, независимо от географии, но у китайцев и японцев пятно –это верх совершенства, поэзия на бумаге.

 
Фото 55


Пятном называется и техника силуэта – плоского монохромного (одноцветного) изображения.


Кто из вас не видел, как работают на городских улицах или на приморских пляжах художники, вырезающие из черной бумаги профили отдыхающих и наклеивающие вырезанный объект на белый фон?
Великолепный, самый сильный для зрения контраст черного и белого создает лаконичный и четкочитаемый силуэт.
В нем нет детализации, позволяющей увидеть полномерность изобразительного объема. Но этого и не нужно, без этого работа выглядит чрезвычайно эффектной.

 

Фото 56

 

Фото 57

 

Фото 58
Хочу дополнить, что, как в чистом виде можно использовать технику линии и технику пятна при рисовании, также  можно смешивать эти два приема, что, безусловно, сделает работу более эмоциональной и интересной.
Однако, нам рано гнаться за эффектами, это могут себе позволить люди, мастерски владеющие приемами изображения, а мы будем двигаться потихоньку, чтобы была возможность реальной оценки своих первых результатов.
Итак, попробуем проникнуться философией древнего Востока, взять в руки кисть, нанести на нее немного влажной краски и сделать на небольшом листочке  пятно лилового  цвета.

Падающий цветок
Вдруг вернулся на ветку!

Оказалось – бабочка…
 
Фото 59

Я прочла вам хокку – средневековое японское трехстишие. В этот стихотворный размер японцы привыкли вкладывать некую мудрость жизни в нескольких словах.
Как правило, хокку изящны и в них абсолютно отсутствует суета, этакая скоростная характеристика, оттого – то они живут веками и не перестают удивлять читающих их глубиной мысли.
Попробуйте несколькими движениями кисти превратить пятно в изображение бабочки.
Предложу еще варианты хокку:

О, кленовые листья!
Крылья вы опаляете
Пролетающим птицам!
 

Фото 60

Подумайте, каков цвет характерен для осеннего клена и попробуйте с помощью живописного пятна передать пожар осеннего листопада и его щемящую красоту увядания.

Внимательно вглядись:
Цветы пастушьей сумки
Увидишь под плетнем.

 
Фото 61

Согласитесь, только поэт древнего  Востока мог так изящно описать бурьян у забора.
Зеленое пятно на бумаге легко превратить в спутанные травы.


Старый пруд.
Прыгнула в воду лягушка.
Всплеск в тишине.

 
Фото 62

Красочное пятно - бурое, серое, синее, можно без труда превратить в лягушку.
Попробуйте, у вас получится.

Шаг пятый. Эскиз.

Итак, мы подошли к тому моменту, когда хочется изобразить, скажем, не один объект, а два, три…Группу. Как их объединить так, чтоб они органично взаимодействовали между собой?
Для этого необходимо знать несколько вещей. Законы композиции, о которых поговорим чуть позже.
Самое же простое правило для объединения объектов на рисунке – они должны быть связаны общим действием.
Например: самовар, чайные чашки, блюдца объединяет процесс чаепития. В данном случае, чаепитие – момент объединения.
 

Фото 63

Клубки шерсти, спицы, ножницы, булавки объединены таким общим действием, как рукоделие.

 

Фото 64
По такому же принципу можно объединить удочку, ведро, рыбу.

 

Фото 65

Молоток, клещи, гвозди, предположим… И так далее.
Нельзя на одном рисунке объединять разнородные, не относящиеся друг к другу объекты. Это будет выглядеть нелепо.
Итак, объекты выбраны, объединены общим действием. Их можно изображать, как с натуры, т.е., видя их перед собой, так и  по памяти и воображению.
Результат будет получаться разный.
Объекты, изображенные с натуры, всегда будут иметь вид более реалистичный, нежели нарисованные по памяти. Потому, что поневоле сознание копирует то, что видит и на чем концентрируется внимание и пытается дать руке приказ максимально точно повторить рисунок.
Для учащихся и студентов это наиболее продуктивный способ учебы, но вам я предлагаю попробовать вызвать из памяти зрительные образы тех объектов, которые вам хочется изобразить, мысленно же представить их группой и уже это представление переносить в пространство изображения.
Изображение по памяти и воображению будет иметь более декоративный характер.

 

Фото 66



 

Фото 67

 

Фото 68

При этом вы оторветесь от необходимости сделать яблоко непременно красным, а виноград непременно синим. У вас есть варианты колористического, т.е. цветного изображения. А раз есть некая свобода, то и работа не сжата рамками определенной задачи.
Конечно, необходимо будет представить и поверхность, на которой группа объектов расположится – будет стоять или лежать.
Что я имею в виду? Яблоко, слива, дыня, персик, бублик, пирог, книга и пр. будут лежать на поверхности; ваза, чашка, стакан, корзинка, самовар – стоять. Надеюсь, это понятно. Ведь что-то мы ставим на стол, а что-то кладем.

 

Фото 69

 

Фото 70

Понятие натюрморта, думаю, известно каждому взрослому человеку – это неодушевленные предметы, объединенные общим действием или общим смыслом в пространстве изображения.
Теперь о композиции. Что это такое?
  Композиция происходит от латинского слова compositio - «сочинение; составление; связывание; примирение».
Простыми словами говоря, композиция – это грамотное расположение и взаимосвязь объектов в изобразительном пространстве.
Если это два, три и более объектов, они должны быть вместе, не просто лежать или стоять рядом или в ряд, а именно взаимодействовать.
В этом главная трудность. Если вы внутри себя четко увидели, как это должно выглядеть на рисунке, вы и перенесете это правильно и четко. Если что-то не складывается, не получается, не нравится при взгляде на набросок, значит, с композицией непорядок и надо ее уточнить. Для этого рядом нужен наставник, который правильно направит и подскажет, как исправить ситуацию.
Без композиции не обойтись в любом изобразительном жанре – будь то пейзаж, натюрморт, орнамент, книжная иллюстрация, портрет.
Словом, ЧТО бы вами не изображалось, необходимо правильно увидеть и грамотно расположить ЭТО в изобразительном пространстве.
А чтобы правильно делать и то, и другое, важно понимать, что композиция - это прежде всего разумный баланс изображений. Их не должно быть слишком много, или так мало, что пространство остается необжитым и пустым.

 

Фото 71
 

Фото 72

Давайте попробуем.

Шаг шестой. Композиция.
На предыдущих занятиях мы познакомились с понятием композиции, теперь необходимо это понятие усвоить так, чтобы оно помогало вам в любом жанре изобразительного искусства, за который вы отважитесь взяться.
Когда мы работали с такими приемами, как линия и пятно, речь пока не шла о композиции, это было немного рановато. Но теперь, думаю, самый раз, используя уже известные нам приемы, говорить о композиции.
Перед вами новый нетронутый лист – изобразительное пространство, которое будет населено объектами изображений. Сколько их должно быть оптимально, мы говорили на предыдущем уроке, когда знакомились с набросками, эскизами – первой стадией любой графической или живописной работы.
Вы рисовали природу хорошо нам всем знакомой средней полосы и я кому-то из вас делала замечания – тут пустота, тут скученность объектов, здесь им тесно настолько, что они утыкаются в границы изобразительного пространства. И очень неправильно изображать объект частично, что бы то ни было – половину скамьи, половину машины, половину дома, дерева и.т.д. Это говорит о том, что вы неправильно распорядились пространством. И это уже ошибка в композиции.
Правильное видение поможет вам и расположить все, что вы рисуете, правильно. На прошлом занятии как раз об этом шла речь.
Представьте, вы замыслили нарисовать вазу с цветами и пару фруктов, лежащих рядом с вазой.
Как вы думаете, какой из объектов будет основным на вашем рисунке - ваза с цветами или фрукты?
Конечно, ваза. Во-первых, ваза самый крупный объект и надо продумать, как и где в пространстве она будет изображена.
И именно с нее надо начинать набросок. Фрукты – объекты поменьше и, если вы меня внимательно слушали, было сказано, что фрукты лежат рядом с вазой. Значит, они от нее зависимы. Они лежат не где попало, а возле вазы. И ваза с цветами – это уже некая заданная конкретика. А фрукты –это может быть что угодно – персик, слива, гранат. Найдя место для вазы в пространстве и нарисовав ее, можете искать место для фруктов (относительно вазы).
 

Фото 73

 

Фото 74

 

Фото 75
Следовательно, ваза –это центр композиции. Т.е. это значит, что вокруг нее компонуются все остальные объекты, которые будут нарисованы. Если у композиции не будет центра, она развалится.- объекты будут выглядеть не группой, а по отдельности. Тогда и не будет цельности восприятия.
В этом заключается первостепенная значимость композиции.


 

Фото 76

 


Фото 77

Вовсе не значит, что самый большой объект будет центром композиции. Он может быть и небольшим, но очень доминирующим, т.е. в первую очередь привлекающим внимание.
После того, как место всему найдено, все объекты размещены и набросок готов, обдумайте материал, которым вы хотите продолжить работу – карандаши, краски или это будет монохромная работа, выполненная, скажем, простым карандашом или углем.
И тут уже свои задачи, решать которые мы будем в процессе работы.

Шаг седьмой. Живопись.
Набросок готов. Я предлагаю попробовать сделать его гуашью. Этот материал гораздо более прост, нежели другие краски. Им можно работать прозрачно, тогда он дает эффект акварели, можно работать густо, пастозно, тогда будет эффект масляных красок. Можно размыть или перекрыть неугодный или неудачный цвет. И особых навыков работы гуашь не требует.
Следует запомнить несколько правил:
*Для больших плоскостей (небо, море, горы) необходима большая кисть, иначе вы быстро утомитесь.
Для объектов поменьше (дом, дерево, облако) кисть поменьше.
Самые махонькие объекты или их части (птицы, листва на деревьях, цветы) рисуются маленькой кистью.
* Не начинайте работу с цветом с ближнего плана. Если вы, предположим, нарисовали дерево, красиво и ритмично сделав крону, представьте, как сложно будет вам подложить фон (все, что находится на дальнем плане) под такой объект, как дерево.
*Кисти полощите лучше и воду для отмывки кистей не ленитесь менять чаще - непромытая кисть и работу сделает неопрятной и мутной.
*Троньте цветом все объекты сразу, чтобы понимать палитру рисунка – его цветовой расклад. Это называется подмалевок. Тоже своеобразный набросок, только не композиционный, а цветовой.
После  этой стадии работы вы уже будете понимать, что получится по окончании.И здесь, в цвете, тоже должна быть своя композиционная связь и гармония.
*И важно соблюдать культуру цвета. Цвет - это основа живописи, без цвета живопись не существует. Цвет - это главное средство и смысл живописи. Он не должен кричать, он должен восприниматься гармонично.
Важнейшая функция цвета в живописи - доводить до предела эмоциональную достоверность изображения.
Важно понимать сочетаемость одного цвета с другим и соседство одного цвета со всеми остальными. Нельзя подходить к процессу работы в цвете бездумно.
Попробуйте сделать такое упражнение: по представлению нарисовать на столе три объекта – красное яблоко, желтую грушу, оранжевый апельсин.
И подумайте, какой фон целесообразно придумать для таких объектов. Розовый, золотистый? Если вы это осуществите, поймете, что фрукты потерялись на этом фоне, смешались с ним и потеряли индивидуальность. Почему? А все просто. Все фрукты нарисованы так называемыми «теплыми» цветами и чтобы они смотрелись ярко, сочно, фактурно, фон нужен контрастный – например,  зеленый или синий.
Тут, что бы вы не рисовали, важно понять, что не фон в рисунке главное, его задача лишь подчеркнуть характерность объектов. Значит, он не должен быть на них похож.
Когда мы продвинемся в нашей науке дальше, мы сможем понимать, а следовательно, видеть и изображать натюрморт в сближенной гамме или в контрастной.

 

Фото 78


 

Фото 79

 

Фото 80

Сближенная гамма – это набор «родственных цветов» или различные оттенки одного цвета, используемые при рисовании. Сближенные цвета теплой гаммы - оранжевый, розовый, охра красная и желтая.

 

Фото 81

 

Фото 82
Понятно, что эти цвета именно теплой гаммы. То есть, совокупность цветов, напоминающих нам свет солнца или мерцание огня, устойчивых символов тепла.
Холодная гамма –изумрудно-зеленый, голубой, синий, фиолетовый. Цвета, напоминающие снег, лед, зимнюю ночь. Тоже устойчивые, привычные символы.

 

Фото 83

Контрастная гамма - использование в изобразительном пространстве и теплых, и холодных красок, где одна гамма будет подчеркивать внешний вид объектов, другая будет служить выгодным фоном этим объектам, не сливаясь с ними.

 

Фото 84

 

Фото 85

 

Фото 86

Мы только что упоминали это при работе над упражнением с нарисованными яблоком, грушей, апельсином.
Давайте теперь попробуем сделать рисунок в сближенной и в контрастной гамме.
В качестве основы рисунка в сближенной гамме предложу глиняный кувшин с букетом тюльпанов. Как вариант.
В качестве рисунка в контрастной гамме попробуйте изобразить костер, который горит в чистом поле ночью. Детали к основе придумайте и изобразите самостоятельно.

Шаг восьмой. Графика.
Графика – вид изобразительного искусства, в котором главное изобразительное средство - линия, штрих, пятно.
Графика может быть цветной или нецветной. Но, в отличие от живописи, в графике цвет второстепенен. Выразительность и эмоциональность сюжету придает именно сочетание линий, штрихов, пятен, точек.
Графика может выглядеть гораздо условней, нежели живопись. Она наиболее приближена к письму, каллиграфии, ведь и название ее происходит от греческого «пишу».
Если живописные работы принято рассматривать в некотором отдалении, чтобы восприятие было более органичным, то графический рисунок, обычно, смотрят вблизи, чтобы разглядеть «технику».
Графические работы кажутся простыми и понятными, но создать графическое изображение сложно, так как скупыми средствами художник должен передать форму предмета, ее объем и освещенность.
При графических приемах изображаемые объекты выглядят более схематичными.

 

Фото 87
 

Фото 88

 

Фото 89

А вам я предложу упражнение: нарисуем силуэт человека одним сплошным пятном. Это путник, который прикрывается зонтом от непогоды. Зонт тоже изобразим пятном. Хлещущий ливень изобразим порывистыми линиями разной длины и толщины и интенсивной направленности.
Лучше, если мы будем изображать линии дождя диагонально (на первых занятиях мы говорили о том, что диагональные линии создают динамику изображения.)
А град, что сыплет с неба, изобразим с помощью точек. Итак, налицо все приемы графики – пятно, точка, линия.
 Скажите, при таком изображении уместно ли применение ярких красок? Вряд ли. В непогоду мир не сверкает радугой. И если мы употребим один-два цвета, это будет оправдано поставленной задачей.
Скупыми средствами мы создали образец в технике графики, а дополнить его деталями вы сможете самостоятельно, это будет несложно.

 

Фото 90

 

Фото 91

Теперь попробуем познакомиться с такой графической техникой, как монотипия. Она очень проста и дает быстрый эффектный результат.
 Попробуйте нанести на лист бумаги произвольное пятно гуаши. Сверху накройте другим листом и плотно прижмите к пятну.
Что будет с краской между двумя листами? От прижатия пятно деформируется, расползется по бумаге и превратится в забавную кляксу, добавив детали к которой мы получим интересное изображение. На двух листах мы получили два одинаковых оттиска, а следовательно, есть возможность тиражировать работы в технике монотипии.
Тут можно экспериментировать с упражнениями безгранично. Красно-желтое пятно превращается в кудрявую крону осеннего клена, стоит только дополнить пятно изящной линией ствола.
При смешивании трех и более красок мы получим пеструю кляксу, которую, в зависимости от полученной формы, можно представить в виде воздушного шара или воздушного змея, дорисовав корзину и стропы.
Я уж не говорю про букет цветов, который получится необыкновенно красивым в технике монотипии.
Попробуйте сделать свой вариант.

 

Фото 92
 
Фото 93
 

Фото 94
Монотипия может стать открыткой ручной работы, замечательным рукотворным сувениром, подарком, если ее дополнить несколькими словами, изображение которых можно вставить в композицию.
Я не оговорилась, сказав о написании слов, как об изображении.
С очень древних времен существовало искусство каллиграфии, что в переводе с греческого языка означает «красивый почерк». В этой главе я уже упоминала об этом.
Безусловно, каллиграфию можно присоединить к разновидностям графических изображений, так как все искусство - в начертании линий, образующих буквы и их органичном сплетении, а органика всегда гармонична, всегда красива.
Наверно, правильно будет сказать, что каллиграфия – это искусство изображения слова.
Существует много версий изображений слов от античных времен до сегодняшнего дня – китайская, японская, арабская, европейская.
На древнем Востоке символы слов – иероглифы доводили до совершенства ювелирностью исполнения.

 

Фото 95
Арабская вязь завораживает сложностью и загадочностью элементов.

 

Фото 96

В древнерусской культуре изображение слова было связано прежде всего с оформлением рукописных церковных книг еще до эры книгопечатания. В русской версии заглавная буква - буквица и картинка – изображение  были объединены общей композицией и воспринимались, как единое целое.

 
Фото 97

Сегодня каллиграфия – это красивый, эффектный вид графики, который можно использовать, как самостоятельный артефакт, так и в декоративно-прикладном творчестве, о котором мы поговорим в следующей главе.

 

Фото 98
 

Фото 99

 

Фото 100
А в качестве упражнения попробуйте на небольшом открыточном формате нарисовать свое имя. Не написать, а именно нарисовать. Пусть композиция, придуманная вами, свяжет воедино все буквы и они на вашей каллиграфической открытке будут смотреться единым объектом. Разумеется, вы должны продумать и декор, то есть элементы украшения имени. Здесь хорошо будет смотреться ритм, повтор одинаковых декоративных элементов.

Шаг девятый. Декоративно-прикладное творчество.
Давайте теперь поговорим о таком большом разделе творчества, напрямую связанным с искусством изображения, как декоративно-прикладное.
Оно являет собой собирательную творческую деятельность, направленную на создание художественных изделий, может быть, не имеющих огромной ценности, но, как правило, украшающих наш быт.
Ведь название происходит от латинского deko – украшать.
Подумайте, что делает нашу повседневность наряднее, краше, пестрее?
Вязанье и вышивка, ювелирные изделия и расписная посуда, резная и плетеная мебель, тканый текстиль.

 

Фото 101
 

Фото 102

 

Фото 103

 

Фото 104

Перечислить все отрасли декоративно-прикладного творчества невозможно. Да и нет смысла.
Тут важно понять, что художник не только рисует, а и способен украсить и сделать привлекательным любой привычный в использовании предмет, будь то тарелка, с которой мы едим или гребень, которым мы расчесываем волосы.
Конечно, все это разнообразие требует своего материала – ткани, глины или дерева, но истоки у этого вида творчества одинаковы –искусство изображения.
Для аппликации из соломки нужны природные материалы, утюг и гладильная доска. Для выжигания необходима фанера и аппарат для выжигания, для витража - стекло и специальные краски, создающие жесткий контур, не позволяющий краскам сливаться.
Вспомним про то, что в знакомых уже нам видах творчества, всегда актуальна композиция, то есть, умение правильно увидеть изображаемое в формате изображения. И, соответственно, грамотно перенести изображение на лист.
Но на листе бумаги или на холсте - это одно, на поверхности предмета - совсем другое.
Предположим, вы хотите расписать узорами блюдо или разделочную деревянную доску. Для этого также необходим эскиз задуманной композиции на бумаге, ведь, если что-то не заладилось, предмет, который вы будете расписывать, может быть сразу испорчен. А на бумаге вы поищете варианты и остановитесь на том, который наиболее совпадет с вашим желанием видеть этот предмет украшенным.
Тут, думаю я, вам на помощь придет традиционное мастерство русских мастеров Жостова и Гжели, Городца и Хохломы.
Стиль Жостово существует с давних пор и по сей день, как народный промысел художественной росписи металлических подносов, берущий начало в Мытищинском районе Московской области. Назван по имени деревни, где мастерами изобретены основы орнаментики. Основной мотив жостовской росписи — это цветочный букет или венок.

 
Фото 105


 

Фото 106

 

Фото 107

Традиционный фон для жостовской росписи – черный. Он выгодно оттеняет яркие краски жостовских букетов. Основные элементы – многослойные розы в различных цветовых сочетаниях.
Тут следует объяснить, что надо понимать под орнаментом.
Орнамент – узор, основанный на повторении нескольких одинаковых элементов, которые составляют ритм узора.
В любой из прикладных техник присутствует ритм, он доступен каждому и только ваш выбор определит простым он будет или сложным.
Но, вернемся к истокам, ведь все народное творчество, из которого взросли промыслы, построено на повторах одинаковых элементов.

 

Фото 108

 

Фото 109


 

Фото 110
Гжельская роспись – традиционный промысел украшения керамической посуды, которая осуществляется неподалеку от Москвы в Раменском районе и объединяющий более двадцати жилых пунктов.
Уникальность «гжельского» стиля в неизменной цветовой палитре – где присутствует только синий кобальт и обязательно на белом фоне.
Помимо цветочно-растительных элементов, самых распространенных в любой росписи, в гжельской встречаются изображения людей, животных, рыб и птиц, как на плоскости, так и мелкоскульптурные. И все это оживляется нюансами синего цвета.

 

Фото 111

 
Фото 112
 

Фото 113

Силуэты животных, в первую очередь петухов и коней, присутствуют и в Городецкой росписи, родившейся в селе Городец, которая характерна сочетанием белой и черной обводки – «оживки» по цветным элементам – гривам и хвостам, розанам, купавкам, ромашкам и прочим.
Изначально городецкой росписью украшалась домашняя утварь и мебель – двери, лавки, полки, ставни, прялки.


 

Фото 114

 

Фото 115


 

Фото 116

У Хохломской росписи или Хохломы свои цветовые и орнаментальные особенности – роспись выполняется красным, зеленым и черным по золотистому фону.
Традиционными мотивами Хохломы остаются спелые ягоды рябины и земляники, разумеется, цветы и листья, нередко, птицы, звери, рыбы.
Сочетание обилия теплых оттенков - красного, желтого, оранжевого, делают расписную деревянную посуду и мебель нарядно-праздничной.

 

Фото 117

 

Фото 118
 

Фото 119

Попробуем выполнить упражнение в стиле одного из народных промыслов. Для этого возьмем в качестве основы плотный картон и вырежем в форме разделочной доски или деревянной ложки, в форме овального или круглого подноса.
Заколеруем (покроем фоновым цветом) заготовку. Нанесем несложный для выполнения орнамент, у которого обязательно выделим центр композиции – либо цветок большего размера и сложности по сравнению с прочими, либо птицу.
Если эскиз вас устраивает, выполним подмалевок. Это, напоминаю вам, цветовое решение, которое вы наносите в виде пятен, которые потом будете уточнять.
Лучше брать краски контрастные к фону (если он не черный, а цветной), чтобы они заметно выделялись. Сближенную гамму поначалу брать не следует – она затруднит вам поставленную задачу.

Шаг десятый. Коллективные формы творчества.
Рассматривая полученные результаты, обращу ваше внимание на то, как разнятся даже одинаковые объекты, нарисованные вами.
Насколько индивидуален характер каждого из вас, настолько индивидуален и результат творческих упражнений.
Ведь нарисованные вами букеты, птицы, звери сошли не с конвейера, они сделаны разной рукой и в них вложена разная степень мастерства, темперамент, свое видение мира.
Двух одинаковых птиц нет, двух одинаковых цветков тоже нет. Похожие встречаются, абсолютных же копий нет и не будет.
В каждой работе ваша творческая уникальность, тот творческий почерк, который вырабатывается на базе знаний и навыков индивидуального изобразительного опыта.
Этот почерк важно сохранить, как вашу визитную карточку и на будущее, когда вы уже свободно сможете пользоваться полученными на занятиях творческими и техническими приемами. Именно он будет всегда отличать вас от прочих.
У каждого художника, имя которого более-менее известно широкому зрителю, есть свои особенности, которые и являются его творческим почерком, по которому он узнаваем повсеместно.
Так, мы безошибочно узнаем Пабло Пикассо по угловатости его изображений и их дерзкому воплощению, придворного живописца Франсуа Буше по нарочитому изяществу жестов его персонажей, Сальвадора Дали по фантастическим композициям, Эль Греко по вытянутым ликам и серебристому колориту его портретов.
И «почерк» автора прослеживается во всех его произведениях, даже самых незначительных.
 

Фото 120

 

Фото 121

 

Фото 122
 

Фото 123

Но сейчас я хочу предложить вам очередной эксперимент – взять лист ватмана, вырезать цветы, ягоды, птиц, которых вы сделали в качестве упражнений при знакомстве с русскими традиционными промыслами и создать коллективную композицию – коллаж.
Подумайте, как расположить в общем формате изображений ваши объекты, что послужит центром композиции и как вокруг главного объекта сгруппировать остальные, чтобы реализовать задачу. Тут помимо творческой задачи будет перед вами стоять и задача коммуникативная – взаимодействие творческих индивидуальностей и поиск единого стилевого решения коллективной работы, т.е. поиск консенсуса.
После первого такого общего опыта, мы с вами будем пользоваться  приемом и дальше – в различных жанрах, знакомых нам, будем пробовать создать коллективный творческий продукт.

Шаг одиннадцатый. От сюжетного  рисунка к бытовому жанру.
Что такое сюжетное рисование? Это свой взгляд на окружающий мир и перенесение впечатлений от окружающего нас мира в формат изображения.
Художник не механически копирует то, что он видит, он делает слепок своего видения, своего сознания и отношения к происходящему. Правильнее будет сказать, он выражает свое мнение, изображая этот мир.
Тут, разумеется, надо композиционно «правильно видеть» то, что вы хотите изобразить. И если с пейзажем, натюрмортом, орнаментом все более-менее понятно, у них свои законы изображения, то в сюжетном рисовании надо совместить все ранее полученные знания и навыки изображений каждого из вышеперечисленных жанров.
Для этого необходимо понимать взаимосвязь предметов и явлений и замечать все их изменения.
Сюжет предполагает «действие».
Назову несколько широкоизвестных зрителю картин и попрошу вас определить, к какому жанру их можно отнести.
Винсент Ван Гог «Подсолнухи», Исаак Левитан «Золотая осень», Орест Кипренский «Пушкин», Павел Федотов «Завтрак аристократа».

 

Фото 124

 

Фото 125
 

Фото 126

 

Фото 127
Вы без труда определите, что «Подсолнухи» - натюрморт, «Золотая осень» - пейзаж, «Пушкин» - портрет, а вот «Завтрак аристократа» - к какому жанру отнести?
Здесь есть изображение молодого человека в домашней пижаме и шлафроке, так, быть может, это - портрет? Здесь также изображен ломоть хлеба, лежащий на письменном столе под книжкой, рядом с флаконами духов, свечой и письменными принадлежностями? Возможно, это - натюрморт?
Тут же, в комнате, где все происходит, находится пес хозяина – щегольски постриженный белый пудель. Так, может, это анималистический жанр? Так называют картины с зоологическими сюжетами, картины из жизни животных.
Может быть, это - интерьер? Есть и такой жанр изображения, в котором художник изображает дом изнутри.
Вот тут мы должны догадаться, что рисунок, который изображает какой-либо акт из жизни человека и называется сюжетным.
В среде художников такой рисунок еще принято называть «бытовым жанром», то есть изображающим человека в быту, в привычных обстоятельствах.
Чтобы стало понятней, приведу в пример несколько картин бытового жанра, известных всем – Федор Решетников «Опять двойка!», Рембрандт ван Рейн «Ночной дозор», Василий Суриков «Утро стрелецкой казни», Илья Репин «Бурлаки на Волге».


 

Фото 128

 

Фото 129

 

Фото 130
 

Фото 131

Как видите, такие разные во времени и по принадлежности к различным живописным школам картины, тем не менее, объединены общим жанром. Жанром, в котором художник изображает, каким может быть человек в своих проявлениях.
Разумеется, бытовой жанр, который «возрос» из сюжетного рисунка, гораздо сложнее всех тех упражнений, которые мы с вами делали до сих пор.
Но, учитывая уже полученный опыт, следует попытаться освоить и этот.
Для этого необходимо совершенно острое внутреннее зрение, чтобы увидеть сюжет в сознании и грамотно пользуясь законами композиции, перенести объект  в изобразительное пространство.
Сейчас я предложу несколько тем для сюжетного рисунка, чтобы иметь возможность увидеть, как вы справляетесь с поставленной задачей совмещения всех знакомых вам объектов в новом жанре с учетом взаимодействия объектов, перспективы и деления изображения на планы.
Вариант первый. Детская площадка, на которой дети качаются на качелях и играют в песочнице.
Вариант второй. Сквер, по которому идут две молодые женщины с колясками. С ними мальчик лет пяти, у мальчика в руках несколько разноцветных воздушных шаров.
Вариант третий. Зоопарк. Возле клетки со слоном бабушка и внучек. Мальчик протянул ручонку к слону, слон навстречу ребенку вытянул хобот.
Вариант четвертый. Зал парикмахерской. В кресле мужчина, которому стригут бороду.
Во всех моих примерах присутствуют действия, хорошо нам знакомые или которые мы можем легко представить себе - вызвать в воображении.
Что-то примерно такое или похожее попробуйте изобразить.
Приветствуются работы, сюжеты которых вы придумаете самостоятельно.

Шаг двенадцатый. Вернисаж, как итог системной работы.

Мы с вами прошли несколько важных тем, формирующих зрение художника, научились использовать творческие и технические приемы рисования, мы учились перенимать друг у друга удачные творческие идеи  и теперь самое время продемонстрировать итоги работы. Так сказать, вынести их на суд зрителя.
У многих этот опыт впервые в жизни, поэтому подготовимся к этому серьезно.
Разложим все сделанные в студии и дома работы на полу - так традиционно  рассматривают их педагоги художественных школ и училищ.
Можно, конечно, разглядывать их близко, но при этом больше бросаются в глаза технические моменты, а нам необходимо увидеть в первую очередь творческие находки, а для этого необходимо хотя бы немного дистанцироваться. Поэтому, на полу смотреть работы удобно и правильно.
Неплохо, если при этом соберутся все студийцы и обсуждение будет вынесено на всеобщее обозрение.
Вы – не зрители, вы – создатели этого творческого пространства, из которого будет сформирован ваш первый вернисаж.
Когда работы лежат рядышком и когда мы собрались вместе обсудить сделанное, проще выделить наиболее удачные.
Это как у прилавка магазина - вы всегда видите то, что вам нравится больше и сразу обращаете на это внимание.
Давайте же все вместе оценим работы и отберем часть для показа. Все работы не могут стать выставочным материалом – наверняка, в них есть ошибки, погрешности, от которых хотелось бы избавиться. Вот и пусть такие работы останутся этапами вашей учебы.
Лучшие же, коллективно отобранные, удостоятся стать выставочным фондом, который увидят зрители.
Но, пока работы отобраны и им еще только предстоит «показаться», а для этого необходимо придать работам товарный вид.
Как правило, работы помещаются в паспарту и к ним приклеиваются этикетки, сообщающие нам информацию – фамилию и имя художника, материал, которым создавалось произведение и его название.
Паспарту в переводе с французского означает «кусок картона или бумаги с вырезанным в его середине четырёхугольным, овальным или круглым отверстием, в которую вставляют фотографию или рисунок».

 

Фото 132
 

Фото 133

Паспарту вместе с его содержимым может вставляться в раму под стекло, а может служить самостоятельным обрамлением для вашей творческой работы.
Чтобы самим изготовить паспарту нам понадобится макетный нож с выдвижным лезвием, металлическая или пластиковая линейка, простой карандаш, широкий скотч, кусок фанеры или другая поверхность, на которой мы будем резать паспарту из плотной бумаги или картона.
Паспарту должно быть на один формат больше самого рисунка.
Если вы рисовали на формате А-4, значит, паспарту вы будете резать из бумаги форматом А -3.
Для паспарту превосходно подходит чертежная, акварельная или крафт-бумага, белый или цветной картон.
Положите лист для паспарту на твердую поверхность, где будете его изготавливать. Лист должен быть с лицевой стороны идеально чистым. Сверху на него положите ваш рисунок, возьмите в руки карандаш и пометьте заметными точками все четыре угла рисунка, отступя на полсантиметра внутрь на листе для паспарту.
Паспарту должно хоть на полсантиметра или чуть больше скрывать края рисунка, для этого точки ставим с отступом.
Дальше рисунок откладываем в сторону, берем линейку, и приложив ее к двум точкам, прорезаем линию, затем вторую, третью и четвертую. Мы по периметру вырезали центр листа, вынули вырезанное и сверху снова поместили рисунок.
Убедившись, что рисунок наложен ровно, перекрывая вырезанный периметр паспарту, приклеиваем с изнанки скотчем рисунок к паспарту.
С лицевой стороны в правый нижний под рисунком угол приклеиваем этикетку с данными об авторе.
Если вернисаж итоговый и подводит некую черту под циклом уроков, можно оформлять разные по жанрам работы.
Если же работы оформляются после каждого раздела изучения, можно делать вернисаж тематическим – выставка натюрмортов, пейзажей, портретную галерею и проч.

Послесловие.

Мы благополучно завершили первый год обучения.
Поскольку это новый творческий опыт педагогической работы со взрослыми, зрелыми людьми, для меня в нем были сделаны свои наблюдения, из которых получились интересные выводы.
Приход к искусству изображения в немолодом возрасте это опосредованный обдуманный шаг.
На него не жалко времени, так как уже был и прошел в жизни тот период, когда время тратилось впустую, легкомысленно и непоследовательно.
Пришедшие в студию люди, если не имели на момент прихода четких целей, имели большое желание научиться рисовать, приобщиться к искусству изображения и постичь хотя бы частично то культурное пространство, которое создавалось и хранилось, передавалось по наследству веками.
Возможно, никто не питает иллюзий стать знаменитым в шестьдесят или семьдесят лет.
Но то удовлетворение, которое человек испытывает, глядя на свое творчество, которое было задумано и осуществлено, делает его счастливым.
Пусть ваши работы не будут украшать художественные галереи, но они могут украсить интерьер вашего дома, каждый день вы будете ими любоваться и с гордостью думать: «Это дело моих рук!»
Возможно, интерес к освоению изобразительного пространства будет жить в вас и дальше, открывая все новые и недоступные ранее возможности.
Во всяком случае, тешу себя надеждой, что научила вас правильно видеть и грамотно пользоваться вашими новыми навыками.
Для себя же приняла решение, что со своими студийцами буду работать и дальше, совместно постигая красоту и гармонию окружающего нас мира и жизни с ее разнообразными проявлениями.

Автор Беленко Валерия Викторовна




















                Список используемой литературы:

Горелышев Дм. «Простое рисование»
Изд. ООО «Манн, Иванов и Фербер» 2018 г.

Капальдо, Претте «Творчество и выражение»
Изд. «Художник» 1985 г.

«Русские художественные промыслы»
Изд. «Астрель» 2011 г.

Чиверди Дж. «Рисование»
Изд. ООО «Манн, Иванов и Фербер» 2018 г.

Чулюскина Т. «Буква к букве»
Изд. ООО «Манн, Иванов и Фербер» 2019 г.