Музыка, которая буквально подчиняет себе...

Друзья!

"...Сначала я слышу музыку, которая буквально подчиняет себе. Это не музыка в привычном смысле, это не музыка для людей, в этих звуках было что-то непривычное, необычное, необузданное. Как-то раз, наблюдая весенний рост и цветение, мне пришло сравнение весны с оркестровой ямой во время репетиции. Каждый самозабвенно играет что-то свое, в своем темпе, в какой-то момент все затихает и начинает играть уже слаженно. Так вот весна – это такая репетиция в оркестровой яме, какофония, в которой различимы ритмы и мелодии, вроде бы не связанные друг с другом и в то же время неразрывно связанные чем-то общим, единым. То же самое впечатление посетило, когда услышала звуки «Весны священной» (в выставочном зале нонстопом крутится вся постановка). Это была музыка к великой священной пляске. И когда мы увидели сам танец избранницы, все вместе это произвело сильнейшее впечатление. Это действительно какое-то измененное состояние сознания, танец на грани физических возможностей. Впечатление, что это прыгает не человек, а какой-то неиссякаемый источник энергии. Только глядя на это, сам застываешь в каком-то состоянии транса, отключаешься от действительности".
https://www.livejournal.com/
...Други!
Так описывает свое состояние один из балетоманов. А ведь он прав-нашему сознанию поначалу трудно привыкнуть к новизне.
"Фестиваль "Век "Весны священной" — век модернизма" финиширует тем, чем должен был начаться: Финский национальный балет покажет в Москве раритетную постановку Вацлава Нижинского, с премьеры которой, состоявшейся в Париже в мае 1913 года, и ведется отсчет новой эры в балете. Безобразная драка, устроенная парижской элитой в новеньком Театре Елисейских полей, вопли и визг, перекрывшие музыку Стравинского (большую часть балета никто и не слышал), наряды полиции, тщетно пытающиеся разнять господ, вцепившихся друг другу в волосы,— случившийся тогда скандал, один из ярчайших в истории театра, описан в бесчисленных книгах и мемуарах. Подавляющее большинство критиков и деятелей искусства, приняв музыку Стравинского, категорически отвергли хореографию. Упрямый Дягилев не снял спектакль с репертуара: его показали еще три раза. Но больше он в "Русских сезонах" не появлялся и был забыт. Казалось — навсегда".https://www.kommersant.ru/
Слушаю сейчас (готовя статью) музыку Игоря Стравинского, столь любимого Рерихами! Прекрасное настроение!

Вл.Назаров
************

Игорь Стравинский- новатор в музыке!

Слава пришла к Игорю Стравинскому после премьеры его балетов на «Русских сезонах» Сергея Дягилева в Париже. Вскоре современники стали называть его «Великий Игорь» за смелые эксперименты с музыкальной композицией, мастерство техники и необычные сюжеты произведений. Декорации к его балетам создавали художники Александр Бенуа и Николай Рерих, хореографию готовили известные танцовщики Вацлав Нижинский и Джордж Баланчин, а костюмы разрабатывала сама Коко Шанель.
Первые музыкальные занятия


Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниенбауме (сейчас — Ломоносов) в семье музыкантов. Его отец Федор Стравинский был оперным певцом, солистом Мариинского театра. Мать будущего композитора Анна Холодовская играла на пианино и была концертмейстером на выступлениях супруга. В гости к Стравинским часто приходили их друзья: композиторы Цезарь Кюи и Николай Римский-Корсаков, критик Владимир Стасов и писатель Фёдор Достоевский.
Начальное образование Стравинский получил во Второй Санкт-Петербургской гимназии, откуда перешел в одно из лучших учебных заведений Петербурга — гимназию Гуревича. Учился композитор плохо, иногда прогуливал занятия. Позднее он вспоминал: «Конечно, я был очень плохим учеником и ненавидел эту школу, как и вообще все мои учебные заведения, глубоко и навсегда». Во время каникул семья выезжала в деревню Льзи недалеко от Санкт-Петербурга. Здесь будущий композитор любил слушать многоголосое пение крестьян.
«Подозрение, что я возможно, обладаю музыкальным талантом, зародилось там. Возвращаясь вечером с полей, крестьянки в Льзи пели приятную спокойную песню, в течение всей жизни всплывающую в моей памяти в ранние вечерние часы досуга. Они пели в октаву — конечно, без гармонизации, — и их высокие, резкие голоса напоминали жужжание миллиарда пчел. Ребенком я никогда не отличался особенно развитой памятью, но эта песня запечатлелась в моем сознании с первого же раза»
Игорь Стравинский, «Диалоги. Воспоминания. Размышления»
Игоря Стравинского учили музыке, однако родители не воспринимали занятия всерьёз. Первые уроки будущему композитору давала пианистка Александра Снеткова. Позднее Стравинский писал: «Мне было тогда девять лет, и, вероятно, я учился у нее в течение двух лет. Помню, как она рассказывала мне о приготовлениях в консерватории к похоронам Чайковского (1893 г.), но не помню, чтобы я чему-нибудь научился у нее в области музыки». После Снетковой Стравинского учила Леокадия Кашперова. Композитор вспоминал, что на уроках она запрещала пользоваться педалями фортепиано. Кашперова учила Стравинского «органной технике» и требовала, чтобы он «держал звук пальцами».
Зимой 1901–1902 годов Стравинский брал уроки композиции и гармонии у Федора Акименко. Его следующим педагогом стал Василий Калафати. О занятиях с ним Стравинский писал: «Калафати научил меня прибегать к слуху как к первому и последнему критерию, за что я ему благодарен. Я занимался у него больше двух лет». Все свободное время будущий композитор проводил в Мариинском театре — бывал там пять-шесть дней в неделю, слушал оперы.
После окончания гимназии по настоянию родителей Стравинский поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Но вместо лекций будущий композитор посещал занятия Николая Римского-Корсакова. С ним Стравинский изучал музыкальную композицию, а с 1902 года пробовал сочинять собственные произведения.
Балеты Стравинского для «Русских сезонов»

Балерина Тамара Карсавина в роли Жар-Птицы в балете Игоря Стравинского «Жар-птица». 1911. Фотография: rbth.com
В 1905 году Стравинский должен был закончить юридический факультет, но от сдачи экзаменов отказался. К тому моменту он сблизился с Сергеем Дягилевым и художниками объединения «Мир искусства». Вместе с ними композитор посещал выставки, балеты и симфонические концерты, был членом объединения «Вечера современной музыки». Дягилев присутствовал на премьере одних из первых произведений Стравинского — сюиты «Фавн и пастушка» на стихотворения Александра Пушкина и Симфонии ми-бемоль мажор. Критики называли его произведения «импрессионистскими» за объемное звучание и летящий темп.
В 1908 году умер Николай Римский-Корсаков. Своему учителю Стравинский посвятил «Погребальную песнь». Позднее Стравинский писал: «Это была как бы процессия всех солирующих инструментов оркестра, возлагающих по очереди свои мелодии в виде венка на могилу учителя на фоне сдержанного тремолирующего рокота, подобного вибрации низких голосов, поющих хором».
Вскоре Сергей Дягилев предложил композитору написать балет «Жар-птица» для «Русских сезонов». Музыку не смогли создать ни Анатолий Лядов, ни Николай Черепнин, к которым сначала обратился импресарио. Стравинский в это время изучал русский фольклор, как раз интересовался историей о сказочной птице и втайне продумывал фабулу нового произведения. Над партитурой он работал всю зиму 1909 года. Балет поставил танцовщик Михаил Фокин, который к тому времени уже стал балетмейстером антрепризы, а эскизы костюмов и декораций рисовали Леон Бакст и Александр Головин.
Премьера «Жар-птицы» состоялась в Париже 25 июня 1910 года и прошла с успехом. Однако сам Стравинский остался недоволен балетом — он считал, что в нем не согласованы «движения танца и настоятельные требования музыкального ритма». Критиковал «Жар-птицу» и Александр Бенуа. Он писал: «Пока хореографические затеи Фокина исполнялись артистами на репетициях, они представлялись фантастическими, на сцене же все как-то заволокла неуместная, слишком элегантная пышность».

Композитор Клод Дебюсси и Игорь Стравинский (справа). 1910. Фотография: vocidellopera.com
Следующими балетами Стравинского для «Русских сезонов» стали «Петрушка» и «Весна священная». В них композитор впервые перешёл к диссонансам — непривычным по звучанию сочетаниям нот. Балет «Весна священная, картины языческой Руси в 2 частях» Стравинский задумал еще во время работы над «Жар-птицей»: «Однажды, когда я дописывал в Петербурге последние страницы «Жар-птицы», в воображении моем совершенно неожиданно, ибо думал я тогда совсем о другом, возникла картина священного языческого ритуала». Над балетом кроме самого композитора работал художник Николай Рерих, который интересовался язычеством. Он помогал Стравинскому со сценарием, рисовал эскизы декораций и костюмов. Хореографию «Весны священной» поставил танцовщик Вацлав Нижинский. Премьера балета прошла 29 мая 1913 года. Часть публики восприняла «Весну священную» негативно. Балерина Ромула Пульска вспоминала: «Волнение и крики доходили до пароксизма. Люди свистели, поносили артистов и композитора, кричали, смеялись». Чтобы успокоить их, Дягилев даже несколько раз выключал в зале свет. Однако это не помогло, и спектакль пришлось прервать. Мнения критиков разделились: некоторые из них писали об абсурдности постановки, а другие полагали, что Стравинский создал балет будущего: «Композитор написал партитуру, до которой мы дорастем только в 1940 году».
В Париже Стравинский познакомился с композиторами Эриком Сати и Клодом Дебюсси. Дебюсси писал о нем: «Стравинский <…> остаётся самым чудесным оркестровым механизмом этого времени». В дальнейшем композиторы продолжили общение — они переписывались несколько лет.
Стравинский с семьей жил в Петербурге, а холодное время года проводил в Швейцарии. В 1914 году из-за начала Первой мировой войны композитор остался там на лето, а после революции решил и вовсе не возвращаться в Россию.
В Швейцарии он работал над оперой «Соловей» по одноименному произведению Ханса Кристиана Андерсена, а в 1918 году создал оперу-балет «История солдата» на основе сказок Александра Афанасьева с либретто на французском языке. Впервые ее показали в этом же году в Лозанне.
В начале 1920-х годов композитор создал балет по мотивам русских сказок «Байка про лису, петуха, кота да барана». Его жанр сам Стравинский определил как «весёлое представление с пением и музыкой». Вскоре он написал «русские хореографические сцены с музыкой и пением», которые получили название «Свадебка».
Балеты этого времени объединяли фольклорные мотивы и полиритмия — медленные и быстрые фрагменты в одном произведении. Музыковед Михаил Друскин писал: «Русский период не только по эстетической ценности созданных тогда произведений, но и по его значению для всей художественной эволюции Стравинского — главнейший период его творчества».
После революции Стравинский решил не возвращаться в Россию. Позднее он вспоминал: «Этот период, конец 1917 года, был одним из самых тяжелых в моей жизни <…> Коммунистическая революция восторжествовала в России, и я был лишен последних средств к существованию <…> Я остался попросту ни с чем, на чужбине, в самый разгар войны». Композитор переехал во Францию. Там он сошелся с членами группы «Шестерка» — французскими музыкантами и писателями. Стравинский был идейным вдохновителем творчества композиторов этого объединения, они называли его «Великий Игорь» или «Царь Игорь». Писатель Жан Кокто писал: «Весна священная» произросла мощным деревом, оттесняя наш кустарник, и мы собирались было признать себя побеждёнными, как вдруг Стравинский вскоре сам присоединился к нашему кругу приёмов».

«Сыграть себя»: неоклассические произведения Стравинского.
В 1919 году Стравинский по заказу Дягилева написал балет «Пульчинелла». На его создание композитора вдохновила музыка XVIII века. Под впечатлением от нее Стравинский создал новую оркестровку, которая отсылала к старинным классицистическим мелодиям.
«Пользуясь готовой конструкцией, Стравинский никогда не подчиняется ей целиком: подобно актеру «театра представления», он оставляет возможность проявить собственное отношение, «сыграть себя». В этом также сказывается единый для всего творчества принцип, позволяющий Стравинскому все «искажения» «модели», юмористические и не юмористические, которыми пестрит его неоклассический стиль»
Музыковед Светлана Савенко, статья «К вопросу о единстве стиля Стравинского»
На создание «Пульчинеллы» композитора вдохновили кукольные спектакли, которые он смотрел во время путешествия в Неаполь. В балете Стравинский постарался передать особенность комедии дель арте — особого жанра итальянского театра. В таких представлениях актеры выступали в масках и часто импровизировали на сцене. Премьера «Пульчинеллы» состоялась 15 мая 1920 года. Декорации к балету нарисовал художник Пабло Пикассо. Публика встретила «Пульчинеллу» критически. Стравинского обвиняли в искажении классической музыки и отходе от «истинно русского наследия». Однако были и положительные отзывы. Александр Бенуа вспоминал: «От нового произведения Стравинского «Пульчинелла» я даже был в упоении».
В 1922 году Стравинский закончил работу над оперой-буфф «Мавра», в основу которой легла поэма Александра Пушкина «Домик в Коломне». А в следующие несколько лет композитор почти не писал музыку. Он выступал на концертах со своими произведениями, дирижировал оркестром и играл на фортепиано.
В 1927 году Стравинский получил заказ на сочинение небольшого музыкального произведения от Библиотеки Конгресса в Вашингтоне. В процессе работы над ним композитор изучал поэзию Николы Буало и французскую литературу эпохи классицизма. Под впечатлением произведений того времени Стравинский решил написать классический балет: «В воображении моем вставал так называемый «белый балет», в котором, на мой взгляд, выявлялась самая сущность танцевального искусства». Основой сюжета стали древнегреческие легенды о боге Аполлоне Мусагете — предводителе муз. Постановщиком балета стал американский хореограф Джордж Баланчин.
«Балетмейстер Джордж Баланчин поставил танцы именно так, как мне хотелось. С этой точки зрения спектакль был настоящей удачей. По сути дела, это была первая попытка воскресить академический танец в произведении современном и написанном специально для этой цели. Баланчин, проявивший много мастерства и фантазии в ранее поставленных балетах, нашел для постановки танцев «Аполлона» группы, движения, линии большого благородства и изящной пластичности, навеянной красотой классических форм»
Игорь Стравинский, «Хроника моей жизни».
Костюмы для балета «Аполлон Мусагет» создавала французский модельер Коко Шанель. С ней Стравинский познакомился еще в 1913 году после премьеры «Весны священной». В 1920 году, когда композитор испытывал проблемы с деньгами, Коко Шанель пригласила его пожить на своей вилле. В дальнейшем они дружили и переписывались.
Премьера «Аполлона Мусагета» состоялась 27 апреля 1928 года в Вашингтоне. В том же году балет показали в Париже на «Русских сезонах» Сергея Дягилева. Вскоре после этого отношения Стравинского и Дягилева испортились. Дягилев был недоволен тем, что композитор по заказу танцовщицы Иды Рубинштейн написал балет «Поцелуй феи». Стравинский вспоминал: «Он не смог простить мне <…> громогласно поносил и мой балет и меня в частных кругах, и в печати».
Премьера балета «Поцелуй феи» состоялась в ноябре 1928 года. На его создание Стравинского вдохновила музыка Петра Чайковского. Ему же композитор и посвятил произведение.
В конце 1920-х и начале 1930-х годов Игорь Стравинский увлекся античной историей и древнегреческой мифологией. Композитор написал оперу «Царь Эдип», мелодраму «Персефона». Интересовался в эти годы Стравинский и библейскими сюжетами, церковными песнопениями. Под впечатлением от них создал «Симфонии псалмов», хоровые сочинения «Символ веры» и «Отче наш». Михаил Друскин писал об этих произведениях Стравинского: «В античных мифах об Аполлоне и Орфее, в трагедии Эдипа и библейских сказаниях <…> он стремится передать сущностное, надличное, веками отстоявшееся, но всегда как живое и непреходящее, и передает это языком современного искусства».
«Могу только думать о тебе и сочинять музыку»: личная жизнь

Игорь Стравинский был женат дважды. Первой супругой композитора стала его двоюродная сестра Екатерина Носенко. Стравинский вспоминал: «С первого же часа, проведённого вместе, мы, казалось, отдали себе отчёт в том, что в один прекрасный день поженимся — так, по крайней мере, потом мы говорили друг другу».
Браки между кузенами в Российской империи были запрещены, но Стравинский и Носенко нашли в Петербурге священника, который согласился их обвенчать. Они поженились в январе 1906 года. Композитор и его супруга прожили вместе до смерти Носенко в 1939 году. В браке у них родилось четверо детей: Федор, Людмила, Святослав и Милена.
«<…> Мы были исключительно близки, ближе, чем иногда бывают возлюбленные, так как просто любовники могут оставаться чуждыми друг к другу, хотя и живут вместе всю жизнь и любят друг друга. И действительно, самые сильные юношеские романы были у меня с другими девушками, и ни одна из них не стала столь близкой мне, как Екатерина Носенко».
Игорь Стравинский, «Диалоги. Воспоминания. Размышления»
В 1940 году Стравинский женился второй раз. Его супругой стала актриса и художница Вера Боссе. Они познакомились еще в 1921 году. Тогда Боссе была женой художника Сергея Судейкина. Стравинский писал ей: «Могу только думать о тебе и сочинять музыку — такую музыку, которая связана с тобой». Вместе композитор и актриса прожили больше тридцати лет.
Серийная техника и «русский слог»

С середины 1930-х Стравинский часто бывал в США: давал концерты, писал музыку. С 1939 года он преподавал в Гарвардском университете. Михаил Друскин писал о его лекциях по музыкальной эстетике: «Лекции эти полемически заострены, существенное в них сочетается с поверхностной бравадой парадоксами, есть в них и весьма недоброжелательные выпады против музыкальной культуры СССР». Позднее лекции композитора были опубликованы под названием «Музыкальная поэтика».
Вскоре после начала Второй мировой войны Стравинский окончательно переехал в США и поселился в штате Калифорния, а в 1945 получил американское гражданство. В это время он работал над своим первым религиозным музыкальным произведением для исполнения в католической церкви — «Мессой».
Произведения Стравинского конца 1940-х, среди которых балет «Орфей», написаны в неоклассическом стиле с применением новых авангардных техник. Сочинения содержали не гармоничные мелодии, привычные для слушателей, а серии. В них ноты разной высоты следовали друг за другом в строгой последовательности, которая повторялась на протяжении всего произведения. В этой технике написаны композиции «Септет», «Кантата», «Canticum sacrum». Продолжил Стравинский и обработку библейских сюжетов. В 1950-х он написал кантату «Потоп», «Священное песнопение в честь апостола Марка».
Специально для труппы Джорджа Баланчина Стравинский создал бессюжетный балет «Агон». Основой произведения послужили французские придворные танцы XVII века. Баланчин вспоминал: «Подобной музыки мне еще не приходилось слышать. Что поражало меня, так эта жизненная сила каждого такта. Каждый такт ведет свою, обособленную жизнь, и вместе с тем они объединены в живое целое».
Осенью 1962 года Игорь Стравинский с гастролями приехал в СССР. Его концерты прошли в Москве и Ленинграде с успехом. На них композитор сам дирижировал оркестром. В СССР прозвучали сюиты из оперы «Жар-птица», композиции «Фейерверк» и «Дубинушка».
В последние годы Стравинский все дальше отходил от русского стиля. Критики писали, что композитор стал сочинять «нейтральную музыку». Сам Стравинский с их мнением не был согласен: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это — в ее скрытой природе». На основе русских народных песен в 1965 году он создал канон для оркестра «Не сосна у ворот раскачалася».
В середине 1960-х годов Стравинский тяжело заболел. В 1966 году композитор написал реквием «Заупокойные песнопения», которое считал одним из главных произведений в своей жизни: «Заупокойные песнопения» завершили всю мою творческую картину».
В 1967 году Стравинский хотел вновь посетить СССР и отпраздновать там свой 85-летний юбилей, но не смог этого сделать из-за состояния здоровья. Последним произведением композитора стала обработка духовных песен Хуго Вольфа. Умер Игорь Стравинский 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке. Похоронили его на кладбище Сан-Микеле в Венеции, недалеко от могилы Сергея Дягилева.
https://www.culture.ru/

*************************

2.«Неизвестный Рерих» на родине Стравинского

 «Я - тот сосуд, сквозь который прошла “Весна священная”…», - так однажды обмолвился о себе гениальный Игорь Стравинский. Этот удивительный, непредсказуемый для него самого Путь “Весны священной” открыл композитору другой гениальный творец - художник Николай Рерих, чьё творчество стало символом грядущего обновления и духовного воссоединения мира. “Я пожелал работать с Н.К.Рерихом, чтобы вместе с ним составить либретто этой вещи, - писал И.Ф.Стравинский музыковеду Н.Ф.Финдейзену 15 февраля 1912 года, - ибо кто же как не Рерих мог мне помочь в данном деле, кто как не он ведает всю тайну близости наших праотцев к земле”. Это “ведание” Рериха сказалось не только в музыке балета, и не только в сценографии, блестяще разработанной В.Ф.Нижинским, но, конечно, более всего - в художественном оформлении. С премьеры балета в Париже 29 мая 1913 года, в Театре Елисейских полей, в антрепризе С.П.Дягилева, началась новая эра в мировом искусстве. По словам ведущего искусствоведа Русского музея Е.П.Яковлевой, первая же постановка “Весны…” разрушила привычные музыкальные и хореографические каноны, стала подлинным открытием. Немаловажную роль в этом сыграли и рериховские декорации и костюмы. “Я счастлив, - говорил в одном из интервью Стравинский, - что в г-не Нижинском я нашёл идеального пластического сотрудника, а в г-не Рерихе - создателя красочной атмосферы моего сокровеннейшего произведения”.
 Три года назад в Ломоносове (прежде - Ораниенбауме), где 18 июня 1882 года на одной из дач родился Игорь Стравинский, можно было впервые воочию представить фрагменты этого блестящего спектакля, более семи десятилетий прославляющем Российскую культуру на театральных подмостках мира.
 С 1 по 25 февраля 1998 года в Малом выставочно-концертном зале Государственного Музея-Заповедника “Ораниенбаум” (Дворцовый проспект, 46) проходила выставка “Неизвестный Рерих. Театральная живопись из музейных и частных собраний Америки” (компьютерные копии). В её составе 8 произведений, непосредственно связанных с “Весной Священной”. Это три эскиза декораций (1910 и 1930), афиша (1930) и четыре эскиза костюмов (1944).
 Выставка, имеющая в своем составе еще три десятка других произведений Рериха для театра, подготовлена Межрегиональным Центром Духовной Культуры города Самары в сотрудничестве с Еленой Пантелеевной Яковлевой, автором замечательной монографии “Театрально-декорационное искусство Н.К.Рериха” (1996), и Даниилом Энтиным, директором Нью-йоркского Музея Н.К.Рериха. До приезда в Ломоносов выставка прошла с большим успехом в 12 пунктах Ленинградской, Новгородской, Тверской и Ярославской областей. Открывалась она преимущественно в местах, связанных с жизнью и творчеством Н.К.Рериха и его семьи. Её премьера состоялась в Петербурге, в залах Всероссийского Музея А.С.Пушкина на Мойке, 12, недалеко от «рериховского» уголка Петербурга на Мойке, 83, где художник преподавал, творил и жил в общей сложности двадцать лет своей жизни - с 1898 по 1917 год. В Бологое выставка была открыта в помещении Городского краеведческого музея, в двух шагах от того места, где когда-то возвышалась церковь, в которой чета Рерихов крестила своего первенца Юрия в 1902 году. Здесь же, в Бологое, прежде располагалась усадьба князя П.А.Путятина. В ней летом 1899 года Николай Константинович познакомился со своей будущей женой - Еленой Ивановной, дочерью архитектора-академика И.И.Шапошникова и Екатерины Васильевны Голенищевой-Кутузовой. Другие места, которые узнали выставку “Неизвестный Рерих”, тоже были известны художнику и отмечены его художественным и научным творчеством. Это Новгород, Ярославль, Вышний Волочёк, Окуловка, Боровичи, Любытино, Тосно, Сосновый Бор…
 Так у выставки складывается своя история и о ней уже существует своя “литература”. Приведу фрагменты только трёх публикаций - в Петербургской региональной газете “Вести” (19 июня 1997), в “Тосненском Вестнике” (17 июня 1997) и в ярославской газете “Орион” (№ 8, октябрь 1997).
 “Эта выставка эскизов к спектаклям, которые были осуществлены в театрах Парижа и Лондона во время Русских сезонов Дягилева, в Московском художественном, в “Ковент-Гарден”, в театрах Чикаго, Филадельфии, Милана, поражает воображение знатоков. Да, конечно, это копии. Но какие! Межрегиональный Центр Духовной Культуры (г.Самара) и Музей Н.К.Рериха (Нью-Йорк) объединили свои усилия в одном направлении. И вот, применив современные компьютерные технологии, изготовили копии, максимально приближенные к оригиналам. Это не репродукции. Здесь использованы “живые” краски, “живые” холсты, специальный картон, специальная бумага. Мы смотрим на работы, на яркие рериховские краски и открываем для себя неожиданную трактовку художником сказочных образов Пушкина, Островского, Римского-Корсакова, Ибсена, Стравинского” (поэт Николай Рачков).
 “Одна новгородская тема чего стоит! Его эскизы к опере-былине Н.Римского-Корсакова “Садко” - “Новгородский рынок”, “Комната Садко” пронизаны глубочайшим видением эпохи... Образ “Снегурочки” - это синтез взаимопроникновения нескольких культур: русской, индийской, восточной - подразумевает взаимосвязь народов, их духовное единство. Эскиз декорации “Сад” к драме М.Метерлинка “Принцесса Мален” настолько же загадочен, насколько и прекрасен. Чем дольше всматриваешься в игру чёрного, изумрудного и золотого цветов, тем он становится притягательней. Эскизы декораций и костюмов к опере “Сказка о царе Салтане” изумляют волшебной песней красок и пленительной мудростью вымысла, а к “Половецким пляскам” - тревожной музыкой жизни, дикой и вольной, как дым степного костра” (поэт Николай Рачков).
 “Глядя на эскизы художника, мы начинаем сопереживать героям произведений. Чувство времени понемногу исчезает. И уже не так важно, что действие оперы Римского-Корсакова “Псковитянка” разворачивается в 1570 году, а “Князь Игорь” начинает свой поход в конце XII века. Высокие чувства героев, которыми проникнуты Рериховские полотна, понятны и нам, жителям конца XX века… Давно замечено, что светоносное творчество всей семьи Рерихов обладает интересной особенностью. Оно проявляет внутренний мир человека. Практически никто не остаётся равнодушным, соприкоснувшись с их работами и книгами. Душа либо открывается навстречу прекрасному, либо в человеке проявляется тёмное начало. Радостно было видеть, что чаще всего посетители выставки уходили с просветленными лицами” (Николай Ермолаев, Сергей Скородумов).
 К этим откликам следует добавить несколько слов о главной цели выставки, выраженной и в её названии. Её главная цель - познакомить Россию с неизвестным Рерихом, с теми его работами периода 1919-1944 годов, которые до недавнего времени не были известны не только широкому российскому зрителю, но и специалистам. Как указала Е.П.Яковлева в аннотации к выставке, “ещё недавно считалось, что сотрудничество художника с театром ограничено периодом 1907-1914 гг. Между тем, как свидетельствуют представленные копии, к театрально-декорационной деятельности Н.К.Рерих обращался вплоть до 1922 года и позднее - в 1930-м и в 1944-м”. Особенность выставки ещё и в том, что мы вряд ли вообще сможем когда-нибудь увидеть подлинники этих произведений, ибо большинство из них малодоступны и хранятся в собраниях США, с большим трудом выдающим свои вещи на выставки в Европу из-за сложностей транспортировки.
 Но, благодаря усилиям отечественных специалистов, применившим все лучшие современные методы работы с графической информацией, всё-таки стало возможным вернуть на Родину искусство нашего великого соотечественника, - те его работы, которые несколько поколений россиян не знали и не видели. Мы можем, придя на выставку, окунуться в атмосферу радостного творчества, возвышенных образов и дел многих творцов, веков и стран, и тем самым пополнить свои представления о Культуре.
 Как известно, для Николая Константиновича Рериха понятие “Культура” было краеугольным. И мы можем гордится тем, что рериховские девизы “Мир через Культуру“, “Культура - почитание Света”, “Из древних чудесных камней прошлого сложите ступени грядущего” не остались простыми декларациями, а вошли в жизнь многих народов мира - через «Пакт Рериха» (международный договор о защите культурных ценностей), через десятки рериховских организаций на всех континентах, через книги всех членов этой семьи - удивительного созвездия талантов.
 
 В заключение этого краткого известия о выставке “Неизвестный Рерих” хотелось бы ещё раз отметить особенность данного вернисажа. Удивительно, что ныне “малую родину” И.Ф.Стравинского так “посещает” его вдохновитель Н.К.Рерих - художник, писатель, археолог, путешественник, философ… И снова, как восемьдесят пять лет назад, оживают гениальные музыка, танец, художество. И представляется, будто художник снова делится с композитором своими замыслами, сокровенными думами и болью о будущем России.
 В 1919 году, в самый разгар Российской гражданской войны, Рерих и Стравинский обменялись несколькими посланиями. Вот строки из писем Рериха, отправленных из Лондона в Швейцарию (обнаружены в Базельском архиве Стравинского профессором В.П.Варунцем). Они свидетельствуют о глубоко дружеском, сердечном отношении художника к Стравинскому:
 “Дорогой Игорь, по твоему письму вижу твоё настроение и твоё отношение к большевикам. У меня - такое же. (…) Не думаешь ли, что к летнему сезону хорошо возобновить в новой постановке Мясина нашу “Весну”? Здесь она произвела бы впечатление. Как полагаешь? Сейчас здесь интерес к русскому велик” (29 августа).
 
 “Дорогой Игорь, слушаю с восторгом об успехе твоего «Соловья». (…) Ещё раз спасибо за радость в «Соловье»…” (ноябрь).
 “Дорогой Игорь, спасибо за весточку. Среди русского ужаса всякая дружеская рука особенно тепла, - особенно, когда видишь, что весь свет мыслит как бы унизить всё русское. И сколько притом лицемерия, и сколько улыбок, и сколько блеска запломбированных зубов. И душа тоже запломбирована. (…) Сейчас буду сочинять новые варианты декораций к «Весне» и реставрируем «Игоря», который в пути совсем поизносился. Крепко целую тебя, дорогой Игорь. Всем твоим шлём дружественный привет. Сердечно твой Н.Рерих” (21 ноября).
 “Сердечный привет к Новому Году! Дай Бог тебе написать во славу подлинной России ещё много прекрасных вещей. Твой Н.Рерих” (22 декабря).
 Теперь мы знаем, что это пожелание-предсказание Рериха блестяще исполнилось, и Стравинский создал ещё много замечательных произведений. Всегда и везде его музыка, так же как и творчество Рерихов, напоминает о мощном пласте мировой культуры - об искусстве России.
На снимке:Н.К Рерих. Весна священная. 1945.
 
  http://www.facets.ru/
 

***************
Материалы из Сети подготовил Вл.Назаров
Нефтеюганск
19 октября 2022 года.