Древнерусская живопись. 1

  На уроках по древнерусской живописи среди учащихся художественных школ и ВУЗов учителю необходимо иметь целый набор наглядных пособий, представляющих собой образцы работ разных школ и направлений. Такие занятия необходимо разбить на цикл лекций или уроков с обязательным показом приёмов и образцов живописи.
ЗАНЯТИЕ №1.
  Современному человеку непросто понять красоту древнерусской живописи, отделённой от настоящего времени несколькими столетиями. Её своеобразие открывается не каждому и не сразу. Чтобы постичь её, нужно внимательно вглядываться в совершенные произведения древнерусских мастеров, попытаться понять их отношение к миру, особенности живописной манеры. Тем не менее без знакомства с творчеством таких величайших художников прошлого, как Андрей Рублёв, Феофан Грек, Дионисий, Симон Ушаков, невозможно до конца понять тот огромный путь, который прошло наше искусство.
  Очень точно о восприятии древнерусской живописи писал один из крупнейших знатоков искусства, академик В.Н.Лазарев: "Широкая публика по-настоящему поняла эстетическую ценность иконы только в 1913 году, после Московской выставки древнерусского искусства, на которой фигурировало множество замечательных икон 15-16 веков. Как бы внезапно спала пелена, застилавшая подлинный лик русской живописи. Вместо тёмных, мрачных, покрытых толстым слоем олифы икон увидели прекраснейшие произведения искусства, которые могли бы оказать честь любому народу. Эти расчищенные иконы горели яркими, как самоцветные каменья, красками, полыхали пламенем киновари, ласкали глаз тончайшими оттенками нежных розовых, фиолетовых и золотисто-жёлтых цветов, приковывали к себе внимание невиданной красотой белоснежных и голубых тонов. И сразу стало очевидно, что это искусство не было не аскетическим, ни суровым, ни фанатичным, что в нём ярко отразилось живое народное творчество, что оно перекликается своей просветлённостью и какой-то особой ясностью в строе своих форм с античной живописью, что его следует рассматривать как одно из самых совершенных проявлений русского гения."
  В первые годы советской власти, в 1918 году, была образована Всероссийская реставрационная комиссия, очень много сделавшая для розыска и сохранения древнерусской живописи. Ныне миллионы любителей искусства в многочисленных музеях страны могут познакомиться с прекрасными творениями живописцев Древней Руси, находящимися под охраной нашего государства.
  Истоки русской иконописи (в переводе с греческого "икона" - образ, изображение) восходят к 10 веку, когда Древняя Русь приняла христианство и в Киеве под руководством византийских художников русские мастера стали осваивать новое для них искусство.
  Иконы писались на деревянных досках, специально обработанных, покрытых особым составом (левкасом), темперой - краской, разведённой на яичном желтке. Краски наносились на поверхность доски мелкими мазками, образовывавшими гладкую живописную поверхность. Краски не смешивались на палитре, а наносились на левкас в чистом виде, покрывая большие плоскости локальным цветом. Объём ликов создавался путём постепенного нанесения на основной более или менее красочный тон, так называемый санкирь, той же краски более светлого тона с добавление белил. Такой приём назывался охрением (вохрением), так как в основном использовалась охра. Поверх охрения, чтобы подчеркнуть выступающие части, художники клали мазки белил - движки, пробела. Пробела и движки высветляли отдельные части ликов, фигур и в сочетании с более тёмной санкирью выявляли объём. Иногда при выявлении объёма движки уступали место иному приёму - мягкому и плавному переходу красок от тёмной к более светлой, так называемой плави.
  Складки одежды, орнаменты, волосы изображались линиями-штрихами, нанесёнными поверх краски. Они были то мягкими, закругляющимися, то строгими, прямыми, то резко ломающимися, ложащимися и параллельными вертикалями, и пучками, разбегающимися в стороны. Границы фигур и предметов чётко очерчивались контурной линией. Всё это создавало сложные линейные ритмы. Линейность - один из выразительных элементов живописного языка русской иконы.
  Теперь поговорим о красках: в распоряжении древнерусских художников их выбор был сравнительно небольшой. Широко распространённая и любимая киноварь(красная), разных оттенков зелёная, белила, в большом количестве охры (от светло-жёлтой до тёмно-коричневой) и редкий, но очень ценимый голубой(голубец), получаемый из ляпис-лазури. Но мастера живописи умели извлекать из этого набора красок максимум художественной выразительности. Она достигалась звучностью, открытостью локального цвета. Цвет каждого предмета даётся единым пятном, он не содержит оттенков (нет ни рефлексов, ни светотени). Древнерусский художник передаёт присущую данному предмету окраску, цвет, не подвергающийся изменениям под воздействием освещения, как бы подчёркивающий постоянную, незыблемую сущность явления. Лики, волосы, одежда пишутся своим определённым цветом. В некоторых случаях этот цвет был традиционным, каноническим.
  Цвет в иконах был в значительной мере символичен. Золото и пурпур символизировали царственность и, исходя из народных представлений, ассоциировались с сиянием солнца, олицетворяли тепло, энергию, красоту; белый - признак чистоты; голубой цвет ассоциировался с небесной сферой, а зелёный - традиционный цвет Святого Духа.
  Цвет в древнерусской живописи - одно из главнейших средств выражения её содержания. И здесь на первое место выступают его эмоциональные и эстетические качества. Художник, учитывая требования канона и символику, так располагал цветовые пятна на плоскости, так их сочетал друг с другом, то мягко сопоставляя близкие по тону, то противопоставляя контрастные, что они начинали звучать в определённом эмоциональном ключе, создавая то ощущение покоя, ясности, то напряжения, неуспокоенности. Эмоциональность колористического строя икон действовала на чувства древнерусского человека, как действует и на нас, современных зрителей, которым чужда традиционность и подчас непонятна символика их цвета. Кроме того, цвета в древнерусской живописи создают такие сочетания и ритмы, которые наш глаз воспринимает как гармоничные, красивые, доставляющие нам наслаждение.
  Иконописные композиции обычно немногословны - изображаются только самые необходимые фигуры и предметы. Тем больший смысл в них вкладывается, тем большее значение придаётся их выразительности. Так, немногими предметами обозначается среда, в которой происходит действие: природный пейзаж горками, одним деревом, городской пейзаж часто одним строением, интерьер какой-то одной деталью (троном, столом, балдахином), трапеза одной чашей и т.д.
  Посредством поз и жестов, в значительной степени канонизированных, выражаются определённые эмоции, переживания, состояния персонажей. Склонённая поза, рука, подпирающая подбородок, означают скорбь; руки, поднятые вверх, заломленные над головой - горе, отчаяние; руки, вытянутые вперёд, распростёртые перед грудью - мольбу, обращение и т.д.
  Многие элементы композиции имеют двойной смысл: прямой, обозначающий данный предмет, обстановку, и зашифрованный, символический; символичны, как уже говорилось, цвета одежд персонажей, символичны их жесты, многие атрибуты.
  На первом занятии мы познакомили слушателей с основами и цветовой композицией, а так же символикой древнерусской живописи и не стоит перегружать его лишними штрихами и деталями, так как ещё впереди огромный пласт изучения этого объёмного материала. Далее пойдет: плоскостное построение изображения, действие во времени и каноническая тематика.

ПРОДОЛЖЕНИЕ СЛЕДУЕТ.