Книга Встречи с музыкой

НЕБЕСНЫЙ ИЕРУСАЛИМ

Палестрина Джованни Пьерлуиджи да (1524-1594) – итальянский композитор, органист, капельмейстер, педагог, один из крупнейших полифонистов эпохи Ренессанса.

1. Мастер полифонии

В вокальной полифонии Джованни Палестрина – вдохновенный строитель Небесного Иерусалима.

В полифонической музыке Палестрина возводит храм святого Петра!

Музыка Палестрины воплощает образ земной и Небесной церкви.

Палестрина отворяет врата Божьего собора.

Палестрина испытывает благоговение перед Всевышним.

Палестрина восхищается мудростью Творца мира.

2. Преемники

 Джованни Палестрина созидает в музыке Божий храм, Орландо Лассо – храм природы.

Музыка Палестрины размеренная и строгая, Лассо – мелодически раскрепощенная.

Палестрина в музыке – архитектор Донато Браманте, Лассо – живописец Леонардо да Винчи.

Палестрина и Клаудио Монтеверди находятся в таком же соотношении, как Бог и его творение.

Музыка Палестрины образует Небесную твердь, голубое небо Антонио Вивальди оглашают птичьи голоса.

Палестрина совершает молитву в Небесном святилище, Божья обитель Вивальди – природа!

Палестрина и Иоганн Себастьян Бах – величайшие мастера полифонической музыки. Кто выше их? Разве только сам Бог, распределяющий местоположение звезд во Вселенной с точностью, какая необходима в полифонии!

МЕЛОДИИ РАЯ

Джон Дауленд (Доуленд) (1563-1626) — английский композитор, лютнист, певец.

Некоторые люди считают Джона Дауленда Шекспиром в музыке. Так или иначе, но Дауленд – современник великого драматурга. Он пишет музыку к трагедиям Шекспира, сочиняет песни на его стихи.

Поклонники таланта Дауленда с восторгом отзываются о его музыке. Они говорят: «Когда играет Дауленд, смолкают птицы». Да и сам Уильям Шекспир в «Страстном пилигриме» посвящает ему несколько строк: «Тебя берет в плен Дауленд, чья струна чарует слух мелодиями рая».

В лютневой музыке Дауленд изображает бытовые сцены из жизни Англии, рисует портреты друзей, покровителей, знатных особ и королевы.

В лютневой музыке Дауленд раскрывает характеры и нравы людей. Через них показывается эпоха королевы Елизаветы, общественное умонастроение, манеры и нравы высшего света.

Лютневая музыка Дауленда кристально чистая. В ней отсутствует даже тень пошлого или низкого (показательно, что имя Дауленд в переводе с английского означает «возвышенность»!).

Нежная лютня Дауленда трогает сердце тихой печалью и такой же тихой радостью.

Музыка Дауленда покоряет искренностью чувств. Лютнист заглядывает в потаенные уголки души.

Когда за окном моросит дождь и в душе поселяется тоска, тогда, вероятно, и появляются скорбные песни Дауленда.

Наряду с меланхолией Дауленда заявляет о себе его оптимизм, вера человека в себя. Это понятно, ведь Дауленд живет в период утверждения могущества Англии.



ВЕНЕЦИАНСКИЙ ОРФЕЙ

Клаудио Джованни Антонио Монтеверди (1567-1643) — итальянский композитор, капельмейстер, певец, гамбист, один из крупнейших композиторов в эпоху перехода от позднего Ренессанса к раннему Барокко.

1. Музыка Небесной чистоты

Клаудио Монтеверди – венецианский Орфей.

Монтеверди пишет одухотворенную музыку.

Музыка Монтеверди просветляет душу.

Монтеверди создает религиозную и светскую музыку.

Монтеверди пишет музыку Небесной чистоты и земных страстей.

Духовный небосвод Монтеверди простирается над мирозданием.

2. Мадригалы

Мадригалы Клаудио Монтеверди отличаются Небесной гармонией и красотой.

Мадригалам Монтеверди свойственны возвышенная красота и благородная сдержанность.

Нет возвышеннее и чище эмоций, рожденных в момент общения с Богом. Именно такие чувства пробуждают в нас мадригалы Монтеверди.

3. Оперы

Под ренессансным небом человек еще не принадлежит самому себе. Над ним довлеет абстрактная гуманистическая идея. Это не позволяет оперным героям Клаудио Монтеверди раскрываться в полной мере.

Оперные герои Монтеверди выражают себя посредством мелодекламационного речитатива, а не ариозного пения, способного раскрывать глубины души.

Танцевальная музыка в операх Монтеверди неотделима от народного искусства. Однако его народ – только антураж, декоративный фон.

Как видим, и человек, и народ в операх Монтеверди достаточно условны.

4. Имена

Клаудио Монтеверди принадлежит к эпохе Уильяма Шекспира.

В операх Монтеверди присутствует шекспировская трагедийность.

Эвридика и Поппея – возвышенные женские персонажи в операх Монтеверди. Их нежность и печаль близки к чувствам шекспировской Офелии. Скорбная женственность этих хрупких созданий очаровательна.

Когда погружаешься в мессы Джованни Палестрины, представляешь себе верующих с молитвой на устах. Слушая мадригалы Монтеверди, видишь других верующих: они созерцают Божий мир, любуются его земной и Небесной красотой.

Монтеверди и Генрих Шютц – отцы новой итальянской и немецкой музыки.

Луиджи Росси обогащает мелодекламационный речитатив Монтеверди ариозным пением.

После сдержанной мелодекламации Монтеверди у его ученика Франческо Кавалли появляется оперная ария.

Монтеверди – рационалист в опере, еще не знающий райского блаженства Жана-Батиста Люлли.

Ясная, чистая, светлая, возвышенная, благородная музыка Монтеверди и Антонио Вивальди несет в себе одновременно светское и религиозное мироощущение: её озаряет солнечный и Божественный свет, земная и Небесная красота.

С именем Монтеверди связано пробуждение оперы, с именем Георга Фридриха Генделя – утренняя заря.

Монтеверди – гений речитатива в ранней барочной опере, Джованни Перголези – арии в опере зрелого барокко.

Монтеверди – мастер декламационного речитатива, Георг Гендель – арии, Кристоф Глюк поднимает до высокого художественного уровня обе формы оперного пения.

В музыке Монтеверди получает воплощение небесная красота, в бессмертных произведениях Вольфганга Амадея Моцарта – земная.

Монтеверди и Джузеппе Верди – реалисты в оперном искусстве: их объединяет шекспировский драматизм.

Мелодекламационный речитатив Монтеверди имеет много общего с речитативным пением Джакомо Пуччини.

 
ОБРАЗ ИИСУСА ХРИСТА

Генрих Шютц (1585-1672) — немецкий композитор, органист, педагог, автор духовной музыки, первой немецкой оперы и нескольких балетов.

Музыка Генриха Шютца отличается мелодической красотой.

Герой музыки Шютца – искренно верующий человек. Выходя из церкви, он любуется царственным великолепием природы.

Дух музыки Шютца особый: религиозно-пантеистический.

В музыке Шютца вера в Бога и созерцание природы находятся в неразрывном единстве.

Музыка Шютца испускает тихий свет лампады иконы Девы Марии.

Шютц с душевным трепетом воплощает в музыке образ Иисуса Христа.

Шютц – композитор духовной красоты.

Шютц – композитор мудрой простоты.

Шютц – подвижник немецкой музыки. За ним следует целая плеяда композиторов-титанов: Георг Филипп Телеман, Иоганн Себастьян Бах, Георг Фридрих Гендель.

КОМПОЗИТОР-СОЛНЦЕ

Жан-Батист Люлли (1632-1687) — французский композитор, скрипач, танцор, дирижер, педагог итальянского происхождения. Создатель французской национальной оперы, крупнейшая фигура музыкальной жизни Франции при Людовике XIV.

При дворе короля-солнца Людовика XIV служит композитор-солнце – Жан-Батист Люлли.

Купаясь в солнечных лучах короля Людовика XIV, Люлли создает музыку света, красоты, изящества.

Люлли отличается сладострастием в жизни и сладкозвучием в музыке.


Хотите узнать, как пели и танцевали в галантный век при дворе Людовика XIV– посетите оперно-балетные спектакли Люлли.

Существует придворно-торжественный и театрально-лирический Люлли. Наряду с музыкой военных труб и барабанов любимец короля пишет музыку для нежных скрипок.

Музыка Люлли очаровывает райской красотой.


Музыка Люлли уносит в райские кущи.

Музыка Люлли идиллическая. Герои его опер – небожители.

В античных богах Люлли раскрывает человеческую красоту и любовь.

Античные боги Люли поют просто и вдохновенно: ведь на небе и на земле любовь одинакова.

Люлли воспевает любовь, преподнесенную людям богами Олимпа.

Для Люлли всевластный, всепоглощающий бог – любовь!

Музыкальные идиллии Люлли необыкновенно привлекательны: их героям одинаково свойственны пастушеская непринужденность и королевская галантность.

В музыкальных идиллиях Люлли пастухи танцуют с королевской галантностью, а короли – с пастушеской непринужденностью.


НАРОДНЫЙ ОРГАНИСТ

Дитрих Букстехуде (ок.1637 — 1707) — датско-немецкий органист, самый крупный представитель северогерманской органной школы добаховского периода.

1. Музыка Букстехуде

Композитор и органист Дитрих Букстехуде – выходец из народа. Он творит музыку для народа.

 В органной музыке Букстехуде «повествует» о библейских событиях на понятном народу языке.

Слушатели произведений Букстехуде – аристократы и простые люди.

В музыке Букстехуде столько духовной мощи, сколько и прозы жизни.

Букстехуде не чуждо созерцание мира.

Иногда Букстехуде впадает в высокопарную риторику.

Фуги Букстехуде не всегда отличаются совершенством формы. Им характерен неровный, «спотыкающийся» ритм.

В инструментальной музыке Букстехуде обнаруживается яркий мелодизм.

Букстехуде – энергичный и деятельный музыкант.

Не кто иной, как Букстехуде, превращает орган в короля инструментов.

2. Букстехуде и Бах

В органной музыке Дитрих Букстехуде – простодушный рассказчик библейских событий и легенд, в музыке Иоганна Себастьяна Баха воплощается всеобъемлющий Божественный дух.

Букстехуде – местный проповедник, Бах – новозаветный апостол.

Букстехуде – земной, Бах – земной и Небесный.

Букстехуде, в сравнении с Бахом, более житейский и более невзыскательный. В нем нет баховского величия.

Букстехуде импровизирует, Бах – строит идеальную музыкальную форму.

Букстехуде красноречив по-домашнему, по-отцовски, Бах – высоко духовен.

Букстехуде созерцает окружающую среду, Бах обнимает весь Божий мир.

Букстехуде служит народу, Бах – Всевышнему.

Букстехуде – известный в округе органист, Бах пользуется славой по всей Германии.

Букстехуде – первостепенный талант, Бах – высочайший гений!

МУЗЫКА БЛАГОРОДСТВА И КРАСОТЫ

Арканджело Корелли (1653-1713) — итальянский скрипач, композитор, педагог. Он внес существенный вклад в формирование скрипичного концерта.

Выдающийся скрипач Арканджело Корелли – двуедин: он – и нежный ангел, и суровый архангел!

Идеал Корелли – человек воли, достоинства и благородства.

В музыке Корелли звучит деятельная энергия и мужественная скорбь.

Корелли создает музыку бурных порывов, настойчивой энергии, трепетной нежности и тихой печали.

В оркестровой музыке Корелли присутствуют райские идиллии с ангелами.

Вокальная музыка Корелли напевная и даже песенная. Это указывает на то, что композитор мог бы писать талантливые оперы.

Если бы Корелли сочинял оперы, его арии выигрывали бы в благородстве и красоте.

Отмеченное внутренним драматизмом, чувство радости и скорби Корелли уносится к Небесной гармонии, к Божьему престолу.

Прямыми наследниками Корелли выступают ангельский Антонио Вивальди и «дьявольский» Джузеппе Тартини.

Факел Прометея Корелли передает Георгу Фридриху Генделю, Гендель – Людвигу ван Бетховену.

В знаменитой симфонической поэме «Прометей» Александра Скрябина вновь заявляют о себе неудержимый порыв духа и нежные скрипки Корелли.

БЛАГОЧЕСТИВЫЙ ОРГАНИСТ

Иоганн Пахельбель (1653-1706) — немецкий композитор, органист, педагог. Творчество Пахельбеля — одна из вершин южно-немецкой органной музыки периода барокко.

1. Пахельбель

Иоганн Пахельбель большую часть своих произведений создает для органа.

В лирико-созерцательной музыке Пахельбель обращает взор к Деве Марии.

У Пахельбеля спокойно льющаяся мелодическая, благостная музыка.

В музыке Пахельбель уравновешенный и благочестивый.

Музыка Пахельбеля успокаивает душу.

2. Пахельбель и Букстехуде

В органной музыке Дитрих Букстехуде по-народному прост и грубоват, Иоганн Пахельбель – культурен и благозвучен.

Музыка Букстехуде – народно-танцевальная, Пахельбеля – пасторально-идиллическая.

Букстехуде имеет своенравный, мужской характер, Пахельбель – мягкий, женский.

Букстехуде в музыке – ветхозаветный, Пахельбель – новозаветный.

ПОД ЗНАКОМ ШЕКСПИРА

Генри Пёрселл (1659-1695) — английский композитор, органист, певец, представитель стиля барокко.

1. Гениальная опера

 В музыке оперы «Дидона и Эней» Генри Пёрселла отражается державное величие Англии!

В оперной музыке Пёрселл спокоен, сдержан, значителен: он мыслит основательно и глубоко.

В музыке для театра Пёрселл тщательно взвешивает каждую ноту, каждую фразу, как полагается органисту Вестминстерского дворца.

Главная особенность музыки Пёрселла – элегичность.

Музыка Пёрселла отличается изысканной красотой и рыцарским благородством.

Балладный тон музыки Пёрселла придает опере «Дидона и Эней» лирико-эпический характер.

Погружаясь в лирическую задумчивость музыки Пёрселла, невольно видишь лондонские туманы, спокойное течение Темзы с зелеными лугами и старинными замками по ее берегам.

2. Под знаком Шекспира

До музыки Генри Пёрселла доносятся отголоски шекспировского театра.

Музыка Пёрселла по-шекспировски народна и по-шекспировски лирична.

Прослеживается явная связь между любовной лирикой сонетов Шекспира и оперной музыкой Пёрселла.

Пьесы Шекспира и музыка Пёрселла в основе своей демократичны, хотя имеют некоторый налет аристократической изысканности.

Музыка Пёрселла и живопись Томаса Гейнсборо имеют одну общую черту: шекспировский лиризм.

 Уильям Шекспир, Генри Пёрселл, Томас Гейнсборо, Джордж Байрон – выдающиеся мастера английской лирики.

 В музыке Пёрселла и произведениях Георга Фридриха Генделя присутствует английский национальный дух.

Проникновенную лирику Пёрселла воспринимают Кристоф Глюк и Вольфганг Амадей Моцарт, героический эпос – Георг Гендель и Людвиг ван Бетховен. Это означает, что Пёрселл оказывает заметное влияние на австрийских и немецких классиков XVIII-XIX веков.

ВЕЧНЫЙ ПРАЗДНИК

Томазо Джованни Альбинони (1671-1751) — венецианский композитор, скрипач эпохи барокко. При жизни был известен как автор многочисленных опер.

1. Мелодизм

Музыка Томазо Альбинони выделяется мелодической яркостью.

Альбинони пишет искреннюю, взволнованную, мелодически красивую музыку.

Музыка Альбинони ясная, интонационно свежая.

Мелодии Альбинони рельефные как в созерцательной, так и в энергичной музыке.

Альбинони – эмоционально открытый и всегда радостный.

Альбинони создает музыку земного рая.

Музыка Альбинони наполняет душу счастьем.

В музыке Альбинони торжествует вечный праздник.

2. Альбинони и Вивальди

Томазо Альбинони и Антонио Вивальди обладают редким мелодическим даром.

Альбинони и Вивальди – творцы одухотворенных мелодий.

В музыке Альбинони – земное счастье, Вивальди – Небесное и земное.

СОЛНЕЧНЫЙ ГЕНИЙ. АНТОНИО ВИВАЛЬДИ

Антонио Лучо (Лучио) Вивальди (1678-1741) — итальянский композитор, скрипач-виртуоз, педагог, дирижер, католический священник.

 
1. Небо и ангелы

Музыка Антонио Вивальди светоносна.

Вивальди – творец Небесной гармонии и красоты.

Вивальди – ангел в музыке.

Скрипка Вивальди сопровождает хороводы ангелов.

В операх Вивальди действуют не люди и не ангелы, но ангельские люди: легкие, воздушные, светлые и ясные существа, как юные мадонны Рафаэля.

Музыка Вивальди несет солнечную красоту и молодость духа.

Музыка Вивальди всегда возвышенна, всегда одухотворенна!

В музыке Вивальди отражается хрустальное венецианское небо.

Солнечные лучи насквозь пронизывают музыку Вивальди. Они охватывают весь земной мир: озаряют величественный собор Святого Марка, они сверкают в венецианских каналах, преображают землю, которая радует глаз цветущими садами весной, торжеством жизни летом, прозрачным воздухом осенью. Солнечные лучи превращают голубое итальянское небо в шелковый покров, предохраняющий земную колыбель от ненастья и ветров. Без этой солнечной феерии музыка Вивальди утратила бы самое ценное качество – светоносность.

 
2. Природа

Не церковь обитель священника Антонио Вивальди, а храм природы!

Природа в музыке Вивальди – чудесный земной мир.

Природа торжествует в музыке Вивальди!

Природа в музыке Вивальди звенит радостными птичьими голосами!

Вивальди – райская птица в золотой клетке барокко: она веселит душу радостным пением.

Зима в музыке Вивальди – это колючие снежинки в холодную утреннюю пору.

Слушая зимнюю музыку Вивальди, ощущаешь прилив бодрости: кажется, что едешь на ослике по заснеженной горной тропе.

3. Музыкальный стиль

Нет в мире более светлого композитора, чем Антонио Вивальди!

Вивальди – символ гармонии, света и красоты в музыкальном искусстве.



В музыке Вивальди царствует природа. Кто ее создал? Бог! Следовательно, Вивальди – истинно христианский композитор!

Обучая девушек в консерватории, Вивальди создает ангельскую музыку, которая по душе юным прелестницам, мечтающим о Небесном женихе – Иисусе Христе.

Музыка Вивальди отличается полнотой жизни.

Музыка Вивальди брызжет солнечными лучами радости.

Когда звучит музыка Вивальди, в душе распускаются розы любви и счастья.

Музыка Вивальди – это порывы молодости, разнообразные чувства: от восторженной радости до умиротворенного покоя.

Вивальди – это интеллект, строящий произведения по законам гармонии, это созерцание красоты Божьего мира. Музыку Вивальди украшают серебряные звуки клавесина, несущие праздничное настроение.

Вивальди – несравненный мастер звукописи, тончайших оркестровых красок и оттенков.

Вивальди пишет вдохновенную музыку с благословения ее величества скрипки.

Оперные арии Вивальди предельно виртуозны: они, скорее инструментальные, нежели вокальные.

4. Великие имена

 Антонио Вивальди – мудрый и жизнерадостный Омар Хайям в музыке.

Вивальди обладает жизнетворным рафаэлевским гением.

Музыка Джованни Габриели – аквамариновая, цвета морской волны, Вивальди – светозарная, солнечная.

Музыка Клаудио Монтеверди и Вивальди отличается Небесной красотой.

Алессандро Скарлатти – темперный, солнечно-земной, Вивальди – акварельный, солнечно-небесный.

 Арканджелло Корелли – суровый архангел, Вивальди – легкокрылый ангел.

Томазо Альбинони и Вивальди создают музыку земного рая.

Виртуозная скрипка Вивальди оживляет музыку Георга Телемана, Георга Генделя и Иоганна Себастьяна Баха. Она придает их произведениям итальянское изящество.

Музыка Вивальди, Баха, Вольфганга Моцарта от первой до последней ноты гениальна.
С именем драматурга Карло Гольдони связано оперное творчество Вивальди и Бальдасаре Галуппи – двух прославленных венецианских композиторов.

Вивальди – солнечный гений, который сравним, пожалуй, только с Вольфгангом Амадеем Моцартом.

Вивальди отличается художественной стабильностью, которой позавидовал бы даже Моцарт.

Красивой, благозвучной музыке Вивальди, Моцарта, Чайковского внимает весь мир. Не свидетельствует ли это о подлинной красоте их музыки?

На итальянском музыкальном небосводе сияет два солнца: Вивальди и Джоаккино Россини!

В музыке Вивальди кроются истоки оперного творчества Джузеппе Верди. И тот, и другой ставит красоту на высокий пьедестал!

Предельно отточенный мелодизм Вивальди сопоставим с яркой музыкой Жоржа Бизе.

Птичье царство заселяет музыку Вивальди на два столетия раньше, чем творения Оливье Мессиана.

Послесловие

Многие композиторы сочиняют солнечную музыку. Но самые блестящие из них рождаются на юге. Таковы: Антонио Вивальди, Джованни Перголези, Вольфганг Моцарт, Никколо Паганини, Джоаккино Россини, Морис Равель, Сергей Прокофьев. Нетрудно заметить, что все они от природы наделены исключительными музыкальными способностями.

Кто из композиторов достигает вершин гениальной простоты? Это Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах, Людвиг ван Бетховен, Джоаккино Россини, Франц Шуберт, Феликс Мендельсон-Бартольди, Джузеппе Верди, Шарль Гуно, Жорж Бизе, Эдвард Григ, Пётр Ильич Чайковский.

ДЕМОКРАТ В МУЗЫКЕ

Георг Филипп Телеман (1681-1767) — немецкий композитор, органист, капельмейстер, инструменталист, музыкальный критик, поэт, писатель, мемуарист, издатель, музыкально-общественный деятель.

1. Композитор-демократ

Георг Филипп Телеман пишет музыку для горожан, бюргеров, сановников вольного города Гамбурга.

Телеман – выдающийся музыкант-просветитель.

Телеман – истинный демократ в музыке.

Телеман находится в толпе веселящихся людей, но остается наедине со своими мыслями.

Телеман – композитор-практик с широкими музыкальными интересами.

Телеман успешно работает в различных музыкальных жанрах. Это гений, создающий музыку для всех слоев общества!

Телеман – творец общедоступной музыки!

2. Танец и песня

Маршеобразные и танцевальные ритмы музыки барокко опираются на традиции народного искусства эпохи Ренессанса. В этом отношении показательно творчество Георга Телемана.

Телеман активно использует ритмы и мелодии народных танцев.

Телемана увлекает песенно-танцевальная стихия народного творчества.

Телеман – автор городской песни, понятной и близкой людям.

Песни Телемана простые и невзыскательные.

Телеман – миннезингер баховской эпохи. Его перу принадлежит 700 песен.

Между гамбургским музыкальным директором Телеманом и его преемником Карлом Эмануэлем Бахом существует связующее звено – немецкая песня.

Немецкая песня, как национальное явление, формируется в вокальной музыке Телемана и Карла Баха.

Классическая немецкая песня развивается благодаря Телеману, Карлу Баху, Карлу Цельтеру, Феликсу Мендельсону-Бартольди и достигает лирико-драматических высот в песнях Франца Шуберта и Роберта Шумана.

Одна песня Телемана в народном духе достойна любой кантаты Баха или оратории Генделя.

3. Опера

В опере «Орфей» Георга Телемана музыка возвышенна и поэтична.

Оперные арии Телемана отмечены деликатностью тонко чувствующего композитора.

Оперная музыка Телемана отличается нежной, хрупкой лирикой. Герои его опер – античные боги, но они выражают эмоции современных людей.

Слушая оперы Телемана, порой кажется, что в эпоху Барокко заглядывают Россини и Шуберт.

4. Особенности стиля

Музыка Георга Телемана простая, непосредственная, сердечная. Она пригодна для домашнего музицирования.

В музыке Телемана ликующая радость сменяется легкой грустью, несущей тихий, светлый, ясный покой.

Музыка Телемана душевная, человечная: будь она иронической или озорной, сентиментальной или бурной!

Телеман в музыке ироничен и меланхоличен, напорист, как шквал ветра, или нежен, как невинная девушка.

Телеман – предтеча сентиментализма и романтизма. Сделайте переложение для вокала скрипичные или флейтовые партии его инструментальных ансамблей – и вы услышите мотивы немецкого зингшпиля. Поступите точно так же с песенно-танцевальными мелодиями Телемана – и вы получите интонации песен Шуберта. Если же отдельные эпизоды музыки Телемана сыграете на фортепиано – зазвучит Шуман. Своими мелодиями Телеман проникает в глубины человеческой души, согревает ее теплом и лаской.

Очаровательны пастушеские идиллии Телемана. Они занимают важное место в его творчестве.

Телеман – мастер инструментальной миниатюры.

Пленэрную музыку пишут Телеман, Георг Гендель, Вольфганг Моцарт, Франц Шуберт, Гектор Берлиоз. Их можно считать предшественниками импрессиониста Клода Дебюсси.

Одним из первых музыкальных пародистов является Камиль Сен-Санс, создающий остроумный «Карнавал животных». Однако намного раньше до него Телеман сочиняет «лягушечью» музыку.

Музыка Телемана и Оливье Мессиана насыщена «оркестровой театральностью», в которой инструменты «разыгрывают» между собой «драматические» или «оперные» сценки. Не ошибемся, если скажем, что музыка Телемана и Мессиана представляет собой инструментальный театр.

Музыка Телемана в высшей степени человечна.

5. Три гения

Георг Телеман служит при городском магистрате, Георг Гендель – королевский капельмейстер, Иоганн Себастьян Бах – кантор церкви. Музыка Телемана – городская, Генделя – светская, Баха – религиозная.

Три выдающихся немецких композитора имеют разные творческие облики: Телеман – демократичный, Гендель – аристократичный, Бах – религиозный.

Телеман пишет музыку для народа, Гендель – для аристократов, Бах – для верующих.

Музыка Телемана – уличная, Генделя – театральная, Баха – церковная.

В музыке Телемана танцуют жители деревень и городов, в идиллиях Баха и Генделя – пастухи и пастушки: у Телемана – реальные люди, у его коллег – мифологические.
 
В отличие от религиозного Баха и светского Генделя Телеман – подлинно народный композитор.

Такие демократически настроенные композиторы, как Телеман, а вслед за ним Йозеф Гайдн, Людвиг ван Бетховен, Джоаккино Россини зачастую удивляют и даже шокируют современников.

Мелодии Телемана индивидуальны и человечны. Они свободны от баховской религиозности и генделевского аристократизма.

Телеман по-немецки музыкально-драматический, Гендель по-итальянски оперный. Они движутся разными путями.

Оперная музыка Телемана светлая и трогательная, Генделя – солнечная и яркая. Телеман мыслит, как истинный немец, Гендель – как итальянец или англичанин: немецкая сущность Генделя отступает на второй план.

Телеман в опере песенный, Гендель – песенно-ариозный. Телеман – немецкий композитор, Гендель – немецко-итальянский.

Телеман в душе чувствует музыку будущих веков, хотя живет в XVIII столетии!

Музыка Телемана – в основе своей немецкая, творения Баха принадлежат всему человечеству.

Композиторская натура Телемана необычно широка: это музыкант трех периодов – барокко, классицизма и романтизма, Бах – воистину необъятен, чье творчество значительно для всех народов и всех эпох! При этом не надо забывать, что Бах обращается к Богу, а Телеман – к человеку!

КОРОЛЬ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОСТИ И КРАСОТЫ

Жан-Филипп Рамо (1683-1764) — французский композитор, органист, скрипач, теоретик музыки эпохи барокко.

1. Символы

Жан-Филипп Рамо – король изобразительности и красоты.

Рамо – принц благородства и изысканности.

Рамо – паж изящества и грации.

Рамо наслаждается красотой сельских идиллий.

Рамо изображает в музыке обитателей леса.

Рамо «живописует» в звуках пленительные индийские пейзажи.

2. Творчество

 Жан-Филипп Рамо сочиняет музыку внешне сдержанную, изнутри напряженную. Это происходит из-за того, что он находится между галантным веком Людовика XIV и эпохой Просвещения Вольтера и Руссо.

Музыка Рамо жизнерадостная. В ней воплощается образ энергичного, знающего себе цену француза.

Характер оркестровой музыки Рамо определяют энергия и энтузиазм!

Рамо привлекает внимание бодрой, иногда помпезной клавесинной музыкой!

Рамо в оперном искусстве оригинален и неповторим.

Рамо – не столько вдохновенный творец, сколько внимательный мастер в оперном жанре.

В силу того, что оперы Рамо пробуждают гражданские чувства, их следует относить к предреволюционной эпохе.

3. Композиторы

 Танцевальная мелодия из оперы «Индийские галантности» Жана-Филиппа Рамо и молитвенная мелодия из оперы «Ринальдо» Георга Фридриха Генделя делают имена их создателей бессмертными!

Галантная музыка Рамо и Луиджи Боккерини облагораживает людской род.

Рамо – предшественник мелодичных Франсуа Филидора и Андре Гретри. Примечательно, что «ученость» Рамо не заглушает в нем мелодический дар.

Рамо и Луиджи Керубини – композиторы высокой гражданственности.

Операм Рамо и Гектора Берлиоза свойственны героический пафос, мелодекламационный стиль, изобразительность и красочность музыки.

С красочности музыки Рамо начинается импрессионизм Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Рамо открывает музыкальную Индию для Лео Делиба и Оливье Мессиана!

«Птичья» музыка Рамо и Мессиана – типично французское явление.

Без Рамо невозможно представить творчество Луиджи Керубини, Гектора Берлиоза, Лео Делиба, Клода Дебюсси, Мориса Равеля, Оливье Мессиана, Пьера Булеза – все это изобразительно-декламационная ветвь французской музыки.

САМСОН В МУЗЫКЕ

Георг Фридрих Гендель (1685-1759) — немецкий, английский композитор эпохи барокко, органист, клавесинист, скрипач, гобоист. Он известен своими операми, ораториями и концертами.

1. Личность

Ромен Роллан пишет о Георге Фридрихе Генделе, как о человеке «несокрушимого духа».

Гендель – многонационален. Великий немецкий композитор создает музыку в итальянском и английском стилях.

Гендель усиливает старинную английскую музыку мощным германским духом! Это нравится англичанам, чья держава простирает свою власть на полмира!

Гендель отличается энергичным характером и трезвостью ума в жизни и творчестве. Англичане возносят Генделя на пьедестал славы. Затем они низвергают его. И вновь поют хвалу. В конце концов, ставят при жизни памятник.

Гендель на протяжении 35 лет борется с засильем итальянской оперы в Англии.

Гендель в творчестве мужественен и красив: он – Гектор и Парис в одном лице.

Гендель – автор героической музыки в оратории и красивой – в опере.

Гендель пишет развлекательную музыку для светского общества и короля.

Гендель – один из крупнейших благотворителей среди композиторов. Он выделяет огромные суммы денег малоимущим и больным людям. Чтобы это делать, нужно быть титаном духа!

2. Оратории и оперы

Георг Фридрих Гендель – Самсон в оратории.

Мощь, энергия, радость определяют характер музыки ораторий Генделя.

В ораториальной музыке энергия Генделя бьет ключом, в ней торжествует радость!

Гендель эмоционально необъятен: он одинаково велик в эпико-трагедийных ораториях и лирико-речитативных операх.

Гендель в ораториях грандиозный, в операх – лирический и нежный.

В оперных ариях Гендель возвышен и благороден.

Арии Генделя ниспосылают Небесный покой.

Слушая арии Генделя, кажется, что пьешь утреннюю росу.

Арии Генделя ободряют и очищают душу.

Арии Генделя дышат весенней свежестью.

Если арии Генделя собрать вместе, то попадем в сад дивных мелодий.

Тем людям, которые никогда не наслаждались ариями Генделя, не доступна Божественная красота.

Скорбная музыка оперы «Ринальдо» Генделя возносит наш дух к Небесам!

3. Среди гениев

Арии Георга Фридриха Генделя имеют немецкую песенную основу, которую он раскрашивает виртуозным итальянским пением – таким, какое мы имеем, например, в операх Антонио Вивальди.

Насколько Иоганн Себастьян Бах сложен и глубок, настолько Гендель конкретен и ясен: ведь не случайно после смерти Баха его музыку забывают почти на сто лет, напротив, произведения Генделя не перестают радовать публику при жизни и после его смерти.

У Баха вера в Бога – духовная, у Генделя – духовно-разумная. Бах обозревает библейскую историю духовным зрением, Гендель – человеческим.

Размеренный ритм музыки Генделя и Баха позволяет видеть в каждом из них спокойно шагающего человека. Но, в отличие от Баха, созерцающего Небо, Гендель идет по земле, любуясь горами, долинами, каждым цветком у дороги.

Жизнь в операх Генделя возвышенна. Она приподнята над землей, хотя не достигает райских садов Жана-Батиста Люлли.

Люлли в оперном жанре – небесный, Гендель – небесно-земной, Кристоф Глюк – земной.

Генделевская радость переходит к Йозефу Гайдну и Вольфгангу Моцарту.

От светского Генделя тянутся нити к изысканному Моцарту.

Гендель предвидит музыкальное будущее: в операх он по-моцартовски изящен, в ораториях – по-бетховенски могуч.

Гендель – предтеча Людвига ван Бетховена, композитора огромной энергии и воли.

Гендель и Бетховен – оптимисты с ясным и светлым взглядом на мир.

Гендель – один из величайших лириков, Шуберт XVIII века.

В гениальных песнях Франц Шуберт едва ли не цитирует оперные арии Генделя.

Мощной генделевской энергетикой обладает музыка Людвига ван Бетховена и Рихарда Вагнера.

Гендель, Бетховен и Вагнер – атланты, держащие на руках музыкальный небосвод Европы!

ВЕЛИЧАЙШИЙ ГЕНИЙ

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) – немецкий композитор, органист-виртуоз, клавесинист, педагог, представитель эпохи барокко. За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. Его творчество охватывает все музыкальные жанры того времени, кроме оперы.

1. Небесный мир
 
Библия и протестантский хорал – вот две главные опоры музыки Иоганна Себастьяна Баха.

Музыка Баха – это звучащая Библия.

В музыке Баха воплощается Божье Слово.

В каждой ноте Баха присутствует Божественный Дух!

Музыка Баха содержит в себе духовную энергию, исходящую от Бога и направленную к Богу.

Над музыкой Баха простирается Божественное Небо, обитель Всевышнего.

Музыку Баха оглашает радостное пение ангелов, славящих Отца Небесного.

2. Небесный и земной мир

В музыке Иоганна Себастьяна Баха отображается Небесный и земной мир.

Баховскую музыку венчает Божественный дух, охватывающий землю и Небо, человека и его внутренний мир.

Музыка Баха заключает в себе Божественное человеческое начало. Она подобна Божественной и человеческой природе Иисуса Христа.

Бах радостно и благоговейно принимает мир, созданный Господом Богом.

Бах восторгается гармонией и красотой Божественного мира.

Бах любит Бога по-домашнему – душевно и ласково.

Музыка Баха – это восхождение к горнем высотам. Однако, она не отвергает самые обыкновенные житейские печали и радости.

Всем своим существом и всей своей музыкой Бах находится под отеческой опекой Всевышнего. Даже в светской, иронической или сентиментальной музыке композитор остается во власти Божественного духа.

Поклоняясь Отцу Небесному, Бах создает музыку сияющей радости в ожидании близкой встречи с Богом.

 
3. Произведения

В «Рождественской оратории» Иоганн Себастьян Бах возносит хвалу Отцу Небесному. Ее музыка пробуждает у верующих радостное настроение.

Грандиозные «Страсти по Матфею» Баха длятся свыше четырех часов. Религиозное чувство автора достигает в них всей своей полноты в альтовой арии, в которой композитор обращается к Богу – Творцу мироздания, земли и неба, райских кущ, где царит вечное блаженство.

Баховские органные произведения – это фрески бытия в трех измерениях: человек обращает взор к Всевышнему, человек предстает перед Всевышним в молитвенном благоговении, душа человека уносится туда, где поют райские птицы.

В органной музыке Баха есть место для духовной мощи библейских пророков и душевной кротости Иисуса Христа.

Органная музыка Баха опирается на идею противопоставления смерти и вечной жизни, Голгофы и воскресения Божьего сына. Между этими эмоциональными полюсами существует множество промежуточных состояний человеческой души.

Органная музыка Баха стремится ввысь, к небу, к свету. Это означает, что она готическая, ренессансная. Относить ее только к стилю барокко – значит не понимать, что в гениальных творениях Баха солнечный и Божественный свет образуют неразрывную сущность.

Играя клавесинную музыку Баха на фортепиано, современные исполнители зачастую превращают ее в механические упражнения, оторванные от Небесной синевы и Бога. В их руках клавесинная музыка перестает быть воскресным праздником и духовным восторгом.

Трагедийная музыка Баха носит молитвенный характер: в ней выражается душевное состояние Иисуса Христа перед распятием.

Лирика Баха очищает душу, дарит райское блаженство. Каждый день хочется пить из этого целебного источника!

Всевышний озаряет всю музыку Баха, начиная от грандиозных творений и кончая флейтовой миниатюрой-шуткой!

4. Восприятие музыки Баха

Великие произведения искусства содержат в себе непостижимую тайну, о чем свидетельствует музыка Иоганна Себастьяна Баха.

Музыка Баха состоит из трех пластов: 1. созерцание Божьего мира, 2. эмоциональные оттенки созерцания, 3. разнообразные чувства.

Музыка Баха имеет два уровня содержания: религиозное и одновременно светское. От слушателя зависит, какой она будет для него – религиозно-светской или светски-религиозной.

В музыке Баха отсутствуют рефлексия и субъективизм: у композитора четкий ритм и ясные мелодии.

Ритм музыки Баха – это ровно бьющееся сердце, это мерно идущие часы, это метроном вечности.

 Мирская музыка Баха живая, яркая, увлекательная. Освободив ее от барочного ритма, получим классицизм.

Эмоциональный мир произведений Баха безграничен. Вопрос состоит в ином: насколько высок духовный уровень современных исполнителей баховской музыки. Знают ли они подлинного Баха? Или они всего лишь приспосабливают его великую музыку к мещанскому быту?

В чьей душе не звучит музыка небесных сфер, чье сердце не исполнено трепетной любви к Богу, тот не поймет музыку Баха.

5. Эстетические параллели

Иоганн Себастьян Бах – ветхозаветный Ной в музыкальном искусстве. Выдающийся немецкий композитор собирает и обобщает музыкальный опыт прошлого, чтобы оградить его от забвения.

Бах – гений среди гениев. Таких немного: Гомер, Данте, Уильям Шекспир, Иоганн Гёте, Лев Толстой.

Бах изучает церковную музыку Джованни Палестрины и светскую музыку Антонио Вивальди. Его талант воистину уникален!

Вивальди, Бах, Моцарт – это те композиторы, чья музыка от первой до последней ноты гениальна.

6. Три гения

Георг Телеман служит при городском магистрате, Георг Гендель – королевский капельмейстер, Иоганн Себастьян Бах – кантор церкви. Музыка Телемана – городская, Генделя – светская, Баха – религиозная.

Три выдающихся немецких композитора имеют разные творческие облики: Телеман – демократичный, Гендель – аристократичный, Бах – религиозный.

В отличие от религиозного Баха и светского Генделя Телеман – подлинно народный композитор.

Творчество Баха опирается на хоровую музыку Палестрины, оркестровую музыку Вивальди, органную музыку старинных немецких мастеров. Так образуется прочный фундамент творчества Баха!

В органных произведениях Дитрих Букстехуде по-народному прост и невзыскателен, Бах – по-религиозному глубок и вездесущ.

Музыка Баха опирается на хорал, Георга Филиппа Телемана – на песню и танец. Это означает, что музыка Баха – церковная, Телемана – светская.

Танцевальность Баха принадлежит к высокому барочному искусству, танцевальность Телемана – это народная бытовая сфера музыки. Бах – строг и сдержан, Телеман – непосредственен и раскрепощен.

В музыке Бах обращается к Богу, Телеман – к народу. Поэтому музыка у них разная: ритм Баха – строг и размерен, Телемана – причудлив, Бах – полифоничен, Телеман – гомофонен.

В творениях Баха мудрая простота, в музыке Телемана – житейская мудрость.

Бах создает гениальные мелодии, не теряющие своей красоты даже через многие столетия. В этом отношении он имеет заметное преимущество над Телеманом.

Бах и Георг Фридрих Гендель – геркулесовы столбы, открывающие путь в новую музыку.

У Баха вера в Бога – духовная, у Генделя – духовно-разумная. Бах обозревает библейскую историю духовным зрением, Гендель – человеческим.

Бах – верующий и в светской музыке, Гендель – светский даже в церковных произведениях. Бах – кантор, Гендель – капельмейстер. Красота музыки Баха – религиозная, Генделя – светская.

Музыку Баха пронизывает Божественный дух, Генделя – человеческая энергия.

Бах славит величие Бога, Гендель – мужество человека.

Телеман служит в городском магистрате, Бах – в церкви, Гендель – при короле. Музыка Телемана – городская, Баха – церковная, Генделя – аристократическая.

У Телемана, Баха и Генделя разная публика: музыкой Телемана восхищается народ, органу Баха внимают верующие, операм Генделя аплодирует высший свет.

От соотношения энергии и созерцания в музыке барокко зависят черты стиля композитора: Телеман – энергично-созерцательный, Бах – созерцательно-энергичный, Гендель занимает среднее положение между Телеманом и Бахом.

Баха называют отцом европейской музыки. В его произведениях нередко встречаются глюковские и моцартовские интонации.

Бах в музыке – Всевышний, Вольфганг Амадей Моцарт – ангел.

Музыка Баха – это не ручей, что означает его имя в переводе с немецкого языка, и даже не море (как называет его Людвиг ван Бетховен), а безбрежный океан, переплыть который еще никому не удалось.

7. Сыновья Баха

Ни одного из сыновей Иоганна Себастьяна Баха нельзя назвать гениальным композитором. Их музыка талантливая, порой даже выдающаяся, но – не более того!

Каков стиль музыки членов баховского семейства? Иоганн Себастьян Бах – зрелое барокко: четкий ритм, яркие и лаконичные мелодии; Вильгельм Фридеман Бах – ранний переходный классицизм: ослабленный барочный ритм, сентиментальные мелодии, отдельные драматические всплески эмоций; Карл Филипп Эмануэль Бах – ранний классицизм: возвышенный, созерцательный характер музыки; Иоганн Кристоф Бах – средний классицизм: музыка по-гайдновски наивная и простая; Иоганн Кристиан Бах – зрелый классицизм: музыка отличается моцартовским изяществом и красотой.

Сыновья Баха Карл Филипп Бах и Иоганн Кристиан Бах имеют свое музыкальное лицо, хотя их мелодии еще недостаточно индивидуальны.

Музыка Иоганна Себастьяна Баха разделяется на музыку умного Карла Филиппа Баха и сердечного Иоганна Кристиана Баха.

Гениальный Иоганн Себастьян Бах завершает эпоху барокко, его сын Карл Филипп Эмануэль Бах открывает эпоху классицизма.

КОМПОЗИТОР-ЮВЕЛИР

Джузеппе Доменико Скарлатти (1685-1757) — итальянский композитор, органист, клавесинист, капельмейстер, педагог.

Доменико Скарлатти – ювелир в музыкальном искусстве.

Сонаты для клавесина Скарлатти отмечены вдохновенным порывом и одновременно – рассудительностью. Он знает границы, за пределы которых не следует заходить.

Клавесинные сонаты Скарлатти демонстрируют редкое мастерство автора.

Блестящие фактуры Скарлатти бурлят весенними ручейками.

Мелодии Скарлатти отличаются детской непосредственностью.

Скарлатти – мастер ярких музыкальных картин.

В сонатах Скарлатти изображаются сцены из жизни народа.

Музыка Скарлатти обладает тонким итальянско-испанским колоритом.

 Кроме сонат перу Скарлатти принадлежат оратории и кантаты. Они демонстрируют виртуозное владение техникой полифонического письма. В них присутствует гармония и красота, светлая лирика и героический эпос.

Скарлатти – автор 15 опер. Его арии имеют песенно-танцевальную основу. Их ясные и светлые мелодии нравятся публике.

Творчество Скарлатти оказывает заметное влияние на музыку классицизма и даже романтизма. Это проявляется в лаконичных мелодиях Людвига ван Бетховена, Феликса Мендельсона-Бартольди, Джузеппе Верди, Жоржа Бизе.

 
СЕРЕБРЯНЫЙ ЗВОН КЛАВЕСИНА

Франсуа Куперен (1668-1733) – французский композитор, органист, клавесинист, автор теоретических работ. Жил и творил в эпоху барокко.

Прославленный клавесинист Франсуа Куперен музицирует с богами!

Куперен сочиняет клавесинную музыку для ангелов.

Внутри серебряного звона клавесина таится купереновская лирика.

В недрах клавесинной музыки Куперена зарождается французский шансон.

Музыку Куперена оглашают птичьи голоса.

В музыке Куперена порхают бабочки и стрекозы.

В виртуозных пьесах Куперен – искусный наездник и жонглер.

Для музыки Куперена характерны четкая форма, строгий стиль и бодрый тон.

Чтобы понимать клавесинную музыку Куперена, нужно иметь развитое воображение и тонкий аристократический вкус.

 Чудесные мелодии Франсуа Куперена предвосхищают лирику Андре Гретри.

Куперен и Вольфганг Амадей Моцарт – гении изящества.

Можно без преувеличения сказать, что Куперен перевоплощается в Клода Дебюсси на пороге XX века!

СТРАСТНАЯ МУЗЫКА

Джузеппе Тартини (1692-1770) — итальянский скрипач, композитор, педагог. Считается крупнейшим скрипичным виртуозом XVIII века.

Скрипка Джузеппе Тартини иногда нежно поет, иногда сотрясает мир.

Скрипка Тартини властно захватывает в плен.

Тартини демонизирует скрипку.

Музыка Тартини по-дьявольски напряженная. Она срывает покровы с благодушия.

Тартини создает скрипичную музыку, вдохновляясь старинной итальянской поэзией. Дух его музыки поднимается до высот гениального Данте, до рая и ада, Бога и дьявола. Вот из чего рождается знаменитая соната Тартини «Дьявольская трель!».


МУЗЫКАЛЬНОЕ ЧУДО

Джованни Баттиста Перголези (1710-1736) — итальянский композитор, скрипач, органист. Перголези является одним из самых ранних и важнейших композиторов оперы-буффа.

За короткую жизнь Джованни Перголези успевает создать несколько гениальных произведений. Среди них – комическая опера «Служанка-госпожа» и духовная кантата Stabat Mater (Стояла мать скорбящая).

Stabat Mater Перголези – глубоко эмоциональное произведение, по выразительности не уступающее моцартовскому Реквиему.

Перголези воплощает трагедию Богоматери в красивой музыке. В этом состоит секрет популярности Stabat Mater.

Перголези – неиссякаемый источник жизнерадостности. Он создает одну из первых комических опер.

Перголези в оперном жанре простонародный, уличный, так сказать, демократический. В сравнении с ариями Георга Генделя и Кристофа Глюка, он более простой, но более конкретный и ясный.

Перголези – музыкальное чудо, сравнимое разве что с Вольфгангом Амадеем Моцартом!

Перголези предвосхищает простую и ясную музыку Джоаккино Россини!

Перголези обладает редким мелодическим талантом. Рядом с ним можно поставить Вольфганга Моцарта, Франца Шуберта, Винченцо Беллини, Фредерика Шопена, Жоржа Бизе. К несчастью, жизнь этих гениев до обидного коротка: земной век Моцарта длится 35 лет, Шуберта – 31, Беллини – 34, Шопена – 39, Бизе – 36, а Перголези – и вовсе 26! Божий дар – хрупок!

Перголези – универсальный гений. В его операх находим стилистические черты, свойственные музыке композиторов последующих веков, начиная от Кристофа Глюка и кончая Сергеем Прокофьевым.

КОМПОЗИТОР С БЛАГОРОДНОЙ ДУШОЙ

Карл Филипп Эмануэль Бах (1714-1788) — немецкий композитор, клавесинист, капельмейстер. Известен как Берлинский или Гамбургский Бах. Один из основателей классического музыкального стиля.

1. Благородная музыка

Карл Филипп Эмануэль Бах – композитор рыцарского духа и благородных эмоций.

Музыка Карла Баха омывает сердца людей родниками духовности.

Музыка Карла Баха обогащает слушателей духовной красотой.

Музыку Карла Баха определяет возвышенный строй мыслей.

По натуре Карл Бах – проникновенный лирик.

Интимная, доверительная, задумчивая музыка Карла Баха предназначается для исполнения в кругу близких людей.

Музыка Карла Баха особенно выразительна в сдержанной скорби.

Элегическая скорбь определяет характер многих произведений Карла Баха.

Карл Бах создает музыку печальной меланхолии и светлой радости.

Радость в музыке Карла Баха легкая и светлая.

Музыка Карла Баха стилистически чистая.

Музыка Карла Баха преломляет в звуках кантовский «категорический императив». Она призывает к духовному совершенствованию.

2. На службе при дворе

Карл Филипп Бах пишет музыку для короля Фридриха Великого, аристократических салонов и, разумеется, для церкви.

Карл Бах творит музыку, учитывая вкусы короля Фридриха, который демонстрирует уважительность во взаимоотношениях с простыми людьми. Маэстро имеет дело с просвещенным монархом, флейтистом, композитором, поэтом и писателем, выдающимся полководцем и государственным деятелем.

Классицизм Карла Баха, с одной стороны, идиллический, пастушеский, с другой – помпезный, королевский.

Карл Бах пишет флейтовые сонаты для Фридриха, в характере которого выделяются два чувства: воинственность и меланхолия.

Изысканна и благородна красота флейтовых сонат Карла Баха. Они нравятся монарху, и он не без удовольствия играет их.

3. Бах и его сыновья

В отличие от музыки кантора Иоганна Себастьяна Баха, творчество его детей Карла Филиппа Баха и Иоганна Кристиана Баха в основном светское: если музыка Карла воспринимается как созерцание благородного человека, то музыка его младшего брата Иоганна – это мальчишеская радость и веселье.

В органных произведениях Иоганн Себастьян Бах создает величественный музыкальный храм, Карл Бах «разрисовывает» витражи собора звуками, а Иоганн Бах открывает окна для солнечного света.

Музыкальное плебейство не затрагивает Карла Баха. Он выступает для своего времени светочем красоты и разума.

4. Немецкая песня

Вокальная и хоровая музыка Карла Баха интонационно близка к народной песне.

Песни Карла Баха меланхоличны, как их автор.

Возникает любопытная цепочка немецких композиторов, создающих песни: Карл Бах, Карл Цельтер, Феликс Мендельсон-Бартольди. Все они принадлежат к берлинской музыкальной школе.

 Надо отдавать себе отчет, что вокальная лирика Франца Шуберта и Роберта Шумана имеет своего предшественника в лице Карла Баха.

5. Из прошлого в будущее

Антонио Вивальди и Карл Бах – противоположные творческие личности: музыка Вивальди солнечная, жизнерадостная, Карла Баха – спокойная, задумчивая.

Доменико Скарлатти и Карл Бах принадлежат разным эпохам: Скарлатти – театрально-изобразительный, Карл Бах – духовно-выразительный.

Карл Бах – талант, но не гений, каким является Кристоф Виллибальд Глюк: если Глюк – трагедийно-идиллический, то Карл Бах – возвышенно-идиллический.

Классицизм Карла Баха еще во многом барочный, промежуточный, занимающий среднее положение между Иоганном Себастьяном Бахом и Йозефом Гайдном.

Отличаясь мелодическим богатством, Карл Бах еще не пишет индивидуально неповторимых мелодий зрелого классицизма Гайдна и Моцарта.

 Истоки музыкального чуда Вольфганга Амадея Моцарта таятся в клавесинной музыке Карла Баха!

 Из мифологических идиллий Карла Баха появляется на свет реальный человек: дитя Йозеф Гайдн, юноша Вольфганг Моцарт, мужчина Людвиг ван Бетховен.

Рельефный мелодизм Карла Баха предвосхищает музыку Бетховена. Кроме того, произведения Карла Баха отличаются почти бетховенской энергией и радостью.

Карл Бах закладывает фундамент классицизма в музыке. Более того: в его творчестве встречаются интонации будущих романтиков – Карла Вебера, Феликса Мендельсона-Бартольди, Фредерика Шопена, Роберта Шумана.

 
МЕЛОДИИ БОЖЕСТВЕННОЙ КРАСОТЫ

Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) — австрийский композитор, скрипач, виолончелист, капельмейстер, оперный реформатор, автор более 100 опер. Один из крупнейших представителей музыкального классицизма.

1. Мелодия

Кристоф Глюк – вдохновенный Орфей в оперном искусстве.

Возвышенные мелодии Глюка никогда не утратят своей красоты.

Небесные мелодии Глюка проливают скорбь на грешную землю.

Спустившись в ад, глюковский Орфей видит, как души умерших людей тоскуют по чудесному земному раю.

2. Стиль

В отличие от мелодий Георга Телемана, Георга Генделя и Иоганна Себастьяна Баха мелодии Кристофа Глюка отделяются от музыкального лада, получают относительную свободу, приобретают индивидуальные черты, становятся легкими, радостными, взволнованными. Они, словно птенцы, выпархивают из материнского гнезда на волю.

Создавая оперы для парижской сцены, Глюк использует музыкальные достижения французских мастеров Жана-Батиста Люлли и Жана-Филиппа Рамо.

Возвышенную красоту музыки Глюк воспринимает от итальянских арий Георга Фридриха Генделя.

Мелодии Глюка содержат в себе дух, который витает между баховской верой в Бога и бетховенской верой в человека.

3. Оперная реформа

 Кристоф Глюк преобразует итальянскую оперу-сериа в музыкальную драму.

У оперного реформатора Глюка имеются предшественники: композиторы Италии, Германии и, конечно же, Франции. Среди последних – эмоциональный Жан-Батист Люлли и интеллектуальный Жан-Филипп Рамо.

Великие реформаторы оперы обыкновенно критически оценивают своих предшественников. Не исключение – Глюк и Рихард Вагнер.

Оперная реформа Глюка совершается в период расцвета оперы, Вагнера – ее заката, у Глюка музыка светлая, рациональная, у Вагнера – темная, мистическая.

4. Во Франции

Оперная музыка Кристофа Глюка пробуждает гражданские чувства парижан.

Музыка Глюка столь же порывиста и страстна, как душевные излияния французского просветителя Жана-Жака Руссо.

Глюк – музыкальный Руссо: он, подобно философу, с редкой непосредственностью выражает свои чувства и переживания.

Что общего между композитором Глюком и писателем Денни Дидро? Герои их произведений – это страстные, мятежные натуры: Орфей спускается в ад, чтобы вывести из него любимую Эвридику, монахиня Сюзанна делает все, чтобы вырваться из монастырского ада. Их путь на свободу полон испытаний и соблазнов!

У трех авторов, пишущих комические оперы, а именно: у Глюка, Руссо и Дидро, есть одно общее свойство: они стремятся к правде и простоте музыкального высказывания.

5. Оперная война

Почему возникает оперная война между «глюкистами» и «пиччинистами» в Париже? Общество делится на два лагеря – тех, кто в операх Кристофа Глюка чувствует дыхание революции, и тех, кто беспечно наслаждается нежной лирикой Никколо Пиччинни.

«Оперная война» «глюкистов» и «пиччиннистов» возникает, помимо всего прочего, из-за разницы эстетических ориентаций композиторов: Глюк – лирико-драматический, Пиччинни – лирико-сентиментальный.

6. Наследники

 Кристоф Глюк в музыке – итальянский австриец, его музыкальный преемник – австрийский итальянец Антонио Сальери.

Вольфганг Моцарт – гений красоты, Глюк – благородства.

Драматический Глюк подготавливает почву для оперы спасения Сальери и Бетховена.

В музыке Глюка появляются пламенные гражданские чувства задолго до Луидджи Керубини и Людвига ван Бетховена.

Глюк – предтеча Бетховена и Вагнера!

7. Романтики

Кристоф Глюк предваряет трепетную лирику Никколо Пиччинни и Винченцо Беллини.

Музыка Глюка предвосхищает лирические мелодии Андре Гретри и Шарля Гуно.

Оперная музыка Глюка изливает солнечный свет – такой, какой свойственен музыке Моцарта, Бетховена и Россини, свет же музыки Глюка – внутренний, душевный и духовный, присутствующий в музыке романтиков Винченцо Беллини, Гаятано Доницетти, Джузеппе Верди.

Эхо глюковских идиллий долетает до Густава Малера.

Вывод

Кристоф Виллибальд Глюк закладывает фундамент оперного искусства XIX-XX веков.


НЕЖНЫЙ МЕЛАНХОЛИК

Вито Никколо Марчелло Антонио Джакомо Пиччинни (1728 1800) — итальянский, французский композитор, педагог, капельмейстер, автор 127 опер.

1. Духовная музыка

Опираясь на духовные произведения Джованни Палестрины и Франческо Дуранте, Никколо Пиччинни создает музыку молитвенной скорби, далекую от мирских чувств и переживаний.

На редкость выразительны духовные произведения Пиччинни, отличающиеся Небесной чистотой и ангельским целомудрием.

 Кристоф Глюк создает гениальную арию «Потерял я Эвридику», Пиччинни – гениальную арию «Аве Мария». Не становится ли различие в мироощущении античного Глюка и христианского Пиччинни еще одним предлогом для оперной войны между поклонниками их творчества?

2. Меланхолия

Никколо Пиччинни – чародей мелодии.

Пиччинни – одухотворенный лирик.

Музыка Пиччинни ласкает слух и душу. Особенно выразителен он в нежной меланхолии.

Возвышенно-скорбные мелодии Пиччинни делают его предшественником чувствительного Винченцо Беллини.

КАЛЕЙДОСКОП РАДОСТИ

Франц Йозеф Гайдн (1732-1809) — австрийский композитор, певец, клавесинист, капельмейстер, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет.

1. Личность

Йозеф Гайдн поднимается до высот гениальности благодаря усердию и труду.

Гайдн – далеко не простодушный в жизни и в музыке: его розыгрыши и шутки содержат мудрый подтекст.

«Тихий» Гайдн на самом деле – такой же своенравный и дерзкий художник, как Моцарт и Бетховен, ибо все трое прокладывают новые пути в музыкальном искусстве.

Гайдн живет 77 лет, имеет веселый нрав, готов подсмеиваться над глупостью людей, порой сам попадает в комичные ситуации и никогда не унывает.

Гайдн – дитя радости и озорства. Он смотрит на жизненные неудачи с чувством юмора.

Жизнелюбивая натура Гайдна отражается в его музыкальных произведениях.

2. Творчество

Музыка Йозефа Гайдна отличается крестьянским целомудрием.

Гайдн в музыке по-крестьянски прост и непосредственен.

В музыке Гайдна присутствуют игра, озорство и удивление ребенка.

Музыка Гайдна увлекает детской радостью!

Гайдн наделен светлым, искрящимся талантом. Его музыка наивная, но занятная.

Гайдн в музыке простодушный и вместе с тем веселый, остроумный, блестящий.

Музыка Гайдна – это калейдоскоп радости.

Гайдн – симфонист молодого творческого духа.

Гайдн ловко катит симфонический обруч по бездорожью.

Опера «Орфей и Эвридика» Гайдна еще раз доказывает, что музыкальный спектакль без красивых арий скучен.

Музыка Гайдна воплощает собой праздник жизни и торжество разума!

3. Композиторы

Братья Йозеф Гайдн и Михаэль Гайдн – дети природы, хотя с разным к ней отношением: Йозеф – любуется природой, Михаэль – растворяется в природе.

Музыка Йозефа Гайдна – умная, Михаэля Гайдна – красивая: на основе этих двух качеств формируется стиль Вольфганга Амадея Моцарта.

Как пишут музыку Гайдн и Моцарт? Гайдн складывает из кубиков дом, Моцарт вышивает прелестные цветы. Музыка каждого из них по-своему гениальна.

Гайдн вырезает фигурки из дерева, Моцарт лепит из глины: у них разный подход к музыке.

Гайдн – фактурно изобретателен, Моцарт – мелодически изыскан.

Гайдн трезвучный и гаммаобразный, Моцарт – фигурационно-мелодический.

Природа Гайдна – сельская, Моцарта – пригородная.

Гайдн радуется жизни, Моцарт видит радостные и печальные ее стороны.

Что ни говори, мелодии Гайдна и Бетховена находятся ближе к народной музыке, нежели мелодии артистичного Моцарта.

Гайдн и Людвиг ван Бетховен стремятся к подлинно народной мелодичности. В отличие от них, мелодии Моцарта – салонные, изысканные.

Гайдн пишет бесконфликтную, светлую музыку, его ученик Бетховен – драматическую. Какая огромная разница между композиторами старшего и младшего поколения!

Мысль Гайдна о разумной жизни Бетховен расширяет до всего человечества, до братства между людьми и народами!

 
ЖИЗНЕРАДОСТНЫЙ КОМПОЗИТОР

Иоганн Кристиан Бах (1735-1782) — композитор, органист, педагог эпохи классицизма. Оказал влияние на формирование концертного стиля Моцарта.

1. Черты стиля

Иоганн Кристиан Бах – жизнерадостный композитор с изысканным музыкальным вкусом.

Иоганн Бах не претендует на гениальность. Однако его музыка возвышенная и одухотворенная.

Иоганн Бах выходит из церкви на лоно природы.

Симфоническая музыка Иоганна Баха празднична, как весенняя радуга.

Музыка в симфониях Иоганна Баха кружится, подобно хороводу полевых цветов. Их незатейливый танец сопровождает радостный звон клавесина.

Представьте себе мальчишек, весело играющих на лугу. Вдруг один из них отвлекается от игры и видит на лесной просеке образ Иисуса Христа, после чего мальчишка возвращается к сверстникам. Это похоже на симфонии Иоганна Баха.

Клавирные сонаты Иоганна Баха привлекательны раскрепощенным мелодизмом.

Вокальная музыка Иоганна Баха – мелодраматическая, иной раз – драматическая. У него пение и оркестр находятся в напряженном взаимодействии.

В тех случаях, когда музыка Иоганна Баха соприкасается с чувственными цыганскими интонациями, композитор впадает в тривиальность.

2. Два брата

Среди разветвленного музыкального баховского семейства есть один композитор, которого можно назвать «золотым Бахом»: это Иоганн Кристиан Бах!

Иоганна Баха именуют «английским Бахом», на самом деле он – немецко-итальянский, о чем свидетельствует его всегда радостная музыка!

Основная черта Карла Баха – благородство, Иоганна Баха – изящество.

Карл Бах и Иоганн Бах определенным образом связаны с романтиком Францем Шубертом, причем, Карл – преимущественно в вокальной музыке, Иоганн – в инструментальной.

 Карл Бах и Иоганн Бах имеют свое творческое лицо, хотя их мелодии еще недостаточно индивидуальны.

3. Иоганн Бах и Моцарт

Музыка Иоганна Кристиана Баха ближе, чем творчество других сыновей великого Баха подступает к XIX веку. От нее отталкивается молодой Вольфганг Моцарт.

Клавирный Моцарт – в значительной степени наследник Иоганна Баха, с которым он встречается в юности и берет уроки композиции.

Иоганн Бах в симфонии – предшественник Моцарта.

Иоганн Бах в симфонии – безоблачный, счастливый, по-юношески задорный. Его музыка – почти моцартовская, только без всякого намека на трагедийность.

Симфонии Иоганна Баха и Моцарта стилистически близки, но они разные по форме: у Баха преобладает сюитность, у Моцарта – сонатность.

Оркестровой музыке Иоганна Баха характерны моцартовское изящество и красота.

В вокальной музыке Иоганн Бах – мелодраматический и одновременно изысканный композитор. Он находится между Кристофом Глюком и Моцартом.

4. Иоганн Бах и романтики

Из всех современников Моцарта Иоганн Кристиан Бах самый мелодичный композитор.

Мелодический классицизм в фортепианной музыке Иоганна Баха предвосхищает эпоху романтизма.

В музыке для клавесина Иоганн Бах – почти романтик, почти Шуберт!

ВДОХНОВЕННЫЙ ЛИРИК


Андре-Эрнест-Модест Гретри (1741-1813) — французский композитор, певец, скрипач, педагог, мемуарист, внесший решающий вклад в формирование стиля французской комической оперы XVIII века.

1. Две Франции

Талантливые оперы выходца из Валлонии Андре Гретри всецело принадлежат французской музыке!

Гретри – композитор двух Франций: монархической и республиканской.

Замечательные мелодии Гретри становятся гимнами, как приверженцев короля, так и сторонников республики. Большой талант нужен всему народу!

2. Мелодии

Андре Гретри – композитор счастливых мелодических откровений.

Оперы Гретри дарят слушателям редкие по красоте арии.

Гретри – мастер необыкновенно выразительных арий.

Гретри очаровывает публику задушевными мелодиями.

Слушая мелодически красивую оперную музыку Гретри, отдыхаешь сердцем и душой.

3. Преемники

 Андре Гретри и Франсуа Филидор завершают оперную реформу Кристофа Виллибальда Глюка. Они опускают античных богов на грешную землю, превращают идеальные эмоции небожителей в реальные чувства простых людей.

Гретри – мелодист первой величины, французский Шуберт, только живущий более чем за полстолетия до него.

Одухотворенная лирика присутствует во французской опере на протяжении всей ее истории: от Андре Гретри – до Шарля Гуно и Жюля Массне.

Интонационные нити чудесных мелодий Гретри тянутся к Жоржу Бизе и Лео Делибу.

Гретри – ярко выраженный лирик в опере, вполне сравнимый с Петром Ильичом Чайковским. Не случайно русский композитор использует мелодию Гретри в гениальной «Пиковой даме».

НЕУМИРАЮЩАЯ СЛАВА

Джованни Паизиелло (1741-1816) — итальянский композитор, педагог, капельмейстер, представитель неаполитанской оперной школы.

Оперы Джованни Паизиелло имеют огромный успех при королевских дворах Неаполя, Петербурга, Вены, Парижа, но сегодня более чем из ста написанных им опер почти все забыты. Сколь ненадежна прижизненная слава!

Мелодические жемчужины Паизиелло рассыпаны по операм Вольфганга Моцарта, Джоаккино Россини, Винченцо Беллини, Гаятано Доницетти, Джузеппе Верди, Джакомо Пуччини. А такая слава – вечная!

ИСПАНСКИЙ КАБАЛЬЕРО

Луиджи Родольфо Боккерини (1743-1805) — итальянский композитор, виолончелист, капельмейстер.

Луиджи Боккерини – автор элегантной и одновременно простой музыки. Он нравится всем: аристократам и народу.

Музыка Боккерини изысканна и благородна, как манеры испанского кабальеро.

Музыка Боккерини олицетворяет свет, красоту, изысканность, галантность, упоение счастливой жизнью.

Когда звучит музыка Боккерини, слышится взволнованный клекот розовых фламинго, взлетающих в небо.

СОЛНЕЧНАЯ МУЗЫКА

Антонио Сальери (1750-1825) — итальянский, австрийский композитор, дирижер, педагог, капельмейстер. Один из самых известных и признанных композиторов своего времени.

1. Музыкальный стиль

Музыка Антонио Сальери светлая и радостная, как солнечный летний день.

Когда звучит музыка Сальери, мы видим голубое итальянское небо и цветущую природу.

Хотите побывать в Венеции, послушайте «Венецианскую симфонию» Сальери: ее музыка изливает солнечный свет, радость и счастье!

Музыка Сальери лучезарная, теплая и приятная. Кроме этого, она театрально броская и эффектная. Выделим еще некоторые свойства музыки Сальери: непосредственность выражения эмоций, простоту и ясность высказывания, мелодичность и красоту музыки – то, что характерно для демократического искусства. Этими ценными качествами Сальери обогащает австрийскую музыку подобно тому, как Муцио Клементи – английскую, а Луиджи Керубини – французскую.

Жизнеутверждающее творчество Сальери благотворно влияет на музыку Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена.

 
2. Сальери и Моцарт

Музыка Антонио Сальери и Вольфганга Моцарта солнечна. Только разное солнце в Италии и Австрии: Сальери – всегда безоблачный, Моцарт – нередко скорбный и даже трагичный.

Сколько душевной глубины в Реквиеме Моцарта, столько же благородной сдержанности в Реквиеме Сальери. Моцарт и Сальери – гении, достойные друг друга.

Сальери – удачный соперник Моцарта при венском императорском дворе.

Сальери – самонадеян, Моцарт – своенравен. Разве могут они находиться в дружеских отношениях?

В 1787 году появляются две разные по смыслу оперы – «Тарар» Сальери и «Дон Жуан» Моцарта: в первой из них торжествует дух свободы, во второй – власть рока, герой Сальери поднимает народ на борьбу с тираном, моцартовский герой – сластолюбивый прохвост, которого настигает заслуженная кара.

В опере «Тарар» Сальери прославляет героя, Моцарт в «Волшебной флейте» - мудреца. У этих композиторов неодинаковый взгляд на жизнь.

Сальери выступает прогрессивно мыслящим композитором. В опере «Тарар» воплощается идея свободы: герой вместе с народом свергает тирана! Эту идею позднее разрабатывают Людвиг ван Бетховен, Джоаккино Россини, Винченцо Беллини, Джакомо Мейербер, Джузеппе Верди. Напротив, Моцарт предлагает в «Волшебной флейте» не социальную, а этическую идею мудреца-спасителя, получающую дальнейшее развитие в операх Рихарда Вагнера.

Сальери в опере – талантлив, Моцарт – гениален. История отдает предпочтение Моцарту!

3. Выдающийся учитель

Три величайших музыкальных педагога воспитывают трех величайших композиторов: Франческо Дуранте – Перголези, Джованни Мартини – Моцарта, Антонио Сальери – Бетховена.

Музыка Сальери, Моцарта, Бетховена, Россини в своей основе демократична. Но демократичность этих композиторов разная: у Моцарта и Россини – с элементами аристократизма, у Сальери и Бетховена – носит общенародный характер. Отсюда становится понятно, почему аристократический Моцарт недолюбливает общедоступного Сальери, тогда как Бетховен уважительно отзывается о Сальери.

Понимаем ли мы, что без Сальери не было бы Людвига ван Бетховена? Музыка Бетховена своими лучшими качествами обязана произведениям Сальери.

Без мелодизма Сальери не появились бы гениальные песни Франца Шуберта.

Дело не в том, что Сальери – учитель Шуберта. Важнее другое: мелодически богатая музыка Сальери оказывается благодатной почвой для расцвета таланта автора «Форели» и «Вечерней серенады».

Любопытно, что Шуберт считает самым великим композитором современности именно Сальери, а не Моцарта! Объяснение этого факта простое: Шуберт ценит мелодию, играющую заметную роль в творчестве Сальери.

4. Дополнение

В конце XX столетия происходит суд над Антонио Сальери, который полностью оправдывает его. Выясняется, что Сальери не причастен к отравлению Моцарта. Однако, как известно, у Александра Сергеевича Пушкина иное мнение по этому поводу. В своей Маленькой трагедии он, словно змея, выпускает яд в сторону Сальери. А ведь яд вымысла часто опаснее настоящего яда!

МУЗЫКА БОЖЕСТВЕННОЙ КРАСОТЫ

Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) — австрийский композитор, скрипач, органист, клавесинист, капельмейстер, педагог. Моцарт оказал огромное влияние на мировую музыкальную культуру.

1. Музыкальный стиль

Вольфганг Амадей Моцарт создает музыку Божественной гармонии и красоты.

Никто никогда не затмит славу Моцарта – автора музыки счастливой юности, теплого солнца, цветущей природы.

О чем повествует музыка Моцарта? О горных лесах и лугах, о высоком и чистом небе, о светлой радости и безмятежном покое – все это окрестности Зальцбурга, страны детства Моцарта.

В музыке Моцарта сплетаются воедино радость и скорбь, жизнь и смерть.
 
У Моцарта – птичья душа. Но в его музыке иной раз раздается рык льва!

Моцарт – слишком горд, чтобы служить королям и курфюрстам. Его Отечество – музыка!

Моцарт рано созревает в качестве композитора и остается ребенком в творчестве до конца жизни.

Музыка Моцарта отличается законченным совершенством.

Главные черты музыки Моцарта – изящный артистизм и полет фантазии.

У Моцарта нет ни одной случайной ноты или банальной фразы! Он всегда нов и свеж.

Моцарт – виртуоз в тонкой мелодической разработке.

Самое примечательное в опере Моцарта – поиск новых выразительных средств.

 Прекрасное итальянское пение Моцарт дополняет симфоническим развитием. Вот почему его арии кажутся певцам сложными.

Моцарт ставит печать немецкого симфонизма на итальянскую оперу! У нежного Моцарта тяжелая длань!

В гениальном Моцартовском «Дон Жуане» борьба оперы с симфонией заканчивается поражением оперы!

«Волшебную флейту» Моцарта завершает гимн разуму, добру и справедливости – идеалам, лежащим в основе его мировоззрения.

 
2. Среди гениев

Музыку Вольфганга Амадея Моцарта насквозь пронизывает радостный экклезиастовый дух.

Моцарт – Рафаэль Санти в музыке.

Моцарт – драматург, равный Уильяму Шекспиру.

Моцарт – любвеобильный Джованни Казанова в музыке, каждая его мелодия – это флирт с красавицей.

Пленительные мелодии Моцарта близки по настроению лирическим стихам Иоганна Гёте, воспевающего весну, прилетевшую ласточку, цветение природы.

Моцарт – второе воплощение Антонио Вивальди. И тот и другой создают музыку непревзойденной красоты.
 
Источник изысканной, благородной музыки Моцарта надо искать в произведениях сыновей великого Баха – Карла Филиппа и Иоганна Кристиана.
 
Йозеф Гайдн изобретателен главным образом в фактуре и гармонии, Моцарт – в гармонии и мелодии.

 Премьеры опер Моцарта проходят незаметно среди многочисленных «шедевров» Джованни Паизиелло и Доменико Чимарозы, создающих в общей сложности 247 опер разных жанров.

Солнечная музыка Моцарта и Джоаккино Россини – жизнетворна!

Моцарт – композитор утренней зари, Россини – дневного солнца.

В сочинении бессмертных оперных арий преуспевает Россини, а вовсе не Моцарт!

Написать прекрасную арию на все времена – сложная задача! В этом отношении Моцарт уступает Россини и Беллини.

В композиторской триаде Моцарт-Бетховен-Шуберт прослеживается внутренняя логика: Моцарт сосредоточен на форме, Бетховен – на форме и содержании, Шуберт – на содержании. Не потому ли Шуберту часто не удается форма опер и симфоний?

Симфонизированная опера Моцарта – это одна крайность, песенная опера Шуберта – другая.

Музыка Моцарта и Феликса Мендельсона-Бартольди отличается благородством и красотой.

Божественным даром создавать красоту наделены Моцарт, Винченцо Беллини, Фредерик Шопен.

Какие этапы развития проходит немецкая музыка в XVIII-XIX веках? Моцарт – это юность и душа, Бетховен – молодость и разум, Вагнер – зрелость и дух.

Особенно выразительна красота скорбной музыки Реквиема Моцарта и Шестой симфонии Петра Ильича Чайковского.

У великих композиторов встречаются роковые для их жизни произведения: Реквием Моцарта, «Кармен» Бизе, Шестая симфония Чайковского, Первая симфония Рахманинова.

Легко и быстро пишут музыку Моцарт, Россини, Шуберт, Шостакович: перо Моцарта – это голос ангела, Россини – солнечный луч, Шуберта – ласточка в небе, Дмитрия Шостаковича – пронырливая ящерица!

ГРАЖДАНСКИЙ ПАФОС

Луиджи Керубини (1760-1842) — итальянский, французский композитор, педагог, музыкальный теоретик, капельмейстер, главный представитель жанра оперы спасения.

1. Революционная эпоха

Луиджи Керубини – музыкальное знамя Великой французской революции.

Керубини – композитор французской республики и французской монархии. Его операми восхищаются люди, находящиеся по разные стороны баррикад.

Керубини словно рожден для эпохи общественных потрясений.

Творчество Керубини определяют две главные темы: торжество революции и траур по ее жертвам.

Герои опер Керубини – это люди, способные совершать подвиги во имя свободы и равенства. Это люди чести, долга, братской любви.

2. Музыка для народа

 Луиджи Керубини создает музыку для революционного народа Франции.

Керубини по-наполеоновски активен и победоносен в музыке.

Музыка Керубини публицистичная и плакатная.

Керубини – художник Давид в музыке: его мессы и реквиемы запечатлевают трагедийную скорбь, присутствующую на знаменитой картине Давида «Смерть Марата».

3. Преемники
Луиджи Керубини, а вслед за ним Антонио Сальери, Людвиг ван Бетховен и Джоаккино Россини пишут музыку, овеянную славными победами народа за свободу.

Музыку Керубини отличает гражданский пафос, торжество идеалов революции. Не случайно его произведения высоко ценит Бетховен.

Керубини – музыкальный титан, оказывающий влияние на Людвига ван Бетховена, Гектора Берлиоза, Феликса Мендельсона-Бартольди, Джузеппе Верди.

Керубини приближает оперу к жизни, таким же путем идет гениальный Верди. Эти композиторы востребованы народом.

ПРОМЕТЕЙ В МУЗЫКЕ

Людвиг ван Бетховен (1770-1827) — немецкий композитор, пианист, дирижер, педагог, последний представитель «венской классической школы».

1. Черты стиля

Людвиг ван Бетховен – Прометей в музыкальном искусстве.

Музыка Бетховена заряжена вселенской энергией.

Музыке Бетховена свойственны величие, сила и красота.

 В музыке Бетховена торжествует разум.

Новая музыка начинается с Бетховена, ибо композитор мыслит уже гражданскими и общественными категориями.

Дух музыки Бетховена созидателен для всех народов мира.

Бетховен – иерихонская труба революционной эпохи.

Воистину революционной музыкой Бетховен сотрясает европейский дом!

Музыка Бетховена отображает эпоху доблести и славы.

Главная идея произведений Бетховена – борьба за честь и достоинство человека.

В музыке Бетховена происходит решительная борьба за свободу и философское созерцание, во время которого накапливается энергия для новых подвигов.

Бетховен проявляет редкое дерзновение и новаторство в музыке!

Сочиняя музыку в духе народных песен и танцев, Бетховен становится простым и ясным.

Бетховен – величайший мелодист и мелодический аскет.

Бетховен предельно строг в отборе музыкального языка: композитор мыслит емкими мотивами.

Бетховен – укротитель музыкальных стихий. Его интеллект держит эмоции в железных тисках.

Бетховен вращает колесо истории в нужном направлении.

Глупо бороться с судьбой заурядному человеку. Это под силу такому гению, как Бетховен!

Известно дерзкое высказывание Бетховена: «Я схвачу судьбу за глотку»!

Порой талант величайшего симфониста Бетховена опускается до механического движения по кругу: от героизма к трагедии, от трагедии к героизму. Тогда в его симфониях мы слышим гениального шарманщика!
 
2. Творчество

 Солнечным оптимизмом наполнены фортепианные концерты Людвига ван Бетховена.

Бетховен создает пламенную «Аппассионату» в 1805 году, когда Европа пылает в огне революций и наполеоновских войн.

Фортепианные сонаты Бетховена концептуальны: они представляют собой глубокие раздумья над судьбами народов мира. Поэтому сонаты композитора, по сути дела, симфоничны. В свою очередь, его симфонии сонатны, ибо написаны в сонатно-циклической форме. Так происходит взаимное отражение бетховенских сонат и симфоний.

В опере «Фиделио» Бетховена слишком много драматизма и очень мало мелодической красоты. Это ложный путь!

Бетховен – гений в симфонии и талант в опере!

Бетховен создает «Фиделио» в 35 лет, Рихард Вагнер «Тангейзера» - в 32 года. Нельзя не заметить, насколько выразительнее звучит вступление к «Тангейзеру» в сравнении с увертюрой к «Фиделио»! Помимо этого, надо иметь в виду, что Бетховен еще около 10 лет дорабатывает любимое детище. Сегодня «Фиделио» - редкий гость на оперной сцене, тогда как вагнеровскому «Тангейзеру» аплодирует весь мир. Что ж, не все жанры подвластны гению!

 Симфонизированная опера «Фиделио» Бетховена – это не совсем удачное произведение а, скорее всего, является гениальной неудачей!

«Ода к радости» в финале Девятой симфонии Бетховена воспроизводит в концентрированном виде радость, торжествующую в музыке Генделя, Гайдна и Моцарта!

3. Имена

 Людвиг ван Бетховен правдив и конкретен в музыке как Микеланджело – в скульптуре.

Великие немцы Эммануил Кант, Георг Гегель, Фридрих Шиллер, Иоганн Гёте – революционеры духа. К ним нужно присоединить Людвига ван Бетховена!

Бетховенский драматизм – не столько шекспировский, сколько шиллеровский.

Бетховен не снимает шляпу перед австрийским императором, хотя преклоняется перед талантом Гёте!

К музыке Бетховена ведут две дороги: конструктивная Иоганна Себастьяна Баха, Карла Филиппа Баха, Гайдна и мелодическая Генделя, Иоганна Кристиана Баха, Моцарта.

Бетховен восторженно принимает величавую музыку Георга Фридриха Генделя.
 
Музыка Йозефа Гайдна – простонародная, Бетховена – всенародная.

Мощный дух прибывает в физически крепком теле Бетховена. Композитора нельзя причислить к утонченным австрийцам Гайдну и Моцарту. Несдержанность и неукротимость натуры Бетховена указывают на его немецкое происхождение: Бетховен – от земли, от простой, здоровой деревенской жизни.

Если говорить о музыке Бетховена, то он, пожалуй, берет лучшие свойства музыки Муцио Клементи и Вольфганга Моцарта: от Клементи он воспринимает непосредственность выражения чувств, от Моцарта – изящество и артистизм.

Бетховен окончательно сбрасывает пелену наивной созерцательности Моцарта.

Моцарт рисует и раскрашивает музыку, Бетховен – высекает ее из камня. Творчество Моцарта сопровождается Божественным вдохновением, Бетховена – настойчивым трудом.

Интеллект Моцарта направлен на музыкальную форму, Бетховена – на форму и содержание.

Гайдн – веселый и озорной, Моцарт – веселый и нежный, Бетховен – композитор энергии, воли и разума. Таковы характерные черты музыки трех венских классиков.

Произведения Баха, Генделя или Моцарта одинаково совершенны. Этого постоянства нет у Бетховена: скажем, из его 32 фортепианных сонат только несколько воистину гениальны, т.е. абсолютно безупречны. Неровность бетховенского стиля обнаруживается и в других музыкальных жанрах.

 Луиджи Керубини создает музыку для революционных масс Франции, Бетховен – для всего человечества.

Джоаккино Россини наделен прихотливым гением, Бетховен – волевым, Россини сочиняет музыку непринужденно, Бетховен – целенаправленно, Россини – кокетливая барышня в опере, Бетховен – зрелый муж в симфонии.

Бетховен, Россини, Вебер – три атланта оперной увертюры: «Леонора 3» - это мужество, героизм, торжество радости; увертюра к «Севильскому цирюльнику» - блеск, изящество, красота; увертюра к «Волшебному стрелку» - глубина чувств, скорбь, драматизм. И каждая из них по-своему гениальна!

Принято считать, что к стилизации впервые обращаются романтики. Нет, это не так. Первопроходцем в использовании музыкальных стилей композиторов разных эпох надо считать Бетховена. Он тонко претворяет ликующую барочную радость Букстехуде, Баха, Генделя, классическую гайдновскую простоту и моцартовское изящество, трагедийность оперы Глюка и оперы спасения Спонтини, Керубини, Сальери. Бетховен возводит своего рода стилистическую пирамиду, стержнем которой выступает его собственный героико-драматический стиль.
 
В музыке Бетховена – волевая, мужская энергия, Феликса Мендельсона-Бартольди – мягкая, женская.

Бетховен, Гектор Берлиоз, Рихард Вагнер – гении революционной музыки, Мендельсон-Бартольди, Пётр Чайковский, Камиль Сен-Санс – проникновенной лирики.

Оркестровый симфонизм Бетховена преобразуется в оперный симфонизм Вагнера.

Лирика композиторов-классиков Бетховена и Иоганнеса Брамса отличается первозданной чистотой.

Бетховен и Модест Мусоргский создают музыку правды и красоты, Верди и Чайковский – красоты и правды. Это определяет характер их оперного творчества: у Бетховена и Мусоргского господствует речитатив, у Верди и Чайковского – мелодия.

До высокой трагедийности в музыке поднимаются Бетховен и Вагнер. То же самое относится к Верди и Чайковскому, Мусоргскому и Малеру.

Отличительная черта гения – способность к целеустремленному созидательному труду. Самые яркие примеры: Бетховен, Вагнер, Чайковский, Прокофьев!

ФОНТАНЫ РАДОСТИ

Иоганн (Ян) Непомук Гуммель (1778-1837) — австрийский композитор, пианист-виртуоз, педагог.

1. Музыка


Иоганн Непомук Гуммель – беспечное дитя в европейской музыке.

Гуммель одаривает своих почитателей светлой и радостной музыкой.

Музыка Гуммеля брызжет фонтанами радости.

В спокойной музыке Гуммель погружается в тихую меланхолию.

Когда Гуммель мелодически красив, его музыка восхитительна.

С годами стиль музыки Гуммеля меняется: образы счастливого детства уступают место возвышенным романтическим эмоциям.

В мелодиях Гуммеля слабо выражена индивидуальность автора. В его музыке еще сильна власть классицизма.

2. Музыкальный стиль

Иоганн Непомук Гуммель – беззаботный ребенок, сочиняющий игрушечную фортепианную музыку.

Гуммель в фортепианной музыке – наивный юноша. Над его головой нет ни одного облачка.

В фортепианных сонатах Гуммель зачастую мотивную разработку подменяет виртуозными пассажами. Музыку пишет не композитор, а пианист.

В фортепианной музыке Гуммель дает работу пальцам, а не голове!

Фортепианного Гуммеля нельзя сравнивать с Бетховеном, но в балетной музыке он нисколько не уступает венскому гению.

Балетная музыка Гуммеля имеет черты одухотворенного романтизма.

На редкость трогательны лирические эпизоды в скрипичных сонатах Гуммеля. В них встречаются подлинно глубокие чувства и переживания.

Гомофонно-гармонические мессы Гуммеля прокладывают путь к ораториям его ученика Феликса Мендельсона-Бартольди. Религиозная музыка этих композиторов и мелодична, и масштабна.

3. В центре музыкальной культуры

 Иоганн Непомук Гуммель золотой нитью соединяет творцов жизнеутверждающей музыки: Йозефа Гайдна, Вольфганга Моцарта, Антонио Сальери, Людвига ван Бетховена, Франца Шуберта, Феликса Мендельсона-Бартольди.

Чех Ян Мысливечек оказывает влияние на музыкальный стиль Моцарта, словак Ян Гуммель – на музыку Мендельсона-Бартольди. Именно славянская мелодика благотворно влияет на мелодизм великих немецких композиторов.

Если вам не известна музыка Гуммеля, то, узнав, что он – ученик Сальери, Гайдна, Моцарта и друг Бетховена, вы невольно почувствуете интерес к его творчеству.

Яркость мелодий постепенно возрастает от Сальери к Гуммелю, от Гуммеля к Мендельсону-Бартольди. Это происходит оттого, что Гуммель – ученик создателя оперы «Тарар» и учитель автора знаменитого Свадебного марша.

Словак Гуммель и ирландец Джон Филд – два легкокрылых автора, близких к венским классикам.

Блестящий фортепианный стиль Гуммеля находит развитие в музыке Карла Черни, Игнаца Мошелеса, Сигизмунда Тальберга, Антона Рубинштейна, Николая Метнера. Все они не без изящества сплетают виртуозные фортепианные узоры.

Жизнерадостный, безоблачной стиль музыки Гуммеля позднее воспринимается Мендельсоном-Бартольди.

В лице пианиста-виртуоза и композитора Гуммеля история являет миру предшественника Ференца Листа! У них – общая судьба: эти исключительно одаренные музыканты – выходцы из малых народов Австрийской империи.

СВЕТЛОЛИКАЯ КРАСАВИЦА

Никколо Паганини (1782-1840) — итальянский композитор, скрипач-виртуоз, гитарист, мандолинист, дирижер, педагог. Один из первых романтиков.

1. Личность

Никколо Паганини – дерзкий скрипач и вдохновенный композитор!

Паганини – смелый новатор! Не зря его считают первым романтиком в музыке.

Паганини творит для скрипки вдохновенную поэму любви и счастья.

2. Скрипка

Скрипка Николо Паганини – светлоликая красавица!

Скрипка Паганини торжествует вместе с цветущей природой.

Скрипка Паганини оглашает вселенную колокольчиками радости и счастья.

В драматической музыке скрипка Паганини трепещет, будто ангел в когтях дьявола.

3. Творчество

Музыка Никколо Паганини соткана из итальянского солнца и весенней природы.

Музыке Паганини свойственны глубина чувств и высота духа.

Музыка Паганини отличается рыцарским благородством и нежной лирикой: ее автор словно признается в любви даме сердца.

Скрипка и гитара в музыке Паганини – это пальма на берегу моря и ее тень. Когда пальма впадает в блаженную дрему, тогда тень поет ей нежную колыбельную. Что может быть поэтичнее такого дуэта?

4. Имена

Никколо Паганини – второе воплощение Антонио Вивальди.

Музыка Паганини – это драгоценный сплав красоты, изящества, виртуозности Антонио Вивальди и энергии, воли, благородства Арканджелло Корелли.

 Паганини и Джоаккино Россини находятся в приятельских отношениях. Друзья осознают свою исключительность. Оба – гении солнечной красоты.

Паганини играет выдающуюся роль в жизни и творчестве Гектора Берлиоза, Фредерика Шопена, Роберта Шумана, Ференца Листа, Иоганнеса Брамса.

НЕМЕЦКИЙ ПАТРИОТ

Карл Мария фон Вебер (1786-1826) — немецкий композитор, дирижер, пианист, музыкальный писатель, основоположник немецкой романтической оперы, предшественник Вагнера.

1. Германия

Карл Мария фон Вебер – музыкальная звезда первой величины.

Вебер – вольный стрелок в немецкой музыке.

Немецкий патриотизм особенно явственно заявляет о себе в философских трудах Иоганна Готлиба Фихте и музыке Вебера.

Музыка Вебера содействует пробуждению самосознания немецкого народа. Его гениальная опера «Волшебный стрелок» глубоко западает в сердца немцев.

 
2. Творчество

Карл Вебер буквально ослепляет виртуозной музыкой для рояля или кларнета.

Кларнет Вебера – блестящий или задумчивый, но всегда – выразительный.

Романтическая опера Вебера опирается на четкую форму Георга Генделя и трагедийное содержание Кристофа Глюка.

Если Михаэль Гайдн безоблачен в опере, то его ученик Вебер – трагичен.

Вебер переплавляет в музыке красоту Вольфганга Моцарта и волю Людвига ван Бетховена в немецкий национальный дух!

Вебер и Михаил Глинка способствуют пробуждению чувства гордости за свой народ. После их оперных шедевров немцы и русские начинают понимать самих себя иначе.

Создав романтическую оперу, Вебер совершает переворот в немецкой музыке. Его творческую эстафету подхватывает Рихард Вагнер.

Вебер – непосредственный предшественник оперной реформы Вагнера.

Вебер – подъемный мост к неприступному вагнеровскому оперному замку.

Вебер – надежда немецкой музыки, Вагнер – ее торжество.

Вебер – основоположник развернутого симфонического вальса. Блестящим «Приглашением к танцу» он создает почву для выдающихся вальсов Гектора Берлиоза, Шарля Гуно, Михаила Глинки, Антона Рубинштейна, Петра Чайковского, Александра Глазунова, Сергея Прокофьева.

Вебер и Василий Калинников поднимаются в музыке до высшей точки концентрации национального духа в музыке. Не сказывается ли это на здоровье талантливых композиторов? Известно, что Вебер умирает в 39 лет, Калинников – в 34 года.


РУССКИЙ СОЛОВЕЙ

Александр Александрович Алябьев (1787-1851) — русский композитор, пианист, дирижер. Алябьев написал около 200 романсов, 6 опер, 20 музыкальных комедий.

Александр Алябьев – соловей русской земли.

Знаменитый романс «Соловей» Алябьева является автопортретом композитора, наделенного чудесным мелодическим даром.

Потомок немецких баронов Антон Дельвиг сочиняет стихи к одному из самых популярных отечественных романсов «Соловей» Алябьева. В нем слышны и немецкая меланхолия, и русский порыв к свободе, и горькое осознание того, что счастье не возможно.

Музыка Алябьева изливает красоту и свет.

Музыка Алябьева ясная, свежая, чистая, как звенящий весенний ручеек.

Алябьев — позолоченное солнцем облачко на утреннем небосклоне русской оперы.

 Фортепианная музыка Алябьева по-моцартовски изящна и по-бетховенски энергична.

Свежесть и чистота мелодий Алябьева позволяет сопоставлять его с Джоаккино Россини.

Алябьев – русский Франц Шуберт: один пишет «Соловья», другой – «Форель». Их романсы получают всемирную известность!

 Александр Алябьев, Алексей Верстовский, Александр Варламов, Александр Гурилёв украшают русскую музыку вокальными самоцветами.

НЕУВЯДАЮЩИЙ ГЕНИЙ

Джоаккино Антонио Россини (1792-1868) — итальянский композитор, певец, виолончелист, пианист, автор 39 опер, духовной и камерной музыки.
 
С именем Джоаккино Россини связан звездный час итальянской оперы!

В ранних операх Джоаккино Россини присутствует юношеская непосредственность впечатлений, чистота и свежесть эмоций.

Первая опера «Брачный вексель» 18-летнего Россини и через 200 лет после ее создания вызывает бурю оваций у благодарной публики.

Такой серьезный знаток музыки, как Стендаль высоко оценивает оперу «Танкред» Россини, написанную два года спустя после первой оперы!

Всего лишь через 6 лет после начала творческой деятельности Россини совершает беспрецедентный взлет к гениальному «Севильскому цирюльнику», до сих пор никем не превзойденному в жанре комической оперы!

Моцарт создает гениальную оперу «Свадьба Фигаро» в 30 лет, Россини – не менее гениальную оперу «Севильский цирюльник» в 24 года! Из этого видно, что талант Россини вполне сопоставим с талантом Моцарта!

Оперная музыка Джоаккино Россини жизнетворна! В ней торжествует солнечная красота. Она полна весеннего очарования.

Слушая прелестные арии Россини, ощущаешь аромат полевых цветов, видишь полет ласточки в небе.

Россини спускается с небес на грешную землю по «Шёлковой лестнице» с волшебным рогом прекрасных мелодий.

Джоаккино Россини – принц оперы и король вокала, маг мелодической красоты и грации.

Россини – композитор беспечного веселья и героического подвига: он воспевает доблесть итальянских патриотов.

О гражданских чувствах композитора свидетельствуют постоянно звучащие в его операх барабанные дроби, сигналы труб и кавалерийские ритмы. В россиниевском творчестве торжествует дух свободы!

Россини вбирает в себя живой импульс музыки Джованни Перголези: два гения встречаются на перекрестке комической оперы!

Россини оттачивает мелодические алмазы Джованни Паизиелло до бриллиантового блеска.

Россини возносится к бессмертию на крыльях славы Антонии Сальери.

По изяществу и грации музыки Россини не уступает Вольфгангу Амадею Моцарту. Моцартовский оркестр в опере играет, россиниевский – поет! Опера в лице Россини получает свою полную вокальную завершенность. Россини воздвигает пьедестал для гениального Джузеппе Верди. Россини – неувядающий музыкальный гений в оперном искусстве для всех народов и на все времена!

АНГЕЛЬСКИЕ МЕЛОДИИ

Франц Шуберт (1797-1828) — австрийский композитор, певец, скрипач, пианист, органист, один из основоположников романтизма в музыке, автор около 600 песен, девяти симфоний, а также большого количества камерной и сольной фортепианной музыки.

1. Божественные мелодии

Франц Шуберт – гений лирической песни.

Пожалуй, только Шуберту удается создать мелодию, достойную святого образа Девы Марии!

Прекрасные мелодии Шуберта написаны, словно для ангелов.

Лирические песни Шуберта отличаются небесной чистотой.

Песням Шуберта свойственны сердечность и нежность: их лирика – трогательна.

Люди становятся добрее и чище, слушая Божественные мелодии Шуберта.

 
2. Весна и зима

Не ошибемся, если скажем, что музыка Франца Шуберта испускает аромат цветов.

Музыка Шуберта журчит весенними ручьями и звенит птичьими голосами.

Шуберт сочиняет музыку так же легко и свободно, как поет жаворонок.
 
В музыке Шуберта встречаем приветливую улыбку юного гения.

Шуберт – гениальный юноша с отзывчивым сердцем.

Нежное сердце Шуберта любит и страдает, страдает и любит. Но в его музыке всегда присутствует память о былом счастье.

Шуберт мечется между счастьем и горем, любовью и отчаянием.

Шуберт с рождения обречен на горькое одиночество в жизни и музыке.

Шуберт – трагический лирик: цветок, сломанный ветром!

В молодые годы Шуберт бежит по тропинке радости и счастья, в конце жизни – бредет по зимней дороге печали и смерти.

3. Талант

В 19 лет Франц Шуберт сочиняет уже Пятую симфонию! Его редкая плодовитость сравнима разве что с баховской!

За 15 лет творческой жизни Шуберт создает свыше 1000 произведений! Это больше, чем у Иоганна Себастьяна Баха или Вольфганга Моцарта!

«Свадьбу Фигаро» Моцарт пишет в 30 лет, «Дон Жуана» - в 31 год. Шуберт в 31 год умирает! Спрашивается: разве эти музыкальные гении несопоставимы между собой?

4. Композиторы

Как ветви деревьев отражаются в прозрачной воде озера, так песни Франца Шуберта – в музыке Георга Филиппа Телемана.

Истоки гениальных песен Шуберта надо искать в телемановской вокальной музыке.

Шуберт наделяет мелодии Телемана индивидуальными чертами.

Шуберт выходит из мелодической купели Антонио Сальери.

Шуберт наполняет простые и ясные мелодии Сальери романтическими эмоциями: так осуществляется творческая преемственность между учителем и учеником.

Песни Шуберта возникают из простой куплетной формы Сальери и вдохновенной музыки Моцарта.

Джоаккино Россини – поет в опере, Шуберт – в симфонии. Они высвобождают мелодию из оков лада и ритма.

Утренней свежестью дышит музыка Шуберта и Винченцо Беллини.

Шуберт и Феликс Мендельсон-Бартольди – гении с трагическим концом. У них моцартовский талант. И жизнь их – по-моцартовски коротка: ангелы не задерживаются на земле.

Ручеек музыки Франца Шуберта бежит в озеро Иоганнеса Брамса: там и здесь вода кристально чистая.

В музыке Шуберт – звенящая капель, Шуман – цветение природы, Брамс – осенняя пора.

Шуберт привлекает внимание меломанов изысканными предштраусовскими вальсами в то время, когда Вена еще только начинает веселиться.

Вена Шуберта – провинциальная красотка, Иоганна Штрауса сына – светская дама.

Шуберт и Пётр Ильич Чайковский опираются на красивые мелодии. Их симфонизм в своей основе – мелодический.
 
Любовь в музыке Франца Шуберта – это скорбь, Феликса Мендельсона-Бартольди – нежность, Ференца Листа – мечта, Шарля Гуно – вожделение, Жоржа Бизе – страсть. Вслушайтесь в их музыку, и ваша любовь обретет множество оттенков!

ЧАРУЮЩАЯ АРИЯ

Доменико Гаэтано Доницетти (1797-1848) — итальянский композитор, автор 74 опер.

Музыка Гаэтано Доницетти изливает аромат роз.

Музыку Доницетти обволакивает ночная романтическая таинственность.

Музыка Доницетти, словно любовный напиток, опьяняет душу.

В лирических ариях Доницетти слышится взволнованный голос любви.

Романс Неморино из оперы «Любовный напиток» приносит Доницетти всемирную славу.

Доницетти – композитор прижизненной, но не вечной славы. Впрочем, нежный романс Неморино из оперы «Любовный напиток» никогда не поблекнет!

Доницетти – талантливый спутник Джоаккино Россини в опере.

Россини и Доницетти в камерной музыке исключительно мелодичны. Они делают ее легкой и возвышенной. Обыкновенно музыканты недооценивают эту сторону творчества оперных знаменитостей.

Вдохновенные арии Доницетти трогают меломанов больше, чем грандиозная оперная тетралогия «Кольцо Нибелунга» Рихарда Вагнера. Они любуются полетом бабочки на лугу, а не широким размахом крыльев орла в небе.

Оперы Доницетти находятся между временем весеннего цветения музыки Джакомо Россини и зрелыми оперными плодами Джузеппе Верди.

 
МУЗЫКА НЕБЕСНОЙ СКОРБИ

Винченцо Беллини (1801-1835) — итальянский композитор, органист, автор 11 опер.

1. Скорбные звуки

Музыка Винченцо Беллини проливает Небесную скорбь на землю.

Оперные арии Беллини трогают душу печальной лирикой.

Одухотворенные мелодии Беллини очищают людские сердца от обыденности.

2. Романтическая любовь

На музыку Винченцо Беллини падает таинственный свет луны.

Музыка Беллини олицетворяет любовь в сиянии волшебного лунного света.

Оперы Беллини очаровывают поэзией романтических чувств, нежным фиалковым трепетом любви.

3. Творчество

Сердце замирает от нежных мелодий Винченцо Беллини.

Лирические арии Беллини поет женщина под аккомпанемент утренней зари.

Арии Беллини покоряют душу трагедийной красотой.

Мелодическое богатство в операх Беллини воистину неисчерпаемо!

Беллини – композитор возвышенных чувств и светлых грез. Его мелодии будут жить вечно.

4. Родственные души

В мелодиях Винченцо Беллини присутствует та Божественная красота, какую мы видим на картинах Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти.

Беллини называют «итальянским Моцартом», хотя автору гениальных опер «Норма» и «Сомнамбула» дано жить меньше, чем Вольфгангу Амадею Моцарту.

Беллини – оперный Франц Шуберт: прекрасные мелодии этих гениев бессмертны!

Беллини и Фредерик Шопен – музыканты-ангелы, дарящие людям райские звуки.

Оперы Беллини и Джузеппе Верди отличаются редким художественным совершенством.

«ГОСПОДИН ВОПРЕКИ ВСЕМУ»

Гектор Берлиоз (1803-1869) — французский композитор, дирижер, гитарист, флейтист, хорист, библиотекарь, музыкальный писатель периода романтизма.

1. Романтические симфонии

Чтобы стать гениальным композитором, надо энергично и решительно действовать. Именно так поступает Гектор Берлиоз, которого люди называют «Господином вопреки всему»! Не случайно Берлиоз носит имя античного героя Гектора. На долю композитора выпадает не меньше испытаний, чем его мифологическому тезке!

Большим подспорьем для новаторской музыки Берлиоза, Роберта Шумана, Ференца Листа, Рихарда Вагнера служит их литературная деятельность. В статьях и книгах они выступают глашатаями «музыки будущего».

Изобразительный элемент присутствует в музыке романтиков Берлиоза, Мендельсона-Бартольди, Шумана, Листа, Вагнера. Позднее импрессионисты этот принцип абсолютизируют и возводят в культ. Так появляется «живописная» музыка Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Между Берлиозом и Вагнером существует обратно-симметричная связь: если первый театрализует симфонию, то второй симфонизирует оперу. В этом и заключается идея синтеза искусств.

Писатель Виктор Гюго, живописец Эжен Делакруа, композитор Гектор Берлиоз – три величайших французских романтика. Их вершинные произведения создаются в молодые годы: Гюго пишет роман «Собор Парижской Богоматери» в 29 лет, Делакруа картину «Свобода, ведущая народ» – в 32 года, Берлиоз «Фантастическую симфонию» – в 27 лет. Перед нами – гении, отмеченные ранней творческой зрелостью.

Берлиоз, подобно Наполеону совершает блестящее восхождение к славе и, как Наполеон, бесславно заканчивает жизнь.

Музыка душевных порывов и страстей Берлиоза позволяет сопоставлять его с мятежным Джорджем Байроном.

Берлиоз – пламенный Эжен Делакруа в музыке, принимающий участие в революционных событиях.

Затрагивая общественно актуальные проблемы, Берлиоз и Виктор Гюго, вместе с тем, остаются истинными лириками.

Берлиоз обращает взор к древнеримской мифологии, Феликс Мендельсон-Бартольди – к библейской истории. Однако эти композиторы в глубине своей души – лирики.

Романтизм Берлиоза полнокровный, земной, Мендельсона-Бартольди – воздушный, Небесный.

2. Героические оперы

Гектор Берлиоз стоит ближе к Иоганну Гёте, чем к Виктору Гюго: не случайно в творчестве Берлиоза на смену взволнованному романтизму приходит уравновешенный эпос. После «Фантастической симфонии» композитор создает монументальную оперную дилогию «Троянцы».

Берлиоз в симфониях и увертюрах – романтик, в опере «Троянцы» - классик: двойственность мироощущения композитора отражает неоднозначность ситуации постнаполеоновской эпохи.

Берлиоз предлагает Европе музыку жизнерадостного, героического духа эллинов, хотя европейцы отдают предпочтение средневековой мистике Вагнера.

«Троянцы» Берлиоза воплощают героический дух античности, подвиги и славу древних греков. Его опера пробуждает в народе гражданские чувства!

Понимая оперу, как героико-драматическую эпопею, Берлиоз резко выделяется в сообществе французских композиторов XIX века.

Заключение

Творческая многогранность опасна для здоровья людей с хрупкой психикой. Нередко их настигает безумие. Это касается и Гектора Берлиоза.

ЗАРЯ РУССКОЙ МУЗЫКИ

Михаил Иванович Глинка (1804-1857) — русский композитор, певец, капельмейстер, музыкальный писатель. Сочинения Глинки оказали влияние на крупнейших русских композиторов.

1. Черты стиля

Слушая музыку Михаила Глинки, кажется, будто вдыхаешь утреннюю прохладу.

Музыка Глинки омывает сердце утренней росой.

Глинка – заря русской классической музыки.

Глинка – многонациональный композитор: русский итальянец, испанец, немец, украинец, русский поляк!

В Марше Черномора из оперы «Руслан и Людмила» Глинка подсмеивается над янычарской воинственностью.

В Полонезе из оперы «Иван Сусанин» Глинка обрисовывает гордый польский нрав.

Чем дорога испанская музыка Глинки? Экзотическими мелодиями, импульсивными ритмами, неудержимым стремлением к свободе.

Исключительно широк эмоциональный диапазон музыки Глинки. В «Иване Сусанине» он простирается от ласковой скрипки до праздничного звона колоколов и величавого хора «Славься»!

Даже в фортепианных пьесах Глинка напевный, сердечный. Это свидетельствует о вокальной природе его таланта.

Глинка без новаторства – новатор в музыке.

2. Художественная среда

Творчество Михаила Глинки близко соприкасается с романтической литературой Александра Марлинского, Ивана Лажечникова, Нестора Кукольника, Алексея Толстого. Сколько в их повестях и романах благородства, свежести чувств, ярких описаний природы, жизни и быта многих народов! Разве все это не присутствует в музыке Глинки?

Музыка Глинки лаконична, изящна, красива, совершенна по форме, как поэзия Александра Сергеевича Пушкина.

В салонной музыке Глинка, подобно молодому Пушкину сентиментален или, наоборот, весел и беспечен.

Пленительна оркестровая звукопись Глинки. Его музыка изысканна, утонченна, прозрачна, словно акварельная живопись Карла Брюллова.

Музыка Глинки, подобно живописи Брюллова, красива, и, подобно картинам Перова, – правдива.

По изяществу и легкости музыкального языка Глинка сравним с Вольфгангом Моцартом, по образной яркости – с Джоаккино Россини. Глинка в русской музыке – и Моцарт, и Россини.

Глинка многое берет из оперного наследия Россини, успешно претворяя его достижения в своей музыке.

Глинка вносит в русскую музыку итальянскую мелодику Россини и немецкую гармонию Зигфрида Дена, у которого он берет уроки: в результате возникает исключительно богатый художественный синтез!

У Глинки три музыкальные отчизны: Россия, Италия и Германия!

Композитор-любитель Михаил Виельгорский – канарейка, талантливый Александр Алябьев – соловей, гениальный Михаил Глинка – певец с красивым голосом!

ЧУДОТВОРЕЦ КРАСОТЫ

 Феликс Мендельсон-Бартольди (1809-1847) — немецкий композитор, пианист, дирижер, педагог. Один из крупнейших представителей романтизма в музыке.

1. Образы

Источник радостной музыки Феликса Мендельсона-Бартольди – весеннее солнце.

В музыке Мендельсона-Бартольди царствует природа.

Музыка Мендельсона-Бартольди – это тихий шепот дубравы, призывающей путника отдохнуть под своей сенью.

Когда звучит светлая музыка Мендельсона-Бартольди, кажется, что летний ветерок теребит прядь волос.

Легкая музыка Мендельсона-Бартольди вызывает в памяти образ птиц, уносящихся в небесную даль.

Музыка Мендельсона-Бартольди мягка и податлива, как воск. Композитор без всяких усилий лепит гениальные мелодии!

2. Стиль

Феликс Мендельсон-Бартольди – певец юности и красоты.

Мендельсон-Бартольди пишет музыку светлого изящества и благородной красоты.

Мендельсон-Бартольди дарит людям музыку Небесной чистоты и ясности.

Музыка Мендельсона-Бартольди ласкает слух нежными мелодиями.

В музыке Мендельсона-Бартольди поет любовь и нежность.

Мендельсон-Бартольди воплощает в музыке счастливую любовь.

Музыка Мендельсона-Бартольди – лирична, возвышенна, благородна, имеет тысячи оттенков эмоций от бурной радости до светлой печали. Это музыка, полная очаровательных звуков, царства гармонии, красоты, элегантности.

Буквально с самого начала композиторского пути Мендельсона-Бартольди захватывает лирический поток, который позднее вливается в океан лирики.

Музыка Мендельсона-Бартольди – это океан лирики с островами очаровательных мелодий.

Какую бы музыку не сочинял Мендельсон-Бартольди, она всегда отличается лирическим мелодизмом.

Мелодии Мендельсона-Бартольди ласковы и нежны. Они, словно любовь, волнуют сердце.

Музыка Мендельсона-Бартольди содержит в себе упоение счастливой жизнью.

3. Произведения

Под звуки «Свадебного марша» Феликса Мендельсона-Бартольди происходит бракосочетание молодых людей – торжество любви и счастья!

Фортепианные «Песни без слов» Мендельсона-Бартольди распространяют аромат полевых цветов.

«Песни без слов» Мендельсона-Бартольди вводят в мир лирических эмоций: это тихое созерцание природы, это легкая задумчивость, это воспоминания о дорогом существе, хрупкая нежность, светлые грезы, неожиданный порыв фантазии – тогда чувствуешь, что дорогой человек находится рядом с тобой. Но – увы! - все это только в мечтах.

Симфонии Мендельсона-Бартольди преимущественно лирические: когда автор воплощает в них чувства влюбленного, дарящего нежность и ласку избраннице сердца, когда передает впечатления путешественника, перед взором которого открываются итальянские и шотландские пейзажи, и, наконец, когда он погружается в древнюю историю народов, воспевает подвиги героев.

Лирика Мендельсона-Бартольди властвует в произведениях для органа, чьи громогласные созвучия заполняют Вселенную.

Монументальные оратории Мендельсона-Бартольди насквозь лиричны, но их лиризм имеет эпический характер.

Будь Мендельсон-Бартольди учеником Иисуса Христа, он оказался бы сердечным другом Учителя. Это доказывает музыка лирико-эпических ораторий «Святой Павел» и «Святой Илия».

Вдохновенные произведения Мендельсона-Бартольди в высшей степени гармоничные: они одновременно классические и романтические.

4. Среди гениев

По мелодической ясности и свежести музыкального языка Феликс Мендельсон-Бартольди сопоставим с Томазо Альбинони и Антонио Вивальди.

Двадцатилетний Мендельсон-Бартольди возвращает к жизни величайшие творения Иоганна Себастьяна Баха, в том числе его знаменитые «Страсти по Матфею».

Первоисточник органной музыки Мендельсона-Бартольди надо искать не только в произведениях Иоганна Себастьяна Баха, но и в творчестве Карла Баха, т.е. так называемого «берлинского» Баха. Именно Берлин объединяет обоих композиторов в одну музыкальную школу.

Мендельсон-Бартольди – всеохватывающий лирик: и лирический Иоганн Себастьян Бах, и лирический Людвиг ван Бетховен!

 Личность Мендельсона-Бартольди по-гётевски интеллектуальна и по-моцартовски эмоциональна. Его музыкальную сущность определяют два имени: Иоганн Вольфганг Гёте и Вольфганг Амадей Моцарт.

Мендельсон-Бартольди воспринимает светлую лирику от учителя Карла Фридриха Цельтера, написавшего свыше 200 песен.

В ораториях Мендельсона-Бартольди соединяются воедино героический Бетховен и лирический Шуберт. Через несколько десятилетий этот синтез возродится в симфониях Густава Малера.

Нельзя не заметить, что музыка Мендельсона-Бартольди стилистически чистая, чего нельзя сказать о некоторых произведениях Моцарта и Бетховена.

Оратории «Святой Павел» и «Святой Илия» Мендельсона-Бартольди и живописное полотно «Мессия» Александра Иванова принадлежат к разным национальным культурам и разным вероучениям, но они в равной мере наполнены могучим религиозным духом!

ВДОХНОВЕННЫЙ ЛИРИК

 Фредерик Франсуа Шопен (1810-1849) — польский (французский) композитор, пианист-виртуоз, педагог.

Вступление

Фредерик Шопен создает музыку Божественной красоты!

1. Природа

Музыку Фредерика Шопена озаряет звезда любви и нежности.

Музыка Шопена льется таинственным лунным светом.
 
Музыка Шопена – это пленительный летний день и внезапно разыгравшаяся очистительная буря.

Музыка Шопена целомудренна, как белая сирень.

Из-под пальцев Шопена рождается музыка с ароматом роз.

Мелодии Шопена – это нежные фиалки.

Кто в музыке Шопена не слышит благоговейного восторга перед красотой Божьего мира, тот не понимает ее.

2. Лирика

Фредерик Шопен – волшебник лирических мелодий.

Чтобы писать такие проникновенные лирические мелодии, какие создает Шопен, нужно иметь нежное сердце.

Музыка Шопена – это цветы юношеской любви в траурных лентах смерти.

Мелодии Шопена – женственные, изысканно-утонченные.

Шопен – рыцарь с женским сердцем. Он творит музыку и героическую, и нежную.

Шопен – композитор душевного благородства: его музыка взывает к человеческому достоинству и чести.

Музыка Шопена проникает в сокровенные уголки души.

Шопена захватывают порывы души, после чего он погружается в глубокие раздумья.

Шопен – вдохновенный поэт, далекий от жизненной суеты.

3. Польша

 Фредерик Шопен – европейский романтик с польскими корнями.

Шопен обречен на вечное одиночество. Не потому ли это происходит, что у него не одна, а две родины: Польша – по матери, Франция – по отцу?

В замечательных музыкальных картинах Шопен рисует героическую историю Польши!

Шопен придает французское изящество польским народным мелодиям.

На груди Шопен носит медальон с обликом дорогой Польши.

Шопен покоряет ласковыми и нежными мелодиями, посвященными далекой возлюбленной.

Представьте себе картину: теплый летний вечер, из окон дома доносятся звуки рояля, которые пробуждают воспоминания о прошлом и дают надежду на счастье, - все это романтическая музыка Шопена.

Музыка Шопена проникнута ностальгией по великой Польше и ее славной истории.

4. Композиторы
 
Не исключено, что Фредерик Шопен воспринимает изысканность и благородство музыки Вольфганга Амадея Моцарта от его сына Франца Ксавера Моцарта, тридцать лет живущего на территории австрийской Польши.

Насколько сентиментальна музыка Шопена можно понять, соотнеся ее с романами его любимой женщины Жорж Санд, с операми обожаемого им Винченцо Беллини.

Шопен по-весеннему взволнован, Роберт Шуман по-летнему радостен.

Шопен – вдохновенный поэт, Шуман – вдумчивый мастер. Шопен – более эмоциональный в сравнении с интеллектуальным Шуманом.

У Шопена каждый звук дышит поэзией, тогда как Ференц Лист сочиняет немало ординарных произведений. В этом заключается различие их музыкального дарования.
 
Как в жизни, так и в музыке Шопен – меланхолик, его друг Лист – демоническая личность.

Поставьте рядом Шопена и Генрика Венявского: Шопен – польско-французский композитор, Венявский – польский. Красота музыки того и другого – несомненна.

Музыка Шопена и Антония Аренского личностная, психологически тонкая.

Шопен и Сергей Рахманинов – музыканты с возвышенным строем мыслей.

У Шопена и Рахманинова – балладная лирика.
 
В трагедийной лирике Шопена и Рахманинова особенно выразительна таинственная грусть.

Ищите начало импрессионизма в Этюдах Шопена: нередко в них воплощается красота природы. Не потому ли Клод Дебюсси свои Этюды посвящает гениальному Шопену?

СОКРОВИЩА БЛАГОРОДНОГО СЕРДЦА

Роберт Шуман (1810-1856) — немецкий композитор, педагог, дирижер, музыкальный критик, один из самых ярких представителей музыкального романтизма.

1. Облик композитора

В музыке Роберта Шумана таятся сокровища благородного сердца.

И в жизни, и в музыке Шуман – поэт-романтик.

Шуман – самобытная личность, в силу чего его музыка субъективна.

Высокий интеллект Шумана делает его музыку сдержанной и благородной.

 В музыке Шумана эмоции – интеллектуальны, интеллект – эмоционален.

Лирика Шумана необычайно разнообразна.

Красота мелодий Шумана строгая и возвышенная.

2. Музыкальные жанры

Нельзя не восторгаться вокальной лирикой Роберта Шумана, отличающейся поэтической утонченностью.

В песнях и романсах Шуман удивительно выразителен: стихи и музыка образуют неразрывное целое.

Единственная опера Шумана «Геновева» - это развернутая героико-лирическая поэма в сопровождении оркестра.

«Геновева» Шумана – опера лирических откровений.

Когда ораториальный Шуман мелодически выразителен, он убеждает, вызывая в аморфных эпизодах чувство досады.

По разнообразию фортепианных фактур Шуман занимает одно из первых мест среди композиторов-романтиков.

Фортепианная музыка Шумана – это не только порывы души, это еще и раздумья о красоте в искусстве и жизни.

Скорбная музыка Шумана возвышает над горем и смертью близкого человека.

Шуман проникает в трагизм жизни и знает цену обыкновенным житейским радостям!

3. Триединство художественной натуры

Музыка Роберта Шумана – это и мерцающая звезда, и погожий летний день, и бушующий в море шторм.

Эмоции Шумана свежи, как утренние розы в саду.

Романтическое сердце Шумана находится во власти интеллекта. Оно бьется, как птица в клетке.

Музыкой Шумана повелевает поэзия.

Шуман – композитор-поэт: он одухотворяет музыку словом и слово – музыкой.

Музыка Шумана изнутри светится поэзией, смыслом, идеей: музыка и поэзия образуют неразделимый союз.

Творческая натура Шумана триедина: по призванию он – композитор, в душе – поэт, в мыслях – философ.
 
4. Из прошлого в будущее

Над музыкой Роберта Шумана витает греческий синтез истины, добра и красоты.

В музыке Шумана присутствует мятежный дух Иоганна Шиллера.

Шуман – поэт в музыке, родственный свободолюбивому Генриху Гейне.

Музыкальное творчество Шумана – это лирико-психологический роман о любви Жорж Санд.

Тонкая, интеллектуальная лирика Шумана сравнима с музыкой Вольфганга Амадея Моцарта.

В музыке романтика Шумана присутствуют черты Людвига ван Бетховена. Не потому ли она так глубока и значительна?

Шуман – рационалист в музыке, погруженный в океан чувств и переживаний. Можно сказать, что Шуман – строго мыслящий Бетховен в романтическом искусстве.

Шуман тесно связан с Никколо Паганини: их пьесы – это бриллианты, ограненные романтизмом.

Музыка Шумана интеллигентна и благородна, Франца Шуберта – эмоциональна возвышенна.

Шуберт создает песенную оперу и песенную симфонию, Шуман – песенно-симфоническую оперу. У обоих композиторов ложный путь: в песенной опере Шуберта нет драматического развития, в песенно-симфонической опере Шумана отсутствуют красивые арии.
 
Феликс Мендельсон-Бартольди – лирический, Шуман – лирико-драматический.

Из музыки Шумана вытекают две полноводные немецкие реки: Рихарда Вагнера и Иоганнеса Брамса.

В музыке Шумана и его духовного наследника Брамса присутствуют классические черты. Поэтому их романтизм интеллектуальный, во всяком случае, он остается таким до того момента, когда интеллект позволяет раскрепоститься чувствам.

В высшей степени трогательны лирические части симфоний Шумана и Брамса, тесно связанные с баховским созерцанием Неба. Это божественно прекрасная лирика!

Мало у кого из композиторов есть по ангельски целомудренная и чистая музыка. Такого рода красоту найдем у Шумана и Брамса. С чем связано ее возникновение? Известно, что обоих композиторов вдохновляет образ Клары Вик – супруги Шумана и обожаемой Брамсом женщины. Не является ли она для них петрарковской Лаурой, которая вызывает к жизни лучшие страницы творчества?

В романтической музыке Шуман – интеллектуал, Брамс – мудрец.

Шуман, помимо своей воли, становится наставником русских композиторов. Они создают замечательную музыку, находясь под влиянием немецкого гения.

Шуман и Александр Бородин – высокоинтеллектуальные композиторы: в их музыке эмоции контролируются ясным и четким умом.

Из фортепианного Шумана вырастают Модест Мусоргский и Пётр Чайковский.

Шуман и Чайковский – мастера романсовой лирики, которая ни с чем несравнима по глубине и благородству чувств.

Взволнованный Шуман и экспрессивный Александр Скрябин – родственные натуры. Их эмоциональные порывы контролируются высшим смыслом.

Композиторы с тонкой психической организацией живут мало, либо сходят с ума! Уже в 32 года у Шумана появляются первые признаки душевной болезни, в 44 года композитор попадает в лечебницу для умалишенных. Сколь мужественным надо быть человеком, чтобы с таким здоровьем создавать гениальную музыку!

Волей судьбы Шуману дано познать и свет разума, и тьму безумия. Это касается также Гектора Берлиоза, Бедржиха Сметаны, Фридриха Ницше, Ги де Мопассана, Винцента Ван Гога, Михаила Врубеля, Микалоюса Чюрлёниса и многих других деятелей искусства.

КОРОЛЬ РОЯЛЯ

Ференц (Франц) Лист (1811-1886) — венгерский, немецкий композитор, пианист-виртуоз, педагог, дирижер, публицист, музыкально-общественый деятель, один из ярчайших представителей музыкального романтизма.

1. Любовь

Ференц Лист – рыцарь любви.

Лист курит фимиам любви, как в жизни, так и в музыке.

 Нередко Лист погружается в мир любовных фантазий и грез.

 Лирической музыке Листа доступны все оттенки любовных переживаний.

Лирика в музыке Листа страстная, нежная и ласковая.

Лист – тонкий ценитель женской красоты. Он убедительнее других композиторов воплощает любовное томление и негу.

Нельзя не попасть под обаяние листовской любви.

Лист – чудотворец любви.

Лист – музыкальный Петрарка. Его Лаура – символ красивых женщин!

2. Фауст и Мефистофель

Демонизм поэзии Иоганна Гёте и Джорджа Байрона оказывает заметное, если не решающее влияние на музыку Ференца Листа!

В музыке Листа происходит напряженный диалог о смысле жизни между Фаустом и Мефистофелем.

В характере Листа сосуществуют и Фауст, и Мефистофель. Поэтому лицо его музыки определяют как фаустовское, так и мефистофелевское начала.

В «Мефисто-вальсе» Листа находим иронию и сарказм Мефистофеля, мечты о счастье и любовные томления Фауста.

3. Фортепианная музыка

 Ференц Лист потрясает слушателей блестящей фортепианной игрой и богатством выразительных средств. Он, действительно, - король рояля!

Виртуозную скрипку Никколо Паганини Лист имитирует виртуозной игрой на фортепиано.

Лист обрушивает на публику каскады головокружительных фортепианных пассажей.

Фортепианные этюды Листа настолько перегружены техническими сложностями, что такого рода музыку нельзя отнести к большому искусству.

4. Оркестровая музыка

 Ференц Лист – один из самых ярких программных композиторов.

Лист, словно живописец, энергичными ударами кисти создает колоритные оркестровые полотна.

Лист – композитор-поэт и композитор-живописец в одном лице. Им движет идея синтеза искусств.

Несомненно влияние симфонизма Листа на музыку Петра Ильича Чайковского, особенно в воплощении шекспировской темы.

От героического симфонизма Листа рукой подать до революционного симфонизма Дмитрия Шостаковича.

СЕРМЯЖНАЯ ПРАВДА

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869) — русский композитор, певец, пианист, скрипач, педагог. Основоположник реалистического направления в русской музыке.

Александр Даргомыжский обогащает музыку сермяжной правдой.

Даргомыжский и Станислав Монюшко – романтики с критическим взглядом на жизнь.

Последователем Даргомыжского делается Модест Петрович Мусоргский. Он называет автора «Каменного гостя» «учителем музыкальной правды».

Даргомыжский занимает в музыке примерно такое же место, как Павел Федотов – в живописи. Они выступают основоположниками реалистического направления в русском искусстве.

ТИТАН ДУХА

Рихард Вагнер (1813-1883) — немецкий композитор, дирижер, теоретик искусства, писатель, философ, революционер, музыкально-общественный деятель. Крупнейший реформатор оперы, Вагнер оказал значительное влияние на европейскую музыкальную культуру.

1. Грани личности

Рихард Вагнер – музыкальный символ Германии.

В каждой ноте Вагнера торжествует немецкий дух.

Вагнер – кантор величественного храма искусства!

Трубы вагнеровской музыки обращаются к человечеству с призывом творить добро и справедливость.

Вагнер – композитор великих целей и грандиозных достижений!

Вагнер совершает 12 подвигов Геракла прежде, чем завоевывает признание в опере.

Вагнер – Лютер оперного жанра.

Вагнер, подобно Людвигу ван Бетховену, бросает вызов судьбе и одерживает победу над ней.

Путеводная звезда Вагнера – несокрушимая вера в себя.

Вагнер – революционер в жизни и в музыке.

Вагнер – гений преобразования жизни посредством оперного искусства.

Вагнер возводит собственный оперный театр в Байрете. Но главное для него – храм творчества!

Байретский оперный театр Вагнера – это музыкальный Грааль рыцарей духа.

Музыка Вагнера – океан средневековой мистики.

Дай Бог Германии быть достойной великой музыки Вагнера!

2. Творчество

Оперы Рихарда Вагнера утверждают немецкий национальный дух больше, чем военные победы Германии.

Музыка Вагнера потрясает мифологической первозданностью и величием.

Вагнер создает эпическую музыку, словно высекает скальные изображения. Немецкий композитор предстает, как древний, средневековый и современный мастер!

От революции к мистике, от баррикад к чаше Грааля – таково идейное развитие Вагнера.

Людвиг Фейербах – философ любви, Фридрих Ницше – философ ненависти. Вагнер вбирает в себя и ту, и другую философию.

Любовь и сострадание соединяются у Вагнера в жертвенную любовь.

Вагнер – музыкальный философ и только затем – музыкальный драматург.

Вагнер-новеллист – заинтересовывает, Вагнер-музыковед – наводит скуку, Вагнер-композитор – потрясает!

Вагнер описывает историю оперного искусства с объективных и субъективных позиций. Поэтому он всегда убедителен и часто – сомнителен.

Оценивая музыковедческие работы Вагнера, следует выделить его мысли о свободе творчества и синтезе искусств.

Вагнер отвергает царство капитала ради царства любви и царства искусства. В этих вопросах композитор близок к воззрениям социалистов.

Вагнер предсказывает появление свободного искусства в будущем коммунистическом обществе.

3. Произведения

Оперная тетралогия «Кольцо Нибелунга» Рихарда Вагнера – это развернутый в пространстве и времени гётевский «Фауст».

Оперная тетралогия Вагнера – это вышедшая из берегов Девятая симфония Бетховена!

В главном герое Зигфриде оперной тетралогии угадываются черты ее создателя Вагнера, человека, призывающего к миру на земле.

Дух захватывают те музыкальные картины Вагнера, в которых угадывается торжественное шествие Небесного воинства со свитой ангелов. Таково Вступление к опере Вагнера «Тангейзер».

Опера «Тристан и Изольда» Вагнера – это Фейербаховская философия любви в музыке.

Идею круговращения бытия Вагнер претворяет в опере «Тристан и Изольда». В ней ненависть-жизнь оборачивается любовью-смертью.

Вагнер – рыцарь-крестоносец XIX века. Композитор тщетно пытается примирить в своей душе земную и небесную любовь. Его оперные герои – Летучий Голландец, Лоэнгрин, Тангейзер, Тристан, Парсифаль – это, по сути дела, коллективный автопортрет. Перед нами один и тот же человек, только в нескольких ракурсах.

В мифологических операх Вагнер создает образ рыцаря любви.

4. Вагнер и Ницше

Рихард Вагнер и Фридрих Ницше двуедины: Вагнер – композитор и философ, Ницше – философ и композитор. Их объединяет универсальное синтетическое мышление.

Вагнер – сверх композитор, его идейный наследник Ницше – сверх философ.

Вагнер более успешно проявляет себя в философии, нежели Ницше – в музыке.

Прежние единомышленники Вагнер и Ницше расходятся на перепутье христианства и антихристианства, так сказать, рыцаря Парсифаля и гордого сверхчеловека. Это противоположные духовные ипостаси.

5. Имена

Рихард Вагнер – один из тех композиторов, который обладает величием духа! Рядом с ним можно поставить только Иоганна Себастьяна Баха и Людвига ван Бетховена.

Кристоф Глюк дает опере второе дыхание, Вагнер поднимает ее на такую высоту, где становится трудно дышать!

В музыкальных спектаклях Глюка – мотивы-символы, Вагнера – лейтмотивы: реформаторы оперы руководствуются принципами театрального действия, а не законами музыки.

Вагнер, наряду с Иоганном Гёте и Иоганном Шиллером отстаивает идеальные, всечеловеческие формы искусства. Композитор убежден, что это возможно только в Германии, ибо она еще молодая, развивающаяся страна.

Лирико-драматический эпос Вагнера формируется не без влияния лирико-эпических ораторий Феликса Мендельсона-Бартольди и лирико-драматических симфоний Роберта Шумана. Однако, вагнеровский эпос возникает не без воздействия на него более ранних источников: музыки Иоганна Себастьяна Баха и Георга Генделя, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена.

Молодой Вагнер испытывает «священный трепет восторга» перед музыкой Бетховена и Карла Вебера. Эти композиторы становятся главными опорами для его оперной реформы.

Рихард Вагнер, Антон Брукнер, Густав Малер – титаны духа в музыкальном искусстве.

«Долг гения – быть, прежде всего, самим собой», - пишет Вагнер. Эту мысль разделяют француз Гюстав Флобер и англичанин Оскар Уайльд.

Гений Вагнера настолько сильный, что вбирает в себя жизненную энергию молодых композиторов Гуго Вольфа, Макса Регера, Густава Малера.

В музыке XIX века «сверхчеловек» уступает место «всечеловеку»: после Вагнера и Ницше приходят Густав Малер, Александр Скрябин, Рихард Штраус.

Когда музыка распахивает окна навстречу философии, она решительно обновляет свои выразительные средства: это доказывают гениальные творения Вагнера, Скрябина, Штокхаузена.

КУМИР ИТАЛЬЯНСКОГО НАРОДА

Джузеппе Верди (1813-1901) – итальянский композитор, творчество которого является одним из крупнейших достижений мирового оперного искусства.

 1. Опера

Джузеппе Верди – корифей музыкального театра.

Верди – подвижник оперного искусства.

Верди – трубадур оперы.

Верди – рыцарь арии.

На творчество Верди падает звездный час оперного искусства.

Верди – гениальный музыкальный драматург.

В оперном жанре Верди – драматург шекспировского масштаба.

Оперы Верди несут свет, красоту, любовь, благородство.

Герои Верди – это духовно красивые, благородные и самоотверженные люди.

Верди прославляет в оперной музыке доблесть патриотов Италии.

Верди запечатлевает в операх не только патриотов, ведущих борьбу за свободу и независимость родины, но и облик гражданина Древнего Рима, продолжающего жить в каждом итальянце.

Верди воплощает в операх мечту итальянского народа о счастливом будущем.

В оперных ариях Верди слышится голос художника-патриота.

Оперы Верди делают человечество более гуманным.

Центральное место в операх Верди занимают прекрасные арии.

Верди в гениальной «Травиате» щедро делится мелодическими жемчужинами с поклонниками своего таланта!

Верди до скончания веков останется кумиром итальянского народа.

 
2. Имена

Оперная музыка Джузеппе Верди соразмерна и возвышенна, как скульптура Микеланджело, благородна и прекрасна, как живопись Рафаэля.

Ищите истоки оперы Верди в музыке Антонио Вивальди: это композиторы-реалисты: они мыслят конкретно и ясно.

Верди – преемник Джоаккино Россини в мелодизме, Кристофа Глюка – в драматизме.

Настольная книга Верди - «Семирамида» Россини. Между гениальными композиторами существует прямая связь!

Дух музыки Россини витает над землей, Верди – утверждается на земле.

Россини записывает мелодии, продиктованные Небом, Верди самостоятельно творит прекрасные мелодии.

Мелодии Верди – это бабочки, вылетающие из кокона Россини. Они всегда будут радовать любителей музыки!

Россини – гений красоты, Верди – гений драматизма.

Россини – душа итальянского народа, Верди – его сердце и разум.

У Россини одно оперное чудо - «Севильский Цирюльник», у Верди – несколько таких чудес! Кто из них более велик?

Верди в сравнении с Россини стоит выше, как мелодист и как драматург.

Верди доводит оперную красоту Россини до совершенства.

Опера Верди – это синтез музыки Россини и Беллини: от Россини он берет прекрасное итальянское пение, от Беллини – пленительные мелодии.

Эмоциональное содержание музыки Верди определяют радостное мироощущение Россини и трагическое – Винченцо Беллини.

Оперный стиль Верди складывается под влиянием роскошного мелодизма Россини, Беллини и Андриана Буальдьё. В нем присутствует как итальянский, так и французский стили.

Верди – воистину Оноре де Бальзак в опере. Композитор и писатель раскрывают жизнь во всем ее разнообразии и полноте.

Испытывая взаимную неприязнь, Рихард Вагнер и Верди внимательно изучают творчество друг друга. Для них искусство – превыше личных амбиций!

Верди изображает реальную жизнь, Вагнер рассказывает о подвигах мифологических героев.

Верди – дерзновенный композитор, не уступающий по силе духа Вагнеру! Верди и Вагнер закладывают фундамент современного оперного искусства.

Бессмысленно ставить рядом гениального Верди с талантливым композитором и либреттистом Арриго Бойто!

Верди – яркое дневное солнце итальянской оперы, Джакомо Пуччини – вечерняя заря, Джанкарло Менотти – глубокая ночь.

Даже роковые страсти в операх Верди художественно прекрасны, чего нельзя сказать об операх Альбана Берга и Дмитрия Шостаковича.

ВДОХНОВЕННЫЙ ЛИРИК

Шарль Гуно (1818-1893) — французский композитор, органист, хормейстер, педагог, музыкальный критик, писатель. Основоположник французской лирической оперы.

Лирические мелодии Шарля Гуно блестят позолотой королевского величия Франции.

Духовные произведения Гуно отличаются легким, витающим над землей, мелодизмом.

На светскую лирику Гуно заметное влияние оказывает его духовная музыка.

Гуно – многогранен: в его в творчестве потоки светской и церковной музыки сливаются в одно целое, так что порой трудно отделить один от другого.

Гениальные французские лирики-романтики Шарль Гуно и Жюль Массне создают свои лучшие оперы «Фауст» и «Вертер» на сюжеты немецкого поэта Иоганна Гёте.

Зло не исчезает, а перемещается лишь в другое место: так и гётевский Мефистофель действует в оперном «Фаусте» Гуно.

Гуно – замечательный лирик. Его музыка нисколько не блекнет перед роскошными цветами поэзии Виктора Гюго!

Всего лишь три года отделяют создание романа «Мадам Бовари» Густава Флобера от оперы «Фауст» Гуно. Эти произведения отличаются эмоциональной глубиной и художественным совершенством.

Гуно – античный певец с лирой в руках, Сен-Санс – библейский рапсод, поющий под аккомпанемент кифары или цимбал.

Шарль Гуно – лирический, Жорж Бизе – лирико-драматический, Камиль Сен-Санс – лирико-эпический. Так во французской опере лирика поднимается к вершинам эпоса.


МУЗЫКАЛЬНЫЙ АПОКАЛИПСИС

Антон Брукнер (1824-1896) — австрийский композитор, органист-виртуоз, скрипач, певчий, педагог, известный своими симфониями, мессами и мотетами.

1. Бог

В музыке Антона Брукнера торжествует Всевышний.

Брукнер – композитор духовной мощи и непреклонного стремления к Отцу Небесному.

Симфонии Брукнера образуют картину сотворения Божьего мира.

Для Брукнера природа – Божий храм, в котором человек славит Творца мира.

На музыкальной скрижали Антона Брукнера начертано: «Бог и отечество»!

2. Империя

Грандиозные симфонии Антона Брукнера являются памятником Священной Римской империи.

Брукнер – австрийский колосс. В симфониях он создает миф о великой стране, обреченной на гибель. Вот чем объясняется трагедийный характер его музыки.

Тяжелое, свинцовое небо над гибнущей империей – таково содержание Девятой (неоконченной) симфонии Брукнера. Композитор не завершает монументальное произведение, видимо, потому, что еще не наступил роковой час для государства.

Музыка Брукнера передает красоту природы, изящество движений и жестов танцующих пар на сельских праздниках.

3. Апокалипсис

 Антон Брукнер – пророк из народной среды, вроде старца Григория Распутина. Оба пользуются монаршим благоволением. Оба предвещают «конец света», с именами обоих связано падение империи! Немецкий композитор и русский «старец» предвещают наступление апокалипсиса!

Симфонии Брукнера поднимают трудные и мучительные вопросы о судьбе родины – некогда великой державы. Теперь же Австрия стоит на краю пропасти.

Мощным органным звучанием, сотрясающим вселенную, нельзя предохранить страну от катастрофы! Видимо, Брукнер не осознает тщетность своих усилий.

 
4. Имена

Симфонический Антон Брукнер – антипод оперному Рихарду Вагнеру. Их грандиозные произведения имеют противоположную идейную направленность: Брукнер предчувствует близкий конец Великой державы, Вагнер осознает необходимость объединения разрозненных немецких княжеств в единое государство. Не случайно Вагнер успевает завершить тетралогию «Кольцо Нибелунга», строит собственный оперный театр, где осуществляет ее постановку, тогда как Брукнеру не удается закончить эпико-трагедийную Девятую симфонию.

Выдающийся органист Брукнер продолжает баховские традиции нравственной и духовной музыки.

Брукнер – композитор бетховенской воли и бетховенского духа. Его музыка взывает к Высшей Силе!

Брукнер, подобно Сезару Франку, в первую очередь гений труда и настойчивости и только затем – гений музыки.

Брукнер и Франк – корифеи духовной музыки, выдающиеся органисты и мужественные борцы за собственное творчество, чья музыка получает признание общественности на склоне их жизни.

Симфонии Антона Брукнера и Густава Малера венчают эпоху романтизма в музыке. Духовный мир австрийских композиторов – это торжество царственной природы, гимн человеческой свободе.

В симфониях Брукнера оркестр органный, а не оркестровый. Великий композитор – плоть от плоти органист. Наоборот, его соотечественник Малер – гений оркестра!

Австрия, ее великое прошлое и трагическое настоящее – таково содержание грандиозных симфоний Брукнера и Малера. В симфониях Брукнера отображается эмоционально-трагедийный, Малера – экспрессивно-трагедийный дух. Дистанция между этими композиторами огромная, ибо разница их возраста составляет 36 лет.

 Эпическая мощь симфоний Брукнера способствует продлению его жизни до 72 лет, творчество Малера, утратившего идеалы, сводит его в могилу в 50 лет. Нельзя отрицать связь между судьбой композитора и характером его музыки, между музыкальными творениями и эпохой, в которой он живет.

В симфониях Брукнера звучит труба бедствия, Александра Скрябина – труба надежды!

Брукнер и Эйтор Вилла-Лобос – геркулесовы столбы, за которыми открывается неведомый мир.

РЕВНИВЫЙ УЧИТЕЛЬ

Антон Григорьевич Рубинштейн (1829-1894) — русский композитор, пианист-виртуоз, дирижер, педагог, писатель, музыкально-общественный деятель.

Антон Григорьевич Рубинштейн – ревнивый отец-покровитель молодой русской музыки.

От стихов Василия Жуковского отталкивается Пушкин, от музыки Рубинштейна – Чайковский. Учителя открывают дорогу будущим гениям!

На музыкальной клумбе Рубинштейна вырастает прекрасный цветок – Пётр Ильич Чайковский.

Рубинштейн – великий музыкант, Чайковский – гениальный композитор.

Истоки гениальности Чайковского надо искать в духовно богатой личности Рубинштейна. Рубинштейн создает Чайковского, хотя верно и другое: Чайковский сам себя находит в композиторской профессии.

Рубинштейн в музыке – речитативный, Чайковский – мелодический. Рубинштейн строит музыкальную форму, Чайковский заполняет ее лирико-драматическим содержанием.

Без проникновенной лирики Рубинштейна не появился бы на свет автор «Евгения Онегина» и «Пиковой дамы».

Лирические мелодии Рубинштейна трогают душевной теплотой.

Рубинштейну удаются не только мелодии горячей, страстной любви, но и мелодии отрешенного созерцания мира.

Знаменитый пианист Рубинштейн как бы на ходу присаживается за рояль, чтобы записать пришедшую в голову мелодию. Отсюда происходит его любительское отношение к композиции.

У Рубинштейна есть известное расстояние между творчеством и мастерством, которое блестяще преодолевает Чайковский.

В русской музыке Рубинштейн – сервантеский Дон Кихот, Чайковский – шекспировский Гамлет.

Слава Ивана Айвазовского не затмевает его талант, что не скажешь о Рубинштейне: если живописец держит славу в черном теле, то композитор – холит и балует ее.

 
КОМПОЗИТОР-МУДРЕЦ

Иоганнес Брамс (1833-1897) — немецкий композитор, пианист, дирижер, капельмейстер, один из главных представителей периода романтизма.

1. Мудрость

Иоганнес Брамс – композитор-мудрец. Он беседует наедине с миром!

Музыка Брамса – это философия в нотах!

Брамс – композитор-мыслитель, чья музыка является результатом серьезной внутренней работы.

Лучший друг и собеседник Брамса – собственная музыка!

Брамс – философ с пламенем страстей в груди. Он либо созерцает мир, либо отдается чувственным порывам.

Музыка Брамса имеет четыре области чувств и мыслей:
1. философское созерцание;
2. целомудренная лирика;
3. порывы страстей;
4. стихия народного танца.

Без нескольких счастливых мелодий, созданных Брамсом, его музыка померкла бы навсегда.

2. Стиль

Иоганнеса Брамса любят те, кто готов следовать за его глубокими мыслями.

Произведения Брамса держатся на виртуозной мотивной разработке.

Оркестровые фактуры Брамса прозрачны, как тихое утреннее озеро, на дне которого виден каждый камушек, каждая ракушка.

Музыкальные картины Брамса настолько образные, что невольно представляешь себе усадьбы, селения, хутора по берегам медленно текущего Дуная.

Бывает так, что Брамс тривиальную музыку заключает в классические формы, в силу чего она кажется убедительной.

Брамс – мастер преобразования банальной музыки в большое искусство!

3. Интеллект и эмоции

 Иоганнес Брамс – интеллектуально-эмоциональный композитор: он руководствуется либо логикой, либо чувствами.

Интеллект Брамса укрощает строптивые эмоции.

Брамс – рационалист-лодочник в опасной стремнине чувств.

В музыке Брамса интеллект сопровождает эмоции, лишь иногда предоставляя им полную свободу.

Порой страсть, как огненная лава вырывается из оков сдержанной, рационалистической музыки Брамса. Тогда он всецело отдается эмоциям, цыганско-венгерской чувственности.

Когда музыка Брамса эмоционально взволнованная – это весеннее половодье, когда интеллектуально сдержанная – это музыкальная алхимия. Чтобы скрыть неблаговидную роль интеллекта в сочинении музыки, Брамс надевает маску глубокомыслия.

4. Лирика и любовь

В одухотворенной лирике Иоганнес Брамс воистину гениален, например, во 2-й части Первого фортепианного концерта и в 3-й части Третьей симфонии.

Фортепианная музыка Брамса трогает возвышенной лирикой. Она предназначается скорее для голоса или скрипки, нежели для рояля.

Можно не любить музыку Брамса, но нельзя отказать ему в кристально чистой лирике.

Лирика Брамса прозрачна и тверда, как алмаз.

Брамс – великий композитор в тех случаях, когда его лирика достигает высот Небесной чистоты и святости.

В симфонической лирике Брамса выражается вся глубина и вся полнота чувства любви.

Мало кому из композиторов удается создать бессмертную мелодию любви. Среди таких счастливцев – Брамс.

Нежная и скорбная мелодия из Третьей симфонии Брамса выражает печаль по несостоявшемуся счастью. Эта мелодия – символ Божественной красоты в музыке!

Страстность и нежность определяют характер музыки Брамса. Он желает любить властно и непререкаемо, но часто отдается мечтам о любви.

Любуясь Кларой Шуман, Брамс испытывает душевный подъем. В этот момент он словно готов сказать ее мужу и своему другу Роберту Шуману: «Любовь – на миг, верность – навсегда!»

Как цветок, засушенный в книжке, будит воспоминания о былом счастье, точно так же лирическая мелодия Брамса напоминает о промелькнувшей любви.

5. Параллели

В лучших мелодиях Иоганнес Брамс достигает лирико-трагедийных высот сонетов Франческо Петрарки.

Брамс и Петрарка заключают в строгую классическую форму пламя страстей.

Во французской живописи XIX века работают два антипода – классицист Жан-Огюст Энгр и романтик Эжен Делакруа. Можно задаться вопросом, сколь труден путь художника, совмещающего в творчестве оба метода? Таким классическим романтиком или романтическим классиком является композитор Брамс.

Брамс обладает редкой способностью переделывать чужую музыку в свою. Иоганн Себастьян Бах и Никколо Паганини в его произведениях – брамсовские.

Классицизм Брамса – это талантливая перелицовка музыки Людвига ван Бетховена.

Не скажешь, что Брамс создает собственную оригинальную музыку, – он интерпретирует музыку Бетховена и Шумана.

Брамс обладает сильным бетховенским духом и нежной шумановской душой.

В четырех симфониях Брамса имеется буквально столько же замечательных мелодий: две бетховенские, бетховенско-шумановская и чисто шумановская. Видимо, Брамс понимает, что его музыкальный гений – плод Бетховена и Шумана.

Классические черты музыки Брамса – от Бетховена, романтические – от Шумана. Как архитектор музыки Брамс – Бетховен, как поэт – Шуман.

Лирика Феликса Мендельсона-Бартольди уносится в Небесные сферы, Брамса – достигает Божественной высоты.

Силой эмоциональных всплесков Брамс не уступает ни Ференцу Листу, ни Рихарду Вагнеру, хотя он не принадлежит к сторонникам программной музыки.

В ранних произведениях Брамс по-шумановски взволнован и порывист. На пороге зрелости он – более сдержан, более вдумчив и рационален, в нем появляется баховская мудрость.

Роберт Шуман в романтической музыке интеллектуал, Брамс – мудрец.

Насколько эмоционально насыщенна музыка Рихарда Вагнера, настолько сдержанна у Брамса.

У Петра Ильича Чайковского и Жюля Массне лирика страстная, у Брамса – целомудренная.

Брамс для Чайковского – родной по духу антипод, что особенно неприятно осознавать автору «Лебединого озера».

Лирическая музыка Брамса и Александра Глазунова возвышенная, по-осеннему золотая.

Так называемая «чистая музыка» нивелирует конкретные чувства и переживания, которые превращаются в общий эмоциональный поток. Это происходит в творчестве немецких композиторов Брамса и Пауля Хиндемита.

ЛЕТОПИСЕЦ РУССКОЙ ИСТОРИИ

Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887) — русский композитор, пианист, виолончелист, флейтист, ученый-химик и медик. Участник «Могучей кучки». Основоположник русского эпического симфонизма.

 
1. Русь

 Александр Бородин – летописец Нестор в русской классической музыке.

Слушая эпическую музыку Бородина, невольно видишь перед собой картину Васнецова «Богатыри».

Русь в музыке Бородина героическая, величественная. Не случайно композитор носит имя того поля, где происходит знаменитое Бородинское сражение.

Бородин воплощает в музыке образ могучей, созидательной России, ибо сам – созидателен, как ученый, как художник, как общественный деятель.

Не звукопись, а живопись свойственна музыке Бородина – эпической, величественной, несущей русский дух и красоту русской природы.

Красота музыки Бородина всеохватная и светоносная!

Бородин – удивительный композитор. Его музыка солнечная, теплая, нежная, красивая и, главное, сердечная.

Теплая лирика Бородина согревает душу.

Среди русских композиторов Бородин выделяется богатым мелодизмом и широкой песенностью.

Музыка Бородина волевая и красивая, благородная и мужественная, русская и восточная, обнимающая всю бескрайнюю Русь.

Музыка Бородина имеет редкое свойство: дарить людям эстетическую радость.

2. Восток

Александр Бородин, как русский человек – оптимистичен, как грузин – жизнерадостен.

Музыка Бородина замечательна тем, что в ней переплетаются русский дух и восточная нега.

На редкость красочен музыкальный Восток Бородина: помимо благоухающей природы, он раскрывает любовную негу и сладострастие, коварство и жестокость восточных людей.

Музыка Бородина обжигает ритмами половецких танцев, рисует скачки воинов, их ловкость и отвагу, мерно шагающий караван.

3. Талант

Александр Бородин – русский композитор и ученый-химик. Основное время он уделяет науке, хотя в свободные часы пишет гениальную музыку.

Слишком богатые натуры порой не ведают, в чем их настоящее призвание. В душе Бородина химик и композитор соперничают между собой, но, в конце концов, напряженный труд преждевременно сводит его в могилу.

Находясь в балакиревском кружке, Бородин подобно твердому камню порфиру не поддается обработке наставника Балакирева: так он защищает оригинальность своего композиторского дара.

Бородин обладает первородным музыкальным талантом, к счастью не испорченным консерваторией. Он гений чистой, светлой, Божественной красоты и гармонии.

Заключение

Эпическая музыка Бородина отличается генделевской мощью и героизмом.

По яркости и пластичности образов, по концентрации мысли, по классической четкости формы музыка Бородина сопоставима с произведениями Людвига ван Бетховена, Джузеппе Верди и Жоржа Бизе.

Гениальную оперу «Князь Игорь» в основных чертах создает Бородин, завершают же ее – Николай Римский-Корсаков и Александр Глазунов. Великое произведение требует усилий трех выдающихся композиторов.

КОМПОЗИТОР-ГЕДОНИСТ

Шарль-Камиль Сен-Санс (1835-1921) — французский композитор, органист, дирижер, пианист, критик, педагог.
 
1. Композитор безмятежности

Камиль Сен-Санс – гедонист в музыке XIX века.

Сен-Санс – корифей безмятежности.

Сен-Санс – адепт классической простоты и ясности.

Музыка Сен-Санса «рисует» идиллические картины: раздается крик петуха, летит пчелиный рой, кукушка считает года, белый лебедь плывет по озерной глади, летний день погружается в дрему, ночью разыгрывается гроза, наступает рассвет, из местной церкви доносятся звуки органа и пение верующих. В другой раз музыка Сен-Санса передает разыгравшийся шторм на море или ласковые волны, набегающие на песчаный берег.

Светлая музыка Сен-Санса несет радость и здоровье людям. Показательно, что и сам композитор живет 86 лет!

2. Черты стиля

 Камиль Сен-Санс – автор красивых и одухотворенных мелодий.

Светлые и воздушные мелодии Сен-Санса чаруют, как небесные цветы!

Какую бы музыку не писал Сен-Санс, в ней таится дух древней египетской магии.

Сен-Санс – творец легкой, радостной, лучезарной музыки. Однако в трагедийных эпизодах он проникает в библейские глубины.

Взволнованно-экспрессивная музыка Сен-Санса производит огромное впечатление на слушателей.

Не красят музыку Сен-Санса выспренний оптимизм, экспрессивный напор энергии, манерная виртуозность.

Сен-Санс – талантливый музыкальный пародист, подсмеивающийся над людьми и животными.

Музыкальный примитивизм начинается от Сен-Санса и Эрика Сати, который в XX веке преобразуется в минимализм.

3. Творчество

Талант Камиля Сен-Санса – многогранен, его музыка отличается редким мелодическим богатством.

Фортепианная музыка Сен-Санса – это каскад фонтанов, чьи серебряные струи взлетают в небо.

Чтобы лучше представить себе характер музыки Сен-Санса, послушайте его симфоническую поэму «Юность Геракла» и оперу «Самсон и Далила».

Сен-Санс привносит в лирико-трагедийную оперу «Самсон и Далила» колорит древности и жестокого рока.

В образе ветхозаветной Далилы Сен-Санс отображает вселенскую скорбь любящей женщины.

«Самсон и Далила», позволяет считать, что Сен-Санс обладает талантом драматического оперного композитора. Он стал бы французским Верди, если б, подобно автору «Отелло», написал 26 опер.

В сюите «Карнавал животных» Сен-Санса находится место для вульгарной опереточной мелодии. Создатель гениального «Лебедя» рискует прослыть эклектиком!

Музыка Сен-Санса успокаивает душу светлыми, возвышенными эмоциями. Даже «Пляска смерти» у него благозвучна.

Музыка Сен-Санса в зрелые годы приобретает черты декоративности. Чувствуется дыхание приближающегося модернизма.

4. Ассоциации

Камиль Сен-Санс – Геракл и одновременно Самсон: в его музыке сосуществуют античная красота и древнееврейская трагедийность.

Можно предположить, что светлый, радостный и темный, «масонский» Вольфганг Моцарт в будущей жизни перевоплощается в Камиля Сен-Санса, чья музыка изначально светоносна. Реинкарнация в сфере искусства возможна!

Знаменитый Джоаккино Россини оказывает поддержку 20-летнему Сен-Сансу. Поэтому есть все основания связывать светлые, безоблачные произведения французского композитора с солнечной музыкой итальянского гения.

Светлыми, возвышенными мелодиями Сен-Санс сравним с Феликсом Мендельсоном-Бартольди. Но между ними есть разница: Сен-Санс – земной, Мендельсон-Бартольди – небесный.

Сен-Санс – антипод Рихарда Вагнера: мрачным средневековым легендам немецкого гения он противопоставляет французскую легкость, изящество и красоту, небесную одухотворенность музыкальных образов-символов.

Сен-Санс и Дариюс Мийо – композиторы-счастливцы: они долго живут и столь же долго пишут жизнерадостную музыку!
 
МУЗЫКА ВЕСЕННЕЙ СВЕЖЕСТИ

Лео Делиб (1836-1891) — французский композитор, хорист, органист, создатель балетов, опер, оперетт.
 
 Балетная музыка Лео Делиба дышит весенней свежестью.

Легкая и светлая балетная музыка Делиба вызывает в памяти образ девочки, прыгающей через скакалку.

Грациозной музыкой «Коппелии» Лео Делиб дает балетному жанру второе дыхание.

Мы не ощутим всей прелести балетов Делиба, не услышав в них отголосков танцевальной музыки Жана-Филиппа Рамо.

Адольф Адан сочиняет «Жизель», его ученик Лео Делиб – «Коппелию». Так появляются на свет две балетные жемчужины!

Балетная музыка Делиба – это кульминация пластичности, Петра Ильича Чайковского – эмоциональности. Два корифея балета образуют периоды его торжества.

Женские арии в опере «Лакме» Делиба – это птичьи голоса, поющие в небе Индии.

Светлая лирика оперной и балетной музыки Делиба созвучна с сентиментальной прозой Эмиля Золя.

 
ВЫДАЮЩИЙСЯ ПЕДАГОГ

Милий Балакирев (1836-1910) — русский композитор, пианист, дирижер, педагог, глава «Могучей кучки».

1. Творчество

Вправе сказать, что Милий Алексеевич Балакирев – музыкальный Василий Поленов, ибо в симфониях композитор, подобно художнику, запечатлевает скромную природу средней полосы России.

Симфонизм Балакирева дает два ответвления: эпическое Бородина и лирико-эпическое Калиникова.

В лирико-эпическом симфонизме Балакирева ощущается преемственная связь между ним и его учеником Александром Глазуновым.

Восхищаясь фольклором кавказских народов, Балакирев запечатлевает в музыке стремительные ритмы и яркие мотивы. Вспомним его знаменитую фантазию «Исламей» для фортепиано.

Если романс становится народной песней – это говорит о гениальности композитора. Таков романс Балакирева «Обойми, поцелуй».

2. Педагогика

 Милий Алексеевич Балакирев – педагог по милости Божьей, хотя и с властным характером!

Балакирев жертвует своим композиторским талантом ради воспитания музыкальных гениев: Александра Бородина, Модеста Мусоргского, Николая Римского-Корсакова.

Когда Балакирев пробуждает в ученике творческий энтузиазм, он – выдающийся педагог, когда допускает формализм и критиканство – губит самобытную личность.

Педагог-скептик подрезает крылья молодому композитору. Такого рода небрежностью иной раз отличается Балакирев.

Душевная драма Балакирева состоит в том, что, являясь гениальным учителем не менее гениальных учеников, он слишком ревниво относится к ним. Гении, как известно, не принимают себе равных.

Музыканту Балакиреву близок по духу объективный Ференц Лист, Петру Чайковскому импонирует субъективный Роберт Шуман: Балакирев и Лист – просветители-композиторы, Чайковский и Шуман – композиторы-просветители.

Балакирев и Бедржих Сметана – оруженосцы национальной музыки. Они знают радость побед и оба испытывают душевные кризисы, связанные с перенапряжением творческих сил. Не каждому по плечу новое дело!

ЖИЗНЕУТВЕРЖДАЮЩАЯ МУЗЫКА

Жорж Бизе (1838-1875) — французский композитор, пианист, автор оркестровых произведений, романсов, фортепианных пьес, оперы «Кармен».

1. Музыка

Жорж Бизе – самый яркий французский «испанец» в музыке!

Музыка Бизе ослепительна, как южное солнце!

Музыка Бизе пламенна, как любовь Кармен!

Музыка Бизе рельефна, как греческая скульптура.

Бизе пишет музыку с моцартовской легкостью.

Блестящие мелодии Бизе приносят ему всемирную славу.

2. «Кармен»

Создать оперу, рядом с которой блекнут оперы великого Моцарта, – не есть ли это результат вдохновенной работы не менее великого композитора? Такова опера «Кармен» Жоржа Бизе.

 «Кармен» Бизе обладает энергетикой, несравнимой ни с какой другой оперой. Это происходит в силу нескольких причин:
1. ее музыку насквозь пронизывают стремительные ритмы и яркие мелодии испанской народной музыки;
2. ее музыка несет огромный заряд бодрости и бьющую через край жизнерадостность;
3. герои оперы страстные, отчаянные натуры, бросающие вызов судьбе, их любовь жгучая, неукротимая, как пожар, уничтожающий все живое. Рядом с «Кармен» можно поставить только «Севильского цирюльника» Джоаккино Россини. Место действия этих двух опер – Севилья с ее жарким солнцем и темпераментным народом, обеим операм свойственна неудержимая радость, оптимизм музыки. Но между ними есть и разница: в опере Бизе больше народных по духу арий, да и музыка Бизе испанская, тогда как музыка Россини – итальянская.

Бизе вместе с цыганкой Кармен выводит на оперную сцену фабричных работниц, солдат, контрабандистов, тореадоров и пикадоров, воров и преступников! Это не нравится изысканной публике.

Талантливый Бизе воплощает в «Кармен» французскую Испанию, подлинная же Испания существует лишь в музыке Исаака Альбениса и Энрике Гранадоса.

Не всякая гениальная музыка добрая: в «Кармен» Бизе она жесткая, колючая, тогда как в «Травиате» Джузеппе Верди – мягкая, сочувствующая героям драмы.

В «Кармен» Бизе звучит солнечная, жизнеутверждающая музыка. Премьеру оперы публика освистывает, как, впрочем, и «Севильского цирюльника» Россини и «Травиаты» Верди! Три самые выдающиеся оперы проваливаются в день постановки!

Жизнь Бизе внезапно обрывается в 36 лет: композитор не в состоянии перенести фиаско любимой оперы!

3. Черты стиля

 Жорж Бизе мыслит в опере простыми и четкими музыкальными формами, как Люлли и Рамо. Несомненно, что старинная французская музыка обогащает оперный театр XIX века, в том числе, и оперы Бизе.

Своей ясностью и четкостью музыка Бизе имеет немало предшественников. Один из них – старинный французский композитор Марк-Антуан Шарпантье.

Жорж Бизе, Модест Мусоргский, Сергей Прокофьев – реалисты в музыке, отображающие подлинную жизнь и поднимающие злободневные проблемы общества.

 
ИДЕАЛЬНАЯ РОССИЯ

Модест (1839-1881) - русский композитор, член «Могучей кучки». Работал в различных жанрах: в его творческом наследии – оперы, оркестровые пьесы, циклы вокальной и фортепианной музыки, романсы и песни, хоры.

Оперное творчество Мусоргского корнями уходит в Древнюю Грецию. Мусоргский начинается с Гомера. По яркости образов, по размаху и полноте изображения жизни Мусоргский вполне сопоставим с Гомером.
Если сравнивать Мусоргского с Гомером, а Чайковского – с Вергилием, то почувствуем всю разницу между этими русскими гениями.

Идея рока присутствует в греческой трагедии и операх Мусоргского. В этом смысле есть все основания ставить рядом «Царя Эдипа» Эсхила, к которому молодой Мусоргский пишет музыку, и «Бориса Годунова».

Оперные полотна Мусоргского насквозь пронизывает сократовская ирония. В поисках идеала Мусоргский ни на одно мгновение не перестает иронизировать. В его операх возникает синтез иронического и идеального, что позволяет соотносить Мусоргского как с Сократом, так и с Платоном.

Мусоргский отображает реальную жизнь, которую подвергает беспристрастному анализу. Подобно Сократу, вечно сомневающемуся и вечно неудовлетворенному достигнутой истиной, Мусоргский выходит за пределы всякой идеологии, включая идеологию народничества шестидесятых годов XIX столетия.

 В оперном творчестве Мусоргский поднимает такую громаду общественно-социальных проблем, какую сам далеко не всегда осмысливает.

Снисходительно-ироническое отношение Мусоргского к действующим лицам оперы не проявляется открыто. Насколько оперные полотна Мусоргского в отображении жизни объективны и достоверны, настолько же они наполнены скрытым авторским подтекстом.

Художник намечает множество вариантов формы будущего произведения прежде, чем выберет окончательный вариант. Известно, с какой тщательностью Мусоргский разрабатывает концепцию оперного спектакля.

Наряду с сократовской иронией или сократовским отрицанием в операх Мусоргского наблюдается противоположная тенденция: накопление и концентрация положительных элементов, которые, в конечном счете, вписываются в философскую систему Платона. Вот почему у Мусоргского есть две действительности – реальная и идеальная. Мусоргский отрицает несовершенную жизнь ради идеала.

Изображая психологию героев, рисуя особенности народного быта, выявляя движущие силы истории, Мусоргский остается правдивым до мельчайших деталей. Одновременно он разбрасывает по оперным партитурам зерна духовности, высвечивающие жизнь изнутри. Не находя в Реальной России ничего безусловно положительного и ничего безусловно прекрасного, Мусоргский в то же время стремится к Идеальной России. Так в его операх совершается предельное обобщение через максимальную конкретизацию жизни.

Через эпохи, через столетия Мусоргский иронизирует и сомневается, верит и созидает. Перед его глазами предстает жизнь-проблема, которую нельзя разрешить с позиций одного исторического периода.

Образ Идеальной России возникает в творчестве Мусоргского помимо воли композитора, так сказать, в силу диалектического закона, по которому беспредельное отрицание реальной жизни сопровождается таким же беспредельным утверждением духовного начала.

Для Мусоргского история – это средство для того, чтобы проникнуть в древнюю, Сущностную Россию, чтобы затем, отображая Реальную Россию, обратить свои взоры к Идеальной России.

Мусоргский предстает перед нами трагической фигурой, но душа его целомудренна и светла: композитор созерцает Идеальную Россию, как Платон созерцает Идеальное Государство!

 Уильям Шекспир и Мусоргский работают в общем для них жанре «исторической хроники». Шекспир и Мусоргский соприкасаются и в вопросах художественного синтеза. Не в драматургии ли Шекспира, имеющей музыкальную составную, нужно искать естественную соразмерность между поэзией и музыкой, словом и звуком, а вовсе не в опере, которую лишь по недоразумению считают законной наследницей античной трагедии? Когда музыковеды соотнесут театр Шекспира с оперными произведениями Мусоргского, тогда, быть может, яснее обозначатся пути развития современной оперы!

Если великое творение искусства обобщает значительный человеческий опыт, если оно, в сущности, представляет собой всеобъемлющую панораму жизни, то в нем, как говорит Гёте, основная «идея» имеет «третьестепенное значение». Наряду с «Божественной комедией» Данте и «Фаустом» Гёте героико-трагедийные оперные полотна Мусоргского относятся именно к такому роду гениальных произведений.

Надо отметить, что Иоганна Гёте и Мусоргского сближает горячая любовь к родине: каждый из них с трепетным чувством внимает голосу отечества и мечтает о его светлом будущем.

Особо надо сказать о взглядах на музыкальную драму итальянского революционера-патриота Джузеппе Мадзини, предшествующих воззрениям на оперу Мусоргского. В книге «Философия музыки» (1836 г.) Мадзини призывает к изучению «национальной песни» и «отечественной истории». Он требует от авторов оперного спектакля правдивого отображения эпохи, умения обрисовывать неповторимый колорит действия и характеры героев. Мадзини высказывает мысли о том, что хор, как «коллективная индивидуальность», должен занимать в музыкальной драме важнейшее место, чтобы подняться для «выражения народной стихии». Большую роль Мадзини отводит мелодическому речитативу, который был «когда-то главной частью оперы».

Для Мусоргского старообрядчество – это не только идеология и не только область поисков нравственного идеала. В старообрядчестве он находит почву для того, чтобы строить здание великой России. Далеко не случайно, что музыкальный язык Мусоргского отличается русской самобытностью, какую встречаем в «Житии протопопа Аввакума». Нас одинаково захватывает неудержимый поток страстей прозы Аввакума и музыкальный язык Мусоргского!

Оперная ткань Мусоргского сверкает красками, манит разноцветьем, а свойственный ей внутренний свет – это духовный свет, облагораживающий суровую действительность. Когда слушаем оперы Мусоргского, перед нами встает панорама событий, сопоставимая с чудесными мозаичными картинами из стекла Михаила Ломоносова.

Историческая мысль в России бьет ключом на протяжении всего XIX столетия. Изысканиями древностей занимаются Румянцевский и Оленинский кружки. Труды по истории России пишут Карамзин, Полевой, С. Соловьев, Ключевский. С огромным интересом «Историю государства Российского» Карамзина читают русские деятели культуры, искусства, интеллигенция. Немало ставится драматических и оперных спектаклей, обращенных к прошлому России.

Нужно упомянуть об известном знатоке русской истории и литературы Николае Никольском, принимающем деятельное участие в создании «Бориса Годунова» и «Псковитянки» (он дает совет Мусоргскому написать оперу по драме Пушкина и работает над текстами для оперы Римского-Корсакова). А если вспомнить что первая мысль о «Князе Игоре» и «Хованщине» принадлежит Владимиру Стасову, то станет очевидным, какой вклад могут вносить в развитие оперы историки, критики, просвещенные люди.

К теме старой Руси и религиозного раскола, столь убедительно звучащей в «Хованщине» Мусоргского, обращаются многие русские художники. Среди известных полотен назовем лишь отдельные из них: «Царевна Софья» (1879), «Стрельцы клянутся в верности царевне Софье» (1880) Ильи Репина, «Утро стрелецкой казни» (1878-1881), «Боярыня Морозова» (1881-1887) Василия Сурикова, «Никита Пустосвят» (1880) Василия Перова. Любопытно, что Мусоргский опережает живописцев в разработке темы старой Руси, так как он начинает работать над «Хованщиной» в 1873 году. Эта разница окажется более существенной для тех, кто соединяет «Бориса Годунова» и «Хованщину» в одно эпико-драматическое полотно с очень сложной композицией, непостижимость замысла которой обусловлена синтезом рационального и иррационального. Масштабы двух оперных полотен Мусоргского сопоставимы разве что с монументальным творением Александра Иванова «Явление Христа народу»!

Надо учитывать, что в сознании русского человека последовательность имен Данте-Шекспир-Гёте ассоциируется с именем Александра Пушкина, на чью трагедию опирается Мусоргский при создании «Бориса Годунова».

А сколько примечательного открывает нам еще один ряд гениев: Гёте-Пушкин-Мусоргский-Вагнер! Вполне конкретна преемственность между Гёте и Пушкиным (вспомним, что в 1826 году Гёте присылает Пушкину свое поэтическое перо – акт, имеющий глубокий символический смысл!). Более тесную связь наблюдаем между Гёте и Вагнером между философско-нравственной метафизикой трагедии «Фауст» и тетралогией «Кольцо Нибелунга»». Есть все основания проводить параллели между идеальной рыцарской общиной Вагнера и идеальной Россией Мусоргского. Сегодня еще мало изучены общие моменты в творчестве Пушкина и Вагнера. Тем не менее, они есть, они реально существуют. Теперь легко представить себе, какое разнообразие художественных ассоциаций содержится в этом тетрахорде великих имен!

Подобно любому русскому творцу искусства, Мусоргский испытывает на себе огромное влияние Пушкина. Как и Пушкин, Мусоргский имеет талант аналитического проникновения в суть вещей. Для него создавать музыку и думать – это один и тот же процесс. Вслед за Пушкиным Мусоргский отдает предпочтение интеллектуальному началу в искусстве, ибо они оба поднимают актуальные для общества социальные проблемы.

Мусоргского можно ставить рядом с Пушкиным в способности обнажать правду жизни, облекать мысль в лаконичную форму. Поэт и композитор изображают психологию героев с необыкновенной полнотой и убедительностью.

Создавая «Бориса Годунова», Мусоргский сталкивается с пушкинским видением истории, зорким и смелым взглядом поэта, преодолевающим сиюминутный смысл происходящих событий. Пытливый ум Мусоргского домысливает историю до конца. Особенно его интересуют переходные эпохи, скрытые пружины общества, охваченного социальными бурями и потрясениями. Для Мусоргского неотделима трагедия государства от повседневной жизни людей, ибо он стремится достичь высот вневременного видения мира. В этом смысле Мусоргский сравним с Пушкиным, чей пытливый взгляд уходит за пределы исторического горизонта!

 Если для западной оперы эмоции властвуют над исторической правдой, а история для композиторов зачастую выступает декоративным фоном, то совершенно иная ситуация в операх Мусоргского. Он вскрывает движущие силы истории, выявляет причинно-следственные связи происходящих событий. Это позволяет говорить о Мусоргском, как о музыкальном историографе.

Хорошо изучена тема «Гоголь и Мусоргский». Много пишется о влиянии сатиры Николая Гоголя на «раннего» и «позднего» Мусоргского. Жаль только то, что музыковеды не замечают смеющегося Мусоргского в «средний», основной период его творчества. Композитор всегда остро реагирует на комическое и нелепое в жизни русских людей.

Непосредственным предшественником Мусоргского можно считать художника Павла Федотова, общепризнанного мастера психологического портрета, родоначальника реализма в русской живописи.

Мусоргский воспринимает народ примерно так же, как поэт Николай Некрасов. Стараясь изображать народ без лакировки, без «сусального», Мусоргский видит его холопскую покорность и его слепое бунтарство. Народ для Мусоргского одновременно и личность, и стихия: плачущий юродивый и жестокий самосуд мужиков. Народ в глазах Мусоргского – русский человек во всю его ширь, наделенный трезвым умом и наивной душой (в беде – выручит, спасет, в быту нередко резкий, крутой, в любую минуту готовый вздыбиться, как дикая лошадь, в другой раз добр, совестлив, не обидит безобидную тварь, найдет повод повздыхать, поплакать, чтобы затем вновь, сломя голову, пуститься в разгул). Словом, для Мусоргского облик русского народа состоит из отдельных черт русского человека.

В своих романах Достоевский, которого надо считать еще одной значительной фигурой для понимания оперного творчества Мусоргского, изображает народ в основном пассивным, смирным и верноподданническим. Напротив, народ у Мусоргского, безмолвствуя и раболепствуя перед властями, зачастую возмущается и бунтует, учиняет самосуд и жестоко наказывает обидчиков.

Сравнивая образы Достоевского и Мусоргского, убеждаемся, что многие из них по своей природе сходны. Властному и неукротимому Карамазову-отцу под стать Хованский-старший. Они ни перед кем не склоняют голову, и никто не может их образумить.

 Пренебрегая общественными условностями, Дмитрий Карамазов и Андрей Хованский страстно любят женщин из низшего сословия, оба безвольны и безотчетны в поступках, но оба – поэты в душе, которым дорога репутация порядочного человека.

Сопоставим биографии Пимена, Досифея и старца Зосимы. В молодости они живут в миру, находятся на военной службе. В критическую минуту, почувствовав вздорность претензий собственного тщеславия, добровольно отказываются от суетного мира и избирают путь духовного подвижничества. В исповедальных откровениях старца Зосимы слышится патетика летописца Пимена и вождя старообрядцев Досифея. Они отличаются поразительной силой духа, мужеством в отстаивании идеалов, очищают людей от скверны и пороков.

Совсем непраздный вопрос о том, насколько сопоставимы ум и темперамент Ставрогина с нравом Бориса Годунова. Есть ли основания связывать мягкость и безволие князя Мышкина с горестным плачем Юродивого?

В детских образах «Братьев Карамазовых» столько прямодушия и наивности, что кажется немыслимым присутствие в их среде зла, себялюбия, жестокости взрослых. В этом чистом мире действуют свои «вожаки», свои «сверхгерои», «социалисты», среди них есть и просто честные люди. Достоевский с потрясающей силой показывает, как несправедливые законы жизни врываются в наивные души детей, калеча и уродуя их. Вспомнив, что в «Борисе Годунове» тоже есть детские сцены, зададимся вопросом: не хочет ли Мусоргский просветлить лаской и беззлобием детей суровую действительность? Поэтому, не следует ли режиссерам уделять больше внимания этому второму плану оперы?

Важно также уяснить, какая философская идея объединяет Достоевского и Мусоргского и, в частности, каким образом преломляется «бесовство» Достоевского в операх композитора. Отметим лишь то, что в исторических драмах Мусоргского бесовщина затрагивает буквально все слои общества. Параллельно этому идет процесс утверждения положительного жизненного опыта. Одним словом, во всем, в чем Мусоргский находит красоту, силу, мощь, он тут же подмечает и ущербность, и ограниченность, и фальшь. Какими бы ни были благородными порывы человека, он поражен эгоизмом.

Пушкин и Мусоргский мыслят исторически шире, чем Достоевский. Писатель заключает накопленный людьми опыт в сознание одного человека. Он хочет проверить истинность действующих в обществе законов, преломляя их через совесть и душу человека. В отличие от Пушкина и Мусоргского, Достоевский сужает мировую историю до требований человеческой индивидуальности, ищет опору в нравственном универсальном законе.

Известно, что в «Братьях Карамазовых» нет положительных героев, а есть только положительные идеи, вложенные в уста надуманных (метафизических) личностей, среди которых Алёша Карамазов и старец Зосима. Тем не менее, в этих образах-идеях концентрируется нравственная философия писателя. Напротив, в операх Мусоргского мы не находим абсолютно положительных героев. Правда, положительные духовные импульсы присутствуют во всех действующих лицах, а не сосредотачиваются в отдельных из них. Есть огромная концентрация духовности в лейтмотиве убитого царевича Дмитрия, в монологах Пимена и Досифея, в симфонической картине «Рассвет на Москве-реке». Духовность же других образов рассеивается в психологии действующих лиц.

Достоевский – мастер острых психологических ситуаций. Он достигает почти физиологической осязаемости в обрисовке характеров персонажей. Рядом с ним смело можно поставить Мусоргского. Изображая героя, измученного угрызениями совести или поддавшегося душевным самоистязаниям, Достоевский проникает в тайны человеческой психики. Этой способностью в полной мере обладает и Мусоргский. Писатель, словно растворяется в сознании героев, чтобы через них углубиться в самого себя. Безусловно, что и в каждом герое Мусоргского присутствует частица его богатой натуры.

В силу неустроенности русской жизни, и постоянных нашествий на Россию, которая сама изнывает под бременем кровавых распрей и междоусобиц, в силу ее вековой отсталости и одновременно быстрого движения к прогрессу, на образах Достоевского и Мусоргского лежит печать надломленности и страдания. Правда, Достоевский энергичнее, чем Мусоргский, разоблачает мерзости русской жизни. Читая его романы, ощущаешь, как всякого рода злодейства, преступления, кошмары, предсмертные муки притягивают взор прозаика. Буквально то же самое встречается и у Мусоргского. Смерть, особенно насильственная смерть, производит неизгладимое впечатление на композитора.

Достоевский, например, в «Братьях Карамазовых» меньше уделяет внимание драматической развязке конфликта, нежели психологическому анализу поведения героев, приводящего их к драме. Мусоргского в первую очередь интересует драма событий, смысл, вытекающий из роковых обстоятельств. Сочувствуя и сострадая героям, писатель и композитор по-разному смотрят на человека, погрязшего в себялюбии. Они разоблачают повсеместно торжествующее зло в России. Не потому ли их творения пронизывает холодная скорбь, а их «сердечная вера» оказывается незащищенной перед космосом?

В «Братья Карамазовых» поднимаются жгучие вопросы веры и безверия, личности и власти, церкви и государства. Такой же круг вопросов поднимается в исторических операх Мусоргского. На фоне требований настоящего времени раскрываются судьбы героев прошлых эпох. Среди них – преступившие закон, узурпировавшие власть, защитники старой веры и представители новых общественных сил. Как Мусоргский, так и Достоевский надеются, что в будущей России государственные законы сообразуются с человеческой совестью, с разумом и справедливостью.

По мнению Розанова Достоевский томится «жаждой земного бессмертия». Если, исходя из данного контекста, акцент перенести с философии личности Достоевского на Россию Мусоргского, то станет ясно, что понятие Розанова как нельзя лучше подходит именно к России. Тем самым, эта мысль будет еще раз подчеркивать ее величие.

Достоевский несколько декларативно говорит об исключительной миссии России, чьи государственные институты, по его мнению, еще недостаточно совершенны и не приспособлены к разумной организации. Россия представляется Достоевскому скорее некой осознающей самою себя духовной субстанцией. Между тем, для Мусоргского Россия целостна: ее духовность, ее стремление к идеальному будущему неотделимы от реального исторического бытия.

Перед Достоевским и Мусоргским стоит задача огромной важности: охватить бесконечное разнообразие жизни, осмыслить это бесконечное разнообразие и выяснить, что скрывается под идеей бессмертия. Обогатив русское сознание достижениями мировой мысли, Достоевский и Мусоргский преодолевают ограниченные национальные рамки. Они выступают носителями всечеловеческого разума!

Говорят, что Достоевский владеет секретом какого-то особого метода, а именно «мистического реализма» (философ Бердяев называет метод Достоевского «религиозным реализмом»), хотя ясно, что живое творчество, особенно, творчество гения, нельзя вместить в разного рода «измы». Метод Достоевского шире и богаче любых квалификаций. Правда, это не исключает наличия отдельных недостатков в писательской манере Достоевского, выступающих наружу в тех случаях, когда выстраданные им идеи и образы вытекают не из обстоятельств жизни, не из реальности, а скорее придумываются автором, что неизбежно приводит к подмене действительного желаемым. В отличие от Достоевского, Мусоргский не предлагает никаких идей, включая идею об Идеальной России. Она возникает сама по себе в силу диалектики отрицания и утверждения. Поэтому творческий метод Мусоргского совершенно органичен и естественен. Но если все-таки пользоваться общепринятой практикой определения художественного метода, то метод Мусоргского следует называть методом «идеалистического реализма», в котором Идеальная Россия возвышается над Реальной Россией!

Любой художественный стиль сообразуется с творческим методом. Литературный язык Достоевского прозаичен, деловит, не блещет красотами. Выделяясь яркостью и оригинальностью, музыкальная речь Мусоргского не ласкает слух меломанов. С точки зрения классического совершенства стиль Флобера и Вагнера выгодно отличается от стиля Достоевского и Мусоргского. Чтобы передать напряженный пульс времени, углубиться в драматические коллизии жизни и истории, у русских художников вырабатывается, на первый взгляд, недостаточно красивый авторский стиль. Они принадлежат к школе реализма. Однако, их интересует не только реальная жизнь. Не в меньшей степени их интересует духовная красота – скрытая, тайная, которая внутри мира и над миром, но которая каким-то чудесным образом спасет мир!

Ромен Роллан отмечает в Толстом-художнике такое его качество, как «беспощадное реалистическое видение», каким обладает, безусловно, и Мусоргский. Различие их в том, что Мусоргский вскрывает духовную подоснову несовершенной жизни, а Толстой отыскивает в жизненном многообразии аргументы в пользу истинности собственного нравственного учения, композитор обнаруживает идеальное начало, присутствующее в реальной жизни, писатель предлагает идеал, далекий от действительности. И, все-таки, сколько бы Толстой не идеализировал жизненный уклад патриархального крестьянства и как бы Мусоргский не любовался сельскими идиллиями, оба они завершают свои гениальные творения, например, роман «Воскресение» и оперу «Хованщина» слабо выраженной надеждой, так как их реализм является действительно «беспощадным».

Мусоргскому эстетически и художественно близок писатель Николай Лесков. Язык его произведений ярок и красочен. На его творчестве лежит, как выражается Толстой, «печать хорошей русской старины». В операх Мусоргского музыкальный язык столь же выразителен. Перед нашим взором развертывается панорама жизни всей России. Сколько патриархального величия в кремлевских перезвонах! Сколько энергии и мощи в русских людях! Как широки и высоки просторы русской земли! Значительностью затронутых проблем Мусоргский сравним с Достоевским, яркостью образов и речи – с Лесковым. Значит, Мусоргский велик народным духом и гласом! Проникая в глубинные пласты России, вскрывая красоту русского характера, тем не менее, Мусоргский и Лесков понимают, насколько опасен и разрушителен протест разбушевавшейся толпы. Они предчувствуют, что на Россию накатывается новая волна вражды и насилия, дикий варварский набег, сопоставимый разве что с татаро-монгольским нашествием!

О соотношении идеального и реального в мире философ Владимир Соловьёв пишет: «Совершенная жизнь основана будет не на поглощении человеческого элемента божественным, а на их свободном взаимодействии». Думается, что этот тезис может стать ключевым и для определения идейной концепции оперных полотен Мусоргского. Поэтому есть все основания делать параллели между Соловьёвым и Мусорским. Идеал Мусоргского высвечивается в качестве исторической перспективы, но является неотъемлемой частью реальной и несовершенной России. Идеал Соловьёва, преодолевая ограниченность национальных церковных укладов и институтов, объединяет православную и католическую веру в единую «вселенскую» церковь. Соединенные воедино, Идеальная Россия Мусоргского и «Вселенская» церковь Соловьёва обозначат контуры будущей русской государственности, в которой претворится многовековой религиозно-социальный опыт русского народа.

Писатель Дмитрий Мережковский называет Толстого «тайновидцем плоти», а Достоевского – «тайновидцем духа». Объединив оба понятия Мережковского, лучше поймем концепцию оперного творчества Мусоргского. Изображая Реальную Россию с точки зрения ее исторической «плоти», композитор обнаруживает содержащиеся в ней скрытые духовные силы, которые выносят на поверхность образ Идеальной России. Следовательно, идейную подоснову оперного творчества образуют три облика России: Сущностной, Реальной и Идеальной.

МЕЖДУ РАЕМ И АДОМ

Пётр Ильич Чайковский (1840-1893) — русский композитор, педагог, дирижер, музыкальный критик. Автор 7 симфоний, 10 опер, 3 балетов, камерно-инструментальных произведений и романсов.

 Вступление

Пётр Ильич Чайковский – звезда любви, сияющая над бурным океаном жизни.

1. Мелодии

Бессмертные мелодии Петра Ильича Чайковского – дар Неба.

Ни у кого из композиторов нет столько прекрасных мелодий, как у Чайковского.

Чайковский покоряет слушателей изумительными по красоте мелодиями.

Проникновенные мелодии Чайковского волнуют всякого, у кого есть сердце.

Мелодии Чайковского отличаются доверительным тоном и душевностью.

Музыка Чайковского всецело опирается на выразительную мелодию.

Чайковский – слуга и господин яркой мелодии.

2. Лирика

Пётр Ильич Чайковский – плоть от плоти лирик.

Лирические мелодии Чайковского выражают печаль по несбывшейся любви.

Лирический тон музыки Чайковского раскрывает состояние человека, которому грезится счастье.

Чайковский – композитор любовных страстей, нежности и ласки.

У поклонников Чайковского вызывает сердечный трепет его сладостная, наполненная вожделением лирика.

О благодатном, солнечном крае, о счастье и любовных томлениях повествует Секстет «Воспоминания о Флоренции» Чайковского, написанный за год до его смерти. Любовь не оставляет композитора до последних дней жизни!

 
3. Трагедийность

Пётр Ильич Чайковский – меланхолик, столкнувшийся с роковыми обстоятельствами жизни.

На вдохновенную музыку Чайковского падает тень неумолимого рока!

Рок ставит печать трагедийности на музыку Чайковского!

Чайковский принадлежит к тем редким композиторам, чей драматизм сотрясает вселенную.

4. Природа

Лирика Петра Ильича Чайковского неотделима от скромной русской природы.

Ширь полей, стоящий вдали задумчивый лес, звон колокольчиков несущейся тройки по заснеженной степи – вот что созерцает Чайковский в лирико-пейзажной музыке.

5. Корни творчества

Пётр Ильич Чайковский – гений трех народов: русского, украинского, французского.

Творчество Чайковского – это своего рода интонационный словарь европейской музыки!

Многонациональные корни творчества Чайковского определяют неповторимый характер его музыки.

Выходит так, что самые великие русские композиторы-мелодисты Чайковский и Бородин не являются чисто русскими людьми: в жилах Чайковского помимо русской крови течет украинская и французская кровь, у Бородина – грузинская.

Истоки мелодизма Чайковского надо искать в музыке Антона Григорьевича Рубинштейна, учителя гениального композитора.

Как из поэзии Василия Жуковского вырастает Пушкин, точно так же из музыки Антона Рубинштейна – Чайковский.

Рубинштейн опирается на гармонию, Чайковский – на мелодию. Это, конечно, не означает, что Рубинштейн – не лирик, а Чайковский – не строитель музыкальной формы. Важно то, что между учителем и учеником существует преемственная связь!

Нельзя недооценивать влияния на лирику Чайковского таких композиторов, как Михаил Глинка, Александр Даргомыжский, Антон Рубинштейн, Карл Давыдов, Эдуард Направник.

6. Черты стиля

Пётр Ильич Чайковский – музыкальный гений и гений трудолюбия. Спрашивается: что важнее для композитора?

На крыльях вдохновения Чайковский уносится в Небесные дали, чтобы наедине беседовать с вездесущим Богом.

Музыка Чайковского разностильная: фольклорная и светская. Используя народные песни, Чайковский достигает вершин композиторского мастерства. Однако лучшими его опусами оказываются светские произведения: увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», Пятая и Шестая симфонии. Такие же процессы наблюдаем и в оперном жанре Чайковского: самыми удачными операми принято считать «Евгения Онегина», «Пиковую даму», «Иоланту».

В произведениях Чайковского есть две тенденции: когда он подражает образцам других композиторов и когда творчески переосмысливает их музыку.

Тех композиторов, которых Чайковский не может превзойти, он либо горячо любит, как Вольфганга Моцарта, либо столь же горячо отвергает, как Рихарда Вагнера и Иоганнеса Брамса.

Прежде чем стать гением, Чайковский пишет немало музыки для официальных праздников и торжеств. Благодаря этому он приобретает необходимые капельмейстерские навыки.

Чайковский – гений, музыка которого имеет недостатки и просчеты.

7. Писатели и художники

Музыка Петра Ильича Чайковского представляет собой страстную исповедь человека, душа которого мечется между дантеским адом и раем!

Чайковский и Франческо Петрарка любят недоступную им идеальную женщину. В силу этого инструментальные пьесы Чайковского и сонеты Петрарки исключительно эмоциональны и возвышенны.

Чайковский живет скрытно и умирает при загадочных обстоятельствах. Над ним витает гамлетовская тень безысходности и близкого конца жизни.

Литература Уильяма Шекспира и Александра Пушкина поднимает талант Чайковского до высочайшего уровня. И происходит это уже в молодые годы композитора, т.е. до 35 летнего возраста.

Свои лучшие оперы «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» Чайковский пишет на тексты Пушкина. Это закономерно.

К созданию балета «Щелкунчик» имеют отношение три великих художника: Чайковский, Эрнст Гофман, Александр Дюма-сын (французский писатель перерабатывает сказку Гофмана, на которую Чайковский сочиняет музыку).

 Пётр Чайковский, Исаак Левитан, Антон Чехов – проникновенные лирики с трагической судьбой. По чьей воле Чайковский внезапно умирает в 53 года? Почему Левитан и Чехов живут до обидного мало? Не оттого ли, что все они слишком остро реагируют на вызовы времени?

Чайковский – это врубелевский «демон поверженный», упавший на горные скалы. Трагизм жизни Врубеля вполне сопоставим с драмой жизни Чайковского.

В жилах композитора-гея Чайковского и поэта-гея Михаила Кузмина течет французская кровь. Перед нами тонкие и богато одаренные натуры: как известно, Чайковский кроме музыки пишет стихи, а Кузмин помимо стихов – музыку.

Повышенной эмоциональностью отличается музыка Чайковского и поэзия Федерико Гарсиа Лорки: видимо, в груди этих гомосексуалистов обитает трепетное женское сердце!

Только гении поднимаются из ада содомии к Божественным высотам: вспомните судьбу Чайковского и Марселя Пруста.

8. Композиторы

Гениальная музыка Петра Ильича Чайковского немыслима без вокально-симфонического драматизма Луиджи Керубини.

Высшее качество искусства для Чайковского – аристократическая изысканность Вольфганга Амадея Моцарта. Не случайно Чайковский преклоняется перед его музыкой!

Музыке Моцарта и Чайковского характерна одна общая черта: женственность.

Понимание балета как симфонии возникает у Чайковского после Людвига ван Бетховена. Время покажет, плохо это или хорошо!

Интонационные истоки лирики Чайковского надо искать в музыке Андре Гретри, Адольфа Адана, Гектора Берлиоза, Эдуара Лало, Шарля Гуно, Жоржа Бизе, Лео Делиба, а также у других французов (ведь в жилах Чайковского течет тоже французская кровь!)

Музыка Чайковского уступает глинковской музыке в изысканности и тонкости выражения чувств.

Михаил Глинка и Роберт Шуман – вот главные мастера вокальной лирики, на которых опирается Чайковский. От Глинки он берет красивую мелодию, от Шумана – психологическую тонкость образа.

В отличие от интимных, салонных вальсов Фредерика Шопена, Чайковский создает развернутые концертно-симфонические вальсы.

Несомненно влияние симфонизма Ференца Листа на творчество Чайковского, особенно, в претворении гётеской и шекспировской темы.

Музыка Рихарда Вагнера – духовна, Чайковского – душевна. Это происходит в силу того, что Вагнер обращен к Баху, Чайковский – к Моцарту.

Чайковский и Людвиг Минкус – два современника, два мастера балета: автор «Лебединого озера» симфонизирует и драматизирует балет, автор «Корсара» пишет по-скрипичному легкую, светлую балетную музыку. И оба правы!

 Чайковский перевоплощает замечательный григовский фортепианный концерт в своем знаменитом Первом концерте для фортепиано с оркестром!

Чайковский обобщает композиторский опыт прошлого лаконичным музыкальным языком, Густав Малер – музыкальным многословием. Кто из них избирает верный путь?

Мятежный дух музыки Чайковского передается музыке Александра Скрябина, но с той разницей, что порывы Чайковского – всецело земные, Скрябина – вселенские. Подобное разделение наблюдаем и в живописи. Сравните картины реалистов Ивана Крамского и Ильи Репина с картинами экспрессионистов Михаила Врубеля и Марка Шагала.

Музыка Чайковского – это летнее цветение природы, Сергея Рахманинова – задумчивая осенняя пора.

Чайковский предпочитает лирику, Рахманинов – элегию.

Есть разные типы композиторов: одни из оригинальных мелодий создают выдающиеся произведения (Пётр Чайковский, Сергей Прокофьев), другие из банальных (Густав Малер, Дмитрий Шостакович). Какого рода гениальность целостнее, органичнее? Судите сами!..

9. Смерть

Светлый образ Христа и мрачная тень Гамлета соединяются в душе Петра Ильича Чайковского в некую субстанцию надежды и отчаяния, вечной жизни и близкой смерти. Эти эмоции с огромной выразительной силой он воплощает в скорбной Шестой симфонии.

Трагедийность музыки Чайковского обуславливается присутствием в его жизни рока, толкающего композитора на проклятую содомию. Каждую минуту Чайковский страшится огласки ужасной «тайны». Он постоянно живет на грани нервного срыва. Не потому ли Чайковский так рано уходит из жизни?
Заключение

Если Россия исчезнет с лица земли, то русская культура останется в памяти людей благодаря восхитительной музыке Петра Ильича Чайковского!

НАЦИОНАЛЬНЫЙ КОМПОЗИТОР

Антонин Дворжак (1841-1904) — чешский композитор, органист, альтист, скрипач, пианист, дирижер, педагог, представитель романтизма.

Антонин Дворжак – чешский национальный композитор с мировым именем.

У Дворжака славянская душа и европейский ум.

Симфонизм Дворжака зачастую ограничивается рамками чешского национального мелоса, в чем преимущество композитора и одновременно его недостаток. Если Моцарт народную мелодику поднимает до общечеловеческого содержания, то Дворжаку не всегда это удается.

Дворжак – чешский Бетховен в симфонической музыке.

В симфонии Дворжак – скорее конструктивист, чем мелодист, скорее Бетховен или Брамс, нежели Чайковский.

Музыка Дворжака – приветливая, симпатичная дама. Благодаря душевной мягкости произведения чешского мастера отличаются трогательной лирикой, столь характерной для Грига и Чайковского.

Дворжаку свойственен мотивный симфонизм, Чайковскому – мелодический. Дворжак мыслит широко и объективно, Чайковский – глубоко и субъективно. В Девятой симфонии («Из Нового света») Дворжака слышатся пляски негров, колыбельная матери, шумный народный праздник. В ней композитор использует мотивы и ритмы американского фольклора. Шестая симфония Чайковского – это бесконечная скорбь человека, прощающегося с жизнью.

ЭЛЕГИЯ ЛЮБВИ

Жюль Массне (1842-1912) — французский композитор, автор более 30 опер. Массне также писал оратории, балеты, произведения для оркестра, музыку к спектаклям, фортепианные пьесы, песни.

Жюль Массне очаровывает нежными элегиями любви.

Массне – композитор лирических откровений.

Массне – автор нежной любовной лирики.

Современники называют Массне «поэтом женской души».

Массне – композитор интимных чувств, сладостных грез о любви и счастье.

В тревожной лирике Массне раскрываются вертеровские муки любви и порывы страсти.

Удивительно прекрасна и нежна лирика Массне. Это голос некогда любившего сердца.

Лирика Массне пробуждает воспоминания о минувшем счастье.

Одухотворенная лирика Массне столь же очаровательна, как знаменитая песня Франца Шуберта «Аве Мария».

НОРВЕЖСКИЙ СКАЗОЧНИК

Эдвард Григ (1843-1907) — норвежский композитор, пианист, дирижер, общественно-музыкальный деятель. Творчество Грига формировалось под воздействием норвежской народной культуры.

1. Лирика

Эдвард Григ – сказочник Андерсен в норвежской музыке!

Главное свойство музыки Грига – сердечность.

В лирической музыке Григ любуется красотой северной природы.

Лирику Грига наполняют чистый воздух и высокое небо.

Лирика Грига дышит морскими просторами.

Музыка Грига рисует норвежские пейзажи: озера, долины, горные пещеры, населенные фантастическими троллями и эльфами. Григ повествует об удивительной стране, где живут люди с благородной душой и любовью в сердце.

Григу, как никакому другому композитору ведомо могущество и власть природы над человеком.

2. Имена
 
Григ погружается в такое спокойное и глубокое созерцание мира, какое известно только Людвигу ван Бетховену.

Григ – человек маленького роста, но в музыке он обладает поистине бетховенской мощью духа!

Лирические откровения Грига своей искренностью и сердечностью не уступают бессмертным мелодиям Франца Шуберта, Феликса Мендельсона-Бартольди, Фредерика Шопена.

В 25 лет Григ пишет знаменитый Фортепианный концерт, который становится прообразом не менее знаменитого Первого фортепианного концерта Петра Ильича Чайковского.

Чем отличается музыка Грига от музыки Чайковского? Григовская лирика – чистая, прозрачная, как бьющий из-под земли родник, лирика Чайковского – свежая, душистая, как только что распустившаяся сирень.

Григ и его русский собрат по музыке Николай Андреевич Римский-Корсаков обращаются к народным истокам, воспевают красоту родной природы. Да и живут они почти в одно и то же время и умирают в 64 года.

ГУСЛЯР САДКО

Николай Римский-Корсаков (1844-1908) — русский композитор, педагог, дирижер, критик, музыкально-общественный деятель, участник «Могучей кучки»

1. Педагогика

У Милия Алексеевича Балакирева и Николая Андреевича Римского-Корсакова разные педагогические системы. Балакирев считает, что если молодой композитор перестает сочинять музыку, его все-таки нужно приобщать к творчеству, по мнению Римского-Корсакова, если воспитанник бросает писать музыку, его надо оставить в покое. Балакирев в педагогике – идеалист, Римский-Корсаков – прагматик. Поэтому у них разные результаты в преподавании композиции: глава «Могучей кучки» воспитывает гениальных Бородина и Мусоргского, профессор Петербургской консерватории – талантливых Лядова, Аренского, Глазунова, Стравинского (двух последних – на дому).

Из четырех талантливых учеников Римского-Корсакова трое оказываются бражниками и ленивцами.

Не избежать педантизма тому преподавателю композиции, который прямолинеен в оценках художественных произведений! Это всецело относится к Римскому-Корсакову. Из его класса выходят десятки, если не сотни уменьшенных «корсаковых»!

2. Композитор-ремесленник

Находясь в огромном храме музыки, Николай Римский-Корсаков испытывает известную робость. Он преодолевает ее трудом и настойчивостью.

Римский-Корсаков, в отличие от многих других композиторов, не расслабляется, не «бабится» в творческой работе, напротив, трудится как пчелка, неся в музыкальную сокровищницу мудрость русских сказок и былин.

Римский-Корсаков – талантливый композитор-ремесленник, чья музыка приближается к черте гениальности.

Нельзя сделать из себя гениального композитора, благодаря труду. Усилия Римского-Корсакова создать произведение мирового уровня остаются тщетными. Автор «Снегурочки» - первостепенный талант, но не гений.

3. Изобразительность в музыке

Николай Римский-Корсаков наделен редкой способностью музыкального звукоподражания. Кроме того, он обладает уникальным цветным слухом.

Оркестровая красочность бывает естественной и декоративной: такое различие характерно для музыки Римского-Корсакова и его ученика Игоря Стравинского.

Василий Поленов – музыкант в живописи, Римский-Корсаков – живописец в музыке. Если у Поленова учится великий лирик Исаак Левитан, то у Римского-Корсакова – великий колорист Игорь Стравинский.

Ивана Шишкина называют «лесным» художником, Ивана Айвазовского - «морским» живописцем. Римский-Корсаков – и Шишкин, и Айвазовский в музыке.

Русская природа в музыке Римского-Корсакова и литературе Михаила Пришвина – живая, одухотворенная, сияющая всеми земными и небесными красками.

4. Русская сказка

 Николай Римский-Корсаков – волшебник-сказочник в музыке.

Снегурочка – это быстро тающая любовь, Кощей Бессмертный – неискоренимый эгоизм. Именно на противопоставлении этих начал строится философия музыкальных сказок Римского-Корсакова.

В царстве русского искусства живут три сказочных Берендея – композитор Римский-Корсаков, художник Васнецов, писатель Пришвин.

5. Восточные мотивы

Симфоническая поэма «Шехеразада» Николая Римского-Корсакова по-восточному яркая, красочная, пленительная.

Экзотическая музыка Римского-Корсакова служит опорой для творчества Арама Хачатуряна и Кара Караева. Не будет преувеличением сказать, что Римский-Корсаков – отец профессиональной музыки народов русского Востока.

6. Творчество

Николай Римский-Корсаков – гусляр Садко в музыке.

Римский-Корсаков – Золотой петушок в общественной жизни.

Беря за основу народную песню, Римский-Корсаков играет роль интонационного санитара в профессиональной музыке!

Римский-Корсаков – выразитель заповедных дум и чаяний русского народа.

В лице Римского-Корсакова опера имеет успешного композитора при жизни и во многом забытого после смерти. Ему удаются оперы на сюжеты русских сказок и былин («Снегурочка», «Садко»), и не всегда убедительны у него оперы на историческую тему («Псковитянка», «Вера Шелога», «Царская невеста»). При этом терпят крах его оперы на европейскую тему («Сервилия», «Пан Воевода»).

Сочиняя романтическую оперу «Пан Воевода», посвященную Фредерику Шопену, Римский-Корсаков оставляет привычную для себя область русской народной песни. Без имитации фольклора он не в состоянии написать что-либо серьезное.

Операм Римского-Корсакова недостает главного: мелодичности!

Романсам Римского-Корсакова не хватает пространства, воздуха, в них нет свободного мелодического дыхания.

Самобытность музыки Римского-Корсакова и Мануэля де Фальи носит пассивный характер в силу того, что эти композиторы безраздельно отдаются фольклорному материалу. Пользуясь народной мелодикой в качестве первоосновы для творчества, они попадают в зависимость народно-прикладного искусства.

ГОРЯЧЕЕ СЕРДЦЕ ПАТРИОТА

Леош Яначек (1854-1928) — чешский композитор, хорист, органист, музыковед-этнограф, педагог. Один из крупнейших представителей чешской национальной музыки.

 Музыка Леоша Яначека отличается ярко выраженным национальным колоритом.

Яначек – выходец из народа, поэтому он живет и творит для народа!

Музыку Яначека согревает горячее сердце чеха-патриота.

Музыку Яначека облагораживает славянский мелодизм.

Музыка Яначека выделяется душевной напевностью.

Яначек вносит светлую и теплую струю тональной музыки в атональный экспрессионизм XX века.

ВОЛШЕБНИК ОРКЕСТРА

Анатолий Лядов (1855-1914) — русский композитор, пианист, скрипач, дирижер, фольклорист, педагог, член Беляевского кружка.

Анатолий Лядов смотрит на мир глазами мудрого сказочника.

В обработках русских народных песен Лядов прост и непритязателен.

Стилистически чистая музыка Лядова ограничивается русскими сказками и народными песнями. Это рафинированная народность.

Парадокс музыки Лядова состоит в том, что она по духу – народная, по форме – элитарная.

Лядов – мастер красочной оркестровой миниатюры.

Оркестровый «сказочник» Лядов следует за учителем и другом Николаем Андреевичем Римским-Корсаковым.

Свежую музыку Лядова развивает его ученик Сергей Прокофьев.

Несомненна творческая преемственность между Римским-Корсаковым, Лядовым и Прокофьевым.

Как бы Лядов не отрицал музыку Клода Дебюсси и Александра Скрябина, в его оркестровых произведениях то и дело проглядывают элементы музыкального импрессионизма и символизма.

ЧЕРНАЯ РОЗА ЛЮБВИ

Джакомо Пуччини (1858-1924) — итальянский композитор, органист, хормейстер, один из ярких представителей веризма в музыке.

Основная тема опер Джакомо Пуччини – трагическая любовь женщины.

В операх Пуччини бурные эмоции захватывают в свой водоворот розу любви.

Оперы Пуччини погружают зрителей в лирико-драматическую стихию, которая всецело овладевает их чувствами.

 Пуччини гипертрофирует простых, ничем не примечательных людей, доводя их эмоции до предельной экспрессии.

Оперная музыка Пуччини обжигает страстями.

В операх Пуччини клокочут страсти, но торжествует любовь.

В операх Пуччини действуют благородные, способные на самоотверженную любовь персонажи. Им сопутствует тревожная, нервная, мрачная атмосфера.

Джузеппе Верди сочиняет оперы, Пуччини – музыкальные драмы. Оперные арии Верди напевает простой народ, арии Пуччини нелегко спеть даже музыканту-профессионалу.

Любовь и страсти в операх Пуччини имеют оттенок мопассановской эротики.

Пуччини – Ги де Мопассан в музыке. Композитор и писатель отлично знают психологию женщин.

Музыкальный экспрессионизм Пуччини – вокальный, Эйтора Вилла-Лобоса – инструментальный. Тем не менее, оперы обоих композиторов – замечательные сценические произведения.

ПОДЛИННАЯ ИСПАНИЯ

Исаак Альбенис (1860-1909) — испанский композитор, пианист, один из основоположников испанской национальной музыкальной школы.

Имя Исаака Альбениса – символ Испании.

Альбенис велик тем, что открывает подлинную Испанию, освобождая ее образ от ложной стилизации: ослепительных красок, темпераментных танцев, страстной любви и серенад под балконом избранницы.

Фортепианная и оркестровая музыка Альбениса – это живописный путеводитель по испанским провинциям.

Сарсуэлы Альбениса замечательны не только испанской экзотикой, они погружают в стихию лирических эмоций.

Есть некоторые черты сходства между творчеством Альбениса и Фредерика Шопена: музыка этих композиторов отличается ярким национальным колоритом и салонной изысканностью.

ТРАГЕДИЙНЫЙ СИМФОНИЗМ

Густав Малер (1860-1911) — австрийский композитор, пианист, оперный и симфонический дирижер.

1. Романтизм

Позднеромантическая лирика композитора Густава Малера, поэта Райнера Марии Рильке, писателя Стефана Цвейга – это уникальное австрийское явление!

В симфониях Малера присутствует тревожная лирика и неодолимый порыв к счастью.

В симфониях Малера сквозь всеобъемлющее созерцание мира проступает трагизм бытия.

В симфонической музыке Малера преобладает гетерефонно-пространственное мышление, хотя по большей части интуитивное.

2. Богатство оркестра

Чтобы воплотить в музыке вселенскую трагедию и величие человеческого духа, Густав Малер создает беспрецедентные по масштабу симфонии.

Малеру доступно все многообразие жизни – от невесомой солнечной паутинки до вселенской катастрофы!

Мятежный дух стремится к безмятежному покою, к полному и завершенному катарсису – таковы великие творения Малера.

Симфонии Малера – это грандиозный театр оркестровых тембров и красок.

В симфониях Малер разбрасывает райские цветы по долинам ада.

3. Образ великой империи

Трагедийные симфонии Густава Малера воплощают закат Священной римской империи!

В симфонических полотнах Малера отображается Великая империя, стоящая на краю гибели.

В музыкальном сознании Малера Австрийская держава распадается на части. Композитору остается одно: испытывать ностальгию по славному прошлому родины.

В последних симфониях Малер подобен садовнику-цветоводу: он выращивает прекрасные розы, опасаясь, что зимняя стужа ворвется в оранжерею и погубит нежные растения. Он полон трагических предчувствий…

Симфонии Малера – это горное путешествие: чаруют взор альпийские луга, снежные вершины, красочные сельские праздники, слышны пастушеские рожки, охотничьи горны, старожилы вспоминают о славных былых походах, о доблести воинов, победах и поражениях. Да, теперь для австрийской империи наступили не лучшие времена.

Шестая симфония Малера пробуждает следующий ряд образных ассоциаций: неумолимый ход истории, умиротворенный покой наедине с природой, смерть героя. Великий композитор ощущает холод приближающейся мировой войны.

4. В содружестве имен

Густав Малер – опытный лоцман в океане бетховенского симфонизма.

Малер переосмысливает музыку Людвига ван Бетховена в трагедийном духе.

Малер в совершенстве владеет искусством оркестрового письма. В этом отношении он сопоставим с Рихардом Вагнером.

Творчество Малера – это симфонический вариант оперной тетралогии «Кольцо Нибелунга» Вагнера.

В момент вселенской катастрофы, когда внезапно обрывается оркестровое тутти, особенно нежны и ласковы скрипки. Это характерно для симфонических произведений Малера и Александра Скрябина.

Симфонии Малера представляют собой развернутые музыкальные полотна с чеховско-гансуновским потоком сознания: их пространство заполняет тонкий аромат весеннего сада, таинственный шелест ночной природы.
 
САЛОННЫЙ КОМПОЗИТОР

Антоний (Антон) Аренский (1861-1906) — русский композитор, пианист, дирижер, педагог.

1. Эпикуреец

У Антония Аренского по-домашнему уютная и теплая музыка. Она располагает к доверительной беседе.

Музыка Аренского отличается мелодической сердечностью.

Чарующая сказочность музыки Аренского умиляет и радует душу.

Музыка Аренского тепла и светла, несет блаженный покой и негу – ту, которую испытывает всякое живое существо, пригревшись на солнышке.

Аренский – композитор-эпикуреец. Его музыка проста, ясна, красива, по-детски непосредственна. Она привлекает глаз белыми ромашками на лугу, игрой солнечных зайчиков в воде. От нее исходит аромат зрелых плодов, рождается праздничное настроение, которое обыкновенно люди испытывают после сбора урожая. Аренский запечатлевает красоту и радость земного бытия. Ему принадлежит такое же место в русской музыке, как Ивану Никитину, Ивану Сурикову, Константину Фофанову в поэзии.

Черты гедонистической безмятежности присутствуют в музыке Аренского, Анатолия Лядова, Александра Глазунова. Подобное настроение встречаем в живописи Константина Коровина, Александра Головина, Валентина Серова. Нередко на их полотнах мы встречаем погожие дни бабьего лета.

Тепло музыки Аренского передается жаркому Рейнгольду Глиэру, от Глиэра к знойному Араму Хачатуряну. Налицо художественная преемственность между этими жизнелюбивыми композиторами.

2. Лирика

Антоний Аренский – салонный лирик.

Аренский – лирический Фредерик Шопен, только в отличие от него – светлый, теплый, блаженный.

Аренский – частично состоявшийся Шопен, хотя у этих композиторов-неврастеников разные итоги жизни: Шопен создает сотни очаровательных мелодий, Аренский – всего лишь несколько!

Аренский – лирик, согретый солнечными лучами, русский Камиль Сен-Санс. Однако Аренский живет в два раза меньше, чем его французский коллега.

В произведениях Аренского – спокойная лирика, в музыке его ученика Сергея Рахманинова – порывистая. Аренский – безмятежный, Рахманинов – тревожный.

Фортепианным произведениям Аренского характерны изысканное изящество и виртуозный блеск, впоследствии унаследованные Рахманиновым.

3. Эпос

Антоний Аренский, Василий Калинников, Александр Глазунов, Сергей Рахманинов создают новый музыкальный язык, основанный на совмещении русской народной песни и городского романса, на сплаве мелодизма Мусоргского и Чайковского.

Эпической широтой и светлым мировосприятием Аренский близко подступает к музыке Александра Бородина.

В эпико-былинных произведениях Аренского присутствует беспокойное прошлое Руси. Тем не менее, его воображение рисует светлое будущее России.

Фантазия для фортепиано с оркестром «на темы Рябинина» Аренского предвосхищает многие черты взволнованной музыки Рахманинова.

 Эпико-лирическую, равно как и лирико-эпическую музыку Аренского следует относить к стилю романтического реализма.

4. Красота

Антоний Аренский – учитель Александра Скрябина, Архип Куинджи – Николая Рериха. Все четверо обращают взоры к высшей, Божественной красоте.

Вместе с музыкой Аренского и живописью Зинаиды Серебряковой поклонники изящного искусства переносятся в мир волшебной красоты и счастливого детства.

ПЕЙЗАЖНО-ПЛЕНЕРНАЯ МУЗЫКА

Клод Дебюсси (1862-1918) — французский композитор, органист, пианист, дирижер. Ведущий представитель музыкального импрессионизма.

 
1. Формула импрессионизма

Импрессионизм Клода Дебюсси – это неразделимое триединство звука, краски, слова.

В импрессионистической музыке Дебюсси отображается природа и впечатление от природы. Следовательно, его музыка состоит из двух составных частей: объективного мира и субъективного отношения к миру.

2. Изобразительность

 Клод Дебюсси – мирно настроенный пантеист. Он всецело растворяется в природе, испытывает радость от полного слияния с нею.

Дебюсси находится в сакральной близости с природой.

В музыке Дебюсси тихое созерцание природы неожиданно прерывает взрыв эмоций.

Музыка Дебюсси многозначительна. Она дает слушателям простор для фантазии и воображения.

Дебюсси – композитор лунного света.

Дебюсси запечатлевает в музыке волшебство лунного света с одухотворенной поэтичностью.

Дебюсси, любуясь красотой природы, ищет ее тайный смысл.

3. Красочность

Клод Дебюсси – гений пейзажно-пленерной музыки.

Дебюсси обогащает музыку широкой палитрой красок. Его произведения исключительно колоритны.

Дебюсси – непревзойденный мастер акварели и вдохновенный поэт в музыкальном искусстве.

Дебюсси «видит» природу глазами и охватывает ее всем своим поэтическим существом.

Дебюсси создает изысканную, деликатную красоту в музыке.

Дебюсси – композитор пейзажной звукописи с тончайшими оттенками красок. Особенно наглядно это проявляется в опере «Пеллеас и Мелизанда».

Дебюсси пишет романсы для артистичной аудитории, представителем которой он является.

Дебюсси наряжает симфоническую музыку в роскошные оркестровые убранства.

Фортепианная музыка Дебюсси светится перламутровой чистотой.

Изобразительность музыки Дебюсси глянцевая, китайско-японская.

4. Стиль

Среди композиторов Клод Дебюсси – белая кость, аристократ духа.

Музыка Дебюсси, словно родниковая вода, омывает душу.

Фортепианный Дебюсси притягивает к себе созерцательной лирикой. Она отличается ангельским целомудрием.

Фантазия Дебюсси несется на крыльях впечатлений о природе и воспоминаний о былом счастье.

Неповторима оркестровая музыка Дебюсси: интеллект композитора строит ажурные звуковые конструкции, наполненные воздухом и пространством.

Тихая задумчивость определяет интимный характер музыки Дебюсси.

Особенно выразительна меланхолическая лирика Дебюсси.

5. Композиторы и живописцы

 Клод Дебюсси – Куперен и Рамо, живущий на рубеже XIX-XX веков!

Дебюсси восхищается салонной музыкой Шопена.

Отдаем ли мы себе отчет, сколько одухотворенной шопеновской лирики присутствует в фортепианных пьесах Дебюсси? Чувствуем ли мы в них шопеновскую красоту, изысканность, нежность, благородство и рыцарскую преданность женщине?

Дебюсси – живописец в музыке, Клод Моне – композитор в живописи. Каждый из них стремится к синтезу искусств.

Дебюсси и Морис Равель взирают на храм природы с восхищением!

Море Дебюсси – прозрачное, акварельное, Равеля – яркое, живописное.

Импрессионизм Дебюсси – утренний, Равеля – дневной, Респиги – вечерний. После них наступает экспрессионизм ночных видений Рихарда Штрауса.

БЮРГЕР С РОМАНТИЧЕСКОЙ ДУШОЙ

Рихард Штраус (1864-1949) — немецкий композитор, пианист, скрипач, дирижер эпохи позднего романтизма, представитель немецкого экспрессионизма.

1. Образы

Характер музыки Рихарда Штрауса определяет ряд типичных образов: стремительные горные ручьи и цветущие долины; бесовское сладострастие и возвышенная любовь; густая ночная мгла и бледный рассвет.

2. Стиль

Слушая музыку Рихарда Штрауса, кажется, что его ладья попадает в стремнину экспрессионизма.

У романтика Роберта Шумана мысль и чувство находятся в полном согласии, у позднего романтика Штрауса мысль наблюдает за чувством отстраненно.

Штраус, подобно Шуману и Вагнеру, предстает в одежде экспрессивного романтизма.

Музыкальный стиль Штрауса совмещает в себе монументальный эпос Вагнера и камерную лирику Шумана. В результате рождается самобытная штраусовская музыка.

Вагнер в музыке – сумеречный, Штраус – ночной. Тени сгущаются, после чего на землю ниспадает глухая тьма.

Штраус – укротитель неистового малеровского духа.

В музыке Штрауса происходит слияние двух видов романтизма: зрелого и позднего, Вагнера и Малера.

Стиль музыки Штрауса особый: это романтический экспрессионизм.

3. Творчество

В симфонической музыке Рихард Штраус простирает взор от сервантеского Дон Кихота до ницшеанского Заратустры.

Штраус – триумфатор в симфонической музыке, хотя пользуется значительным успехом и в оперном жанре.

В опере Штраус совершает крутой поворот от страстной чувственности «Саломеи» к изысканной веселости «Кавалера роз».

Драматизм музыки Штрауса предопределяется жестокой схваткой между сверхчеловеком и человеком, между «белокурой бестией» Ницше и добропорядочным гуманистом.

В одних случаях музыка Штрауса приторно сладкая, в других – мучительно жгучая. И там, и здесь происходит надлом психики!

Мелодии Штрауса, словно инкрустированы драгоценными камнями. Штраус – композитор-ювелир.

Заключение

Рихард Штраус – немецкий бюргер с романтической душой.

ВЕЛИЧАВЫЕ ПЕСНОПЕНИЯ

Александр Гречанинов (1864-1956) — русский композитор, хорист, хормейстер, дирижер, пианист, педагог, музыкальный писатель.

Святая Русь

Александр Гречанинов мысленно обращается к образу Идеальной России.

Религиозная музыка Гречанинова повествует о могучей, доброй, красивой, святой Руси.

Нужно быть композитором-новатором, чтобы представлять на оперной сцене Богоматерь, как это делает Гречанинов в «Сестре Беатрис»!

Наделенный мелодическим талантом, Гречанинов заслуженно пользуется народным признанием.

Величавые духовные песнопения Гречанинова достойным образом завершают русскую классическую музыку.

МУЗЫКА ЗОЛОТОЙ ОСЕНИ

Александр Глазунов (1865-1936) — русский композитор, пианист, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель, член Беляевского кружка.

1. Гедонист

В музыке Александра Глазунова торжествует русский пантеизм.

Глазунов – композитор-гедонист, наслаждающийся всей полнотой жизни.

В осенней музыке Глазунова взор манят рдеющие плоды на деревьях.

Уникален эпико-лирический симфонизм Глазунова: мы словно через легкую пелену видим праздничную, звенящую всеми колокольчиками и колоколами Русь!

 
2. Красочный оркестр

Лучшие страницы творчества Александра Глазунова связаны с красочным оркестром.

После двух Концертных вальсов Глазунов становится чародеем оркестровой музыки!

Богатством красок музыка Глазунова сравнима с театральными декорациями Головина и Коровина.

У осеннего Глазунова есть живописный двойник – Исаак Левитан.

3. Композиторы

На перекрестке дорог русской музыки Александр Глазунов выглядит либо задумчивым Петром Чайковским, либо сказочно-фантастическим Николаем Римским-Корсаковым.

Балеты «Поры года» Глазунова и «Весна священная» Игоря Стравинского далеки друг от друга так, как галантный век от индустриального общества.

Если слушатель почувствует разницу между музыкой золотой осени Глазунова и зимнего ненастья Дмитрия Шостаковича, он будет на верном пути.

Русский по духу и характеру симфонизм Глазунова впоследствии перевоплощается в вокально-хоровую музыку Георгия Свиридова.
 
4. Итог жизни

Сочинив первую симфонию в 16 лет, Александр Глазунов уже к 35 годам достигает зрелости. Творчество любого композитора тоже имеет свои «возрастные периоды».

Иммигрировав на Запад в преклонном возрасте, Глазунов показывает себя посредственным композитором из-за отсутствия оригинальных мыслей. Без родины творчество мелеет.

«ТУОНЕЛЬСКИЙ ЛЕБЕДЬ»

Ян Сибелиус (1865-1957) — финский композитор, органист, пианист, скрипач.

1. Символ

 Символ музыки Яна Сибелиуса – белый гордый лебедь, плывущий по озерной глади.

2. Созерцание

Музыка Яна Сибелиуса приносит душевный покой.

Музыку Сибелиуса окутывает пелена задумчивости.

Музыка Сибелиуса подернута дымкой меланхолии.

Особенно чиста и нежна музыка Сибелиуса, когда душа композитора растворяется в северной первозданной природе.

В музыке Сибелиус созерцает жизнь человека и вечный кругооборот природных сил.

3. Природа

Ян Сибелиус испытывает немой восторг перед красотой целомудренной природы.

Сибелиуса очаровывает суровая финская природа.

Сибелиус охватывает взором всю ширь и мощь мироздания.

Сибелиус погружается в таинства земного и вселенского бытия.

Вдали стоит задумчивый лес, из-за туч появляется солнце, деревья, встрепенувшись, начинают кружиться в медленном танце – вот о чем повествует симфоническая поэма Сибелиуса «Грустный вальс».

 Солнечный зимний пейзаж в музыке Сибелиуса пробуждает в душе бодрость.

4. Мифология

В симфонической музыке Ян Сибелиус выступает в роли сказителя финского народного эпоса.

В эпических произведениях Сибелиус повествует о событиях и подвигах героев финских саг.

Сибелиус раскрывает в поэмах и симфониях мудрость и красоту древних легенд.

Сибелиус воплощает в музыке героическую мощь и трагедийную глубину скандинавской мифологии.

5. Творчество

В творчестве Ян Сибелиус – суровый и мужественный викинг.

Сибелиус – представитель эпико-драматического симфонизма.

В музыке Сибелиуса переплетаются древний эпос с трагической судьбой человека.

Сибелиус – композитор сдержанных, но глубоких эмоций. Он чаще замкнут в самом себе, чем открыт публике.

Сибелиусу свойственно лирико-эпическое повествование и конфликтность событий: в «Любовной» сюите преобладает лирика, Концерте для скрипки с оркестром – драматизм.

Лирика Скрипичного концерта Сибелиуса напряженная, а в танцевальной части – музыка по-испански темпераментная и даже страстная.

Скрипичный концерт Сибелиуса передает страдания человека, гибнущего под ударами грозного рока.

Разнообразие эмоций в музыке Сибелиуса говорит о том, что финский классик – могучая артистическая натура.

Послесловие

Эмоциональный строй музыки Яна Сибелиуса не всегда поднимается до общечеловеческого содержания. Это характерно и для Михаила Глинки. Такова судьба основоположников национальных композиторских школ. Исключение – Эдвард Григ!

 Нельзя отказать Сибелиусу в композиторском темпераменте. Уже в 27 лет он демонстрирует уверенное владение оркестровым письмом в симфонической поэме «Сага». Примерно в таком же возрасте Пётр Ильич Чайковский сочиняет Первую симфонию «Зимние грёзы». Через два года русский композитор создает гениальную Увертюру-фантазию «Ромео и Джульетта», тогда как у Сибелиуса в этом возрасте отсутствует гениальное произведение.

Сибелиус – скрипач-композитор, Пауль Хиндемит – альтист-композитор. Оба уверенно владеют оркестровой техникой письма и оба – масштабные и глубокомысленные художники.

Судьба обрывает творчество Сибелиуса за 30 лет до его кончины. Это ложится трагическим отпечатком на психике автора знаменитого «Туонельского лебедя»!

СВЕТОЗАРНАЯ РОССИЯ

Василий Калинников (1866-1901) — русский композитор, хормейстер, пианист, фаготист, скрипач, дирижер, педагог.

1. Великая Россия

В знаменитой Первой симфонии Василий Калинников создает гимн Великой России.

Музыка Калинникова воплощает Россию в ореоле величия и славы.

Калинников – автор светлой, радостной, торжественной музыки, воспевающей святую Русь.

Калинников отображает в музыке русский праздник, величие, силу и красоту России.

В музыке Калиникова Россия величавая, задумчивая, праздничная, звенящая во все церковные колокола.

2. Светозарная Россия

Главная тема Первой симфоний Василия Калиникова – Россия, устремленная в будущее.

Калинников раскрывает в музыке русскую светозарность.

В музыке Калинникова Россия сияет в ореоле красоты.

Россия Калинникова дышит свободно и радостно.

Калинников прославляет соборную Россию.

3. Златокудрая Россия

Василий Калинников в симфонической музыке запечатлевает теплое, светлое бабье лето.

В музыке Калинникова присутствует осеннее очарование живописи Исаака Левитана.

Калинников, наряду с Александром Глазуновым, воплощает в музыке красоту осенней природы.

4. Русская музыка

Василий Калинников обладает замечательным мелодическим талантом. Его музыка восхищает эпико-лирической красотой.

Музыка Калинникова вбирает в себя эпос Александра Бородина и лирику Петра Чайковского. Вот почему его Первая симфония становится выдающимся произведением искусства.

В лице гениально одаренного Калинникова русская музыка поднимается на небывалую высоту!

Калинников венчает русскую классическую музыку, после чего наступает ее упадок.

5. Имена

 Василием Калинниковым всецело владеет мелодическая стихия. О нем можно говорить, как о русском Франце Шуберте.

Русский характер музыки Калиникова позволяет ставить его рядом с Александром Бородиным и Модестом Мусоргским.

«Русскость» в музыке бывает разной: русско-немецкая – у Петра Чайковского и подлинно русская – у Калинникова.

Взволнованный русский стиль музыки Калинникова и живописи Виктора Васнецова делает их произведения неподражаемыми.

Россия художника Фёдора Васильева застывает в немой скорби. Напротив, бодрая, энергичная Россия Калиникова возносится к Небесам.

Светлая музыка Калинникова близко соприкасается с музыкой Александра Глазунова, при этом в ней отсутствует трагедийность Сергея Рахманинова.

Музыка Калинникова предвосхищает прокофьевскую Россию. Надо сказать, что пролог к «К 1812 году» Калиникова предшествует опере Сергея Прокофьева «Война и мир».

Калинников и Мечислав Карлович – мелодические наследники Чайковского. К сожалению, польский и русский композиторы рано умирают: Калинников – в 34 года от туберкулеза, Карлович – в 32 летнем возрасте гибнет под снежной лавиной в горах.

ПЕРЛАМУТРОВЫЙ ВАЛЬС

Владимир Ребиков (1866-1920) — русский композитор, пианист, педагог, поэт, писатель, музыкальный деятель.

1. Композитор-поэт

Владимир Ребиков – одухотворенный поэт в музыке.

Лирическая музыка Ребикова в высшей степени поэтична.

Музыка Ребикова растворяется в дымке ялтинского пейзажа.

В опере «Ёлка» Ребикова звучит задумчивый, перламутрово-матовый вальс, столь же популярный, как известный вальс Александра Грибоедова.

Изысканный вальс из оперы «Ёлка» Ребикова лишний раз доказывает то, что грохот современного урбанистического города бессилен заглушить тихую, сентиментальную музыку.

Ребиков пишет музыку сердца – такую же трогательную и нежную, как Семён Надсон – задушевные стихи.

2. Новатор в музыке

Владимир Ребиков – композитор-новатор.

Ребиков – меланхолик в интерьере модернизма.

Ребиков – рафинированный модернист с чувствительной душой.

Утонченный Ребиков изобретает гармонии для космической музыки Александра Скрябина.

Новаторы Владимир Ребиков и Эрик Сати – «экстравагантные» композиторы, не имеющие успеха у современников. Их дерзкие натуры никак не вмещаются в консерваторские курсы обучения: Ребикова не принимают в Московскую консерваторию, Сати дважды начинает учиться в Парижской консерватории, пока окончательно не бросает ее.

ПЕВЕЦ ИСПАНИИ

Энрике Гранадос (1867-1916) — испанский композитор, пианист, дирижер, один из наиболее заметных деятелей испанской музыкальной культуры.

Энрике Гранадос – плоть от плоти испанец, чья песенно-танцевальная музыка то неистовствует, то блаженствует в сладостной неге.

Гранадос – нежнейший певец Испании. Ему ли не знать сокровенные тайны любящих сердец!

Оперы Гранадоса заряжают энтузиазмом, трогают светлой лирикой. Его музыка красива и благородна, как сам автор – мужчина-рыцарь по отношению к даме сердца.

В опере «Гойески» Гранадоса через сто лет воскресает красота живописи Франсиско Гойи.

ВЕСТНИК КОСМИЧЕСКОЙ ЭРЫ

Александр Скрябин (1871-1915) — русский композитор, пианист, дирижер, литератор, педагог, представитель символизма в музыке.

1. Вселенная

Александр Скрябин – человек Вселенной.

Скрябин – вестник космической эры.

Дух Скрябина уносится в космос!

Скрябин пишет музыку космических сфер, огненных вихрей, драматической борьбы духа с тьмой. Он освещает Вселенную факелом Прометея.

Художественный метод Скрябина – космический экспрессионизм.

2. Композиторы

В Поэме экстаза и Поэме огня Александр Скрябин воссоздает на новом историческом этапе нежные скрипки и порывы Арканджело Корелли.

Фортепианные произведения Скрябина уникальны по характеру и духу. В них каждый звук свободно дышит и легко взлетает в небо.

Скрябин выходит из порывистого и страстного Ференца Листа: тот и другой погружаются в бурные потоки эмоций и нередко впадают в экстаз чувств.

Корни музыки Скрябина – в Фредерике Шопене, Сергея Рахманинова – в Роберте Шумане.

Рахманинов – земной и небесный, Скрябин – вселенский.

Музыка Скрябина вытекает из Шопена и Вагнера.

Рихард Вагнер – земной мифотворец, Скрябин – вселенский!

В основе музыки Вагнера – энергии эволюции, Скрябина – энергия революции. Современник Вагнера – Отто фон Бисмарк, объединяет Германию, большевик Владимир Ленин после кончины Скрябина – разрушает Россию.

Скрябин – поствагнеровский гений, которому не удается завершить главное произведение жизни – вселенскую мистерию.

В симфониях Антона Брукнера звучат трубы апокалипсиса, Скрябина – надежды!

Музыка Скрябина – это мятежный дух, рвущийся во Вселенную, Николая Черепнина – блаженный покой на земле.

Музыку рано умершего Скрябина продолжают развивать Николай Рославец и Александр Мосолов.

Скрябин – вестник света, Сергей Прокофьев – рыцарь света.

Музыка Скрябина несет вселенский огонь, Эдисона Денисова содержит в себе вселенскую душу.

3. Художники

Композитор Александр Скрябин и скульптор Анна Голубкина отображают революционную эпоху. Разница между ними состоит в другом: Голубкина погружается в трагизм повседневной жизни, Скрябин – показывает вселенские катастрофы!

Скрябин открывает эру абстрактной музыки, Василий Кандинский – беспредметной живописи.

Первыми, кто заполняет вселенские пространства цветными молниями и призывами труб, становятся Кандинский и Скрябин.

Кандинский раскрашивает Вселенную, Скрябин наполняет ее звуками: оба в совершенстве владеют палитрой космического пейзажа.

Творцы искусства понимают, насколько велика сила воздействия художественного синтеза на человека: слово, свет, звук, аромат в их соединении поистине чудодейственны – к этому стремятся Скрябин и Николай Рерих – два гения с широчайшими творческими интересами.

Рерих и Скрябин открывают людям светозарную Вселенную, в которой им в дальнейшем предстоит жить.

4. Писатели

Писатель Александр Сухово-Кобылин и Александр Скрябин, заглядывая в идеальное будущее человечества, не могут создать собственную благополучную семью: суд обвиняет драматурга в убийстве супруги, композитор живет с новой женой, не разведясь с прежней. Их идеалы расходятся с реальной жизнью.

Творчество раннего Скрябина принадлежит к бунинско-купринской эпохе в тех произведениях, когда композитор передает хрупкую лирику, любовный восторг или экспрессию чувств.

Поэт Константин Бальмонт и Скрябин освещают тьму мира пламенным вдохновением.

«К звездам!» - зовет музыка Скрябина и проза Антуана де Сент-Экзюпери.

Скрябин, Рерих, Сент-Экзюпери – гуманисты наступающей космической эры.

5. Философы

Музыка Александра Скрябина и живопись Рериха потрясают величественностью мироздания и созидательной работой вселенского духа. Эти гении претворяют в искусстве теософию Елены Блаватской и антропософию Рудольфа Штейнера.

Кандинский разливает краски по Вселенной, Скрябин оглашает ее трубными звуками: так Вселенная оживает, наполняется человеческим духом. Именно этим деятели искусства вносят существенный вклад в разработку теории «ноосферы» Тейяра де Шардена и Владимира Вернадского.

Скрябин гениально претворяет в музыке русский научно-философский космизм Константина Циолковского и Александра Чижевского.

В музыке Скрябина слышится то, что православный философ Иван Ильин называет «дерзновенным легким полетом» человеческого духа к Богу. Так неожиданно скрябинская музыка получает религиозный оттенок.

Заключение

Музыка Александра Скрябина зовет человечество в прекрасное будущее на Земле и во Вселенной!

НОСТАЛЬГИЯ ПО РОССИИ

Сергей Рахманинов (1873-1943) — русский композитор, пианист, дирижер, педагог. Совмещал в своем творчестве принципы Петербургской и Московской композиторских школ.

1. Образы

Музыка Сергея Рахманинова источает аромат душистой сирени.

Музыка Рахманинова чиста, как белые лилии.

В музыке Рахманинова слышится тихий шепот березы, стоящей у дороги.

Музыку Рахманинова оглашают бубенцы несущейся вдали тройки лошадей.

В музыке Рахманинова присутствует суровый дух староверов.

Музыка Рахманинова очистительна, как святая вода.

Музыка Рахманинова широка и раздольна, как матушка-Русь.

Под сводами неба звучат церковные колокола, в полях слышится задорная русская песня, по оврагам бегут весенние ручейки, оживает вся природа – вот о чем повествует музыка Рахманинова.

2. Личность
 
В груди Сергея Рахманинова бьется беспокойное сердце русского интеллигента.

Рахманинов с молодых лет питает чувство любви и сострадания к людям.

 В момент создания музыки Рахманинов подчиняется интуиции, а не логике.

Нередко в музыке Рахманинова пианист-виртуоз оттесняет на второй план композитора.

Творчество Рахманинова сопровождается кризисами и застоями. Это вполне объяснимо в период заката русской классической музыки.

3. Россия

 В элегической музыке Сергей Рахманинов восхищается красотой и величием России.

Рахманинов глубоко обеспокоен судьбой матушки России.

Рахманинов остро переживает гибель Отчизны.

И духом, и плотью Рахманинов неотделим от родины.

В эмиграции Рахманинов испытывает ностальгию по далекому родному краю.

Во второй половине жизни Рахманинов, физически разлученный с Россией, духовно связан с ней. Его музыка пронизана светлой печалью и робкой надеждой вновь увидеть отчий дом.
 
4. Земля и небо

Музыка Сергея Рахманинова соткана из русской земли и широкого неба над нею.

В музыке Рахманинова печальный голос земли взывает к небу.

Рахманинов пишет музыку весны, водных стихий и небесных просторов!

Небо, опрокинутое на землю, и земля, обращенная к небу, – таково содержание элегических мелодий Рахманинова.

Широко льющиеся мелодии Рахманинова имеют вселенский характер.

5. Лирика

Лирика Сергея Рахманинова одухотворяет мироздание.
 
Лирика Рахманинова неотделима от русской природы.

Задумчивая лирическая мелодия Рахманинова струится, как лунный свет в теплую летнюю ночь.

Лирика Рахманинова проникает в потаенные уголки души.

В лирической музыке Рахманинова мирно сосуществуют тихая меланхолия и волевой ритм.

Лирические откровения Рахманинова внезапно прерываются бурными потоками энергии и протеста.

Рахманинов – всеохватывающий эпико-трагедийный лирик.

6. Имена

У великих композиторов есть произведения, которые являются роковыми для их авторов: таковы Реквием Моцарта, опера «Кармен» Бизе, Шестая симфония Чайковского, Первая симфония Рахманинова. Нет, Рахманинов не умирает рано, он переносит психическое заболевание во цвете лет.

Второй фортепианный концерт Рахманинова – это действительно вдохновенное произведение, несмотря на то, что сквозь его материю проглядывают белые нитки Бетховена, Шопена и Чайковского. Впрочем, иногда эклектика бывает гениальной!

 Нередко гении создают музыку, которую они сами превзойти уже не в состоянии: это «Иван Сусанин» Глинки, «Борис Годунов» Мусоргского, «Евгений Онегин» Чайковского, «Снегурочка» Римского-Корсакова, Второй фортепианный концерт Рахманинова. Надо заметить, что эти шедевры создаются молодыми людьми!

У Фредерика Шопена и Рахманинова – Небесная лирика.

Рахманиновская затаенная грусть рождается не без влияния поэтичной музыки Шопена.

Рахманинов воспринимает от Шопена возвышенные романтические чувства, от Чайковского – глубокую лирику. В результате возникает оригинальный рахманиновский стиль.

Рахманинов – очаровательный цветок в саду Роберта Шумана.

Взволнованный романтический реализм утверждается в творчестве писателя Алексея Константиновича Толстова, живописца Виктора Васнецова, композиторов Антония Аренского, Василия Калинникова, Сергея Рахманинова. По стилю их произведения можно отнести к лирическому эпосу.

Музыке Рахманинова свойственна тончайшая фетовская лирика.

Гении яростны в творчестве. Таковы Модест Мусоргский, Пётр Чайковский, Александр Скрябин. Иное дело – Рахманинов, проявляющий творческую активность только в отдельные периоды жизни. Поэтому о Рахманинове следует говорить, как о гении творческих взлетов и неудач.

Рахманинов – второе дыхание Чайковского.

Таинство музыки Рахманинова состоит в том, что он наряду с роскошной летней порой Чайковского воплощает все времена года: бурную весну, когда звенят ручьи, поют птицы, воздух чист и свеж; задумчивую осеннюю пору, когда хочется созерцать красоту мира! Рахманинов дополняет меланхолическую лирику Чайковского мужественной, волевой мелодикой: пора цветения сменяется порой ненастья и бурь.

Какова роль Чайковского в судьбе Рахманинова? Не становится ли Чайковский роковым человеком для Рахманинова, лермонтовским Печориным? Не встречает ли Рахманинов в лице Чайковского демоническую личность, набрасывающую на молодого автора капкан творческого бессилия? Здесь кроется некая тайна для музыковедов.

Бывает так, что Чайковский сжигает свои произведения. Это говорит о неустойчивой психике гениального композитора. Примерно то же происходит с Рахманиновым, чья творческая судьба оказывается трагической: он не раз бросает писать музыку. Чайковский поступается жизнью ради творчества, Рахманинов – творчеством ради жизни: чья судьба трагичнее – это еще вопрос!

Музыка Чайковского – торжество жизни, Рахманинова – вдохновенный порыв к Небесам, Скрябина – неудержимый взлет в космос. Русские композиторы подобно русским религиозным философам совершают восхождение от земли к небу, от неба – к космосу.

Архип Куинджи перестает выставлять картины в 40 лет, Чайковский уходит из жизни в 53 года, Скрябин умирает в 43-х летнем возрасте, Рахманинов почти не сочиняет музыку после отъезда за границу в 44 года. Жаль, что творческий век этих гениев столь короток!

Меланхолия Рахманинова печальна, спокойна, благородна, возвышенна, светла. Она пленительна как живопись Василия Поленова. Музыку Рахманинова отличает сокровенная, если не сакральная близость к русской природе.

Между Рахманиновым и Роджеро Леонкавалло множество общих точек соприкосновения: «Алеко» и «Паяцы» создаются примерно в одно и то же время, арии этих опер отличаются повышенным эмоциональным тоном, чувства и переживания героев полны страстности и драматизма. Кроме того, оба композитора пишут оперы на пушкинскую поэму «Цыганы».

Исключительно эмоциональную музыку Джакомо Пуччини усиливает сдержанный трагизм. Эти черты свойственны и музыке Рахманинова.

Мелодизм Рахманинова – это синтез целомудренной музыки Аренского и лирико-драматической музыки Чайковского.
 
Теплоту лирического чувства и былинный размах повествования Рахманинов воспринимает от своего учителя Антония Аренского.

В произведениях Аренского гедонистическая лирика, в музыке Рахманинова – импульсивная. Аренский – безмятежный, Рахманинов – тревожный.

Аренский, Калинников, Глазунов, Рахманинов вырабатывают собственный музыкальный язык, в котором достигается органическое единство русской народной песни и городского романса, мелодекламации Мусоргского и мелодизма Чайковского.

Величаво, с затаенной грустью звучит лирика в симфонических полотнах Рахманинова и Яна Сибелиуса, словно два белых лебедя прощаются с родными краями.

Иван Бунин, Валентин Серов, Сергей Рахманинов создают гимн природы средней полосы России. Их задумчивая лирика сменяется взволнованным чувством, духовной устремленностью к чистому образу женщины или родной природы. В их произведениях присутствует прозрачный летний колорит, рассеянный свет, неглубокие тени, зыбкие акварельные краски. Этот мир приятен и радостен. Хочется жить, любить, творить, грезить о счастливых днях. Да, они были раньше, есть и сейчас. Но мечты творцов искусства уносятся в даль неосуществленных желаний. Нежные мелодии Рахманинов пишет для ангелов!

Главная тема лирической прозы Бунина, взволнованной музыки Рахманинова, изысканной живописи Серова – это любовное прощание с Россией, миром возвышенных стремлений, несбывшихся надежд.

Иван Бунин, Александр Бенуа, Сергей Рахманинов – великая троица художников, сохраняющих верность русским классическим традициям в бурном XX веке.

Источник трогательной лирики Рахманинова и Бунина надо искать в пленительной живописи Василия Поленова. В этом несложно убедиться, сопоставив «Бабушкин сад» Поленова (1878) медленную часть Второго концерта для фортепиано с оркестром Рахманинова (1901), рассказ «Тёмные аллеи» Бунина (1943).

Бунин и Рахманинов – певцы лунной ночи. Бунин творит музыкальную поэзию, Рахманинов – поэтическую музыку.

Рахманинов создает музыку красивую, возвышенную, небесную, так сказать, бунинскую, и музыку энергичную, мужественную, земную – купринскую.

Истоки музыки Скрябина – в Шопене, Рахманинова – в Шумане.

Рахманинов в музыке – земной и небесный, Скрябин – космический.

В музыке Рахманинова дышит, волнуется и торжествует жизнь, в скрябинской музыке – дерзкий человек уносится в космос.

Музыка Скрябина – это стремительный взлет в космическое пространство, Рахманинова – глубокая дума о России.

Меланхолическая ностальгия слышится в музыке Николая Черепнина, Николая Метнера и Рахманинова – русских композиторов-эмигрантов первой половины XX века.

Музыка Рахманинова – романтическая, поэзия Александра Блока – символистская. Общее у них то, что они погружаются в магию звука, в магию слова, что красота их искусства носит печальный и таинственный оттенок. Это красота просветленной ночи. Над ними льется лунный свет, сияют яркие звезды, их взоры теряются в млечной туманности.

Поэт Блок, живописец Сомов, композитор Рахманинов воспевают скорбную красоту женщины, в чьем благородном лице сияет небесная чистота и святость.

Рахманинов – как Блок мечтателен, Сергей Прокофьев – как Владимир Маяковский энергичен, Александр Мосолов – как Марина Цветаева первозданен.

В музыке Рахманинова льется лунный свет, музыка Прокофьева – ослепительно солнечная: у одного – свет ночи, у другого – свет дня!

Импульсивный ритм и пленительная лирика позволяют сопоставлять рахманиновскую рапсодию на тему Паганини с «Аранхуэсским концертом» Хоакина Родриго.

Гений создает новое качество, талант видоизменяет старый материал. В правоте этой истины можно убедиться на примере оперы «Алеко», сочиненной молодым Рахманиновым, и оперы «Мёртвые души» маститого Родиона Щедрина. Рахманинов синтезирует музыкальный язык, с одной стороны, Мусоргского и Римского-Корсакова, с другой – Чайковского, в результате чего возникает новый, рахманиновский стиль. «Мёртвые души» Щедрина вбирают в себя характерные черты «Женитьбы» Мусоргского и «Носа» Дмитрия Шостаковича. При этом качественно новой музыки у Щедрина нет.

ПСИХОАНАЛИТИК В МУЗЫКЕ

Арнольд Шёнберг (1874-1951) — австрийский, американский композитор, педагог, музыковед, дирижер, публицист. Крупнейший представитель музыкального экспрессионизма, основоположник новой венской школы, автор таких техник, как додекафония и серийная техника.

 1. Поздний романтизм

С дуба падает желудь, рядом вырастает деревце: это Густав Малер и Арнольд Шёнберг. Какое бы расстояние не было между последним великим романтиком и главой Нововенской школы, у Шёнберга все-таки остается возвышенно-романтическое восприятие мира, он по-прежнему ценит красоту в искусстве.

Из всех модернистов Шёнберг – самый устойчивый романтик.

Музыка неоромантического периода Шёнберга – это бесконечные вагнеровские любовные томления в оркестре.

Шёнберг – композитор таинственной ночи и лунного света.

Эмоции в музыке Шёнберга – это плывущие по ночному небу косматые облака.

Шёнберг пишет музыку сновидений: безмятежных или кошмарных, правдоподобных или фантастических.

В музыке Шёнберга тьму жизни рассекает ослепительная молния любви!

Шёнберг прививает черенок декламации к дереву романтической музыки.

Шёнберг и Дмитрий Шостакович – цветы ночи, цветы страха и отчаяния.

2. экспрессионизм

Зигмунд Фрейд вспахивает почву подсознания, щедро разбрасывая в нее зерна сексуальности. Его многочисленные последователи собирают богатый урожай фрейдизма. Психоаналитиком в музыке выступает Арнольд Шёнберг, чья додекафонная система, однако, не выходит за пределы узкого круга композиторов-специалистов. Массовость и элитарность коренным образом отличают теорию Фрейда от додекафонии Шёнберга.

Шёнберг, словно психоаналитик, внимательно следит за тем, как эмоции блуждают между сознанием и подсознанием.

В музыке Шёнберга присутствуют не эмоции, а призраки эмоций.

Двенадцатитоновая музыка Шёнберга – это звуковая вселенная, сжатая до школьного глобуса!

Фортепианная музыка Шёнберга отображает житье-бытье муравьиного царства. Муравьи снуют взад-вперед по муравьиным законам, звуки композиции Шёнберга подчиняются додекафонной системе.

Серийно-точечная музыка Шёнберга не способна решать мировые проблемы, несмотря на противоположное мнение композитора.

Неужели шёнбергская механическая перестановка звуков достойна внимания серьезных композиторов?

Шёнберг – выдающийся теоретик-новатор.

Шёнберг – двигатель музыки XX века.

Шёнберг в музыке – электромотор, работающий на больших оборотах.

Экспрессивная музыка Шёнберга помещает мятущиеся души в ад, а счастливые – в рай.

Шёнбергу не удается избежать прожектерства. Задумывая масштабные экспрессионистские произведения, он не завершает их. Такова неоконченная опера «Моисей и Аарон»!

У композиторов Новой венской школы на первом месте стоит форма, хотя и с разным отношением к ней: у Шёнберга еще остается опора на содержание, на романтические образы, Альбан Берг устанавливает относительное равновесие между формой и содержанием, Антон Веберн, находясь в сфере формы, более глубоко погружается в нее. Это значит, что Шёнберг, Берг и Веберн активно работают в области формообразования!

Шёнберг выворачивает человеческие потроха наружу – все, что в ней грязное и мерзкое.

Шёнберг – музыкальный Джеймс Джойс, Джойс – литературный Шёнберг.

ЭКЗОТИЧЕСКИЙ ЦВЕТОК

Рейнгольд Глиэр (1874-1956) — русский, украинский композитор, скрипач, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель.

Рейнгольд Глиэр – сладкоголосая заморская птица в русской музыке.

Глиэр – экзотический цветок красоты и счастья в музыке эпохи социализма.

Музыка Глиэра опьяняет светом, красотой, феерией праздника.

Музыка Глиэра выделяется одухотворенными эмоциями и благородными чувствами.

Глиэр – романтик, упоенный счастьем.

Романтическая музыка Глиэра утверждает торжество счастливой жизни на земле.

Культ красоты характерен для Глиэра и живописца Павла Кузнецова.

Музыка Глиэра поднимает алые паруса Александра Грина, чтобы унести слушателей в чудесную страну красоты, благородства и счастья!

ИЗЫСКАННАЯ СТИЛИЗАЦИЯ

 Фриц Крейслер (1875-1962) — австрийский скрипач, композитор.

Утонченный стилист

Фриц Крейслер – волшебник скрипки.

Крейслер – автор очаровательных скрипичных миниатюр.

Крейслер – один из самых изысканных и тонких музыкальных стилистов.

Нельзя не восхищаться стилистическими шедеврами Крейслера!

Музыка Крейслера – это мир возвышенных чувств и благородных стремлений.

Скрипка Крейслера завораживает магией черных и красных роз.

Скрипка Крейслера водопадом обрушивается в долину красоты и счастья.

Скрипичная музыка Крейслера захватывает в плен виртуозными пассажами, стремительными ритмами народных танцев, волнует лирикой, изливающей сладостную негу или уносящей в голубое небо.

Музыка Крейслера отличается благородством и душевной чистотой. Этому содействует его вера в Бога и увлечение старинной музыкой.

Крейслера объединяет с Францем Легаром изящный венский мелодизм.

Крейслер покоряет слушателей филигранными стилизациями музыки прошлых эпох. В отличие от него Игорь Стравинский возбуждает публику нарочитым стилизаторством. Если Крейслер – поэт, то Стравинский – актер!

КРАСОЧНЫЙ ФЕЙЕРВЕРК

Морис Равель (1875-1937) — французский композитор, пианист, дирижер, один из реформаторов музыки XX века.

1. Образы

Музыка Мориса Равеля взлетает в ночное небо красочным фейерверком!

Музыка Равеля настолько яркая, что вызывает в памяти целый ряд образов: это шествие средневековых рыцарей и королевские персоны, водные стихии и бьющие в небо фонтаны, зеркальная гладь моря и причудливый подводный мир; это вселенский мрак и сотворенный Богом прекрасный мир; это Адам и Ева в раю и коварный змий, соблазняющий их вкусить плод с Древа познания, после чего они, отравленные ядом гордости, изгоняются из рая. Без Бога душа человека трепещет в одиночестве, ее охватывает отчаяние и страх.

2. Красочный оркестр

Морис Равель кружится с дамой в изысканном венском вальсе или сопровождает ее в страстном испанском болеро. И делает он это посредством удивительно пластичного и колоритного оркестра!

Равель – величайший колорист в музыке. В опере «Испанский час» он, словно факир, жонглирует горячими и холодными огнями. Композитор удивляет слушателей фантасмагорической красотой музыки.

Отдаваясь во власть испанской стихии, Равель демонстрирует блестящую технику оркестрового письма. Его оркестр необыкновенно красочен.

Оркестровая красочность бывает декоративной и естественной. В таком соотношении находится испанская музыка Равеля и Александра Глазунова.

3. Черты стиля

Морис Равель часто пользуется блестящими фортепианными пассажами, изощренными фактурами. В этом он следует примеру Ференца Листа.

Равель нередко доводит симфоническое звучание оркестра до чувственного экстаза. Здесь он сопоставим с Густавом Малером и Александром Скрябиным.

Исходя из того факта, что Равель превосходно владеет фортепианными и оркестровыми фактурами, еще не следует, что он – мастер хоровой музыки!

Равель доводит музыкальную «живопись» до высочайшего уровня. Французский композитор – промежуточное звено между импрессионизмом и экспрессионизмом.

4. Жизнь

Морис Равель – испанский француз. Прославляя Францию, он воспевает Испанию.

Торжество красок в живописи – Анри Матисс, цветение звуков в музыке – Равель. В их творчестве встречаются две Франции – провансальская и испанская, два танца – фарандола и болеро!

Равель – южный собрат Сергея Рахманинова, Рахманинов – северный сотоварищ Равеля. Оба мастера – короли рояля XX столетия. Однако, они по-разному заканчивают консерваторию: Рахманинов – с большой золотой медалью, Равеля не удостаивают Римской премии.

ОРКЕСТРОВАЯ ЗВУКОПИСЬ

Отторино Респиги (1879-1936) — итальянский композитор, скрипач, альтист, педагог.

Отторино Респиги обладает изысканным эстетическим вкусом.

Респиги – мастер оркестровой звукописи.

Респиги – тонкий колорист в симфонических картинах.

Респиги – композитор-дельфин, рассекающий волны океана музыкальной изобразительности.

Красочная, роскошная музыка Респиги переносит нас в античный мир, где божество пребывает в вечном блаженстве!

«Римские фонтаны» Респиги переливаются всеми цветами радуги.

Импрессионистическую и неоклассическую музыку Респиги оттеняет мрачный, средневековый колорит. Это понятно, если учитывать, что композитор высоко ценит старинную музыку.

В Григорианском скрипичном концерте Респиги творит молитву, обращенную к Отцу Небесному.

Клод Дебюсси и Респиги по-разному смотрят на природу: первый любуется ею, второй – «изображает» ее. Дебюсси – субъективен, Респиги – объективен, но при этом их произведения одинаково красочны.

ГУМАННЫЙ КОМПОЗИТОР

Николай Метнер (1879-1951) ; русский композитор, пианист, педагог, музыкальный писатель.

Романтическая фортепианная музыка Николая Метнера разливается весенним половодьем чувств.

В бурных сонатах Метнера звенят колокола весны!

Когда видишь, как легкий ветерок пробегает по траве и листьям деревьев, невольно вспоминается трепетная лирика Метнера.

Метнер – композитор-сказочник с добрым и мудрым сердцем.

Вдохновенными фортепианными поэмами Метнер возвращает нас в счастливую пору жизни, в далекую, милую Россию, к лирическим пейзажам Василия Поленова и Исаака Левитана, к васнецовским сказкам.

У Метнера озорной композиторский нрав: он не упускает случая блеснуть виртуозной фортепианной игрой.

Каждое музыкальное произведение Метнера изнутри напряжено, как натянутая тетива лука.

Творчество Метнера – это празднично украшенный фасад русской классической музыки.

Метнер – друг человечества!

Метнер призывает человечество обратиться к добру и разуму!

Метнер – форпост человеколюбия в музыке!

МУЗЫКА РАЙСКИХ СНОВИДЕНИЙ

Николай Рославец (1881-1944) — русский композитор, музыковед, скрипач, пианист, педагог, новатор в музыке.

Николай Рославец создает музыку райских сновидений.

В райских садах музыки Рославца обитают блаженные существа.

Душа Рославца витает в Эдемском саду.

Рославец грезит о райской жизни на земле.

Рославец мечтает об идеальном человечестве.

В музыке Рославца бурлит молодая энергия, направленная на переустройство мира.

Фортепианная музыка Рославца ассоциируется с пейзажами космической живописи.

Как в героике, так и в лирике Рославец стилистически однороден.

Рославец и Александр Мосолов творчески переосмысливают музыку рано умершего Александра Николаевича Скрябина. Они расширяют в пространстве и во времени скрябинскую экспрессию чувств.

ГОЛОС ВЕНГЕРСКОГО НАРОДА

Бела Барток (1881-1945) — венгерский композитор, пианист, музыковед-фольклорист, педагог, музыкально-общественный деятель.

1. Народная музыка

Музыка Бартока – это голос венгерского народа.

Музыкальное творчество Белы Бартока находится под знаком любви к венгерской народной музыке.

Близость к венгерскому мелосу позволяет Бартоку писать свежую, яркую музыку.

Лирика в музыке Бартока по-девичьи целомудренна: она чиста и прозрачна, как утренняя роса на траве.

Барток возделывает ниву венгерской народной музыки.

Барток – мастер кружевного плетения народных мелодий.

Музыка Бартока вбирает в себя характерные черты языческих празднеств.

Барток в народной музыке, словно крестьянин месит ногами виноград для изготовления вина.

Барток помещает целомудренную народную музыку в рамки профессионального музыкального искусства.

Венгерская народная музыка входит в плоть и кровь Бартока.

Барток до мозга костей – венгерский национальный композитор.

2. Экспрессионизм

 Бела Барток в народной музыке – светлый, в экспрессионизме – темный.

Музыкальный экспрессионизм Бартока опирается на древний венгерский мелодизм.

Барток всеми фибрами души ощущает, что на Венгрию надвигается социальная катастрофа. Вот почему его музыка либо скорбная, либо трагическая.

Экспрессионизм музыки Бартока скован печалью и страданием человека из народа.

Музыка Бартока – это океан скорби.

В музыке Бартока содержатся глубокие раздумья о земном бытии.

Музыка Бартока показывает судьбу Венгрии в эпоху кровавых войн и революций.

Ритмически импульсивная музыка Бартока бездонна: в ней есть место, как для объективного отображения жизни, так и для субъективных переживаний.

Музыкальный экспрессионизм Бартока блуждает между реальным миром и подсознанием человека.

В экспрессивной музыке душа Бартока находится в оцепенении: она со стороны наблюдает то, что происходит в мире и в ней самой!

Опираясь на фольклорную архаику, Барток создает драматическую экспрессивно-диссонансную музыку: в ней переплетаются мрачное прошлое и погибающий современный мир.

Тревогой и отчаянием дышит музыкальный экспрессионизм Бартока.

Барток – композитор музыкальных катаклизмов и душевной надломленности.

На современную антигуманную цивилизацию Барток реагирует обличительной иронией и едким сарказмом.

В музыке Бартока отражаются душевные муки человека, находящегося в центре политического смерча.

Хлестким, взвинченным ритмом Барток выколачивает дух из милитаристской Европы.

Музыка Бартока ввергает нас в звуковые водовороты, выбраться из которых невозможно!

Когда тоска сменяется тревогой, а тревога – отчаянием, личность вступает в яростную схватку с внешними силами – таково содержание музыки Бартока.

Лирический герой музыки Бартока мужественно противостоит наступающему мировому хаосу.

Сквозь музыку Бартока несутся бурные потоки обновляющейся жизни.

3. Имена

Тот, кому не близок народно-танцевальный или экспрессивно-гротесковый Бела Барток, может получить чувство удовлетворения от его спокойной, возвышенной лирики. Этими тремя гранями творчества венгерский композитор близко соприкасается с бразильским титаном Эйтором Вилла-Лобосом. Отдаваясь народной стихии, оба мастера погружаются в глубокие эмоциональные состояния или восходят к Божественным высотам. Барток и Вилла-Лобос веселятся вместе с народом и страдают, находясь вдали от него.

Лапидарный и рельефный стиль музыки свойственен двум венгерским композиторам – Бартоку и Дьёрдью Лигети. В их музыке краткие всплески энергии чередуются с долго длящимися слабыми импульсами сознания и подсознания, бурный взрыв энергии сменяется длительным покоем. Это неким образом отражает процессы, происходящие в физическом и психическом мире. Барток и Лигети – два гения, обогащающие музыку XX века венгерским национальным колоритом. Они продолжают традиции Ференца Листа.

Заключение

Музыку Белы Бартока можно определить, как «сдержанный экспрессионизм» в силу того, что она не отрывается от народной песни и редко выходит за рамки реального сознания – пусть оно печально и горестно, пусть оно замкнуто на самом себе и очень специфично отображает окружающий мир, но оно не проваливается в бездну подсознания, где эмоции и психика бесконтрольны. Нельзя отрицать, что музыка Бартока – психологически острая и эмоционально неустойчивая, тем не менее, ее не следует относить к крайним течениям модернизма XX столетия.

РВАНЫЙ СИМФОНИЗМ

Николай Мясковский (1881-1950) — русский композитор, педагог, музыкальный критик, музыкально-общественный деятель.

Николай Мясковский – одиночка-горемыка в русской музыке.

Мясковский – хронический меланхолик.

Музыка Мясковского разливается озерами меланхолии.

Что мы слышим в симфониях Мясковского? Звон обледенелых электрических проводов.

Мясковский скользит между чувствами, лишь иногда попадая в конкретное эмоциональное состояние: он, словно путник, вязнет в глубоком снегу.

Единственное, что удачно звучит в симфониях Мясковского, так это одноголосие: там, где много звуков, - все не в лад, все трется одно об другое. Невольно спрашиваешь себя: обладает ли профессор московской консерватории творческими способностями?

Напиши Мясковский не 27, а 50 или 100 симфоний, он все равно не достиг бы черты гениальности. Талант – это Божий дар, его нельзя усовершенствовать человеческими потугами.

Если Александр Глазунов в симфонии король без короны, то Мясковский – голый король!

Карл Нильсон и Николай Мясковский – авторы «рваного» симфонизма, напротив, Глазунов – блестящего, лакированного. Все эти композиторы пользуются прижизненной славой. Но сегодня они почти забыты. Таковы превратности судьбы!

КОМПОЗИТОР-ЭКВИЛИБРИСТ

Игорь Стравинский (1882-1971) — русский композитор, дирижер, пианист, музыкальный писатель.

1. Множество ликов

У Игоря Стравинского бесчисленное множество ликов. Музыка Стравинского – это языческая Русь, веселые скоморохи, писклявые дудочники, герои русских сказок, куклы ярмарочного театра, клоун в цирке, праздник лесных зверей, балетный Петрушка, Золотой петушок Римского-Корсакова, пробуждающий утром людей бодрым «кирики-кирикуку»!
 
2. Талант

Всевышний наделяет Игоря Стравинского талантом музыкального ремесленника.

Стравинский пишет добротно «сделанную» музыку.

Как музыкант, Стравинский «выжимает» из себя все соки, как интеллектуал добивается блестящих результатов в музыкальных произведениях.

Особенность таланта Стравинского заключается в том, что он выступает архитектором, инженером и строителем собственного дворца музыки: каждую деталь композиции он рассчитывает с математической точностью.

Стравинский остро реагирует на посредственную музыку. Он непременно хочет быть оригинальным.

Стравинский – ревнивый экспериментатор в области музыкального языка!

Желая быть экстравагантным, Стравинский скрещивает плагиат с экспериментом. В результате мы имеем «композитора тысячи стилей».
 
Развитый вкус Стравинского нетерпим к банальности в искусстве. Вот почему композитор ищет своеобразие и неповторимость в собственной музыке.

Стравинский – один из величайших музыкальных мистификаторов XX столетия. Он тщательно вынашивает замысел, чтобы на концерте удивить публику оригинальной музыкой.

Стравинскому ничего другого не остается, как с блеском демонстрировать свой заурядный композиторский талант.

Цирковые трюки акробата восхищают публику, что в полной мере относится и к музыке композитора-эквилибриста Стравинского.

По-настоящему живая музыка звучит в произведениях Стравинского лишь тогда, когда он использует мелодии великих композиторов прошлого. Его же музыка – искусственная, мертворожденная.

Стравинский делает все мыслимое и немыслимое, чтобы взойти на вершину музыкального Олимпа.

3. Стиль

Игорь Стравинский – двигатель прогресса в музыке.

Содержание музыки Стравинского во многом определяется миром народного, античного и европейского театров.

Стравинский – композитор-модельер собственной музыки.

Стравинский – музыкальный портной, умеющий шить костюмы любого фасона.

Стравинский – коллекционер музыкальных стилей.

Стравинский – парадоксалист, одним стилем опровергающий другой.

В музыкальной душе Стравинского заложен динамит, который, взрываясь, побуждает к сочинению неординарных произведений.

В своих произведениях Стравинского интересует, в первую очередь, его собственная персона и только затем – сама музыка.

Стравинский дикими, варварскими ритмами искажает русский фольклор в знаменитом балете «Весна священная». Претенциозный автор рвет народную музыку в клочья!

Стравинский превращает народные игры и хороводы в разбушевавшуюся языческую стихию. Здесь он неподражаем.

В балетах Стравинского неистовствует первобытное язычество, чем он приводит в шок утонченную европейскую публику.

Неоклассическая музыка Стравинского является выражением психологии западного мещанина, живущего между двумя мировыми войнами. Нет, он не бедствует, не подвергается репрессиям, не гибнет на фронте, напротив, щеголяет в модном костюме с тросточкой в руке.

4. Истоки

Благодаря занятиям композицией с Николаем Андреевичем Римским-Корсаковым, у Игоря Стравинского вырабатывается тонкое ощущение оркестра.

Стравинский подлинный мастер, поистине народный умелец в искусстве вышивания оркестровых узоров!

Симфонизм Стравинского особый: миниатюрный, игрушечный, кукольный, сказочный – это музыка для детей, для коротышек. Стравинский мыслит образами сатирических сказок учителя Римского-Корсакова.

Стравинский развлекает публику музыкальными забавами и потехами, будто шут гороховый! Сочиняя музыку в разных стилях, он выглядит, как ярмарочный лицедей. Все это школа Римского-Корсакова!

Языческий экспрессионизм Стравинского возникает на почве музыкальных сказок Римского-Корсакова и Анатолия Лядова – композиторов, обладающих необыкновенно колоритным оркестром.

5. Параллели

 Игорь Стравинский – многослоен: энергию и силу он берет от Модеста Мусоргского, волю и экспрессию – от Александра Скрябина, рассудок и логику – от Петра Чайковского, русский колорит – от Николая Римского-Корсакова.

В музыке существует родственная близость: Стравинский – духовный сын Римского-Корсакова.

Музыка Стравинского обрушивается градом оркестровых красок на головы европейских меломанов в период, когда Сергей Дягилев ставит на парижской сцене три балета русского композитора. Ими восхищается даже такой изысканный французский импрессионист, как Клод Дебюсси.

Сатирическая «История солдата» Стравинского имеет литературный аналог – «Похождения бравого солдата Швейка» Ярослава Гашека. И опера, и роман – продукты Первой мировой войны.

Стравинский и Владимир Набоков на Западе, Дмитрий Шостакович и Иосиф Бродский в России достигают небывалых вершин образно-ассоциативного мышления. Они виртуозно владеют техникой переработки различных стилей в нечто свое, только им присущее. Этим объясняется, что их произведения часто имеют двойное дно: под верхним пластом их собственной музыки лежит нижний пласт других композиторов.

В шутовской музыке преуспевают Стравинский, Пауль Хиндемит, Дмитрий Шостакович (заметим: двое из них – композиторы польского происхождения!)

ЗВЕЗДНОЕ НЕБО

Антон Веберн (1883-1945) — австрийский композитор, музыковед, пианист, виолончелист, дирижер, хормейстер, один из основателей Новой венской школы.

Антон Веберн погружается в извечный покой мироздания.

Веберн обладает редкими интеллектуальными и духовными качествами.

Веберн – композитор нравственного целомудрия и душевной чистоты.

В серийной музыке Веберна отражается мудрое безмолвие звезд.

В музыке Веберн созерцает гармонию и красоту звездного неба.

Веберн считает, что музыкальная композиция должна быть такой же совершенной, как расположение звезд на небе!

В музыке Веберна звуки – те же звезды, а композиция – звездная панорама.

В звуковых конструкциях Веберна присутствует симметрия бесконечно малых и бесконечно больших миров.

Для Веберна строение атома симметрично строению Вселенной.

В лаконичных пьесах Веберн – узник ускоряющегося времени. Например, если Иоганнес Брамс и Ян Сибелиус по возможности растягивают время, то Веберн предельно сжимает его.

Брукнер и Малер пишут грандиозные симфонии в эпоху трагического распада великой австрийской империи, Веберн обращается к миниатюрным композициям, внутри которых действуют законы соразмерности и гармонии. И это происходит накануне возникновения уже маленькой нейтральной Австрии.

КРОВАВАЯ ОПЕРА

Альбан Берг (1885-1935) — австрийский композитор, музыкальный писатель, педагог. Один из виднейших представителей музыкального экспрессионизма и Нововенской композиторской школы.

Музыкальный экспрессионизм Альбана Берга пропитан кровью и смертью.

Страх, ужас, отчаяние – вот о чем опера Берга «Воццек»! Рядом с ней можно поставить картину Эдварда Мунка «Крик». И там, и здесь господствует атмосфера безысходности.

Бытовую драму оперы «Воццек» Берга обостряет экспрессионистская музыка, раздирающая душу. В этот момент сердце обливается кровью.

Берг – Франц Кафка в музыке.

Берг заливает оперную сцену кровью женщины, убитой героем-психопатом, героем-безумцем, словно предсказывая появление в немецком обществе его кровожадного двойника – Адольфа Гитлера. Опера «Воццек» - во многом пророческая!

Экспрессионизм в музыке Берга и в живописи Эгона Шиле – это трагическое бытие, взвинченные нервы, рваные простыни на ветру!

«Воццек» Берга – опера-драма, «Джонни наигрывает» Эрнста Кшенека – опера-скетч. Они создаются примерно в одно время. Но, если экспрессионизм «Воццека» трагедийный, то экспрессионизм «Джонни наигрывает» - легковесный, представляющий собой смесь из музыки оперной, опереточной, мюзикла, джаза. Опера Берга – это классика, Кшенека – временное явление. Имея оглушительный успех при жизни автора, «Джонни наигрывает» ставится более чем в ста театрах мира, хотя сегодня он забыт. Обыкновенно это происходит с музыкой посредственностей.

Берг и Дмитрий Шостакович пишут музыку кровью и желчью. Они заглядывают в адские бездны жизни!

АПОФЕОЗ ЖИЗНИ

Сергей Прокофьев (1891-1953) — русский, советский композитор, пианист, дирижер, литератор. Прокофьев принадлежит к числу наиболее значительных композиторов XX века.

1. Солнце

В музыке Сергея Прокофьева солнце творит мир во всём его многообразии.

Над музыкой Прокофьева простирается океан солнечного света.

Прокофьев играет на солнечной арфе.

В музыке Прокофьева радость брызжет солнечными лучами.

Скерцозная музыка Прокофьева смешлива и озорна, как солнечные зайчики на утренней веранде.

Музыка Прокофьева – это игра солнечного света и солнечные протуберанцы.

У Прокофьева нет музыки без солнца: даже бури и смерчи у него изнутри солнечны!

Музыка Прокофьева животворна, как солнечный свет!

Прокофьевское солнце, разливаясь по миру, творит молодую счастливую жизнь.

Прокофьев – солнцепоклонник в музыке.

2. Энергия

Музыка Сергея Прокофьева заряжена энергией солнца.
 
Музыкальное скифство Прокофьева – это могучий поток солнечной энергии и яростной силы.

Упругий ритм музыки Прокофьева иной раз приобретает такой напор, что, кажется, будто пловец загребает не волны, а землю!

Волевая музыка Прокофьева – это машина, работающая на солнечной энергии.

Музыка Прокофьева – это солнечный локомотив, несущийся вдаль.

В механической музыке Прокофьева бьется пульс индустриального XX века.

Прокофьев энергичен и созерцателен. Он преобразует мир и любуется красотой мира.

Прокофьевская музыка воли и красоты устремляется в счастливое будущее людей.

3. красота

Музыка Сергея Прокофьева солнечна и красива: в ней присутствует античная мудрость.

В центре музыки Прокофьева стоит физически и духовно красивый человек!

Что бы ни изображалось в музыке Прокофьева, она всегда прекрасна!
 
Красивая музыка радует людей! Достаточно одной-двух ярких мелодий, чтобы музыкальное произведение ожило, засияло! Такое чудо происходит с оперой Прокофьева «Война и мир».

4. Стиль

Сергей Прокофьев – адепт новой классической музыки.

Музыка Прокофьева опирается на классический фундамент.

Даже в экспрессии Прокофьев соразмерен и гармоничен!

Прокофьев – композитор здоровья и радости.

Прокофьев – смешливый шутник: его юмор и сарказм вызывают положительные эмоции.

Музыка Прокофьева веселит озорной радостью. Когда же он созерцает мир, им овладевает покой и безмятежность.

Прокофьев создает музыку здоровья, энергии, радости и красоты.

Музыка Прокофьева воплощает в себе цветущую жизнь на земле.

Музыка Прокофьева – это апофеоз жизни!

5. Интеллект

Сергей Прокофьев обладает редким музыкальным интеллектом.

Прокофьев гениален в разработке мотивов, наряду с сочинением оригинальных мелодий.

Прокофьев наряжает мелодии в праздничные фактуры.

В фортепианных сонатах Прокофьев сосредотачивается на мотивно-фактурной разработке и меньше всего – на идеях и образах.

Прокофьев – гений парадоксальной музыки: его интеллект подшучивает над эмоциями.

Прокофьев с блеском делает музыку!

6. Новаторство

Сергей Прокофьев в жизни – энтузиаст, в музыке – бунтарь.

Обладая легко ранимой душой, Прокофьев бравирует экстравагантностью.

Новаторское бунтарство Прокофьева сопровождается хрупкой лирикой. Прокофьев – и гадкий утенок, и благородный лебедь.

Прокофьев всегда свеж и нов, всегда изобретателен!

Прокофьев ищет в музыке «новую простоту».

В одной красивой мелодии Прокофьева больше новаторства, чем во всем музыкальном авангарде XX столетия!

Обращение к классическим образцам формирует в новаторе Прокофьеве большого художника.

7. Периоды жизни

Существует Прокофьев-модернист и Прокофьев-классик: первый – в молодости, второй – в зрелые годы.

Музыкальное бунтарство определяет творческий облик молодого Прокофьева. Не случайно, языческую Скифскую сюиту он пишет в 25-летнем возрасте.

Эмоциональность музыки XIX века у Прокофьева оборачивается напряженным физиологизмом, особенно в ранних операх «Игрок» и «Огненный ангел». Со временем его натуралистические тенденции уступают место возвышенной музыке!

Прокофьевский экспрессионизм особого рода: если это энергия созидания, то преодолевающая все преграды на своем пути; если гротеск, то напряженный, как натянутая струна; если покой, то глубокие раздумья о смысле жизни; если лирика, то зеркало, отражающее красоту мира.

Последние симфонии Прокофьева – светлые, фортепианные сонаты – лирические.

В поздних фортепианных сонатах Прокофьева появляются нежные мелодии.

8. Принцип жизни

Сергей Прокофьев убежден, что сочинение музыки более ценно, чем личная жизнь.

Для Прокофьева искусство выше жизни!

9. Имена

Музыка Сергея Прокофьева на редкость четкая и конкретная. Она сопоставима с музыкой Антонио Вивальди.

Фортепианный Прокофьев – Доменико Скарлатти XX века. И тому, и другому характерна филигранная мотивная разработка.

 Йозеф Гайдн и Прокофьев – родственные натуры. Их радостно-ироническая музыка дышит здоровьем.

Гайдн – композитор детского озорства, Прокофьев – юношеского сарказма.

Создав гениальную оперу «Война и мир», Прокофьев становится вровень с Львом Николаевичем Толстым.

 Существует духовное родство между Модестом Мусоргским и Прокофьевым. Они разрабатывают тему Великой России, поднимают древние пласты русской истории.

Прокофьев ближе находится к интеллектуально-мотивному Сергею Танееву, нежели к эмоционально-мелодическому Петру Чайковскому.

Прокофьев воспринимает интонационную чистоту музыки от своего учителя Анатолия Лядова.

Константин Бальмонт и Прокофьев – дети солнца!

Льющиеся потоки света в живописи – это Анри Матисс, в музыке – Прокофьев.

Солнечность и красота свойственны как живописи Игоря Грабаря, так и музыке Прокофьева. Различие между ними в ином: солнечность Грабаря – зимняя, Прокофьева – летняя.

Солнечность музыки Прокофьева неотделима от прометеевского огня Александра Скрябина.

Музыка Скрябина – вулканическая, Прокофьева – светоносная.

Мелодии Сергея Рахманинова испускают мерцающий лунный свет, Прокофьева – брызжут лучами солнца.

Музыка Прокофьева – пластична, скульптура Сергея Коненкова – музыкальна. Эти гении – патриоты. Они несколько десятилетий живут за границей, однако возвращаются на родину.

Солнечная музыка Прокофьева первозданна и чиста, как снежные гималайские вершины на полотнах Николая Рериха.

Музыка Прокофьева и живопись Михаила Ларионова – лучезарны!

Игорь Стравинский – гений музыкальных изобретений, Прокофьев создает гениальную музыку!

Стравинский обновляет музыку, Прокофьев – жизнь!

Музыка Прокофьева бодра и свежа, как поэзия Марины Цветаевой.

Светлая душа и ясный ум Прокофьева делают его музыку по-цветаевски целомудренной!

Созерцание в музыке Прокофьева светлое и всеохватывающее, как философия Алексея Фёдоровича Лосева. Заметим, что композитор и мыслитель – уроженцы юга России.

Антуан де Сент-Экзюпери – звездный мальчик, Прокофьев – солнечный. Они завещают народам мира добро и красоту!

Сарказм в музыке Прокофьева и Дмитрия Шостаковича разный: у Прокофьева – позитивный, у Шостаковича – негативный.

Прокофьевская скерцозность выделяется светлым пятном на черно-бурых полотнах Шостаковича.

Оригинальностью и яркостью музыка Прокофьева сравнима с произведениями Дьёрдя Лигети. Их новаторство не уничтожает живую музыкальную речь.

 В некоторых случаях Джон Адамс – американский Прокофьев.

Вывод

 Сергей Прокофьев многогранный композитор: иронический, как Йозеф Гайдн, изящный, как Вольфганг Амадей Моцарт, солнечный, как Джоаккино Россини, могучий, как Модест Мусоргский, красочный, как Николай Римский-Корсаков!

ГРАЖДАНИН МИРА

Артюр Онеггер (1892-1955) — швейцарско-французский композитор, скрипач, дирижер, музыкальный критик, педагог.

Артюр Онеггер испытывает тревогу за будущее человечества.

В симфонической музыке Онеггер поднимает жгучие общественные проблемы.

Музыка Онеггера стремится к свету и красоте. Она призывает к обновлению жизни.

Благодаря талантливой музыке оратории «Царь Давид», Онеггер приобретает мировую славу, и способствуют этому боговдохновенные псалмы ветхозаветного героя.

Балет «Семирамида» Онеггера и опера «Царица Савская» Жюля Массне источают библейский свет.

Онеггер – человек античного ума. Однако он не занимается стилизацией древнегреческой музыки.

Даже трагедийная музыка Онеггера излучает ренессансный свет.

Просматривается преемственная связь между кантатно-сценическими произведениями Онеггера и Карла Орфа. Эти мастера создают полнокровную, жизнеутверждающую музыку.

Выдающийся композитор-гуманист XX века Артюр Онеггер, как и Пауль Хиндемит, Бенджамин Бриттен, Сергей Прокофьев остаются верными реалистическому искусству. Им чужд музыкальный авангард.

НЕУТОМИМЫЙ ПУТЕШЕСТВЕННИК

Дариюс Мийо (1892-1974) — французский композитор, скрипач, дирижер, музыкальный критик, педагог, один из участников «Шестёрки».

Вместе с музыкой Дариюса Мийо мы совершаем увлекательное путешествие по городам Южной Франции.

Музыкальный пейзаж Мийо – это земля, потрескавшаяся от знойного солнца, это море, дышащее негой и лаской.

Жизнерадостная музыка Мийо очаровывает слух точно так же, как манят взор янтарные гроздья винограда.

Когда звучит музыка Мийо – слышишь веселые голоса в кафешантанах.

Энергично-радостную провансальскую музыку Мийо иначе не назовешь, как мушкетерской, д’Артаньяновской!

Мийо – непревзойдённый мастер блестящей, цирковой музыки!

Произведениям Мийо свойственны броская театральность и трогательная лирика.

Мийо не оставляет без внимания эстрадную и джазовую музыку.

Пьесы Мийо, сочиненные одновременно в разных тональностях, создают эффект стереозвука.

Мийо – неутомимый путешественник, чье сердце радостно бьется при встрече с каждой новой страной. Это подтверждает его красочная музыка!

У Мийо вила-лобосовский размах музыкального творчества. Композитор создает 443 произведения (у бразильца их число колеблется от 1000 до 1500!).

Музыка Мийо и Карла Орфа гипнотизирует магией ритма. И тот, и другой остро чувствуют пульс своей эпохи.

Животворной красотой блистает проза Ромена Роллана, живопись Анри Матисса, музыка Дариюса Мийо – великих гуманистов XX столетия!

СРЕДНЕВЕКОВЫЕ РИТМЫ

Карл Орф (1895-1982) — немецкий композитор, пианист, капельмейстер, педагог.

Карл Орф стремится к архаической простоте, которая гипнотизирует обывателей воинственным ритмом.

Орф активно использует энергичные ритмы в кантатах, как на античные, так и на средневековые темы.

Орф соединяет характерные черты музыкального и драматического театров, в результате чего возникает новая художественная форма: сценическая кантата с декорациями и костюмами.

Иной раз в ритмически импульсивной музыке Орфа встречается лирика глубоких раздумий.

Буквально завораживает порывисто-страстная музыка кантаты «Кармина Бурана» Орфа. Да и сам композитор находится под впечатлением от эротических песен немецкого Средневековья!

Судя по кантате «Кармина Бурана», Орф творчески переосмысливает эмоционально напряженную музыку русских композиторов – Александра Бородина, Модеста Мусоргского, Николая Римского-Корсакова.

Экспрессивные произведения Орфа отображают эпоху фашистской Германии: бурные всплески энергии – это восторг народных масс, речитативно-декламационное пение – истерические речи фюрера.

Живя при фашистском режиме и советской власти, Карл Орф и Дмитрий Шостакович проявляют двуличие и беспринципность! Им можно посочувствовать, но нельзя не отметить, что их взгляды нередко смыкаются с диктаторской идеологией!

В музыке Орфа находит опору кантатно-ораториальное творчество Георгия Свиридова.

Орфа надо считать предтечей музыкального минимализма. Созданная им в 1937 году сценическая кантата «Кармина Бурана». До сих пор остается востребованной слушателями.

ГЕНИАЛЬНЫЙ РЕМЕСЛЕННИК

Пауль Хиндемит (1895-1963) — немецкий композитор, альтист, скрипач, концертмейстер, дирижер, педагог, теоретик музыки. Он внес значительный вклад в музыку XX века.

1. Идеологическая подкладка

Пауль Хиндемит – выразитель идеологии немецкого бюргерства в музыке.

Хиндемит в музыке – добропорядочный бюргер, веселый и радостный, сентиментальный или философствующий о смысле жизни. Нет, он – не холодный композитор доктор Ливеркюн, прототип додекафонного Шёнберга, а, скорее всего, гуманист Цейтблом из «Доктора Фаустуса» Томаса Манна.

Музыка Хиндемита отличается здоровым оптимизмом.

На талантливой музыке Хиндемита лежит печать мещанской ограниченности.

2. Образная сфера

 Музыка Пауля Хиндемита воплощает средневековое тевтонство. Оно проявляется также и в сознании национал-социалистов 30-х годов XX века.

Музыка Хиндемита имеет два полюса: тевтонское глубокомыслие и уленшпигелевская жизнерадостность.

Не раз Хиндемит в собственной музыке предстает весельчаком Тилем Уленшпигелем.

Герои опер Хиндемита – творческие люди, в частности – ювелир, художник, астроном и даже исторические лица.

3. Экспрессионизм

Музыканты вспоминают, что у Хиндемита-дирижера был «холодный», «колючий» взгляд. Такая же и его музыка – раздирающий душу экспрессионизм.

У Хиндемита острый ум и кровоточащее сердце: его мрачный экспрессионизм непереносим!

Свое неприятие мира Хиндемит утрамбовывает камнедробительным интеллектом. Такого рода музыка выматывает нервы!

 
4. Неоклассицизм

 Пауль Хиндемит – композитор неясных эмоций. Выраженные им чувства неконкретны, трудно определяемы словами. Его лирика – нелирична, экспрессия – неэкспрессивна, сарказм – несаркастичен, если в ней возникает механическое движение, то не понятно чего – времени, прогресса, машины? Кажется, что Хиндемит взирает на предметы сквозь мутное стекло, их контуры размыты.

В музыке Хиндемита есть интонации, но нет мелодий, есть эмоции, но нет конкретных чувств. Он создает музыку общих мест и невнятных ощущений.

Хиндемит – выдающийся композитор с широким взглядом на мир и потоками тусклых эмоций. Перед нами - «разбалансированный» гений, вполне сопоставимый с писателем Джеймсом Джойсом!

Хиндемит – композитор-мудрец. Он воссоздает в звуках жизнь во всем ее многообразии: от пошлого шлягера до музыки сфер!

Хиндемит – и философ, и обыватель в музыкальном искусстве.

5. Мастерство

Музыка в понимании Пауля Хиндемита – добротно сделанная вещь. Творчество для него – повседневная работа.

Хиндемит – гениальный ремесленник: он превосходно «делает» музыку.

«Чистая музыка» Хиндемита не имеет конкретных чувств и переживаний. Порой творческий процесс у него оборачивается композиторским мудрствованием.

 Часто Хиндемит выглядит, как ученая посредственность в музыке.

6. Параллели

Нити предельно напряженного экспрессионизма связывают Пауля Хиндемита с Рихардом Вагнером, Густавом Малером, Арнольдом Шёнбергом.

У Хиндемита приземленная музыка, у Артюра Онеггера – приподнятая.

В фортепианной полифонии Хиндемит – живой и образный, Родион Щедрин – застывший, абстрактный.

РОМАНТИК ЕЛИСЕЙСКИХ ПОЛЕЙ

Франсис Жан Пуленк (1899-1963) — французский композитор, пианист, аккомпаниатор, критик, виднейший из участников французской «Шестёрки».

В музыке Франсиса Пуленка цветет весна.
 
Пуленк – романтик Елисейских полей.

Пуленк – композитор-гедонист с мелодическим талантом.

Музыка Пуленка кинематографична. Она «рассказывает» о буднях и праздниках жителей Парижа.

Пуленк заключает легкую музыку в классические формы.

По духу и характеру религиозная музыка Пуленка светская. Ее красота – возвышенная, но земная!

Некоторая «рыхлость» формы лирико-драматических произведений Пуленка не разрушает его поэзию.

Пуленк мелодически привлекателен и в лирике, и в героике.

Пуленк – современный Франц Шуберт.

Музыка Пуленка – это шубертовский ручей, бегущий сквозь завалы цивилизации.

Хоровые произведения Габриэля Форе строгие, сдержанные, интеллектуально выверенные по форме и фактуре, у них темный колорит. Напротив, хоры Пуленка эмоционально открытые, светлые, по-шубертовски мелодические. Они устремляются к небу, к Богородице. Этим они будут привлекать людей XXI столетия.

МУЗЫКА ЗАВОДА

Александр Мосолов (1900-1973) — советский композитор, пианист, известный, главным образом, сочинением «Музыки машин», которое считается образчиком конструктивизма в музыке.

В фортепианной музыке Александра Мосолова пульсирует напряженный ритм.

Ритм в произведениях Мосолова по-цветаевски упруг и напорист.

Мосолов – гений производственной музыки.

Симфонический эпизод «Завод» Мосолова живет напряженной внутренней жизнью. В нем бьется пульс времени и созидания нового общества.

Музыкальный конструктивизм Мосолова воплощает две образные сферы: грохот машин и тихое мерцание звезд.

Мосолов переносит музыку Александра Скрябина в индустриальное общество.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ СИМВОЛ ИСПАНИИ

Хоакин Родриго (1901-1999) — испанский композитор, пианист, музыкальный критик, педагог, один из крупнейших деятелей испанской музыки XX века.

1. Испания

Аранхуэсский концерт для гитары с оркестром Хоакина Родриго – музыкальный символ Испании.

Родриго – благородный рыцарь испанской музыки.

Родриго – вдохновенный поэт гитары.

Родриго облагораживает гитару, придает ей черты античной лиры – любимицы поэтов.

В знаменитом Аранхуэсском концерте Родриго Испания предстает в голубой дымке минувших веков.

Гитарная музыка Родриго повествует о славной и трагической истории испанского народа.

Родриго воплощает в музыке свободолюбие испанцев.

2. Творчество

Величие Хоакина Родриго – в простоте и ясности его музыки.

Родриго – мастер чистого и светлого музыкального письма.

Над музыкой Родриго простирается лазурное небо!

Живописная палитра музыки Родриго исключительно богата. Она волнует слушателей весенним разноцветьем звуков!

Музыка Родриго – это окна, распахнутые навстречу весне, ликующей природе, отчего на душе становится легко и радостно.

Музыка Родриго красива, ибо озарена духовным светом.

Мастер, наделенный ясным складом ума, на чьей музыке лежит печать благородства и деликатности, – это и есть Родриго.

Творческая цель Родриго проста: дарить миру светлое, праздничное искусство.

Родриго обладает редкой искренностью чувств, что делает его музыку сердечной.

Музыка Родриго – это особый мир, исполненный новизной и поэтичностью образов. Она отражает все богатство жизни и стремление людей к идеалу.

ГЕНИЙ АРМЯНСКОЙ МУЗЫКИ

Арам Хачатурян (1903-1978) — советский композитор, пианист, виолончелист, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель.

Арам Ильич Хачатурян – певец счастливой Армении.

Музыка Хачатуряна отображает красоту солнечной Армении.

Музыка Хачатуряна – это роскошный ковер из звукового многоцветия.

Хачатурян увлекает яркой, праздничной, жизнеутверждающей музыкой.

Хачатурян воплощает в музыке праздник жизни и красоту земного мира.

Хачатурян создает торжественную, величественную музыку, словно накладывает плотные слои красок на живописное полотно.

Оркестр Хачатуряна богатый, терпкий, сочный, как грозди спелого винограда.

В эпико-лирических произведениях Хачатуряна жизнь бьет ключом.

В солнечной музыке Хачатуряна бурная радость сменяется счастливым упоением жизнью.

Хачатурян виртуозно владеет скрипкой, чья радость льется через край.

Хачатурян – мастер оперно-балетного и театрального искусства.

Хачатурян – гений армянской музыки.

Хачатурян делает армянский мелос достоянием всего человечества.

Хачатурян совершает для армянской музыки то, что Джордже Энеску – для румынской. Эти великие композиторы создают музыку с ярким национальным колоритом.

Хачатурян и живописец Мартирос Сарьян с непревзойденным мастерством запечатлевают пейзажи цветущей Армении.

ВЗРОСЛЫЙ РЕБЕНОК

Дмитрий Кабалевский (1904-1987) — советский композитор, пианист, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель.

Дмитрий Кабалевский – наставник молодежи.

Кабалевский – друг детей и юношества.

Музыка Кабалевского брызжет молодым счастьем.

Музыка Кабалевского переносит нас в мир безоблачного детства и романтической юности.

Инструментальные пьесы Кабалевского отличаются юношеским задором и кипучей энергией.

Какой бы радостной ни была бы музыка Кабалевского, изнутри она – хрупкая и нежная.

Кабалевский – скрытый мудрец: его сердце защищено от внешнего мира неизменной веселостью.

Кабалевский застегнут на все пуговицы мундира: его душа ограждена от жизни интеллектом, не позволяющим эмоциям беспрепятственно выплескиваться наружу.

Светлая, жизнерадостная музыка Кабалевского – это музыка взрослого ребенка!

Оптимистические произведения Кабалевского позволяют сравнивать их со счастливой музыкой Феликса Мендельсона-Бартольди.

Кабалевский – «буферный» композитор: он находится между двумя гениями: упругим Сергеем Прокофьевым и острым Дмитрием Шостаковичем.

ТАЙНЫЙ СОПЕРНИК ДИКТАТОРА

Дмитрий Шостакович (1906-1975) — советский композитор, пианист, педагог, музыкальный писатель, музыкально-общественный деятель. Один из крупнейших композиторов XX века.

1. Сатира и лирика

Дмитрий Шостакович – корифей сатирической музыки!

Ирония Шостаковича – это неудержимая энергия молодости.

Ранний Шостакович – озорной мальчуган-насмешник.

Шостакович ерничает, словно юноша с оскорбленным самолюбием.

Шостакович – безудержный пародист.

Шостакович иронизирует и подсмеивается над композиторами прошлого и настоящего.

Шостакович развлекается черным юмором и желчным гротеском.

Шостакович – козлорогий сатир, в чьей голове мир перекошен до неузнаваемости.

Шостакович доводит юмор до бесовской свистопляски.

В музыке Шостаковича нет красок, нет тепла, нет света. Радость в ней – назойливая, печаль – натужная, героика – напыщенная. Все это – тусклое, мертвенное полотно. Но, воистину, в ней торжествуют ирония, смех, гротеск, исходящие от сатаны. Он-то и рассыпается филиппиками против всего святого, что есть в человеке!

Сквозь веселый юмор Шостаковича проглядывает печаль одинокого человека.

Шостакович – хлесткий сатирик и глубокий лирик.

Необыкновенно широк диапазон лирики Шостаковича – от просветленной печали до безысходного трагизма.
 
Лирику Шостаковича смывают бурные потоки агрессивности.

В музыке Шостаковича после тяжелых размышлений о смысле жизни вновь проявляется ирония, сарказм, недоверие и враждебность.

Трагедийный симфонизм Шостаковича демоничен: кажется, что рукой композитора водит злая сила. В результате его музыка становится острой, резкой, ломаной, нервной, заряженной отрицательной энергией.

Когда в душе Шостаковича непроглядная тьма непереносима, им одолевают трудные мысли о конце жизни. В это время он создает трагедийные музыкальные полотна.

Последние симфонии Шостаковича – это думы о смерти и прощание с жизнью. Композитор погружается в океан трагедийной лирики.

2. Творческий метод

Музыка Дмитрия Шостаковича – это театр марионеток, в котором кукловод дергает героев за ниточки.

Огромное влияние на творчество Шостаковича оказывает немое кино. Это порождает таперную, массово-шлягерную музыку.

Шостакович – иллюстратор немого кино: скорее тапер, чем выдающийся композитор.

Каков Шостакович в музыке? Совершенно разный: то он всматривается в черную воду колодца, то вприпрыжку бежит по косогору.

Музыка Шостаковича – это катание на американских горках: при взлете вверх – сердце замирает от восторга, при падении вниз – сжимается от страха.

Музыкальный стиль первых трех симфоний Шостаковича определяют озорная ирония, скорбная лирика, глубокая трагедийность и ложный пафос. Эти качества закладывают фундамент его симфонизма.

Шостакович – гений острого ума и надломленного сердца.

В музыке Шостаковича запечатлены страх, отчаяние и глумливый юмор: трагедия и сатира.

Музыку Шостаковича на протяжении всей его жизни сопровождают въедливый юмор и нарочитый оптимизм.

В произведениях Шостаковича два полюса: трагедийный катастрофизм и трескучая помпезность.
 
Музыка Шостаковича отличается польской экзальтированностью чувств, нередко завершающейся психопатическим экстазом!

В музыке Шостаковича назойливо, если не агрессивно, проступает польский «флейшманизм» - так называемая идеология сочувствия евреям.

Шостакович создает такую музыку, что кажется, будто он – один из участников оркестра концлагеря Аушвица, играющего под прицелами автоматчиков.

Главный лейтмотив музыки Шостаковича – одиночество. Для композитора его родина – не Россия, его настоящая родина – где-то далеко, в глубине подсознания.

Шостакович воплощает в музыке трагический разлом русской истории.

Музыке Шостаковича свойственны фальшивое веселье и ложный драматизм: его творчество в целом – это опереточная трагикомедия (не случайно прообразом темы знаменитого «эпизода Нашествия» Седьмой симфонии является мелодия из оперетты Легара «Весёлая вдова»).

Великое искусство оплодотворяет жизнь красотой, чего нет в музыке Шостаковича.

Иногда в неоклассических произведениях Шостаковича встречаются красивые номера. Однако надо понимать, что неоклассицизм – это вторичное искусство.

3. Чужая родина

Дмитрий Шостакович сочиняет музыку скрытого иносказания с двойным и тройным подтекстом.

Не обладая мелодическим даром, Шостакович широко пользуется цитированием музыки других композиторов. И, порой видоизменяет ее так, что трудно понять, у кого и для чего позаимствована тема.

Музыка Шостаковича повествует о стране дураков, у граждан которой есть свои маленькие радости и печали.

Для Шостаковича сомнительны достижения народа в строительстве нового общества.

Шостакович «рисует» кривые рожицы на здании коммунизма.

Во Втором виолончельном концерте Шостаковича слышится хрюканье бюрократов.

Трудовой энтузиазм советских людей Шостакович передает средствами шаржированных маршей. Этим он подвергает сомнению идею социализма.
 
На победу СССР в Великой Отечественной войне Шостакович отзывается хлесткой, галопной радостью Девятой симфонии.

Шостакович тайно противостоит великому инквизитору Сталину!

Шостакович – двуличен: пользуется благами власть имущих и одновременно издевается над ними.

Шостакович держит фигу в кармане с улыбкой на лице: вот его действительная гражданская позиция!
 
Музыка Шостаковича отравлена НЭПмановским духом.

Шостакович формируется как личность и как композитор в период НЭПа и, естественно, что он становится выразителем НЭПмановской идеологии.

На эклектическую всеядность Шостаковича указывает тот факт, что он сочиняет и аранжирует джазовую музыку.

Вместо традиционной судьбы в музыке Шостаковича на авансцену выступает бездушная машина тоталитаризма!

Трагедийность музыки Шостаковича определяет конфликт между личностью и грозной внешней силой.

Шостакович в музыке ведет напряженный диалог с эпохой кровавых революций и войн.

4. Имена
 
Дмитрий Шостакович создает музыкальный «Сатирикон» Петрония Арбитра.

Шостакович в раблезианском духе высмеивает человеческие пороки и недостатки.

Являясь демократом по натуре, Антонио Сальери служит при дворе австрийского императора. Через 150 лет в ситуацию «официального» оппозиционера попадает Шостакович!

Апостол Павел говорит, что сатана иногда «принимает вид ангела света». Невольно задаешься вопросом: не является ли радость в музыке Шостаковича не светлой, счастливой, а темной, сатанинской? Шостакович – идейный антипод Людвига ван Бетховена.

В композиторе Шостаковиче сосуществуют два лица: симфонист бетховенского масштаба и молодой Франц Шуберт, упоенный смешливой юностью.
 
Шостакович – талантливый мистификатор. Ключ к его музыке надо искать в прозе Николая Гоголя.

Музыка Шостаковича замешана на гоголевской чертовщине.

Гоголь, Достоевский, Врубель, Малевич, Булгаков, Шостакович братаются в искусстве с нечистой силой.

Сырой, мрачный, враждебный Петербург получает воплощение в литературе Гоголя, Достоевского, Крестовского, Сологуба, Белого, Пастернака, в живописи Добужинского, в музыке Шостаковича. Все они смотрят на столицу империи сквозь черные очки неприязни и страха. Почти все они – представители национальных меньшинств Российской империи – украинцы, поляки, евреи.
 
От героического симфонизма немецкого венгра Ференца Листа – прямая дорога к революционному симфонизму русского поляка Шостаковича!

Своим происхождением Фёдор Достоевский, Игорь Стравинский, Дмитрий Шостакович связаны с белорусской землей. Можно представить, какое влияние оказывает на их творчество страна болот, сумрака и отсталости!

Достоевский и Шостакович – остросоциальные художники: они обнажают гнойные язвы общества.

В русской музыке XIX-XX веков существует два эстетических направления: светлое, эпико-созерцательное представляют Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков, Прокофьев, Свиридов, темное, эпико-драматическое – Чайковский, Шостакович, Шнитке, Щедрин. Нужно только догадываться: кто из современных композиторов соединит эти линии вместе?

От кого Шостакович воспринимает оркестровую экспрессию? Прежде всего, от Николая Римского-Корсакова. Сравните звуковой напор «Битвы при Керженце» с драматическим накалом сражений в революционных симфониях Шостаковича и вы убедитесь в правоте этих слов!

Шостаковичу свойственен широкий малеровский симфонизм.

Шостакович – советский Густав Малер, но только без его душевного благородства.

Малер – эклектик, однако в его музыке присутствует австрийский дух. В эклектической музыке Шостаковича нет русского духа. Для еврея Малера Австрия – родина, для поляка Шостаковича Россия – чужая страна!

Симфонии Малера и Шостаковича представляют собой непрерывный поток сознания Марселя Пруста или Джеймса Джойса. Впрочем, надо видеть сходство и разницу между этими художниками: произведения Малера и Пруста – возвышенные, красивые, Шостаковича и Джойса – обыденные, мрачные.
 
Обличительный музыкальный стиль Шостаковича опирается на традиции русской сатирической литературы конца XIX – начала XX веков: на прозу Чехова, Аверченко, Булгакова, Зощенко, Хармса, Чёрного.
 
Символом творчества Кандинского, Скрябина, Ларионова, Прокофьева является красный квадрат, Стравинского, Малевича, Шостаковича – черный. В красном квадрате – русские гении, в черном – польско-еврейские. У тех и других разное мироощущение, разные подходы к жизни, к искусству. Это художники света и тьмы.

Сразу начисто, без помарок пишет стихи Константин Бальмонт и музыку Шостакович. Выработав оригинальный стиль, эти «чистописатели» нередко впадают в посредственность, в трафаретное изложение материала. Как говорится: не все вдохновенное – гениально!

XX век раздвигает рамки музыки до божественных высот и сатанинских глубин, на противоположных полюсах оказываются, с одной стороны, Скрябин и Мессиан, с другой, – Берг и Шостакович.

Музыка Арнольда Шёнберга принадлежит к позднему романтизму и экспрессионизму, Шостаковича – к натуралистическому реализму: оба они гении ночи, гении страха и отчаяния.

Шутливую, ироническую музыку Шостаковича как нельзя лучше иллюстрирует последний роман Томаса Манна «Авантюрист».

Шостакович – Казимир Малевич в музыке: знаменитый эпизод фашистского нашествия из Седьмой симфонии Шостаковича можно трактовать, как марш «черных квадратов» Малевича!

Александр Грин (по отцу – Гриневский) уносится мечтами в голубые дали. Шостакович (по отцу – Шестокович) заглядывает в мрачный потусторонний мир. Эти крупные творческие индивидуальности по национальности «русские поляки» не принимают российскую действительность. Первый из них абсолютизирует яркий свет, второй – непроглядную тьму.

Шостакович – талантливый мифотворец: в этом деле он не уступает писателю Андрею Белому.

В критическом отношении Андрея Белого к прозе Достоевского присутствует элемент самозащиты от влияния великого русского писателя. Андрей Белый подмечает слабые стороны романов гения: это неровность литературного стиля, это «поддельная бездна его творений», это, наконец, восприятие Достоевского, как «политиканствующего мистика». Какое отношение имеет критика Андрея Белого к музыке Шостаковича? Самое прямое. Все три «обвинения» в адрес автора «Бесов» с полным основанием можно отнести к Шостаковичу, а также к Альфреду Шнитке. Достоевский, Шостакович, Шнитке погружаются в такие психологические «трясины», где человек, надышавшись ядовитыми миазмами, гибнет.

В здоровом, жизнерадостном юморе Аркадия Аверченко и иронической музыке Сергея Прокофьева нет и тени болезненной рефлексии, во власти которой всецело находятся Михаил Зощенко и Шостакович: «светлые» и «темные» художники принадлежат к противоположным эстетическим лагерям!

У Игоря Стравинского и Шостаковича общая музыкальная почва – творчество Римского-Корсакова: Стравинский – ученик Римского-Корсакова, Шостакович – ученик его ученика. Иронию, юмор, сатиру маститого наставника они поднимают до ядовитого сарказма, до нечистой силы, беснующейся в припадочном хохоте. В опере «Золотой петушок» Римский-Корсаков обличает русского монарха в образе глупого царя Додона. Разве может прославлять советского диктатора Шостакович – внук противника самодержавной власти, сосланного за вольнодумство в Сибирь?

Стравинский, Шостакович, Шнитке – превосходные музыкальные пародисты.

Кровавые драмы на оперной сцене долго не задерживаются. Об этом свидетельствуют экспрессионистские оперы Альбана Берга и Шостаковича.

Сталкиваясь с несправедливостью в жизни, Шостакович, подобно Чарли Чаплину, строит шутовские гримасы. Странно, что музыковеды не замечают в его симфониях напускную патетику, скрытую усмешку чаплинского полуидиота.

В писательской среде Илья Эренбург слывет рафинированным интеллигентом. На самом деле, он имеет множество личин, масок, скрывающих его сущность. Это человек дьявольской увертливости, игры и трюкачества в опасных общественных ситуациях. Таким же характером обладает и Шостакович.

Бурлеск Михаила Булгакова «Дьяволиада» обличает советское чиновничество, являясь, по сути дела, повторением гоголевской сатиры на чиновничий мир царской России. Такое же обличение присутствует в музыке Шостаковича. Не случайно 24-летний композитор пишет оперу «Нос» на гоголевский сюжет. Произведения Гоголя, Булгакова, Шостаковича есть не что иное, как социальное брюзжание украинско-польской элиты на российскую действительность.

Каково содержание музыки Шостаковича? Прочтите роман «Мастер и Маргарита» Булгакова – и вы поймете, о чем повествуют симфонии композитора.

Музыкальный сарказм Шостаковича столь же ядовит, как обличительная проза Михаила Булгакова, Андрея Платонова, Даниила Хармса.

Музыке Шостаковича характерны булгаковская трагическая заостренность и сарказм, высмеивающие людские пороки. Однако, в отличие от Булгакова, Шостакович не затрагивает христианские духовные ценности: он не знает и не хочет знать Отца Небесного.

Есть некое духовное родство между Михаилом Зощенко и Шостаковичем: они высмеивают мещанство обывательской сатирой, т.е. полощут грязное белье в грязной воде!

В музыке Шостаковича НЭПмановский юмор – такого же свойства, как в прозе Зощенко.

В искусстве XX века широкое распространение получает садистско-кровавая сексуальность, которую встречаем в романах Владимира Набокова, в живописи Сальвадора Дали, в музыке Дмитрия Шостаковича. Все это бесовские вожделения!

Шостакович – Андрей Платонов в музыке: оба находятся в плену антибольшевистской фантасмагории!

Потаенная скорбь русской земли, на которой ведется оголтелое строительство социализма – вот о чем повествует «Котлован» Андрея Платонова и симфонии Шостаковича.
 
В 1930 году Андрей Платонов создает повесть «Котлован», а Шостакович – оперу «Нос». Там и здесь карикатура на советское общество. Случайно или нет, но в фокусе эпохи оказываются три великих имени: Гоголь, Платонов, Шостакович.

Кинофильмы Луиса Бунюэля и музыка Шостаковича имеют общие черты: ирония, сатира, озорной абсурд, срывающий маски с современного дегуманизированного общества.

Особенно явственно обнажается ограниченность музыкального таланта Шостаковича в сравнении с вдохновенными солнечными произведениями Арама Хачатуряна – гения россиниевского масштаба.

Михаил Шолохов в 26 лет создает гениальный роман «Тихий Дон», а Шостакович примерно в таком же возрасте – псевдогениальную оперу «Леди Макбет Мценского уезда». Не всякий талант жизнетворен!
 
Шостакович и Даниил Хармс – собратья по уничтожающей сатире и язвительному сарказму.

У Хармса и Шостаковича прямо-таки загораются глаза от возможности пощекотать нервы простым советским людям.

Музыка Бенджамина Бриттена и Шостаковича трагедийная, апокалипсическая, предсказывающая конец света. Это понятно, ведь она рождается в эпоху двух мировых войн, унесших десятки миллионов человеческих жизней!

От сдержанной лирики до вулканического извержения чувств – такова амплитуда колебания эмоций в музыке Бриттена и Шостаковича: это трагедийная, страждущая музыка, это плач Иеремии о гибнущем мире!

Шостакович и Евгений Евтушенко – современные юродивые, встретившиеся в Тринадцатой симфонии композитора.

Выделяются три пары поэтов и композиторов, так сказать, литературно-музыкальных двойников: Евгений Евтушенко – Шостакович (эмоциональное творчество); Андрей Вознесенский – Слонимский (интеллектуальное); Иосиф Бродский – Шнитке (эмоционально-интеллектуальное). Как видим, в советском искусстве происходит смещение от реализма к модернизму и постмодернизму.

Джон Адамс создает оперу «Никсон в Китае» в 1972 году, но до него Шостакович пишет «Антиформалистический раёк» о Сталине. Оба «шедевра» – издержки музыкального театра!

ХРАМ ВСЕЛЕННОЙ

Оливье Мессиан (1908-1992) — французский композитор, органист, пианист, музыкальный теоретик, педагог, орнитолог. Творчество Мессиана – это самостоятельная, независимая от каких-либо школ и направлений область современной музыки.
 
1. Небо

Над головой Оливье Мессиана простирается христианское Небо.

Орган Мессиана звучит торжественно и мощно в храме Вселенной.

Лирика Мессиана омывает душу Небесной чистотой и свежестью.

В одухотворенной лирике Мессиана отражается образ Пресвятой Девы Марии.

Мессиан с сердечной теплотой повествует о младенце Иисусе Христе. Этот образ рождает трогательную музыку. В ней встречаются эпизоды умиротворенного покоя, тихого созерцания бескрайних просторов неба, ее нежные мелодии ангельски чистые и кроткие.

Когда в экспрессивных пьесах Мессиана Вселенную оглашает зубной скрежет дьявола, делается страшно.

2. Франциск Ассизский

Оливье Мессиан – Франциск Ассизский в музыке: проповедник и композитор славят Отца Небесного и красоту Божьего мира.

Создавая оперу о Франциске Ассизском, Мессиан пишет музыку Небесной святости.

Для чего Мессиан сорок лет записывает пение экзотических птиц? Чтобы узнать, как поют целомудренные души.

Когда магические звуки Мессиана погружают нас в состояние нирваны, чувствуешь себя индийским мудрецом.

3. Вера

Произведения Оливье Мессиана отличаются глубоким религиозно-философским содержанием.

Музыка для органа Мессиана ассоциируется с Небесной твердью и звоном колоколов.

Творчество Мессиана – это готический собор. Величественная музыка композитора имеет такой же прочный фундамент, такие же легкие несущие конструкции и такую же неудержимую устремленность в небо.

Музыка Мессиана многогранна: ее изобразительность символична, ее эмоциональность одухотворенна, ее религиозность поэтична, ее колорит утончен, прозрачен и светел, как утренняя роса на траве. Вера композитора в Бога охватывает все мироздание от цветка до Всевышнего.

4. Бах и другие композиторы

Говорят, что Оливье Мессиан – Иоганн Себастьян Бах XX столетия. Это верно. Но есть и отличие между Бахом и Мессианом: немецкий композитор повествует о земной жизни Иисуса Христа, французский мастер – переносит легендарную жизнь Сына Человеческого в небесные просторы: именно там, а не в знойной пустыне сатана искушает Иисуса Христа, именно там сталкивается непоколебимый дух Богочеловека со злобой и ненавистью сатаны. Мессиан проецирует Святое Писание на Вселенную.

В творчестве Мессиана запечатлен Божий мир во всем его богатстве и многообразии. Действительно, Мессиан – Иоганн Себастьян Бах, однако с собственным творческим лицом. Его музыка, с одной стороны, воистину религиозна, с другой, - опирается на реальную жизнь, которую он воспринимает в свете христианской веры. Разница между Мессианом и Бахом состоит в том, что Бах воспринимает мир через призму библейской истории, тогда как Мессиан видит мир глазами рационально мыслящего человека. Вера Баха опирается на библейские легенды, Мессиана – на реальный мир.

Музыкальное созерцание Мессиана вбирает в себя религиозную музыку Баха, театрально-изобразительную – Георга Телемана и Георга Фридриха Генделя. При этом Мессиан – дитя своего времени. Он использует лаконизм Эрика Сати, логику Клода Дебюсси, красочность Дариюса Мийо, лирику Франсиса Пуленка, театральность Артюра Онеггера.

Непредвзятый человек услышит в фортепианных пьесах Мессиана черты музыкального языка Михаила Глинки, Модеста Мусоргского, Николая Римского-Корсакова, Клода Дебюсси, Мориса Равеля, Игоря Стравинского. Это свидетельствует о том, что Мессиан выступает как художник, обобщающий прошлый опыт.

Дебюсси созерцает мир, Мессиан – Бога, сотворившего мир.

Мессиан – Редьярд Киплинг в музыке, открывающий экзотический Восток.

Итог

Оливье Мессиан – самый грандиозный и самый могучий композитор Франции!

В творчестве Мессиана воплощается мощь и величие духа французского народа!

ЛИТАВРЫ ОПТИМИЗМА

Тихон Хренников (1913-2007) — советский, российский композитор, пианист, музыкальный писатель, педагог, музыкально-общественный деятель.

1. Произведения сложной формы

Оптимизм музыки Тихона Хренникова праздничный, ликующий!

Хренников бьет в литавры оптимизма!

2. Песни

Тихон Хренников воспевает сентиментальную любовь и рыцарскую доблесть в песне.

Хренников – советский Александр Гурилёв.

3. Три гения

20-летний Тихон Хренников пишет известный в стране и за ее пределами Первый концерт для фортепиано с оркестром, 20-летний Дмитрий Шостакович – знаменитую Первую симфонию, 20-летний Георгий Свиридов – талантливый вокальный цикл на стихи А.С. Пушкина. Эти композиторы становятся ведущими фигурами советской музыки.

Тихон Николаевич Хренников возглавляет Союз композиторов СССР, Дмитрий Шостакович и Георгий Свиридов – Союз композиторов РСФСР. Между ними складываются далеко непростые, если не враждебные, взаимоотношения. Гении знают себе цену!

ДРУГ ЧЕЛОВЕЧЕСТВА

Бенджамин Бриттен (1913-1976) — британский композитор, пианист, дирижер, музыкально-общественный деятель.

1. Символ

Англия Джона Дона, Генри Пёрселла и Англия Бернарда Шоу, Бенджамина Бриттена – это одна и та же страна, но в двух ракурсах: традиционная и современная, степенная и праздничная, державная и трагическая. Это одна и та же Англия – величественная, как колонна адмирала Нельсона в центре Трафальгарской площади.

2. Музыка

Музыка Бенджамина Бриттена дает образец обновленной тональности, позволяющей выражать бесконечное разнообразие чувств.

Музыка Бриттена погружает в атлантические глубины души.

Музыка Бриттена – пейзажно-морская, тёрнеровская. Об этом свидетельствует его опера «Питер Граймс».

3. Шекспир

Бенджамин Бриттен в музыке реалистичен и многогранен, как Уильям Шекспир.

Музыка Бриттена содержит мощный шекспировский дух.

Бриттен, подобно Шекспиру, трагедиен.

В музыке Бриттен драматичен, как Гамлет и лиричен, как Офелия!

Трагедийная музыка Бриттена по-шекспировски жизнеутверждающая.

4. Имена

Бенджамин Бриттен продолжает традиции музыки Генри Пёрселла в XX веке.

Музыка Бриттена и Уильяма Уолтона принадлежит экспрессионистскому романтизму.

Ставя рядом Бриттена с Сергеем Прокофьевым, подразумеваем, что их музыка находится в процессе непрерывного обновления.

От сдержанной лирики до вулканических чувств – такова амплитуда колебания эмоций в музыке Бриттена и Дмитрия Шостаковича: это горестная, горько страдающая и страждущая музыка!

Действующие лица романов писателя-гея Марселя Пруста и опер композитора-гея Бенджамина Бриттена зачастую выступают люди с гомосексуальными наклонностями. Каков художник, таковы его герои!

Благодушно-сентиментальным рассказам Германа Гессе соответствует благозвучно-сентиментальная музыка Бриттена.

В одном ряду стоят гуманно настроенный Джон Голсуорси и Бриттен.

5. Общественная позиция

Бенджамин Бриттен заслуживает уважение людей как выдающийся композитор-просветитель.

Бриттен – композитор-пацифист, призывающий к миру.

Бриттен – гуманист и друг человечества.

СВЕТОНОСНАЯ РОССИЯ

Георгий Свиридов (1915-1998) — советский, российский композитор, пианист, музыкальный писатель.

 1. Образы

«Душа грустит о Небесах», - вот те слова Георгия Свиридова, которые определяют сущность музыки композитора.

Мелодии Свиридова белыми лебедями уносятся в поднебесье.

Небесную музыку Свиридова оглашает журавлиный клекот.

Творчество Свиридова – это орлиный размах крыльев над просторами России.

2. Россия

 Георгий Свиридов – истинно русский композитор, чья музыка от первой до последней ноты принадлежит русской культуре.

Музыка Свиридова рисует типично русские картины: по снежной равнине несется тройка с бубенцами; вокруг бескрайние просторы; над головой прозрачное небо; в памяти всплывают давно минувшие счастливые дни: бал, радостная встреча, пение двух молодых женщин, парадный военный марш – все это означает, что судьба русского человека неотделима от судьбы родного края.

Для Свиридова нет высшей святости, чем Россия и русский народ.

Свиридов питает горячую любовь к России. Он принимает Россию, как высшую духовную ценность, как святость, как Божественную ипостась. Композитор завещает людям: «Не потеряйте Россию, не сгубите родину, сберегите ее для будущих поколений».

Свиридов воплощает в музыке Идеальную, а не реально существующую Россию. Для него Россия – это икона в золотом окладе!

Музыка Свиридова пробуждает воспоминания о славном прошлом Отечества.

До чуткого уха Свиридова доносится многовековый стон Руси.

Свиридов воссоздает в музыке страдание русского народа, разливающееся во всю ширь России.

Свиридов всецело растворяется в трагической истории русского государства.

Музыка Свиридова олицетворяет самое ценное, что есть в русском человеке – веру в Бога.

В кантатах и ораториях Свиридова звучит покаяние русского человека перед Всевышним.

Песни Свиридова оглашают небесные просторы, где царит духовная чистота и святость!

3. Музыкальные корни

Музыка Георгия Свиридова возвращает нас к творчеству Модеста Мусоргского.

Мусоргский и Свиридов с болью в сердце откликаются на горе и слёзы России.

Мусоргский отображает страдающую Россию, Свиридов – Россию накануне ее гибели.

Возвращая к жизни русскую интонацию, Свиридов опирается на крестьянскую Россию Мусоргского и дворянскую Россию Рахманинова: в первом случае заявляет о себе энергия духа, во втором – скорбь души.

Секрет эмоциональной глубины свиридовских мелодий заключается в том, что они представляют собой органичный сплав музыкальных интонаций эпического Александра Бородина, драматического Модеста Мусоргского, лирического Сергея Рахманинова. Произведения композитора имеют несколько пластов русской музыки.

Небесная чистота свиридовской музыки присутствует в печальной, но светлой лирике позднего Рахманинова.

В музыке существует родственная близость: Игорь Стравинский – духовный сын Римского-Корсакова, Георгий Свиридов, Валерий Гаврилин, Валерий Кикта – духовные дети Мусоргского.

Кантатно-ораториальное творчество Свиридова не является неким исключением. В таком же стиле создает музыку немецкий композитор Карл Орф. Можно даже сказать, что Свиридов – Карл Орф бескрайних русских просторов.

4. Постмодернизм

Георгий Свиридов не сочиняет, а воссоздает русскую классическую музыку на новом историческом этапе.

Песни и романсы Свиридова имитируют народную музыку. Это стилизация, а не самостоятельное творчество.

Свиридов – большой мастер, возвращающий к жизни русскую музыку.

Что мы имеем в музыке Свиридова: новый стиль или перевоплощение старой русской мелодики? Если верно второе, то Свиридов – композитор-реставратор, композитор-постмодернист.

Свиридов обновляет дореволюционную русскую музыку, принимает старое русское мироощущение. Поэтому его нужно считать типичным композитором-постмодернистом.

 Перенося в новое время русскую музыку, Свиридов создает «вторичное» искусство, принадлежащее эпохе постмодернизма. В противоположность Свиридову, Сергей Прокофьев и Арам Хачатурян – действительно оригинальные современные композиторы.

ЕВРЕЙСКИЙ МЕЛОС

Моисей Вайнберг (1919-1996) — польский, советский, российский композитор, пианист, ансамблист, дирижер.

Музыка Моисея Вайнберга разливается широкими эмоциональными потоками.

Лирика Вайнберга вытекает из доброй, мягкой души композитора.

Если чем-либо примечательна романтическая музыка Вайнберга, то, прежде всего, еврейским мелодизмом.

Вайнберг – композитор с горячим еврейским сердцем.

Из сердца Вайнберга кровоточит вековая скорбь разбросанных по всему миру евреев.

Вайнберг отображает в музыке страдания еврейского народа.

В инструментальной музыке Вайнберг погружается в глубины мироздания.

Оперные спектакли Вайнберга динамичны, увлекают зрителей острыми сюжетными коллизиями.

У Вайнберга есть предшественник – еврейский композитор Симон Лакс, а также его друг и наставник – Дмитрий Шостакович. Всех троих объединяют общие польские корни и экспрессивный музыкальный язык.

 
БИОФИЗИК В МУЗЫКЕ

Янис Ксенакис (1922-2001) — французский композитор, пианист, архитектор греческого происхождения. Один из лидеров современной Новой музыки и концептуализма в архитектуре, создатель стохастической музыки.

1. Древняя Греция

С какой математической точностью Янис Ксенакис не создавал бы музыку, в ней сохраняется греческий национальный колорит.

Математическая музыка Ксенакиса по-своему прекрасна: она гармонична, в ней присутствует дух античности.

В музыке Ксенакиса зарождаются и гибнут цивилизации. Сегодня лишь громкие удары барабанов и тихий шелест гирлянд напоминают о жизни древних греков.

2. Век техники

Музыка Яниса Ксенакиса – это синтез физики и биологии, материи и духа. В ней предметы физического мира обладают психикой!

Ксенакис вдыхает жизнь в физический мир.

В музыке Ксенакиса предметы физического мира дышат и чувствуют, как живые существа.

Ксенакис наделяет объекты физического мира эмоциями.

У Ксенакиса неодушевленные предметы имеют разум.

Ксенакис – ученый-биофизик в музыке!

СВЕТЛЫЙ АВАНГАРДИСТ

Дьёрдь Лигети (1923-2006) — венгерский, австрийский композитор-авангардист, педагог.

Дьёрдь Лигети виртуозно владеет техникой композиторского письма. Он не ремесленник, а самобытная творческая личность.

Лигети непредсказуем в художественных «изобретениях». В нем присутствует оригинальный и, главное, светлый талант.

Тихая, застывшая музыка Лигети успокаивает душу, словно предрассветный туман над озером. Нас завораживает тончайшая постимпрессионистская картина звуков и тембров.

Экспрессивная музыка Лигети не ранит душу. Но когда она спокойная и созерцательная – это сама утренняя свежесть, капли росы на лепестках ландыша.

 Медленные пьесы Лигети хрупкие и нежные: перед глазами возникает узкая ленточка бытия, которая дрожит и в любую минуту может оборваться.

«Ужасы» в музыке Лигети скорее театрально-декоративные, чем разрушительные, и поэтому они легко воспринимаются. У композитора в целом светлое и ясное мироощущение.

Сарказм в опере абсурда «Великий Мертвиарх» Лигети – это безудержный хохот сатаны-подагрика!

В музыке Лигети отсутствует широкая панорама жизни, какую находим у Артюра Онеггера и Сергея Прокофьева.

По своеобразию и яркости музыка Лигети не уступает музыке Прокофьева. Новаторство этих композиторов не уничтожает живую музыкальную речь.

Лапидарность и рельефность музыки характерны двум венгерским композиторам – Дьёрдью Лигети и Дьёрдью Куртагу.

СИММЕТРИЯ ВСЕЛЕННОЙ

Пьер Булез (1925-2016) — французский композитор, пианист, дирижер, музыкальный писатель, педагог. Лидер французского музыкального авангарда.

Авангардные композиции Пьера Булеза – это музыкальный космос.

Музыка Булеза – это звуковой микромир.

Материя, пространство и время определяют структуру произведений Булеза.

В музыке Булеза интеллект «вычисляет» движение атомов, электронов и протонов.

В основе музыки Булеза лежит симметрия микро- и макромиров, атомов и звезд.

Математические произведения Булеза эмоционально окрашенные, вследствие чего возникает эффект одухотворенной материи.

Несмотря на атомную структуру музыки Булеза, она – духовна.

Музыка Булеза – это Божественно прекрасное бытие бесконечно малых и бесконечно больших миров.

ЭТИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ

Борис Чайковский (1925-1996) — советский, российский композитор, пианист, педагог.

1. Интеллигентность

Борис Чайковский – композитор-интеллигент. Он задумывается о смысле жизни человека.

Чайковский с редкой деликатностью поднимает вопросы о человеческой природе.

В музыке Чайковского эмоции – умные, а ум – эмоциональный.

В музыке Чайковского мысли возвышенные и красивые.

Чайковский мыслит категориями добра, благородства и красоты.

 
2. Лирика

Логика музыкального развития в произведениях Бориса Чайковского не подавляет их светлую лирику.

Музыка Чайковского трогает возвышенными лирическими откровениями.

Лирика Чайковского имеет одухотворенный характер.

3. Красота

В основе музыки Бориса Чайковского лежит красота.

Благородная музыка – красива, красивая музыка – благородна. Вот квинтэссенция произведений Чайковского.

4. Стиль

Судя по музыке, Борис Чайковский – тот же Дмитрий Шостакович, только с положительным восприятием мира.

Чайковский – высоконравственный Шостакович.

5. Метод

Творческий метод Бориса Чайковского можно определить как этический реализм.
 

ГЕНИЙ ТЕХНОМУЗЫКИ

Карлхайнц Штокхаузен (1928-2007) — немецкий композитор, дирижер, музыкальный теоретик, педагог, издатель. Один из крупнейших новаторов музыки второй половины XX века и лидеров музыкального авангарда (Новой музыки).

1. Творческий портрет

Карлхайнц Штокхаузен достигает апогея катастрофизма в музыкальном искусстве!

В авангардной музыке Штокхаузена Вселенная разбивается на осколки!

Музыка Штокхаузена иллюстрирует «звездные войны» будущего.

Музыка Штокхаузена отображает интенсивные процессы в ядерном реакторе, в котором электронные пушки расстреливают атомы.

Штокхаузен – физик-ядерщик в музыке.

Штокхаузен – гений техномузыки!

Штокхаузен создает музыку агрессивной монотонности, которую невыносимо слушать: она давит на психику, как непрерывно гремящий бульдозер во дворе!

В качестве авангардиста Штокхаузен ограждает себя от классической музыки стеной грохота, в качестве постмодерниста – воспевает райские кущи.

В основе «всемирной музыки» Штокхаузена лежат два противоположных мира: атональный ад и тональный рай, огнедышащее жерло вулкана и вечное блаженство.

Штокхаузен – основоположник «вельтмузыки», - музыки всех народов и всех времен.

2. Всемирные идеи

 Карлхайнцу Штокхаузену кажется, что на куполе храма искусств стерлась позолота, и он решает набросить на него шелковую материю звездного неба. Преемник Рихарда Вагнера мыслит вселенскими категориями.

Штокхаузен – величайший архитектор музыки XX столетия. Он воздвигает гигантские звуковые конструкции, достойные новаторских идей Владимира Татлина и Ле Корбюзье.

Писатель Генри Миллер и Штокхаузен не без сексуального цинизма воплощают идею рождения мира из женской плоти.

Не всякий великий художник обладает культурой фантазии. Прилично ли поступает Штокхаузен, связывая рождение мира с женской физиологией? Подобным образом действуют писатель Генри Миллер и кинорежиссер Паоло Пазолини.

Идея сотворения мира лежит в основе грандиозных полотен художника Давида Сикейроса и композитора Штокхаузена. С полным основанием их можно относить к гениям вселенских проектов!

 
ЭФИРНЫЙ МАЛЬЧИК

Эдисон Денисов (1929-1996) — советский, российский композитор, пианист, музыковед, педагог, музыкально-общественный деятель. Принадлежит к музыкальному авангарду.

1. Вселенная

Эдисон Денисов вслушивается в музыку вселенских глубин.

Музыка Денисова погружает нас во вселенское звуковое пространство.

2. Живопись

В произведениях Эдисона Денисова присутствуют красочные пятна, оживляющие абстрактное музыкальное полотно.

Денисов – музыкальный художник-абстракционист. Он мыслит звуковыми красками и красочными звуками.

Абстрактная музыка Денисова – акварельно-красочная. Для восприятия ее нужно иметь цветной слух или музыкальное зрение.

Денисов сочиняет острую, «колючую» музыку: иногда она напоминает стоящий на подоконнике кактус, иногда – его алый цветок.

Денисов – композитор богатой звуко-живописной палитры. Он «рисует» тщательно продуманные звуковые картины. При этом оркестр композитора всегда по-моцартовски либо по-веберновски прозрачен.

Музыка Денисова находится в одном ряду с картинами художников-абстракционистов. Денисов – Василий Кандинский в музыке, что еще раз подтверждает его оркестровая пьеса «Живопись».

3. Творческий метод

Музыке Эдисона Денисова свойственен воздушный, эфирный импрессионизм, возникающий при легком соприкосновении тональности и атональности, мелодии и серии.

Денисов – эфирный мальчик, порхающий между традиционной и авангардной музыкой, между классикой и джазом.

Денисов, прежде всего, теоретик, а затем – композитор. Он стремится к тотальной организации звуков.

Свои лучшие произведения Денисов пишет в стиле музыкального абстракционизма.

Денисов использует мало нот для того, чтобы лучше «слышать» и «различать» их умом.

Денисов обладает веберновским музыкальным интеллектом. Денисов более эмоционален, чем немецкий композитор. В его музыке присутствует душа Вселенной, в музыке Веберна – вселенский дух.

СОКРОВИЩА ЖЕНСКОЙ ДУШИ

София Губайдулина (р.1931) — советский, российский композитор, пианист, с 1991 года живет в Германии. Принадлежит к музыкальному авангарду.

1. Композиторский почерк

Если хотите заглянуть в душу женщины высокой культуры – слушайте музыку Софии Губайдулиной.

В музыке Губайдулиной отражаются ее духовные стремления и порывы.

Губайдулина натягивает струны сердца до опасного предела: они могут лопнуть в любую минуту.

Губайдулина строга к своей душе, которую она ограждает от внешнего мира.

Музыка Губайдулиной очищает душу и разум, поднимает интеллект до Божественных высот.

Музыку Губайдулиной согревает надежда.

Галина Уствольская поверяет музыку логикой, Губайдулина – числами и формулами. Перед нами женщины-композиторы с высоким интеллектом.

2. Воспоминания

Нередко София Губайдулина погружается в воспоминания о далекой татарской родине, о волшебном восточном крае, утопающем в лучах солнца. Ее душа изливает любовные признания и благодарность уголку счастливого детства.

 
3. Сновидения

София Губайдулина пребывает в эфемерном мире грез и фантазий.

Музыка Губайдулиной открывает мир видений женщины, находящейся между сном и реальностью.

В музыке Губайдулиной отражается сон наяву, или состояние нирваны, в котором ее душа продолжает видеть, слышать, мыслить, чувствовать, горевать и надеяться.

Музыка Губайдулиной – это затаенная лирика души, импульсы сознания и подсознания. Особенно трогательно чувство тихой, нежной женской покорности, которое всецело владеет ею. Кажется, что это легкое забытье, что на мир наброшена шелковая полупрозрачная ткань с изысканными и утонченными узорами. Диапазон переживаний Губайдулиной широк: страх, отчаяние, плач, бурный протест, скорбная отстраненность от мира и постоянно врывающиеся в душу враждебные силы. Несмотря на бесконечную череду отрицательных эмоций, в финалах ее композиций наступает просветление, минуты короткого счастья, вызванного воспоминаниями о детстве или других радостных днях жизни. Это самые яркие, самые красивые моменты авангардной музыки Губайдулиной.

КОМПОЗИТОР-ТЕОРЕТИК

Сергей Слонимский (р.1932) — советский, российский композитор, пианист, музыковед, педагог. Один из современных крупнейших композиторов.

1. Призвания

У Сергея Слонимского два призвания: музыковеда и композитора. С одной стороны, он пишет умозрительную музыку, с другой – вдохновенную.

Слонимский – композитор-теоретик, композитор-исследователь русского фольклора.

2. Народное творчество

Творчество Сергея Слонимского – это богатая кладовая русского мелоса.

В творчестве Слонимский выступает талантливым интерпретатором русской народной песни.

3. Природа

 Сергей Слонимский – певец русского севера в музыке, ровно как Николай Рубцов – в поэзии. Оба они с благоговением взирают на красоту природы, старинные церквушки, заливные луга, величавые леса.

Слонимский погружается в созерцание природы. Он, как мудрый старожил, любовно смотрит на каждую травинку, на каждый сучок, вслушивается в птичьи голоса.

4. Россия

Музыка Сергея Слонимского заставляет задуматься о судьбах нашего Отечества: балашовской древней Руси и солженицынской гибнущей России.

5. Стилистика

Сколь многолик стилистический язык Сергея Слонимского, столь же аморфны его «подражания» известным образцам.

Важное место в творчестве Слонимского занимает музыкальная ирония и насмешка.

Слонимский из озорства пишет примитивную тривиальную балетную музыку.

6. Музыкальное родство

Сергей Слонимский – русский Эйтор Вилла-Лобос. В основе их музыки лежит народная песня. Общность Слонимского и Вилла-Лобоса состоит в том, что они опираются на народные песни. Несходство этих композиторов такое же, как разница между озерным мелководьем и океанской глубиной!

 Дмитрий Шостакович открывает для себя Малера, Слонимский – Брукнера. Шостакович – учитель Слонимского, Малер считает себя учеником Брукнера. Возникает своего рода художественный квартет. Он символизирует положение Австрии и России в конце XIX века. Обе великие империи находятся накануне распада. Отсюда – трагический характер музыки корифеев симфонии!

МУЗЫКАЛЬНЫЙ КОНСТРУКТИВИСТ

Родион Щедрин (р.1932) — советский, российский композитор, пианист, педагог, музыкально-общественный деятель. Один из крупнейших композиторов современности.

1. Интеллект

В зеркале музыкального интеллекта Родиона Щедрина отражается весь мир.

Щедрин не сочиняет музыку в традиционном смысле слова. Для него творчество – интеллектуальное музицирование в духе старинных мастеров.

Произведения Щедрина – это музыкально-интеллектуальные экзерсисы и кунштюки.

Щедрин – композитор-хирург, разрезающий скальпелем интеллекта живую музыкальную ткань.

2. Спорт

Музыка в глазах Родиона Щедрина – арена для интеллектуальных состязаний композиторов.

Щедрин – композитор-шахматист, играющий осторожно и логически безупречно.

Лозунг Щедрина: «все выше и выше» в строительстве интеллектуального здания музыки.

3. Стиль

 Родион Щедрин – композитор-потребитель оригинальных идей. Он оперативно использует чужие мысли в своих произведениях.

Не убеждает песенно-частушечная музыка Щедрина. Композитор далеко стоит от народа, нисколько не утруждаясь его бедами и горестями.

Щедрин – лженародный композитор, лакировщик народной музыки.

Щедрин – любитель скоморошничать в музыке. Нередко он распускает петушиный хвост оркестровой красочности!

Щедрин пишет «религиозную» музыку, не желая отставать от моды.

4. Новаторство

 Родион Щедрин с молодых лет – композитор-хулиган в музыке. Возможно, он предчувствует, что в России скоро наступят разбойные времена.

5. Талант

Символично, что Родион Щедрин, автор мертвой музыки, сочиняет оперу «Мёртвые души». В одном ряду оказываются три «выдающиеся» мертворожденные оперы на гоголевские сюжеты: «Женитьба» Модеста Мусоргского, «Нос» Дмитрия Шостаковича, «Мёртвые души» Родиона Щедрина.

АПОКАЛИПСИС В МУЗЫКЕ

Кшиштоф Пендерецкий (р.1933) — польский композитор, скрипач, пианист, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель. Один из главных представителей музыкального авангарда.

1. Авангардизм

Кшиштоф Пендерецкий – Иоанн Богослов в музыке XX века. Его звуковой апокалипсис не менее страшен, чем библейский. Композитор с потрясающей выразительной силой передает муки и страдания грешников перед концом света.

Какие бы темы не затрагивал Пендерецкий в музыке, она всегда апокалипсическая. В ней раскрывается ужас людей перед угрозой всемирной катастрофы. Ими владеет отчаяние, страх, безысходность и полная беспомощность. В других случаях люди, каясь в содеянных грехах и преступлениях, падают на колени перед Всевышним с мольбой о прощении. Знаменитый польский композитор предсказывает конец света, если люди не одумаются и не начнут жить по Божьим законам.

В авангардной музыке Пендерецкого хаос держит в тисках космос, и кажется, что хаос хочет раздавить космос. Это похоже на каюту корабля, за иллюминатором которой бушует океан.

Трагедийные композиции Пендерецкого – это музыка оголенных нервов и разорванного сознания.

Пендерецкий заключает душу человека в тюрьму скорби, делает ее заложницей всемирного страдания.

2. Неоромантизм

 Кшиштоф Пендерецкий истязает разум в авангардизме и ублажает слух в неоромантизме.

Пендерецкий – дерзкий новатор, но, в конечном счете, он находит покой и утешение в неоромантической музыке.

Период катастрофического экспрессионизма сменяется у Пендерецкого возвышенным неоромантизмом. В момент общественных бурь композитор-страус прячет голову в песок!

Эмоционально насыщенная музыка Пендерецкого ставит его в один ряд с лауреатом Нобелевской премии писателем Генрихом Сенкевичем.

ДЫХАНИЕ ВСЕЛЕННОЙ

Алемдар Караманов (1934-2007) — советский, российский, украинский композитор, пианист, основоположник музыкального направления «религия в симфонизме».

Парусник Алемдара Караманова рассекает земные и небесные просторы.

В музыке Караманова бушуют земные и вселенские стихии.

До слуха Караманова доносится голос Вселенной. Он слышит музыку звезд.

Караманов внимает Вселенной и Божьему промыслу.

Караманов – Иван Айвазовский в симфонической музыке!

Караманов продолжает традиции живописного импрессионизма Клода Дебюсси и волевого символизма Александра Скрябина!

Эйтор Вилла-Лобос ощущает дыхание океанского прибоя, Караманов – приливы и отливы Вселенной.

КАПЕЛЬМЕЙСТЕР ПРИ ДВОРЕ КНЯЗЯ ТЬМЫ

Альфред Шнитке (1934-1998) — советский, германский композитор, музыковед, педагог, один из наиболее значительных музыкальных деятелей второй половины XX века.
 
1. Личность

Альфред Шнитке – яркая звезда на музыкальном небосклоне России и Германии.

В музыке Шнитке душа человека терзается бесконечным одиночеством.

Шнитке – автор музыки отчаяния и ужаса.

Музыку Шнитке пронизывают страх и путаные мысли висельника.

Психика Шнитке извергает огненную лаву ненависти.

В трагедийной музыке Шнитке не обходится без обезьяньих гримас. Почему бы «гению» не покуражиться?

Шнитке – ловкий акробат на музыкальной арене.

2. Творческий метод

В музыке Альфреда Шнитке торжествует воинственный лжегуманизм!

Музыка Шнитке – искусственный продукт различных музыкальных культур, стилей и форм.

Когда звучит музыка Шнитке в старинном стиле, перед глазами встает образ композитора в парике с косичкой, склоняющего голову перед королем. Не перформанс ли это в музыкальном творчестве?

После одухотворенного неоклассицизма Петра Чайковского и Антонина Дворжака наступает время прикладного неоклассицизма Игоря Стравинского и Шнитке.

Психологизм в операх Альбана Берга и Дмитрия Шостаковича предельно экспрессивен. Позже берговская психопатическая трясина затягивает в свою хлябь Родиона Щедрина и Шнитке.

Сатира Николая Гоголя – земная, имеющая дело с гнусными людишками. Мерзопакостные герои Михаила Салтыкова-Щедрина поднимаются до символов зла. У Андрея Платонова и Даниила Хармса – сатира абсурда. Все это присутствует в киномузыке Шнитке.

Добродушная ирония вызывает положительные эмоции, едкая сатира – отрицательные. Среди писателей-обличителей социального зла – Михаил Салтыков-Щедрин, Михаил Булгаков, Даниил Хармс, в музыке – Шостакович, Шнитке.

Шнитке – Сальвадор Дали в музыке: психоделические фантазии композитора эротичны, если не сексуальны.

Музыка Шнитке, подобно романам Умберто Эко, погружает нас в темное, кровавое Средневековье.

«Гиперреальная» музыка Шнитке всецело соответствует бодрияровскому принципу «соблазна в замкнутом кругу». Она поражает, ошеломляет, ослепляет экспрессией чувств!

Иосиф Бродский и Альфред Шнитке – это тандем «гениев» в период крушения СССР. Свой зоологический страх перед катаклизмами эпохи они прикрывают высокопарной риторикой.

Музыка Родиона Щедрина – черно-белая, Шнитке – цветная. Щедрин – интеллектуален, Шнитке – эмоционален. Но их произведения в одинаковой мере вызывают агрессию в человеке.

Современная музыка отличается бинарностью архаики и модерна: таково постмодернистское мироощущение Шнитке, Майкла Наймана, Вангелиса.

Шнитке – романтик, покоряющий вершины авангардизма и постмодернизма.
 
3. Стилизация

Альфред Шнитке – гениальный стилист, но вовсе не гениальный композитор.

Малер, Стравинский, Шостакович, Шнитке – эклектики, создающие вторичное, подражательное искусство.

Среди всеядных эклектиков выделяются Стравинский, Шостакович, Шнитке – композиторы мелодических свалок.

Шнитке – сознательный эклектик. Его музыка – это интонационный букет из чертополоха и роз!

Шнитке – заядлый путешественник по странам музыкальных стилей.

Шнитке манипулирует композиторскими стилями, как заправский футболист – мячом!

Шнитке с явным удовольствием шаржирует тот или иной музыкальный стиль. Это, правда, еще не говорит, что его произведения художественно полноценны.

Шнитке рвет целостное музыкальное полотно на стилистические лоскуты и тряпки.

Шнитке – полистилистичен и полирелигиозен от бедности ума!
 
 
4. Демонизм

Альфред Шнитке – первый капельмейстер при дворе князя тьмы.

Шнитке – Мефистофель, страстно танцующий танго.

Шнитке поднимает сарказм Шостаковича до запредельных высот или опускает до адских глубин: в обоих случаях он берет на себя роль дьявола!

Трагедийность в музыке Шнитке обуславливается безуспешной попыткой соединить несоединимое: демона и ангела, дьявола и Христа.

Музыка Шнитке – это заупокойная месса под грохот барабана сатаны.

К пошлому, обывательскому музыкальному юмору обращаются Стравинский, Шостакович, Шнитке. В категорию «обличителей» социального зла можно включить также и многочисленную писательскую братию – Аверченко, Зощенко, Булгакова, Хармса и Веничку Ерофеева, докатившегося до литературного свинства. Все они – талантливые, а порой гениальные бесы!

В музыке Шнитке слышится скрежет зубов и жуткие вопли грешников, угодивших в ад.

В диссонансной музыке Шнитке, словно бритвой режет по сердцу, в консонансной – прельщает райским блаженством!

Сладкозвучная музыка Шнитке зовет в страну, где текут молочные реки с кисельными берегами. Рай ли это? Или прельщения сатаны?

 
ДУХОВНЫЙ ПОВОДЫРЬ НАРОДА

Гия Канчели (1935-2019) — советский, грузинский композитор, педагог.

1. Древняя Грузия

Гия Канчели – демиург Грузии в симфонической музыке.

Канчели – духовный поводырь грузинского народа.

Шестая симфония Канчели – это монументальная картина истории древней и современной Грузии.

Музыка Канчели передает горечь по утраченной славе и величию Грузии.

В красочных музыкальных полотнах Канчели отражается многовековая печаль неба и гор Грузии.

Неповторима музыка Канчели, отмеченная тончайшей акварельной звукописью! Источником вдохновения для композитора становится его любимая Грузия.

2. Симфонии

Семь драматических симфоний Гия Канчели – это кавказский хребет в современной симфонической музыке.

Уже в ранних симфониях Канчели конструирует миф о сотворении мира, земного и вселенского бытия: перед нами предстает композитор-мыслитель, композитор-созидатель!

Канчели в симфонических фресках, подобно гиганту-строителю, мощными ударами вбивает сваи в землю! Возможно иное толкование оглушительных ударов: кажется, что рок хочет прервать жизнь на Земле!

Канчели сочиняет музыку горных обвалов и цветущих долин. Его звуковая живопись – трагедийна, ибо рисует катастрофы, пережитые грузинским народом на протяжении многих веков.

Канчели – мастер оркестровой светотени, тихой, тонкой, едва уловимой: в ней музыка видит живопись, а живопись слышит музыку.

Канчели – непревзойденный мастер звучащей тишины в симфоническом полотне. Его воздушная звукопись находится на грани слышимого и неслышимого!

Тишина в музыке Канчели ширится сама в себе, у тишины есть свой внутренний мир, порой тишина приходит в волнение и вновь замирает. Иногда тишину прерывает громоподобный взрыв, после чего она спешит вернуться к самой себе. Тишину сумеречного пространства нарушает далекий голос саксофона: не есть ли это голос Канчели – автора ночного таинства, в котором он всецело растворяется?

3. Имена

Гия Канчели – Шота Руставели в грузинской музыке.

Поэт Руставели влюблен в царицу Тамару, Канчели восхищается красотой Грузии.

Канчели обладает мощным микеланджеловским духом созидания.

Центральное место в симфониях Канчели занимает противопоставление рока и жизни. Это бетховенская тема.

Канчели – симфонист бетховенского масштаба.

Великая грузинская скорбь ложится невидимой пеленой на будничную жизнь в картинах Нико Пиросмани и встает немым вопросом в музыке Канчели. Пиросмани – эмоциональный примитивист, Канчели – интеллектуальный мифотворец.

Если бы художник Пиросмани рисовал фрески на скалах гор, возникла бы величественная музыка Канчели. Пиросмани и Канчели в равной мере выражают дух грузинского народа!

Канчели мастерски владеет темброво- и колористически богатым оркестром. Его музыка не менее красочна, чем произведения импрессионистов Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Симфоническая музыка Эйтора Вилла-Лобоса – это тревожный океан и непроходимые джунгли, Канчели – горы и небо, скованные вечным покоем.

Александр Скрябин в музыке – космический, Эйтор Вилла-Лобос – океанский, Гия Канчели – горный. Все три композитора воплощают в музыке первозданные стихии природы!

БЛАГОСТНАЯ МУЗЫКА

Арво Пярт (р.1935) — советский, эстонский композитор, звукооператор, один из лидеров современной музыки.

Музыка Арво Пярта по-ангельски целомудренна.

Пярт создает музыку ангельской чистоты и святости.

Пярт сочиняет тихую, спокойную, благостную музыку.

Пярта вдохновляет Отец Небесный.

Пярт молится перед иконой Девы Марии.

Пярт выражает в музыке сокровенную молитву.

Пярт очищает душу христианской скорбью.

Нужно быть истинно верующим человеком, чтобы писать светлую, чистую, одухотворенную музыку. Это мы находим в творчестве Пярта.

Музыкальная вселенная Пярта изнутри светоносна: от беспредельных вершин духа до океанских глубин души!

Возвышенно-созерцательный Пярт продолжает традиции религиозной музыки Оливье Мессиана, по праву считающегося Бахом XX века.
00000000
ЭКЛЕКТИЧНЫЙ СТИЛЬ

Борис Тищенко (1939-2010) — советский, российский композитор, пианист, педагог.

Слушая музыку Бориса Тищенко, кажется, что дышишь воздухом хвойного леса.

Музыка Тищенко доносит до нас голос страдающей России.

Свежий русский мелодизм делает музыку Тищенко эмоционально и духовно содержательной.

Идеалами женской красоты для Тищенко выступают русская княжна Ярославна и дантевская синьора Беатриче.

Находясь между музыкой Дмитрия Шостаковича и Георгия Свиридова, Тищенко лишь иногда достигает интонационной целостности музыкального стиля. Впрочем, его романсы и фортепианные пьесы – угловатые, вычурные, несмотря на стремление автора быть простым и естественным.

Фортепианная музыка Тищенко отличается эмоциональной бледностью.

В «беспредметной» музыке Тищенко отходит в сторону от учителя Дмитрия Шостаковича, чьи произведения, напротив, изобразительны, даже кинематографичны.

Тищенко – птица, которая питается с кормушек Шостаковича и Свиридова.

ТАЛАНТЛИВЫЙ ИМИТАТОР

Валерий Гаврилин (1939-1999) — советский, российский композитор, хорист, кларнетист, пианист, музыковед-фольклорист, педагог.

Музыка Валерия Гаврилина звенит весенней разноголосицей.

Гаврилин внедряет в русский лубок острую социальную или военную тему: его деревенские идиллии ласкают ухо и разрывают сердце.

Музыка Гаврилина стилистически неровная: в ней чистый родник русской народной песни смешивается с пошлым массовым искусством.

Гаврилин – талантливый имитатор свиридовской музыки.

Хоровые произведения Гаврилина – это перепев музыки Георгия Свиридова, это, так сказать, вторичное искусство.

Благодаря Свиридову и Гаврилину старая, дореволюционная, музыкальная Россия возвращается к жизни!
 
Гаврилин и Евгений Дога известны как авторы ярких мелодий, получающих широкое распространение в обществе.

СЧАСТЛИВАЯ МУЗЫКА

Александр Ильич Рабинович-Бараковский (также Александр Рабинович) (р.1945) — советский и швейцарский композитор, пианист и дирижер.
1. Любовь

Музыка Александра Рабиновича-Бараковского раскрывает состояние любовного экстаза мужчины и женщины, находящихся в долгом тантрическом соитии.

 
2. Постскрябинский феномен

Александр Рабинович-Бараковский – композитор-гедонист. Его радостная, счастливая музыка воплощает то, к чему устремлен Александр Скрябин во вселенской мистерии.

Рабинович-Бараковский словно завершает незаконченную мистерию Скрябина, в которой человек в любовном восторге обнимает мир! Это музыка счастья, музыка просветленного индийского духа!

КОНЕЦ КНИГИ.