Этюд об этюдах

                "Там где художник не испытывает сомнения,не может быть искусства". 
                Леонардо да Винчи

        Я люблю природу. В любое время года и в любое время суток нахожу в пейзаже отрадное раздумьям и отзвуки душевным переживаниям. Но пейзаж в рамке на стене это отдельная история.
        В выставочном зале дома-музея И.И. Крылова открылась очередная 18-я отчётная выставка группы новочеркасских художников «Мишкинские бугры». Число постоянных членов группы около 17 человек. В группе несколько членов Ростовского отделения Союз художников России. Эта выставка - заметное явление в культурной панораме города и в практике самих художников, достойный вклад в выставочную деятельность зала дома-музея.
Преобладание работ пейзажного жанра художников группы давно не вызывает удивления и вопросов. Вопросы и критические соображения вызывает многое другое.
        Первое впечатление. Освещение зала неравномерное, не выставочное (для зала столицы донского казачества), скорее малобюджетное. Работ слишком много, стены зрительно перегружены, работы расположены очень тесно в два ряда, в основном, в нескромных, изобилующих «позолотой», рамах. Некоторые работы отдельных авторов сюжетно и колористически повторяются. И так от выставки к выставке. Это традиция или невнимательность? Почему на эти моменты не обращают внимание организаторы и участники выставок? Эта отчетная выставка о значительной творческой работе опять напоминает прилавок магазина с товаром «в широком ассортименте» на любой вкус.
        Кстати, о вкусе. Неискушенный зритель видит изображение в раме и, не мудрствуя лукаво, считает, наверное, что это картина. Ну, и чем «богаче» рама, тем значительнее «картина». Мои вкусовые предпочтения в оформлении живописи относятся к работам, экспонируемым в скромных рамах, подходящих к колориту работы или вовсе без рам (например, на региональной выставке в Ростове-на-Дону в августе сего года, посвященной 75-летию Ростовской области). Но мы отвлеклись.
        О целях, задачах и традициях. Цитата с сайта художников «Мишкинские бугры» (http://www.ka33ak-art.narod.ru): «Основная цель «Бугров» - продолжать традиции русской пейзажной реалистической школы, своих предшественников. Метод – этюдная работа на пленере, в любое время года и в любую погоду».
А я, наивный, всегда думал, что задача жизни художника (в «традиции русской пейзажной реалистической школы») это писать картины, неважно, одну или несколько.
        Действительно,  на выставке - сплошной реализм; авангардизмом «и не пахнет». Нет и в помине никаких «измов». Всё гладенько, пристойно, вполне традиционно, но отдаёт… нафталином. А на дворе ХХI век, господа!
Традиции нужно хранить, беречь, защищать и т.п. Продолжать традиции это двигаться в прежнем направлении, в проторенной колее, в старом русле, работать в устаревшем стиле, не отклоняться, не развиваться. А это для творческой, а тем более художественной, личности равносильно остановке, застою, тупику. И если «продолжать» традиции, то – замечательные традиции станковой картины. Например, известных мастеров картины: академика пейзажной живописи Н.Н.Дубовского, певца донских степей И.И.Крылова, основоположника советской батальной живописи М.Б. Грекова, ведущего живописца Студии военных художников им. М.Б. Грекова в Москве Н.В.Овечкина. Простите, как можно продолжать то, к чему не в силах приблизиться (почти рабски следуя натуре, не сочиняя, делая только односеансные этюды)?
Ещё цитата: «новые выставки современной живописи» (http://www.ka33ak-art.narod.ru/news.htm). Здесь замечание по поводу термина «современная живопись». Его упоминание явно претендует на расширительное толкование – современное искусство, например. Но в нашем случае следует понимать узко – пленэрная живопись наших новочеркасских современников. Ну, это так, к слову.
        Об этюде. Значение этюда в пейзажной живописи - служебное и самостоятельно-художественное. Служебный смысл живописного этюда помимо развития технических навыков, определяется еще и как подготовительная работа к крупному полотну, предварительная разработка деталей большой картины.
Этюд-картина. Вот это, по-моему, просто удобная уловка многих пейзажистов. Метод многосеансного этюда часто игнорируется. Некоторыми художниками уже не скрывается компромиссный метод: за один день пленэра на картоне большого (картинного) размера (хотя на меньшем размере, несомненно, успеешь сделать больше и лучше) написать очередной этюд и не добавлять в него ничего от себя, без натуры. Затем вставить в эффектную рамку и представить на ближайший выставком, как откровение, как картину. Компромисс-то хорош, да сильно напоминает торг с самим собой: как бы снизить себестоимость этюда. По-моему, это порочная практика. Однако надо справедливо отметить, что работа художника на пленэре, мало сказать, не проста. Она требует немалых усилий воли, концентрации внимания, терпения, нервного напряжения и целеустремлённости. И такой труд на пленэре приносит ощутимое удовлетворение, если этюд получился удачный, даже оставаясь только упражнением на картоне небольшого размера.
        Многосеансный этюд (очень редко односеансный у великих художников) иногда становится картиной, когда сплав философского обобщения и пластического воплощения достигают высокого художественного уровня.  Этюду, как правило, не хватает обобщения и глубины размышления о природе, пытливого философского проникновения в суть мотива, индивидуальности образной трактовки. Не хватает трепетности, поэзии. Этюду, чтобы стать картиной, простыми словами, не хватает такой малости, как искусства.
        Любитель может дорасти до профессионала, но не обязан. Если же художник позиционирует себя, как профессиональный пейзажист, то и предлагать зрителю на выставках он должен преимущественно этюды достойного художественного качества, совестясь называть их картинами.
        Современное клиповое (потребительское) сознание формирует отношение зрителя к картине, как слайду, не требуя размышлять над изображением и не давая для этого времени. И потребитель (а рынок это чутко воспринимает и быстро реагирует) довольствуется имитацией картины, и видит (и покупает) вместо картины этюд, где тщательность проработки броских деталей имитирует завершенность, законченность. Собственное отношение автора к пейзажу в большинстве работ локализовано в выборе мотива, а не в индивидуальности его трактовки. Общим местом стало нестрогое отношение к компоновке пейзажа. Почти у всех показанных работ можно срезать лишнюю часть неба и (или) переднего плана, от чего этюд только выиграет. Налицо желание художника понравиться зрителю (что вполне естественно) через умение изображать «как в жизни». Но пейзаж (в смысле полноценная картина, а не этюд) это симфония во славу полюбившегося мотива. Как правило, этюды построены на консонансах, и забывается, что содержательная глубина произведения рождается в борьбе с диссонансами. А тому, что в картине должна выстраиваться драматургия света и цвета, вообще не уделяют никакого внимания.
Картина, прежде всего, это образное и совершенное по исполнению воплощение глубокого замысла автора. Это личное, субъективное высказывание, результат многих, часто, тяжких раздумий, послание личного опыта зрителям разных возрастных поколений (так называемый, message). Картина, по-моему, это развёрнутый выстраданный монолог автора о значительном факте в пейзаже через художественный образ. Это способ выразительно воплотить многочисленные натурные впечатления (после тщательного отбора этюдов), и одновременно, раскрытие творческих сил художника. Один из критериев картины - это завершенность построения по законам композиции (не путать с компоновкой). Законченная картина представляет органическое единство не только общего замысла, центральной художественной идеи, но и самой формы произведения. Как правило, созданию картины предшествуют длительное изучение натуры, серии зарисовок, этюдов, подготовительных набросков-поисков композиции.
        Выставка, в общем, успешная, хоть и провинциальная. Есть и определенные достижения, о которых справедливо и вполне заслуженно было сказано на открытии (http://novochcult.ru/news/show/93).
Отмечать реальные успехи художника надо обязательно. За грамотное живописное письмо – награждать грамотой.
        Выставка, в современном контексте, – акт вполне постмодернистский в том смысле, что размывая критерии и допуская оценочный плюрализм, снижает планку ответственности творца за художественное качество своего произведения (и одновременно товара).
        Судить профессионалов-художников - не исключительное право профессиональных коллег: искусствоведов, опытных художников (желательно еще и опытных критиков, но где их раздобыть в нашей глуши). Ведь посещают выставки люди различного возраста и разного уровня зрительской подготовки «видавшие виды» в столичных музеях нашей страны, в знаменитых музеях дальнего и ближнего зарубежья. Если критика работы художника, учитывая объективные и субъективные обстоятельства его творчества, допускает снисхождение, то это обесценивает здоровые амбиции автора. Автору, не воспринимающему позитивную критику, считать себя зрелым рановато.
        Грамотность, образование, трудолюбие, профессионализм, опыт, многочисленные этюды - всё это средства достижения одной заветной  цели. А цель  у художника непростая – картина, настоящее искусство. У многих художников есть всё для создания картин: острый глаз, твёрдая рука, опыт, уверенность в своих силах. Прибавить бы к этому ещё желание сочинять, искать и строгого отношения к выбору работ, которые хочешь показать публично. Всегда честнее вместо десяти работ показать пять, но самых лучших.
        Искренне желаю нашим популярным, и заслуженно любимым зрителями, пейзажистам огромного трудолюбия на пути от этюда и имитации картины к настоящему искусству. Я старался поделиться своими многолетними наблюдениями, изложить личные впечатления и сомнения, стремясь не сильно противоречить постулатам постмодернизма.
        Возразить автору по существу можно, на e-mail:  shkuviv@yandex.ru