Пикассо, Шанель, Живопись, Мода и Шоколад
Не только Пабло Пикассо, который родился 25 октября 142 года назад радикально изменил свой стиль живописи.
Примерно между 1870 и 1920 годами европейское искусство претерпело полную трансформацию — от идеализированного, натуралистического искусства Академий к таким движениям, как кубизм и супрематизм.
Но зачем? Единой причины не существует, потому что ни для чего не бывает единственных причин, но вот три основные из них, начиная с... фотографии.
Влияние фотографии на искусство часто понимают неправильно — мы склонны считать, что фотоаппараты просто заменили художников. В некотором смысле это правда. Например, портретистам и тем, кто рисовал сувенирные пейзажи или виды городов, определенно пришлось столкнуться с изобретением фотографии.
Но искусство никогда не было направлено на создание «реалистичных» изображений вещей. Реальное влияние фотографии на искусство было весьма удивительным. Многим художникам это показалось увлекательным; камеры создали новый взгляд на мир, и поэтому они приняли его всем сердцем.
Как Марсель Дюшан, создавший автопортрет из пяти частей. Кубизм сам по себе был частично вдохновлен тем, как фотография могла запечатлеть движение объекта или человека в разные моменты времени и под разными углами.
Кубизм вобрал в себя эту идею; поэтому картины Дюшана кажутся тысячами фотографий, сложенных вместе. Влияние новых технологий на искусство трудно недооценить. Что-то вроде итальянского футуризма было движением, вдохновленным новой эпохой машин.
Дело в том, что технологии не заменили художников — они вдохновились ими. То же самое произошло и с архитектурой. Хотя существует множество социально-экономических и политических причин возникновения современной архитектуры, влиятельные теоретики, такие как Адольф Лоос и Ле Корбюзье, были вдохновлены автомобилями, кораблями, фабриками и зернохранилищами.
Второй причиной трансформации европейского искусства было влияние незападного искусства. Импрессионистов вдохновляли японские гравюры укиё-э, которые наводнили Европу во второй половине XIX века. Никогда раньше они не видели ничего подобного.
Винсент Ван Гог был заядлым коллекционером японского укиё-э; он, как и импрессионисты и постимпрессионисты, восхищался их яркими красками, необычными перспективами и обычными сюжетами. Ван Гог даже сделал свои собственные версии гравюр своего любимого художника Хокусая.
К концу XIX века европейские колониальные державы также вернули в свои музеи огромное количество произведений африканского искусства. В 1907 году Пикассо, которому тогда было 26 лет, посетил Этнографический музей Трокадеро в Париже. Он был заполнен произведениями искусства и другими предметами, привезенными туда Французской империей, в том числе церемониальными масками Клыка из Западной Африки.
Для многих художников, в том числе и для Пикассо, они стали откровением. Они видели в этих масках сочетание простоты с глубокой экспрессивной интенсивностью. По сравнению с европейским искусством того времени, которое они считали тщеславным и легкомысленным, эти маски олицетворяли метафизическую силу искусства.
Сходство между этими масками Клыка на некоторых лицах Авиньонских девиц очевидно. И Пикассо также громко говорил о влиянии скульптур, созданных доримской иберийской культурой древней Испании, обнаруженных и выставленных в Лувре в 1904 году.
Знаменитая картина Пикассо «Авиньонские девицы» была основана на традиционных масках Западной и Центральной Африки, которые он видел в Музее Трокадеро. Гоген, Руссо, Пикассо... эти и другие художники своего поколения чувствовали, что сама европейская культура стала устаревшей и искусственной. Но в искусстве незападных стран они нашли актуальность, яркость, жизнь и символическую силу, которых совершенно не хватало им самим.
Третья причина – культурное, интеллектуальное, философское и даже духовное состояние Европы. Искусство всегда отражает то, как мы видим мир — и люди начинали видеть мир принципиально по-другому.
Когда общество меняется... меняется и искусство. А XIX век был веком постоянных изменений и роста в масштабах, никогда не известных в Европе. Искусство внимательно следило за этой социо-культурной эволюцией: романтизм, реализм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм... все это достигло кульминации в кубизме Пикассо и супрематизме Малевича.
Европа превратилась в водоворот новых идей, и первое десятилетие 20-го века было временем растущего экспериментирования во всех видах искусства. А потом пришла Первая мировая война, катастрофа почти непостижимых масштабов: ничто уже не было прежним.
Не случайно, что сюрреализм, например, полностью проявился только после Первой мировой войны. Такие люди, как Магритт и Дали, были частью поколения, преданного обществом, в котором они родились. Сюрреализм, обращенный внутрь себя, был отчасти искусством разочарования.
И странно, что печально известный «Фонтан» Дюшана появился на выставке в Нью-Йорке в 1917 году, когда в Европе бушевала война. Это было логическое завершение четырех десятилетий художественной эволюции; хорошо это или плохо, но общество полностью трансформировалось, а вместе с ним и искусство.
Эти три причины, конечно, не единственные, и гораздо больше здесь исключено, чем включено. Но, будем надеяться, это поможет объяснить полную художественную трансформацию Пабло Пикассо — и европейского искусства в целом.
Размышляя о своем развитии, Пикассо сказал: «Мне потребовалось четыре года, чтобы рисовать, как Рафаэль, но целая жизнь, чтобы рисовать, как ребенок».
Попытался обобщить эволюцию его творческого пути:
Голубой период - 1901-1904 - Меланхоличные картины в голубых тонах, темы отчаяния.
Роза Периоа- 1904-1906 - Оптимистичная, теплых тонов, артисты цирка, актеры.
Африканское искусство и примитивизм – 1907–1909 – Влияние африканского искусства, иберийских скульптур.
Аналитический кубизм - 1909-1912 - Геометрическое разложение предметов.
Синтетический кубизм – 1912-1919 – Введение цвета, элементов коллажа.
Неоклассицизм – 1920-е (начало) – Возвращение к порядку, традиционная эстетика.
Сюрреализм - 1920-1930-е - Мечты, бессознательные желания, иррациональные и философские. Например, «Герника». Пикассо говорил: «За "Гернику" получил я плюху и от своих врагов, и от своих друзей». Мир не воспринял его философию войны, в которой он предупреждал мир от безумия убивать мирных жителей.
Поздняя жизнь – 1940–1973 – Реинтерпретации, экспрессионизм, абстракция, разнообразные стили.
Также не могу не отметить как произведения Пикассо влияли моду. После встречи в 1917 году Пабло Пикассо и Габриэль «Коко» Шанель завязали дружбу, которая продлилась долгие годы, и возникли профессиональные отношения, результатом которых стало мощное творческое сотрудничества.
Мода и искусство всегда находились вместе. Невозможно представить одно без другого, поскольку они подпитывают друг друга. Это доказуемо в каждую эпоху, но именно ХХ век показал, насколько они оба способствуют развитию друг друга.
;Шанель и Пикассо были двумя творческими умами, которые продемонстрировали эту точку зрения. Они оба обогатили свои отрасли своими творениями и показали, насколько могут быть связаны два творческих ума, столь же культурных и абстрактных, как и они.
Их творения демонстрируют некоторые общие аспекты моды и искусства. Пикассо и Шанель не часто сотрудничали. Тем не менее, сходство между их работами свидетельствует о времени, в котором они оба жили, и действительно демонстрирует, что «великие умы мыслят одинаково».
Значительное влияние на стиль одежды Шанель оказал кубизм Пикассо. Кубизм и работы Пикассо оказали на творения Шанель через прямые линии, двухмерные силуэты, сдержанность и монохромность. На этом этапе Шанель также использовала простые и недорогие ткани, что привело ее к признанию гения, превратившего дешевое в роскошь. В своих прекрасных творениях она заставила простые материалы и ткани казаться дорогими.
Шанель и Пикассо восхищались искусством друг друга с тех пор, как встретились на премьере балета, когда их представил Жан Кокто. Фактически, Пикассо был настолько очарован авангардным дизайном Шанель и инновационными купальниками, что воспроизвел их в своей работе 1918 года « Купальщицы».
Русская балерина Ольга Хохлова была первой женой Пикассо. Пабло Пикассо искренне верил, что Ольга — любовь всей его жизни. Они познакомились во время репетиции балета «Парад» в рамках «Русских сезонов» Сергея Дягилева, в котором она танцевала. Пикассо влюбился в 26-летнюю балерину и целый год ухаживал за ней, предлагая ей жениться. Пара поженилась в мэрии Парижа. На протяжении десяти лет Ольга Хохлова была единственной музой художника, вдохновляя его на создание не только шедевров, но и на открытие новых направлений искусства. Несмотря на то, что многие считали, что Ольга не разбиралась в картинах Пикассо, пытаясь превратить его из вольнодумного гения в светского денди, Пабло не переставал восхищаться своей молодой образованной женой с изысканными манерами.
Появление Ольги в жизни Пикассо совпало с новым неоклассическим периодом творчества художника: художник создал портреты жены, представляя ее как античную богиню. Ольга любила богемную жизнь. Неудивительно, что многие встречи Пабло Пикассо, Ольги и Шанель проходили в элитном парижском шоколадном ресторане «Angelina». В нем собиралась многие знаменитые писатели, художники, банкиры… Восхитительный горячий шоколад будил невероятные творческие идеи. В этом ресторане у Ольги и Шанель родилась идея свадебного платья. Кроме того, на нескольких портретах Ольги, написанных Пикассо, она одета в платье Chanel. Сюжеты этих картин Пабло, Ольга и Шанель обычно обсуждали в этом ресторане.
Там же часто происходило обсуждение постановки пьесы Софокла «Антигона» , которую Жан Кокто ставил. Пабло Пикассо создавал декорации, маски и другие аксессуары, а Шанель шила костюмы для артистов. Воистину, шоколад создавал Творческую интуицию у Великих Мастеров.
Наконец, есть «Голубой поезд» — раздел, посвященный одноименному балету, либретто которого также написал Кокто. Это было новое сотрудничество Пикассо и Шанель, и что интересно, партнерство произошло также через Кокто. Пикассо создал несколько важных иллюстраций для развития балета, а Шанель позаботилась о костюмах.
Эти величайшие Мастера искусства ХХ века еще раз продемонстрировали, что мода питается от искусства так же, как искусство питается от моды, поскольку они тесно связаны и дополняют друг друга.
Свидетельство о публикации №223102501230
«Импрессионистов вдохновляли японские гравюры укиё-э, которые наводнили Европу во второй половине XIX века. Никогда раньше они не видели ничего подобного»
Интерес был, но не он оказался движущим фактором в экспериментах импрессионистов.
Время стало требовать новые формы.
Само время.
Необходимость новых форм и решений закономерно , что прежде всего и ранее всех почувствовали это художники.
Встреча Шанель и Пикассо в 1917г.
В 1918 окончание второй мировой.
И Шанель, и Баухауз – всё следствие найти новые решения при скудости возможных средств в реализпции творческих решений. Кстати, отсюда и короткое ,знаменитое платье Шанель.
Да плюс к этому и удобство при вождении автомобилем, который всё глубже входил в жизнь
Главное же – всё явственнее желание выйти на координаты функционализма.
Владим Филипп 25.10.2023 19:20 Заявить о нарушении
С уважением,
Анатолий
Анатолий Клепов 25.10.2023 21:23 Заявить о нарушении
Поэтому , всё было переплавлено и выпущены и ложки , вилки, тарелки, кружки , и кастрюли в более менее приемлемой гражданской форме ,..не военного образца.)))
чтобы они не напоминали о войне и были более-менее пристойны , а может быть где-то даже служили украшением кухни своей новой формой.
Вальтер ГРопиус -основоположник дизайна тем и вошёл в историю.
Потом найденный функционализм распространился и на всё остальное - дома, мебель,предмета обихода.
Буржуазность предметов стала не модной, она осталась , но в меньшем количестве... всё это стало тенденцией к появлению стиля АРТ-ДЕКО... особенно в архитектуре.
/ Эркюль Пуаро .. тв -фильм/.))
Многое добавили и новые инженерные решения особенно в авто.
Буржуазность же совсем не исчезла и всплыла в предвоенной Германии совместив функционализм инженерных решений с ней. Однако с приоритетом функционализма.
Коснулось это и военной формы.
Объективно она ООЧЕНЬ!! функциональна , пришлось носить на киносъёмке...)))
Однако понятна реакция на всё отстроенное при Гитлере архитектором Шпеером, отсидевшим потом 25лет, выйдя на свободу прежде всего он поехал на свои когда-то построенные объекты ... ненадолго , и увидев их сказал через некоторое время :" Боже, какая скука!"...
Кстати и Корбюзье потом в голом функционализме разочаровался.))
От голого функционализма отошла и Щанель , судя по её работам в послевоенные годы.
А в Голливуде она не прижилась... там требовался приоритет буржуазности.
Как -то вкратце..)))
Владим Филипп 25.10.2023 21:56 Заявить о нарушении