О живописи. Часть первая

   Что можно сказать об этом виде искусства?
Для начала хотя бы то, что это  совсем и не искусство, по крайней мере, по мнению родоначальников всей европейской культуры – древних греков.
   Среди  девяти дочерей Зевса и его официальной (!) жены богини памяти Мнемосины богини живописи не было. И это не смотря на то, что живопись как таковая присутствовала в жизни древних греков, а потом и их последователей – римлян.
    В развалинах многих древних городов сохранились замечательные фрески и  живописные картины на стенах комнат и домов.( Сам видел в Помпее).
   Видимо, живопись присутствовала в культурной жизни этих народов  как простое бытовое ремесло, сродни гончарному или кулинарному.         

   Я не имею греческих или римских корней, но их позиция в отношении к живописи мне почему то ближе.
   По крайней мере, я ни разу не испытывал эмоционального "взрыва в душе" или "божественного наслаждения", глядя на живописные полотна известных мастеров и «гениев» этого вида творчества.
   Не хочу хвастаться, но мне удалось побывать во многих художественных музеях, начиная с питерских- Эрмитажа, Русского музея, Дворцов- музеев города и пригородов, заканчивая музеями Европы- Мюнхенским, Венским, Барселонским, Римским и Парижским Лувром.
     Да, конечно, многие полотна впечатляют своими размерами, а главное реалистичным изображением событий от  историко- бытовых до библейских и сказочных.
  И меня почему то  всегда завораживало в картинах  сама идея и тема события, а не техника его написания или «творческие поиски» автора. Это было вторично.
    Зачастую, именно эти «творческие поиски» окончательно убивают последнюю жилку искусства в живописи, особенно современной, главным аргументом которой является- «так этот  мир  «видит»  автор- художник».
   Ну, и что их этого?
А если автор больной, как Гоген дальтонизмом, или « на голову», как  Врубель.
Или ещё «круче» - просто «жулики от искусства», типа  Малевича и его последователей, - обычные и ушлые  временщики- халтурщики .
 Так их «шедевры» и надо показывать «в лечебных целях» клиентам  соответствующих клиник и заведений, а не нормальным людям в государственных музеях.

   Это, конечно, моё, сугубо личное мнение. И надеюсь, что не только моё.
Я последовательный и убеждённый реалист в живописи.
   И с этим я ничего с собой  сделать не могу!
Я ,конечно, понимаю проблему выживания, именно «выживания» молодых художников в  денежном «рисовальном бизнесе».
   Их наставники при выпуске из художественных школ и академии говорят:
-« вашим зрителям ( точнее покупателям) не нужен второй Шишкин, Репин, Айвазовский. Найдите свой творческий путь, свою отличную манеру письма, свой, «свежий взгляд» на мир, и вот тогда….»
  А «тогда» чаще всего  и не случается.
Если  ты «фанатик», что в любой сфере деятельности очень похвально ( кроме религии!), то иди в дизайнеры ( строительство, промышленность), а приобретённые навыки  в живописи используй как «хобби», одаряя родных и знакомых своими натюрмортами и пейзажами.
  Если выпускник «деловой», с «коммерческой жилкой», то просто  занимается копированием «известных шедевров» на потребу «культурной публики», желающей видеть у себя коттедже или дворце  на стенах «что- нибудь из классики».
 Что совсем не плохо для обоих сторон подобных «любителей искусства».
Теперь, разобравшись с «теорией» вопроса, хочется сказать пару слов в защиту практики живописи, как отличного занятия и развлечения  всех и каждого, кто решится взять в руку карандаш или  кисть с краской, чтобы оставить на бумаге или холсте «свой след в искусстве».
   Или просто отвлечься и отдохнуть «радостей жизни».

 К сожалению, многие начинающие художники – любители полагают, что для создания простой акварельки или картины достаточного одного желания и вдохновения.
   Увы! Этого  очень мало!
Нужны ещё основные навыки ( как в любом деле) и знание «правил и законов «жанра», как и в любом творческом процессе ( хоть в кулинарии, хоть в резьбе по дереву, хоть вязанию крючком).
К тому же, есть определённая последовательность в освоении любого ремесла, включая и живопись.
  Кстати, слово «живопись» производное не от слова «живо, быстро», а от слова «жизнь, жизненное, существующее в нашей жизни , реальное».
  Те же «русские реалисты»- Крамской, Перов, Федотов, Суриков, Шишкин, Левитан, Поленов подхватили бунт французских  студентов Академии Художеств, выступивших против канонов академизма и романтизма ( наши -  Бруни, Иванов, К. Брюллов).
   Короче говоря, я реалист как в восприятии явлений жизни, так и в живописи.
Материализм- это тот же реализм, только в философском понимании. Он дается воспитанием с детства.
   Восприимчивость, чувственность, внимательность, эмоциональность, способность  видеть прекрасное в обыденном –за  это отвечают, в основном, наши гены, наследственность от наших предков.
  Но и желание учиться видеть мир в красках, радоваться его разнообразию и красоте можно и нужно всю жизнь.
     Она станет только интересней и насыщенней новыми и приятными впечатлениями.
  Ведь она у нас одна!

   Теперь мне хочется поделиться одной историей, которая произошла со мной  в далёкой молодости,  и которая  сильно повлияла на моё отношение к предмету этого разговора, т.е. к живописи.
   В начальных классах школы, когда был  такой предмет «Основы искусства», по рисованию у меня была твёрдая «пятёрка». Но желания стать  художником ( и музыкантом, как хотели мои родители) у меня не было.
   Я был «законченный технарь».
 В силу традиционной «питерской культурности» не избегал  посещения многочисленных  городских музеев, включая и художественных.
   И как то так  случалось, что я довольно часто посещал выставочный зал «Союза Художников», что на улице Герцена, 58 ( ныне Большая Морская). 

  Было там два «интереса»: бесплатный вход и «вкусный» буфет.
   То есть можно было часок – другой провести в «культурной обстановке», посмотреть  юбилейную выставку картин ленинградского художника,  и заодно  побаловаться чем - нибудь вкусненьким в «буфете для художников», если проявить чуть-чуть  нахальства ( он был «не для всех» в служебной половине здания. Я узнал об нём случайно, и согрешил- воспользовался).
То есть я был как бы «в теме», но не «в деле».
    «В дело» меня завлекла случайная встреча.
Застудив поясницу на весенних учениях, я попал в Рижский военный госпиталь.
После  основного лечения (уже летом) мне предложили  «долечиться» в санатории, и не в каком – нибудь, а в Ялтинском военном.

   Понятно, что летом в такие санатории «не горящих» путёвок не бывает.
Срочно собравшись и прибыв в Ялту,  я оказался в комнате- веранде с двумя подполковниками.
   В штатных  номерах проживали ,в основном, столичные гости, начиная с полковников и выше, многие с «боевыми подругами».
 То есть «компания не сложилась», и я после десяти дней загорания и купания в море «в гордом одиночестве» сильно заскучал от безделья.  Это было мне наукой.
   Поэтому, когда мне на следующий год дали путёвку в санаторий, да ещё и в Калининград, я прихватил с собой краски и бумагу, чтобы «запечатлить для потомков» средневековые достопримечательности  этого города- крепости.

   Однажды, в субботу, уютно устроившись в тенёчке, я решил нарисовать в красках  старинную башню, где располагался Калининградский  Музей янтаря.
  Поначалу в шло хорошо, но потом оказалось, что многие важные элементы здания «не влезают» в мою картину.
   Я очень расстроился и сидел в нерешительности- начать всё сначала на новом листе или попытаться  как-то исправить то, что было уже сделано.
    Я вздрогнул от неожиданности, когда  женским голосом за моей спиной прозвучало:
- «Это типичная ошибка всех начинающих художников- нарушение правил перспективы. Не расстраивайтесь! Это дело поправимо!»
 Я, не оборачиваясь, прикрыл рукой свой «шедевр»,  и сказал, что мне не нужны  советы и учителя.
   -« А вот это Вы зря  так думаете!
 Я ведь не в обиду вам сказала. Просто я шла мимо  и не удержалась, чтобы не  заглянуть в работу,  в каком- то смысле,  коллеги.
     В этом ничего плохого или зазорного нет. Иногда «свежий глаз» коллеги помогает найти правильное решение».
-«Да я и не обиделся. Просто мне немножко стыдно за то, что у меня получилось.
А уж коль Вы хотите мне помочь, как коллега, то я готов Вас послушать».
  Я обернулся к говорящей,  и увидел миловидную молодую женщину с добрым взглядом мудрого наставника.
   «-Во- первых, краски- это последний, третий этап в освоении живописи.
  До этого надо освоить « освещение» и «перспективу».
  С освещением объекта всё просто- боковое освещение создаёт иллюзию объёма, а прямое- делает его плоским. 
   Например, если шар осветить из- за спины его рисующего, то это будет просто блин.
А если с боку, то светотени создадут его объёмность и выявят его истинную форму.
Блики, отсветы, полутона  помогут зрителю понять из чего сделан предмет ( стекло, металл, дерево, гипс).
 Также и в Вашем случае. Лучше дождаться, когда солнце будет светить на башню чуть сбоку,- тогда «вскроются»  её архитектурные детали, будет виден  ажурный рисунок кирпичной кладки.
 Теперь насчёт перспективы.
В рисовании крупных объектов она значения  практически не имеет.  Портрет или натюрморт имеют «точку схода» всех линий далеко за холстом  или листом бумаги.
 А вот если рисовать  пейзаж, да ещё со строениями, то «точку схода» нужно определить очень точно и неукоснительно следовать закону перспективы.
  И чем мельче рисуемые объекты и шире  панорама, тем ближе к ним «точка схода», куда должны сойтись все линии, уходящие к горизонту.
   Если с тонами, полутонами и бликами  на предметах при освещении ещё можно немного «поиграть», то с точкой схода все «игры» запрещены: картина или развалится, как чищеный мандарин, или скукужится, как печёное яблоко. 
  Вот у Вас второй вариант и получился.
 
 Теперь о красках.  Почему они на третьем месте?
Да потому, что это наиболее «тонкий» и сложный элемент живописи.
 Он отвечает за эмоциональную составляющую картины, как произведения искусства.
  Именно тогда можно назвать картину «произведением искусства», когда она вызывает эмоциональный отклик у зрителя, или ,как говорят специалисты, «работает».
   Именно красками художник может передать и выделить главное в картине- идею её написания и его отношение к происходящему, если это картина «жанровая», на конкретную тему.
   Если  же картина «видовая» - пейзаж, натюрморт, то здесь  художник красками можно выразить  свое настроение и отношение к тому, что изображено, и ,главное, вызвать у зрителя подобный эмоциональный ответ  в зависимости от общего  колорита картины и подбора красок: тёплые тона (красный, оранжевый, желтый, коричневый) вызывают мажорные эмоции, а холодные ( синий, голубой, фиолетовый, зелёный) – минорные.
   Кроме того, работа с красками требует знания правил их смешения и взаимного влияния рядом расположенных пятен красок  на их цвет и контрастность.
  Я опускаю такой раздел, как состав и свойства самих красок ( укрывистось, стабильность цвета в течении времени, смешиваемость и т.д.).
   Ведь от того, что является связующей основой  пигментов в краске, они различаются на акварельные, масляные, темперные и акриловые. А значит и техники работ с ними значительно отличается  друг от друга. 
    В общем, в работе  с красками  есть ещё много нюансов. Поэтому начинать работу с красками   лучше всего с акварели.
 
 А вообще начинать учиться рисовать надо простым карандашом. Это  идеальный инструмент!
Вот и я бы порекомендовала Вам  на время убрать краски и поупражняться в рисунке карандашом.
   Карандаш  позволит  Вам быстрее освоить  первые два этапа, а краски приложатся в нужный момент.
   И ,наконец, самое важное в живописи – «острый, пристальный  взгляд» на мир вокруг нас.  Он удивителен и разнообразен.
   Если Вы не можете по внешнему виду отличить сосну от ели, а берёзу от ивы, то грош цена будет вашим «красивым» пейзажам.
    Художник постоянно должен тренировать свой главный орган – глаз, чтобы даже по памяти воспроизвести в своём произведении  характерные особенности увиденных предметов или природных явлений. Порадовать зрителя новым видением привычных нам красот родной земли.
В этом и заключается  его главный талант!».
     ( Продолжение во второй части).
                .