О живописи и архитектуре. Короткие заметки. Ч-2

  Пол Нэш в Тэйт Галлери.
 
 
  Справка из "Википедии":
 
  Пол Нэш (1889, Лондон - 1946, Боскомб, Хемпшир) - английский художник, иллюстратор, дизайнер и критик.
  Прославился своими выдающимися картинами на тему первой мировой войны, изобличающих разрушение природы человеком. В межвоенные годы Нэш стал активным представителем авангарда. Написал множество пейзажей, в которых представлены видения сна, а реальные предметы накладываются на выдуманные.
  В 1933-ем году сформировал группу Unit One ("Объединение один"), целью которой была популяризация современного искусства, архитектуры и дизайна. Наиболее передовыми тогда представлялись абстрактное искусство и сюрреализм, сам Нэш в середине 30-х работал в обоих направлениях. Участвовал в организации Международной выставки сюрреалистов 1936-го года. Первая и единственная групповая выставка Unit One была проведена в 1934-м году и сопровождалась выпуском книги Unit One. Она состояла из текстов всех художников группы, фотографий их работ и вступления критика Герберта Рида. Кроме того, к группе принадлежали: Джон Армстронг, Джон Бигге, Эдвард Бурра, Барбара Хепуорт, Генри Мур, Бен Николсон, Эдвард Уодсворт и архитекторы Уэлльс Коат и Колин Лукас..."
 
  ...Художник Пол Нэш, будучи офицером на фронтах Первой мировой войны, начинал как хроникёр военных ужасов, чем и заинтересовал военное министерство Англии.
   Долгое время, Пол Нэш находился под сильным влияние Вильяма Блейка - немножко сумасшедшего английского художника, гравера и поэта. И с первого взгляда на "молодые" картины Пола Нэша, кажется, что это некий современный Блейк, тяготеющий к символизму, в попытках выразить сложность и мифологичность мира, через фантастические образы, с последующим объяснением их через поэтические фигуры!
  Сама война, которую изображал Нэш на своих полотнах, предстает перед нами как некий абсурд, полный смерти, ужасов и нелепостей, но в жизни так оно и есть и потому, молодого Нэша можно считать реалистом.
  А геометризм, уже в его ранних работах, заставляют предвидеть его дальнейшее творческое развитие в сторону нефигуративной живописи, наполненной символическими фигурами, несущими в себе отражение изломанного сознания человека изувеченного ужасами современного существования, невыразимого в формах традиционных, рожденных ещё в «спокойную» эпоху Ренессанса.


Вначале, он работал пером и кистью на бумаге. Потом появился цвет и художник начал писать маслом о тех же ужасах войны, которые благодаря светлому колориту таких работ, при всей жути изображаемых ландшафтов, производят ещё и впечатление надежды на оптимистическое будущее - ведь война не продолжается вечно.
  Меня, Пол Нэш заинтересовал как значимая фигура в процессе эволюции живописи, двигающейся в будущее, в сторону сюрреализма, с постепенным отказом от гуманистических канонов.
По моему мнению, его творческая судьба может служить примером развития кризиса современной живописи и её перехода на пути абстракции, авангарда, то есть в сторону дегуманизации искусства.

  В определённом смысле, можно противопоставлять этот "живописный" тупик, куда, после первой мировой войны, устремляется западное искусство, развитию в СССР "социалистического реализма", полного нарочитого оптимизма и желания помочь становлению страны и объединения народа.
  Эта тема, пока не нашла своих исследователей, хотя, может во многом прояснить некоторые социальные противоречия, возникшие в двадцатом веке и связанные с эволюцией социальных систем управления, появившихся после Русской революции 1917- ого года, в разных странах мира.

   Следующий этап творчества Нэша, связан эмоционально с окончанием войны и любованием миром, воздушно прекрасным во всех его проявлениях, который мы в обычное время, за пеленой забот и мелких треволнений в суете рутинной жизни, просто не замечаем.
А люди прошедшие войну и оставшиеся в живых, очень остро воспринимаю это состояние тишины, благообразия и красоты окружающей человека.
  Тем, кто не воевал, не сидел в грязных окопах, не терял своих друзей в этой бойне, трудно понять безграничный оптимизм воинов, наконец дождавшихся мира и радующихся своей удаче. И вместе, их сознание, изувеченное увиденным и пережитым на фронте, борется с ранами долго незаживающей памяти.
  Этим и объясняется всплеск ярких красок и послевоенное увлечение художника природными пейзажами - ведь природа лечит нашу душу и способна вызывать чувство восторга, если ты свободен и находишься в безопасности!
  Наверное поэтому, лес и деревья становятся постоянной темой творчества Нэша. Ещё в военных работах, Нэш показывает не только трупы людей и развороченную военными действиями землю, но прежде всего изувеченные обстрелами деревья, становящиеся на его картинах символом разрушительной сущности любой войны.
Наверное поэтому, в тридцатые годы, художник творчески эволюционируя становится одним из видных сюрреалистов - авангардистов.
  И каким-то странным образом, творчество Нэша и его друзей, сама сущность сюрреализма предсказала начало новой, Второй мировой войны и все её ужасы, абсурд и материальный хаос, так непохожий на нормальные мирные ландшафты и обычную жизнь людей в мирное время.

  ...В конце жизни, этот художник возвратился к фигуративной живописи, полной символов и аллегорий, часто превращающихся в попытки изобразить природу и бытие человека через живописные фантазии, воплощающие осколки снов и мечтаний об утраченном человечеством, земном рае!
Но помимо человеческой истории, в которой в разных качествах пребывают все люди, в том числе и художники, одним из определяющих факторов развития живописи, был и остаётся момент "заказа", с древних времён, во многом определяющий направление развития живописи.
  В эпоху Ренессанса, главным направлением живописи был так называемый "волшебный реализм", заказчиками которого были богатые аристократы и торговцы и одной из основных тем художников той эпохи, были темы религиозные, потому что христианство, было в те века, основополагающей идеологией западного общества.

  Живопись, в определённом смысле вырастала из иконографии, постепенно развивая навыки и способности художников изображать окружающий мир.
Уже в семнадцатом веке, все галереи и салоны богатых людей были полны картин, изображавших и природу, и человеческие тела, и лица в волшебном освещении гуманизма и религиозного оптимизма.
  Однако со временем, живопись послеренессансной эпохи, как мне кажется, благодаря заказчикам постепенно дрейфовала от строгости и скромности религиозных сюжетов, в сторону гедонизма и даже порнографии. (Об этом в другой статье).
  Но начиная с двадцатого века, в мир вторглись страшные мировые войны, непохоже, по своим ужасным последствиям, на войны средневековые.
В двух Мировых войнах, от воли одного человека ничего не зависело и эти "побоища", были следствием социальных перемен и катаклизмов, разрушивших традиции и религиозные составляющие жизни современного человека!
  Этот воплощённый Апокалипсис, в виде мировых войн, толкнул развитие искусства в сторону дегуманизации, прежде всего выраженного в искусстве авангарда, озабоченного желанием удивить и напугать неосторожного обывателя, рискнувшего стать заказчиком и зрителем таких художественных опусов.
  Кто-то из философов сказал, что после ужасов мировых войн, мы уже не можем оставаться гуманистами, и это проявилось не только в живописи, но и в послевоенном искусстве вообще.
  Абсурдность, жестокость современного мира, превратившегося в атеистическую ярмарку потребления и тщеславия, внезапно сменяющуюся ужасами войны, мы уже не можем изображать традиционными гуманистическими средствами и методами.

  ...Но повторяю - в двадцатом веке появились заказчики и любители таких изображений абсурда современной жизни, и этим можно объяснить взлеты и падения того, что мы сегодня называем "современным искусством".
  Во времена Нэша, поиск новых форм и средств их выражения, объединили одну из групп художников и скульпторов, в сообщество названное "Юнит Ван". Такие объединения, в борьбе за признание новых форм и методов выражения в мире живописи, тоже были следствием зарождения абстрактного, сюрреалистического и символического искусства.
  Выставки, устроенные членами объединения, привлекли как сторонников так и противников нового направления в живописи, хотя сегодня, эти имена уже стали классикой авангарда а одной из значительных фигур такого направления в живописи, и стал Пол Нэш.
  ...Остаётся добавить, что выставка демонстрируется в здании старой "Тэйт галлери", во дворце, олицетворяющем богатство и архитектурные излишества, присущие началу двадцатого века.
Если сравнивать его с новым "Тэйтом", размещённом в старой тепловой электростанции, то невольно возникает ассоциации - сравнения живописи Ренессанса и современного авангарда...
 
  ...Мы вышли с выставке уже в темноте и после долгих часов, проведённых в обществе дивных и часто страшных фантазий Пола Нэша, особенно бросилась в глаза удивительная и привычная уже панорама высоток, мчащихся машин и множество людей на улицах Лондона, которые торопились после работы домой.
  Эта подсвеченная электрическими огнями панорама, своим геометризмом, игрой света и тьмы, особенно ощутимой при изобилии электрических и электронных реклам, напомнила картины современных художников, вдохновляемых в своем творчестве материальными и социальными изменениями произошедшими за последние столетия, преобразивших мир до неузнаваемости!
 
 
   Февраль 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков





 
 
 
 
 
  Революция. Русское искусство 1917-1932.
 
 
 
   Выставка в Королевской Академии Искусств в Лондоне.
 
 
  Вместо эпиграфа:
 
  "...Революция, если рассматривать ее самое существенное и простое первоначало, есть естественный плод, последнее слово, высшее выражение того, что в продолжение трех веков принято называть цивилизацией Запада..."
 Федор Тютчев

 
  ...Первое большой впечатление от этой выставки, связано с чувством гордости за историю Русской Революции: народу на выставке несчитано и с утра до вечера!
  Второе впечатление - англичане и устроители выставки, по-прежнему не понимают корней русской революции и трагизма реализации мечты революции - построить новый мир на основе добра, свободы, равенства и справедливости, на месте прогнившей монархии!
  И третье чувство-вопрос - почему такие выставки не организуют за границей российское министерство культуры, при поддержке отделов культуры при посольствах.
  Вспомнилась "русская выставка" организованная в галерее Сатчи, в Лондоне, в том числе с участием русского посольства в Англии. Я уже писал о ней, но в сравнении с нынешней выставкой в лондонской Академии искусств, прославляющей русское революционное искусство, на той выставке Россия была представлена как страна хаоса, пьяных и развратных граждан. И представьте - туда водили английских школьников, чтобы показывать им, какая Россия плохая!
  Сравнивая два этих культурных события, хочется спросить у чиновников возглавляющих российский министерства культуры - почему вы не можете объективно показывать и рассказывать о реальной, порой трагической, но реальной жизни и истории Советского Союза?! В том числе истории революционного искусства, повлиявшего на развитие искусства во всем мире. И в России тоже надо делать такие выставки, чтобы у новых поколений россиян воспитывать чувство гордости за свою страну!

  Конечно вопрос - почему это не делают российские власти заграницей и в стране, вопрос риторический.
  Главная причина здесь, в равнодушии, а часто и в ненависти новой власти к Советскому Союзу.
  А вторая причина - неумение и нежелание российских чиновников, возглавляющих "культуру" в "новой" России, работать на современном уровне, хотя могут и должны заниматься продвижением образа России в странах "проживания" и посольские чиновники, особенно атташе по культуре. (Но о российском чиновничестве в другой статье).

  ...В экспозицию этой выставки в лондонской Академии, вошли работы всех известных русских, российских авангардистов, и вместе - что редко бывает - там были Грабарь, Бродский, Юон, Кустодиев и целый зал был посвящен творчеству Петрова-Водкина.
  А из авангардистов были Шагал, Кандинский, Малевич, Родченко, Татлин, Попова, Маяковский, Эль - Лисицкий и много других авторов, мало известных сегодня.
  Были работы революционных фотографов - замечательные фотографии тех пламенных лет, а в просторных залах, в нескольких местах, показывали на больших и малых экранах фрагменты революционного кино. Там были Эйзенштейн, Эрлер, Барнет, Пудовкин, Дзига Вертов, Козинцев...

   Глядя на это, популярное сегодня в Англии многообразие советского, революционного искусства - подряд, в нескольких местах идут выставки и показы советского искусства - я подумал, что режим Реставрации в России похоже блокирует празднование столетие Революции.
И эта блокада производится силами новых образованцев, обслуживающих интересы бандитского, олигархического строя.
 Меня, как и многих англичан, поражает это историческое нечувствие современной российской образованщины, отрицающей влияния Революции на весь мир, непонимание ими силы и мощи русской пролетарской революции, прежде всего отразившейся в искусстве и культуре не только в Союзе, но и во всем мире!

  В определенном смысле, нынешние образованцы, с их антисоветизмом и антикоммунизмом, провоцируют неонацистов на Украине и в Прибалтике на антироссийские и антисоветские выступления. Ещё и поэтому прибалтийские политики, опираясь на сочувствие со стороны этих российских социальных люмпенов, собираются устроить трибунал над "коммунистическим режимом"!
  И странно, что в этом начинании, российская чиновная элита иногда подыгрывает неонацистам в бывших советских республиках!
  Сегодня в российских СМИ, появилось много "белых" патриотов, типа Холмогорова, готовых, часто по глупости и неумению просчитывать последствия, пойти на поводу у украинских и прибалтийских националистов!
  В ответ на приближающийся юбилей русской Революции, мы слышим и читаем у "домотканых" историков, публицистов и литераторов, называющих себя иногда "патриотами", о губительности революции для истории России.
  И эти всхлипывания, разного рода антисоветчиков, о "России которую мы потеряли", говорят о том, что в среде российской образованщине до сих пор бытуют мифы, о былой возможности избежать революции и тем самым, стать похожими на Англию.
  И этот бред, в черносотенной, монархической обложке, сегодня, в определённых кругах очень популярен в России!
  Но этим "анахоретам" надо знать, что революция в социуме похожа на бурю в природе, и человеческие желания и мнения ничего не могут в этом изменить! Ведь явления природы, часто страшные и разрушительные, не спрашивают у людей хорошо это или плохо - они просто происходят!
  А главная причина любой революции - преобладание социальной несправедливости над справедливостью - то есть, в каждой революции есть христианские корни, которые, российские церковные власти яростно отрицают!
  Можно утверждать, что так же, как главной причиной природных бурь, является разница в атмосферном давлении между высоким и низким, а буря, это пусть временное, но выравнивание атмосферного давления в природе, как во время Революции преобладание несправедливости в отношениях людей, вызывает протест и происходит процесс восстановления попранной справедливости!
И этот процесс - борьба, неизменно происходит с жертвами, часто несоизмеримо большими - но такова суть каждой Революции, как впрочем и Контрреволюции!

  ...Сегодня в России, трудно понять и оправдать отношение руководителей Государства, которые стараясь угодить любителям монархии Романовых, старательно разваливают и переписывают не только историю страны, но вносят раскол в существование российского общества.
  Сегодня, со всей очевидностью можно сказать - в девяностых годах прошлого века, в России победила Контрреволюция и в стране, на какое-то время установился режим Реставрации.
Конечно Реставрация скоро закончится, но пока, именно она определяет всю жизнь российского общества, в котором, вновь стала накапливаться разница между уровнями несправедливости и справедливости, а это чревато новой Революцией!
 
  ...Возвращаясь к выставке, надо сказать, что и здесь нет полного понимания цели и смысла перемен, происходивших не только в общественных отношениях, но и в культуре, и в искусстве, и не только в России, но и во всём мире! Даже в странах капиталистических, чувствуется хотя бы желание это понять, чего совсем нет в сегодняшней России...
  Однако, возвратимся к выставке...
 
  На входе, в первом зале поражают прежде всего портреты Ленина, кисти Бродского - картина, "Ленин работающий за письменным столом", ещё совсем недавно входила во все советские учебники и хрестоматии по искусству, но сегодня - это реликвия над которой принято посмеиваться.
  И тут же, рядом с Лениным, портрет Сталина, что в российском "официозе" считается табу.
  Согласитесь - странное отношение российской чиновной власти к победителю Гитлера и спасителю не только СССР но и всего мира, от коричневой чумы, захлестнувшую в те эпические времена половину планеты!
   Значение Сталина в этой победе, тогда отмечали даже его яростные недруги, а сегодня, новая Россия и её чиновный класс - главные очернители советской власти и яростные ненавистника Сталина!
 
  ...Конечно, многие англичане приходят на эту выставку посмотреть работы основателей и вдохновителей "нового" искусства: Малевича, Шагала, Кандинского, но многих поражают малоизвестные здесь работы Кустодиева, Нестерова, Малявина, Филонова...
  А работам Петрова-Водкина, отведён целый зал, может быть ещё потому, что автор знаменитой картины "Купание красного коня", на Западе и в Англии в частности, постепенно становится символом русской Революции!

  ...Замечательная движущаяся инсталляция Татлина "Летатлин", поражает взлётом творческой фантазии в сочетании с инженерной мыслью выраженной в символах изображающих полёт.
А Эль-Лисицкий представлен большой структурой инженерного дизайна квартиры будущего, где в большие пространства "окон", мы видим большой город, простирающийся далеко и ввысь!
  Рядом, кинофрагменты знаменитых режиссеров показывают быт и стремление к переменам, наполнявшим послереволюционную жизнь в России - бородатые мужики-крестьяне, с удивлением смотрят на первые трамваи в провинциальных городах, на «лампочки Ильича», а быт коммуналок даёт представление о том, как проходило становление и укрепление новой жизни.
  И в контрасте, к этой бедной полуфеодальной жизни первых лет революции, показан большой фрагмент выступления спортсменов и физкультурников уже в тридцатые годы на Красной площади, перед мавзолеем Ленина.
  Весёлые лица, сильные фигуры, красота и чистота линий движения и перестроений одетых в белые одежды уже новых, молодых советских людей, удивляют нас даже сегодня. И эта новая жизнь, как небо от земли отличалась от заскорузлой, трудной и тревожной жизни, которая была в России всего лишь двадцать лет назад, то есть до Революции. Революционный энтузиазм молодых, позволил Советскому Союзу выстроить сильное государство рабочих и крестьян, которое прошло проверку на надежность и силу в страшные годы Великой Отечественной войны!
Вот где сегодня, российскому правительству надо искать пути новой модернизации страны!
   Революция действительно произвела потрясающую перемену в жизни и мироощущении советских людей, если сравнивать их жизнь и жизнь россиян до Революции, и эту разницу видно невооружённым глазом...

   Большой отдел выставки отведён плакатам и знаменитым "окнам РОСТа" в исполнении поэта и художника Владимира Маяковского, сегодня тоже незаслуженно ошельмованного и забытого в России.
  Конечно, наибольшее внимания публика обращает на работы Малевича, Шагала и Кандинского - эти имена знакомы каждому культурному человеку не только в Англии, но и вообще на Западе.
Их работы подтолкнули фантазию современных нам художников, на поиски новых форм и содержания.
  И их значение в формировании нового искусства в живописи, можно сравнить с не менее революционными выступлениями антрепризы Дягилева в Европе - музыка Стравинского, эскизы костюмов русских художников, выдающиеся танцоры - все это стало настоящим культурным шоком и революцией в классическом балете...

  Тут надо говорить о том, что искусство революции, началось задолго до самой революции и отражало стремление России и русских людей к новым формам жизни, к новым формам в искусстве!
Именно это желание перемен, пусть на время, определило лидирующие позиции русских писателей, музыкантов, художников, скульпторов и архитекторов, в искусстве и литературе во всем мире.
   И конечно, в сравнении с "искусством" рожденным нынешней Реставрацией, революционное искусство выражало стремление страны и людей в будущее, и к работе по обновлению страны и человеческих отношений!
  К сожалению сегодня, во времена контрреволюции, искусство в новой России направлено в далекое прошлое, а его апологеты, в бессильной злобе занимаются фальсификациями недавней истории страны - эти деятели, периоды взлёта культуры и искусства народов Советской России, показывают через "мутное стекло" Реставрации!
 
  ...В завершении, надо отметить, что даже в Лондоне, где проходит одновременно множество выставок, эта экспозиция вызвала неожиданный ажиотаж - с утра выстраиваются очереди желающих посмотреть искусство рождённое Революцией!
  Мне даже показалось что весь этот ажиотаж вызван интересом англичан к великому революционному эксперименту, случившемуся в России в начале двадцатого века.
Русская революция повлияла на жизнь во всём мире и её величие и драма интересна благообразным англичанам, в большинстве живущих сытой, обывательской жизнь!
  Им остается только завидовать этой удивительной, великой и драматичной современной истории России!
 
 
     Март 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков







 








 

 Оксфорд и Рафаэль Санти

 
 
  ...О Кембридже я уже писал. Теперь хочу рассказать о поездке в Оксфорд.
  Поехали в субботу утром, на станцию метро Мабл Арч и у автобусной остановке рядом с Гайд парком, стали ожидать автобус до Оксфорда.
  Английский газон и листва на крупных деревьях в парке, под лучами яркого утреннего солнца, празднично играла ярко-зелёным и по дорожкам деловито бежали любители ранних прогулок.
  В такое утро, любая поездка доставляет удовольствие - так приятно из окна наблюдать за проносящимися мимо сельскими видами с полями, лугами и лесами...
  Желающих уехать в Оксфорд было достаточно много и мы стояли минут десять ожидая автобуса, опасаясь, что для нас не хватит мест. Но мы напрасно беспокоились - автобус двухэтажный, комфортный с кондиционером и вай-фаем, вместил всех и ещё свободные места остались.
  "Заселившись" внутрь, мы остались внизу, а большинство пассажиров поднялись на второй этаж - оттуда лучше видны окрестности хайвэя.
  Езды всего около ста минут и уже в одиннадцать часов мы были в центре Оксфорда, на автостанции, где выйдя из автобуса, сразу окунулись в толпы туристов их были уж очень много – тысячи, и в основном школьники!
  Такое на моей памяти бывало в советские праздники, когда сотни тысяч демонстрантов рассредоточивались в примыкающих улицах, а потом, с песнями транспарантами и флагами выходили на центральную улицу и шествовали мимо трибун, поставленных на городских площадях!
  В это день, нечто похожее происходило и в старинном Оксфорде.
 
  Справка об Оксфорде из Википедии:
 
  "...Оксфорд (англ. Oxford - "воловий брод", "бычий брод", произносится [;;ksf;d]) - город в Великобритании, столица графства Оксфордшир. Оксфорд известен благодаря старейшему в англоязычных странах и одному из старейших в Европе высших учебных заведений - Оксфордскому университету. Оксфордский университет - это уникальное и историческое учреждение. О точной дате его создания не известно, но открыт он был, как духовная академия при местном крупном монастыре - тогда это было обычным делом. Однако, в той или иной форме обучение в Оксфорде существовало уже в 1096 году. А с 1167 г., когда Генрих II объявил о запрете английским студентам поступать в Парижский университет, обучение стало быстро развиваться. Все ведущие рейтинги учебных заведений Великобритании называют этот университет лучшим в стране; кроме того, он дал миру около 50 Нобелевских лауреатов.
  Оксфорд стоит на берегу Темзы. Примечательно, что протекающий через город участок реки длиною в 10 миль принято называть The Isis. В 2015 году население составляло 159 574 человек, из них около 30 000 - студенты университета..."
 
  "...С расположенных в центре Оксфорда башни Карфакса и колокольни церкви Св. Марии открывается живописный вид на город.
  Крайст-Чёрч построен в 1546 году по приказу Генриха VIII. Это самый большой колледж Оксфорда. С момента основания колледжа в его колокол "Старый Том" ("Old Tom") звонят каждый вечер 101 раз (по числу монахов-основателей); раньше это возвещало о закрытии ворот и призывало монахов вернуться на территорию колледжа. Часовня колледжа - Оксфордский собор (англ. Christ Church Cathedral, Oxford), самый маленький в Англии.
  Колледж Магдалины (англ. Magdalen College, Oxford) основан в 1458 году одним из преподавателей Винчестерского колледжа. По традиции каждый год 1 мая в 6 часов утра на верхней площадке готической башни этого колледжа хор поёт евхаристический гимн XVII века, послушать который на близлежащей улице собирается большая толпа горожан и туристов.
  Из Университетского колледжа был отчислен поэт Шелли за безбожие; ныне ему здесь же воздвигнут памятник. Колледж основан в 1249 году. Корпуса XVII века в стиле ренессанс или поздней готики. Бодлианская библиотека была основана в 1598 году. Это самая крупная библиотека в Оксфорде, в ней 6 миллионов книг. Музей Ашмола основан в 1683 г. Это первый в Англии музей, открытый для посещения. Здесь можно увидеть произведения Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Рембрандта и Констебля. В Cast Gallery можно увидеть 250 греческих статуй. Ботанический сад основан в 1621 г. Здесь изучали лекарственные растения, а также растения, имевшие научное значение. Розарий посвящён открывателям и исследователям пенициллина.
  Не менее интересным местом для посещения может представиться Крытый рынок ("Covered Market"). Он находился в центре города, под открытым небом. Являясь самым опасным с точки зрения санитарии местом, рынок должен был быть уничтожен, но в итоге власти решили, что целесообразнее будет переместить его в здание, что и было сделано в 1774 году. Сейчас там можно купить продукты, разнообразные товары и сувениры, посидеть в кафе.
  Среди других известных музеев Оксфорда: Музей истории Оксфорда, Коллекция музыкальных инструментов Бэйта (англ. Bate Collection of Musical Instruments), Университетский музей Оксфорда.
  В Оксфорде можно найти известные на весь мир пабы. Среди них особое место занимает открытый в 1650 году паб The Eagle and Child, известный тем, что там проходили встречи литературного кружка "Инклинги" (англ. Inklings), членами которого являлись Дж. Р. Р. Толкин и К. С. Льюис. Кроме того, необходимо отдельно отметить пабы Lamb and Flag (англ. Lamb & Flag (Oxford)), Turf Tavern (англ. Turf Tavern) (который в свою очередь известен тем, что там, в бытность учёбы в Оксфорде, проводил свой досуг Билл Клинтон) и др..."
 
  ...Но нас с женой, особенно сегодня, достопримечательности интересовали мало - целью нашего посещения был музей, в котором проходила выставка работ, а точнее рисунков Рафаэля Санти - пожалуй самого одаренного из всех гениальных художников эпохи Ренессанса, своим мастерством поражающего и наших современников!
 
  Справка из Википедии:
 
  "...Рафаэль Санти (итал. Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 28 марта 1483, Урбино - 6 апреля 1520, Рим) - великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы...
  Рафаэль рано потерял родителей. Мать Марджи Чарла умерла в 1491, а отец Джованни Санти умер в 1494. Отец был художником и поэтом и первый опыт художника Рафаэль получил в мастерской отца. Самая ранняя работа - фреска "Мадонна с младенцем", до сих пор находящаяся в доме-музее.
  К числу первых работ относятся "Хоругвь с изображением Святой Троицы" (около 1499-1500) и алтарный образ "Коронование св. Николы из Толентино" (1500-1501) для церкви Сант-Агостино в Читта ди Кастелло...
  В 1501 году Рафаэль приходит в мастерскую Пьетро Перуджино в Перудже, поэтому ранние работы выполнены в стиле Перуджино.
  В это время он часто уезжает из Перуджи домой в Урбино, в Читта ди Кастелло, совместно с Пинтуриккьо посещает Сиену, выполняет ряд работ по заказам из Читта ди Кастелло и Перуджи.
  В 1502 году появляется первая рафаэлевская мадонна - "Мадонна Солли", мадонн Рафаэль будет писать всю жизнь.
  Первые картины, написанные не на религиозную тематику - "Сон рыцаря" и "Три грации" (обе - около 1504).
  Постепенно Рафаэль вырабатывает свой стиль и создаёт первые шедевры - "Обручение Девы Марии Иосифу" (1504), "Коронование Марии" (около 1504) для алтаря Одди.
  Помимо крупных алтарных полотен пишет небольшие картины: "Мадонна Конестабиле" (1502-1504), "Святой Георгий, поражающий дракона" (около 1504-1505) и портреты - "Портрет Пьетро Бембо" (1504-1506).
  В 1504 году в Урбино знакомится с Бальдассаром Кастильоне...
  В конце 1504 года переезжает во Флоренцию. Здесь он знакомится с Леонардо да Винчи, Микеланджело, Бартоломео делла Порта и многими другими флорентийскими мастерами. Тщательно изучает технику живописи Леонардо да Винчи, Микеланджело. Сохранился рисунок Рафаэля с утраченной картины Леонардо да Винчи "Леда и лебедь" и рисунок со "Св. Матфеем" Микеланджело. "...те приемы, которые он увидел в работах Леонардо и Микеланджело, заставили его работать ещё упорнее, чтобы извлекать из них невиданную пользу для своего искусства и своей манеры."
  Первый заказ во Флоренции поступает от Аньоло Дони на портреты его и жены, последний написан Рафаэлем под явным впечатлением от "Джоконды". Именно для Аньоло Дони Микеланджело Буонарроти в это время создаёт тондо "Мадонна Дони".
  Рафаэль пишет алтарные полотна "Мадонна на троне с Иоанном Крестителем и Николаем из Бари" (около 1505), "Положение во гроб" (1507) и портреты - "Дама с единорогом" (около 1506-1507).
  В 1507 году знакомится с Браманте.
  Популярность Рафаэля постоянно растёт, он получает много заказов на образы святых - "Святое семейство со св. Елизаветой и Иоанном Крестителем" (около 1506-1507). "Святое Семейство (Мадонна с безбородым Иосифом)" (1505-1507), "Св. Екатерина Александрийская" (около 1507-1508)...
  Во Флоренции Рафаэль создал около 20 Мадонн. Хотя сюжеты стандартны: Мадонна либо держит Младенца на руках, либо он играет рядом с Иоанном Крестителем, все мадонны индивидуальны и отличаются особой материнской прелестью (по-видимому, ранняя смерть матери оставила глубокий след в душе Рафаэля).
  Растущая слава Рафаэля приводит к росту заказов на мадонн, он создаёт "Мадонну Грандука" (1505), "Мадонну с гвоздиками" (около 1506), "Мадонну под балдахином" (1506-1508). К лучшим произведениям этого периода относятся "Мадонна Террануова" (1504-1505), "Мадонна с щегленком" (1506), "Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем ("Прекрасная садовница")" (1507-1508)...
  Во второй половине 1508 года Рафаэль переезжает в Рим (там он проведёт всю оставшуюся жизнь) и становится при содействии Браманте официальным художником папского двора. Ему поручено расписать фресками Станцу делла Сеньятура. Для этой станцы Рафаэль пишет фрески, отражающие четыре вида интеллектуальной деятельности человека: богословие, юриспруденцию, поэзию и философию - "Диспута" (1508-1509), "Мудрость, Умеренность и Сила" (1511), и самые выдающиеся "Парнас" (1509-1510) и "Афинскую школу" (1510-1511)...
  Папе Юлию II работа Рафаэля очень понравилась, даже когда она была ещё не закончена, и папа поручил живописцу расписать ещё три станцы, причём уже начавшие там росписи художники, включая Перуджино и Синьорелли, были отстранены от работ. Учитывая огромный объём предстоящей работы, Рафаэль набрал учеников, которые по его эскизам выполнили большую часть заказа, четвёртая станца Константина - полностью расписана учениками...
  Сменивший в 1513 году Юлия II Лев X также высоко ценил Рафаэля.
  В 1513-1516 годах Рафаэль по заказу папы занимался изготовлением картонов с сюжетами из Библии для десяти шпалер, которые предназначались для Сикстинской капеллы. Наиболее удачен картон "Чудесный улов" (всего до нашего времени дошло семь картонов).
  Ещё одним заказом от папы были лоджии, выходящие во внутренний ватиканский двор. По проекту Рафаэля они были возведены в 1513-1518 годах в виде 13 аркад, в которых по эскизам Рафаэля были расписаны учениками 52 фрески на библейские сюжеты.
  В 1514 умер Браманте, и Рафаэль стал главным архитектором строящегося в то время собора Святого Петра. В 1515 году он получает и должность главного хранителя древностей.
  В 1515 году в Рим приезжает Дюрер и осматривает станцы. Рафаэль дарит ему свой рисунок, в ответ немецкий художник прислал Рафаэлю свой автопортрет, дальнейшая судьба которого неизвестна...
  Несмотря на загруженность работами в Ватикане, Рафаэль выполняет заказы церквей на создание алтарных образов: "Святая Цецилия" (1514-1515), "Несение креста" (1516-1517), "Видение Иезекииля" (около 1518).
  Последним шедевром мастера является величественное "Преображение" (1516-1520), картина, в которой проглядывают черты барокко. В верхней части Рафаэлем в соответствии с Евангелием на горе Фавор изображено чудо преображения Христа перед Петром, Иаковом и Иоанном. Нижняя часть картины с апостолами и бесноватым отроком была завершена Джулио Романо по эскизам Рафаэля...
  В Риме Рафаэль написал около десяти Мадонн. Выделяются своей величественностью "Мадонна Альба" (1510), "Мадонна Фолиньо" (1512), "Мадонна с рыбой" (1512-1514), "Мадонна в кресле" (около 1513-1514).
  Самым совершенным творением Рафаэля стала знаменитая "Сикстинская мадонна" (1512-1513). Эту картину заказал Юлий II для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце. ""Сикстинская мадонна" поистине симфонична. Переплетение и встреча линий и масс этого холста изумляют своим внутренним ритмом и гармонией. Но самое феноменальное в этом большом полотне - это таинственное умение живописца свести все линии, все формы, все цвета в такое дивное соответствие, что они служат лишь одному, главному желанию художника - заставить нас глядеть, глядеть неустанно в печальные глаза Марии."
  Помимо большого количества картин на религиозные темы, Рафаэль создаёт и портреты. В 1512 году Рафаэль пишет "Портрет папы Юлия II". "В это же время, пользуясь уже величайшей известностью, он написал маслом портрет папы Юлия, настолько живой и похожий, что при одном виде портрета люди трепетали, как при живом папе." По заказам папского окружения были написаны "Портрет кардинала Алессандро Фарнезе" (около 1512), "Портрет Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси" (около 1517-1518).
  Особо выделяется "Портрет Бальдассаре Кастильоне" (1514-1515). Спустя много лет этот портрет будет копировать Рубенс, Рембрандт сначала зарисует его, а затем под впечатлением от этой картины создаст свой "Автопортрет". Отвлёкшись от работы в станцах, Рафаэль пишет "Портрет Биндо Альтовити" (около 1515).
  Последний раз Рафаэль изобразил себя на "Автопортрете с другом" (1518-1520), хотя какому именно другу на картине Рафаэль положил руку на плечо, неизвестно, исследователи выдвинули множество малоубедительных версий...
  Банкир и покровитель искусств Агостино Киджи построил на берегу Тибра загородную виллу и пригласил Рафаэля для её украшения фресками на сюжеты из античной мифологии. Так в 1511 году появилась фреска "Триумф Галатеи" . "Рафаэль изобразил в этой фреске пророков и сивилл. Это по праву считается его лучшим произведением, прекраснейшим в числе стольких прекрасных. Действительно, женщины и дети, там изображённые, отличаются своей исключительной жизненностью и совершенством своего колорита. Эта вещь принесла ему широкое признание как при жизни, так и после смерти."
  Сохранилось около 400 рисунков Рафаэля. Среди них есть подготовительные рисунки и наброски к картинам, имеются и самостоятельные произведения.
  Сам Рафаэль гравюрами не занимался. Однако Маркантонио Раймонди создал большое количество гравюр по рисункам Рафаэля, благодаря чему до нас дошло несколько изображений утраченных картин Рафаэля. Художник сам передавал Маркантонио рисунки для их воспроизведения в гравюре. Маркантонио не копировал их, а создавал на их основе новые художественные произведения, он занимался этим и после смерти Рафаэля.
  Гравюра "Суд Париса" вдохновит Мане на знаменитый "Завтрак на траве".
  Как и многие художники его времени, как например, Микеланджело, Рафаэль писал стихи. Сохранились его рисунки, сопровождаемые сонетами...
  Вазари писал, что Рафаэль умер "после времяпрепровождения ещё более распутного, чем обычно", но современные исследователи полагают, что причиной смерти была римская лихорадка, которой заразился живописец во время посещения раскопок. Рафаэль умер в Риме, 6 апреля 1520 г. в возрасте 37 лет. Похоронен в Пантеоне. На его гробнице имеется эпитафия: "Здесь покоится великий Рафаэль, при жизни которого природа боялась быть побеждённой, а после его смерти она боялась умереть" (лат. Ille hic est Raffael, timuit quo sospite vinci, rerum magna parens et moriente mori)..."
 
  ...Я специально дал такие длинные цитаты из Википедии, чтобы читатели поняли, как много замечательных рисунков, картин и фресок было создано гениальным художником за свои тридцать семь лет жизни!
  Невольно вспоминается Пушкин, который тоже за тридцать семь лет создал целую эпоху в русской литературе и стал для России тем, чем стал для Англии Шекспир!
  Из истории жизни этих гениев можно сделать вывод, что талант раскрывается очень рано и чрезвычайно плодотворен. Это касается всей области творчества доступного человеку.
   И на наше счастье, творчество именно таких гениев движет живопись, искусство, литературу в будущее.
  Но увы, часто жизнь и работа таких самородков становятся вершиной, после которой идет медленный упадок, приводящий искусства либо к жалкому подражанию, либо уже к бесстыдному зарабатыванию денег, используя невежество большинства современных обывателей!
  ...В буддизме исторический процесс и человеческие цивилизации изображается, как смена разных по уровню эпох, которые достигая апогея развития, клонятся к закату и самоуничтожению. Гегель считал древнегреческую скульптуру, вершиной искусства ваяния, повторить которое человечество уже не сможет, по разным причинам.
  Нечто подобное мы видим в живописи Ренессанса, которое тоже стало вершиной изобразительных искусств, после которого, художественное изображение мира, медленно, но неуклонно двигалось к упадку и завершается сегодня полнейшей профанации способности человека видеть и повторять в красках красоту и совершенство, существующего вокруг нас мира природы и человека.
   К сожалению, такая деградация искусства, может служить первыми приметами грядущего коллапса человеческой цивилизации о котором так упорно твердили буддисты. И в истории человечества гибель локальных цивилизаций уже неоднократно имела место. Но эти местные "апокалипсисы" не захватывали большинство человечества.
  ...Сегодняшняя ситуация с набирающим силу глобализмом и изобретением оружия массового поражения, неуклонно приближает мир к чему-то трагически громадному и страшному, то есть к крушению человечества, по сравнению с которым, картины библейского Апокалипсис, покажутся легкомысленной прогулкой в Ад, но эту тема уже другой статьи.

 Испорченный вкус и чудачества богатых коллекционеров привело к появлению так называемого модерна, а потом и авангарда. Знаменитости и основатели этого псевдо искусства: Шагал, Кандинский, Малевич, Пикассо, Джакометти и подражающие им искатели "новых форм и содержания" превратили живопись в собрание детских каракуль, которые сегодня выдаются за достижения и передовое слово в живописи, собрание которых переполняет галереи и выставки во всем мире.
  А у тех кто восхищается этой нарочито нелепой мазней и увечными скульптурами, хватает наглости утверждать, что это и является проявлением человеческого духа в современном мире!
  ...Но возвратимся к нашему посещению выставки рисунков Рафаэля...
 
  Первое впечатление от рисунков Рафаэля - неподражаемое чувство формы и твердость руки художника, и это проявилось в нем с малых лет.
  Но помимо дарования, был ещё колоссальный труд - за свои тридцать семь лет, Рафаэль создал тысячи рисунков и сотни картин, десятки портретов, включая огромные полотна-фрески на стенах папских зданий и частных владений.
  Именно этого не хватает сегодняшним "мазилам", которые, отсутствие таланта и трудолюбия скрывают за туманными и многозначительными объяснениями своей мазни!
  Я уже не один раз писал о деградации современного искусства и основные причины возникновения этого "профессионального" дилетантства, заключены в желании богачей-заказчиков, иметь что-то особенное, пусть и уродливое, отличающее их коллекции, от других.
  Именно уродливостью изображенных на холстах и хвастают нынешние нувориши и именно они являются покровителями и заказчиками у таких, с позволения сказать, художников!
А проныры - художники, наживаются на этом, в своем кругу посмеиваясь над дилетантами, обманутыми многозначительными пояснениями содержания их мазни!

  ...К сожалению, мы попали на выставку только к вечеру и у нас был только час, чтобы бегло просмотреть более сотни рисунков, выставленных в небольшом помещении.
Некоторые рисунки, со временем утратили четкость и ясность изображения и потому приходилось вглядываться, напрягая зрение. Свет в галерее тоже был не очень хорош и это портило впечатление от замечательных работ художника.
  И все-таки, это собрание произвело на нас неизгладимое впечатление и выйдя из музей мы ещё долго стояли под колоннадой у входа (начался мелкий противный дождик) и взволнованно обсуждали увиденное!
   Потом, пошли под дождём на автостанцию и поехали назад, в Лондон...

  На хайвэе было тесно и мокро.
  Вода из под колес впереди идущих машин обрушивалась на переднее стекло нашего, стремительно летящего вперёд автобуса и мешала видеть красивые окрестности: поля светло - коричневой пшеницы кое-где уже убранной, зеленые луговины среди леса, пологие холмы на горизонте...
  В Лондон приехали, когда дождь уже закончился, оставив лужи на улицах и тротуарах.
  Темное небо, слякоть под ногами, не смогли испортить нам возвышенное настроение после встречи с гением живописи, Рафаэлем Санти...
  И после вечернего чая, переполненный впечатлениями, я сел писать эти заметки, восстанавливая в памяти все увиденное в Оксфорде...
 
 
   Июль 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков






 
 
 
 
   Хокусай в Британском музее.
 
 
 
  Вместо эпиграфа:
 
  "...Искусство дает крылья и уносит далеко-далеко! Кому надоела грязь, мелкие грошовые интересы, кто возмущен, оскорблен и негодует, тот может найти покой и удовлетворение только в прекрасном..."
  Антон Чехов
 
   ...Британский музей велик, красив и неповторим. Помню, как первый раз после реконструкции пришел в этот музей и был восхищен внутренним двором под стеклянной крышей, поражающий размерами закрытого пространства.
  Но я ещё помню, как лет пятнадцать назад заходил свободно в читальный зал Британского музея, в библиотеку и смотрел редкие книги прямо на полках. Тогда и посетителей в музее было в несколько раз меньше, а в библиотеку, где работали Карл Маркс и бывал Ленин, приходили совсем немногие.
  Сегодня, Британская библиотека перенесена в другое здание, а в Британский музей идут толпами и даже в большом "дворике", не протолкнуться...
  И я подумал, что многократное увеличение количества любителей живописи, приходящих сюда на выставки, как и несметные толпы туристов, показывают возросший материальный и интеллектуальный уровень не только в Англии, но и во всем мире!

  Но я отвлёкся.
  ...Так было и на выставке Хокусая, знаменитого японского художника и гравера. Посетители стояли очередью и медленно передвигались от картины к картине, читая "сопроводиловку" и разглядывая эстампы долго и пристально - это многолюдье мешало сосредоточиться.
  Мне невольно вспомнился музей в Вашингтоне, где мы смотрели выставку Утамаро, тоже японца, жившего раньше Хокусая и впервые протоптавшего дорожку для японского искусства в Европу.
  Утомаро иногда писал откровенно эротические картинки и на той выставке запомнилась реплика американки - матери, относящаяся к дочери, которая внимательно разглядывала именно эти картинки:
- Не смотри это! Это тебе ещё нельзя смотреть!

  Вот небольшая справка об этом художнике из Википедии:
 
  ...Среди предполагаемых мест рождения художника фигурируют Эдо (ныне Токио), Киото и Осака.
   Утамаро. Цветы в Эдо, ок. 1800
  Его имя при рождении - Нобуёси, а Утамаро - псевдоним, который художник стал использовать с 1781 г.
  После смерти отца, Утамаро переехал из провинции Мусаси в Эдо. Здесь он поступил в студию Торияма Сэкиэн - художника школы Кано - и оставался там в течение семи лет.
  В 1775 г. происходит его знакомство с издателем Цутая Дзюдзабуро, оказавшим огромное влияние на его творчество. Многие его прекрасные альбомы, иллюстрированные книги, серии станковых гравюр появились в результате длительного сотрудничества с Цутая. Из современников наибольшее влияние на Утамаро оказал Тории Киёнага.
  Утамаро обращался к сюжетам из жизни ремесленников, создавал пейзажи, изображения фауны и флоры (альбомы гравюр "Книга о насекомых", 1788, и др.), однако прославился произведениями, посвященными гейшам квартала Ёсивара (альбом гравюр "Ежегодник зелёных домов Ёсивара", 1804). Виртуозно обыгрывал декоративный эффект белой поверхности бумаги. Часто использовал бесконтурную технику письма, киноварь и слюдяную краску в печати, в ряде случаев использовал в женских портретах погрудные композиции (впервые в японской ксилографии).
  Утамаро достигал особой тонкости в передаче душевных состояний.
  В 1804 г. за изображение героя японской истории Тоётоми Хидэёси "в неподобающем виде" Утамаро попадает в тюрьму. Арест и пребывание в тюрьме нанесли ему тяжелую психологическую травму. Он не смог оправиться от перенесенных потрясений, и поздний период его творчества окрашен в трагические тона. Вскоре после освобождения из-под стражи Утамаро скончался.
  Изысканно-поэтическое творчество Утамаро сыграло важную роль в пробуждении у европейцев конца 19 в. интереса к японской гравюре..."
 
  ...Разница между Утомаро и Хокусаи в том, что первый был художником-гравером и традиционалистом, а расцвет его творчества, случился раньше чем Хокусай стал известен и знаменит.
А второй был наследником традиций, тоже художником-гравером и из под его кисти выходили заготовки для эстампов, с какими-то новыми стилевыми особенностями.
  Работы Хокусая стали необычайно популярны, распространялись многочисленными копиями по всей Японии и через перекупщиков попадали в Европу.
  Теперь небольшая справка о Хокусае из Википедии:
 
  "...Кацусика Хокусай 31 октября 1760, Эдо - 10 мая 1849, там же) - широко известный японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр периода Эдо. Работал под множеством псевдонимов. Является одним из самых известных на Западе японских гравёров, мастер завершающего периода японской ксилографии.
  Хокусай использовал не менее тридцати псевдонимов на протяжении своей жизни. Несмотря на то, что использование псевдонимов было обычной практикой у японских художников того времени, по числу псевдонимов он существенно превосходит других известных авторов. Псевдонимы Хокусая нередко используются для периодизации этапов его творчества..."
 
  ...Так получилось, что за неделю до Выставки в Лондоне мы посетили выставку рисунков Рафаэля Санти, в Оксфорде.
  И войдя на выставку Хокусаи, посмотрев несколько гравюр и картин на шелке я подумал, что Хокусай был своеобразным японским "рафаэлем", по мастерству рисунка, по таланту и работоспособности мало в чем уступая этому гению итальянского Ренессанса.
  Конечно разница между европейским и японским искусством, в том числе и в живописи, разительная. Однако, мировая культура и искусство часто совершенно неожиданным образом соприкасаются, ещё до знакомства друг с другом!
  Кажется, что на работы Хокусай в поздние периоды, повлияли работы европейских художников. Свет сбоку, тени - это новинки, привнесённые, в японскую живопись и освоенные Хокусаем.
   Но в свою очередь, работы японских художников попадая в Европу, воздействовали на зарождающиеся противостоящие неоклассицизму новые приёмы и новые подходы в живописи импрессионистов, пост импрессионистов, а потом и разного рода авангардистов.
  Отсюда появилась и новая живопись, на которую повлияла не только мода на все японское, но и прежде всего работы японских мастеров, в том числе и Хокусая. Ван Гог говорил, что работы этого японца повлияли на его стиль и мировоззрения, а Ренуар упоминал о влиянии японских художников на его творчество...
   Более того, во Франции той поры, появился даже термин обозначающий моду на все японское - в переводе на русский это примерно так звучит - "японизм".

   Особенно на этой выставке хочется отметить эстампы изображающие символ и святыню Японии, вулкан Фудзияма, или как ласково называют её японцы - Фудзи.
  Эта гора, встающая симметричным вогнутым конусом над морем и над окрестностями, изображена Хокусаем во многих видах и в о все сезона года.
   Присутствует она и в знаменитой картине Хокусая "Большая волна в Канагава", где в промежутки между громадными волнами виден светлый конус Фудзи!
  Изображал художник и животных, часто птиц, цветы, в том числе ирисы, этот мотив позже подхватили импрессионисты.
  Особенно интересны изображения орла, сокола и тигра, в которых прочитывается все особенности японской живописи, где художники пытаются показать обобщенный тип, исключающий зеркальную трактовку того или иного объекта, будь то люди или животные.
  Это касается и цветов, в которых японцы видели символ красоты и старались очистить эту красоту от сиюминутных состояний и обобщить её в некий безвременный образ!

  Это просматривается и в искусстве древних буддистских садов, в том числе садов камня, которые для европейцев, особенно первое время, казались чудачеством и не были поняты и оценены - на прямоугольной площадке рядом с террасой, "расчесанный" граблями гравий, изображающих волны океана и где-то посередине, несколько больших камней разной формы торчащие из этих «вол» - это символы островов, на которых и расположена Япония.
  Именно сады камней были чистейшими религиозно-философскими символами, которые будили воображение и помогали мыслить символами, что является особенностями буддизма и азиатского мышления вообще.
 Потому, оценить культурные особенности японского искусства, для большинства прагматичных и рациональных европейцев, без этого обращения к символам реальности и красоты живущей в ней, просто невозможно.
  Философия буддизма воздействовала на все искусства не только в Китае, но и в Японии, а в силу долгой самоизоляции, это искусство стало во многом прямой иллюстрацией этой философии.
  Люди у Хокусая, вполне живые, с узнаваемыми лицами в жизненных ситуациях, в отличии от большинства работ художников той поры.
  Надо отметить, что стилизация и символизм в искусстве Японии пришли из буддизма, а на особенности японского искусства повлияла культура и искусство Китая!

  Обаяние работ Утамаро и Хокусая в Европе, с каждым годом, с каждым новым поколением увеличивается и потому, эта небольшая выставка в Британском музее пользуется таким успехом и популярна среди английских интеллектуалов.
  Вот и я приобщился к этой моде и спешу сообщить об этом своим читателям!

 
    Август 2017 года. Лондон. Владимир Кабаков


Остальные произведения Владимира Кабакова можно прочитать на сайте «Русский Альбион»: http://www.russian-albion.com/ru/vladimir-kabakov/ или в литературно- историческом журнале "Что есть Истина?": http://istina.russian-albion.com/ru/jurnal