Машков. Автопортрет с Петром Кончаловским

   Какая странная картина!  Сидят  два здоровенных, мускулистых мужика в одних плавках. На грани приличия. Они изображают из себя  цирковых борцов. И сидят так они не на арене цирка или на пляже возле моря. Они сидят в  салоне.  На столе кофейник, чашки и бутылка вина. Ноги почему-то в носках. А у самых ног гири и гантели. Мышцы качать.
 
     Но это не всё. Есть детали, указывающие на духовность и интеллект этих «борцов». Один держит скрипку в руке, другой – ноты. Они музицировали. А позади на полке толстые книги, На корешках книг  названия, свидетельствующие  о высоком  уровне того, чем они занимаются в жизни кроме  гантелей. Читаем: Сезанн – основоположник художественного направления «Фовизм» (Хищники).   Джотто – художник раннего итальянского Возрождения,  «Египет. Греция. Италия» - искусства этих стран. И, наконец. Библия – основа всей духовности. Какое необычный и удивительный антураж. Что  за экзотическое сочетание грубой телесной силы и предметы для тонкой душевной организации присутствующих на картине персонажей.
 
   Персонажи уже известные художники, Илья Машков и Пётр Кончаловский. Почему же они предстали перед нами в таком «интересном» виде. Ведь в этом изображении заложена какая-то мысль. Мысль обращённая к нам, к зрителям. Что эти  борцы вознамерились нам сказать в таком виде. Мысль должна присутствовать в любом живописном изображении, даже если автору не более пяти лет.
 
  Будем стоять перед картиной в напрасных потугах разгадать эту мысль. Картина не маленькая. Два на почти три метра. Да ещё в огромной резной деревянной  раме. Вы стоите напротив этих мускулистых атлетов  и чувствуете, как это живописное творение вас плющит, подавляет.

     А мысли никакой и нет. Есть одно только дерзкое желание фраппировать почтенную публику, привыкшей к другого рода живописи. Эпатаж и желание вызвать скандал – это единственный мотив живописцев.  И надо сказать , что в этом желание борцы отменно преуспели.

   Кстати, на картине есть одна любопытная деталь. Над головоми художников два цветочных букета. А должны быть портреты жён художников. Но дамы не захотели чтобы их изображения соседствовали с этими голыми мужиками. Пришлось заменить на живописные цветочки.
                *****
   Была выставка. Группа художников объединилась в одно художественное сообщество, получившее название «Бубновый Валет». Они явили себя впервые  в октябре 1910 года на выставке. Заранее зная , что будет скандал. Публика будет возмущаться и плеваться. И называть художников нехорошими словами. А им именно это и было нужно. Произошла «пощёчина общественному вкусу», по словам одного организатора.

    Эти художники, не скрывая, рвали с традициями реалистической живописи . Все достижения в искусстве живописи – это, по их утверждению, нечто уже отжившие, хлам. Тормозящий движению вперед. Всё это надо сбросить с «корабля современности». Они решили, что они авангард, то есть идущие впереди. Но это надо доказать. Вот одно из этих доказательств перед вами. Два музицирующих мужичины в непотребном виде в салонной обстановке. Невольно остановишься и будешь рассматривать в поисках того, что автор, художник Машков, хотел до нас донести.
 
    Можно сказать, что с этой выставки начался весь русский, ранний «Авангард», достижениями которого мы вроде бы должны гордится.  К этому «Авангарду» следует сегодня относится уважительно. Какой бы живописный выкрутас не был представлен на самых известных аукционах. А мне что-то гордиться не хочется. Соревнование в амбициозной дури – это как-то странно.

      А что это такое, «Бубновый валет». Этому есть пояснение.   Вспомним время , когда появилось это объедение. Время революционного брожения и бурления. Во всех сферах жизни. Предчувствие предстоящих гроз и ломки всего нажитого. Оно коснулось и живописи. Хватит с нас Передвижников. Дайте отрадного. Дайте свободы. «Мы ждём перемен». Хватит идейности и назидательной классики. Они готовили общеевропейский переворот в живописи. Пошли и пришли с тем к «Чёрному квадрату» По-моему к бредовому достижению.  Хотя заумные искусствоведы возносят этот «квадрат» до  сих пор.

   А откуда взялось это название «Бубновый валет»? «Бубновыми валетами» в те времена называли каторжников. На тюремной робе на спине им нашивали чёрный ромб, напоминавший бубновую масть.  И второе объяснение. На французском карточном жаргоне это означало мошенник, плут. То есть в одном наименовании уже  заложен эпатаж. Но не все это поняли.
 
  Их первая выставка была организована в художественном салоне на Большой Дмитровке 11, ( сегодня дом 32).  Выставку готовили со всею тщательностью. Целью выставки было, не поверите, «распространение современных понятий по вопросам изобразительных искусств». И она стала ошеломляющей акцией своего времени.  Гвоздем программы должна была стать как раз эта картина с  полуголыми музыкантами.  Для этой картины зарезервировали почётное место. Она должна была стать символом всей выставки.  Картину принесли с трудом  на выставку как раз накануне открытия. И она действительно стала гвоздём.
                *****
     Здесь ломалось все: перспектива, пропорции, сюжет. На полотне — обнаженные «геркулесы» с гирями у ног. Строгий жанр портрета превратился в балаган, который провоцировал зрителя и вызывал на спор.      Правда, не надо думать, что внутри этого сообщество царило единодушие и согласие. Нет, они постоянно ругались и даже иногда дрались. И , наконец, часть из этого сообщества вышла из него и образовали свое отдельное сообщество, дав ему такое смешное название «Ослиный хвост». Откуда оно взялось. Название «Ослиный хвост» связано с нашумевшим случаем в парижском Салоне Независимых   в марте 1910 года, когда группа мистификаторов, предварительно «подогрев» публику манифестами несуществующего художника Боронали , выставила абстрактную картину «И солнце заснуло над Адриатикой», будто бы написанную хвостом осла, который живёт на Монмартре.   Обман признали сами участники, но русским авангардистам этот случай понравился. В наброске объявления о московской выставке говорилось: «Жёлтая пресса подняла шум вокруг этого инцидента. Теперь мы поднимаем перчатку. Публика думает, что мы пишем ослиным хвостом, так пусть мы будем для неё ослиным хвостом».
 
    Нам сегодня, по правде сказать, трудно увидеть разницу между этими сообществами художников. Они все были авангардистами. Но на их внутренней кухне они были несогласны в приготовлении живописных блюд. Была даже война без преувеличения. В прессе это называлось войной «валетов с хвостами».
                *****
    Но это все дела давно минувших дней. А сегодня? Что должен сегодня думать зритель, не сильно искушённый в истории развития живописи. Он не знает, что выставка «Бубнового валета» знаменовала  рождение радикального переворота, получившего наименование «Авангард». Благодаря художнику Александра Бенуа.  Он назвал авангардистами художников, которые отошли от академических канонов и оказались впереди — «в авангарде». То есть они пошли вперёд, указуя всем прочим путь развития. И пришли со всем этим к «Черному квадрату». Всё! Тупик! Куда идти дальше?
                *****
          Ну а что стало с картиной Машкова с этими эксцентрическими, музицирующими, балаганными борцами? Картина очень большая. Два на три метра. Её так просто на  стенку не повесишь. Тем более в крохотной комнате квартиры коммунальной. После выставки картина  осталась у автора, у Машкова. Семейная собственность.

    Её обнаружил ленинградский коллекционер Соломон Шустер. Фамилия ,по-моему. значимая,  Он купил ее в 1950-е годы у вдовы Марии Ивановны Машковой и вывез из московской мастерской.

  Тут же возник вопрос, где её хранить? Сам Шустер жил тоже в коммунальной квартире.  Он поместил её у своей матери. «Она занимал целую стенку в комнате прабабушки, Ревеки Беленькой, — рассказал  внук коллекционера Валентин Шустер.  Когда в 1981 году она умерла, ее квартиру необходимо было сдать обратно государству для новых жильцов. Было непонятно, что же делать с картиной: в имевшуюся двухкомнатную квартиру Соломона в Манежном переулке она не влезала просто физически».

И тогда Шустер решил избавиться от неё. Как? Продать! Он продал её Русскому музею за  огромную для того времени сумму в 18 тысяч рублей. С тех пор посетители знаменитого музея не могут пройти мимо столь внушительных музыкантов-художников без некоторой оторопи. Эпатаж действует до сих пор.
                *****               
   Нет, оба художника не остались навечно авангардистами.  Пришёл соцреализм, который положил предел напрасным потугам, грубо говоря, выпендриться. А у авангардистов была такая известная сакраментальная  фраза,  оправдывающая и объясняющая всё, что бы не появилось на их полотне. «Я так вижу!» Хорошо, пусть так. Я отвечу, а я так не вижу, и иначе не хочу видеть. У меня нормальное зрение. И потом,  если ты так видишь, находясь в больнице Кащенко,  то что же и  мне в желании тебя понять, тоже  надо идти в эту печальную больницу?

      И еще одна важная вещь. Эти авангардисты могут быть совершенно нормальными людьми. Но в струе революционных перемен и всеобщего поиска новых путей в живописи, пустились во все тяжкие. Оголтело и без оглядки. Но ведь приходит и отрезвление. Именно это случилось с этими художниками на картине. Вынужденно и неизбежно. Пришлось переобуться. Иначе или уезжать из страны,  или замолчать. Ни то, ни другое они не смогли сделать. И правильно. Оба в конечном итоге удостоились почести быть похороненными на престижном погосте Новодевичьем. Иначе просто канули бы в лету.
                Машков.
    И. Машков. Это тот , что слева со скрипкой. Как-то уже после революции  он приехал в родную станицу и в здании церкви вместо иконостаса повесил портреты Ленина и Сталина. А над куполом вместо креста водрузил красный флаг. Станичники не одобрили эту художественную инсталляцию. Он пишет картины, которые отображают колхозный быт. Они пышут оптимизмом и радостью коллективного труда. В те годы стала широко известна его «Колхозница с тыквами». А немного спустя «Пионерка с горном». 
 
    В 1934 г. Машков создал эпическое полотно «Привет XVII съезду ВКП (б)»), c изображениями К. Маркса, В. Ленина и И. Сталина в цветочном оформлении.

   В 1936 г. картина «Советские хлебы», — хлебобулочные изделия. Хлеба выписанные, несомненно, рукою мастера. От них исходит пьянящий аромат хлеба.

  В 1937 г. картина Машкова «Портрет красного партизана А. Е. Торшина». Этот партизан  устанавливал в 1918 году советскую власть в родной ему станице Михайловская. Картина   выставлялась на Международной выставке в Париже и была награждена золотой медалью.

    В годы войны  Машков писал портреты солдат, работников  госпиталя в Лефортово. Таким был его творческий путь. Очень неровный от радикального авангарда до живописного реализма, к  агитационным полотнам, к дачным натюрмортам и портретам советских солдат и медсестёр в госпитале. Машков всегда говорил, что картина должна украшать и радовать , у неё должна быть энергия, цветовая энергия – в этом смысл.

Он тихо скончался в 1944 оду на своей даче в Абрамцево.

                Пётр Кончаловский
  Это персонаж справа на картине.  Тоже в трусах. Он держит в руке партитуру с нотами. Интересная деталь – он жил в том самом доме и в том же самом подъезде, что и Михаил Булгаков. То есть рядом с «нехорошей квартирой». Из-под его кисти  вышло около двух тысяч пейзажей, натюрмортов и портретов. Он тоже оставил авангардизм и перешёл к  реалистической манере, став одним из ведущих мастеров советской живописи.

Ему однажды предложили написать портрет Сталина. Кончалвский отказался. Потому как у вождя народа не было времени позировать художнику, художнику дали фотографию. А делать портреты по фотографии художник  не умел.
 
     Его называли одним их выдающихся художников  первой половины двадцатого века.  Он очень любил писать натюрморты. Абсолютно безобидная и аполитичная живопись.  Яблоки, груши, персики. Но особенно он любил сирень. Её у него было много в саду. Десятки сортов, которые он  возделывал сам.

     Работу над натюрмортами Кончаловский считал полезнейшим  упражнением для каждого живописца. Посмотрите его натюрморт «Сирень в корзине».

   Более полувека он трудился на живописном поприще. И тоже прошёл путь от эпатажного,  безыдейного, заумного авангарда к крутому соцреализму. Менял художественные направления. По убеждению.

   Да, время было сложное. Но он умел адаптироваться и развиваться в стремительно меняющемся мире искусства. Он органично вписывался в разные исторические эпохи, не теряя своего почерка и лица. Уметь надо.  Его талант был признан советским правительством – в 1943 году он стал лауреатом Сталинской премии, а позже получил звание народного художника СССР.

       Кончаловский скончался в своем доме в Буграх ( Калужская область) в 1956 году, в возрасте 79 лет.