Мир анимации. поколение шестидесятники

                МИР АНИМАЦИОННОГО КИНО
                Глава 2. Поколение: «Шестидесятники»

     Шестидесятые годы – время радикальных и захватывающих открытий, оказавших огромное влияние на развитие культуры и искусства второй половины ХХ века. В мире происходили мощные изменения. Чего стоило разрушение колониальных империй. В 1961 год – начало космической эры: советский человек Юрий Гагарин стал первым космонавтом мира. И, несмотря на то, что шестидесятые – это разгар холодной войны, прогресс остановить невозможно. Он сказался на всем, и на мультипликационное кино не осталось в стороне. 
     Культурное явление – «шестидесятые» – связано с реформами, начавшимися в СССР, создавали благоприятные условия для развития культуры. XX съезд партии в 1956 году, признание культа личности, возвращение из тюрем и ссылок сотен тысяч репрессированных, среди которых представители творческой интеллигенции, ослабление цензурного пресса, развитие связей с зарубежными странами – всё это вызвало у населения, особенно молодёжи, мечты о лучшей жизни. Сочетание всех этих совершенно уникальных обстоятельств привело к движению шестидесятников, окрылённых будущими перспективами.
     В 1954 году вышла повесть И. Эренбурга с названием «Оттепель» и дала название эпохи, которая вошла в историю СССР под этим же названием «ОТТЕПЕЛЬ». И хотя жизнь была «привольна и широка», а полноводная Волга текла по территории СССР, но вернувшиеся из ГУЛагов невинно осуждённые и миллионы людей, пребывавших на оккупированных фашистами территориях, понимали, что жизнь гораздо сложнее, чем поётся в песнях, полных пафоса и оптимизма. Эпоха перемен в советском обществе – это время глобального социокультурного поворота.
     Впервые глубокому философскому осмыслению и новому художественному прочтению подвергаются исторические итоги XX столетия. Журналу «Новый мир», где главный редактор А.Т. Твардовский, открыл для читателя имена многих крупных мастеров слова. Опубликована повесть А. Солженицына «Один день Ивана Денисовича». Всего «один день», а какое влияние он оказал на читающую интеллигенцию России! «Оттепель», хотя и оказалась кратковременной и не создала гарантий против возврата назад, но значение её, как и влияние на последующие поколения, было огромно. Советские кинематографисты активно сотрудничали с коллегами из разных стран, участвовали и побеждали в международных кинофестивалях.
Много раз было сказано, что переломом в анимации в это время стал фильм «История одного преступления», снятый в 1961 году. Этот фильм использовал совершенно невероятную до того времени условность. В кадре было только то, что необходимо и никаких лишних деталей – и оттого он был особенно выразителен. Несмотря на иронию, интонация фильма была очень трогательной, что было так же ново, как и сам маленький герой Ф.С.Хитрука. И это был мультфильм для взрослых.
     «Фильм, фильм, фильм!», изображающий этапы съёмок фильма, начиная с вдохновения сценариста, был потрясением для зрителей. Был и «Человек в рамке», и картина про античного Икара. Фильм «Остров», в котором одинокий человечек на крошечном необитаемым острове жил беспокойной жизнью, получил главный приз Каннского фестиваля. Самыми любимыми героями отечественной анимации для детей стали мультфильмы Ф.С.Хитрука «Каникулы Бонифация» и три фильма про Винни–Пуха.   Федор Савельевич Хитрук произвёл революцию в советской анимации. И за ним пошли многие режиссёры – те, кому в шестидесятые годы было чуть больше двадцати. Повзрослевшее в годы оттепели поколение, станут называть «шестидесятниками».
    Мы смотрим наши мультфильмы с детства, пересматриваем, снова смеёмся и грустим. И мы гордимся тем, что любимые нами герои известны уже не только в России, но и далеко за её пределами. Мультфильмы СССР – это эпоха анимации, особый жанр. Многие творения гениальных советских режиссёров до сих пор оказывают заметное влияние не только на творчество признанных мастеров мировой мультипликации, но главное – на души и сердца людей. Они создали. что ценится чрезвычайно дорого – особое культурное пространство – отечественное анимационное кино.
    Вершиной лиризма, задумчивости и воспоминаний называют персонажей Ю.Б.Норштейна. Русская авторская анимации захватила зрителя тонкостью ощущений и глубиной переживаний.
    Появился сериал «Ну, погоди», фильмы про кота Леопольда, насыщенные озорством и современными мелодиями. Трогательная история девочки из фильма «Варежка» и, конечно, фильмы о Чебурашке – ушастом, одиноком и милом существе, мечтающем, чтобы все вокруг подружились не оставляли зрителей равнодушными. 
    Андрей Хржановский дебютировал как режиссёр в 1966 году, ему было 27 лет. Его эстетические поиски лежали в русле открытий всего нонконформистского искусства тех лет – с его метафорами, иронией и попыткой усилить связь с мировым искусством живописи и литературы.
     Послевоенное поколение много экспериментировало и создало разнообразные формы отечественной анимации. Их открытия создало славу отечественному кино, которое подтверждено многочисленными наградами на престижных международных кинофестивалях.
    Последние годы существования СССР стали плодотворным временем для кинематографа. В конце 80–х появляется коммерческий кинематограф. На протяжении всей истории советского кино были известны случаи, когда актёры уезжали жить и работать «на Запад», сохраняя прочные связи с профессиональным сообществом.

               1. Владимир Израилевич
                Пекарь (1927–1990)

      Владимир Израилевич Пекарь (1927–1990) – режиссёр и художник мультипликационных фильмов. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987), член АСИФА.
  В.И.Пекарь - автор программы обучения художников–мультипликаторов. С 1942 года был учеником мультипликатора при киностудии «Союзмультфильм». Работал на Ереванской студии (1943–1947). В 1947 году стал мультипликатором студии «Союзмультфильм».
        Входил в группу комбинированных съёмок под руководством Николая Федорова, который руководил группой комбинированных съёмок «Союзмультфильма», входил в группу НИР по разработке многопланового мультстанка (1951), был членом худсовета студии. В 1960 году создал мультипликационный киножурнал «Мультипликационный Крокодил» и снял первый выпуск, что стало его дебютом как режиссёра. Творческий тандем с Владимиром Поповым просуществовал почти 15 лет. За эти годы, кроме многочисленных сюжетов для сборников, «Фитилей» и заказных фильмов–плакатов о кукурузе и «Госстрахе», они поставили несколько картин, которые и до сих пор не сходят с телеэкранов. В их числе «Впервые на арене» (1961), дилогия о медвежонке Умке (1969–1970), «Верните Рекса» (1975). Далее каждый из режиссёров пошёл своим путём.
        Очарование мультфильма про Умку, фильма про материнскую нежность белой медведицы покорило зрителей – детей и взрослых. «Ложкой снег мешая, ночь идёт большая...», – наверняка по первым строкам этой песни у большинства перед глазами возникает смешной и трогательный медвежонок из легендарного уже мультфильма.
        Настоящее искусство, а ещё искренние, сделанные с душой вещи не стареют, и вот уже более пятидесяти лет мультфильм является отличной иллюстрацией этой мысли.
        В мультфильме искренность, душевность и не устаревающие чувства – любовь, привязанность, доброта, поиск себя в этом мире, а ещё хорошие песни.
Этот фильм как никакой другой выразил душу В.И.Пекаря, который был тонким, умным, деликатнейшим человеком, при этом знающим и опытным профессионалом, который щедро делился своими знаниями с молодыми художниками и режиссёрами.
        Пекарь В.И. писал сценарии, работал художником–мультипликатором и художником постановщиком на многих фильмах студии Союзмультфильм и Мульттелефильм, преподавал на курсах художников–мультипликаторов на студиях «Союзмультфильм», «Мульттелефильм» а также читал лекции на Высших курсах сценаристов и режиссёров.
Его фильмография режиссёра за 35 лет работы весьма значительна. Он участвовал в постановке фильмов: «В лесной чаще» (1954), «Мойдодыр» (1954), «Трубка и медведь» и «Необыкновенный матч» (1955), «Чудесница» (1957) и многих других. Режиссёр и художник фильмов: «Впервые на арене» (1961), «Кино–крокодил № 1», «Случилось это зимой» (1965), «Умка» (1969), «Умка ищет друга» (1970), «По щучьему велению» (1970). Поставил рисованные мультфильмы: «Сокровища затонувших кораблей» (1973), «Петер–обманщик» (1974, с киностудия «Панония» (Венгрия), «Сказка за сказкой» (1974), «Почтовая рыбка» (1976), «Василиса Прекрасная» (1977), Баба Яга против!» (1979–1980), «Говорящие руки Траванкора» (1981), «Закон племени» (1982), «Путь в вечность» (1983), «То ли птица, то ли зверь» (1985) Мышь и верблюд (1987) и др.

                2. Валентин Александрович
                Караваев (1929 –2001)

     Валентин Александрович Караваев (1929 –2001) – режиссер–мультипликатор, художник–мультипликатор, сценарист. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации (1996).
     Родился в Кировской области. Окончил художественную школу и поступил на курсы художников–мультипликаторов при киностудии «Союзмультфильм». В 1959 году работал в журнале «Крокодил». В 1968 году окончил факультет режиссуры мультипликационных фильмов ВГИКа и начал снимать фильмы на студии «Союзмультфильм».
     В 1969 году вышел его первый (дипломный) мультипликационный фильм – «Дед мороз и лето», сразу получивший признание и успех. Большой успех принесла В.Караваеву режиссёрская работа над фильмом «Возвращение блудного попугая»
(1984) – истории эксцентричного и эгоистичного попугая Кеши, образ которого покорил зрителей, умеющих ценить юмор и шутки. За новые приключения (вторую часть мультфильма) взялся режиссёр А.Давыдов. В 1988 году Караваев снял третий фильм с этим героем.
     Не прошла незамеченной поэтическая экранизация печального рассказа И.С.Тургенева «Муму». В отзывах о мультфильме говорилось, что этот мультфильм предназначен не для малышей, а для детей, которые пойдёт в школу, а прелесть мультика в его особой рисовке в стиле пастель. Очень много тонов и полутонов. Каждый смотрится как картина, которую написал художник. Картина на реке нарисована так, как будто это настоящий художественный фильм. Все в герое передаёт отчаянье, горе, неприятие собственного такого поведения. В. Караваев стал художественным руководителем студии «Анимафильм» при Московском детском фонде.
          Валентин Караваев был убеждён, что в «будущем при помощи языка анимации разные народы смогут без помех общаться между собой, можно будет легче понять культуру другого народа. Образность анимации не требует словесного перевода. В этом она как живопись или музыка. Только всмотрись и вслушайся, и ты поймёшь мир другого человека или народа. А как только поймёшь, уже никогда не поднимешь на него руку. А это самое главное на Земле».
         Фильмография В.Караваева–режиссёра: «Дед Мороз и лето» (1969), «Маленькие недоразумения» (1970), «Урок не впрок» (1971), «Просчитался» (1972), «Юморески» (1974, Выпуск № 1, 2, 3), «Зайчонок и муха», «Мелочи жизни» (1977), «Премудрый пескарь» (1979), «Отражение (1981), «Последняя охота» (1982), «Возвращение блудного попугая» (выпуск 1 (1984), выпуск 2 (1987), выпуск 3, 1988), «Муму» (1987), «История одного города. Органчик» (1991), «Лягушка–путешественница» (1996). В большинстве мультфильмов В.Караваев являлся и сценаристом.
         Мультфильмы В.Караваева удостоены высоких наград: за мультфильм «Лабиринт» – 1–я премия на VI фестивале студенческих фильмов (1969), Третья премия на МФ в Загребе за мультфильм «Три квитанции» (1972), мультфильм «Зайчонок и муха» удостоен Специальной премии на Московском фестивале детского кино (1977), а «Премудрый Пескарь» (1979) – Приза на I Международном кинофестивале в Варне.

                3. Владимир Иванович
                Попов (1930–1987)

    Владимир Иванович Попов (1930–1987) – советский режиссёр и художник мультипликационного кино, сценарист. В 1952 году поступил на киностудию «Союзмульфильм» учеником.
Работал прорисовальщиком, мультипликатором, а с 1968 года начинает работать режиссёром, сначала с Владимировм Пекарем, а с 1975 года самостоятельно.
    Многие работы Попова решены в юмористическом ключе: Умка (1969), Умка ищет друга, (1970) совместно с В.Пекарем, «О том, как гном покинул дом» (1977), «Бобик в гостях у Барбоса» (1977), «Трое из Простоквашино» (1978), «Приключения Васи Куролесова» (1981), «Мы с Шерлоком Холмсом» (1985) и др. Было создано более десяти сюжетов для киножурнала «Фитиль».
    «Трое из Простоквашино» – мультипликационный фильм, который полюбился не только детской, но и взрослой аудитории. Потребовалось продолжение, так многие зрители хотели снова видеть любимых героев. Следующий мультфильм был назван «Каникулы в Простоквашино», а третий фильм этой серии назывался «Зима в Простоквашино».
      «Трое из Простоквашино» – мультсериал на все времена. Мультипликационная трилогия выросла из повести Эдуарда Успенского «Дядя Федор, пёс и кот».
      Любимую всеми историю о самостоятельном мальчике, исполненном чувства собственного достоинства, коте и псе Шарике, преданном простоватом покорил сердца зрителей. Крутой поворот в жизни городского дошкольника, которого даже мама с папой называют дядя Федор, произошёл после знакомства с бездомным котом по фамилии Матроскин.
       А само знакомство состоялось из–за ремонта на чердаке, который служил рассудительному коту пристанищем, а также неправильного поедания бутерброда с колбасой дядей Федором, о чем Матроскин не преминул ему сообщить. Слово за слово, между ними возникает взаимопонимание. А поскольку родители не разрешали сыну заводить зверюшек, друзья решили уехать жить в деревню. По дороге им встретится бездомный пес Шарик, который был принят в компанию. Он же и показал свободный дом в деревне, который друзья быстро привели в порядок. Итак, трио главных героев сформировано. Деревенская жизнь началась.
       Родители Дяди Фёдора дают заметку в газете о пропаже мальчика. Сельский почтальон Печкин приходит к друзьям, в надежде получить вознаграждение за вести о мальчике – велосипед. Много приключений ждёт наших друзей. И мы с удовольствием ждём их!
Владимир Попов оставил яркий след в отечественной анимации и был удостоен Государственной премии РСФСР имени Братьев Васильевых за мультфильмы о Простоквашино, к сожалению, посмертно. За мультфильм «Радуга» режиссёр был удостоен приза XI Международного кинофестиваля детских и юношеских фильмов в Тегеране (Иран), 1976 г.

                4. Борис Павлович
                Степанцев (1929–1983)

     Борис Павлович Степанцев (1929–1983) – художник, иллюстратор книг и диафильмов. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1972). Художественный руководитель студии «Мульттелефильм» творческого объединения «Экран» (1980–1983). Вице–президент АСИФА (1972–1982). Член жюри Каннского кинофестиваля в разделе «Художественная анимация».
     Борис Степанцев родился в Москве. Ещё до войны бегал смотреть мультфильмы в кинотеатре на Страстном бульваре. Решил связать свою жизнь с комедийной мультипликацией. В 1946 году окончил Московскую художественную школу и курсы художников–мультипликаторов при киностудии «Союзмультфильм». Во время учёбы смотрел много трофейных фильмов, мультфильмы студии «Дисней», оказавшие на него большое влияние. С 1947 по 1949 год работал художником–мультипликатором. После пятилетней службы матросом в ВМФ СССР вернулся на студию, а параллельно поступил в Московский полиграфический институт.
      Его дебют как режиссёра состоялся в 1954 году. С 1956 по 1962 года снял ряд комедийных лент совместно с режиссёром Е.Райковским и художником–постановщиком А.Савченко, своим постоянным партнёром не только по большинству картин, но также по созданию диафильмов и книжных иллюстраций.
      В жанре современной сказки был выполнен мультфильм «Петя и Красная Шапочка» (1958), награждённый «Лавровым венком» на VII Международном фестивале анимационных фильмов в Анси (Франция). Мультфильм «Только не сейчас» снят по сюжету «постмодернистской» сказки В.Сутеева «Петя Иванов и волшебник Тик–Так» (1962). Это сказка о ленивом мальчике, которого весёлый волшебник «Сейчас» научил ценить время. Это был один из экспериментов по совмещению живого актёра и рисованной мультипликации.
     В 1960 году Степанцев и Райковский поставили «Музилка на спутнике» – первый в СССР широкоэкранный мультфильм. С 1965 по 1970 год снял три своих самых известных картины: современная сказка «Вовка в тридевятом царстве», «Малыш и Карлсон» и «Карлсон вернулся».
      В этой дилогии Б.Степанцев впервые в советском кино применил технологию электрографии, т.е. метод получения изображения, основанный на физических явлениях взаимодействия электростатических зарядов в фотополупроводниковых и диэлектрических материалах и среда.
      С 1966 по 1973 год Б.Степанцев поставил ряд драматических мультфильмов, в основе которых лежала русская классическая музыка. В экранизации балета П.И.Чайковского «Щелкунчик» персонажи хотя и не произносят ни слова, но они так выразительны, что волнуют без слов. В мультфильме были использованы комбинированные съёмки и эффекты, никем не повторённые в советской мультипликации.
     На картину «Окно» режиссёра вдохновили «Мимолётности» Сергея Прокофьева. Б.Степанцев писал, что музыка Прокофьева «сама рисует то, что должно произойти на экране, до мельчайшего жеста определяя игру персонажей... её драматургия была логичнее, точнее многих надуманных сюжетных ходов. Оставалось только следовать ей».
      «Песня о соколе» стала переложением одноимённого произведения Максима Горького на музыку А.Скрябина, а также первым широкоэкранным советским фильмом в стиле живописи по целлулоиду.
      С 1980 года и до конца жизни Борис Степанцев был художественным руководителем студии «Мульттелефильм» творческого объединения «Экран». Там же он снял свой последний проект – полнометражный анимационно–игровой фильм «Ассоль» (1982) по мотивам повести «Алые паруса». В нём Б.Степанцев применил технологии соляризации и фотографики для преобразования изображений живых актёров в подобие рисунков и совмещения их с художественными декорациями. По словам И.Я.Боярского, фильм ему давался сложно, сдача руководству Гостелерадио проходила мучительно, и это подорвало здоровье режиссёра.
      В последние годы жизни интересовался компьютерной графикой и уже тогда называл ее будущим мультипликации. И.Я.Боярский рассказывал, как «переманил» Б.Степанцева в кукольное объединение студии «Союзмультфильм» для экранизации поэмы «Мёртвые души»: «Уговоры были длительными, помимо медлительности при решении вопросов, что свойственно его характеру, присутствовал страх расстаться с рисованной мультипликацией, где он проработал многие годы, смущали его также сложность экранизации великой поэмы и отсутствие интересного художника–постановщика, достойного этой затеи... Первый фильм был назван «Манилов». Ю.В.Яковлев великолепно озвучил Манилова. Второй фильм – «Ноздрёв»... Дальнейшая работа над фильмом приостановилась... Провожая его в последний путь, ещё отчётливее мы поняли, какой большой вклад в развитие советской мультипликации внёс он, – человек большой культуры и таланта».
     Борис Степанцев как художник участвовал в создании множества диафильмов для детей. И он одним из первых нарисовал Чебурашку и Крокодила Гену для диафильма «Крокодил Гена и его друзья» (1969) ещё до выхода мультфильма. С 1972 года, начиная с диафильма «Как петушок попал на крышу», иллюстрации нарисованы совместно с А.Савченко к произведениям Г.Андерсена, Шарля Перро, А.Лингрен, К.И.Чуковского, С.В.Михалкова, Е.А.Благининой, Э.Н.Успенского и др. 
     В 1959 году мультфильм «Петя и Красная шапочка» получил вторую премию на Всесоюзном кинофестивале в Киеве, а в 1960 году этот мультфильм был удостоен «Лаврового венка» за лучший детский фильм на VII МКФ анимационных фильмов в Аннеси (Франция). Первая премия за лучший детский фильм «Мурзилка на спутнике» был завоёван на Международном кинофестивале в Карловых Варах (Чехия, 1960).
     В 1966 году мультфильм «Окно» был удостоен Приз «Серебряный пеликан» I МКФ мультфильмов в Мамайе (Румыния). За один из самых популярных и любимых мультфильмов «Малыш и Карлсон» режиссёр Б.Степанцев удостоен Первой премии на IV Всесоюзном кинофестивале в Минске, а за мультфильм «Сердце» был отмечен VI Международном фестивале фильмов социалистических стран по охране здоровья в г. Ниш (Югославия) и V Международном фестивале фильмов, посвящённых работе Красного Креста, в Варне (Болгария) в 1973 году. В 1974 году Б.Степанцев за замечательный мультфильм «Щелкунчик» был удостоен Первой премии Международного кинофестиваля детских и юношеских фильмов в Хихоне (Испания).

                5. Юрий Александрович
                Бутырин (1930–2016)

     Юрий Александрович Бутырин (1930–2016) – режиссер, сценарист, художник–постановщик, художник–мультипликатор. Работал в рисованной мультипликации. Художник–постановщик 70 мультфильмов.
      Родился в Москве. В 1949 году окончил скульптурное отделение Московского художественно–промышленного училища. Работал над восстановлением и отделкой зданий, пострадавших от Великой Отечественной войны в Москве и Ленинграде.
      Работал на студии «Союзмультфильм» прорисовщиком, а затем окончил курсы художников–мультипликаторов. Дебютировал как художник–постановщик в 1968 году в мультфильме Б. Степанцева «Малыш и Карлсон». С режиссёром Б. Степанцевым и художником Анатолием Савченко, они стали творческой лабораторией. Вместе обсуждали все детали, например, кто подарит свой голос Карлсону. Поначалу предполагали, что это будет Е. Леонов. Но все решил случай. Во время работы дверь в студию неожиданно распахнулась и, стоящий на пороге Василий Ливанов, вдруг произнёс: «Спокойствие, только спокойствие!» И вопрос был решён, а мультфильм стал классикой в отечественном кинематографе.
      Самого известного Малыша нарисовал и оживил для мультфильма Юрий Бутырин, тогда ещё начинающий художник–постановщик. Персонаж, к которому он относился с особой любовью – его образ создавал, наблюдая за маленьким сыном.
      В 1973 году Ю.А.Бутырин дебютировал в качестве режиссёра и создал мультфильм «На юг, на юг». Мультфильм пропагандирует правила дорожного движения. А в 1976 году создал сатирические фильмы «Слушается дело о»..., «Не очень комическая опера».
       С 1977 по 1979 годы работал на киностудии «Беларусьфильм», где снял мультфильм «Миловица» (1977) – лирическую сказку о том, как простой деревенский парень влюбился в красавицу Миловицу – сестру Солнца.
В 1973 году Ю.А.Бутырин дебютировал в качестве режиссёра и создал мультфильм «На юг, на юг». Мультфильм пропагандирует правила дорожного движения. А в 1976 году создал сатирические фильмы «Слушается дело о»..., «Не очень комическая опера».
      С 1977 по 1979 годы работал на киностудии «Беларусьфильм», где снял мультфильм «Миловица» (1977) – лирическую сказку о том, как простой деревенский парень влюбился в красавицу Миловицу – сестру Солнца.
И ещё один мультфильм был создан в Минске – «Светлячок и росинка». Ю.А.Бутырин в этом фильме выступил как сценарист и режиссёр. Мультфильм о маленьком Светлячке, который ночью в тёмном лесу зажигает огоньки, чтобы лесные зверята, которым не спится, могли не заблудиться в темноте.
      Светлячок искренне радуется далёким звёздам в ночном небе, разговаривает с Луной и звёздами, а утром, усталый и сонный отправляется домой, загасив зажжённые огоньки. Однажды Светлячок заметил огонёк, который забыл погасить. Но это был не огонёк, а маленькая капелька росы. В этой капельке он увидел свое отображение. Он забрал росинку к себе домой, но она перестала светиться … «Светлячок и росинка» – мой самый любимый фильм, – говорил Ю.А.Бутырин. Я делал его в Минске, куда меня послали в конце 70–х годов помогать поднимать белорусскую мультипликацию».
      С 1980 года Ю.Бутырин работал режиссёром на студии «Мульттелефильм», где снял телевизионные выпуски «Ну, погоди», «Трям, здравствуйте» и другие мультфильмы из серии «Сказки С.Козлова». Ю.Бутырин сотрудничал со студиями «Кристмас Филмс», мультипликационной студия, которая появилась в декабре 1989 года и названная по моде тех лет на англоязычный манер. Сотрудничал и со Студией «ФАФ интертеймент», которая прославилась многосерийной анимационной лентой «Незнайка на Луне» (1997) и др.
      Образы, в создании которых Ю.Бутырин принимал участие, знакомы многим поколениям зрителей. При создании Фрекен Бок Юрий Александрович изображал перед зеркалом её пластику, манеры, и только после нахождения нужных движений брался за карандаш.
      Он считал, что художник – это немножко актёр. И К.Бронзит вспоминал о Ю.Бутырине, говоря, что он «обладал невероятной универсальностью, был в буквальном смысле человек–оркестр. Ему удавалось все. Это был невероятно крепкий ремесленник по всем позициям».
      Мультфильмы Ю.Бутырин сравнивал с баснями – в них есть аллегория и мораль, а чудеса мультипликации просто позволяют их прочувствовать.
      Юрий Норштейн, вспоминая о Ю.Бутырине, говорил: «Без мастерства, без свободы, которая выражается и в замечательном рисовании, и самое главное – в художественном мышлении, ничего не получается. Ещё один момент – это, конечно, душевная расположенность. В этом смысле Юра обладал чувством, которое можно назвать чувством дружбы, чувством жизни». Его истории учат простым и понятным, но очень важным вещам. Они о дружбе и любви, а ещё об умении видеть необычное даже в самых обычном – искусство, которое для зрителя мог открыть только большой художник.
      Фильмография Ю.А.Бутырина: «Незнайка на Луне» (1997), «Ну, погоди!» (Выпуски 1, 2, 3, 1980, 1981, 1981), «На юг, на юг» (1973), «Слушается дело о ... Не очень коммерческая опера» (1976), «Миловица» (1977), «Светлячок и росинка» (1978), «Трям! Здравствуйте! » (1980), «Дзю–до», «Конный спорт», «Конный спорт. Выездка», «Современное пятиборье» (1980), «Зимняя сказка» (1981), «Осенние корабли» (1982), «Капля (1982), «Удивительная бочка» (1983), «По дороге с облаками» (1984), «Подарок для слона» (1984), «Клад» (1985), «Нехочуха» (1986), «Ванна» (1986), «Кран» (1986), «Лифт» (1986), «Окно» (1986), «Пружина (1986), «Если бы я был моим папой» 1 и 2 (1987, 1988), «Большой Ух» (1989), «Этого не может быть» (1990).


                6. Леонид Викторович Носырев (1937)

 Леонид Викторович Носырев (1937) – советский и российский художник, художник–мультипликатор, режиссёр, сценарист. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации (2003), один из создателей киножурнала «Весёлая карусель». Его сюжеты: «Антошка»,  «Рыжий, рыжий, конопатый», «Два весёлых гуся»  и др.  Участников этого  замечательного  проекта называли «Карусельщиками».
      В 1956 г. Л.Носырев окончил Федоскинскую школу миниатюрной живописи, а в 1961 году – курсы художников–мультипликаторов при «Союзмультфильме» и был принят в штат студии. Участвовал в создании мультфильмов: «История одного преступления» (1962), «Топтыжка» (1964), «Каникулы Бонифация» (1965), «Самый, самый, самый» (1966), «Стеклянная гармоника» (1968), «Бременские музыканты» (1969), «Катерок» (1970) и др.
     С 1968 года – режиссёр киностудии «Союзмультфильм».
     В 1975 году окончил вечернее отделение МГУ им. М.В.Ломоносова по специальности «теория и история искусств». С 1996 года – преподаватель ВГИКа.   
      О своём творчестве Леонид Носырев рассказывает так: «...Нужно выделить основные эпизоды, которые, прежде всего, нужно проиллюстрировать, разработать типажи – нарисовать персонажей, выбрать стилистику, которая соответствует теме. Потом даются основы режиссёрского сценария – как все оформить, разбить по времени. Однако настоящая работа начинается все же с раскадровки. С черновой, может быть, не очень подробной. В этих маленьких кадриках у аниматора начинает работать мысль, оформляться сюжет. Создаются образы, и, видя историю в действии, вы начинаете играть, разыгрывать свою версию события».
          Л.Носырев считает, что чем более осознанно подходить к работе, тем более, подробная требуется раскадровка. Когда он сам делает раскадровку, то для каждого кадрика у него много вариантов.
         Чтобы фильм начал оживать, к каждому кадру нужно подходить очень ответственно. Очень важна и композиция, и внутрикадровое действие.
      ....«Главное – действие, изобразительный ряд, история, – убеждён Леонид Носырев. Литературный сценарий отличается от оригинала, где может быть много общих слов. В литературном сценарии ты конкретно разрабатываешь суть фильма. Драматург наполняет оригинал конкретикой, создавая базу для режиссёрского сценария. В раскадровке же думаешь, как все выстроить, продумываешь все события – все, что с героем делается.
         Какие движения, как планы соединяются, где пошла панорама, переброска, наезд–отъезд. Иногда, параллельно с раскадровкой, я записываю словами то, что происходит в фильме. Без литературных изысков: герой идёт, смеётся, падает. Все в настоящем времени – ведь это действие, в которое ты включён в настоящий момент»...
        О том, что важно режиссёру, Л.Носырев говорит так: «Ведь нам важнее рассказать историю, смешную или грустную.
        Взять того же Норштейна с его «Ёжиком», там ведь нет особо навороченных приёмов. Наоборот. Вот, например, придумали, как снимается туман на ярусах, а ёжик переходит с одного яруса на другой. Простой приём, но какое впечатление! Простота – этим мультипликация и интересна. В этой выразительной простоте кроется самое главное: мы смотрим на этот нарисованный мир, красивый, интересный, сказочный – в этом мире творятся чудеса.
       Сейчас же мультипликация все время пытается приблизиться к реализму, а этого совершенно не нужно. Она хороша как раз своей парадоксальностью и выразительностью. Персонажами чудными... Драматургия – это и ритм, это и смена настроений – действие бурное, спокойное, стихает. Это не просто записанные диалоги в пьесе, это описание цельного, целостного действия. И музыка – тоже драматургия. Она тоже создаёт характер. Радостный, грустный, возвышенный».
      Л.Носырев – режиссёр популярной серии по рассказам Шергина. И Леонид Носырев рассказывает: «Я на Севере и занимался, и учился, и работал. А поскольку началось все с юных лет, меня и потянуло к этому. И до сих пор тянет. Ведь народное творчество – это основа и всего изобразительного искусства, и музыки, и архитектуры.
      И ещё: фольклор – своего рода язык. Его нужно знать, он очень красивый. При этом как–то естественно получается, что фольклор может быть осовременен, а все равно за ним будет стоять бездна всего замечательного. Вот почему я по Северу много ездил. Вот почему, когда мы брали произведения Шергина и Пейсахова, нам хотелось найти адекватное изобразительное решение этим сказкам, персонажам, пейзажам»...
       ...«Антошка», «Рыжий–рыжий–конопатый»,– это  маленькие фильмы, и, наверное, по ним судить о чем–то сложно. Но можно. Поскольку во всех фильмах я участвую, то и моё представление о мире переходит от одного мультфильма к другому. Мои пристрастия их окрашивают. Мне нравятся тёплые, насыщенные цвета, и я стараюсь, чтобы они всегда у меня были. Во всех фильмах обязательно звучат интересные песни – это тоже для меня очень важно.
    Детские мультфильмы – «Антошка», «Рыжий–рыжий–конопатый», «Вершки и корешки» – были для меня первым этапом. Северный цикл – уже другой этап, с другой стилистикой изображения. В «северном» цикле у меня появилась и народная музыка. Тогда же, впервые в кино, у меня прозвучал ансамбль Дмитрия Покровского».
       Мой внук с упоением и многократно смотрел сюжеты Л.Носырева в «Весёлой карусели», говорить научился, глядя на Антошку и Рыжего–Конопатого. И сама я время от времени пересматриваю, скучаю по этим мультфильмам.
       Фильмография Леонида Носырева – это известные и любимые мультфильмы: «Вершки и корешки» (1974), «Комаров» (1975), «Не любо – не слушай» (1976), «Волшебное кольцо»  (1979), «Тигрёнок на подсолнухе» (1981), «Архангельские новеллы» (1986), «Поморская быль» (1987), «Смех и горе у Бела моря» (1987), «Фантазеры из деревни Угоры» (1994), «Пинежский Пушкин» (2003) и др.
В 2013 году о Леониде Викторовиче Носыреве снят документальный фильм «Летела сказка с Севера». Леонид Носырев замечательный художник, который выставляет свои работы, организуя выставки.
        Такая выставка состоялась в 2011 году в Ивантеевке совместно с Верой Кудрявцевой. В 2013 году состоялась выставка в честь юбилея Бориса Шергина в Архангельске, на которой были представлены  эскизы из мультфильмов по сказкам Б.Шергина.
        Ещё одна выставка проходила в Москве в галерее «Нагорная» под названием «Незабытый кинематограф. Весёлая карусель». В залах галереи были представлены эскизы и рабочие материалы к сюжетам «Весёлой карусели» из фондов Государственного центрального музея кино и некоторых частных коллекций. Демонстрировался непрерывный показ мультфильмов и документального фильма о создателях «Весёлой карусели».
        Эта серия возникла в 1969 году на киностудии «Союзмультфильм» и является одной из ярких страниц истории отечественного кинематографа. Основателями «Весёлой карусели» стали мультипликаторы А.Петров, Г. Сокольский, Л.Носырев, Г.Баринова, В. Угаров.
        Первые пять номеров альманаха, созданные в 1969–1974 годы, ярко раскрыли талант начинающих режиссеров. Братство «Весёлой карусели» («Карусельщики», как их называют) долгие годы проработало на киностудии «Союзмультфильм» и досконально знало тайны мультипликационного мастерства. К запуску проекта, рассчитанного на детскую аудиторию, его создатели пришли уже маститыми мультипликаторами, что сразу сказалось на уровне всего альманаха.
        В 2018 году в Центральной городской библиотеке им. И.Ф. Горбунова в Ивантеевке состоялось открытие персональной выставки земляка – заслуженного деятеля искусств РФ, режиссёра, сценариста, художника–мультипликатора, преподавателя ВГИКа Леонида Викторовича Носырева.
        За работу в анимационном кино Леонид Носырев был награждён в 1979 году серебряной медалью «За лучшую сказку» на МКФ в Оденсе за мультфильм «Волшебное кольцо» и в 1980 году мультфильм завоевал приз Всесоюзного кинофестиваля в Душанбе. В 2013 году на Х Международном благотворительном кинофестивале «Лучезарный Ангел» Л.Носырев был удостоен Специального приза дирекции кинофестиваля «За выдающийся вклад в киноискусство».

                7. Эдуард Васильевич
                Назаров  (1941–2016)
       
       Назаров Эдуард Васильевич (1941–2016) в Москве. Советский и российский мультипликатор, режиссёр, художник. Народный артист Российской Федерации (2012).
       Э.Назаров закончил Строгановское художественно–промышленное училище. Работал в мультипликации с 1959 года сначала прорисовщиком, затем ассистентом художника–постановщика у М.Цехановского, художником–постановщиком у Ф.С.Хитрука, а затем режиссёром анимационного кино. Занимался оформлением книг и журналов: «Квант», «Весёлые картинки», «Мурзилка», «Химия и жизнь», «Знание–сила», «Миша» и других.
        Мультфильм «Бегемотик» (1975) – стал режиссёрским дебютом Э.Назарова, детский мультик, неожиданно вызвавший сложности с цензурой в связи с тем, что две чиновницы увидели в нем намёки на... порнографические сцены.
         В 1977 году Э.Назаров выпустил мультфильм «Принцесса и Людоед». Редкий для анимации жанр – мульт–рок–опера. Опять возникли проблемы с цензурой, так как песню написал и исполнил конфликтовавший с властями Александр Градский. Несколько лет «Принцессу» не показывали. Самые интересные сцены в мультфильме происходят в землянке с жутким интерьером.
        C 1979 по 2000 год Эдуард Назаров преподавал на Высших курсах сценаристов и режиссёров. Соавтор и ведущий телепрограмм «Анимация от А до Я» (1996–1998), «Мир анимации или анимации мира» (1999–2001), снимался в документальных сериалах «Союзмультфильм – сказки и были» (серия «Весёлые сказки о грустном», 2003), «Фабрика чудес» (серия «Художник–постановщик», 2006), «Невесомая жизнь» (2006), документальном фильме «Русская магия» (2004).
         С 1991 года – сопрезидент (с Давидом Черкасским) Международного Фестиваля Мультипликационных фильмов «КРОК». Вместе с Юрием Норштейном участвовал в проекте Юрия Красного по созданию мультипликационного фильма на основе рисунков детей–инвалидов. В 2007 года занял пост художественного директора студии «Пилот».
         Эдуард Назаров – один из самых талантливых и успешных учеников легендарного Ф.С.Хитрука. Федор Савельевич в 1960–е годы запустил мощную волну обновления советской мультипликации, воспитал новое поколение режиссёров–мультипликаторов. Выпускать собственные проекты на экран Э.Назаров начал не сразу. Сначала работал прорисовщиком в команде М. Цехановского. Это мультфильмы «Цветик–семицветик», «Царевна–Лягушка» и др. Со временем Эдуард Назаров стал ассистентом режиссера. В команде Ф.С.Хитрука Э.Назаров стал художником–постановщиком. Тогда шла работа над мультфильмами о Винни–Пухе и др. С конца 70–х годов Эдуард Васильевич ведёт преподавательскую деятельность. А в 1993–м г. художнику удалось организовать собственную школу–студию мультипликаторов.
         Пожалуй, не найдёшь более популярного проекта среди работ Назарова, чем серия мультипликационных фильмов о Винни Пухе. Как художник–постановщик Эдуард Назаров выпустил три мультфильма по 10 минут каждый о приключениях мишки, который очень любил мёд. Сценарий к фильмам был разработан Фёдором Хитруком и писателем Борисом Заходером на основе одноимённого произведения Александра Милна.
        Фёдор Савельевич Хитрук как режиссёр решал многие вопросы, например, связанные с подбором актёров для озвучки, разрабатывал общую концепцию мультфильма. Э.Назаров же занимал должность художника–постановщика вместе с Владимиром Зуйковым. Серия о Винни Пухе относится к рисованным мультфильмам. Для озвучивания героев были приглашены такие актёры, как Евгений Леонов, Эраст Гарин, Ия Саввина. Чтобы голоса артистов хорошо вписались в общий юмористический концепт, их пропускали через ускоритель, чтобы они звучали более комично.
         Как художник–постановщик Э.Назаров работал и над фильмом «Каникулы Бонифация». Советский мультипликатор подарил детям ещё один добрый и хороший мультфильм. Сюжет к мультипликационному фильму был написан Фёдором Хитруком на основе чешской сказки Милоша Мацоурека. Хитрук выступил режиссёром этого проекта. Что касается Э.Назарова, то он входил в команду мультипликаторов. Речь в мультфильме идёт о льве Бонифации, который служит в цирке. Когда он выходит на арену, то начинает изображать из себя злостного хищника. Вне сцены Бонифаций добр и ласков, а также очень любит свою бабушку. Вспомнив, что он давно не проведывал её, Бонифаций отпрашивается у директора цирка и отправляется в отпуск. Пока плыл на пароходе в Африку, лев предавался мечтам о том, как будет ловить рыбу в озере. Но его планам не суждено было сбыться. Вместо рыбалки и отдыха, циркачу пришлось развлекать африканских детишек.
      Э.Назаров продолжил миссию своего учителя по развитию отечественной анимации – это не только непосредственно режиссёрская, но и организационная работа. Эдуард Назаров, как и Хитрук, активно занимался преподаванием, руководством анимационной студии. В общем, фигура крайне важная и выдающаяся. В качестве самостоятельного режиссёра Назаров сделал всего 7 фильмов – все они известны, часто показываются по ТВ. «Каждый его фильм – штучный», – говорил Юрий Норштейн. Кто–то, может быть, узнает, что его любимого «Мартынко» или «Путешествие муравья» создал именно этот человек.
      Эдуарду Назарову удалось удачно сочетать авторскую и популярную анимацию. Работая над мультфильмами, Э.Назаров использовал традиционную рисованную технику. А.Волков однажды так описал назаровский стиль в газете «Советская культура»: «Изящество выдумки, лёгкость, тонкий и лукавый юмор». В этих мультиках мы не найдём ни капли депрессивности или экзистенциальности, а серьёзная экологическая проблематика в мультфильме «Равновесие страха» и «Охота» разрешается забавным способом – гротеском. «Не хотелось мне снимать про пионеров, про дружбу народов, про космос, не желал я и империалистов крушить», – говорил режиссёр. В своём авторском самовыражении Эдуард Васильевич достиг совершенства!
      Мультфильм «Равновесие страха», вышедший 1973 году – это двухминутный мультик, созданный совместно с В.Зуйковым и Ф.С.Хитруком. С помощью этого фильма можно иллюстрировать приём гротеска (предельного преувеличения) в анимации. В данном случае берётся идея «гонка вооружения это опасно для планеты» и преувеличивается до фантастических размеров. Это единственная злободневная работа Назарова, затрагивающая тему «холодной войны».
      Мультфильм «Охота» (1979) считается самым «авторским» фильмом Э.Назарова. Режиссёр сделал попытку раскрыть особенности взаимоотношения человека с природой. Используется несколько интересных приёмов: контраст «холодного» вечернего мегаполиса и жаркой африканской пустыни, проникновение в воображение героя, нарастание напряжения в сцене охоты, игра со зрителем (продавец оружия направляет ствол в «камеру»).
     Накал страстей в фильме резко сменяется комичной, нелепой сценой в финале, когда мальчик мешает охотнику застрелить льва, пуская тому в лоб стрелу–присоску. Так грозный охотник терпит поражение от мальчишки, которому дорога природа и который ценит жизнь животных.
     Ф.С.Хитрук, как–то рассказывал, о том, как Эдуард Назаров поступал на Высшие сценарные и режиссёрские курсы. Он не отличался разговорчивостью в ответах на вопросы членов приёмной комиссии, и режиссёры–педагоги спросили у поступающего Э.Назарова: «А зачем Вы сюда пришли»?
     Абитуриент уставился в пол и долго сидел неподвижно. Было понятно, что этот человек искренне раздумывает и не придумывает важной мотивации для поступления. Решили взять на курсы за его непосредственность. И долгое время, как говорил Ф.С.Хитрук, он делал какую–то ерунду, а потом вдруг «Жил–был Пёс»!»
В 1982 году выходит на экран, пожалуй, самый знаменитый и знаковый  фильм «Жил–был пёс». Однажды Назаров читал одну короткую украинскую сказку, и его зацепила фраза – «Щас спою!». Так и появилась идея сделать мультик по мотивам этой сказки, и чтобы в нем обязательно звучала эта фраза! И фильм удался!
     Народные мотивы в сочетании с добрым юмором и занятным сюжетом буквально покорил зрителей. Этот фильм можно смотреть бесконечно. Он поучителен и занятен. Каждый кадр отлично выверен. Начинается действо с того, что в украинской крестьянской семье проживает пёс, который служит хозяевам верой и правдой. Но из–за старости его выгоняют на улицу.
      Собака, которая состарилась и мешала хозяевам, лишилась дома. Что делать бедолаге? Пошла в лес, решила повеситься на суку. Но в последний момент в за жизнь собаки вступается лесной волк, который знает, что такое «трудные времена». Животные договариваются о взаимопомощи.
      И этот договор обретает удивительную плоть. Старой собаке помогает его первый враг – волк, которого пёс раньше гонял. Волк помогает разыграть «спектакль», в результате которого старую псину снова принимают в хозяйский дом. Однако главный герой не забывает своего клыкастого друга: он тайком проводит его на сельскую свадьбу и ловко кормит волка со свадебного стола.
       Расслабившись, сытый волк завывает от удовольствия и распугивает всех гостей. Коронными фразами мультфильма стали следующие реплики: «Шо, опять?» и «Щас спою!». Эдуард Назаров за свою работу получил награду на французском фестивале в Аннеси, а также приз Международного кинофестиваля в Туре и Оденсе. Собака становится снова нужной, да и волк не в обиде.
      В списке лучших короткометражных мультфильмов «ТОП–200» на первом месте – суперхит 1982 года и на все времена «Жил–был пёс», с большим отрывом по средней оценке и по количеству оценивших его пользователей опережающий все остальные мульт–хиты разных годов из разных стран.
      Про этот мультфильм говорят: Эдуард Назаров установил мировой рекорд по анимации. Назарова все любили за его дружелюбность, отзывчивость, позитивность, остроумие. Все эти качества, так или иначе, проникали в его работы. Киновед Анатолий Волков так описал назаровский стиль в газете «Советская культура»: «Изящество выдумки, лёгкость, тонкий и лукавый юмор».
      Мультфильм «Жил–был пёс» – это самостоятельный проект Э.Назарова, где он придумал все сам: образы, сценарий, антураж. Тонкий юмор, ирония, лёгкая печаль отразили внутренний мир художника.
      Народная любовь не заставила себя ждать – уже много лет фильм не теряет своей популярности. Эдуард Васильевич, москвич, передал украинский колорит, отобразил особенности национального сельского типажа. По словам друзей, вдохновила его сказка «Сирко», потом была поездка на Украину. Местность, где он жил, очаровала и подтолкнула на создание шедевра. Озвучили мультфильм одни из лучших актёров: Армен Джигарханян и Георгий Бурков, а песни, которые звучали, предоставил Институт этнографии.
        В 1983 году выходит запоминающаяся лента «Путешествие муравья». Здесь реализуется авторский приём Назарова – жизнь крошечного муравья среди «великанов» – мощный контраст, вызывающий сильную психологическую реакцию.
       Этот мультфильм даёт возможность оценить талант Эдуарда Назарова в озвучивании мульт–персонажей. Любознательный муравей вылезает на высокую ветку, а порыв ветра уносит его далеко от дома. И теперь муравьишка изо всех сил спешит домой. Несмотря на повреждённую ножку, он спасает блошку, помогает кузнечику, преодолевает озеро и даже седлает гусеницу. В конце концов муравей благополучно попадает в родной муравейник. И с первого раза не скажешь, что голоса всех персонажей принадлежат одному человеку.
       Настолько правдоподобно может сделать только гениальный актёр! За искромётные диалоги мультфильм интересен даже взрослым. Но Эдуард Назаров «Путешествие муравья» не ради славы создавал. Он был влюблён в свою работу. На сэкономленный бюджет группа сумела лучше прорисовать прекрасные пейзажи и героев. А его имя как актёра озвучки даже не значится в титрах – поскромничал! А кто помнит капитана «Чёрной каракатицы» из «Приключений капитана Врунгеля»? Это тоже он. Его голос звучит в «Мартынко», «Страннике», в цикле «Гора самоцветов» и даже в мультфильме «Маша и Медведь» Э.Назаров заговорил голосом Деда Мороза. Здесь он озвучил всех персонажей–насекомых. Все помнят крылатую фразу «Таити, Таити… Не были мы ни в какой Таити – нас и здесь неплохо кормят» из мультфильма «Возвращение блудного попугая» – это тоже Эдуард Назаров.
     «Про Сидорова Вову» (1985) забавный мультфильм про бездельника  Вову, которого с большим трудом перевоспитала армия. В мультфильме сняты армейские будни обычного призывника.
     «Мартынко», мультфильм, вышедший в 1987 году, оказался под запретом в связи с совпадением имени героини с именем супруги Генерального Секретаря ЦК КПСС М.С.Горбачева. Фильм по сказке Б.Шергина, авантюрно–фантастическая комедия про солдата Мартынко. Фильм получился отличный. Острый сюжет, занятная любовная история со счастливым концом и яблоки, которые могут изменить судьбу. Мартынко удачно озвучивает Л.Куравлев.
       Простой российско–имперский солдат Мартынко сбегает с поста поиграть в футбол, прямой наводкой направляет грязный мяч в благородную даму и садится на гауптвахту. В камере он находит золотую колоду карт, с помощью которых можно выиграть всегда и везде. Мартынко начинает извлекать из находки большую пользу для себя, и дело доходит до игры с самим царём–батюшкой. Царь решает обратить колоду на благо государства. Но Мартынко компрометируют в глазах принцессы Раисы, которая на тот момент испытывала к Мартынко тёплые чувства.
     Раиса негодует, даёт Мартынке выпить некой отравы и вывозит его, бесчувственного, за 101–километр. Очнувшись, Мартынко обнаруживает неподалёку две яблони. От плодов одной яблони вырастают рога, от плодов другой, рога отваливаются, и вообще происходят положительные перемены. Да и сам потёртый жизнью солдатик слегка помолодел и окреп.
     Намалевав углем усы, Мартынко возвращается в город и, проведя грамотный PR, «втюхивает» «молодильные» яблоки няньке Раисы, а вот Раиске передаёт «рогатые». От яблок у няньки фигуры становится пышной, а у Раиски вырастают огромные рога. Мартынко приходит под видом доктора с лечебными яблоками, рога отваливаются, Раиса становится аппетитной красоткой,  и все завершается свадьбой.
     Деятельность Э.Назарова в анимационном кино, огромная педагогическая и организационная работа – это большой вклад в отечественную кинематографию. Этот труд Э.Назарова по достоинству оценён. Он – Лауреат Государственной премии РСФСР (1988). В 1993 году Назаров был одним из создателей известной школы–студии «ШАР», в 2007 году он занял пост худрука на студии «Пилот», когда не стало Александра Татарского. Кроме того Эдуард Назаров был вице–президентом международной ассоциации аниматоров АСИФА.
      Его фильмы удостоены призов многих престижных международных фестивалей. Это: Охота (1979) На III Международном кинофестивале мультфильмов в Эшпиньо (Португалия), 1980 г. и на Международном кинофестивале в Уэске (Испания, 1980).
 «Жил–был пёс» (1982): на Международных днях мультипликационного кино в Аннеси (Франция), 1983 г. Специальный приз жюри; Приз на МКФ молодых режиссёров в Туре (Франция, 1983), Первый приз на V МКФ сказочных фильмов в Оденсе (Дания, 1983).
«Путешествие муравья» (1983): На VI Всемирном фестивале мультипликационных фильмов в г. Загребе (Югославия) – Первый приз в категории детских фильмов, 1984.
«Про Сидорова Вову» (1985): Приз на Х1Х Всесоюзном кинофестивале (1986)
 «Мартынко» (1987) Официальный выбор на международном фестивале в Шанхае (Китай), 1988 г.
      Эдуард Назаров – человек, чьё творчество прочно вошло в нашу жизнь. Во многих любимых, знакомых с детства мультфильмах есть частичка его труда. Часто так случается, что создатели анимационных картин остаются в тени, за кадром созданных ими волшебных картинок.
     Э.Назаров занимался оформлением детских книг, всеми любимых журналов, таких как «Мурзилка», и других изданий, как для детей, так и для старшего поколения. Он передавал свои знания и наработки молодым дарованиям, занимаясь по 2000 год преподавательской работой на Высших курсах сценаристов и режиссёров.
Э.Назаров являлся соавтором и ведущим популярных телепередач: «Анимация от А до Я», снялся в нескольких научно–популярных фильмах. С 1991 года возглавлял международный мультипликационный фестиваль «КРОК», который стал стартовой площадкой для перспективных мультипликаторов.      
     Он работал над проектом, призванным подарить радость детям с ограниченными возможностями, на основе их рисунков создавались новые мультфильмы, активно отстаивал правовые и организационные вопросы отечественной мультипликации. В 2007 году, возглавив известную студию «Пилот», выпустил красочный мультсериал «Фонд правовых реформ (1998) и «Гора самоцветов» (2006–2008). Эдуард Назаров сам создал некоторые серии и озвучил персонажей.
     Прожил художник 74 года, подарив нам множество приятных встреч со сказкой. Чем запомнился нам прославленный мастер Э.Назаров? Как художник–постановщик создавал образы любимых нами героев. Он подходил к их созданию с чувством юмора и креативностью. Очень часто его герои впитывали в себя реальные образы людей. Коллеги вспоминают об Э.Назарове как о феноменальном человеке с удивительной работоспособностью и энергией.
     Юрий Норштейн вспоминает о Назарове как о неординарной творческой личности: «Лошадь того не выдержит, что делал он». Ироничный, с добрым юмором и очень отзывчивый человек, который всего себя отдал замечательному искусству анимации. Он был настоящим мастером своего дела. Все, что он делал, было интересно и находило благодарный отклик. Студенты с готовностью бежали на его лекции, фестиваль «КРОК» считая Э.Назарова своим символом и мудростью.
     Фильмография: режиссёр: «Равновесие страха» (1973), «Бегемотик». «Весёлая карусель» № 7 (1975), «Принцесса и людоед». «Весёлая карусель» № 9 (1977), «Охота» (1979), «Жил–был пёс» (1982), «Путешествие муравья» (1983), «Про Сидорова Вову» (1985), «Мартынко» (1987), «Гора самоцветов»: «Козья хатка» (2009), «Колобок» (2012), «Представьте себе» (2013).
     Во многих мультфильмах Э.Назаров работал в качестве художника–постановщика, художника–мультипликатора: «Каникулы Бонифация» (1965), «Человек в рамке» (1966), «С кем поведёшься» (1967), «Фильм, фильм, фильм» (1968), «Винни–Пух» (1969), «Внимание, волки!» (1970), «Винни–пух идёт в гости» (1971). «Винни–Пух и день забот» (1972), Остров (1973). Равновесие страха (1973), Дарю тебе звезду (1974), Икар и мудрецы (1976), «Фонд правовых реформ»: «Катастрофа», «Клубок пряжи», «Кошачье пение», «Коврик», «Нужда», «Бинокль»,  «Весы»,  «Ракета», «Шишки и плюшки», «Санки» (1998) и др.  Как худрук работал на мультфильмах: «Гагарин» (1994), «Аттракцион» (1995), «Гора самоцветов» (2009–2013).
        Э.Назаров озвучивал роли и читал авторский текст за кадром во многих известных мультфильмах.

                8. Николай Николаевич
                Серебряков (1928–2005)

    Николай Николаевич Серебряков (1928–2005) – советский и российский режиссёр мультипликационных фильмов, художник–мультипликатор, художник–постановщик, сценарист. Народный художник Российской Федерации (1996); Заслуженный деятель искусств РСФСР (1986).
    Родился в семье театрального деятеля Н.Е.Серебрякова. Отец будущего мультипликатора – ректор Ленинградского театрального института, так что искусство окружало его с детства. Обучаясь в Ленинградском художественном промышленном институте, Николай Серебряков научился работать руками – с деревом и с другими материалами. Работал художником в Специальных научно–реставрационных мастерских в Ленинграде.
    После вуза работал художником–оформителем, затем переезжает в Москву, где руководит кукольным цехом фабрики Всероссийского театрального общества. Логичное  продолжение карьеры – студия «Союзмультфильм», объединение кукольной мультипликации. В 1957 году, переехав в Москву, стал художественным руководителем фабрики Всероссийского театрального общества. Работал художником–постановщиком на Центральном телевидении, а в «Союзмультфильм» пришёл в 1960 году и работал с Р.А.Качановым, а затем с В.В.Курчевским и др.
     Важно отметить, что далеко не только с куклами работал Николай Серебряков. Кажется, он перепробовал все основные техники, включая рисованную анимацию, перекладки, коллажи, смешанную технику. В его фильмах прослеживается удивительное разнообразие интересов и влияний в анимации (от Старевича до Анатолия Петрова), в живописи – (от экпрессионистов до сюрреалистов), в литературе (от Шекспира до современных писателей и поэтов).
      Его мультфильмы не стали хитами советской анимации, но режиссёр компенсировал недостаток динамики за счёт привлечения в свою авторскую «вселенную» других видов искусств. Н.Серебряков тщательно подбирал литературную основу для экранизации именно в объёмной (кукольной) форме. Он обращался к историям советского писателя и поэта Овсея Дриза. Есть мультфильмы по сказкам Бориса Шергина, Юрия Олеши и др. Чрезвычайно важную функцию у Н.Серебрякова выполняет звуковое сопровождение – специально сочинённые мелодии и песни, участие известнейших советских актёров в озвучке персонажей. В его мультфильмах можно услышать голоса М.Боярского, Г.Вицына, О.Табакова и др. Над созданием кукол и декорации работала большая команда, центральное место в которой занимала Алина Спешнева, художник–оформитель, сценограф и жена режиссёра.
     В 1984 году при странных обстоятельствах погибает Алина Спешнева. Эта трагедия кардинально меняет анимационный стиль Н.Серебрякова: вместо объёмной анимации – рисованная.
     В конце 80–х – начале 90–х Николай Серебряков сделал всего 3 мультфильма, первый из них – «Притча об артисте» (1989) – вполне можно назвать перестроечным по духу. Это фильм с тяжёлой атмосферой и с галереей странных уродливых персонажей, на фоне которых выделяется свободно мыслящий, благородный Артист. Чем дальше, тем безумнее становится действие с трагическим завершением.
Николай Серебряков снял два мультфильма для цикла «Шекспир: Великие комедии и трагедии». Из всех шекспировских историй Серебряков выбрал для экранизации самые мрачные – «Макбет» и «Отелло». Злость, жестокость, тщеславие и прочие пороки великолепно выражены в нарисованных персонажах.
     В 1982–1989 годах Н.Н.Серебряков – художественный руководитель по мультипликации объединения «Дебют» киностудии «Мосфильм». Участвовал как художник в создании ряда игровых фильмов. Работал в журнальной графике. Снимался в фильме из цикла «Мир анимации или анимации мира» (2001).
      Считают, что Н.Серебряков не ориентировался на зрелищные анимационные стили, а его творчество – в большей степени для эстетов. Это уникальное наследие советской анимации, которое сейчас интересно в основном специалистам и избранным ценителям. Кукольная анимация, представителем которой является Николай Николаевич, не может предложить зрителю, яркую картинку и захватывающий сюжет. Она для эмоционального взаимодействия с произведением. В творчестве режиссёра глубокий романтический пласт и подлинные переживания «оживлённых» кукол. За эти достоинства фильмы Николая Серебрякова были награждены многими наградами.
      Мультфильм «Хочу быть отважным» в 1965 году награждён Дипломом У1 Международного документальных и экспериментальных фильмов в Монтовидео (Уругвай), а в 1967 году мультфильм «Я жду птенца» был удостоен Серебряной медали за лучший детский фильм, премия СИФЕЖ XII Международного кинофестиваля короткометражных фильмов в Туре (Франция), и опять во Франции, в Гренобле на Международном кинофестивале короткометражных и документальных фильмов получил приз мультфильм «Поезд памяти». Был удостоен Гран–при УП Международного кинофестиваля короткометражных фильмов в Тампере (Финляндия) в 1977 году. Мультфильм «Разлучённые» удостоен Первой премии на Х1У Всесоюзном кинофестивале, проходившем в Вильнюсе в 1981 году. А мультфильм «Притча об артисте. Лицедей» удостоен премии «Ника»
     Н.Н. Серебряков был избран членом Академии кинематографических искусств Ника и членом АСИФА – международной организации кинематографистов.
В фильмографии режиссёра много фильмов, которые порадовали зрителей, как детей, так и взрослых. Это «Хочу быть отважным» (1963), «Жизнь и страдания Ивана Семенова» (1964), «Ни богу, ни черту» (1965), «Я жду птенца» (1966), «Честное крокодильское! » (1967), «Клубок», 1968, «Не в шляпе счастье» (1968), «Великие холода» (1969), «Сказка о живом времени» (1970), «Золочёные лбы» (1971), «Ветерок» (1971), «Ваня Датский (1974), «Поезд памяти (1975), «Разлучённые (1980), «Превращённые» (1982), «Притча об артисте. Лицедей» (1989), «Макбет», (1992) и «Отелло», цикл «Шекспир: великие комедии и трагедии» (1994), «Optimus mundus 10». «Минин и Пожарский» (1998).


            9. Юрий Борисович НОРШТЕЙН

    Юрий Борисович НОРШТЕЙН – легенда отечественного кино. Его фильмы стали дороги сотням миллионов зрителей: «Лиса и заяц», «Цапля и журавль», «Ежик в тумане», «Сказка сказок»… Работы Ю.Норштейна отмечены более чем 30 отечественными и международными премиями.
    В 1984 году в Лос–Анджелесе по результатам международного опроса, проведённого Академией киноискусства совместно с АСИФА–Голливуд, фильм Ю.Б.Норштейна «Сказка сказок» был признан лучшим мультфильмом всех времён и народов. В 2003 году в Токио лучшим мультфильмом всех времён и народов был признан «Ежик в тумане» (вторым лучшим названа «Сказка сказок»).         
    Ю.Б.Норштейн редкий рассказчик. Он провёл гигантское количество встреч со зрителями, посвящая их в чудеса искусства, его тонкости, тайны рождения художественного образа. В разные годы Юрий Норштейн проводил свои лекции во ВГИКе, он является почётным профессором ВГИКа.
    С 2005 года становится почётным доктором изящных искусств Rhode Island School of Design, Providence, США. За свои работы Ю.Б.Норштейн удостоен Государственной премии СССР (1979) за мультфильмы «Лиса и заяц» (1973), «Цапля и журавль (1974) и «Ёжик в тумане» (1975).
    Он – Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987) за заслуги в области советского киноискусства; удостоен Премии имени А.А.Тарковского (1989); Ордена искусств и литературы (Франция, 1991); Премии «Триумф» (1995); звания Народный артист Российской Федерации (1998) за большие заслуги в области искусства; Премии имени Владимира Высоцкого «Своя колея» (1999); Ордена Восходящего солнца (Япония, 2004); Премии Федерации еврейских общин России «Человек года» (2008); Общественной премии Андрея Первозванного (2012); звания Доктор Honoris causa Академии художеств Чехии (2014).
     Юрий Норштейн – режиссёр, сценарист, продюсер, актёр и писатель. Родился в 1941 году в селе Андреевка Каменского района Пензенской области, где его мать находилась в эвакуации, а отец, Борис Норштейн, был на фронте, а  до войны отец работал наладчиком деревообрабатывающих станков. Мать – Бася Гиршевна Кричевская была воспитательницей в детском саду.  В 1943 году с матерью и старшим братом они вернулись в Москву. «По рассказам, отец был интересной личностью, – говорит Норштейн. Не получив образования, знал высшую математику, обладал абсолютным слухом и незаурядной музыкальной памятью. Свистел наизусть Вагнера и Шуберта. Думаю, что мой старший брат Гарик, учившийся музыке и впоследствии ставший скрипичным реставратором, унаследовал навыки мастерового от отца». У Ю.Б.Норштейна и его супруги, замечательного художника Франческе Ярбусовой, двое взрослых детей (сын Борис и дочь Екатерина), а также восемь внуков.
      С детства Юрий неравнодушно относился к искусству, посещал занятия по изобразительному искусству в студии Дома пионеров. В 1958 году, закончив школу, поступил в Детскую художественную школу Краснопресненского района Москвы, в которой учились будущие знаменитые режиссёры и художники Г.Новожилов, В.Попов, В. Караваев Э.Назаров и Ф.Ярбусова. По окончании художественной школы работал на мебельной фабрике столяром и сам может смастерить любую мебель для квартиры.
       В 1961 году Юрий Борисович окончил  курсы мультипликаторов и начал работать на киностудии «Союзмультфильм». Первая режиссёрская работа Ю.Норштейна сделана в соавторстве с талантливым художником и другом Аркадием Тюриным – фильм о начале Октябрьской революции «25–е – ПЕРВЫЙ ДЕНЬ». Вспоминая эту работу, Норштейн рассказывал: «Мы задумывали революционный этюд, в котором живопись русского и европейского авангарда 1910–1920–х годов соединилась бы с музыкой великого композитора Д.Шостаковича. Живопись этого времени невероятно кинематографична; в ней скрыта, сжата метафизика времени. Мы делали фильм с ощущением Революции как начала мощного культурного процесса. Нас вдохновлял тот факт, что произведения художников были наполнены идеей обновления мира, творения своей судьбы»... «Какое явление было самым мощным в изобразительном искусстве ХХ века? Авангард. Будто взрыв произошел: художники стали по–новому понимать, что такое цвет, что такое пространство. Я очень люблю эту эпоху, и многое нахожу в ней для своей мультипликации».
     За основу фильма взяты произведения В.Татлина, К.Петрова–Водкина, М.Шагала, П.Филонова, Н.Альтмана, К.Малевича, А.Дейнеки, Ю.Пименова, Л.Лисицкова, Ю.Анненкова, С. Чехонина, В.Лебедева, Л.Чупятова… Была использована графика В.Маяковского (его же строка стала названием фильма). Из европейских художников – Жорж Брак. Именно его живописное звучание стало основой эпизода «Штурм». Финал фильма строился на живописи П.Филонова «Гимн городу» и «Формула революции», на стихах французского поэта Поля Элюара, в которых говорилось о братстве людей. Ангел М.Шагала летел над праздничной демонстрацией».
      В задуманном варианте фильм так и не появился. Но через этот фильм Ю.Норштейн открыл великое искусство начала ХХ века. «Именно это искусство позволило разглядеть огромные эстетические возможности мультипликации, почувствовать новую изобразительную драматургию, вспоминает Ю.Нормштейн.  Через  эту работу я открыл, что мультипликация есть пластическое время. Этот фильм повлиял на всю последующую мою работу. И ещё один урок. Этот фильм научил меня не идти  на какие–то уступки, если они не согласуются с твоей совестью».
Совместный мультфильм Ю.Норштейна и В.П.Иванова–Вано «Сеча при Керженце» получил Премию за лучший анимационный фильм в 1972 году на кинофестивалях в Москве и Загребе. Это фильм по мотивам русской легенды и симфонической поэмы Н.А.Римского–Корсакова о невидимом граде Китеже. В фильме использованы материалы русской фресковой живописи и миниатюры Х1У–ХУ1 веков. Очень пригодились и уроки Сергея Эйзенштейна – весь фильм строился на сопряжении пластики и звука.
        Это было время, когда анимация переживала новый и очень важный период творчества. Это были отголоски «Оттепели». Ф.С. Хитрук, который снял мультфильм «История одного преступления» изменил отношение к мультипликации, а его мультфильм стал открытием в искусстве и ярким социальным явлением. Был создан такой язык в анимационном кино, который мог рассказать обо все и не только детям, но и взрослым.
        На студию пришли Андрей Хржановский, Николай Серебряков, Вадим Курчевский, Гарри Бардин, Эдуард Назаров. Сколько творческих почерков! Сколько новых фильмов, которые стали интересными не только для зрителей нашей страны, но и зарубежного зрителя.
        Ю.Норштейн с восторгом отзывается о своих коллегах. «Вспоминаю, как приятно было начинать работать на студии «Союзмультфильм» рядом с Хитруком – такой человек был! – говорит Юрий Борисович. Придумает что–нибудь гениальное – и никогда не боялся, что подглядят, а сам звал: «Старичок, я тут одну вещь придумал, запомни, пожалуйста!» Что отдашь, то сохранишь. И никакой зависти к другому. Может, опираясь на подобные уроки, можно будет и в наше время увидеть возрождение российской анимации».
      И коллеги с любовью и уважением относятся к Юрию Борисовичу. Ф.Хитрук мало сказать любил Ю.Норштейна. Он искренно восхищался им и когда рассказывал о нем, то весь преображался, так, как будто рассказывает об очень важном в своей жизни, к которому относится с восторгом и изумлением.
      Из рисованной мультипликации Ю.Норштейн переходит «на куклы». В более 40 мультфильмах Ю.Норштейн работал как художник. Сам он выделяет среди них несколько – это, конечно, «Левша», «Варежка», «Чебурашка», «Шапокляк», «Новогодняя сказка», «38 попугаев». Но нельзя не отметить ещё и такие фильмы, как «Каникулы Бонифация» Ф.Хитрука, «Мой зелёный крокодил» В.Курчевского, «Мистер–Твистер» А.Карановича.      
С 1973 по 1979 год режиссёром Ю.Норштейном было снято четыре фильма: «Лиса и заяц», «Цапля и журавль», «Ёжик в тумане» и «Сказка сказок». И каких! Каждый фильм стал событием в искусстве отечественном и мировом кинематографе. Их глубочайшая человечность, высокий артистизм раздвигали границы мультипликации как рода поэзии.
      Эти четыре фильма со временем сложились в понятие «кинематограф Юрия Норштейна». В каждом из них Норштейн, будучи режиссёром, одновременно выступает единственным художником–мультипликатором, играет все роли. Фильмы эти триумфально обошли весь мир, вызывая восхищение, изумление, благодарность.
Итальянские кинематографисты создавали серию сказок народов мира и сделали заказ русской сказки. Этой сказкой и стал мультфильм «Лиса и заяц». Взятая в основу народная живопись на прялках оттенила юмором, лиризмом и эксцентрикой истинную житейскую драму простодушного зайки. Фильм очень трогательный. Горящий очаг символизировал тепло дома, которое было утрачено зайчиком. Фильм «Цапля и журавль» стал гордостью отечественного кино. Этот фильм получил главные призы в Анси (Франция), Нью–Йорке, Тегеране, Тампере (Финляндия), Панаме, Мельбурне, Оденсе (Дания).
        «Цапля и журавль» – горькая и пронзительная притча о несостоявшемся счастье на фоне шелеста сухого камыша, мокнущего под дождём. «Для меня «Цапля и Журавль» начался… со звука. Звука камыша. В нем есть что–то дикое, пугающее, такое настороженное дрожание… И этот звук, он для меня буквально прошивал будущий фильм…», – это слова режиссёра.
         «Ёжик в тумане», 1975 год. Сколько же написано об этом фильме! Сергей Козлов и  принёс свои сказки и, Ёжик увлёк Ю.Норштейна. Сказка была основательно переделана, причём фильм не уложился и в режиссёрский сценарий. «Ёжик каждый вечер ходит к своему другу Медвежонку. Но однажды попадает в туман и видит другую, незнакомую ему жизнь. Он столкнулся с тайной. Он бродит в тумане и только слышит зовущий крик Медвежонка. Важная деталь: крик расширяет пространство. … Ёжик наконец встречается с Медвежонком, но он уже другой. Он знает то, чего не знает его простодушный друг». Вот такой совсем небольшой сюжет.
       Об этом фильме режиссёр А.Герман писал:  «Были картины, где я смеялся, умилялся, а ощущения полёта и большого искусства этот человек добился тем, как собака выпустила язык или как ёжик плывёт на большой рыбе. И пока я жив, эти кадры буду помнить. Потому что, когда ёжик плывёт на большой рыбе, это вовсе не означает, что это про рыбу: это что–то про меня. И туман – это вовсе не то, что он задымил плёнку. Это тоже про меня. Это какие–то сны. И это – чудо. А чудо в искусстве бывает очень редко».
      Но плёнка не была «задымлена». Осваивалась, а вернее, создавалась, новая технология анимационного кино, причём для каждого эпизода фильма – своя. А затем состоялась «Сказка сказок» – фильм о памяти, которая постоянно возвращает поэта, современного художника к его истокам – военному детству, временам тяжёлых испытаний и высокой нравственной чистоты. Важно правдой тех чувств поверить сегодняшний день, чтобы снова и снова утвердить жизнь, где свято каждое мгновение мирного мира и подлинные человеческие ценности – хрупкое счастье детской фантазии, радость простого неторопливого общения людей друг с другом, ощущение родства их и близости со всем сущим – со зверьми, с природой, с поэтическим вымыслом».
       Волчок пел свою колыбельную голосом Александра Калягина.
«Сказка сказок» – так называется стихотворение Назыма Хикмета. Этим стихотворением, в сущности, проникнута живая плазма фильма»…
А мы смотрим этот фильм и, каждый вспоминает своё детство, своё представление о войне, ослепительный снег на деревьях, который мы нетерпеливо ждём, и без которого нет русской зимы, яблоки на снегу, волчка с пронзительными глазами, засыпающего ребёнка.
         Юрий Норштейн – крепкий, коренастый, рыжий, с прямым носом, со способностью смеяться до слез, обнажая свои крепкие красивые зубы и взгляд мудреца. Все, кто видел Юрия Борисовича, очарованы обаянием этого человека–легенды и каждый понимал, что перед ним гений и человек необыкновенный…Вокруг Ю.Норштейна сложился творческий союз, в котором все есть и ничего лишнего. Обычно мультфильм создаёт коллектив, в котором работает большая группа художников, выполняющих много видов работ: фазовки, прорисовки, заливки, контуровки и т.д. Ничего подобного нет при создании фильмов Ю.Норштейна.
          Франческа Ярбусова – художник–постановщик. Она  создаёт художественную среду фильма. Именно она создаёт рисованные персонажи, которые затем оживают под руками Ю.Норштейна. Фильм «Сказка сказок» создавался совместно с кинооператором И.Скидан–Босевым, а «Ёжик в тумане» – с А.Жуковским. Озвучивали картины Ю. Норштейна артисты, голос которых всем до боли знаком: И.Смоктуновский, А.Баталов, В.Невинный. И ещё звучит музыка композитора М.Мееровича. «Приникни к его уху, услышишь музыку», – повторял Юрий Борисович о композиторе. В «Цапле и Журавле» звучит пленительной вальс влюблённых и залихватский, бравурный марш. Ю.Норштейна всегда поражала в М.Мееровиче его необычайная готовность «слушать и слышать изображение».
      Л.Петрушевская была соавтором сценария «Сказка сказок». «Наше ощущение будущего фильма было схожим и одинаково неясным,– рассказывает Ю.Норштейн. Мы конструировали вместе. Она словом, я раскадровкой, поэтому оба сценаристы. Редкий пример словесно–изобразительной записи».
      Все четыре фильма отмечены печатью яркого таланта постоянно работавших с Норштейном художника Франчески Ярбусовой. Ни в одном из этих фильмов нет ни одного пустого, проходного, не наполненного внутренним смыслом кадра, где изображение было бы ради изображения, движение ради движения, – настолько все подчинено раскрытию режиссёрского замысла. В результате совместной деятельности людей чрезвычайно талантливых, и были созданы удивительные шедевры анимации.
«Ёжик в тумане» – это фильм о соприкосновении с таинствами бытия, о загадочности всего сущего, о нелепой трагичности, существующей в мире, и о конечной его доброте. Этот фильм, полный тончайших психологических нюансов, свидетельствует, что нет таких оттенков человеческих чувств, которые невозможно было бы выразить средствами мультипликации.
      Юрий Норштейн – не только талантливый художник и режиссёр, но и выдающийся изобретатель. Его коллективу удалось создать новую эстетику анимационного фильма. И сделано это на основе принципиально иной технологии, которая называется «перекладка». Съёмка происходит на специально разработанном станке, который представляет совершенно необычное оборудование. Нарисованный персонаж делится на множество маленьких фрагментов, которые будут двигаться в процессе съёмки. До съёмок проводится огромная подготовительная работа. И только два художника – режиссёр и оператор – начинают буквально колдовать, создавая уникальный мир анимационного кино. Очень немногие владеют этой техникой, но найти того, кто ею владеет как Ю.Норштейн, вряд ли можно не только в нашей стране, но и во всем мире. И эта специальная техника многоярусной перекладки изображения придаёт мультфильмам Ю.Норштейна эффект трёхмерного изображения, и поэтому он наотрез отказывается пользоваться анимационной компьютерной графикой. «…Для меня волшебство – в муравье, ползущем по траве, а не в виртуальной реальности…», а «у компьютера нет божественной ошибки, способной вызвать сердцебиение» – так он это объясняет.
      Ю.Норштейн до сих пор работает с фотоплёнкой. Пришлось запустить свою машину для проявки. Нужно множество изобретательских ходов, чтобы получить то, что хотя бы близко к желаемому.
      А в результате медленно и плавно падает с огромного дуба оторвавшийся лист, лошадь купается в тумане, рыба несёт ёжика  по лесному ручью, а собака находит ёжика в самой гуще тумана, возвращая ему его маленький узелок.…«Бумага превращается в материальные вещи, которые поднимаются над ней, как пар над поверхностью горячей воды, – рассказывает Юрий Борисович …
Всякое искусство условно, поскольку оно пользуется знаками. Писателю дано слово, музыканту – звук, режиссёру – весь этот зрелищный мир, его вещественность, которую надо превратить в поток действия. А художнику дана форма, свет, контур действия, контур пластических кадров – со всем этим он должен жить и работать, собирать свой мир по законам, которые он сам для себя открывает... Когда ты творишь, ты хочешь быть за гранью невозможного, иначе окажешься ниже самого себя и не вырастешь над собой,– считает Норштейн. Я всегда ставлю в работе сверхзадачу, на уровне невыполнимости. Мы работали всегда так. Она прекрасный художник, но когда она начинает красиво и виртуозно рисовать, я её ругаю, советую писать левой рукой, например.
     И вот, когда она измучается по самое «не могу», когда работа идёт со слезами и корвалолом, тогда и получается то, что нужно»…
«Меня меньше всего интересует «хороший рисунок», – считает Норштейн. Мне нужно, чтобы соотношения тепла, света в кинокадре совпадали с моим ощущением. Тогда это будет тот самый эскиз. Пусть это грязно, неряшливо, левой рукой нарисовано… Высшее мастерство – это не умение нарисовать. Высшее мастерство – найти эти соотношения внутри изображения, чтобы дать сверхчувственную сторону кинокадра.
    ...В мультипликации я переживал идеальные состояния вдохновения, и они ко мне не раз возвращались на фильме «Сказка сказок». Пожалуй, это единственный фильм, где мне страшно хотелось вернуть время, безвозвратно проглоченное алчной Летой, как говорил И.Бродский».
     С 1977 по 1982 год Ю.Норштейн в качестве художника–мультипликатора принимает участие в трилогии по рисункам А.С. Пушкина – фильмах Андрея Хржановского «Я к вам лечу воспоминаньем…», «И с вами снова я…» и «Осень». Трилогия А.Хржановского соединила замечательных актёров, читавших пушкинские стихи, – Сергея Юрского и Иннокентия Смоктуновского. Удивительную музыку написал Альфред Шнитке. И до сих пор кажется невероятным, как условный персонаж смог так проявить пушкинскую натуру, вместить бездну чувств, настроений, состояний – от дурашливого мальчишеского озорства до едкой шутливой издёвки, от горьких раздумий и сомнений до внезапной радости и восторга. О работе над мультфильмами о А.С.Пушкине пишет: «Религиозному человеку для обретения равновесия достаточно пережить таинство исповеди. Пушкинская строка для меня из того же ряда… Поэтическая строка охватывает, как порыв ветра, как скорый ливень. Главное, что в любой момент она возвращает тебе чувство целого».
     Мультфильм «Сказку сказок» международное жюри в Лос–Анджелесе объявило «Лучшим анимационным фильмом всех времён и народов», а в этом году, когда такой же опрос специалистов проводился в Токио, лучшим анимационным фильмом мира уже был признан «Ежих в тумане» Ю.Норштейна. На второе место вышла «Сказка сказок», а третье, с большим отрывом, занял диснеевский фильм «Фантазия» 1940 года. Фильмы Ю.Норштейна совершенно изменили статус анимации – не только в России, но и во всем мире.
    Франческа Ярбусова, жена режиссёра Ю.Норштейна, художник–постановщик всех его фильмов. А вместе они уже полвека. Она вспоминает: «Со слов мамы, я начала рисовать, а уже потом ходить, – рассказывает Ф.Ярбусова. Но была война, 1943 год. Мы с мамой вернулись в Москву. Жили в проезде МХАТа. Было холодно. С одной стороны от моей кроватки мама ставила самодельную плитку, с другой пододвигала стол, давала мне карандаш и пачку испорченных бланков с почтамта. Карандаши и бумага были моими первыми игрушками. …Очень много ярких вещей осталось в памяти с тех пор. Папа работал в лаборатории биофизики зрения, и для его экспериментов я собирала бражников, сумеречных бабочек с огромными глазами. Чтобы вырастить их, нужно было отыскать кладку. И  мы бродили по лесу в поисках яйца–жемчужинки, оставленного бабочкой где–нибудь на осиновом листке. И найти это было огромным счастьем».
     Ю.Б.Норштейн говорит: «Моя жена Франческа Ярбусова для меня загадка. Всегда закрыта – и я всегда открываю в ней что–то новое. Она хорошо знающий художник: знает, как растёт трава, как распускаются почки – художнику необходимо знать эту первую гармонию мира, чтобы потом создавать гармонию, сочинённую сознанием. Хотя именно с ней я ругался так, как ни с кем: знание иногда мешают образу, и на этой почве у нас происходят просто смертельные схватки, – рассказывает Юрий Борисович.
Франческа создает в картине до ощутимости узнаваемый мир, создает его с огромной любовью ко всему живому, будь то лошадь, дерево, светлячок, сухой лист и даже узелок с вареньем, – все здесь равновелико, все воспринимается как одушевленная частица огромного и прекрасного мироздания…  «Она составляет изображение, как лекарственный сбор»…
    …«Многое из того, что я пережила в детстве, совпадает с тем, что было у Юры. Мы с ним из одного времени, и многое шло параллельно,– рассказывает Ф.Ярбусова. Даже в одной художественной школе учились. Это был дивный особняк, недалеко от Планетария. С высокими окнами, камином, лепниной на потолке. На втором этаже была музыкальная школа, а на первом – художественная. И мы все время рисовали под пиликанье скрипки или фортепьянные этюды. Во дворе росли старые липы. Я поступила туда, когда училась в пятом классе. Юра говорит, что вроде бы помнит меня смутно, что у меня коса была длинная. А мне вспоминается, как однажды директриса – было холодно, и она перевязала себя пуховым платком – вошла к нам в класс и говорит: «Этот рыжик опять порвал свою работу!»
     На перемене мы бегали смотреть, кто порвал работу, и заглядывали в мусорную корзину. Этим темпераментным Рыжиком был Юра. Он учился на два класса старше. У нас были общие учителя. Там собрался удивительный состав преподавателей. Тогда нельзя было даже говорить об импрессионистах, а они приносили нам книги с репродукциями Ренуара и Гогена, Моне и Ван Гога…
    Художественную школу я любила, потому что там не было такого – вот преподаватель, а вот ученик, ты должен, ты обязан. Во всем было что–то бескорыстное. Хочешь рисовать – пожалуйста. Правда, у школы не было денег на натурщиков, и мы писали натюрморты, рисовали гипсовые головы. Иногда ездили на этюды в Серебряный бор. Помню, у меня получилась хорошая работа. Писала осенний пейзаж. Очень замерзла. И вдруг пошёл первый снег. Снежинки падали на сырую акварель, таяли, и капельки расплывались, оставляя следы»…
     После института Ф.Ярбусова по распределению оказалась на «Союзмультфильме». Первый фильм делала с В.Дегтяревым, прекрасным режиссёром. И мультфильм был замечательный: «Паровозик из Ромашково». Позднее стала работать с В.Данилевичем, уже на кукольной студии. И там тоже пыталась что–то сделать. Но, в общем, ничего не получалось. Да и дети уже родились, забот прибавилось. Нелёгкие времена. Двое маленьких детей, жить почти негде…
    …Фильм «Лиса и Заяц» стал важным этапом в творчестве, в котором нужно было использовать мотивы народного искусства. «Нам повезло,– вспоминает Франческа. Мы попали в запасник Исторического музея, в подвал, набитый прялками, расписными санками, деревянными кружками, наличниками, изразцами. Это было сказочно красиво и очень помогло в работе. Тут уж и мне захотелось как–то развернуться. Я ведь до этого все время чувствовала себя зажатой, думала, что вообще не туда попала»…
Юрий Норштейн убеждён, что его идеальный сюжет скорее выражен в жене Франческе. «Если у нас сохранилась семья и мы друг для друга, то только благодаря ей. Я в этом смысле человек очень разрывной, лихорадочный, у меня нет цельности. В редкие мгновения я чувствую полное умиротворение, и это только благодаря Франческе».
          В своё время Альбрехт Дюрер писал, что искусство заключено в природе; кто умеет обнаружить его, тот владеет им. Эти слова очень точно определяют природу творчества и Ф.Ярбусовой, и Ю.Норштейна: «Фильм «Сказка сказок» дорог мне, потому, что он связан с Марьиной Рощей. Потому, что я прожил в Марьиной Роще почти 25 лет, – рассказывает Юрий Борисович. Потому, что оттуда уехал. Потому что нашего дома нет. А есть огромный шестнадцатиэтажный дом. И мост – тот, который в финале фильма, – теперь уже не тот мост. А я помню тот – замощённый булыжником... И как вечером, в августе, когда шли дожди, пахла пыль, прибитая каплями... И как гремели покрышками синие автобусы, которые ходили тогда по Москве... И это всё постепенно связывалось...Это все постепенно собирается тогда, когда оглянешься и когда навсегда уходит тот мир, где ты жил. Двухэтажный старый дом... Двор... Ты вдруг начинаешь понимать, что на этом–то пространстве и прошла основная твоя жизнь…
    …Сухой лист вспомнился мне из детства – из октября, когда бывают бесснежные морозы и земля каменеет,– вспоминает Юрий Борисович… А этот лист, который невесть откуда прилетел для меня…Его волокло по мостовой, и он цеплялся за булыжники, будто был живым. Снег отскакивал от его панциря, и видел эту картину маленький человек».
       А В.Гете считал, что в любом произведении искусства, великом или малом, все до последних мелочей зависит от замысла. И это высказывание иллюстрирует творчество Ю.Норштейна. «Очень часто в предощущении более–менее приличного фильма, ты либо влетаешь в него, проходя набросочно всё действие от края до края, либо вдруг понимаешь, что всё не так идёт, фильм против тебя и ничего поделать нельзя. На «Ёжике» всё было против. Но почему он нарисовался, я всё равно не могу объяснить. Я всё время говорил только об одном: он должен быть простым настолько, что три кадра на экране мелькнут – он уже в глазах отпечатается. Он должен быть мгновенен как выстрел».
      Юрий Борисович стал одним из самых известных режиссёров анимационного кино. Его хотят видеть, слышать, задавать волнующие вопросы о кино, искусстве, жизни, творчестве. И Юрий Норштейн выступал на авторских вечерах в самых различных коллективах. Выступал много, очень ответственно относясь к своим выступлениям. Он – прекрасный рассказчик, который приглашает слушателей к размышлению, зажигает эмоциями, страстной любовью к искусству.
     Состоялись выставки творчества Юрия Норштейна и Франчески Ярбусовой. Первая выставка прошла в начале 90–х годов в Пермской государственной художественной галерее. В 2000 г. выставка «20 лет «Cказке сказок»» состоялась в Музее кино.
Экспозиция, состоявшаяся в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С.Пушкина – наиболее полная из всех предшествующих. На выставке, которая заняла семь залов Музея личных коллекций, было представлено около 400 эскизов, коллажей, набросков, более 10 макетов, использовавшихся в съёмках, а также фотографии, снятые оператором А.Жуковским для фильма «Сказка сказок».
     В контекст выставки включены тексты режиссёра, повествующие о работе над фильмами, о детстве и юности в Марьиной роще, о друзьях–коллегах и о многом другом. В одном из залов располагался телеэкран, на котором демонстрировались фильмы, знакомые всем с детства. Для выставки был выпущен альбом в качестве каталога.
     В результате и были написаны два тома книги «Снег на траве». «Тексты, которые вошли в каталог, появились в результате лекций, прочитанных на режиссёрских курсах. Лекциями это тоже, честно говоря, назвать трудно – это, скорее, рассказы, собранные мною  за всю жизнь: то, что я видел, слышал, чувствовал». И вот когда удалось все собрать воедино и показать и появились два тома книг под названием «Снег на траве».
     Юрий Борисович считает название «Снег на траве» летучей метафорой, за которой осязаемое впечатление деревьев и травы, когда они ещё зелёные, а ты ждёшь снега с небес. И снег наконец падает, покрывая крыши домов, деревья, землю и траву… Оглядываешь двор – деревья зеленеют сквозь снег, но выходит жаркое солнце, снег улетучивается, стекает водой по тополёвой листве, оставляя пряный запах».
Два тома книг – разговор–размышление об искусстве, о творчестве, о поэзии, о художниках, о кино и о жизни. Я думаю, что хорошо бы в каждой семье были эти книги.
    Однажды в поезде я увидела, а точнее услышала гениального ребёнка, который, по–видимому, готовился к телевизионной викторине. Он громко задавал себе вопросы и сам на них отвечал, а потом резво и громко «уходил на рекламу», сообщая об этом заранее. Он без запинки мог назвать имена и фамилии всех генералов – участников боевых танковых сражений Второй мировой войны. Он знал точное количество танков с нашей и немецкой стороны при танковой битве на Юго–Западном фронте в июне 1941 года, в сражении 1942 года в районе Харькова и Воронежа, в боевой операции под Прохоровкой. Он рисовал танковое сражение, но оказалось, что он ....ни разу не видел «Ежиха в тумане». Ни разу… И ни одного из других любимых детьми мультфильмов.
     «Искусство делается для того, чтобы научить любви, оно помогает разрыхлить, размягчить душу», – пишет Норштейн. … Я все время говорю: надо иметь мужество заниматься искусством. Но, поверьте, мужество и искусство только тогда совмещаются в одно целое, когда ты абсолютно открыт тому, что происходит в жизни.    
   …Мне кажется, в человеке должен сохраняться восторг от жизни. …Обстоятельства сходятся таким образом, что рок становится неотвратимым. Ты знаешь, что есть рок, дальше нужна сила для его преодоления. Когда ты не можешь преодолеть его, ты хотя бы способен его понять. Способен понять, что не можешь справиться, и в то же время у тебя в голове целый мир, который ты собрал за свою жизнь. Как сказал Пастернак, «и тут кончается искусство, и дышат почва и судьба».
     Ю.Норштейн убеждён, что художник не может быть атеистом. Что же – красками, что ли, он пишет? Я не принадлежу ни к какой конфессии. Но при этом я всё время листаю Библию, туда окунаюсь. Я, конечно, недостаточно знаю её, хотя часто цитирую. В истории искусства Библия расщепилась на множество произведений, она даёт человеку чувство меры, соотнесённости». И не случайно, сын Ю.Норштейна Борис, отец шестерых детей, избрал профессию иконописца. «Он расписывает храмы – под Курском, в городе Курчатове восстановили храм, – около 1500 квадратных метров, неподалёку ещё один храм, часовня – шестьсот метров… Тратит на это огромные душевные усилия. Он человек глубоко верующий». О Борисе говорят, что он талантливый, творческий человек, ищущий, неравнодушный, посвятивший себя, свой талант Церкви. И, конечно, у них со Светланой замечательная христианская семья.
    С 1990 года Ю.Норштейн стал сотрудничать с Фондом Быкова, который говорил: «У тебя не характер – ты по ту сторону характера!»
Ю.Норштейн организовал свою анимационную студию «Артель», а затем «Фонд Юрия Норштейна». Многие годы Ю.Норштейн преподавал на Высших курсах сценаристов и режиссёров, читал лекции во ВГИКе. А вообще, где только он не преподавал: в Японии, Америке, Швеции, Бельгии, Великобритании, Франции, Италии, Канаде, Венгрии, Голландии, Норвегии.  Преподавал и учился сам: «Мои учителя: пещеры Альтамиры и Ласко, «Спас» Андрея Рублёва, последняя скульптура Микеланджело «Пьета Ронданини», «Менины» Веласкеса, последний период Гойи, «Возвращение блудного сына» Рембрандта, Ван Гог, «Мусоргский» кисти Репина, Павел Федотов, Шарден, Милле, русский и европейский авангард, фильм Жана Виго «Аталанта», шеститомник Эйзенштейна… Но самые выдающиеся учителя – мои внуки и вообще дети. Глядя на их исполненные простодушия улыбки, на нежные узкие плечики, окаймлённые рубашечками, понимаешь, что все мировое искусство имеет смысл, если в наших душах открывается любовь».
     В Японии задумали – экранизацию стихов Мацуо Басё «Зимние дни». В этом проекте принимали участие 35 прославленных аниматоров со всего мира. Россию в этом проекте представляли Юрий Норштейн и Александр Петров. У Александра Петрова: «40 секунд на экране – это 4 месяца работы».

            Безумные стихи... Осенний вихрь...
            О, как же я теперь в своих лохмотьях
            На Тикусая нищего похож!

     На экранизацию этого хокку у Юрия Норштейна ушло 9 месяцев. «На Высших режиссёрских курсах Юрий Норштейн вёл у нас занятия, связанные с литературой: он приносил какие–то истории и просил превратить их в мультфильм,– рассказывает А.Петров. Мы прямо в классе рисовали раскадровки, а потом обсуждали работы друг друга. И вот однажды он принёс нам несколько японских стихотворений. Я, как и все, бросился рисовать, но у меня не получилось. У двух моих приятелей получилось очень хорошо, они угадали дух Японии. Это меня, конечно, зацепило: «Что же я такой беспомощный?!» Тот случай настолько запал мне в душу, что я, узнав о «Зимних днях», решил доказать, что хокку мне по зубам».
     «Зимние дни» – цикл стихотворений, написанный в XVII веке создателем жанра хокку Мацуо Басё и его учениками. По популярной в японской поэзии традиции стихотворцы садились по кругу, мастер произносил первое трёхстишие, а затем ученики по очереди добавляли по две–три строки от себя, продолжая тему и одновременно развивая её. Экранизировать эти хокку и было предложено интернациональной группе аниматоров.
     24 апреля 2013 года в Центральном Доме литераторов состоялся уникальный творческий вечер А.Баталова и Ю.Норштейна «Секрет «Шинели». «Шинель» – особая веха в творческом пути как А.Баталова, так и Ю.Норштейна.
«Однажды мне позвонил Алексей Владимирович и сказал, как я отнесусь к тому, чтобы нам с ним совместно выступить,– рассказывает режиссёр Ю.Норштейн. Я даже не стал спрашивать, о чем, на какую тему, я сказал: «Конечно». А дальше он продолжил, что речь идёт о Гоголе. О том, чтобы соединить две «Шинели», его «Шинель», которую он делал в качестве диплома... ...Нас соединила не «Шинель», конечно, нас соединил «Ежик в тумане». Тогда он пришёл в студию и читал текст от автора, читал божественно».
     А. Баталов, вспоминая о работе над своей «Шинелью» (1959), рассказал о том, что на съемках он встретил самых лучших своих друзей…Фильм «Шинель» А. Баталова по праву занял своё место среди шедевров отечественного кинематографа. И все сошлось воедино: блестящий актёрский состав, великолепно выстроенный сценарий, замечательная режиссура, и экранизация «Шинели» Н.В.Гоголя становится классикой мирового кино.
     Фильм «Шинель» А. Баталова вышел на экраны в 1959 году. Ролан Быков играл не несчастного, забитого «маленького человека», как тогда говорили. Нет, «маленьких людей», по твёрдому убеждению Быкова, не существует. Он играл человека счастливого, умеющего радоваться самой малости. В решении, предложенном Быковым, Акакий не просто копит деньги на новую шинель взамен износившейся, но видит шинели возможность новой жизни, её полноты и счастья. Вот отчего ограбление для Акакия не просто горе бедного человека, но невозможность жить дальше.
     В 1981 году Норштейн начал работу над фильмом «Шинель» по повести Гоголя, но фильм не закончен и по сей день. Работа движется, но с огромными перерывами, иногда по несколько лет. Фильмы Юрия Норштейна создали ему славу открывателя небывалых, гениальных пространств в анимации, а его работа над «Шинелью» изменила представления не только о мультипликации, но и об искусстве в целом, да, собственно, и о жизни... Анимационный фильм «Шинель», если можно провести такое сравнение, напоминает усилия Антонио Гауди по созданию своего удивительного творения «Собор Святого Семейства», в которое архитектор вложил все свои силы, но храм не достроен до сих пор.
     Первые отснятые эпизоды «Шинели» посмотрел драматург Михаил Вольпин. И был потрясен: «Я вряд ли смогу объяснить, что хотелось бы выразить в этом фильме... Мне кажется, что «Шинель» вызывает чувство стыда. Стыда за то, что один человек не хочет понять чувства другого, переживания другого. И вдруг, когда он их понимает, ему становится стыдно за свою собственную жизнь... «Шинель» – генофонд человеческого стыда. Если даже представить на секунду некое идеальное человеческое общество, то мы не сможем жить без «Шинели», потому что иначе у нас исчезнет защитный рефлекс...»
     Потрясены были и все члены худсовета киностудии – Б. Степанцев, И.П.Иванов–Вано, Л.К.Атаманов, Л.Шварцман, Р.Качанов, В. Курчевский. Весь цвет отечественной анимации...
      «Шинель» – величайшая притча, глава, не вошедшая в Библию. Такой подход освобождает от желания каждую запятую переносить на экран... От буквокопательства... «Шинель» невероятно трудна для кино. Предвидь я все катастрофы, ожидающие нас впереди, вряд ли затащил бы себя на эту территорию. Но что делать? Двигаться можно только вперёд. Слева – скала, справа – пропасть. Развернуться бы, да тропа узкая. Остается одно – вперед. И конца дороги не видно...»
     – Я пережил ужас от фразы Акакия Акакиевича: «Оставьте меня, зачем вы меня обижаете?» «Обижаете» может сказать только ребёнок, но не взрослый человек, и в детстве эта несочетаемость героя и слова поразила меня больше, чем история с воровством шинели и мёртвым чиновником. Несочетаемость, неожиданность. И сквозь это проскакивает молнией абсолютная физическая достоверность. Я тогда на эту фразу снизу вверх посмотрел: как же у взрослого человека может быть обиженность? Это же моя фраза, это я могу к маме прийти и сказать: «Меня обидели». А ему–то пожаловаться некому» ...
     Даже незаконченный фильм удостоен наград. Он получил первую премию в Монреале на ХV Международном конкурсе технических фильмов за материал к фильму. Большая золотая медаль Академии художеств была вручена художнику–постановщику Ф.А. Ярбусовой за эскизы к фильму. 
      Ф.С.Хитрук сказал о Норштейне и о его работе над «Шинелью»: «В этой простой сказочке он раскрылся как гениальный психолог. Мне хотелось, чтобы оценили Юру Норштейна как выдающегося, великого актёра... Девятнадцать минут сделанного им отрывка «Шинели» войдут, уже вошли в историю анимационного кино. Он там так сыграл Башмачкина, как не сыграл бы и Михаил Чехов. Сыграл с помощью крохотных обрывков бумаги. У него гениальное актёрское видение. Каждый раз, когда я смотрю «Шинель», на меня производит впечатление, как Акакий Акакиевич переливает тушь из пузырька в чернильницу. Ведь никаких чернил нет, есть только целлулоид, листочки бумаги. И Норштейн творит из них – нет, не иллюзию – правду существования данного момента».
     Выставки рисунков Юрия Норштейна проходили во Франции (Париж), России (Москва, Санкт–Петербург, Пермь), Японии (Токио),  Израиле (Тель–Авив), США (Нью–Йорк).
      Фильмография Ю.Б.Норштейна: «25–е, первый день» (в соавт.с А.Г.Тюриным, 1968), «Времена года» (в соавт. с И.П.Ивановым–Вано (1969), «Дети и спички» (социальная реклама (1969), «Сеча при Керженце» (в соавт. С И.П.Ивановым–Вано, 1971), «Лиса и заяц» (1973),  «Цапля и журавль» (1974), «Ежих в тумане» (1975), «Сказка сказок» (1979), «Шинель» (фрагменты, 1981), «Русский сахар» (реклама, 1994), «Заставки для «Спокойной ночи, малыши»! (1999–2000),  «Зимние дни». Новелла по хокку «Безумные стихи» (2003).  Во многих своих фильмах Ю.Б.Норштейн был сценаристом и художником–мультипликатором. Ю.Б.Норштейн  работал над более чем 40 мультфильмах как художник–мультипликатор, среди них такие известные как «Левша» (1964), «Как один мужик двух генералов прокормил»   (1965), «Каникулы Бонифация» (1965), «Мой зеленый крокодил» (1966), «Варежка» (1967), «Мистер–Твистер» (1969), «Чебурашка» (1971), Шапокляк» (1974), 38 попугаев» (1975), «Я к вам лечу воспоминаньем…» (1977), «И с вами снова я» (1980), «Осень» (1982), «Банкет» (1986), «Любимое моё время» (1987), «Школа изящных искусств. Пейзаж с можжевельником», «Возвращение». Фильм 2 (1987, 1990). 
     Награды и премии: «Сеча при Керженце» (1971): Первая премия на V Всесоюзном фестивале в Тбилиси в 1972 г.; «Гран–при» на I Международном кинофестивале в Загребе, 1972 г.; «Гран–при» и специальная Премия жюри за высокое техническое качество на Международном кинофестивале в Нью–Йорке (1973).
     «Лиса и заяц» (1973): Первая премия на VII Всесоюзном фестивале в Баку (1974); Первая премия на II Международном кинофестивале в Загребе (Югославия) за лучший фильм для детей; Медаль Сараевского банка за изобразительное решение (1974);
     «Цапля и журавль» (1974): В 1975 году – Первая  премия творческому коллективу «Союзмультфильм» на VIII Всесоюзном фестивале; Специальная премия жюри на Х Международном кинофестивале в Анси; I премия «Золотой Праксиноскоп» на Международном кинофестивале в Нью–Йорке, 1975 г. I премия на Международном кинофестивале в Тегеране за фильм для детей и юношества, 1975 г. «Пальма первенства» на Международном кинофестивале в Тампере (Финляндия), 1976 г. Главный приз на XIV на Международном кинофестивале в Панаме, 1976 г. Большая премия в Мельбурне (Австралия), 1976 г. Главный приз в Оденсе (Дания), «Золотая статуэтка оловянного солдатика», 1977 г.
      «Ёжик в тумане» (1975): Первая премия на IX Всесоюзном кинофестивале во Фрунзе в 1976 г. В 1977 году – «Гран–при» Большая золотая медаль на Х Международном кинофестивале в Тегеране; Премия Лондонского фестиваля (фильм признан «выдающимся фильмом года»); Приз за лучший короткометражный фильм для детей в Хихоне (Испания); «Серебряный бумеранг» на Международном кинофестивале в Сиднее (Австралия). В  1978 г. –Третий приз «Бронзовый Хьюго» в Чикаго (США); I премия на Международном кинофестивале в Эшпиньо (Португалия). В 2003 г. в Токио на международном опросе кинокритиков и режиссёров признан лучшим фильмом в мультипликации.
     «Сказка сказок» (1979): в 1980 г. – I премия на XIII Всесоюзном кинофестивале в Душанбе; «Гран–при» в Лилле (Франция); Премия Международной критики (ФИПРЕССИ); Премия департамента Норд; Приз Международной федерации киноклубов в Оберхаузене (ФРГ); Диплом католического жюри; «Гран–при» в Загребе на V Международном кинофестивале; I премия на Международном кинофестивале в Оттаве (Канада); I премия за лучший мультфильм на II Московском молодёжном кинофестивале; Премия зрительского жюри; Фильм признан «лучшим анимационным фильмом всех времён и народов» по результатам международного опроса, проведённого Академией Киноискусства совместно с АСИФА–Голливуд, Лос–Анджелес (США), 1984 г.
  «Шинель», в 1981 г. 1 премия в Монреале на XV Международном конкурсе технических фильмов за материал к фильму «Шинель».
  «Русский сахар» (1994 – 1995) Приз «Прорыв» на I Российском Открытом Фестивале Анимационного Кино в Тарусе (1996).

                10. Валерий Михайлович
                Угаров (1941–2007)

        Валерий Михайлович Угаров (1941–2007) режиссёр, сценарист, художник–мультипликатор. Заслуженный деятель искусств России (1997).
Валерий Угаров окончил Московский архитектурный институт и курсы художников–мультипликаторов при «Союзмультфильме».
Работал в составе творческих групп мультсериала «Ну, погоди!», мультжурнала «Весёлая карусель».
       В своих фильмах В.Угаров широко применял сюрреалистические и фантастические мотивы, авангардную графику и музыку. Одной из самых значительных работ Валерия Угарова стал цикл «На задней парте» (1978–1985, 4 выпуска).
В 1981 году экранизировал сказку Вильгельма Гауфа «Халиф–аист».
С 1990–х годов работал на студии «Крисмас Филмс» в международном проекте Великобритании «Сказки мира». С 2003 года работал над полнометражным мультфильмом «Бабка Ёжка и другие…».
       Фильмография:  «Весёлая карусель» № 3 Разгром (1971), Про чудака лягушонка № 4 (1972), Не про тебя ли этот фильм? №5 (1973), Бабочка и тигр №10 (1978), Проделки в школе (1974), Шкатулка с секретом (1976), На задней парте (Выпуски 1, 2, 3 и 4 (1978, 1980, 1984, 1985), Халиф–аист (1981), Наваждение Родамуса Кверка (1983), Школа изящных искусств. Пейзаж с можжевельником (1987), Сапожник и русалка (1989), В поисках Олуэн (1990), Иона (1996), Волшебная кисточка (1997), Волшебная флейта (1997), Optimus mundus 31. Купцы (1998), Кентербирийские рассказы (1998), Мальчик–пастух Тумур (2001), Щелкунчик (2003), Бабка–Ёжка и другие (2003).
      Как художник–постановщик и художник–мультипликатор более 50 мультфильмов. В.Угаров снимался в документальных фильмах о мультипликации: «Союзмультфильм – сказки и были», серия «Старые стены», 2003; «Братство Весёлой карусели» 2004; «Фабрика чудес», серия «Аниматор», 2006.
      Награды и призы: «Шкатулка с секретом» (1976) – Приз на I конгрессе UNITEK. «Бабочка и тигр» (Весёлая карусель № 10) (1978) – Приз на Международном кинофестивале в Варне, 1979. «Халиф–аист» – Диплом по разделу мультфильмов – ХУ (Таллин, 1982), «В поисках Олуэн» (1990) – Приз на МФАК в Анси, 1991. «Волшебная кисточка» – Открытый Российский фестиваль анимационного кино (Таруса 1998): Приз за лучший фильм для детей. «Мальчик–пастух Тумур» – Открытый Российский фестиваль анимационного кино (Суздаль 2002): Диплом жюри «За артистизм, проявленный в жестких рамках «заказа». «Бабка Ёжка и другие» – IX Открытый Российский фестиваль анимационного кино: Дипломы сценаристу М.Липскерову, режиссёру В.Угарову, художнику М.Лесковой и продюсеру Сергею Карпову, ясно обозначившим желание создать весёлый, яркий сериал с фольклорными персонажами,  на XIII открытом фестивале анимационном кино в Суздале признан лучшим полнометражный фильм «Бабка Ёжка и другие».

           11. Гарри Яковлевич Бардин

     Гарри Яковлевич Бардин – выдающийся аниматор, создавший великолепное авторское кино. Он – режиссер, сценарист, актер, продюсер. Особенно известен работами в жанрах пластилиновой и кукольной анимации. Он – «Стайер анимации»!
Гарри Бардин родился в 1941 году в Оренбурге. В 1968 году окончил в Школу–студию МХАТ, курс П.В. Массальского. Работал драматическим актёром в театре им. Гоголя, снимался в кино. В 1974–м в соавторстве с Василием Ливановым написал пьесу «Дон Жуан» и был приглашён Сергеем Образцовым в Московский кукольный театр режиссёром–постановщиком.
     В 1975 году начал работать режиссёром–мультипликатором на студии «Союзмультфильм», где за 15 лет снял 15 фильмов, отмеченных многочисленными призами как в России, так и на международных кинофестивалях. В его послужном списке – звание лауреата Государственной премии за 1999 год, три «Ники» и даже «Золотая пальмовая ветвь» Каннского фестиваля, не говоря уж о массе других престижнейших призов, собранных по всему миру. Признание и успех Гарри Бардин завоевал, во многом благодаря умелому использованию в своих фильмах разнообразной техники и материалов: это и спички в «Конфликте», и верёвки в «Браке», и проволока в «Выкрутасах», и оригами в одном из последних фильмов – «Адажио».
Работа в анимационном кино Г.Бардина началась с того, что он написал сценарий для мультфильма, который долго лежал невостребованным. Тогда Г.Бардин поинтересовался в «Союзмультфильме» насчёт него, получил неожиданный ответ: «Ваш сценарий – вы и снимайте!»
    За плечами Г.Бардина был режиссёрский опыт в легендарном театре кукол Сергея Образцова, работа актёра театра и кино, озвучки в десятке мультфильмов. В общем, судьба не случайно привела Бардина в «Союзмультфильм», а спустя 15 лет была создана собственная студия – Мультипликационная студия Гарри Бардина «Стайер».       
Рассказывают, что в 1975 году, когда комиссия принимала дебютную работу Гарри Бардина, И.Иванов–Вано возмущался: зачем учить кучу людей, если с улицы приходят самоучки, которые всех уделывают. Конечно, И.Иванов–Вано не так выразился, но смысл примерно такой.
     У Г.Бардина оригинальный творческий подход. Вряд ли существуют аниматоры, которые испробовали бы столько технологий анимации, как Гарри Бардин. Обычно каждый выбирает свою фирменную технику. Роман Кочанов создавал рисованные и кукольные шедевры,  А.Татарский – пластилиновые и рисованные. Гарри Бардин освоил всё перечисленное, добавив к распространенным способам несколько экзотических.
Первые восемь мультфильмов Гарри Бардина выполнены в самой распространённой технике. Начинал режиссёр с простых детских мультиков («Достать до неба», «Приключения Хомы» и др.), постепенно переходя к более сложным формам (мюзикл «Летучий корабль») и к более «взрослым» идеям («Пиф–паф, ой–ой–ой», «Прежде мы были птицами»). Мультфильм «Летучий корабль» (1979) стал суперхитом, а пародия в 5 частях «Пиф–паф, ой–ой–ой» (1980) выполнена с большим юмором и надолго запомнилась зрителям. Красивая цыганская поэма «Прежде мы были птицами» (1982), была создана при поддержке известных деятелей цыганской культуры.
      Чтобы признать, что российский пластилин – лучший в мире, нужно посмотреть мультфильмы Гарри Бардина и Александра Татарского. В багаже Гарри Бардина четыре «Ники», «Золотая Пальмовая ветвь» Каннского фестиваля и масса других престижнейших призов, собранных его фильмами по всему миру.
       В 80–е годы Гарри Бардин переходит в объёмную анимацию, у которой есть свои разновидности. В первую очередь, это куклы, но Бардин отдаёт предпочтение пластилину, так как этот материал имеет своё преимущество – больше возможностей выразить движения персонажей.
       Пластилиновую революцию в советской анимации совершает Александр Татарский – его мультфильмы начала 80–х яркие, динамичные, остроумные – «Пластилиновая ворона», «Падал прошлогодний снег», заставка к «Спокойной ночи, малыши». Но стиль Г.Бардина совсем другой: его пластилиновые персонажи чрезвычайно выразительны, и именно пластилин создаёт такие возможности. Его герои совершают немыслимые неестественные движения, режиссёр вдоволь над ними издевается, размазывая их об любую поверхность. Если пластилиновые мультфильмы А.Татарского – условно детские, то фильмы Бардина – однозначно для взрослых. Это видно не только по некоторым явно не детским сценам, но и по социальным и иногда даже социально–политическим подтекстам, которые считываются только взрослыми зрителями.
          Бардин не будет делать мультфильмы для детей до конца ХХ века, потом появится трилогия «Чуча», которая позиционируется как детская.
 За внешней забавностью, комичностью пластилиновых фильмов Г.Бардина кроется социальная проблематика. Мультфильме «Тяп–ляп, маляры» (1984) может быть интересен детям, но мы–то понимаем, что это сатира на такие свойственные многим русским людям качества, как безалаберность и безответственность.
Перестроечный «Серый волк энд Красная шапочка» (1990) в форме комедийного мюзикла отражает политические веяния того времени. Еще здесь пародируются любимые персонажи из советских мультиков –Чебурашка, Гена, Заяц из «Ну погоди!».
        В мультфильме «Кот в сапогах» (1995), изображая русский менталитет, режиссёр доходит до сарказма. На данный момент у Гарри Бардина есть определённая политическая позиция, которая многим может не нравиться, но развивать эту тему мы не будем.
        Бардин признается, что рисовать он не умеет, но отлично лепит из пластилина. Режиссёр по–особому раскрыл анимационные возможности пластилина, с помощью которого можно создавать комедию и мрачную сатиру одновременно. Известен такой факт: Ник Парк, создатель «Уоллеса и Громита» выслал Бардину из Англии 9 кг пластилина для «Кота в сапогах». Сравнили и оказалось, что российский пластилин лучше.
       Ещё один выдающийся успех Бардина связан со способностью создавать отличные мультфильмы из повседневных предметов или простейших материалов. Отдельный плюс – такие фильмы относительно дешёвые. В 1983 году Гарри Бардин выпускает «Конфликт», мощную антивоенную драму. Кто бы ещё смог показать ядерный апокалипсис с помощью обычных спичек! «Банкет» (1986) – комедийная зарисовка с участием обычных застольных предметов. «Выкрутасы» (1987), сделанные с помощью алюминиевой проволоки, принесли режиссёру награду на Каннском кинофестивале.
«Брак» (1987) – типичная история любви, показанная с помощью верёвок. «Адажио» (2010) – философская притча, в которой прослеживается известная библейская история. Материал – бумага. В фильме «Три мелодии» (2013), в эпизоде «Исход» Бардин «оживляет» кухонную утварь в стиле Яна Шванкмайера. Мультфильмы, созданные с помощью простых материалов и предметов, одни из самых интересных и завораживающих.
      Мультфильм завоевал признание и успех, используя в своих фильмах разнообразную технику и материалы: это и спички в «Конфликте», и верёвки в «Браке», и проволока в «Выкрутасах», и оригами в одном из последних фильмов – «Адажио». В них панпсихизм анимации – живым может быть абсолютно все! Позднее, когда были большие трудности с финансированием анимации, Гарри Бардин выпустил бумажный шедевр «Адажио», полнометражный «Гадкий утёнок», серия музыкальных зарисовок «Три мелодии», созданная с помощью краудфандинга. Почти во всех своих фильмах Гарри Бардин является автором сценариев.
         В 1991 году вместе со своей группой Гарри Бардин основал собственную студию «Стайер». За эти годы на студии было снято пять фильмов и все они отмечены многочисленными призами на Международных и Российских фестивалях. Студия выпустила полнометражный анимационный фильм «Гадкий утёнок».
        Гарри Бардин активно работает в анимации и руководит своей студией «Стайер». Студия имеет перспективы и полна новых идей, которые ждут своего времени. Его работы удостоены Государственной премии Российской Федерации (1998), Ордена почёта (2011), «Золотая пальмовая ветвь» Каннского кинофестиваля за мультфильм «Выкрутасы», премией «Триумф» (2010), Премией Федерации еврейских общин России «Скрипач на крыше» (2015).
        Режиссёрская фильмография Гарри Бардина обширна: «Достать до неба» (1975), «Весёлая карусель» (1976), «Про дудочку и птичку» (1977), «Бравый инспектор Мамочкин» (1977), «Приключения Хомы» (1978), «Летучий корабль» (1979), «Пиф–паф, ой, ой, ой» (1980) совместно с В.Песковым, «Дорожная сказка» (1981), «Прежде, чем мы были птицами» (1982), «Конфликт» (1983), «Тяп–ляп, маляры!» (1984), «Брэк» (1986), «Брак» (1987), «Выкрутасы» (1987), «Серый волк энд Красная Шапочка» (1990), «Кот в сапогах» (1995), «Чуча», «Чуча–2», «Чуча–3» (1997, 2001, 2004), «Адажио» (2000), «Гадкий утёнок» (2010), «Три мелодии» (2013), «Слушая Бетховена» (2015) и др.