Профессии в анимации

                ПРОФЕССИИ АНИМАЦИОННОГО КИНО


                1. Сценаристы анимационного кино

    Анимационный фильм – это, прежде всего, идея, которую нужно донести до зрителя, оказать на него эмоциональное воздействие для восприятия этой идеи. В силу этого многие режиссеры становились сценаристами своих мультфильмов. Это  И.Иванов–Вано, Ф.С.Хитрук, В.В.Курчевский, Ю.Б.Норштейн, Э.Назаров, А.Ю.Хржановский, Л.Носырев и многие другие. Но были и есть профессиональные сценаристы, которые активно сотрудничали со студиями, создающими анимационные фильмы. Как–то по другому хочется назвать этих удивительных людей, которые создавали сценарии для мультипликационного кино. Это скорее замечательные сказочники, которые вдохновляли режиссёров и художников на создание лучшей в мире анимации.

                1. Николай Робертович
                ЭРДМАН (1900-1970)

       Николай Робертович ЭРДМАН (1900-1970) пришёл на студию «Союзмультфильм» с М.Вольпиным. Их обоих  привёл М.Яншин, а они привели Ю.Олешу. Николай Эрдман сотрудничал с режиссёрами сёстрам Валентиной и Зинаидой Брумберг. Художник–постановщик мультипликационного кино Л.А.Азарх так вспоминала о Николае Эрдмане: «Я никогда больше не встречала такого интересного человека, как Николай Робертович Эрдман. Его блестящее остроумие, снисходительно–ироническая манера держаться, элегантность и даже заикание покоряли безвозвратно».
      Самый первый мультфильм, сценарий которого был написан Н.Р.Эрдманом в соавторстве с М.Д.Вольпиным – это «Федя Зайцев» и снятый сёстрами Брумберг в 1948 году. Успех мультфильма вывел обоих сценаристов в число классиков анимационной драматургии.
       И хотя талант Николая Робертовича Эрдмана успешнее проявился в создании сценариев мультфильмов, чем в театре, анимационное наследие Эрдмана изучено ещё недостаточно.
      При участии драматурга на «Союзмультфильме» было снято 24 анимационных фильма, а во многих мультфильмах, над сценариями которых он работал, его имя отсутствовало в титрах. Но есть воспоминания людей, близко знавших Эрдмана. Это мемуары З.С.Брумберг «Любимая работа», описывающие достоинства «Феди Зайцева» и «Острова ошибок», фрагменты воспоминаний Л.А.Азарх «Каляевская, 23а» и отрывок из тетрадей Е.Т.Мигунова «О, об и про…».
      Вот что вспоминает об Эрдмане Лана Азарх: «Валентина Семеновна упоенно играла на бегах, но главным её увлечением были не лошади, а М.М.Яншин. Компания, в которую он ее ввел, была блистательна: Н.Р.Эрдман, М.Д.Вольпин, А.Старостин, Ю.К.Олеша, Ляля Чёрная. Валентина Семеновна овдовела в войну. Зинаида Семеновна была замужем за Федором Ивановичем Клягиным. Участь его родителей, богатейших орловских помещиков, наложила печать на всю его жизнь. Федор Иванович работал бухгалтером, получал нищенскую зарплату и никогда «не высовывался». Николай Робертович Эрдман говорил: «Какие разные сестры: одна – куртизанка, играет на бегах, кутит, а другая сидит дома и ест лапшу…».
      На студии конец картины обычно отмечался банкетом. «Я сдаю вам помещение, все остальное – ваше»,– говорил Николай Робертович, и мы бежали к нему на Васильевский в дом Большого театра. Эрдман никогда не хмелел, только его лаконичные рассказы о людях и событиях становились ещё более неожиданными и блистательными. Над столом, за которым мы сидели, висел чудный акварельный портрет его прежней жены Н.Чатсон кисти Фонвизина. Николай Робертович пользовался неизменным успехом у женщин, но долго оставался после развода один.
      Женился он, сдавшись как крепость после упорной осады. Ее имя – Инна Кирпичникова – мы тут же переделали на «Кирпич». Она была балерина театра им. Немировича–Данченко. Эрдману приходилось много работать. Жена строила дворец на Пахре.
      Николай Робертович заболел неизлечимо и умирал мучительно. Жена пережила его ненадолго, хотя по возрасту годилась ему в дочки. Дворец остался недостроенным».
      Мало кто знает о тех сценариях, которые Эрдман «доводил» до драматургического совершенства, не попадая при этом в титры. А среди этих работ – такие легендарные фильмы, как «Лесные путешественники», «Золотая антилопа», «Ореховый прутик»… По различным вариантам этих сценариев, сохранившихся в РГАЛИ, в принципе, нетрудно проследить, как они преображались от прикосновения руки Мастера, и какие из его острот, реплик, диалогов, сюжетных находок в фильмы не вошли. Особенно хорошо видно, как выхолащивались и сокращались эрдмановские идеи, по фильму В.Полковникова «Королевские зайцы». О точных причинах такой редактуры сегодня можно только догадываться.
    Среди несостоявшихся, незавершенных сценариях Эрдмана есть следующие: «Канут–музыкант», «Последний черт», «Сережа и «Цезарь»» для сестер Брумберг.
    «Канут–музыкант» должен был стать экранизацией сказки Топелиуса, «Последний черт» – оригинальный замысел Эрдмана и В.И.Данилова на антирелигиозную тему. «Сережа и «Цезарь»» история сбежавшего из цирка медвежонка – была задумана Эрдманом и Вольпиным в 1949 году. Другие названия: «Приключения медвежонка» и «Веселый медвежонок» предназначался сценаристами для «Союзмультфильма». К сожалению, работа над ним откладывалась из–за занятости авторов до 1951 года, а затем была оставлена навсегда.
    Во всех трёх случаях произошло примерно одно и то же: подписание договора, пролонгации, обусловленные болезнями, занятостью или творческой неудовлетворённостью автора, и в финале – истечение срока договора и возвращение аванса.
    В биографии Эрдмана – аниматора случались и более драматичные эпизоды, связанные с работой над его первым мультфильмом «Федя Зайцев» (1948) и над одним из последних – «Самый главный» (1970). Эти два искалеченных цензурой сценария как бы окаймляют так или иначе связаны судьбой Эрдмана и развеивают миф о его безоблачной судьбе драматурга мультипликационного кино.
Работа над сценарием «Самый главный» была начата со сказки летчика, Героя Советского Союза Бориса Тихомолова «Что такое хлеб». Н.Эрдман превратил сказку в сценарий, изобилующий характерными для драматурга ситуациями и репликами, и запущенный в производство.
    Начался подготовительный период работы над фильмом: режиссёр В.Я.Бордзиловский успел сдать худсовету эскизы типажей, реплики актёров. Результаты работы принимались с одобрением, но неожиданно съёмки были прерваны после пришедшего на студию письма от начальства. И началась анекдотическая переписка между администрацией и творческой группой, в результате которой сценарий, который вначале был одобрен, запретили. Столь необычная причина запрета сценария не имела аналогов: практически предлагалось закрыть проект, уже готовый к запуску в производство, ради  другого, несуществующего!
    Знаменитая картина сестёр Брумберг «Федя Зайцев» (1948) тоже отличалась от сценария М.Д.Вольпина и Н.Р.Эрдмана. В первоначальной редакции сценарий был рассчитан на полнометражный фильм и включал отдельный сюжет о путешествии Феди Зайцева в Царство Лжи, откуда героя вызволял оживший человечек – рисунок на стене. В «классической» версии 1948 года Федя портил чистую школьную стену, сваливал вину на товарища и мучился угрызениями совести, но упрямо не хотел признать вину. От него уходили разгневанные игрушки, и только появление ожившего человечка со стенки – «виновника» случившегося – заставляло его подчиниться голосу совести.
     Сценарий был переработан М.Д.Вольпиным (судя по всему, без участия Эрдмана), а приближение его к жанру политического памфлета состояло, как видно, в более явном сходстве Царства Лжи с капиталистическим обществом.
Из–за политизированности договор с авторами был расторгнут. «Федя Зайцев» теперь заканчивался не действенным призывом к серьёзным размышлениям детей о совести, а куда более тривиально – признанием Феди: «Человечка нарисовал я!»
    Такой морализаторский финал вместо открытого вопроса, на который должны были ответить сами юные зрители, оказался все же логичным завершением картины. Но некоторые сотрудники студии помнили о первоначальном варианте, и на одном из заседаний худсовета, вспоминая о «Феде», Е.Т.Мигунов, например, заметил: «Мне понравился и куцый вариант, но мне не понравилось, что Главк заставил Федю Зайцева сознаться».
    «Федя Зайцев» вышел на экраны и завоевал большой успех. Этому способствовали и образцовый сценарий, и работа художника А.П.Сазонова, и великолепный мультипликат, и смелый по тем временам приём – соединение «традиционно» изображённых персонажей с условным, «прозрачным» контурным человечком.
     После съемок «Феди Зайцева» В.С. и З.С.Брумберг пытались вернуться к идее цикла фильмов с постоянным персонажем. Эрдман с Вольпиным разрабатывали либретто продолжения этого сюжета – «Федя Зайцев на даче», где действовали и тот же главный герой, и такие же условные персонажи – птички–галочки. Авторы, правда, решили не наделять Федю только отрицательными чертами характера, и героя переименовали в Колю Сорокина. Но в результате появился фильм «Остров ошибок» (1955). И лишь в конце 1950–х годов сестры Брумберг вернулись к извлеченному из архива сюжету «Царства Лжи» и получили возможность сделать продолжение «Феди Зайцева».
     И в 1959 году на экраны вышел полнометражный фильм «Человечка нарисовал я» (художники Л.А.Азарх, В.Г.Лалаянц) – но успеха «Феди Зайцева» он не повторил. Возможно, это объяснялось тем, что в создании мультипликата не участвовали такие мастера как Б.Дежкин, Л.Бредис, Ф.Епифанова, Г.Филиппов, В.Долгих, возможно, чем–то ещё. Но, как бы то ни было, своеобразное «возвращение авторского варианта» состоялось...
    Мультфильмы по сценариям Н.Эрдмана:  «Федя Зайцев», «Братья Лю», «Полет на Луну», «Оранжевое горлышко», «Быль–небылица», «Остров ошибок», «Двенадцать месяцев», «Палка–выручался», «Приключение Мурзилки», «Верлиока», «В некотором царстве», «Снежная королева» (1957), «Тихая пристань» (1957), «Кошкин дом» (1958), «Тайна далёкого острова» (1958), «Приключения Буратино» (1959), «Человечка нарисовал я» (1960), «Три пингвина» (1961), «Дюймовочка» (1964), «Лягушка–путешественница» (1965), «Поди туда – не знаю куда» (1966), «Кот, который гулял сам по себе» (1968), «Снегурка» (1969), «Быль–небылица» (1970), «Самый главный» (1970) и др.
    И это наряду со сценариями игрового кино, причём таких известных, как «Весёлые ребята» (1934), «Волга–Волга» (1938), «Актриса» (1942), «Принц и нищий» (1942), «Застава в горах» (1953), «Шведская спичка» (1954), «Смелые люди» (1950), «Рассказы о Ленине» (1957),  «На подмостках сцены» (1956), «Косолапый друг» (1959), «Укротители велосипедов» (1963), «Морозко (1964), «Город мастеров» (1965), «Огонь, вода и медные трубы» (1967) и др.

                2. Михаил Давыдович
                Вольпин (1902–1988)

    Михаил Давыдович Вольпин (1902–1988) – советский драматург, поэт и киносценарист. Лауреат Сталинской премии второй степени (1951). Член Союза писателей и Союза театральных деятелей России.
    Михаил Вольпин родился в Могилеве. Детские годы провёл в Москве, увлекался искусством, брал уроки рисования у художника Василия Сурикова. Участвовал в Гражданской войне на стороне Советской власти.
    В 1920–1921 годах в качестве художника и автора сатирических текстов работал в Окна РОСТА под руководством В.Маяковского. Супруга – Н.В.Вольпина–Есенина, бывшая супруга С.Есенина.
    В 1921–1927 годах учился во ВХУТЕМАСе, писал сатирические стихи, а также комические пьесы. Сотрудничал с Виктором Ардовым, Ильей Ильфом, Евгением Петровым, Валентином Катаевым, Михаилом Глушковым, Владимиром Массом и Николаем Эрдманом. Работал в сатирических журналах. В начале 1930–х годов – штатный сотрудник журнала «Крокодил», писал сатирические стихи.
    В 1933 году был арестован ОГПУ. Поводом для ареста послужили сведения, что он сочиняет антисоветские сатирические произведения, а также в присутствии третьих лиц – «полушутя–полусерьёзно» заявил о своём намерении «убить Сталина». Осуждён на 5 лет заключения в исправительно–трудовом лагере.
    После освобождения встретился с Н.Эрдманом, вместе с которым более чем 30 лет создавал киносценарии фильмов, получивших заслуженное признание зрителей, главным образом, фильмов–сказок. М.Вольпин принимал участие как сценарист, автор стихов и текстов песен в таких музыкальных комедиях как «Волга, Волга» и «Кубанские казаки».
    Дуэту Вольпин–Эрдман (Вольпин – стихи, Эрдман – проза) принадлежит русский текст оперетты Штрауса «Летучая мышь», послуживший литературной основой для экранизации. Ведущий комический артист Театра Оперетты Г.М.Ярон вспоминал: ««Летучая мышь» едва ли была чисто штраусовским спектаклем. Скорее это была заново написанная комедия Эрдмана и Вольпина с музыкой Штрауса. Но они, как и всегда, написали блестящий, самоигральный текст, где каждое слово звучало как колокол, проносилось через рампу, било наверняка. Причем это действительно литературный текст! Он читается как высокая комедия. «Летучая мышь» Н. Эрдмана и М. Вольпина – образец того, как нужно писать новый текст для классической оперетты».
    В начале войны М.Вольпин с Н.Эрдманом вступили добровольцами в Красную Армию. С августа 1941 года М.Вольпин стал бойцом сапёрного батальона инженерной бригады 7–й сапёрной армии.
    В марте 1942 года артисты были командированы в Москву и до конца войны служили в Ансамбле песни и пляски при центральном клубе НКВД СССР, где писали пьесы военно–патриотической тематики и сценарии театрализованных представлений, с которыми выступал ансамбль.
    После войны М.Вольпин пришёл на киностудию «Союзмультфильм». Им были созданы сценарии для мультфильмов, ставших любимыми зрителями, в частности, «Заколдованный мальчик» по мотивам сказки Сельмы Лагерлеф «Чудесное путешествие Нильса с дикими гусями». Он стал сценаристом фильма «История одного преступления», который является культовым мультфильмом отечественной анимации.
По его сценарию снят в 1961 году полнометражный научно–фантастический мультипликационный фильм–сказка «Ключ».  Сюжет поучительный, а основной мотив  – противодействие проявлениям в жизни современного общества мещанства и конформизма. Сказочная история о городе, где все состоит из часовых механизмов. Единственный человек из плоти и крови в этих краях – часовщик. Он как доктор принимает тех, у кого есть какие–либо жалобы. Жизнь идет своим чередом, пока однажды происходит нечто непредвиденное…
    Режиссёр Л. Атаманов и сценарист М. Вольпин использовали сказочную форму для того, чтобы затронуть в своем мультфильме «Ключ» (1961) животрепещущие вопросы воспитания. С большим мастерством и тактом были вложены в традиционные сказочные образы в новое, современное содержание. Что такое счастье, как его достичь, каким ключом открывается заветная дверь – этой теме, которая интересна для взрослых и детей, был посвящен мультфильм. После просмотра мультфильма должностные лица отправили ленту «на полку».
    Сценарии для мультфильмов, созданных М. Вольпиным: «Федя Зайцев» (1948), «Сказка о рыбаке и рыбке» (1950), «Царевна–Лягушка» (1954), «Заколдованный мальчик» (1955), «Остров ошибок» (1955), «Девочка в джунглях» (1957), «Скоро будет дождь» (1959), «Человечка нарисовал я» (1960), «Ключ» (1961), «Муравьишка–хвастунишка» (1961), «История одного преступления» (1962), «Храбрый портняжка (1964),  «Букет» (1967), «Это не про меня» (1967), «Капризная принцесса» (1969),
 «Огонь» (1971), «Илья–Муромец. Пролог» (1975), «Илья–Муромец и Соловей–разбойник» (1978). «Лапландские сказки» (1990).
    Михаил Вольпин погиб в автомобильной катастрофе. Его сын – Михаил Михайлович Бартенев – сценарист, поэт, прозаик, драматург. Он написал текст песни «Вороные кони»  из фильма «Серафима прекрасная». Песню,  которая стала популярной, исполнил  Евгения Дятлов.
    М.Бартенев - сын М.Вольпина - окончил Московский архитектурный институт. Он член Союза архитекторов.  С 1976–1987 годы работал архитектором в проектном бюро Москвы. Неоднократный призер всероссийских и международных архитектурных конкурсов. Несколько крупных построек в Москве выполнены по его проектам (Крытый стадион «Олимпийский» на проспекте Мира и др.). Он - член Союза писателей и Союза театральных деятелей России. Автор 30 пьес для детей и юношества.
    Его пьесы поставлены в более, чем в 400 театрах России и СНГ, а так же в Голландии, Германии, Дании, Польше и Греции. Работал членом редколлегии популярного детского журнала «Веселые картинки». Автор и участник ряда международных театральных проектов, таких как «Волшебный дом», «Европейские истории школьного двора» и др.
    В 1997 году М.Бартенев номинирован от России на Международную Андерсеновскую премию. Лауреат почётной премии Международной ассоциации театров для детей и молодёжи (АССИТЕЖ) «За вклад в развитие детского театра». С 2002 по 2005 год – представитель России в Исполнительном Комитете АССИТЕЖ. Член Пpезидиума Российского национального центра АССИТЕЖ. Член редколлегии журнала «Театpальная жизнь». Лауреат конкурса на лучшую пьесу для детей («Снегурушка») журнала «Современная драматургия».

                3. Эдуард Николаевич
                Успенский (1937–2018)

       Эдуард Николаевич Успенский (1937–2018) – писатель, драматург и сценарист, автор детских книг, телеведущий. Среди популярных персонажей, придуманных им, – крокодил Гена и Чебурашка, почтальон Печкин, пёс Шарик и кот Матроскин, дядя Федор,  братья Колобки, гарантийные человечки.
       Эдуард Успенский родился в Егорьевске Московской области. Родители будущего автора не имели отношения к писательской стезе. Отец Николай Михайлович работал кинологом в охотничьем отделе ЦК КПСС, поэтому в доме водилось много животных. Мама по образованию была инженером–машиностроителем.
       Э.Успенский окончил Московский авиационный институт. После учебы пошел работать инженером, а в свободное время стал сочинять сценарии и рассказы для детей. Интерес к творчеству у Э.Успенского возник ещё в юности – в школе был вожатым младших классов.  Для отрядов с маленькими учащимися придумывал забавные детские стихи и песенки. Университетское образование молодой человек совмещал с созданием и проведением студенческих капустников и выступлений местного Клуба весёлых и находчивых.
       Э.Успенский писал стихи и театральные сценки о Чебурашке, «Крокодил Гена и его друзья». Чебурашка стал легендарным персонажем и полюбился жителями страны восходящего солнца.
       Первая книга Э.Успенского про Дядю Фёдора «Дядя Федор, пёс и кот» была опубликована в 1974 году. Главным героем был шестилетний мальчик, которого звали Дядей Фёдором за то, что он был очень самостоятельным. После того, как родители запретили ему оставить в квартире говорящего бездомного кота Матроскина, Дядя Фёдор ушёл из дома. Вместе с котом Матроскиным и псом Шариком они поселились в деревне Простоквашино. Найдя клад, они смогли купить трактор, приобрести корову. По книге были сняты малоизвестный мультфильм «Дядя Федор, пёс и кот», а также три популярных мультипликационных фильма: «Трое из Простоквашино», «Каникулы в Простоквашино» и «Зима в Простоквашино». Эти мультфильмы стали любимыми для многих поколений малышей.
      Эдуард Успенский любил детей. Однажды, когда большая группа ребятишек приехала в Москву, а организаторы поездки не позаботились об их размещении и питании, Эдуард Николаевич всю группу пригласил погостить в свой загородный дом, и целую неделю большая группа детей жила у него на даче. Он обожал животных и птиц, у него дома постоянно жили попугаи и собаки, за которыми литератор с удовольствием ухаживал.
      Э. Успенский был одним из создателей передач «Спокойной ночи, малыши!», «АБВГДейка», «Радионяня», а также программы об авторской песне «В нашу гавань заходили корабли», которая в 2000 году была отмечена премией ТЭФИ. В 2010 году Эдуарду Успенскому была присуждена премия имени Корнея Чуковского, учреждённая для детских писателей, в главной номинации «За выдающиеся творческие достижения в отечественной детской литературе». Список его произведений огромен, как и огромен его литературный талант, богатейшая фантазия.
      Творчество Эдуарда Успенского очень популярно как среди детей, так и взрослых. Его рассказы несут веру в добро и дружбу, отвагу и честность. Его герои помогают близким и родным, не оставляют друзей в трудную минуту.  Произведения Эдуарда Николаевича пользуются популярностью среди читателей по всему миру.    
      Рассказы Э. Успенского переведены более чем на 20 языков мира, активно издаются. Особое внимание произведения Э. Успенского приобрели в Швеции и обрели такую популярность, что его герои появлялись и на телевидении, и в журналах, а сам Эдуард Успенский был приглашён в Союз писателей Швеции. Произведения автора ценят такие европейские мастера детской литературы, как Астрид Линдгрен, Туве Янссон и Анна Шмидт.
    Э. Успенский завоевал признание и любовь миллионов детей по всему миру благодаря своим добрым книжкам. Его книги пользовались успехом в Голландии, Франции, Японии, Финляндии, США. Эдуард Успенский умел писать для детей, как для взрослых, только лучше.
      Он подарил нам мультфильмы, которые ассоциируются со счастливым детством – про Чебурашку и Крокодила Гену, про кота Матроскина и Дядю Фёдора.
      Эдуард Успенский автор сценариев к 60 мультфильмов, среди которых: «Антошка», «Весёлая карусель» № 1 (1969), «Крокодил Гена (1969), «Чебурашка» (1971), «Рыжий, рыжий, конопатый», «Весёлая карусель» № 3 (1971), «Шапокляк» (1974), «Трое из Простоквашино» (1978),  «Дядюшка   Ау» (1979), «Ошибка дядюшки Ау»  (1979), «Дядюшка Ау в городе» (1979),  «Каникулы в Простоквашино» (1980), «Баба-Яга против» (1979, 1980), «Про холодильник, серых мышей и гарантийных человечков» (1979), «Пластилиновая ворона» (1981) «Следствие ведут Колобки» (1983, 1987)), «Зима в Простоквашино» (1984), «Весна в Простоквашино» (2011) и многие другие.


            4. Михаил Федорович Липскеров

      Михаил Федорович Липскеров  родился 1 июля 1939 года в Москве – сценарист, писатель, драматург.
     «Я по натуре своей бродяга», – признается Михаил Липскеров, и послужной его список тому подтверждение. Закончив в 1961 году Московский институт цветных металлов им. М.И.Калинина по специальности «инженер–геолог», до 1963 г. работал в геологических экспедициях по стране – на Урале, Туве, Сахалине, Курилах.
      С 1965 по 1970 – офицер Советской Армии ВС СССР. В 1963–65 годах стал артистом эстрады.
      И вот человек, много повидавший, имеющий опыт военной службы в Воздушных Силах СССР и накопивший большой жизненный опыт, начинает писать. 
      С 1971 года – сценарист мультипликации, рекламщик, специалист по связям с общественностью. Среди известных работ Михаила Липскерова: «Что страшнее», «И смех, и грех»,  «Ограбление по…», «Новый Алладин», «Последние волшебники», «О море, море»,  «Уважаемый Леший»,  «Ковбои в городе», «Волк и телёнок», «Дом, который построили все», «Мечта маленького ослика», «Эх, Топтыгин, Топтыгин!», «Заяц,  который любил давать советы» и др.
       Михаил Липскеров известен как кинодраматург, один из создателей знаменитых капустников в Доме кино, автор сценариев к мультипликационным фильмам. Из–под его пера вышли сценарии ко всеми любимым мультфильмам: «Сказка про гномика Васю», «Самый маленький гном», «Бабка Ёжка и другие», «Живая игрушка», «Как грибы с горохом воевали». Снимался в документальном сериале «Фабрика чудес» в фильме «Автор сценария» (2006).
      Теперь он известный драматург, эстрадный автор, один из создателей знаменитых капустников Дома кино. Основу творчества М.Липскерова составляют острые сатирические краски, отражающие современную действительность, взаимоотношения людей на работе, дома, на улице. Нередко М.Липскеров использует всем известные, классические сюжеты и облекает их в гротесковую современную форму.
      В анимации работал с М.А.Каменецким, Е.А.Гамбургом, И.Н.Давыдовым, Л.Л.Каюковым, Г.М.Тургеневой и др. Многие его работы стали популярны и любимы: «Бабка Ёжка и другие», «Что страшнее», «И смех, и грех», «Ограбление по»...
Но, пожалуй, самым известный мультфильм, созданным по сценарию М.Липскерова – это «Волк и Теленок» режиссера М.Каменецкого. Это история о том, как Волк украл Телёнка и принёс его домой, чтобы съесть, однако пожалел несмышлёныша и решил его пока не кушать, а подождать, пока тот вырастет.
     Все, кто смотрел этот мультфильм, а таких миллионы, вряд ли забудут этот парадоксальный сюжет о том, как Волк «усыновил». Волк привязывается к Телёночку, заботится о нём, кормит молоком, поет колыбельные, читает книжки. Ради Телёнка, Волк наводит чистоту, потому что «ребёнки – они в грязи расти не могут». Гонит Кабана, который сует Телёнку сигарету. Но бывшие дружки Волка – Медведь, Кабан и Лиса – во что бы то ни стало хотят украсть у него Телёнка и съесть. Поначалу Волк им намекал на то, что его питомец слишком маленький.
     Развязка стала неожиданной. Вместо телёнка появляется огромный рогатый бык, при грозном виде которого лесные звери пускаются наутёк. Мультфильм, как и многие мультфильмы по сценарию М.Липскерова озорные и парадоксальные.
Читатели отзываются о книгах М.Липскерова по–разному, есть такие, которые считают, что «с первых же страниц видно, что автор пишет о том, о чём знает не по–наслышке. Множество аллегорий, иносказаний, гипербол. Есть и  нелестные отзывы о книгах М.Липскерова, но он уже научился на них не реагировать. «Конечно, ждал, что меня назовут гениальным писателем. А потом это перестало волновать. Пишу для себя».
     Сыновья М.Липскерова – талантливые люди. Дмитрий пошёл по стопам отца, но стал не только писателем, но  и предпринимателем. Алексей – директор по развитию интернет портала «Квадрум.ру».  Дмитрий Липскеров раньше прислушивался к советам отца, а сейчас просто присылает свои новые книги по электронной почте. Впрочем, в предисловии к «Школе эмигрантов» сын написал, что считает отца своим учителем.
    Пока мультипликация отодвинута в дальний угол письменного стола. А жаль! В своих книгах он пишет про себя – Михаила Фёдоровича Липскерова: «вроде бы я сам, но везде какой–то разный. Все, что накопилось у меня за длинную лихую и весёлую жизнь, я выплеснул в книгах. Мультипликация – уже не то». На сегодняшний день вышло четыре книги «самого старого молодого автора» России: «Белая горячка. Delirium Tremens», «Путешествие к центру Москвы», «Жаркой ночью в Москве…» и «Чёрный квадрат». Многих из его друзей и коллег уже нет на этом свете. Самое время  отдохнуть на пенсии, но Михаил Липскеров находит силы трудиться по сей день. И его творчество вызывает живой интерес.
     Мультфильмы, созданные по сценарию М.Липскерова завоевали награды на престижных кинофестивалях: мультфильм «Что страшнее» удостоен Большой серебряной медали на Международном кинофестивале в Варне (Болгария, 1975), Большая серебряная медаль досталась мультфильму «Самый маленький гном» на Международном кинофестивале в Оденсе (Дания, 1979).
     Мультфильм «Волк и Теленок» назван лучшим детским мультфильмом в Загребе (Югославии) и Бангалоре (Индии), удостоен Гран–При на Фестивале детского кино в Буэнос–Айресе (Аргентина) и в Эшпиньи (Португалия), получил Диплом на VII Международного кинофестиваля детских и юношеских фильмов в Томаре (Португалия). 
Не остался и без награды мультфильм «Бабка Ёжка и другие» на IX Открытом Российском фестивале анимационного кино: Дипломы вручены сценаристу Михаилу Липскерову, режиссёру Угарову Валерию, художнику Марине Лесковой и продюсеру Сергею Карпову, ясно обозначившим желание создать весёлый, яркий сериал с фольклорными персонажами.


           5. Владимир Антонович Голованов (1939-2023)

     Владимир Антонович Голованов родился 11 декабря 1939 г. –драматург, сценарист, поэт. Родился в Новосибирске. В 1963 году окончил сценарный факультет ВГИКа. В 1970 году – Высшие курсы сценаристов и режиссёров при ВГИКе (режиссёрский факультет). Ведущий российский драматург и общественный деятель. Один из создателей Открытого Российского фестиваля анимационного кино, известного как «Таруса», а затем «Суздаль».
     Дебют Владимира Голованова в анимации – знаменитая, остроумная феерия «Фильм, фильм, фильм», созданная в соавторстве с Ф. Хитруком. Этот дебют оказался чрезвычайно удачным. Фильм приводит в восторг зрителей многих поколений, а Владимир Голованов стал знаменитым сценаристом анимационного кино.
В.Голованов много работал с режиссёром Н. Головановой, снимавшей для юных зрителей. Среди лучших фильмов этого периода: «Жихарка», «Девочка и медведь», «Зимовье зверей», «Великан–эгоист», «Горшочек каши», «Миссис Уксус и мистер Уксус». Герои этих сказок не говорят шаблонным языком, ломают традиционное представление о языке детских повествований.
     Неожиданность, порой абсурдность тех или иных ситуаций в плавном, казалось бы, ходе сюжета – любимый конёк Голованова и в дальнейших работах.
Он пишет сценарии по народным эпосам и всемирно известным литературным произведениям, участвует в смелых проектах по созданию грандиозных анимационных акций и сериалов (Optimus Mundus, «Незнайка на Луне», «Мультипотам»). Владимир Голованов – автор сценариев фильмов М. Муат: «Античная лирика», «Прекрасная Маргарет и Черри Флей», «Короли и капуста».
     В.Голованов – педагог и преподаватель Высших сценарных и режиссерских курсов при ГОСКИНО. Он организовал семинар для сценаристов анимационного кино при Доме кино. Этот семинар пользовался большим успехом и посещался многими любителями анимации. Владимир Голованов приглашал известных режиссёров, операторов, работы которых обсуждались на семинаре.  Доброжелательность, открытость, деликатность – это черты, которые сделали В.Голованова не только замечательным сценаристом, но и прекрасным педагогом, который многим режиссёрам и сценаристам дал путёвку на большой экран.
    В 2007 году Владимиру Голованову вручён Приз имени Вячеслава Маясова – за вклад в развитие Суздальского фестиваля. Он – руководитель Клуба аниматоров при Московском музее кино.
    Владимир Голованов снимался в документальном сериале «Фабрика чудес», фильм 2 «Автор сценария».
    Владимира Голованова не стало в 2023 году.
    Фильмография  В.Голованова  обширна. В.Голованов создал сценарии к таким известным мультфильмам,   как:  «Фильм, фильм, фильм» (1968),  «Шёл трамвай десятый номер» (1974), «Вот какой рассеянный» (1975), «Зимовье зверей» (1981), «Великан–эгоист» (1982),  Кошкин дом (1982), «Похождения Хряпова» (1982), «Приключения волшебного глобуса, или Проделки ведьмы» (1982), «Горе – не беда» (1983), «Наваждение Родамуса Кверка» (1983), «Горшочек каши» (1984), «Мистер Уксус и миссис Уксус» (1985), «Домик для всех» (1985), «Сказочка про козявочку» (1985), «Мальчик как мальчик», (1986), «Гаврош» (1986), «Солдат и чёрт» (1990),  «Иван–Царевич и серый волк» (1991), «Короли и капуста» (1996), «Ночь перед Рождеством» (1997), «Незнайка на Луне», (1997) – «OPTIMUS MUNDUS 2. Фильм «Храм Василия Блаженного» (1998), «OPTIMUS MUNDUS 32. Московский трактир» (1998),  «Лукоморье. Няня» (2000),  «Желтухин»  (2002), «Василий Тёркин» (2003), «Каштанка» (2004), «Крошечка Хаврошечка» (2006), «Снегурочка» (2006), «Метель» (2010) и др.
     Автор сценариев ряда документальных и художественных фильмов, в числе которых «Варька» (1971), «Бесстрашный атаман» (1972), «Канатоходец» (1972), «Приключения Травки» (1976), «Марка страны Гондулупы» (1976), «Пограничный пёс Алый» (1979), «Тайна записной книжки» (1981), «Как я был вундеркиндом» (1983), «Полёт в страну чудовищ» (1986), «Мать Урагана» (1990) и др.


              6. Иванов Сергей Анатольевич (1941-1999)

     Иванов Сергей Анатольевич - детский писатель, поэт, сценарист. Родился в Москве. Лауреат Государственной премии РСФСР имени Н.К.Крупской (1988) – за повести «Его среди нас нет» (1984) и «Тринадцатый год жизни» (1981), премия имени Г. Х. Андерсена (1996) – за повесть «Зимняя девочка» (1994).
В 1963 году Сергей Иванов окончил дефектологический факультет МГПИ имени В.И. Ленина. Во время учёбы участвовал в выпуске стенгазеты, для которой писал рецензии, пародии, стихи. После окончания института С.Иванов работал в школе для детей с дефектами речи в небольшом провинциальном городке.
     Работал в журналах «Пионер», «Мурзилка», «Костёр» и др. С.А.Иванов автор более 50 книг для детей.  Первая книга - сборник стихов «Лесная мастерская», вышла в 1971 году.
     В соавторстве с актрисой Риной Зелёной С.Иванов написал книжку для малышей «Сундучок».
       Большой популярностью пользовался мультипликационный сериал «Бюро находок», тепло принятый юным зрителем. По сценарию С.Иванова совместно с В.Головановым создан мультипликационный фильм «Незнайка на Луне» (1964).
       В 1976 году с изданием повести «Ольга Яковлева» к Сергею Иванову пришла известность и окончательно определилось его писательское кредо. Писатель вошел в литературу как автор «школьной повести». Он сохранил ту высокую и чистую ноту, что звучит в книгах А.Гайдара и Л.Кассиля, но нашел свою интонацию – лирическую и шутливо–ироничную.
        Писатель тонко чувствовал психологию подростка: неровность его характера и поведения, максимализм, жажду справедливости. Э.Успенский назвал Сергея Иванова – «детский Достоевский». Но в его повестях не только грустные ноты, есть много и светлых, радостных сторон. Автор любил говорить, что в книге не должно быть как в жизни, книги для того и нужны, чтоб в них было все ярче, громче, веселей.
Мультфильм об ответственности за четвероногих друзей – «Найда» (1984), в котором  школьница Саша вместе со своей собакой по кличке Найда приезжает на каникулы к своему дяде в живописное лесное место.
       Верная собака Найда всегда выручает свою хозяйку, но Александра не отвечает взаимностью на бескорыстную любовь Найды.
Пожалуй, самой известной работой Сергея Иванова как сценариста, остаётся сценарий мультфильма «Падал прошлогодний снег». Над его созданием С.Иванов работал вместе с Александром Татарским, который уже был известен как создатель популярного мультфильма «Пластилиновая ворона».
      За свое произведение создателям пришлось изрядно побороться. Мультфильм прошел жесткую цензуру., буквально за каждое слово авторам приходилось спорить с критиками. Практически в каждом выражении критики отмечали скрытый политический намек. Безобидные и смешные реплики главного героя казались им страшной крамолой. Из мультфильма вырезали большое количество сцен, а некоторые выражения главного героя переозвучили. Сразу после выхода на экраны мультфильм стал культовым, а текст разошелся на цитаты.
      С.А.Иванов работал над музыкальной фантазией со сказочными героями по мотивам детской считалочки из книги «Алиса в Зазеркалье» Льюиса Кэрролла.
И еще один занятный мультфильм, который любят малыши «Шалтай-Болтай». А кто такой Шалтай–Болтай? Это обычное яйцо, которое зачем–то взгромоздилось на стену, заснуло и свалилось во сне. И ни конница, ни королевская рать не знают, как это все чудо обратно собрать.
      С.А.Иванов с поэтом Романом Сефом вёл семинар детских писателей в Литературном институте имени М.Горького. Из этого семинара вышли многие современные прозаики, пишущие для детей. Среди учеников С.Иванова был замечательный писатель Олег Кургузов (1959–2004), лауреат международной премии Януша Корчака.
      Сложным для автора стал период второй половины 90–х годов. Коммерческие отношения и рынок труда диктовали свои законы и  требовал совершенно другую литературу. В этот период С.Иванов создаёт адаптации к известным зарубежным сказкам, а также большое количество детективов для детей.
      Иванов Сергей Анатольевич трагически погиб в конце 1999 года. Он – автор сценарии анимационных фильмов «Бюро находок» (1982), «Падал прошлогодний снег» (1983), «Незнайка на Луне» (1997–1999), «Шалтай–Болтай» (1983), «Найда» (1984), «Это совсем не про это» (1984) и др.


                7. Александр Ефимович
                Курляндский (1938-2020)

          Александр Ефимович Курляндский -  писатель, сатирик, драматург, сценарист, автор книг для детей. Родился в Москве. Лауреат Государственной премии СССР (1988), Заслуженный деятель  искусств Российской Федерации (2007). Александр Ефимович  - автор около 70 сценариев мультипликационных фильмов. Среди них:  «Ну, погоди!», «Баба-яга против», «Возвращение блудного попугая», сюжеты для киножурнала «Ералаш» и др.
         В 1961 году А.Курляндский окончил Московский инженерно-строительный институт имени В.В.Куйбышева. Будучи мастером-строителем, пройдя службу в армии, А.Курляндский сделал шаг в сторону своего давнего увлечения литературой и  стал сотрудничать с «Литературной газетой», журналами «Крокодил» и  «Юность».
С соавторами Эдуардом Успенским и Аркадием Хайтом А.Курляндский написал сценарий новогодней елки в Кремле. В конце 1960-х об А.Курляндском узнала вся страна. Режиссер Геннадий Сокольский снял по его сценарию короткий мультфильм о волке, гоняющемся за зайцем в мультсериале «Веселая карусель». Александр Курляндский предположил, что из этого сюжета вполне может получиться целый сериал, и вместе со своими друзьями, Аркадием Хайтом и Феликсом Камовым, написал сценарии первых трех серий. Режиссера нашли не так быстро — никто не верил в успех затеи. Энтузиастам навстречу пошел Вячеслав Котеночкин.
        О занятных персонажах мультсериала «Возвращение блудного попугая» — попугае Кеше, коте Василии и вороне Кларе А.Е.Курляндский написал четыре повести — «Вы не были на Таити?»,  «А нас и здесь неплохо кормят», «Прелестно», и «Попугай Кеша ищет клад».
        Ряд сюжетов А.Курляндского были сняты для киножурнала  «Фитиль».  Были написаны  пародийный боевик «Тринадцатая ножка Буша» и книга «Тайны кремлёвских подземелий».  Юмор А.Е.Курлянского был высоко оценён, и в 1970 и 1977 годах он был дважды удостоен премии «Золотой телёнок»  «Клуба 12 стульев» «Литературной газеты».


             2. ПРОФЕССИЯ -  ХУДОЖНИК-МУЛЬТИПЛИКАТОР

       Художник–мультипликатор – это художник, создающий мир мультипликационного кино. Он рисует ключевые моменты, создает персонажей, их движения  и определяет промежуточные фазы на листе экспозиции. Мультипликация (лат. Multiplicatio – умножение) – представляет собой создание и многократное умножение большого количества кадров с небольшим смещением элементов в каждом последующем кадре. При скоростной демонстрации этих кадров и получается движение. Так  создаётся мультфильм.
       Художника–мультипликатора называют аниматором. Это понятие от английского слова animate, что в переводе означает «оживлять» или «воодушевлять». Профессия аниматор–мультипликатор – это особый вид искусства. Люди, работающие в этой сфере, создают целые миры, наполненные живыми персонажами. Мультипликаторы проделывают сотни различных операций, которые, в конечном счете, воплощаются в целостную картину действующих персонажей.
       Художник–мультипликатор – более широкое понятие, чем современный аниматор, который занимается только оживлением персонажей. Художники–мультипликаторы классифицируются на несколько специализаций в зависимости от технологии анимации и масштаба проекта.
       При создании небольших мультфильмов один художник может выполнить все технологические задачи. Крупные проекты требуют командной работы, в которой каждый художник специализируется на определённой операции по объектам мультипликации. Специализации художников–мультипликаторов зависят от применяемой технологии мультипликации: рисованный фильм; кукольная мультипликация; трёхмерная графика.
      Мир современной анимации – это сложнейший механизм, который состоит из множества частей. Так, одни специалисты занимаются подготовкой сцен, другие вырисовывают образы персонажей, третьи прорабатывают спецэффекты, а четвертые работают с компьютерной графикой.
      В рисованных крупномасштабных мультфильмах существует множество специализаций по объектам мультипликации: художник–постановщик, разрабатывающий общий стиль фильма в тесном сотрудничестве с режиссёром; художник по персонажам создаёт образы героев мультфильма, работает над их действиями и диалогами.  Художник–фоновщик или художник–декоратор – создаёт фон, панораму, интерьер, среду фильма. Художник–контуровщик осуществляет перенос рисунка с бумаги на плёнку.  Художник–фазовщик создаёт промежуточные фазы действий персонажей между рисунками, учитывая характер их движения.  Художник–прорисовщик создаёт чистовые рисунки с тщательно прорисованными персонажами. Мультипликатор спецэффектов воссоздаёт необходимые природные явления (снег, дождь) и различные эффекты, предполагаемые сценарием.
      Современные компьютерные программы вносят существенный вклад в процесс создания мультфильмов: 3ds Max (3d Studio Max) Maya; Cinema 4D; LightWave; Softimage XSI; Blender; Но есть такие виды творческих работ, которые не могут выполнить компьютерные программы.
      На стадии подготовительного этапа художник–мультипликатор создает концепты и эскизы персонажей и декораций; подбирает вместе с режиссёром художников разных специализаций; организует, распределяет работу между всеми специалистами и осуществляет контроль  за работой художников по созданию персонажей и фонов для мультфильма.
     Специалисты отечественной анимации отличаются от зарубежных художников. У нас нет «узкой специализации», которая принята в мировом производстве мультфильмов. И это создаёт особую уникальность российской анимации и каждого из её мастеров. У нас нет специалистов только «по зайчиками или белочкам», как, к примеру, на диснеевской студии. Каждый умеет все. Почти каждый режиссёр между съёмками своих фильмов работает художником–аниматором на фильмах, которые создаются в других манерах, с и другими пристрастиями и технологиями. Это даёт русским аниматорам особую пластичность и разнообразные умения. Это открытия необычных технологий, находки новых фактур и прочее часто идут от технических несовершенств аппаратуры. Но именно они дают уникальные результаты, которые невозможно повторить даже на самой передовой технике, и изумляют художников на мировых фестивалях анимации.
     Большинство знаменитых режиссёров анимационного кино прежде, чем создавать своё кино, работали художниками–мультипликаторами. Это и Л.А.Шварцман, Е.А.Гамбург, И.С.Аксенчук, Л.А.Амальрик, Б.П.Дёжкин, Ф.Г.Епифанова, А.В.Иванов, Э.В.Назаров, Ю.Б.Норштейн, Л.В.Носырев. Ф.С.Хитрук и многие другие.      
    
     Федор Савельевич Хитрук вспоминает, что он изучал анимацию, как учёные изучают высшую математику. У каждого великого учёного есть своя формула: у Пифагора, Ньютона, Эйнштейна. У великого Хитрука тоже была своя формула, которую можно выразить примерно так: анимация = логика + интуиция. Много лет Федор Савельевич отдал труду художника-мультипликатора.
     При создании мультфильма важно знание механики движений.  Например, как прыгает лягушка, как стекает капля с листа, как падает снег и т.д. Режиссёр должен изучать окружающий мир для того, чтобы в точности переносить его динамику в мультфильм. Кроме того, очень важен темп фильма, скорость развития действия. Как бы мастерски ни был нарисован мультфильм, при слишком медленном или слишком быстром темпе он не будет восприниматься зрителем так, как хочет режиссёр. Всё это можно отнести к первому компоненту формулы – к «логике». Знание технических и теоретических основ важны, но необходимы и навыки в изобразительном искусстве.
Киностудия «Союзмультфильм» сама готовила свои кадры на специальных курсах. Сюда приходили молодые люди, здесь учились и затем работали, практически, всю жизнь, создавая отечественное анимацонное кино.
     На студии у каждого специалиста было постоянное место с непременным зеркалом. Посмотрит мультипликатор в зеркало, вообразит себя волком или котёнком и перенесёт всё на бумагу! Никто не удивлялся, если в коридоре студии кто–нибудь вдруг замяукает или запрыгает зайчиком – это художник входит в образ!
Профессию художника–мультипликатора сравнивают с актёрским ремеслом. Обычный актёр вживается в роль, приспосабливая свой организм, создаёт из него образ. Художник–мультипликатор не только вживается в роль, он создаёт образ, которого в природе нет, наделяет его походкой, привычками, характером, соединяет его с голосом. Даже когда его герой, например, шкаф или умывальник. Попробуйте представить себе, как ходит стул, как мечтает стол, сердятся подушки, или танцуют ложки! Не можете? Значит вы не аниматор!
    Конечно, у каждого художника–мультипликатора есть свои пристрастия: один любит персонажи динамичные, другой – лирические, третий предпочитает музыкальных героев. Кому–то по душе психологические сцены, а некоторым – состязания и погони. Но каждый должен уметь делась всё. Чем больше на картине работает художников–мультипликаторов, тем труднее приходится режиссёру и художнику–постановщику. Нужно объединить усилия большого коллектива очень разных людей.
     Юрий Норштейн много лет, до того, как стать режиссёром, был художником–аниматором. Его имя встречается в титрах множества фильмов, начиная с 1962 года, причём, и рисованных, и кукольных. В «Каникулах Бонифация», в «Варежке», в фильмах про Чебурашку,  про «38 попугаев» и др.  Ю.Норштейн был одним из лучших аниматоров в пушкинском и соостеровском циклах А.Хржановского, режиссёр даже говорил, что писал сценарий в расчёте на аниматора–Норштейна, как пишут на знаменитых актёров. 
     Ю.Б.Норштейн придумал сложнейшую технику многоярусной перекладки. Этот способ превращает на этапе съёмки каждый образ из его фильмов в похожее на чешую, соединение мельчайших элементов, каждый из которых двигается отдельно (буквально каждый глаз, губа или палец). Юрий Борисович создал особый жанр поэтической анимации, такой лирики, которая развёртывается под чудесную музыку в череде зрительных образов.
     Юрий Борисович рассказывал, как к нему в студию зашла зарубежная дама, которая хотела познакомиться с техникой, в которой он работает. Ю.Б.Норштейн показал все, что было в его студии, показал технологии своего производства, но она ушла очень разочарованная, т.к. предполагала, что у Юрия Борисовича есть какой–то особый мощный компьютер, который создаёт туман, выразительные поэтические образы, и что он ей этот компьютер не показал.
      И еще нужно, разумеется, вдохновение! Без «полёта души» произведение искусства не получится. Это уже еще один компонент – «интуиция», т.е. способность чувствовать в окружающем мире нечто такое необычное и переносить это в мультфильм. Технически продуманные фильмы Ф.С.Хитрука ещё и очень душевные. Вот таким является подход Федора Савельевича к созданию мультфильмов. Подробнее обо всем этом можно прочитать в его книге «Профессия–аниматор».


            1. Виолетта Павловна Колесникова

          Виолетта Павловна Колесникова – художник–мультипликатор, Заслуженный художник РСФСР (1989). Член АСИФА. Профессор ВГИКа (2005). Приказом Министерства культуры РФ награждена Почётной грамотой Министерства культуры Российской Федерации (2011).
          Родилась в 1938 году. В 1956–1959 годах училась на курсах художников–мультипликаторов при киностудии «Союзмультфильм»,
в 1967–1969 годах в Университете Марксизма–Ленинизма (на факультете истории отечественного и зарубежного кино).
         С 1959 по 1990 год – художник–мультипликатор рисованных фильмов на «Союзмультфильме». Виолетта Павловна вела педагогическую деятельность на курсах художников–мультипликаторов при «Союзмультфильме» (1972–1976),  работала на «Мульттелефильме» (1975),  вела курс мультипликаторов–кукловодов (1981), преподавала на Высших курсах сценаристов и режиссеров (1979–2005), а  затем   во ВГИКе (с 1989).
          В 1990–1992 годах – Виолетта Колесникова - художник, руководитель группы отделения «Наука» СП «Розек» (СССР–Япония), в 1992–1994 годах – заместитель директора по художественной части компьютерно–рекламного центра СП «Чайрс». В 1994–2001 годах – главный дизайнер ЗАО «Аниматек», с 2001 года – главный художник ООО «Лайфмод Интерактив». Преподаватель Школы–студии «ШАР» с 2004 года.
           В.Колесникова не только мастер анимационного кино, замечательный художник. Она – оригинально мыслящий человек, который щедро делится своими знаниями и мастерством с учениками, а это несколько поколений отечественных специалистов анимационного кино.
         В фильмографии В.Колесниковой почти 100 мультфильмов, среди которых такие как «Разные колеса» (1960), «Стрекоза и муравей» (1961), «Шайбу! Шайбу!» (1964), «Сказка о золотом петушке» (1967),  «Кот, который гулял сам по себе» (1968), «Фильм, фильм, фильм» (1968), «Бременские музыканты» (1969), «Винни–Пух» (1969), «Винни–Пух и день забот» (1972), «Сказка о попе и работнике его Балде» (1973), «Дарю тебе звезду» (1974), «Прометей» (1974), «Голубой щенок» (1976), «Икар и мудрецы» (1976), «Серебряное копытце» (1977), «Тайна третьей планеты» (1981), «Лев и бык» (1983), «Возвращение блудного попугая» (1984), «Королевский бутерброд» (1985), «Приключение пингвиненка Лоло» (Фильмы 1, 2, 3) (1986–1987), «Лягушка–путешественница» (1995) и др.
         Виолетта Колесникова снималась в документальном кино: «Фабрика чудес» – 4 серия: «Аниматор. Диалоги о профессии». Если говорить о личных качествах Виолетты Павловны, то она человек большой души, умеющий дружить,  замечательный преподаватель, но самое главное, конечно, это то, что за ее плечами огромный опыт работы в лучших отечественных анимационных фильмах.


                2. Алимов Сергей Александрович (1938-2019)

    Алимов Сергей Александрович – российский художник мультипликационного кино, график. Член–корреспондент Академии Художеств СССР (1991), профессор ВГИКа (1994),  действительный член Российской академии художеств (2002); Народный художник (1999), член Российской академии кинематографических искусств. Лауреат государственной премии Российской федерации (2002).
Родился в 1938 году в Москве. В 1957 году закончил обучение в московской средней художественной школе, а затем учился на художественно–постановочном факультете ВГИКа (1957–1963). Учился у Ю.И.Пименова, Б.Н.Яковлева, И.П.Иванова–Вано. Стажировался на студии Загреб–фильм.
   В 1962–1974 годы работал на киностудии Союзмультфильм художником–постановщиком, сотрудничал с Ф.С.Хитруком, В.Караваевым. У С.Алимова есть и режиссёрские работы, но его слава художника значительно доминирует.
Известность и славу Алимов сначала снискал в анимации, выпустив в 1962 году вместе с режиссёром Фёдором Хитруком новаторский по тем временам фильм «История одного преступления». Можно сказать, что художник Алимов и режиссёр Хитрук произвели тогда в рисованном кино настоящую революцию. В их «Истории…» «всё было новым: и сатирическое решение темы, и форма повествования, и изобразительное решение: смелое совмещение рисованной мультипликации с фотовырезкой и плоской перекладкой, использование полиэкрана».
    В мультфильме есть, например, эпизод в метро. Столкновение  робкого и вежливого Мамина с хамоватым пассажиром. Алимов специально ходил в метро и наблюдал за посадкой в час «пик». Он хотел схватить её, так сказать, общий тон и ритм.
    В 1963 году мультфильм «История одного преступления», который был ещё и дипломной работой Алимова, получил приз «Золотые ворота» Международного кинофестиваля в Сан–Франциско (США) и премию Международного кинофестиваля в Оберхаузене (ФРГ).
    На долю мультфильма выпал огромный зрительский успех, а вместе с тем и международный успех всей советской мультипликации. Лучше любых теоретических выкладок фильм «История одного преступления» доказал, что мультипликация может поднимать серьезные социальные проблемы.
    В 1963 году мультфильм «История одного преступления», который был дипломной работой С.Алимова и первой режиссерской работой Ф.С.Хитрука, получил приз «Золотые ворота» Международного кинофестиваля в Сан–Франциско (США) и премию Международного кинофестиваля в Оберхаузене (ФРГ).
    В фильме была применена техника перекладки. Некоторые считают, что Сергей Алимов художник поразительно счастливой судьбы. Ему не пришлось ждать признания, не пришлось доказывать свою правоту в искусстве. Его путь был усеян не терниями, а премиями отечественными и международными почти за все фильмы, которые он создал. Известен он также и как театральный художник. Но особенно ему удавалась книжная графика.  Говорят, что С.Алимов первоклассный книжный график. Но были  ситуации, которые  вряд ли назовешь счастливыми. Мультфильм «Человек в рамке» режиссера Ф.С.Хитрука пролежал на полк много лет и несостоявшийся фильм с потрясающими образами «Мастер и Маргарита» М.Булгакова. И ещё ряд работ для мультфильмов, которые так и не вышли на экран. Это художественная разработка для мультфильмов «Нос» и «Портрет» по повестям  Н. Гоголя, выполненная в 1969–1970 г.г. А в  1977–1978 г.г.  разработка С. Алимова  по произведениям  М. Салтыкова–Щедрина:  «Господа Головлевы», 1982–1983 г.г.,  «Органчик» (по повести  «История одного города») 1992 г.   
     «Я отнюдь не стараюсь надеть маску потерпевшего, но так вышло. И «Нос» я хотел делать, но он тоже не состоялся. К «Мастеру и Маргарите» я сделал серию листов, предложил проект, но не получил поддержки... Я продолжал работать над ними, продолжаю и сейчас. Сначала это были эскизы к мультфильму, а потом – просто графические листы, которые я выставлял на разных выставках. Я всегда тяготел к некоему гротеску. Я иллюстрировал  Гоголя, Гофмана, Салтыкова–Щедрина. И Булгаков оказался в ряду этих любимых моих писателей, которых я читал ещё в детстве».
     Мультфильмы, в которых С.А.Алимов был художником–постановщиком, не оставляют равнодушными – и награды, и критика – всего хватало в избытке. Но недоброжелатели нашлись даже у льва Бонифация. Персонажа, ставшего визитной карточкой Сергея Алимова, сравнивали с западной богемой.
     Путешествует на собственном океанском лайнере, стильно одет.  Но в 1965 году мультфильм на экраны все же вышел и в 1966–м получил в СССР и за границей престижные награды – первую премию Всесоюзного кинофестиваля в Киеве, премию «Золотой Пеликан» Первого Международного кинофестиваля мультфильмов в Мамае (Румыния), почётный диплом X Международного кинофестиваля в Корке (Ирландия).
 «Бонифация я очень люблю, – говорит Сергей Александрович. Уже скоро 50 лет, как сделана эта картина. Я знаю, что уже не одно поколение воспитано, потому что эта картина о добре, о любви, о самопожертвовании. И Бонифаций – это человеческий характер, это христианская идея, он живёт для других. Мне хотелось сделать его обаятельным, чтобы от него шло тепло, чтобы не было схемы, когда идёт такой диснеевский метод». Кто–то из друзей назвал Алимова в шутку Бонифацием. В молодые годы Алимов работал практически совсем без каникул. Так что ситуация с каникулами Бонифация была хорошо знакома и самому художнику.
     За пятидесятилетнюю карьеру аниматора Сергей Алимов вывел свою формулу «идеальной внешности персонажа»: неправильные пропорции, запоминающиеся детали, не всегда положительные – герои Алимова поражали жюри международных конкурсов и возмущали советское руководство. «Создавать мультфильм, как ходить по канату», – говорит Сергей Алимов. – «Нужно выверять движения до миллиметра». Тогда даже черновой эскиз может стать произведением искусства и мечтой авторитетных галеристов.
     «Топтыжка» – сказочная история маленького медвежонка. В поисках пластического решения С.Алимов обратился к миру русского фольклора, к лубку. Внимательно изучал опыт выдающегося советского графика, иллюстратора детских сказок Евгения Чарушина.
     Последний совместный фильм Ф.Хитрука и С.Алимова, «самый многострадальный фильм» – «Человек в рамке» – положили на полку. На дворе стоял 1967–й год, оттепель закачивалась. Этот мультфильм «должен был получить премию во Франции. И сказали в жюри, что первая премия вам гарантирована, но комитет по кинематографии запретил эту картину и сказал, что этот человек неблагонадёжен, потому что он как бы символизировал власть, хотя мы имели в виду бюрократию»,– рассказывает С.Алимов.
       В 60–х годах Сергей Алимов создаёт иллюстрации к гоголевскому «Носу», однако и этот мультфильм критики посчитали чересчур гротескным и не дали закончить картину. Лишь спустя пятьдесят лет Алимов создал иллюстрации к этой гоголевской повести.
       Сергея Алимова решил сам заняться режиссурой в анимации, перейти к экранизациям русской классики. Так началась полоса эскизов к мультфильмам, которые в большинстве своём не дошли до экрана, в лучшем случае превратившись в книжные иллюстрации.
      С середины 1970–х после чёрно–белых эскизов к «Мастеру и Маргарите», увенчанных первой премией МОСХа и осевших в недрах Третьяковки, но так и не ставших ни фильмом, ни книгой.  Работы Сергея Алимова завораживают и не уходят из памяти.
      В 1979 году вместе с режиссёром В.А. Караваевым Сергей Алимов выпускает мультфильм «Премудрый пескарь» по сказке М.Е. Салтыкова–Щедрина. В 1986 г. он получает серебряную медаль АХ СССР за эскизы к мультфильму «История одного города» (1985). Это был его последний мультфильм, после этого с мультипликацией Сергей Александрович расстался.
        Алимов с Караваевым хотели делать серию «История одного города». Но сделали только первый фильм и, к сожалению, Караваев ушел из жизни.
        Параллельно мультипликационному творчеству шла работа в театре (драматическом и кукольном) и книжной графике.
         «Наша книга – русская, советская – имела великолепные традиции. Такие имена как Бенуа, Добужинский, Агин составили честь нашему искусству. Особый взлёт книжной культуры – начало ХХ века. И при советской власти очень много выпускалось хороших книг», – вспоминает С.Алимов. Сергей Александрович оформил более ста книг, но к некоторым своим авторам он возвращается постоянно: прежде всего, это Гофман, Н.В. Гоголь, М.Е. Салтыков–Щедрин, А.П. Чехов, М.А. Булгаков.
       В 1988–1991 годы С.А.Алимов – секретарь правления Союза художников СССР. С 1994 года профессор ВГИКа, с 1999 года – главный художник Государственного Академического Центрального театра кукол им.С.Образцова. Сергей Алимов художник–постановщик ряда спектаклей в Московском театре сатиры, Театре имение Моссовета и других драматических и кукольных театрах.
       «Моя бабушка, сестра моего деда, была замечательной кукольницей, художником. Она училась когда–то у Константина Коровина и вместе с Сергеем Владимировичем начинала делать куклы. И вот как странно, судьба…  Вот уже в зрелом возрасте, перевалив за половину своего срока жизни, я вдруг столкнулся с театром кукол. Кстати сказать, я очень полюбил и эту профессию»,– рассказывает С.А.Алимов.
      Работы С.А. Алимова находятся в Государственной Третьяковской Галерее, во многих музеях России и частных собраниях России, Германии, Голландии, Финляндии, Греции, Франции, Англии, Швейцарии, Италии.
     Педагог – ещё одна грань разностороннего таланта Сергея Алимова. Возможно, главная формула педагогики Алимова заключена в простых и настоящих словах самого мастера о профессии художника: «Я рассказываю, что это одна из лучших профессий в мире!».
       Фильмография: режиссер мультфильмов  «Вятская лошадка» (1969), «Жертва стандарта» в сборнике «Калейдоскоп–70» (1970), «Умельцы» (Фитиль № 128, 1973). Художник–постановщик: «История одного преступления» (1962), «Топтыжка» (1964), «Каникулы Бонифация» (1965), «Человек в рамке» (1966), «Отелло–67» (1967), «Премудрый пескарь» (1979) совм. с Г. В. Аркадьевым, «История одного города». «Органчик». (1991) совм. с Г. В. Аркадьевым.
      В 1966 году С.Алимов оформил спектакль «Теркин на том свете» (по одноимённой поэме А. Твардовского). Режиссер В. Плучек. Театр Сатиры. Москва.
 Награды: 1963 – Награжден главным призом «Золотые ворота» международного кинофестиваля в Сан–Франциско (США), премией Международного кинофестиваля в Оберхаузене (ФРГ) за мультфильм «История одного преступления». 1965 – приз «Бронзовый лев» Международного кинофестиваля в Венеции (Италия) за мультфильм «Топтыжка»; 1966 – I премия Всесоюзного кинофестиваля в Киеве; высшая премия «Золотой Пеликан» 1–го Международного кинофестиваля мультипликационных фильмов в Мамайи (Румыния), почетный диплом Х Международного кинофестиваля в Корке (Ирландия) за мультфильм «Каникулы Бонифация»; 1975 – награжден I премией МОСХ РСФСР за эскизы к мультфильму «Мастер и Маргарита»; 1977 – награжден I премией МОСХ РСФСР за эскизы декораций к мультфильму «Портрет»; 1979 – Мультфильм «Премудрый пискарь» (по одноименной сказке М. Салтыкова–Щедрина). Режиссер В. Караваев. Студия «Союзмультфильм»; 1980 – награжден I премией МОСХ РСФСР и «Серебряным призом». Международного кинофестиваля в Варне (Болгария), за эскизы декораций к мультфильму «Премудрый пискарь»; 1985 – Серебряная медаль АХ СССР за эскизы к мультфильму «История одного города».

               3. Владимир Иванович Вышегородцев

       Владимир Иванович Вышегородцев - художник–мультипликатор. Заслуженный художник Российской Федерации (2013).   
       Родился в 1950 году. В 1969 году окончил Архитектурно–строительный техникум в Москве. Кстати сказать, многие архитекторы успешно адаптировались в профессиях анимационного кино.
      В 1975 году завершил обучение на курсах творческих работников Гостелерадио СССР. В 1975-1978г.г. Владимир Вышегородцев стал художником-мультипликатором студии «Мульттелефильм» ТО «Экран», а затем работал  на киностудии «Союзмультфильм». В течении года работал с 1986 по 1987 года  на студии «Таллинфильм».
       С 1999 по 2000 год Владимир Вышегородцев работал на студии «VargaStudio» в Будапеште (Венгрия).
       Владимир Вышегородцев был членом правления АП «Киностудия «Союзмультфильм»», учредителем и членом правления РОО «Объединение «Союзмультфильм»». С 2000 года сотрудничает с различными анимационными студиями Москвы.
        Фильмография В.И.Вышегородцева насчитывает почти 60 мультфильмов: «Басни Михалкова» (1975), «Леопольд и золотая рыбка» (1975), «Как лиса зайца догоняла» (1979), «Баба–Яга против!» (выпуск 1 и 2, 1979, 1980), «Каникулы в Простоквашино» (1980), «Котенок по имени Гав» (выпуск 4), «Лебеди Непрядвы» (1980), «Пёс в сапогах» (1981), «Прежде мы были птицами» (1982), «Девочка и пираты». «Весёлая карусель» № 15 (1983).
        В.Вышегородцев работал над созданием мультфильмов  «Зима в Простоквашино» (1984) «Контакты. Конфликты». Выпуски 1 и 4 (1984–1985), «Мы с Шерлоком Холмсом» (1985), «Проделки Рамзеса», Фильм 1,2,3 (1985–1987), «Кот, который умел петь» (1988), «Сегодня в нашем городе» (1989), «Иван–царевич и серый волк» (1991), «Незнайка на Луне» (1997), «Бабка Ёжка и другие» (2006), «День рождение Алисы» (2009) и др.
       Владимир Вышегородцев снимался в документальном кино: «Фабрика чудес» – 4 серия, «Аниматор. Диалоги о профессии».
       Мультфильм  «День рождения Алисы» -  российский полнометражный анимационный фильм, выпущенный студией «Мастер-фильм» по повести Кира Булычева об Алисе Селезневой. За большой вклад в российскую анимацию, многолетнюю плодотворную работу и в связи со 100–летием мультипликационного кино В.Вышегородцеву была объявлена Благодарность (2011).

                3. ТРУД ОПЕРАТОРА В АНИМАЦИИ

    ОПЕРАТОР (англ. director of photography) (в анимации) – специалист, отвечающий за художественную концепцию, разработку методов съемки и непосредственно съёмку кукол на макете или мультстанке в соответствии с требованиями режиссёра–постановщика.
     Е.Черных в статье «Анимация – искусство иносказания», писал, «что один из самых волнующих моментов – съёмка фильма». В съёмочной  студии одушевляют героев мультфильма: это долгий и кропотливый труд, но он приносит радость и удовлетворение от проделанной работы.
     В съёмочной студии много необходимой техники. Это мультстанок, представляющий собой стол, освещённый с двух сторон, и закреплённую сверху видеокамеру, которая фиксирует все, что происходит на столе. Автор фильма вынужден оценивать события не только с точки зрения художника и сценариста, но еще и оператора, и режиссёра. Он передвигает изображение героя, изменяет фазы движения и записывает их через видеокамеру в компьютере, осуществляя постоянный контроль качества отснятых кадров (не выходить за границы кадра, не допускать попадания в кадр посторонних предметов и рук).
     Особую сложность представляет необходимый расчет движения (тайминг). Каждый аниматор знает, что за одну секунду на экране проходит 24 рисунка, а это кропотливая работа. Ф.С.Хитрук часто говорил, что для того, чтобы работать в анимации, нужно иметь «медный зад». Но это не мешает превратить съемку фильма в увлекательнейшее занятие, своеобразную игру. В создании мультфильмов принимают участие многие талантливые операторы. Благодаря их творчеству рождается шедевр, который надолго западает в души зрителей.

                1. Михаил Захарович
                Друян (1911–2000)

    Михаил Захарович Друян (1911–2000) – советский и российский оператор–постановщик мультипликационных фильмов. Участник Великой Отечественной войны. Снял свыше трёхсот фильмов, многие из которых стали классикой мультипликации. Михаил Захарович - Заслуженный работник культуры РСФСР (1975). Он награжден Орденом Отечественной войны П степени (1985) и Орденом Дружбы народов (1996)  за заслуги перед государством, многолетнюю плодотворную деятельность в области культуры и искусства.
   Родился в Харькове. Подростком один, без средств, приехал в Москву. Был беспризорником. С 1932 года работал помощником оператора в мультипликационном цехе на студии «Воентехфильм». Его первой заметной работой стали мультипликационные титры к музыкальной комедии Г.Александрова «Веселые ребята».  В 1936 году, пройдя отборочную комиссию, становится оператором студии «Союзмультфильм».
     В 1941 году добровольцем ушёл на фронт, демобилизовавшись, в декабре 1945 года, вернулся на студию «Союзмультфильм». М.З.Друян стоял у истоков советской анимации, вспоминал, что когда были основаны курсы мультипликаторов, у входа на студию стояла очередь из художников, которые хотели себя попробовать в рисованном кино. Из них подбирали наиболее талантливых ребят.
За время работы подготовил четырех операторов мультипликации. Все они в разное время были у М.Друяна ассистентами.
      Сам Михаил Захарович рассказывал: «Я на студии проработал пятьдесят лет. Операторов–мультипликаторов нигде не готовили, они вырастали из наших ассистентов. Молодые режиссёры, как приходили, просились со мной работать. ...И я часто ночевать оставался. Мне жена (она тоже на студии работала) приспособила на столе подушку, чтобы, когда много работы, я не уезжал.
      М.З.Друян считает, что в работе оператора мультфильма важно: «Есть съёмочный лист, и соответственно оператор должен точно уложиться в то, что придумал мультипликатор, режиссёр, какая реплика, насколько она рассчитана по фонограмме – но это, в общем–то, техническая работа. Оператор должен внести и свой творческий вклад, своё что–то. А как это возможно? Прежде всего, оператор знакомится со сценарием. Часть предложений даёт сам режиссёр, а часть я уже дополняю всякими эффектами световыми. Например, «Снежная королева», «Золотая антилопа» – брызги эти все… Дальше – проба на цвет, чтобы тот цвет, который задуман, получился на экране. Есть фильмы простые, где работа чисто механическая. Но у меня, слава богу, таких фильмов было мало, потому что это неинтересная работа».
     Иногда в мультфильмах, где у персонажей очень сложные движения, снимал актёров, кадры с которыми потом отрисовывали художники. Эта техника называлась эклер. «Но этим не злоупотребляли, это вообще уже считалась крайняя мера», – рассказывал оператор.
      Михаил Захарович любил веселые фильмы и сам старался не унывать. Его любимым мультфильмом был фильм, который он снимал с Эдуардом Назаровым «Жил–был пёс» ... Вы знаете, я этот фильм так люблю, и все, кто подходит и видит его у меня на стенке в комнате, говорят: «О, ну это же замечательный фильм». М.З.Друян убеждён, что его «фильмы будут жить очень долго. Я умру, а дети смотреть будут то, что мы сделали. И дети детей тоже». Продолжал снимать до середины 1990–х, когда ему было уже за восемьдесят.
      Фильмография  М.З.Друяна  насчитывает более 300 мультфильмов, среди них: «Сказка о рыбаке и рыбке (1950), «Аленький цветочек» (1952), «Каштанка» (1952), «Золотая антилопа» (1954),  «Заколдованный мальчик» (1955),  «Необыкновенный матч» (1955), «Снеговик–почтовик» (1955), «Снежная королева» (1957), «Приключения Буратино» (1957), «Дюймовочка» (1964), «Паровозик из Ромашкова» (1967), «Шпионские страсти» (1967), «Скамейка» (1967), «Малыш и Карлсон» (1968), «Балерина на корабле» (1969), «Весёлая карусель» (1969–1995), «Карлсон вернулся (1970)», «Терем–теремок» (1971), «Винни–Пух и день забот» (1972), «По следам бременских музыкантов» (1973), «Щелкунчик» (1973), «Сказка о попе и работнике его Балде» (1973), «Конёк–Горбунок» (1975), «Голубой щенок» (1976), «Муха–Цокотуха» (1976), «Стойкий оловянный солдатик» (1976), «Котёнок по имени Гав» (5 серий 1976–1982), «Ограбление по»... (1978), «Охота» (1979), «Жил–был пёс» (1982), «Мартынко» (1987) и многие другие.

                3.2. Жуковский Александр
                Борисович (1933–1999)
               
         Жуковский Александр Борисович (1933–1999). Он - Заслуженный деятель искусств РСФСР (18.01.1990). В 1950–1954 годах учился в Московском театрально–художественном училище, в 1960–1964 годах – во ВГИКе. В 1954–1955 годах работал гримёром во ВГИКе, в 1955–1964 годах – гримёром на киностудии «Мосфильм» (участвовал в съёмках фильмов «Вольница», «Коммунист», «Судьба человека», «Неподдающиеся» и другие). В 1964–1965 годах  стал ассистентом оператора на киностудии «Союзмультфильм». Кинооператор высшей категории (1986).
Работал оператором на нескольких киностудиях страны: «Моснаучфильм», «Киргизфильм», «Центрнаучфильм», «Союзмульфильм», Творческом  Объединении «Экран».
       С 1990 года  начал работать на студии Ю.Б. Норштейна, усовершенствовал старый многоярусный мультстанок, по сути, преобразовав его в новую оригинальную конструкцию. Много лет длился творческий союз Ю.Норштейна с оператором Александром Жуковским, который ещё встречи с Норштейном придумывал уникальное оборудование для съёмок, а их творческий союз оказался на редкость плодотворным.
Мне посчастливилось присутствовать на семинаре, на котором выступал Александр Жуковский. Он рассказывал и показывал, как они с Юрием Борисовичем «колдовали» над фильмом «Ёжик в тумане». Это была фантастика! Снимали не большой съемочной группой, как обычно снимают мультфильм, а вдвоем! Ю.Б.Норштей совершал сложнейшие манипуляции с маленькими листочками бумаги, другими материалами, чтобы создать удивительное фантастическое пространство анимационного кино «Ёжик в тумане». И после этого семинара мы уже совсем по–другому смотрели этот замечательный мультфильм.
       Над мультфильмами обычно работает большой коллектив людей, разных специальностей, часто не менее 30 человек. Ю.Норштейн и А.Жуковский создавали мультфильм вдвоем. Причем работа была такова, что если бы кто–то случайно открыл дверь в студию, то материал, из которого создавался мультфильм, а это многочисленные бумажки с изображением носиков, глазок, лапок и т.д. Этот лёгкий материал разлетелся бы от сквозняка и уложить его  снова было бы очень нелёгкой задачей.
      Много лет длился творческий союз Ю.Норштейна с оператором Александром Жуковским, который ещё до встречи с Норштейном придумывал уникальное оборудование для съёмок. Их творческий союз оказался на редкость плодотворным. В 1997–1999 годах работал с Ю.Б. Норштейном на студии «Артель» при Фонде Р.А. Быкова. Снимал преимущественно кукольные картины, а также фильмы в технике перекладки, работал с режиссёрами Н.Н. Серебряковым, И.В. Уфимцевым, Ю.Б. Норштейном, Р.А. Страутмане, В.П. Данилевичем и другими.
      Александр Борисович - член АСИФА (Международная организация анимационного кино). Снимался в документальном фильме «Юрий Норштейн» (Болгария, 1991). В 2000 году снят фильм в цикле «Острова», посвящённый А.Б. Жуковскому.
     «Божественность Жуковского в том,-считает Ю.Б.Норштейн,- как он хорошо понимал, чувствовал тональность кадра. Я думаю, ему просто равных в этом нет...  Если ты не подготовлен эстетически, если ты не развит – если не знаешь ни Паоло Учелло, ни Рембрандта – нельзя без истории искусств, мы не в пустом пространстве! Мы должны в этом жить все время... Почему нам легко было с Жуковским? Я ему через павильон мог сказать: «Саш, вспомни фактуру у Рембрандта? Помнишь, там горит рубин?»
      Художник и режиссёр анимационного кино Валентин Ольшванг говорил, что «Жуковский – это личность необыкновенная, конечно. Он сам художник. В молодости он занимался живописью, у него художественное образование такое, что дай Бог любому профессиональному художнику. Кроме того, его необыкновенные личные качества были в очень тесной, неразрывной связи с профессиональными качествами...  Можно  говорить о кухне изготовления всего этого, и все равно – ту тайну, которая за этим кроется, это не объяснит. Для этого надо быть рядом с таким человеком, как Жуковский. Чувствуя его присутствие, тепло, которое он излучал, при той совершенно безумной технологической сложности, которая была при съемке этих фильмов.
    Достаточно посмотреть на станок – то, как Жуковский ставил свет. При установке света станок буквально обрастал бесчисленными рассеивателями, фильтрами... Приборы обрастали какой–то царапанной эмульсией на целлулоиде... Казалось, что станок просто сейчас корни даст, что распустятся цветы, плоды начнут падать с треском... что начнет все это пахнуть прелой листвой... Пока это все не начнет пахнуть – съемка не начиналась...
    И вся эта безумная технология нужна была для того, чтобы уничтожить материальность, чтобы на экране ее не было. И предназначение Жуковского было в этом – как великого художника, как поэта. Жуковский и Норштейн как–то без слов, какими–то звуками, взглядами понимали друг друга... им не надо было ничего объяснять. Это потрясало в процессе их общения».
    Директор Музея кино Н.Клейман вспоминал о Жуковском: «Александр Жуковский начинал деятельность в кино как гримёр. У него были необыкновенно деликатные, нежные пальцы. Тример – одна из самых тонких профессий в кино, потому что она имеет дело с человеческим лицом. И его «живопись на лице» развила в нем необыкновенную деликатность и точность жеста. Прекрасное понимание фактуры, прекрасное понимание того, что такое выразительность человеческого лица.
Мне кажется, что кинематограф Норштейна–Жуковского–Ярбусовой представляет собой формулу кинематографа. Очень немногие произведения в мире могут претендовать на это. Только абсолютные шедевры. Поэтому это так действует – и действует на всех.
...Я очень боюсь, что Акакий Акакиевич сыграл злую шутку с  Юрий Борисовичем. Он вырвался на волю до того, как были определены его рамки. И теперь он гуляет вне этих рамок, никак не даёт закончить картину – это такое единоборство Норштейна с Акакием Акакиевичем. Гоголь – материя трудная, мистическая, он тоже тут вмешивается».
     Юрий Норштейн рассказывал: «Он очень резкий был – в оценке искусства, работы коллег... потому что его собственное отношение было безупречным. И абсолютно максималистским – никаких промежуточных положений. И он знал, что и у меня то же самое максималистское требование к искусству, к тому, что должно быть на экране. И это раззадоривало и его и меня. Это бы сумасшедший азарт – прийти к максимальному результату.
    Говорю: надо будет нам повнимательней посмотреть последние циклы Гойи, самые жуткие, когда, казалось, он писал уже локтями и пальцами. Там уже не кисть – там соединение нервов, души, опыта, понимания жизни как очень сильного драматического действа – и это вошло в прямое соприкосновение с поверхностью холста. Мы об этом часто говорили, готовились к этой съёмке.
   ...У нас были вещи, которые полностью нас объединяли. Поздний Рембрандт, поздний Гойя, поздний Микеланджело. И Ван Гог, безусловно. Поэтому мы часто разговаривали языком писем Ван Гога.
    ..Когда–то мы начинали фильм «Шинель» с Сашей Жуковским... Он уникум, он феномен, он единственный в своем роде. Ему нет равных в том, что он делал в операторском искусстве. Он не ограничивал свою работу профессиональной способностью поставить свет. Нет. Качество личности, вот что...
    Саша был старше меня на восемь лет – он 1933–го года, а я – 1941–го. Это принципиальная разница в то время – сразу две разные биографии. Он жил в то время под Москвой, в Филях, поэтому он помнит и бомбежки, и как отец его приходил домой – он работал на авиационном заводе...
    Но во многом наши биографии сходились. Мы жили в коммуналках, у нас так же топилась печь. Саша рассказывал, как он сидел у печки ночью, читал «Робинзона Крузо»...
    Это совсем другое состояние человека, который сидел у печки, видел огонь, слышал треск полена. Это совсем не то, что неоновый свет, понимаете? Нам было о чем говорить... Так что фильм делается биографией, фильм делается судьбой – ничем другим.
    Понимаете, мультипликация – такое гнусное искусство, требует технологий, ничего не поделаешь. «Сумма технологий», как сказал бы Станислав Лем. Вот эта сумма технологий составляет потом творчество. Мы с Сашей вместе сочиняли ярусный станок, саму съемку. То есть, это было до нас, но мы привели это к знаменателю, когда между ярусами поселился воздух.
   Бабьим летом 1976–го мы с кинооператором Александром Жуковским приехали в Марьину Рощу, чтобы успеть снять ее остатки. Знакомые с детства дворы определены были под снос. Дома смотрели слепыми непромытыми окнами. Возле деревьев, заборов, среди двора высились горы ненужных в новом районе вещей – старые тумбочки, эмалированные тазы, сломанные столы, разбитые гипсовые скульптуры наяд, остатки дров. В груде бревен валялся проржавевший крест. Белел череп трофейной машины. Было тихо. Дворы не оглашались криками детей, дребезжанием велосипедных звонков. Марьина Роща переезжала в новые районы, и 1976 год был годом ее бабьего лета. Но еще кое–где болтались на веревках, подпертых палками, белье и ковровые дорожки. Еще слышались в домах слабые звуки жизни – в водопроводной трубе сипела вода.
    Пушистый кот оживлял поэзию запустения – нежился на солнце. Саша, который вообще никогда не мог пройти спокойно мимо любого зверька, начал неторопливую беседу с котом, и тот, признав в нем своего, принялся играть с листьями, ожидая похвалы. Из дверей вышла женщина, и кот присмирел в знакомых руках. Саша сфотографировал её. В старом рабочем халате, в стоптанных тапочках на шерстяные носки она была частью заглохшего пейзажа. У подножия тополя на старом ящике из–под гвоздей спиной к стволу прислонился дырявый венский стул.
Я назвал его «стулом поэта». В фильме «Сказка сказок» у дерева сидит Поэт на венском стуле. Среди густых полынных зарослей висел израненный лист лопуха. Он героически выдержал атаку маленьких лучников и теперь медленно умирал от «смертельных ран». Саша снял и его. В фильме в осеннем сыром лесу висит огромный лист, с него стекают капли дождя.
    Старые, отжившие свой век дома подставили солнцу иссечённые ветрами, дождями потемневшие сгнивающие стены. Много десятков лет дома медленно уходили в землю, отчего стены прогнулись, напружинив доски. Страшная неотменяемая сила земного притяжения, соединив усилия с самим временем, погружала в себя и уплотняла, уплотняла шумевшую когда–то здесь жизнь, превращая её в перегной. Как будто я был на дне ушедшего моря.
    Если в течение года можно было бы снять покадрово увиденное, мы стали бы свидетелями равнодушных сил, ломающих живое.
    Оставалось одно – зафиксировать. И Саша нацеливал фотокамеру на облупившиеся двери с прибитыми почтовыми ящиками и крапом звонков, на двери, обитые войлоком, дерматином с выползающими из–под него клочьями ваты, на старые палисадники с золотыми шарами и худыми рябинками, обрызганными гроздьями ягод. Саша сделал более сотни фотографий. Уходящий мир взяла в себя тонкая серебряная амальгама. Когда я приехал сюда через год, здесь уже хозяйничали бульдозеры, догребая былое.
Прошло двадцать с лишним лет. В 1999–м не стало Александра Жуковского. Я так привык к его хриплому голосу, к его шаркающей походке, к его теплу, к его доброте и резкости, что до сих пор не могу примириться с его уходом. Он был больше чем кинематографист, чем кинооператор. Он был хранитель совести, достоинства, порядочности. Он был естественным, как дождь, как деревья или падающий снег. Он был везде своим: в незнакомой компании, на вечеринке с друзьями, в павильоне на съёмке, или в разговоре с одинокой собакой на улице.
     Он очеловечивал пространство. Он был уникален, и любой самый завистливый профессионал не завидовал ему, потому что как можно завидовать небу. Я не могу сказать «он снимал». Нет. Он воздействовал всем своим существом, всем своим составом на свет, на плёнку, на кинокамеру, на рисунок.  Пройдя учёбу на операторском факультете ВГИКа, он оказался в мультипликации по причине тяжёлой травмы на съёмках документального фильма. И мне временами становилось страшно, что судьба соединила нас таким трагическим способом. Он одухотворял обычные стекла, обычный целлулоид.
     Разницы между огромным павильоном и мультипликационным станком для него не было. Экран все равно един. Снимая «Ёжика в тумане», он видел за полем съемки иные дали. Кинокадр становился малой частью его мира.
     Для него процесс выращивания чеснока, возделывания газона, восторг от Эль Греко или становление кинокадра были равновелики, поскольку всем процессам он отдавался самозабвенно. Глядя на его ворожбу, я мог сказать: снимают не кинокамерой, не на плёнку и не при помощи осветительных приборов, нет. Подлинность кинокадра – это подлинность совести, сочувствия, просвещения, человечности. Поэтому даже в самых сложных кадрах «Шинели» с ним было спокойно. Его неторопливая убеждённость в справедливости работы невольно проникала в тебя. И ты обретал равновесие. С ним сняты два фильма – «Ёжик в тумане» и «Цапля и Журавль». И двадцать минут «Шинели». Но прожита целая жизнь. С ним мы сочинили принцип съёмки на подвижных ярусах, покадрово меняющих высоту. При подвижной во всех плоскостях кинокамере этот принцип давал свободу парения в съёмочном поле. Кинокадр обретал летучесть. Диффузион размером 80 на 130 см делался природным путём – стекло затуманивалось падающей на него пылью. Ровнее придумать невозможно.
    – Ребята, у вас стекло запылилось.
    – Только не вздумай дунуть или чихать!
     Лёгкость дыхания равнялась мягкости падения молекул на стекло кадра. И пространство наполнялось воздухом.
    Я могу сказать об Александре Жуковском: он был великий кинооператор, из созвездия А. Княжинского, Г. Рерберга. Даже в фильм «Сказка сказок», снятый другим кинооператором – И. Скидан–Босиным, – простирается его влияние.
В сущности, его энергия наполняла все слои изображения. Свет для него был не просто экспозиционный элемент. Свет – вещество, янтарная плазма, в которую запаяно действие. Он изнурял себя работой и работой гнал от себя почти ежедневные боли. Он не говорил высоких слов. Целлулоид называл «портянкой»... ...С оператором Сашей Жуковским у меня никогда не было никаких противоречий. Мы ровно и одинаково смотрели на киношную пахоту. У нас не было разночтений... Я никогда не слышал в его словаре вертлявых, сытых фраз: «нет проблем», «это ваши проблемы» или решительного «однозначно». ...Когда Саша заболел, я ходил и молил об одном: даже если не будет сил на съёмку – пусть просто приходит, отпускает реплики да хотя бы даже дома сидит. Мне бы только знать, что он дома, что можно к нему зайти или позвонить. Только был бы жив».
      1969 год – во время съёмок фильма «Лиго–лиго» в Латвии попал в аварию. Полученная травма не позволила ему продолжать работу кинооператора натурных съёмок в документальном и игровом кино.
     А.Жуковский снимал чаще кукольные картины, а также фильмы в технике перекладки. Работал с режиссерами Р.А.Страутмане, В.П.Данилевичем, Н.Н.Серебряковым, Р.А.Качановым, И.В.Уфимцевым, Ю.Б.Норштейном и др. В 1988 году с Ю.Б.Норштейном усовершенствовал конструкцию многоярусного мультстанка, преобразовав его в новую оригинальную конструкцию.
     А.Жуковского не стало в ноябре 1999 года. Врачи говорили, что вообще непонятно, как он жил... «Я знаю, как он жил,– говорил Ю.Б.Норштейн. Он всей духовной мощью тащил свой организм. Дух оторвался от плоти, оставил ее, и плоть умерла».
     Юрию Норштейну трудно смотреть «Ежик в тумане», поскольку это связано с Александром Жуковским. Их отношения были больше, чем дружба. В 2000 году снят фильм в цикле «Острова», посвященный А.Б. Жуковскому.
     Я была на семинаре по анимационному кино, на котором Александр Жуковский рассказывал о том, как снимался мультфильм «Ежик в тумане». Это была захватывающая история о том, что, казалось бы и снять-то нельзя. Была разработана сложнейшая технология съемки, причем все делалось вручную. Раскладывалось сотни деталей, из которых создавались образы мультфильма и которые нужно было «оживить».  Если случайно открыть дверь, то ветер унесет все крошечные листочки бумаги, из которых создавалась удивительная ткань мультфильма. А снять удалось, и как!

                3. Скидан–Босин
                Игорь Яковлевич

         Скидан–Босин Игорь Яковлевич. Родился 8 марта 1947 года. В анимации – с 1975 года. Работал оператором на студиях «Мульттелефильм» ТО «Экран», «Союзмультфильм», «Стайер» и других в группах А.Ю. Хржановского, М.А. Муат, Г.Я. Бардина, Ю.Б. Норштейна и других режиссёров.    
          Фильмы известных режиссеров требуют огромного операторского мастерства. И Игорь Яковлевич как мастер операторского искусства соответствовал высоким режиссерским запросам.
           Игорь Яковлевич работал фотографом в издательстве «Искусство». И в этом издательстве к фотографу предъявляются высокие требования. Быть оператором на таких мультфильмах как  «До свидания, овраг», «Сказка сказок» и «Я к Вам лечу воспоминаньем»... не просто. Но эти мультфильмы стали истинными шедеврами.
           Мультфильны новаторские, и операторская работа значила в них очень много. Игорь Яковлевич блестяще справился с творческими задачами.
           Дальнейшие его операторские работы также были с очень разноплановыми мультфильмами - от детских, новогодних до классики Н.В.Гоголя.
        С 2004 года работал на кино–видео–студии «Анимос». Его операторская работа присутствует в более 30 фильмах, среди которых  «Шалтай–болтай» (1983),  «Выкрутасы» (1985), «Античная лирика» (1989), «Адажио» (2001), «Сказка про ёлочку» (2011) «Гофманиада» (2014),  «Чуча–2» (2001),  Чуча–3 (2004),   «Полезные советы профессора Чайникова» (1985),  «Сказка о глупом мышонке» (1981, «До свидания, овраг!» (1981 «И с вами снова я»... (1980), «Сказка сказок» (1979) «Я к вам лечу воспоминаньем» (1977), «Бумеранг» (1976) «Шалтай-Болтай» (1983), «Советы профессора Чайникова» (1985), «Новогоднее приключение двух братьев» (2004), «Продается сивая лошадь» (2005), «Капитанская дочка» (2005), «Хеломские обычаи» (2005), «Крошечка Хаврошечка» (2006), «Рыжая лиса - белая лиса» (2006), «Новогодняя фантазия кота-мурлыки» (2006), «Сказка про волка» (2007), «Он и Она» (2008), «Деньги» (2008), «Очумелов» (2009), «Домашний романс» (2010), «Заснеженный всадник» (2011), «Мим и клоун» (2011), «Сказка про елочку» (2011), «Облака ручной работы» (2014), «Налим Малиныч (цикл «Гора самоцветов»)» (2015), «Два трамвая» (2016), (2016), «Добро пожаловать» (2017), «С Новым Годом!» (2017), «Жук в муравейнике» (2018), «Король и груша» (2018), «Анна, кошки-мышки» (2019), «Нос, или заговор «не таких»» (2020) и др.

            

           4. МАСТЕРСТВО АКТЕРА В АНИМАЦИИ

                Голос – вернейшее зеркало характера.
                Бенджамин Дизраэли

                Голос — это центр души... Голос — это личность
                человека. Голос меняется на протяжении многих лет.
                Голос — это ваш накопленный опыт... Однажды
                я спросил одного логопеда: какой голос для вас красивый?
                Он ответил, что самый красивый — это искренний голос,
                который говорит правду...
                Андре Дюссолье

     Огромная часть успеха советской мультипликации – это заслуга знаменитых актеров. В озвучивании персонажей принимали участие такие известные актеры, как: Иннокентий Смоктуновский, Янина Жеймо, Андрей Миронов, Анатолий Папанов, Василий Ливанов, Олег Табаков, Евгений Леонов, Алиса Фрейндлих, Олег Анофриев, Александр Калягин, Владимир Высоцкий, Геннадий Хазанов, Ольга Аросьева, Михаил Козаков, Вячеслав Невинный, Армен Джигарханян, Сергей Филиппов, Леонид Броневой, Ия Саввина, Вера Васильева, Людмила Касаткина, Лев Дуров, Анна Каменкова, Борис Новиков и  другие.
     Владимир Осенев читал текст за кадром в трех мультфильмах про Винни–Пуха. Его голос удивительно подходил ко всей фактуре мультфильмов. Это было 100–процентным попаданием!
     Мария Виноградова и Клара Румянова принимали участие в озвучании более 300 мультфильмов. Голос Василия Ливанова звучит почти в 60 мультфильмах, а Алексея Баталова и Олега Анофриева почти в 30 мультфильмах. А как можно заменить, например, всего лишь короткие реплики Волка из серии «Ну, заяц, погоди!», которые выразительно выкрикивал А.Папанов.
     Звук мультфильма является одним из самых интересных и творческих этапов создания мультфильма. Обобщая, можно сказать, что озвучание делится на три составляющие: музыку, интершумы и голоса актеров. Сыграть своего героя, отдать ему частичку самого себя, одушевить его таким образом – еще одно волшебство анимации. На этом этапе перед актерами встают настоящие актерские задачи и трудности.
      В кино сначала пишут черновой звук прямо на съёмочной площадке, а уже потом актёры в студии, гладя на свою артикуляцию, переозвучивают себя начисто. В профессиональной анимации все происходит наоборот – сначала записывается речь актёров, а уже потом аниматор создаёт под неё артикуляцию. Фактически одушевление героя представляет собой синтез движений героя (непосредственно анимация) и его голоса.
      Самое главное – актёр,  озвучивающий мультипликационных персонажей, должен вжиться  в  анимационный персонаж.. И это не просто слова:  даже если герой рисованный, он обладает собственным характером, собственным настроением,  у него свой собственный имидж. Естественно, он обладает и совершенно неповторимым голосом, воспроизвести или воссоздать который – и есть основная задача диктора.
    Но этот голос, его интонации нужно чувствовать и держать до конца. Иными словами, диктору нужно по–настоящему изучить своего персонажа, вжиться в роль, которую он играет. А это не так уж просто, не правда ли? В отличие от художественных или документальных картин, например, мультфильмы позволяют подогнать либстинг: то есть при их озвучивании попадание в губы говорящего персонажа – не проблема. Но это не значит, что задача диктора упрощена, ведь мы помним, что ему нужно «чувствовать» и «держать» своего персонажа до конца процесса озвучки.
    Обычно персонаж в мультфильмах не один, он взаимодействует с другими. А пропорционально количеству персонажей возрастает и сложность решения поставленной задачи. Правда, и так случается не всегда: иногда один единственный голос – это все, что нужно.