Пособие для начинающих и не только искусствоведов

Введение

Все думают воспитать искусствоведа легко.
Ничего подобного. Искусствовед существо редкое, можно сказать экзотическое, в природе в натуральном виде почти не встречается, в домашних условиях требует долгого и терпеливого вскармливания.
На воспитание искусствоведов уходят годы, и эта новость не может понравится, когда хочется получить все здесь и сейчас, и как можно быстрее. Поэтому тем, кого пугает данное положение вещей, не стоит тратить своего драгоценного времени на попытки разобраться в слишком большом количестве вещей, однако тому, кому поистине мир прекрасного кажется чем-то заманчивым, и даже необходимым для дальнейшего существования, стоит потратить усилия, чтобы несколько соориентироваться в этом искусственном пространстве, обладающем собственными законами и, что скрывать, закидонами.
Главное достоинство любого искусствоведа – идейное созревание. Потому что искусствовед безыдейный – это не искусствовед, а пафосный говоритель, заполняющий пространство реальности арабесками индивидуального неосознанного. Искусствоведы по своей сути – теоретики, т.е. находятся ближе к миру идей, чем к миру вещей, хотя опираются на последний. Но лучшее представители искусствоведения все-таки обладают способностью связывать два мира – идейный и предметный в некоторое орнаментальное полотно научного характера, которое поддается изучению народными массами, из которых в свое время образовываются новые искусствоведы.
Итак, если вы проснулись утром, спокойным и безмятежным, сели на кровати, и перед тем как открыть глаза, произнесли слово «искусствовед» три раза и без запинки – можете открывать глаза, совать ноги в шлепанцы и топать на кухню варить кофе. Поздравляем! Вы  - почти он! Осталось совсем немного…
Прочитать все книги по искусству (желательно в оригинале, включая какой-нибудь старофранцузский, латинский какой-нибудь), изучить биографии художников, скульпторов, архитекторов и прочих, типа потомственного мастера художественного выжигания по дереву кокосовидной пальмы с острова Гоа, а также всю их сохранившуюся и несохранившуюся личную переписку – чтобы быть в курсе родственных связей, наследственных дел, количества жен, детей и любовниц и при случае ловко ввернуть в разговоре что-нибудь этакое, блеснуть так сказать, своими кристаллами разума…
И если вы легко справились с этим, тут вам останется совсем крошечный кусочек искусствоведовоспитания – посетить все музеи, парки, дворцы и частные собрания мира, объездить все страны, осмотреть все архитектурные сооружения и перебрать все керамические черепки, хранящиеся в многочисленных фондах многообразных собраний.
 
Имя искусствоведа
Имя искусствоведа должно быть звучным. Звучность здесь сродни приличию. Должно быть что-нибудь такое от крем-брюле. Хорошо, если родители попались сознательные и позаботились об этом заранее, а если нет? Берите судьбу в свои руки. Иначе искусствоведческая жизнь рискует не задаться вовсе или будет идти через пень-колоду. В общем, перебрав всех бабушек и прадедушек, и не обнаружив ничего приличного, возьмите псевдоним. Что-нибудь типа Бубенец-Заволжский...

Вид искусствоведа
Чаще всего Искусствовед имеет вид задумчивый, если не сказать аморфный. В облике его проскальзывает что-то несиюминутное, не от мира сего, а от прекрасного воздушного острова Кифера, где обитают нездешние существа, любители кефира, так сказать.
Вид искусствоведа – один из козырей на пути становления искусствоведа. Конечно, искусствовед должен отличаться от окружающих. В какую сторону? В сторону музея, естественно, в крайнем случае, в сторону дорогостоящей частной коллекции. В каком-то смысле искусствовед должен напоминать экспонат. Желательно, чтобы вы выглядели как хорошо сохранившееся приданное прабабки. Это внушает доверие. Броши искусствоведов не бывают слишком большими и вызывающими. Не перегибайте с беретками и шейными платками – вас примут за художника… Впрочем, современное искусство внесло свой вклад и в облик искусствоведа. Теперь его костюм может быть деловым с элементами постмодерна, спасающего искусствоведа от прозы жизни.
Дорого ли должен выглядеть настоящий искусствовед? Нет, он должен выглядеть загадочно. Для дороговизны существуют произведения искусства. Помните об ауре искусстве, которая должна перманентно окружать вас. Она также необходима как ракета в кадре с космонавтом. Поэтому когда вы даете интервью или просто сообщаете прохожему, что он идет не в ту сторону, не забывайте встать рядом с вазой, конным памятником, скульптурой, выбрать фоном колоннаду какого-нибудь дворца… Если, как вы не оглядывались, ничего подобного рядом не оказалось, нам пригодиться брошь, на худой конец перстень-печатка, которую можно ненавязчиво совать под нос собеседнику, рисуя в воздухе знак бесконечности, для должного осознания им подлинной глубины вашей личности.

Взгляд искусствоведа
В меру блуждающий. Искусствоведение – это визуальное восприятие мира, восприятие-наблюдение. Поэтому взгляд необходимо наиболее тренировать из всех органов чувств, впитывая в себя окружающую действительность, но тренировать с толком, чтобы окружающая действительность была с признаками эстетики. Тогда, пропитавшись этой самой эстетикой, взгляд искусствоведа становится сферическим, глубоководным, слегка мерцающим, чутко реагирующим на присутствие микрона красоты вокруг себя. Со временем взгляд искусствоведа обретает особое качество – насмотренность –и эта правильная и основная ценность для искусствоведа.

Язык искусствоведа
Язык искусствоведа – это его оружие – легкая жалящая шпага, а не плохо обтесанная дубина. Что еще можно сказать? Переходите иногда на русский. Говорят, тогда вас даже начинают понимать. Вставляйте побольше прилагательных, обычно, это помогает сообразить, о чем идет речь. Больше цитируйте Гомера, Вазари и Алпатова, это создает впечатление всемирного значения вашего спича. Изучайте терминологию, или как это правильно называется – специализированную терминологию, не щадя себя, помня о том, что искусствоведческое знание принадлежит потомкам, а значит все будет не зря…

Речь искусствоведа
Речь должна быть плавной и бархатистой, не усыпляющей, но обволакивающей. Желательно, чтобы вас понимали и это понимание отражалось не только в глянцевой поверхности фарфоровой чашки Императорского фарфорового завода, но и в глазах слушателей. Если язык искусствоведа – это свидетельство его профессионального мастерства, то речь искусствоведа – это способ коммуникации и самореализации, это тот мост, который связывает Человечество и Искусствоведа, Человечество и Искусство, и иногда даже Искусствоведа и Искусство.
Так вот, если вам удалось скрепить этот равнобедренный треугольник архетипических понятий, то честь вам и хвала, значит есть шанс, что он укрепиться и со временем станет египетской пирамидой вашего профессионализма над которой не властвует жестокая сила времени.

Искусствоведческий текст
Именно здесь мощный и великий искусствоведческий ум может, наконец, развернуться в ширь и глубь, и показать себя, так сказать, во всей невиданной красе. Именно здесь холодная голова, пребывающая в мире идей, может, перевести, наконец, язык абстракции в простую и ясную конкретику реальных пацанов, собравшихся в пятницу вечерком перетереть за Рембранда нашего за ван Рейна. Текст искусствоведа – это некоторое иносказание, миф об искусстве, впрочем, миф захватывающий…
Искусствоведческий текст рождается в тиши, в глубине ночей под дружный храп соседей и имеет вид (первоначально) недоваренных овощей. Но при умелом подходе, из этого алденте вполне может получиться приемлемый винегрет искусствоведческой статьи.
Любой искусствоведческий текст изобилует перлами. От это никуда не деться. Они также неотвратимы как сход лавин и также многочисленны как бисер, что мечут перед свиньями. Они просачиваются сквозь пальцы пишущего на экран, они возникают на пустом месте и десяти редакторов не хватит, чтобы от них избавиться – выловить этих блох писательского креатива, помноженного на бестолковое многознание пишущего, невозможно, а значит и не нужно. Надо придать этому вид стилевого признака и на этом стряхнуть с плеча легкую пылинку беспокойности. Авось за века написанного проходило и не такое…

Фантазия искусствоведа
Что можно сказать о фантазии искусствоведов? Она безгранична. Там гуляет жесткий солнечный ветер предположений, там грозно хмурятся черные дыры открытий и белые карлики теорий вытряхивают из вас всю душу. Искусствоведческая фантазия – это то, что рождается в одной голове, а получают за это все вместе. Искусствоведческая фантазия – это яд цикута, который добровольно выпивают любители искусства по всему миру. Икусствоведческая фантазия – это птица, летающая задом наперед, да еще и вверх лапами. Бойтесь этой птицы бестелесности, основанной на знаниях, порожденных тьмою бессонных грезящих ночей. Держите голову в холоде рассвета.

Эмоции искусствоведа
Искусствовед – существо эмоциональное. Весь мир для него делиться на черное и белое, то есть на то, что он пламенно любит и то, что он также пламенно ненавидит. Правда, искусствоведы это тщательно скрывают. Они никогда не говорят: это черное, это белое. Но внутри они, особенно, в молодые годы, в бело-черную полосочку, как зебры, что, несомненно, мешает эстетической оценке наблюдаемого объекта. Поэтому искусствоведам лучше уйти с двоичной системы исчисления и ввести третий критерий познания – объективность.
Эмоциональная привязанность искусствоведа носит личный субъективный характер, имеющий экзистенциальное значение для его жития. В конце концов, именно профессиональные привязанности переживают все другие привязанности в мире…

Объективность искусствоведа
Объективность сравнима с попыткой червяка выползти из яблока и взглянуть на этот чертог обжиралова со стороны. То есть это практически нереально. Но нужно.  Иначе существует вероятность всю жизнь пребывать в убежденности, что яблоко представляет собой огрызок.
Однако, чтобы воспитать в себе эту самую объективность требуются годы сурового и терпеливого труда и целый арсенал специальных познаний. В чем трудность воспитания объективности? В том, что надо отбросить личную заинтересованность и всякое другое чувство… Ну чтобы было понятней – это как отбросить личную заинтересованность в зарплате. Куда ее отбросить? – спросите вы. И если зарплату, в конце концов, можно перевести в благотворительный фонд, то куда перевести заинтересованность? Переведите куда-нибудь – лучше всего коллеге-соратнику или научному руководителю, пусть они тонут в мутном водовороте собственных страстей и презрев гордое научное знание ничтожно погибают под грузом зашкаливающей чувствительности.
И вот тогда может быть перед вами предстанет во всей своей сияющей чистой красоте госпожа Объективность и положит прохладную ладонь на ваш разгоряченный лоб, и пожалует вам знаки любви и внимания, и немного истины для вашей искусствоведческой правды.

Цель искусствоведа
Искусствоведы – это брахманы искусства, которые всю жизнь пытается найти общий язык с остальным сообществом, но по сути остается закрытой группировкой с туманными намерениями и немеркнущими амбициями.
Именно сейчас мы подошли к пониманию благороднейшей миссии каждого искусствоведа – донесения искусства до сограждан и сотоварищей. Так как именно искусствоведы способны перекинуть мостик между октаэдровидным кристаллом под названием Красота и квадратом, бесконечно стремящимся к кругу, под названием Человечество. Путь донесения искусства бывает крайне извилистым и витиеватым, и не обходится без сшибленных фонарей и разбитых лбов, но это, как говорится, сопутствующий ущерб.
Иные искусствоведы впадают в крайность и думают, что искусство предназначено только лишь для их личного пользования и пытаются обнести его колючей проволокой «знания-для-немногих», а то и повесить табличку «частная собственность», да так, что в скором времени напоминают больше всего старого брехливого пса, лающего без причины на каждый шорох. Это, конечно, не совсем тот пример, который можно записать в личном дневнике под заголовком «Мои идеалы».
Другие искусствоведы берут на себя труд настроить некоторое взаимодействие между публикой и предметом искусства, но берутся за дело слишком рьяно и с таким жаром носятся от зрителя к искусству и обратно, что запутывают зрителя окончательно и бесповоротно.
Цель искусствоведа – максимально сближать две планеты – Зрителя и Искусство и фактически служить туристическим гидом межпланетного масштаба. Требования к гиду элементарные: доступность, уверенность, улыбчивость, умение работать в коллективе и индивидуально, коммуникабельность, ответственность (остальное можно списать с любого приличного резюме). И главное требование – не отчаиваться!
Это ничего, что после вашей вдохновенной лекции об особенностях стилистической эволюции северо-итальянских живописцев конца XV – начала XVI веков или душещипательного рассказа о судьбе русских авангардистов начала XX века, ваш слушатель смахнет слезу и пойдет купит на Арбате гобелен на стену с лебедями и бахромой. Это ничего. Главное – искусство проникло в массы, произошла встреча на перекрестках судьбы, нежные родственные объятия двух странствующих пилигримов – Знания и Невежества. Тем и утешайтесь. Гобелен же повесится на стену за диваном как ему и полагается.

Описание и Анализ
Если мир стоит на трех слонах, то искусствоведение на двух. Имя им Описание и Анализ. Говорить о них можно бесконечно – это альфа и омега искусствоведческого общения с миром. Прежде всего, они нужны, чтобы определить то, что находится перед тобой – искусство или неискусство? Потому что знаете ли, в принципе, много чего попадается на глаза и Описание и Анализ – это единственные ваши помощники в познании красоты.
Итак, если вы встречаете какой-нибудь объект искусства, тут вы должны насторожиться, включить радар, сканер, рентген, распознаватель элементарных частиц, в общем что там у вас есть, и запустить программу обработки изображения, короче говоря, приступить к Описанию.
Приступать к Описанию можно только с абсолютно серьезным выражением лица, ибо это Эльбрус, Монблан и Эверест вместе взятые. Не каждому удается покорить эти вершины. Тут требуется самодисциплина, мужество, некоторая аскетика и голодный блеск в глазах. И во вы, наглый и целеустремленный, в лыжной шапочке и с ледорубом в зубах стоите у подножия возвышенности Первого Впечатления и намереваетесь покорить эту вершину в кратчайшие сроки. Что вам необходимо? Решительность и аккуратность, потому что вы собираетесь действовать на свой страх и риск и, главное тут - хорошенько вспомнить русский язык и обязательно привлечь понятийный аппарат. Что такое понятийный аппарат? Это патронташ с патронами. Представьте себе, что вы отправились охотиться на уток. Два дня ехали до болота, двое суток шли до засады, 6 часов просидели в камышах, изображая из себя кочку и даже начали прилично квакать, и, наконец, о счастье! Утки летят! Вы отбрасываете мох с лица, расталкиваете лягушек, вскидываете ружье…Бах! Осечка! Бах! Ничего! Вы ломаете ружье о колено, жжете взглядом затвор, а там нет ничего, пусто. Вы за патронташ – а его тоже нет. Он спокойно стоит дома, в шкафу, на третьей полке сверху…что делать? Поздно. Утки улетели. Можете продолжать изображать из себя кочку. Вот что такое искусствовед без понятийного аппарата. В общем, понятийный аппарат – это термины, понятия и определения, которые вам необходимо знать и умело применять при Описании объекта искусства.
Далее, вооружась понятийным аппаратом как альпенштоком, вы ползете на гору под названием Описание. Навстречу вам будут попадаться выступы и уступы – преодолевайте их! Верьте в себя! Если не вы, то кто? Думаете вокруг полно охотников обдирать руки и ноги об острые края изобразительной реальности? Вас должно согревать пламя неугасимой любви к Искусству.
Когда вы, задыхаясь, наконец забрались на вершину горы под названием Описание, и помышляете о себе не иначе как о герое и даже подумываете сменить имя в паспорте на Герой Иванович… Вы уже готовы окинуть взором свои владения, простирающиеся вокруг насколько видят ваши глаза, вам становится легко и приятно... И теперь в этот самый момент искрящегося торжества вам говорят: «Молодец! А теперь перестань глупо улыбаться, слезь с детской приступки и пойдем я покажу тебе гору, пора начинать настоящий подъем».
Так начнется ваше настоящее восхождение на гору Анализ. Все ваши предыдущие достижения покажутся легкой разминкой перед прыжком в пропасть на тарзанке. Потому что на каждом шагу вашего восхождения вам будут встречаться саблезубые тигры и другие хищники под названием композиция, ритм, масштаб, вид, жанр, цвет и т.д. и тому подобные искусствоведческие подробности, составляющие объект искусства. Вам предстоит убедится, что эти доисторические монстры, может и считаются исчезнувшими как вид, но чувствуют себя совсем неплохо и даже готовы пообедать вами по случаю.
Короче, начиная восхождение на гору Анализ вы должны быть как швейцарский нож с трехстами различными лезвиями и множеством дополнительных функций. Вы должны быть блестящи, тверды и неотвратимы. Не один камень выскользнет из-под ваших рук, не раз ваши ноги нащупают под собой пустоту. И если в предыдущей раз вам всего лишь надо было позаботиться о словарном запасе, то теперь вам придется тащить на себе целый мешок различных знаний.
А как иначе вы будете заниматься сравнительным анализом если не будете увешаны с ног до головы как ёлка игрушками Знанием? Знанием о том, что было «найдено… раскопано… обнаружено… придумано в 337 году до н.э...легко в основу…послужило началом…явилось первой ласточкой…» и т.д. и т.п. Без Знания вы на голубом глазу будете утверждать, что источником вдохновения для Шишкина и Тропинина, Брюллова и Васнецова послужили коробки конфет с фабрики «Красный Октябрь».

Искусствовед и Красота
Искусство – это одна из форм красоты. И все, что делает человечество на протяжении тысячелетий, творя произведения искусства – совершает оду прекрасному.
Суть искусства – это апеллирование к человеческому чувству прекрасного, к его способности воспринимать окружающий мир эстетически. Недаром эстетика переводится с греческого как «чувство, чувственное восприятие». Искусство воплощает эмоции, мысли, переживания, взгляды человека в конкретных, чувственных формах. Оно создает некий эстетический объект, который мы воспринимаем как красивый, разум же стремится при этом объяснить почему он красивый. Люди, которые делают своей профессией объяснение этого факта со временем становятся искусствоведами.

Искусствовед и художник
Творческое взаимодействие искусствоведа и художника представляет собой своеобразный антисимбиоз. Их, несомненно, тянет друг к другу, при этом находится в одном пространстве они практически не могут. Искусствоведы любят усопших художников, художники любят только себя. Две эти категории граждан (если они совпали на историческом отрезке) активно противодействуют друг другу, одновременно обеспечивая друг друга работой, и даже более того – делом жизни.
Искусствовед и искусствовед
Никогда не знаешь, чем закончится очередная встреча братьев по искусствоведческому разуму. От себя хочется пожелать меньше душить друг друга в объятиях творческих бесед и профессиональных суждений. Однако время все расставляет по своим местам, и локальные споры, иногда чересчур жаркие, остаются где-то позади, а потомкам доносится только чистая искусствоведческая мысль о прекрасном.

Искусствовед и Искусства
Итак, вы почти искусствовед – хорошо разработанный язык, всепроникающий взгляд, брошь на воротнике и осознание своей миссии тоже присутствуют. Искусство вопиет вам о своей красоте и требует немедленного познания. Вы вступаете на заповедную территорию искусствознания и последовательно встречаетесь с видами искусства и их отличительными чертами. Что надо знать про виды искусства? Первое – они отличаются друг от друга, второе – задача у них все-таки одна – отображения реальности средствами художественной выразительности, третье – средства отображения разные.
Каждый вид искусства отображает реальность так, как может. Во многом это зависит от материала, который лежит в его основе (хотя понятие «искусство» – абстрактное, материал из которого оно состоит – часто явление вполне осязаемое). С помощью материала каждый вид искусства сформировал собственные средства художественной выразительности. Сокращенно СХВ. Словосочетание достаточно длинное и не сразу понятное, но выучить его необходимо, так как оно пронизывает все искусствоведческие тексты и является в общем-то основой понимания произведений искусства.

Средства художественной выразительности – это условные «кирпичики» из которых состоит тот или иной вид искусства. От умения видеть их зависит правильность интерпретации произведения.

Виды искусства
Общепринятая классификация делит виды искусства на пространственные, временные и пространственно-временные.
К временным видам искусства относится литература, музыка, так как их существование развертывается во времени. К пространственным искусствам относятся те, которые, не требуют проистекания времени для своего постижения, для предъявления себя. Сюда относится архитектура, скульптура, живопись, графика и декоративно-прикладное искусство. В третьей группе существуют виды искусства, которые разворачиваются и в пространстве, и во времени – театр, кино, танец. Все вновь появляющиеся виды искусства, так или иначе, классифицируются по этой системе, дополняя ее.
Рассмотрим пространственные виды искусства как составляющие основу начального обучения любого искусствоведа. На примерах пространственных видов искусства убедимся в связности и логичности законов искусства, распространяющиеся и на все остальное его виды. И даже если другие виды искусства имеют свои особенности, термины, и определения, то именно пространственные искусства имеют свойства универсального характера, в которых наиболее емко отражена и зафиксирована тысячелетняя история эстетических исканий и достижений человечества.
Как настоящие искусствоведы, мы должны сперва заняться высокими «штилями» искусства. Можно сказать, золотая триада (не по Витрувию, но все-таки) искусствоведения: Архитектура, Живопись, Скульптура.

Архитектура
По произнесении этого слова рядом с нами образуется легкое золотистое облачко, на котором с кубком в руке возлежит Витрувий, а рядом с ним возлежат его «Десять книг об архитектуре». Он гений хотя бы потому, что написав 10 теоретических текстов, дал, наверное, один из самых лаконичных образцов определения за всю историю человечества, сказав, что каждое архитектурное сооружение непременно должно иметь три свойства: пользу, прочность и красоту (что получило название «Триада Витрувия»).
Слово «архитектура» происходит от греческого слова «architekton», что в переводе означает «высшее строительство». Всякая ли постройка является архитектурой? Все-таки, нет, есть просто постройки… Если же говорить об архитектуре, то хочется иметь в виду нечто более впечатляющее, чем просто более-менее удачная строительная конструкция. То есть строение можно отнести к архитектуре, если при наблюдении сооружения должно быть отмечено, что присутствует некоторый художественный образ, обнаружены некие художественные качества и сделано заключение, что в целом строение является художественно выразительным.
Понятие архитектуры чрезвычайно объемное, триада Витрувия выделала три основные ее свойства, которые составляют каждое архитектурное сооружение.
От живописи и скульптуры архитектуру отличает то, что она должна обладать таким свойством как утилитарность, т.е. это означает, что она предназначена не только для любования, но и используется человеком для своих нужд. Будь то общественные, производственные, жилые или культовые сооружения, все они призваны организовывать, сопровождать и улучшать жизнь человека, они должны быть функциональны.
Настоящую архитектуру отличает также наличие эстетической составляющей, т.е. здание, кроме того, что может быть пригодно к использованию, должно быть художественно выразительным или, проще говоря, красивым. Самые различные способы применяются в архитектуре для достижения этого свойства. В отличие от других видов искусства архитектура неизобразительна, то есть она не представляет собой изображение, а состоит из деталей, элементов, конструкций, модулей. Для того, чтобы здание, не являясь конкретным изображением чего-либо, в тоже время могло выражать целые понятия, идеи, смыслы, архитектура использует целый арсенал разнообразных средств. Знаки, числа, отношения, объемы, линии - это то, что зашифровано, зашито в любом архитектурном сооружении и то, что составляет художественный образ произведения.
Композиция, форма, линия, пропорции, ритм, масштаб, декор, что только не применяет архитектор, чтобы произвести эстетическое воздействие на окружающих! От художественной выразительности зависит очень многое, она оказывает эмоциональное воздействие на наше восприятие, вызывая в нас различные ощущения и эмоциональные переживания. Именно поэтому одни постройки кажутся нам монументальными, торжественными, другие – камерными, лиричными, одни впечатляют сложностью форм и фантазии, другие – чистотой линий и минимализмом, одни – динамичны и легки, другие приятно тяжеловесны. Нередко архитектуру и ее воздействие на наши чувства сравнивают с музыкой, такой же сильной, волшебной и неуловимой…
Каждая эпоха, каждая цивилизация создавала свои типы построек, в зависимости от своих культурных традиций. Типы построек менялись со временем, отражая объективный процесс эволюционного движения человечества. Монументальные храмовые загробные комплексы Древнего Египта сменяли общественные, торговые, административные и инженерные постройки Греции и Рима (храмы, агоры, форумы, термы, акведуки, дороги). Средневековые замки и монастыри расширялись за счет развития городов. Постепенно возникала гражданская архитектура, перерастая в промышленную.
Обозревая все типологическое разнообразие существующих сооружений мы говорим о конструктивной стороне архитектуры. То есть обращаемся к вопросу не для чего построено это здания, а из чего. Проследить конструктивное изменение архитектурных построек полезно для понимания развития мира и характеристики каждого из его регионов.
Так получается, что до определенного периода идеи в архитектуре подкреплялись строительными материалами и ими же ограничивались – все мечты о замке упираются в возможную ширину балки над главным залом.
Местная архитектура всегда следовала за возможностями местных строительных материалов: одним народам повезло с мрамором, вторым с камнем, третьим с деревом, четвертым с глиной. Но постепенно человечество добралось до железа, железобетона, стекла и стало творить бесконечные небоскребы и гигантские торговые центры, в этих объемах, видимо, стремясь несколько потеряться от собственных проблем.
Для искусствоведа, конечно, первым этапом развития архитектуры, за исключением первобытных пещер, является простейшая стоечно-балочная система. Она наиболее проста, функциональна, выразительна, и успешно продержалась в мировой архитектуре уже пару тысячелетий. Состоит она из двух элементов: стоек и опирающихся на них балок. Самым прекрасным и визуально вдохновляющим примером воплощения такой системы являются храмы Древней Греции. Высшим воплощением стоечно-балочной конструкции является ордер – представляющий собой устойчивую систему архитектурных элементов, связанных в одну композицию.
Ордер насчитывает три основных варианта – дорический, ионический и коринфский (иногда называемый композиционным).
Древние римляне, стремящиеся во всем превзойти греков, внесли свои значительные архитектурные открытия – арки, своды, купола. Совместили их с ордерными конструкциями, значительно расширив типологию и виды архитектуры, что мы можем ощутить в таких постройках, как Пантеон, Колизей, акведуки, триумфальные арки и т.д. Блеск античного строительства бросает лучи своего сияния и на современную архитектуру.
На относительно небольшом количестве архитектурных элементов Античности мировая архитектура существует достаточно долго, преобразуя их, переоткрывая, переосмысливая. Лаконизм, универсальность, заложенная в этих элементах, делает их универсальными, модульными элементами, подходящими для архитектуры любого масштаба и назначения.
Средневековье принесло архитектуре каркасно-нервюрную систему, которая послужило развитию сложного внутреннего пространства, предугадывающего каркасную архитектуру будущего.
В XX веке архитекторы благодаря развитию строительных материалов и техник, можно сказать, пустились в пляс, приступив к подлинному формотворчеству, создавая не только новые типы архитектуры, не только разработав типовое массовое строительство, но и фактически приступая к выполнению заветных мечтаний человечества – строительству зданий, раньше которые можно было построить только в воображении. Начиная со «Стеклянного дома» Миса ван дер Роэ, заканчивая высотными зданиями невообразимых форм, архитектура, кажется, вырвалась все-таки из кандалов материальных ограничений устремившись к фантастическим формам небоскребов.
Параллельно с высотным строительством зданий из стекла и света получила развитие архитектура, имитирующая природные формы, называемая бионической архитектурой.
Архитектура различается и осмысляется через следующие средства художественной выразительности, которые помогут разобраться с теми объектами, которые появляются в поле зрения.

Объемно-пространственная структура – основная характеристика архитектуры, которая представляет собой способ и взаимоотношение друг с другом архитектурных объемов, расположенных в пространстве.
Задача искусствоведа в данном случае выявить эту объемно-пространственную структуру и понять почему эта объемно-пространственная структура действует на нас так или иначе, и почему в одном случае это признается эстетически привлекательным, а в другом – не очень.
В других видах искусства объемно-пространственная структура именуется композицией, но в архитектуре своя специфика, может быть потому, что архитектура несколько туманит наше зрение своей масштабностью. Находясь внутри неё, около неё, вокруг неё мы часто не имеет возможности охватить  сооружение взглядом целиком. Отсюда проистекает и некоторая сложность в оценке и понимании объекта. Чтобы спариться с этой задачей, используют чертежи и планы, создают макеты, сегодня – 3D-модели, которые позволяют воспринять архитектурное произведение комплексно, со всех сторон.
Несколько удачно расположенных на какой-либо территории и композиционно и стилистически связанных архитектурных объемов называют ансамблем. Архитектурные ансамбли задумываются и воплощаются иногда сразу, как это было, например, в Древнем Египте и Версале, иногда складываются постепенно. В городах чаще всего ансамбли образуются со временем - сначала возводится одно здание, потом другое, потом приходит идея их как-то объединить и пристроить что-нибудь третье и, так, например, появляется ансамбль Дворцовой площади в Санкт-Петербурге. Прекрасным примером также ансамблевой архитектуры являются дворцово-парковые ансамбли, где архитектура корреспондирует не только с собой, но и с природой.
Тектоника – несколько призрачное, но важное понятие для архитектуры. Впрочем с развитием искусства, особенно в XX веке, благодаря появлению неизобразительного или беспредметного искусства, тектоника стала средством художественной изобразительности не только для архитектуры, но и для живописи и скульптуры. Понятие тектоника объясняется как художественное выражение работы конструкций и материала, осмысленное художественными средствами. То есть если представить себе (хотя так оно на самом деле и есть), что любая архитектура – это конструкция, то вопрос ставится – передается ли ее конструкция художественными средствами или скрывается?

Тектоника зрительно демонстрирует конструкцию и взаимосвязи между элементами архитектуры. Обычно тектонику рассматривают на примере строения античных ордеров, где стоечно-балочная конструкция – колонны (стойки), на которые положен антаблемент (балки), дает максимально понятное представление о том, как сделано это здание, и то есть в данном случае тектоника здания выражена максимально. В одни стилистические периоды тектонику прятали, например, за штукатуркой фасадов, отдавая предпочтение декоративной отделке поверхности.  В другие её возвращали и даже делали элементом художественной выразительности, как, например, в рациональном направлении стиля модерн.

Живопись
Именно с живописи чаще всего начинается увлечение искусством. Это одно из самых привлекательных видов искусства, может быть в силу того, что самое понятное. Не каждый из нас художник, но каждый держал в руках цветные карандаши или краски, поэтому живописное искусство кажется нам максимально знакомым.
В искусстве живопись – это пространство цвета, света, линий и объема. Вселенная живописи так легка, так безоблачна, так многогранна и необъятна, что по-настоящему познавать ее начинаешь только по истечении 20 лет непрерывного наблюдения. Живопись – наиболее хорошо изученное и масштабное направление искусства, составляющее значительный сегмент музейных и частных собраний, а также являясь основным элементом выставочных проектов. Живописи несколько мешает популяризация в виде календарей, сумочек, магнитиков и конфетных коробок, которая затирает наиболее известные произведения до степени неузнавания.
Воздействие живописи на зрителя может быть общезначимым, таким, какое оказывают на зрителя признанные шедевры, или практически индивидуальным, когда вы находите художника и несколько необдуманно возводите его в ранг своего эстетического кумира. Живопись, впрочем, как и другие произведения искусства, нужно наблюдать неоднократно. Настоящее произведение искусства выдерживает неограниченное количество таких наблюдений, никогда не надоедая, но всегда приоткрывая еще одну грань своего совершенства зрителю. Живопись относят к изобразительному виду искусства, ведь несмотря на все достижения абстрактного характера ХХ века, она все еще изображает и все еще ценится за это…
Весь объем живописных произведений делят по видам изображаемого, которое называют жанрами. Основные жанры:
Исторический – изображающий исторические события
Мифологический – изображающий мифологические события
Батальный – изображающий сцены военных действий
Бытовой – изображающий бытовые события
Анималистический – изображающий животных
Портретный – изображающий конкретных людей
Натюрморт – изображающий вещи и предметы (фрукты, ягоды, цветы сюда тоже относятся)
Пейзажный – изображающий природу
При переходе из XIX века в XX живопись начинает делится не столько по жанрам, сколько по направлениям – авангард, кубизм, сюрреализм, пуризм, супрематизм, лучизм, ест. Каждое направление представляет собой достаточно сложный конгломерат стилистических признаков, впрочем, тем они интересны и примечательны.
Важное моментом для искусства живописи представляет собой ее разделение на станковую и монументальную.
Монументальной называется живопись тесно связанная с архитектурой, размещенная на стенах, потолке, в интерьере или на фасадах. Поэтому монументальная живопись, как правило, имеет внушительные размеры. Техника, которая применяется в монументальной живописи – чаще всего фреска или мозаика. Долгое время монументальная живопись была основным видом живописи.
Выделение живописного произведения в отдельную картину, к которой мы привыкли, произошло позднее, с появлением индивидуального заказчика.  Живописное полотно стало меньше в размерах и открепилось от стены, в  интерьере его стали ставить на станок (подставку), отчего всю отдельно обретающуюся живопись стали называть станковой. Со временем именно развитие станковой живописи стало главенствующим в истории искусства, превратившись в предметы коллекционирования и собирания.
Огромную роль в живописи играет цвет, который в живописи чаще именуют колоритом.
Колорит – обозначает не столько технический набор красок, который использовал художник при создании произведения, а скорее цветовую систему, которую он выстроил в своих полотнах. Колорит в живописи носит субъективный индивидуальный характер, именно по нему частично ориентируются при атрибуции живописных полотен. Каждый из художников старается создать свою устойчивую систему цветовых взаимоотношений на полотнах - наиболее талантливым удается сделать ее неповторимой.
В начале своего творческого пути художники ориентируются, как правило, на известных предшественников, повторяют их работы, приближаются стилистически, копируют. В дальнейшем у состоявшегося художника вырабатывается собственная цветовая палитра и колористические приемы. И когда вам нравится какой-либо художник, вы начинаете узнавать и его цветовую гамму – общую тональность палитры, характер цветовых переходов, предпочтительные цветовые сочетания или любимый цветовой тон, которые то тут, то там, вдруг вспыхивает в его работах. Также индивидуальна у художников манера класть мазки.
К наиболее важным и общим средствам художественной выразительности в живописи, кроме цвета, относят рисунок, свет и композицию.
Материалы и техники живописи достаточно разнообразны и требуют отдельного изучения, достаточно сказать о масляной живописи, темпере, пастели, акварели, энкаустике, а также характерных для монументальной живописи – фреске, мозаике и витраже.
Так как живопись чрезвычайно разнообразна, она делится не только по стилям, но и по направлениям. Особенно, многочисленными направлениями живопись отличилась в конце XIX - начале XX века, породив многочисленные «измы» - импрессионизм, кубизм, лучизм, пуанктилизм, сюрреализм… хотя, наверное, главным открытием стало появление наряду с фигуративной живописью – т.е. которая изображает фигуры, беспредметной – которая использует только средства художественной выразительности, не имея четко выраженного изображения. Беспредметность придала живопись новое свойство – позволило работать только средствами художественной выразительности, чистыми, несмешанными инструментариями – цветом, формой, линией, фактурой. В истории искусства беспредметная живопись как бы приуготовила появление нового технологического этапа – промышленного, конструкторского, дизайнерского.

Графика
Живопись и графика близки друг к другу тем, что они изображают окружающую или воображаемую действительность на плоскости. Таким образом они как бы обманывают зрителей, потому что демонстрируют иллюзию – создают иллюзорное пространство и даже иллюзорный мир. Впрочем, человечество давно привыкло к этому эффекту, оценило его и радо обманываться и далее.
В основном, графика является искусством черно-белым, монохромным. Хотя неоднократно в истории встречались попытки сделать графику цветной (раскрасив изображение вручную или механическим способом), все же, со временем человечество научилось ценить графику за графику, где основой является сочетание двух тонов – светлого и темного.
Основу графики составляет рисунок -  он его основное выразительное средство. Именно рисунком, который состоит из контурной линии, штриха и пятна организуется графическое произведение. Так как цвет не отвлекает наш глаз и мозг, главным средством художественной выразительности становится линия и пятно.
Линии в графике могут быть чрезвычайно разнообразными, их движение, характер, наклон, толщина – все приобретает художественное значение, формируя своеобразный язык графики. Вглядываясь в черно-белые листы-иллюстрации, начинаешь ценить выразительность штриха и пятен,  изобретательность линий и планов. Лишенная колористического языка графика в противоположность живописи – вроде бы проигрывает, как проигрывает черно-белая фотография цветной до того времени пока сама по себе не становится искусством.
Разнообразны техники, которые использует графика в гравюре – графическом произведении, выполненным печатным способом с пластины («доски»), на которой вырезан рисунок, на бумагу (или другой материал). Гравюра (от франц. «gravure» - вырезать) обозначает как вид искусства графики (включая все многообразные способы ручной обработки досок), так и печатный оттиск с доски.
Гравюры, в зависимости от того какая часть доски покрывается краской при печати, разделяют на три вида: выпуклая – на дереве (ксилография), на линолеуме, рельефная на металле; углубленная – все остальные разновидности гравюры на металле, кроме рельефной; плоская – литография и ее разновидности.
История гравюры, действительно непростого, технически сложного, можно даже сказать – злокозненного вида искусства, неизменна связана с коммерческими устремлениями типографий – сделать как можно больше оттисков с одной доски. Слишком много техник и способов печати было изобретено в попытке добиться выразительности изображения и долговечности печатной доски. В зависимости от материала, из которого создается печатная форма, формируются виды гравюры:
Ксилография – гравюра на дереве
Офорт, меццатинто – гравюра на металле
Линогравюра – гравюра на линолиуме
Литография – гравюра на камне
Первые оттиски известны на Востоке с 868 года, в Европе гравюра появляется на рубеже XIV-XIV веков. Особое развитие и даже можно сказать расцвет гравюра получила в начале XX века с изобретением такого материала, как линолеум. Мягкий в обработке материал позволил обогатить гравюру более свободным, плавным и вариативным художественным языком, что привело к созданию целых художественных школ.
К графике также принято относить многочисленное полиграфическое наследие 20-го века – афиши, книжную графику, журнально-газетный рисунок, плакат, промышленную графику.

Скульптура
Скульптура занимала и занимает огромное значение в жизни человечества, поэтому и определений ее несколько – от немного старомодного термина «ваяние» до современного – «пластика». Произошло слово «скульптура» от    латинского глагола «sculpere», что обозначает «высекать, вырезать».
Скульптура – искусство объемно-пространственное, для него плоскость не столь важна как для живописи. Иногда скульптура пытается приблизиться к ней, но никогда не может приблизиться окончательно и только переходит от круглой скульптуры к высокому рельефу, рельефу, контррельефу….
Самое удивительное в скульптуре – это ее объемность, которую вроде бы осознаешь на естественном уровне, потому что мы сами вполне объемные персонажи. Однако та истина, что скульптуру надо воспринимать в круговом обходе, оценивая произведение с различных ракурсов, воспринимается далеко не сразу. Приученные живописью находится перед плоским полотном мы как будто внутренне сопротивляемся этому условию, стремясь зафиксировать в своем воображении один ракурс. Впрочем, история искусства свидетельствует, что понимание пространственности произведения пробивалось к художникам и зрителям постепенно. Первоначально  расстановка скульптуры в храмах, дворцах, особняках, музеях осуществлялось вдоль стен. Это прекрасно экономило жилое и экспозиционное пространство, но не давало возможности осуществить круговой обзор. Не имея возможности сделать этот обход вокруг скульптуры, посетитель смотрел на нее фронтально, тем самым воспринимая только один ее ракурс. Между тем, именно круговой обход позволяет в должной мере оценить талант художника, проследив как изменяется художественный образ, перетекая и видоизменяясь композиционно по мере вашего движения.
Конечно, в данном случае, мы не говорим о скульптуре, изначально предназначенной для бытования у стены, например, в качестве украшения и декора, и ограниченной, так сказать, техническим заданием.
Круглая скульптура
Круглой называется скульптура, которую можно обозреть со всех сторон. В свою очередь, она разделяется на ряд разновидностей, которые желательно запомнить для ориентировки в многоголосом оркестре каменных (и не только) изваяний:
Бюст – погрудное изображение человека
Статуя – отдельно стоящая фигура
Группа – несколько скульптурных фигур или можно сказать, скульптурных единиц, расположенных в пространстве и объединенных общим замыслом.
Так как за последние полтора века скульптура получила разительное изменение, вступив как и живопись в сферу неизобразительности, то не всё, что является скульптурой является фигурой. Иногда это уже совершенно беспредметный артефакт, называющийся «скульптурной композицией», «скульптурным элементом», «скульптурным объектом».
Прекрасно, когда есть возможность увидеть творения скульптора в хронологическом порядке в одном месте, воочию узреть развитие его творческой манеры, ухватить суть стилистики мастера. Тогда мастер становится узнаваемым, как бы проникает своим искусством в тебя изнутри. К сожалению, большинство скульптурных произведений, особенно монутментальных, сильно разбросаны не только по городам, но и по странам, и осуществить это намерение достаточно трудно. К счастью, существуют все же музеи скульпторов, где работы собраны в одном месте, как например, музеи Коненкова, Голубкиной, Сидура, Родена или, хотя бы зал копий скульптур Микаланджело в ГМИИ. Эти музеи производят незабываемое впечатление и являются истинными пропагандистами этого вида искусства.
Рельеф
Рельеф – это плоская скульптура, выступающая над плоскостью. В переводе с итальянского «relief» обозначает – выступ, выпуклость, объем. Рельефы активно присутствуют в мировом искусстве в диапазоне от архитектуры до ювелирных изделий. Благодаря тому, что они связаны с плоскостью – приобретают нечто общее с живописью и графикой.
Барельеф
Переводится как «низкий рельеф» - такая разновидность рельефа, в котором скульптурный объем выступает из стены не более, чем на половину. Иногда кажется, что ваяние барельефа – задача несложная, между тем, создание последовательной градации объемов на плоскости в правильном соотношении – это она из самых сложных задач скульптурного искусства.
Горельеф
Или по-другому «высокий рельеф». Фактически это есть скульптура, прислоненная к стене. Считается, что ее объем более чем наполовину выступает из стены, а некоторые части могут даже отрываться от плоскости. Но все же именно на фоне стены происходит развитие и бытование горельефа. Нередко горельефы многофигурны, как наиболее известные горельефы греческих храмов времен Античности, например, Пергамский алтарь.
Контррельеф или антирельеф
Контррельеф – рельеф вогнутый, похожий на контрудар по отношению ко всем другим рельефам и к скульптуре, в частности. Это такая антиматерия в действии: там, где обычная скульптура наступает, захватывая пространство, там контррельеф отступает и отдает; там, где скульптура создает объем, он создает антиобъем; там, где скульптура рассеивает свет, он его поглощает. Он поглощает все – свет, цвет, объемность, он такой весь противоположный, что трудно его представить частью скульптуры, особенно круглой, он все же ее часть – обратная сторона луны.
Основные средства художественной выразительности скульптуры – объем, композиция, свет. Для восприятия скульптуры имеет значение пластика в целом, то есть – работа объема во всей его выразительности – с распределением и взаимосвязью масс. Именно особенности пластики определяют художественный образ, формирующийся способом визуального осязания формы, т.е. обозрения.
Чуть проще визуальное осязание для одиночных, отдельно стоящих скульптур, когда благодаря круговому обходу и считыванию различных ракурсов ты как бы шаг за шагом, фрагмент за фрагментом, постигаешь произведение целиком. Для многофигурных скульптур, где особое значение играет композиционное взаимодействие скульптурных элементов вопрос об оценке художественного произведения на первом этапе кажется более неопределенным. Например, при обозрении рельефа «Битвы кентавров» Микеланджело – взгляд теряется в насыщенной, сложной, бурлящей многофигурности произведения. «Чума» - вздыхаешь ты, наблюдая переплетение рук, ног, торсов, хвостов и копыт, внутренне содрогаясь от кажущегося хаоса общей композиции. Потом вздыхаешь еще раз, и начинаешь познавать сие произведение искусства, вдохновленное человеческим гением, постепенно – цепляясь за какую-то небольшую деталь, потому вторую, потом выделяя фигуру, группу фигур и так далее...
Кроме объема в скульптуре большое имеет значение масштаб. В зависимости от того, соразмерна ли скульптура человеку, меньше его или, наоборот, значительно превышает его рост, меняется и ее восприятие. Например, пластика Е.А.  Лансере имеет камерный характер, копия Давида Микеланджело в ГМИИ, производит совсем другое впечатление на умы наблюдающих, как и сам оригинал на умы наблюдающих во Флоренции.
Подобно живописи скульптура бывает станковой и монументальной. Монументальной называется скульптура как правило обладающая значительным размером – это мемориальные памятники, городские монументы, скульптура на месте исторических событий, около или внутри архитектурных сооружений. Часто архитектурные сооружения вкупе с монументальной скульптурой образуют мемориальные ансамбли. Часть монументальной скульптуры составляет декоративная скульптура – используется для украшения интерьеров и наружных стен зданий, парков, фонтанов. К монументальной скульптуре также относят надгробные памятники.
К станковой скульптуре относится скульптура, располагающаяся внутри интерьеров. Особый ее вид – мелкая пластика, небольшие статуэтки, нередко имеющие декоративное значение.
 
Декоративно-прикладное искусство
Декоративно-прикладное искусство многообразно и многовидно, иногда хочется сказать многоглаво… Уже по самому названию, принятому в российском искусствознания, понятно, что это группа арт-объектов отличается декоративностью (т.е. эстетической функцией) и прикладным характером использования (т.е. утилитарной функцией).
Вещицы, сделанные искусно, имеющую одновременно пользу эстетическую и утилитарную составляющую окружали человека с древних времен. Но выделение предметов подобного рода в отдельный вид искусства происходило постепенно.
Классификация декоративно-прикладное искусств достаточно сложна, оно делится и по времени, и по странам, и по регионам, и по школам, и по отдельным гениальным мастерам-искусникам. И все это в целом представляет собой такой искусно запутанный лабиринт, что систематизировать этот мир прекрасных, дорогих, не очень дорогих и очень разных вещей достаточно сложно.
Наиболее часто декоративно-прикладное искусство делится по материалам – дерево, стекло, керамика, металл, ткани, причем дополнительно в этих группах выделяют – фарфор, ювелирное искусство, гобелены, бронзу, костюм, вышивку. Имеет значение и техника исполнения, которая образует собственную группу декоративно-прикладного искусства. Например, майолика, которая характеризует определенный, с ярко выраженными стилистическими признаками, вид керамического искусства Италии эпохи Возрождения.
Декоративно-прикладное искусство часто недооценивают по сравнению в «высокими стилями» искусства – архитектурой, живописью, скульптурой. Связанность декоративно-прикладного искусства с бытом как бы обмирщает и упрощает его.
Продолжительное время ценились только дорогие и роскошные предметы декоративно-прикладного искусства, те, которые наполняли сокровищницы и частные коллекции – из драгоценных материалов, каменьев, искусной работы. Со временем список ценных декоративно-прикладных предметов расширялся, в него включались произведения не только роскошные, но и обладающие художественной ценностью, являющиеся исторической памятью, образцом искусства эпохи.
Существует три основных признака декоративно-прикладного искусства:
Искусство этого вида называют декоративным из-за большого количества украшательских элементов, из которых основополагающим является орнамент. Орнамент – древнейшее умение человека, язык символов и знаков. Орнаменты присущи самым разным народам и культурам, изучение его носит настолько многогранный характер, что иногда его выделяют в отдельную дисциплину. Нередко в декоративно-прикладном искусстве он выступает главным средством художественной выразительности, т.е. именно в нем заключается особенность и эстетическое воздействие произведения.
Второй существенный фактор декоративно-прикладного искусства – материал, именно он определяет технические и эстетические возможности произведения. В зависимости от того, тянется ли материал, гнется, мнется, режется происходит вид и форма предмета декоративно-прикладного характера.
Важным свойством декоративного предмета является фактура – поверхность материала. Фактура имеет значение во многих видах искусства, например, в архитектуре, но в декоративно-прикладном искусстве проявляется наиболее сильно и разносторонне. Тесно связано с фактурой качество, также определяемое материалом из которого выполнено произведение, и называемое текстурой. Текстура является неким подчиненным свойством фактуры, организуя разнообразие материала внутри нее.
Третьим элементом декоративно-прикладного искусства, наряду с декоративностью (орнаментом), материалом является техника. В зависимости от способа обработки того или иного материала, например, глины, мы получаем множественные поднаправления такого вида искусства как керамика - фаянс, фарфор, терракота, шамот, майолика, различные керамические изделия для архитектуры и строительства, такие как кирпич, изразцы, черепица.
Итак, декоративно-прикладное искусство – одно из наиболее древних изобретений человека и наиболее тесно связанное с бытом человека. Все предметы, окружающие человека в повседневности, имеют тенденцию быть частью декоративно-прикладного искусства, но разной стоимости и разного уровня художественной выразительности. До возникновения промышленного производства каждый предмет был уникальным. Машинное производство принесло стандарт и унификацию, а также массовость изделий. В конце концов, промышленное искусство породило дизайн, который подменил собой привычный мир вещей, отправив большинство предметов декоративно-прикладного искусства в музей.
В свою очередь, декоративно-прикладное искусство отвоевало себе пространство памяти. Домашний скарб, быт, обстановка, одежда, то, что раньше казалось обычным и повседневным приобрело особенную ценность в качестве предметов даже не старины, а памяти - того, что ушло, но хотелось бы сохранить как элемент драгоценных воспоминаний и подлинное свидетельство эпохи. Кроме того, произведения декоративно-прикладного искусства представляют собой кладезь информации эстетического характера и образцов функциональных решений, неизменно привлекающих современных дизайнеров.

Дизайн
Дизайн долгое время проходил в мире искусства под званием «художественное конструирование» или «промышленное искусство». Первоначально к дизайну относились с некоторым пренебрежением, как к недоискусству. Но за XX век дизайн сделал такой прыжок в своем развитии, включившись в самые различные сферы деятельности человека и в самые разные виды искусства, что убедил всех в своей категорический необходимости и суперзначимости. По влиянию и охвату дизайн занимает сейчас гораздо больше места, чем какое-либо другое искусство.
Возникновение дизайна как самостоятельного направления происходит в конце XIX – начале XX века, и связано оно с развитием техники и промышленной революцией. Общество оказалось перед дилеммой – предметы промышленного производства были дешевле, массовее, но грубее, предметы ручного производства были красивыми и качественными, но дорогими. Большое внимание этой проблеме уделял Вильям Моррис – английский художник и теоретик искусства, организовавший в середине XIX века художественное объединение под названием «Движение искусств и ремесел». Моррис пытался найти пути производства красивых, качественных и относительно дешевых изделий, но настаивал на ручном труде как основе производства. К сожалению, такая позиция привела к тому, что вещи, производимые художниками «Движения искусств и ремесел» оставались единичными и дорогими, не выдерживая конкуренции на рынке труда. Поэтому идеологически данное объединение не имело продолжения. Однако поиски новых форм, материалов, техник которыми занимался Моррис вдохновили художественное сообщество на дальнейшие эксперименты уже в области дизайна. Поколение художников, которое пришло на производство в начале XX века, для того, чтобы изобретать вещный мир уже на промышленной основе, руководствовалось во многом идеями Морриса.
Основу дизайна составляют три критерия – польза, красота, эргономичность. Польза объединяет дизайн с такими видами искусства как архитектура и декоративно-прокладное искусство, так как предполагает, что произведение дизайна будет иметь утилитарное приложение. Красота, она же эстетика – свидетельствует о том, что дизайн является частью искусства.
Эргономика – слово, обозначающее удобство вещи, ее приспособленность к человеческому телу и человеческой анатомии – достижение не новое, оно свойственно произведениям средневекового искусства, народному творчеству. Эргономичность – характеристика дизайна, отличающая его от чистого декоративно-прикладного искусства, отходящая от концепции декоративности объекта к концепции удобства объекта.
Технологический переход рубежа XIX-XX века привел к метаморфозе искусства, породив художественные школы дизайна такие как БАУХАУС и ВХУТЕМАС, в которых как в алхимических лабораториях рождалось новое промышленное искусство. Работа художников не сразу была оценена по достоинству на производстве, внедрение принципов дизайна сталкивалось на первых порах со значительными трудностями и непониманием. Только постепенно практика и усердные наработки дизайна в разных отраслях промышленности вывели этот вид искусства в двигатель современной эстетики.
Дизайн включает в себя самые различные направления и постоянно прирастает новыми подвидами. Дизайн развивается, эволюционирует, совершенствуется – это уже отдельная большая стезя искусства, на которой подвизаются тысячи и тысячи.

Средства художественной выразительности – в общем-то эти три слова, объединенные почти что в самодостаточный элемент, и мало что объясняющие непосвященному зрителю, на самом деле составляют основу любого вида искусства. Если погрузиться в искусствоведческие тексты замечаешь, что это словосочетание встречается практически постоянно. В тоже время объяснить, что это такое бывает иногда достаточно трудно. Средства художественной выразительности состоят из средств, это понятно, однако какие это средства и что же они выражают?
Средств художественной выразительности немного – форма, линия, цвет, свет, композиция, пропорции, ритм, масштаб, фактура. Для любого вида искусства набирается свой арсенал средств, из которых складывается произведение, которое потом становится произведением искусства, если оно, конечно, художественно выразительно. Набор средств художественной выразительности у видов искусств разные – одни преобладают, другие – существуют в минимальном варианте. Например, для графики имеет основополагающее значение такое средство художественной выразительности как линия, и минимальное – цвет, для скульптуры главное – форма/объем, для архитектуры – композиция.
Средство - абстрактные понятие, описывающие и анализирующие создание художественного образа, художественного произведения. Наиболее понятно определение «средство» ученикам художественных школ с такой дисциплиной как «Рисунок». Именно там, рисуя карандашом бесконечный ряд натюрмортов из конусов, кубов, шаров и драпировок, приходит это понимание в наиболее осязательном варианте. Ты изображаешь объект строгой геометрической формы, например, куб, и с помощью линии и штриха выявляешь форму и объем предмета – контур, свет, тень – вот из этого складываются средств художественной выразительности рисунка. И даже цвет иногда поддается искусству рисунка, хотя бы в своем ахроматическом спектре.
Художественная выразительность обозначает эстетическое воздействие, воспринимаемое нами при созерцании объекта. Художественная выразительность существует как бы отдельно от произведения, являясь чем-то визуальным, но трудно описуемым, неким условным облаком, соотносимым с категорией «красота». Средства как раз помогают его перевести в описательный ряд при анализе произведения искусства.
Говоря о средствах художественной выразительности надо учитывать, конечно, что они существуют в произведениях искусства во взаимосвязи и взаимовлиянии, и когда мы анализирует произведение искусства, мы как бы искусственно его препарируем, отделяя одно средство художественной выразительности от другого – цвет от формы, линию от ритма и т.д. В жизни же все существует в целостном гармоническом единстве, но отделяя одно от другого, мы объясняем – как это работает.
 
Форма/Объем
Форма есть у всего. Описание формы – 30 процентов успеха для искусствоведа. Форма, которая развивается в пространстве называется объемом. Форма важна для произведения искусства, так как все это характеристика видимого, позволяющая описать и зафиксировать явление. Чтобы различать формы, их принято сравнивать с геометрическими фигурами – куб, шар, пирамида, параллелепипед – или с явлениями живой природы – лист, цветок, птица, рыба, луна. Правда надо учитывать, что когда говоришь, что данная форма напоминает то-то и то-то, необходимо быть достаточно внимательным, потому что у человечества в целом, и у искусствоведения в частности, для всего имеется, в общем-то, веками устоявшиеся наименования, например, такой-то элемент имеет форму лилии, другой – раковины, третий – дубового листа. Сначала это кажется сложным, однако на самом деле, устоявшихся наименований форм не так много. Искусствоведение здесь идет по пути разумной достаточности и не стремится бездумно раздувать описательную терминологию.
Существует и такое определение формы как беспредметная (суть бесформенная) форма, она тоже подходит к описанию объекта искусства.

Линия – средство художественной выразительности самое естественное для человека, потому что воспроизводиться элементарным движением пальца...Линию даже можно нарисовать в воздухе рукой!
В природе линий не существует (все, что мы видим является не линией, а границей объектов). В мире искусства линий сколько угодно, они даже образуют отдельные виды искусства, такие, например, как графика. С помощью линии передается конструкция и форма предметов, фигур, природных явлений.
Линия может быть явно выражена в произведении искусства, может быть воображаемой, передаваемой цветом, светом. Линия помогает схематично передать рисунок и конструкцию любого объекта искусства. Но также она обладает и чувственным воздействием на зрителя и может вызывать различные эмоции. Например, плавные линии могут выражать спокойствие, умиротворение, резкие – подчеркивать динамику, экспрессию изображения.

Цвет – средство художественной выразительности используемое повсеместно. В искусстве цвет является незаменимым, универсальным ингредиентом для создания произведения искусства. Его применение способно преобразить форму, подчеркнуть линию, трансформировать объем. Цветовая палитра чрезвычайно многообразна, а количество оттенков, практически бесконечно. Чтобы как-то охватить и осмыслить колористический материал – его принято делить на хроматические (цветные) и ахроматические (черный, белый, серый) цветовые тона. Цвет стоит изучат отдельно в рамках курса цветоведения, чтобы понять его воздействие на наше эмоциональное состояние, его работу в сочетаниях и по отдельности, или хотя бы просто насладиться тысячами названий цветовых оттенков. В конце концов, именно переосмысление этого средства художественной выразительности позволило в начале XX века выделить цвет в отдельное, так сказать, производство, и начать строить живопись исключительно с помощью цвета.
Сложность цвета в его тройственной характеристике – цветовой тон, насыщенность, светлота.
Согласно исследованиям Иоханнесса Иттена – швейцарского художника и теоретика искусства – цветовой круг состоит из трех основных цветовых тонов – желтого, синего, красного, цветов, получаемых из их смешения – зеленого, фиолетового, оранжевого, и далее усложняющегося ряда цветов, выраженного в цветовых оттенках. Кроме цветности как характеристики цветового тона, каждый цветовой тон обладает насыщенностью (или интенсивностью), а также светлотой – как степенью отличия от белого.
Для искусствоведения наиболее важно такое понятие как колорит или палитра – определенный набор цветовых оттенков, связанных общей композицией, или общим цветовым строем. Колорит - явление чрезвычайно важное, например, для живописи. Можно сказать, что палитра художника сравнима с отпечатками пальцев. А колористика – это его почерк. Например, вы никогда не спутаете палитру Врубеля с палитрой Венецианова, Петрова-Водкина с Альбером Марке, Коровина с Борисовым-Мусатовым. Есть определенная влюбленность художника в цветовые тона, в цветовые оттенки, по которым почти безошибочно узнаются его полотна.
Кроме живописной цветовой палитры, употребляемой в живописи, в искусстве существует палитра естественных оттенков, связанная с натуральными природными материалами – деревом, глиной, неокрашенными тканями и т.д. и т.п.

Свет – изображаемый, естественный или искусственный, играет значительную роль в описании и анализе художественного произведения.
В живописи он изображается, в скульптуре, архитектуре – является естественной частью окружающей среды, и часто выступает во взаимосвязи – с цветом, с объемом.
Именно свет позволяет краскам и формам существовать с наибольшей полнотой и самоотдачей. Правильное использование света добавляет произведению выразительности, динамики, художественной заостренности.
Для живописи изображаемый свет – иллюзия, преображающая плоскость, и один из способов построить художественное произведение. Опыты со светом активно проводили во времена итальянского Возрождения, уникальные примеры работы света наиболее грандиозно воплотились в произведениях Караваджо. В конце XIX века в попытках уловить эту невесомую категорию возникло целое живописное направление – импрессионизм. Серия «Руанских соборов» Клода Моне прекрасный пример тому как цвет и свет, подменяя другу друга, организуют живописное полотно, полное движения, изменчивости и сияния. И, может быть когда-нибудь удастся собрать все полотна в одном выставочном пространстве, чтобы оценить творческий подвиг художника, соединившего свет и цвет в одну волшебную искристую живописную феерию.

Композиция – понятие в искусствоведение настолько важное, что выделается в отдельную дисциплину. Происходит от латинского термина – composition, что обозначает «составление, соединение частей в ежиное целое». Хотя изучению композиции посвящается немало времени, точное осознание, что скрывается за определением «художественно-выразительная система, определяющая соотношение всех элементов», усваивается мозгом достаточно медленно. Что есть композиция в живописи? Расположение относительно друг друга гипсовых фигур и искусственных фруктов в ученическом натюрморте, вроде так…. А в скульптуре? Ну, хорошо, в Лаокооне точно есть композиция, там все сделано для того, чтобы на пальцах, точнее на змее объяснить тебе, что такое быть «композиционно связанным», а как быть с Венерой Милосской, колонной Траяна, портретных головках Голубкиной… Композиция в архитектуре? Внезапно выясняется, что это объемно-пространственная структура, а ведь есть еще композиция фасада…
Для искусствоведа композиция является неким камнем преткновения, когда  можно, сказать – и видишь, и догадываешься, и осознаешь, но по-настоящему понимание, что такое есть «композиция» приходит все-таки с искусствоведческим опытом. Только со временем глаз и ум учатся вычленять в объекте, среди того, что обозреваешь – целое и детали, общее и частное а более того   - наблюдать связи и соотношения между ними, оценивать их как привлекательные, выразительные или слабые, дисгармоничные. Тогда только, когда узнаёшь законы композиции, становится ясно почему одни живописные полотна признаются шедеврами, а другие стоят в ряду просто хороших мастеровых работ.
Множество характеристик входит в композицию – масштаб, ритм, контраст, нюанс, симметрия, асимметрия, характер формы, цветовые пятна, фактура материалов. Все эти элементы помогают понять как именно построена композиция в данном конкретном случае, определить какие способы выбрал художник для ее организации (конструирования), и помогают ли эти способы ее построить.
Качественные характеристики композиции – симметрия/асимметрия. Симметрия – свойство порядка, зеркальности, она достаточно влиятельна в мире искусства, хотя является не природной, а искусственной конструкцией. В ее рукотворности, логичности, можно даже сказать математичности, свидетельствующей о приложении к творению человеческого ума, есть своя гармония и эстетика, позволяющая создавать вдохновляющие шедевры. Очень любят симметрию архитектура, предметы декоративно-прикладного искусства. Асимметрия – это хаос и динамика, движение и природное начало в любом арт-объекте, поэтому особенно любима живописцами, которые извлекают из нее особые композиционные эффекты.
Также характерными для композиции, для описания ее устройства являются отношения тождества, нюанса и контраста элементов из которых она состоит.
Тождественные элементы в композиции демонстрируют нам схожесть, нюансные – небольшие различия. Элементы, наиболее отличающие друг от друга, говорят о контрастных отношениях в композиции. Тождественные элементы общей архитектурной композиции произведения встречаем мы в колоннаде, аркаде, повторяющихся оконных проемах. Нюансные соотношения, как и контрастные, легко обнаружить, например, в цветовых тонах. Контрастность цветовых сочетаний – основной постулат живописи Анри Матисса, где яркие, чистые цветовые тона постоянно вступают в динамичное колористическое соревнование. Цветовая гамма полотен Камиля Писсаро построена на нюансах. Соцветья сирени на живописном полотне Михаила Врубеля состоят из сочетания насыщенных сине-фиолетовых, сиреневых, голубых, фиолетовых сближенных цветовых тонах, находящихся друг с другом в как в контрастных, так и в нюансных соотношениях.
Взаимосвязь элементов придает дополнительные характеристики композиции, как, например, чередование цветовых пятен или характер линий создают иллюзию движения, наделяя общую структуру произведения динамикой или статикой.
Главное для понимании композиции – четкое осознание, что она состоит из всего набора средств, присутствующих в произведении искусства – она включает как изобразительные (фигуры, предметы, группы), так и неизобразительные элементы (цветовые пятна, линии, объемы, массы). Взаимное расположение элементов по отношению друг к другу в пространстве или распределение их на плоскости образует композиционную структуру  произведения.

Пропорции – чувствительное понятие для произведения искусства, говорящее о соразмерности частей между собой и соотношениях частей и целого. Для простоты понимания, что такое пропорции, можно взять строение человеческого тела. Приглядевшись к пропорциям человеческого тела можно обнаружить, что соотношение размеров головы к росту, кисти к руке имеет некоторую закономерность и соразмерность, считываемую нашим глазом, и образующую для нас эстетическую привлекательность или непривлекательность. Пропорции свойственны не только живому миру – человеку, животным, также они присутствуют для неживого мира – архитектуры, скульптуры, декоративно-прикладного искусства. Например, в архитектурных сооружениях разнообразие и художественная выразительность нередко достигается благодаря применению элементов различной формы – в одном случае используются широкие, горизонтальные элементы, в другом - вертикальные, вытянутые. Эстетическая привлекательность заключается не в форме элементов, а в их пропорциональном сочетании. Независимо от того, является здание вытянутым или приземистым, именно гармоничное сочетание пропорций всех его составляющих делает архитектурный образ совершенным. Главное, чтобы в сочетании одной детали с другою, между общим объемом и отдельными элементами наблюдался некий баланс форм, линий, цветовых пятен, организующихся в пространство эстетического переживания.
Ритм – одно из наиболее интересных художественных средств выразительности хотя и не такой легко считываемый, как например, цвет. Ритм имеет принципиальное значение для неизобразительных искусств, где именно ритмическая основа становится изобразительным, конструирующим и эмоциональным элементом.

Ритм – это повторение и чередование элементов произведения, в которых прослеживается определенная закономерность. Как правило, для ритмического эффекта используются соразмерные элементы. Например, в архитектуре ритм используется повсеместно – это колонны, окна, ниши, эркеры и т.д. Ритм бывает простым, когда идет чередование одинаковых элементов, например, окон, а может быть сложным – когда повторяются группы элементов, например, входные порталы.
Масштаб – характеристика, связанная удивительным образом и с изобразительными и не с изобразительными видами искусства. Применение этого средства может дать эффект совсем неожиданный, так как позволяет пользоваться иллюзиями для создания общего впечатления. Масштаб – категория очень подходящая для архитектуры, хотя архитектура сама по себе масштабна… Наряду с композицией, пропорциями, ритмом, масштаб является средством достижения различных художественных эффектов. Впрочем, в живописи и скульптуре масштаб тоже применяется очень активно.
Масштаб не тождественен размеру произведения. Иногда небольшое по размеру произведение производит монументальное впечатление, например, гравюры Джовани Пиранези, изображающие архитектурные фантазии на тему античного Рима,  обладают каким-то воистину титаническим размахом. При возможности, искусствоведу необходимо знакомиться с произведениями искусства лично. Только непосредственное восприятие объекта искусства дает полноценное понимание замысла автора, трудностей с которыми он сталкивался, профессиональных находок в процессе создания. Например, живописные полотна Ватто и Федотова неожиданно небольшие по своим размерам, Давид Микеланджело – монументален, здания эпохи конструктивизма лучше воспринимаются с другой стороны улицы.

Фактура – свойство поверхности любого материала. Как и ритм фактура наиболее актуальна для неизобразительных видов искусств. Фактура относится не к основным, а к вспомогательным средствам художественной выразительности. Однако свое влияние на общий строй художественного произведения, на впечатление, им производимое, она оказывает.  В некоторых случаях фактура может становится основным средством художественной выразительности.
Как подраздел в описании отмечают также свойство фактуры как текстура -  дополнительная характеристика при описании материала, которая с помощью рисунка плоского или объемного, создает эффекты внутри фактуры произведения.

Стиль – совокупность основных черт и признаков, позволяющих относить произведение искусства (арт-объект) к той или иной группе, направлению искусства. В общее понимание стиля входят разные виды искусства – и живопись, и скульптура, и архитектура и т.д. Стиль - это наиболее точная искусствоведческая характеристика, позволяющая ориентироваться среди самых разнообразных произведений искусства. Знание основных характеристик и признаков стиля помогает искусствоведу произвести атрибуцию объекта искусства -  хронологическую и географическую. Если посмотреть на всю цепочку произведений искусства, то можно проследить стилеобразование по странам, эпохам, художникам – от того момента как стиль зарождается в какой-то географической точке, развивается, достигает своего расцвета, пика, потом угасает. Иногда стиль остается принадлежностью одной страны или даже одной ее провинции, в другом случае захватывает целый континент, видоизменяется переходя из одного места в другое, обрастая собственными специфическими чертами. Одни стили существовали столетиями, как, например, готика, другие укладываются в пару десятилетий, как модерн. Главное состоит в том, что стиль оставляет качественный и очень узнаваемый отпечаток на объекте, который позволяет этот объект идентифицировать среди других объектов. Стиль – квинтэссенция художественной мысли, выраженная во времени и пространстве, и воплощенная в конкретных объектах благодаря стилевым признакам.

Стилевой признак – отличительная черта, которая относится к тому или другому стилю. Что может являться стилевым признаком? Воздушная и колористически насыщенная цветовая гамма венецианцев? Любовь к плоскостным изображениям и флоральным мотивам иррационального направления ар-нуво? Вертикальные линии в готической архитектуре? Красно-желто-черный рисунок хохломы? Стилевой признак есть характеристика, которая присуща арт-объекту, помогая нам отнести его к определенной группе других арт-объектов.

Синтез искусств
Понятие гармонии, соединения различных видов искусства, например, в архитектуре, в театре. Это тот случай, когда один вид искусства как бы становится основой, дает в себе развиться, существовать и взаимодействовать другим жанрам. Иногда в искусствоведческой литературе для определения синтеза искусств встречаются такие определения синкретизм или синергия.
С самого начала искусства представляло собой синкретическое явление, то есть оно существовало в неразрывном единстве всех видов и только по мере развития стало выделяться и обособляться в отдельные его виды – живопись, скульптура, архитектура, театр, кино и т.д. Каждый вид искусства вырабатывал свой язык искусства, оставаясь в то же время частью целого.
Выделяя отдельные виды искусств, человечество не переставало мечтать о единении искусств. Наиболее вдохновенный пример синтетического искусства оставили, конечно же, греки. Именно благодаря их мифологии в культурном пространстве возник образ Храма Муз (иначе называемый Мусейоном), возглавляемый Аполлоном – покровителем муз и искусств. От слова «Мусейон» произошло в дальнейшем и слово «Музей».
Синтезом искусств на протяжении многих столетий были храмы, соединяющие архитектуру, музыку, живопись, декоративно-прикладное искусство, скульптуру, танец. В большой степени синтеза искусств удалось добиться театру – любой спектакль предполагает объединение нескольких видов искусств. На сегодняшний день именно театр предстает тем самым «Мусейоном», где в композиционной единовременности и согласности звучания оживают древнегреческие покровительницы искусства.
К синтезу искусств наиболее осознанно, сделав это даже в некотором роде своим стилевым признаком, стремился стиль «модерн». Идея архитектурного сооружения, где будет спроектировано все от лестниц и фасадов до мебели и замочных скважин воплощена в лучших постройках архитекторов Чарльза Макинтоша и Федора Шехтеля. Попытки объединить цвет и звук, найти их некоторую гармоничную зависимость пропагандировали и осуществляли в своих произведениях Александр Скрябин и Василий Кандинский. Сегодня поиски взаимодействия ведутся на пересечении света и цвета.
Несмотря на привлекательность идеи об идеальное соединение всех видов искусств, на современном этапе понятие синтеза искусств все еще остается несколько теоретическим понятием и мечтах человечества о золотом веке. В чем же привлекательность идеи о синтезе всех искусств? При органичном сочетании видов искусств, их эмоциональное и эстетическое воздействие усиливаются, искусства помогают друг другу звучать ярче, сильнее, действеннее. Возникает некая симфония чувств и впечатлений, обладающая многократным резонансным воздействием на зрителя, и являющаяся высшей точкой развития искусства.

Эпилог
Эта книга предназначена для искусствоведов и тех, кто подвизается на широкой, но зыбкой тропе мирового искусства, и пытается сохранить равновесие в сложном эмпирическом пространстве, напичканном именами, датами, понятиями и определениями. В тоже время, эта книга – попытка сконструировать в информационном пространстве некоторое методологическое пособие простейшего плана, которое бы набросало скелет из основных понятий истории искусства и служило бы подпоркой искусствоведческому таланту в бурной реальности эстетического созерцания.
Если читатель почувствует в себе тягу к прекрасному, то удовлетворит этим текстом некоторое свое профессиональное любопытство.  Пособие станет в руках его инструкцией к применению при столкновении с произведениями искусства, окружающими нас со всех сторон, и, надеюсь, внесет некоторую стабильность в хаотический эмпирей прекрасного.
Этот текст сознательно не касается современного искусства. Дело в том, что технологические изменения породили в современном пространстве большую аморфную массу из искусства, недоискусства, псевдоискусства, антиискусства. Искусство настолько видоизменилось, что, несомненно, требуется время на его осмысление. Но в любом случае, основа истории искусства, разработанная в 19 и 20 веках, является достаточно четким базисом, понимание которого приведет нас в конце концов к пониманию искусства 21 века.