Изобразительное искусство

 Глухов А. В. Изобразительное искусство / Под ред. Л. Г. Серебряковой. — М.; Издательские решения, 2022. — 144 с.
...

Посвящается моему учителю,

наставнику и коллеге

Серебряковой Л. Г.

От автора

Изобразительное искусство — самый привлекательный и романтичный вид знаний на Земле. Искусство позволяет учащимся мыслить образами и пытаться создать собственный оригинальный творческий продукт.

При составлении этой книги, я прежде всего исходили из принципа, что дети на уроках рисования должны прежде всего рисовать, а не читать многостраничные параграфы перегруженные многочисленными иллюстрациями и текстами. Нельзя не заметить, что большинство учебников по изобразительному искусству стали превращаться в учебные пособия по истории. Поэтому я свел к минимуму теоретический материал.

Особенности книги:

1. Использованы большие, на целую страницу иллюстрации. Это было сделано для удобства восприятия материала.

2. В качестве иллюстративного материала чаще всего были использованы наиболее знаковые произведения мирового искусства в расчёте на то, что, заинтересовавшись тем или иным художником или направлением в искусстве, читатель сможет самостоятельно поискать интересующий его материал в интернете или книгах.

3. Лаконичность изложения и тщательно отобранный иллюстративный материал позволит разобраться в водовороте стилей и направлений в изобразительном искусстве.

4. В данном учебном пособии я по максимуму попытался реализовать триединую дидактическую задачу (научность, системность, доступность). Последнему принципу было уделено особо пристальное внимание. Знания должны быть доступны и понятны для всех учеников простой общеобразовательной школы.

Моим постулатом при написании этой небольшой книги, стали азбучные педагогические истины знаний: «Повторение мать учение» и «лучше меньше да лучше».

1. Традиционные виды изобразительного искусства


Леонардо да Винчи. Джоконда (Мона Лиза). 1503 — 1519 года. Доска (тополь), масло. 76,8 ; 53 см. Лувр, Париж.
Искусство

Искусство — это вид знаний, который постигается через образное осмысление действительности (то есть, реалий обычной жизни). В результате, художник отражает свой внутренний и внешний мир по отношению к творцу (вселенной) и другим людям

Прекрасно об искусстве сказал Великий русский писатель Лев Толстой: «Искусство есть заражение чувствами других людей».



Апофеозом (вершиной) развития изобразительного искусства следует считать, знаменитую «Мону Лизу», или «Джоконду» — «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо». На картине изображена Лиза Герардини, супруга флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо. Джоконда Леонардо — это гимн искусства и визитная карточка этого вида знаний.



Леонардо да Винчи (1452–1519) — Великий итальянский художник и учёный. Леонардо любил использовать свой собственный приём «сфумато», что в переводе с итальянского означает — «исчезающий как дым», поэтому его картины кажутся такими таинственными и загадочными. Но «сфумато» — это лишь внешняя оболочка его прославленной картины, суть же Моны Лизы надо искать в самом авторе, но это невозможно увидеть — это можно только мыслить.



«Живопись — это поэзия, которая видна и не ощущается, а поэзия — это картина, которая ощущается и не видна», — Леонардо да Винчи.



Теперь скажем иначе, простым и понятными словами:

«Искусство — это такой же вид знаний, как и наука,…но в отличии от науки, искусство говорит с нами языком любви и чувств, поэтому оно вечно.

ЖИВОПИСЬ


Рембрандт. ПОРТРЕТ ТИТУСА. 1668. Холст, масло. Лувр, Париж. 72 х 56.
Живопись — самый популярный вид изобразительного искусства, Произведения живописи создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность. Основным выразительным средством живописи является цвет

«Живопись — это искусство выражения невидимого через видимое», — Эжен Фромантен (французский живописец).



В искусстве выделяют несколько разновидностей живописи: станковая живопись (то есть картины, написанные на мольберте), монументально-декоративная роспись (фрески), театрально-декорационная живопись, цифровые изображения, миниатюра.



Картины Рембрандта являют собой прекрасный образец живописи. Рембрандт или Рембрандт Харменс ван Рейн (1606 — 1669) — величайший голландский художник, мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи (живопись эпохи барокко). Живопись Рембрандта несёт в себе глубокий драматизм и глубину человеческих переживаний и чувств. Его живописные полотна обычно выполнены в тёмных тонах, но именно ночью человек может зажечь свечу в беспросветном царстве теней.



«Живопись — внучка Природы, родственница Бога», — Рембрандт.



Портрет Титуса был выполнен Рембрандтом в 1668 году, когда Титус женился на Магдалене ван Лоо, дочери друга Рембрандта. 4 сентября 1668 года, спустя всего несколько месяцев, Титус умер от чумы. Смерть единственного сына отложила глубокий отпечаток в творчестве художника.

ГРАФИКА


Ван Гог. Пасторский сад. 1884. Бумага, карандаш. Музей изобразительных искусств (Будапешт). 19х14.
Графика — вид изобразительного искусства, в котором в качестве основных изобразительных средств, используются тональные отношения линий, штрихов и пятен. Графические работы зачастую требует больше времени и усилий со стороны художника

В царской крепостнической России к началу ХХ века термина графика ещё не существовало. Графические произведения и по ныне идут вслед живописи, согласно искусствоведческой традиции. Цвет в графике может применяться, но он играет вспомогательную роль. При работе в графике обычно используют один или два цвета.

Графические произведения подразделяются на несколько родов: станковая графика (все виды гравюры, акварель и др.); книжная графика (иллюстрации, заставки, буквицы, обложка, создание рисунка шрифта, общее оформление книги и др.); журнальная и газетная графика (оформление печатных изданий, карикатуры, иллюстрации); прикладная и промышленная графика, (почтовые марки, денежные знаки, буклеты, рекламные издания, фирменные знаки, товарные ярлыки, упаковка, вывеска); графика письма (каллиграфия, искусство шрифта); плакат (вид торговой рекламы и политической агитации); компьютерная графика.



Особый интерес представляют графические работы Ван Гога.

Ван Гог или Винсент Виллем Ван Гог (1853 — 1890) — нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали существенное влияние на живопись XX века. За десять с небольшим лет он создал более 2100 произведений, включая около 860 картин маслом. В своём последнем письме художник признался, что, поскольку у него не было детей, то он рассматривает свои картины как потомство. В работах Ван Гога мы чувствуем восхищение природой, сопереживание человеческому горю и чувствам.

«Нет ничего более по-настоящему художественного, чем любящие люди», — Винсент Ван Гог.

СКУЛЬПТУРА


Микеланджело. Давид. 1504. Мрамор. 517 см. Флоренция, Академия изящных искусств.
Скульптура — вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму. В широком значении скульптура — это искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и других предметов природы. Понятие «скульптурность» (возможность осязать объём), противопоставляется «графичности» и «живописности». Отдельно рассматривают такую разновидность искусства скульптуры, как рельеф. Скульптура — самый выразительный вид искусства благодаря тому, что изображение приобретает реальный объём

Скульптурное изображение также обозначается довольно архаичным словом изваяние.



«Истинное произведение искусства» — не более, чем тень божественного совершенства, — Микеланджело.



Микеланджело или Микеланджело Буонарроти или Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475 — 1564) — Великий итальянский скульптор, художник, архитектор. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения. Микеланджело прожил почти 89 лет, за этот период сменилось тринадцать пап римских. Микеланджело был первым представителем западноевропейского искусства, чья биография была напечатана ещё при его жизни. Творчество Микеланджело стало созвучно и тождественно понятию «скульптура». Его скульптура есть кульминация и апогей развития скульптуры.



«Человек рисует мозгом, а не руками», — Микеланджело.



Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые представленная публике на площади Синьории во Флоренции 8 июня 1504 года. Изваяние было воспринято в качестве символа свободолюбия и борьбы за независимость Флорентийской республики. Статуя Давида до сих пор является олицетворением скульптурного творчества. Она воспевает красоту и совершенство человеческого тела.

«Искусство ревниво: оно требует, чтобы человек отдавался ему всецело.» — Микеланджело.

ФОТОИСКУССТВО


Родченко. Ударник Электрозавода. Фотография. 1929 год. 40х22.
Фотоискусство — это искусство основанное на технологиях фотографии, отражающей творческое видение фотографа как художника. Считается одним из изобразительных искусств и занимает одно из ключевых мест в современной массовой культуре. Искусство фотографии, несмотря на относительную молодость стало одним из самых востребованных видов изобразительного искусства

Для фотоискусства характерно значительное разнообразие технических средств и богатство изобразительного языка.



Александр Михайлович Родченко (1891 — 1956) — русский и советский живописец, график, плакатист, скульптор, фотограф. Родченко один из представителей фотографии Нового видения. Фотографии Родченко уникальны своей системой координат и манерой видения. Родченко использовал съемку с непривычного ракурса, который сразу же стали называть «родченковским». Он точно чувствовал природу света и тени как материала для построения фотографического пространства. Благодаря Родченко искусство фотографии заняло своё подобающее место в мировом искусстве. Он доказал, что передача образа возможна не только через мир красок и карандашей, но и с помощью фотоаппарата и других современных средств.

Кредо Родченко — «Я хочу научить людей видеть необыкновенно обыкновенные вещи».

2. Основные материалы для творчества

КАРАНДАШ


А. Глухов. Фуга для арбуза и сирени. 2020. Бумага, цветные карандаши. 34Х26.



А. Глухов. Натюрморт. 1989. Бумага, карандаш. 59Х42
Карандаш — инструмент в виде стержня из пишущего материала (угля, графита, сухих красок и тому подобного). Начиная с XIII века художники использовали для рисования тонкую серебряную проволоку, которую припаивали к ручке или хранили в футляре. Такой тип карандаша называли «серебряный карандаш. Графитные карандаши известны с XVI века. Карандаши принято делить на простые и цветные.

Нельзя не признать тот факт, что рисование в технике простого или цветных карандашей стала наиболее востребованной и популярной у детей. Это объясняется практичностью применения и относительной дешевизной этого художественного материала.

«Когда человек посвящает себя искусству, многих бед он избежит, если не будет бездельничать», — Альбрехт Дюрер.

ПАСТЕЛЬ


Э. Дега. Голубые танцовщицы. 1897. Бумага, пастель. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва. 65 ; 65.
Пастель — группа художественных материалов, чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы. Пастель бывает трёх типов — «сухая», масляная и восковая. Пользоваться пастелью художники начали в конце XV века. Пастель нельзя назвать востребованным художественным материалом, однако, цветопередача у пастели одна из лучших. Благодаря пастельной технике художник может передать своим образам особенную яркость и выразительность.

Эдгар Дега (1834 — 1917) — французский живописец, один из виднейших представителей импрессионистского движения. Пастельные работы Дега стали визитной карточкой этого художественного материала, «Голубые танцовщицы» выполнены настолько искусно, что по праву могут соперничать с любым произведением выполненным, даже выполненным в технике масляной живописи.

«Искусство — это не то, что ты видишь, а то, что ты заставляешь других видеть», — Эдгар Дега.

ЧЕРНИЛА


Александр Глухов. Vade mecum III (Иди со мной). 2018. Бумага, чернила. 21Х21.
Чернила — жидкий краситель, пригодный для письма. Рисунки чернилами представляют собой разновидность графики. Чернила во многих языках происходят от слова «черный». Однако они изначально были разноцветными, так как производились из самого разного сырья. Их делали из соков, отваров, растительных клеев, насекомых и т. д.

Традиционно чернила ассоциируются с китайской живописью, где искусство каллиграфии было возведено в ранг искусства, однако, современные художники всё чаще и чаще используют чернила в своём творчестве.

АКВАРЕЛЬ


М. Ю. Лермонтов. А. А. СТОЛЫПИН-МОНГО (Столыпин в костюме курда). 1841. Акварель. Литературный музей, Москва. Овал. 13,2;9,4.
Акварель — техника изображения и разновидность изобразительного искусства, занимающая положение между живописью и графикой. Основной недостаток акварельной живописи — слабая светостойкость, поэтому в музеях произведения, выполненные в технике акварели, при длительном хранении закрывают специальными шторками. Акварель требует обязательной окантовки в паспарту под стекло. Краски на водной основе известны с древнейших времен. Акварелью исполнены цветные рисунки на древнеегипетских папирусах. В Средние века акварель использовалась для иллюстрирования рукописей. Акварельная техника была особенно популярна в императорской России, множество портретных зарисовок было сделано во времена Пушкина и Лермонтова.

«…Я жидкий блеск икон в дрожащих струйках дыма,

Я шелест старины, скользящей мимо,

Я струйки белые угаснувшей метели,

Я бледные тона жемчужной акварели» —

Максимилиан Александрович Волошин.

Михаил Юрьевич Лермонтов (1814—1841), русский поэт, на протяжении всей жизни увлекался рисованием и живописью.

Монго — повеса и корнет,

Актрис коварных обожатель,

Был молод сердцем и душой…

…

Породы английской он был —

Флегматик с бурыми усами,

Собак и портер он любил,

Не занимался он чинами,

Ходил немытый целый день,

Носил фуражку набекрень;

Имел он гадкую посадку:

Неловко гнулся наперед

И не тянул ноги он в пятку,

Как должен каждый патриот. (1836 год).

МАСЛЯНАЯ ЖИВОПИСЬ


Елена Колобова. Натюрморт с подсолнухами. 2016. Холст, масло. Финляндия, частная коллекция. 50х35.
Масляная живопись — одна из живописных техник, использующая краски с растительным маслом в качестве основного связующего вещества. Масляные краски состоят из сухих пигментов и высыхающего масла. Например, может применяться масло семян льна, мака или грецких орехов. Масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Масляная живопись по сей день является бесспорным фаворитом среди художественных материалов.



Этот метод живописи был известен еще пять тысяч лет назад, а широкое распространение получила в 7 веке н. э. в Афганистане. Ученые это обнаружили, изучая роспись буддийских храмов в Бамианской долине. А в Европе заново изобрели масляные краски уже в 13—14 веке. Широкое применение в Европе масляная живопись получила в начале XV века благодаря искусству нидерландского живописца Яна ван Эйка.

В профессиональной художественной среде масляная живопись считается одной из наиболее удобной техник. Основные плюсы написания картин маслом: хорошая смешиваемость красок для получения всевозможных оттенков, сохранение первоначальных цветов после окончательного высыхания красок, возможность быстрого удаления мастихином остатков краски при исправлении ошибок, долговечность готовых произведений искусства.



Елена Викторовна Колобова. Современная художница с ярко выраженным индивидуальным стилем. Род. 1961. Работы Колобовой находятся в музеях и частных коллекциях в России и за рубежом. Ленинградская область, город Подпорожье.

ГУАШЬ


А. Глухов. Последний звонок. 1989. Бумага, гуашь. 59Х42.
Гуашь — вид клеевых водорастворимых красок. Состоит из растёртых пигментов и связующего клея. В гуашевых красках присутствуют белила. Благодаря этому рисунок гуашью получает приглушённость цветов. Рисунки после высыхания становятся более светлыми — выбеливаются и приобретают нежную бархатистость и матовость. Расцвет техники гуаши приходится на конец XIX — начало XX в. Гуашь является весьма популярным художественным материалом у начинающих художников, однако множество её недостатков приводит к тому, что художники всё больше и больше отдают предпочтение акриловым краскам.

АКРИЛОВАЯ ЖИВОПИСЬ


А. Глухов. Чёрное сердце поэзии. 2022. Холст, акрил. 25х20.
Акриловая живопись — это довольно новый вид красок в современном искусстве. Благодаря своей яркости, эластичности и стойкости акриловые краски быстро завоевали популярность. Картины акрилом представляют собой живописные полотна, для создания которых художники используют синтетические краски на основе акриловой смолы, пигментов и воды. Акриловые краски быстро сохнут и легко растворяются в воде. В последнее время использование акриловых красок возросло настолько, что складывается впечатление, что между акрилом и маслом установился паритет.

«Постижение искусства даёт ощущение прощания с этим миром, но при этом тебя не покидает чувство счастья и радости», — Глухов А. В.

ТЕМПЕРА


Ботичелли. Портрет молодой женщины, Симонетты Веспуччи. 1484 год. Дерево, темпера. 82 ; 54.
Темпера — водяные краски, приготовляемые на основе сухих порошковых пигментов. Связующим веществом темперных красок служит желток куриного яйца или цельное яйцо. В наше время, после окончания картины, темпера не покрывается лаком, благодаря этому работы получают матовую фактуру.

Темперные краски — одни из древнейших в мире. До изобретения и распространения масляных красок, темперные краски были основным материалом для живописи. История использования темперных красок насчитывает более 3 тысяч лет. Знаменитые росписи саркофагов древнеегипетских фараонов выполнены темперными красками



Боттичелли или Сандро Боттичелли (1445 — 1510) — Великий итальянский живописец, один из значимых мастеров эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи. Боттичелли никогда не был женат и, по-видимому, выражал сильное неприятие идеи брака. Однако у него могли быть близкие отношения с Симонеттой Веспуччи, которая послужила источником вдохновения для многих женских фигур в картинах художника.

Камень с римской гравировкой на ее ожерелье принадлежал Лоренцо Медичи. Симонетта Веспуччи была известна как величайшая красавица своего времени в Италии и была моделью картин Сандро Боттичелли. Она умерла в двадцать два года. Ее пронесли по городу в открытом гробу на всеобщее обозрение, и, возможно, во Флоренции существовал посмертный культ о ней.

3. Стили, течения, направления в изобразительном искусстве

ПРИМИТИВИЗМ И ПЕРВОБЫТНОЕ ИСКУССТВО


Куэва-де-лас-Манос или Пещера рук
Куэва-де-лас-Манос или Пещера рук — пещера на юге Аргентины. Изображения человеческих рук — возраст 9500 лет приблизительно. Самое интересное, что в основном здесь запечатлены левые руки мальчиков-подростков. Это позволяет предположить, что нанесение изображения своей руки входило в обряд инициации. Мальчик, становясь взрослым, должен был оставить контур своей руки в религиозных целях.



Примитивизм и первобытное искусство — направление в искусстве в котором художник упрощает художественные образы и выразительные средства. По сути, примитивизм заимствован у доисторических людей. Примитивизм и наивное искусство чаще всего отождествляют.


Дикие быки на стене пещеры Альтамира в Кантабрии (ок. 20 тыс. лет)
Теперь скажем простым и понятным языком:

«Примитивизм в искусстве (большинство считает что примитивизм и наивное искусство суть одно и тоже) — это когда художник пишет картины как первобытный человек, но в отличии от доисторических людей современный художник делает это сознательно.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО КИТАЯ


Дун Юань. Зимние рощи и слоистые берега. ок. 950 г. Шёлк, чернила. Институт Курокавы, Хёго. 181,5x116,5.
Изобразительное искусство Китая. Традиционная китайская живопись использует те же техники, что и китайская каллиграфия, и выполняется кистью, смоченной черными или цветными чернилами. Многие критики считают пейзаж высшей формой китайской живописи.

Шесть принципов из китайской живописи, которые определяют картину:

«Духовный резонанс» или жизненная сила. Общая энергия произведения искусства.

«Костный метод» или способ использования кисти. Это относится не только к мазку кисти, но и к тесной связи между почерком и индивидуальностью.

«Соответствие объекту» или изображение формы.

«Соответствие типу» или нанесение цвета.

«Разделение и планирование» или размещение и расположение, соответствующие композиции, пространству и глубине.

«Передача копированием» не только с натуры, но и с произведений античности.

Дун Юа;нь — (934—962 гг.) — китайский художник. Дун Юань является одним из великих мастеров классического китайского пейзажа периода его расцвета.



Давайте попробуем сказать попроще:

Китайская живопись очень своеобразна, так как напрямую связана с каллиграфией и подчерком художника. Китайская живопись пишется чернилами и кисточками, поэтому надписи и, например, пейзаж представляют собой единое целое.

ИНДИЙСКАЯ ЖИВОПИСЬ


Фаррух Бек. Султан Ибрагим Адил-шах II на соколиной охоте. 1595. Миниатюра. Институт востоковедения, Санкт-Петербург. 28,7x15,6
Индийская живопись имеет очень давние традиции и глубокую историю в искусстве, хотя из-за климатических условий сохранилось очень мало ранних примеров. Однако, в силу исторической специфики и особенностей культурных традиций Индии, изобразительное искусство не достигло тех высот, которые мы можем наблюдать в истории западноевропейской живописи. Например, деканская живопись — это форма индийской миниатюрной живописи, созданной в регионе Декан в Центральной Индии, в различных мусульманских столицах деканских султанатов. Высокое качество миниатюр предполагает, что уже существовала местная традиция. По сравнению с ранней живописью Великих Моголов, живопись Декана превосходит «яркостью цвета, изысканностью и артистичностью композиции. Но, несмотря на внешнюю привлекательность индийских образцов живописи, в ней нет той глубины образов, которую мы можем лицезреть в искусстве западноевропейской живописи.



А теперь об индийской. живописи скажем языком обывателя:

«Китайская живопись Индии очень мила, цветиста и пестра, но в ней ты не найдешь глубокого смысла и остроты человеческих переживаний и проблем. Живопись Индии приятна взгляду, но здесь нет глубокого психологизма Леонардо да Винчи, Рембрандта, Веласкеса, Рафаэля, Верещагина и других метров европейской живописи.

ИСКУССТВО ЕГИПТА: ФАЮМСКИЙ ПОРТРЕТ


Женщина с колечком, оранжевым хитоном и стержневыми серьгами. I век н. э. Энкаустическая живопись. Музей Шотландии.
Вершина искусства Египта: фаюмские портреты — созданные в технике энкаустики погребальные портреты в Римском Египте I — III веков. Своё название получили по месту первой крупной находки в Фаюмском оазисе в 1887 году. Портреты мумий были найдены по всему Египту. На сегодня известно около девятисот погребальных портретов. Благодаря сухому египетскому климату многие портреты очень хорошо сохранились. Ранние фаюмские портреты выполнены в технике энкаустики. Это восковая живопись расплавленными красками, которую отличает объёмистость мазка. На погребальных портретах мы можем увидеть различные причёски. В большинстве своём все умершие были изображены с причёсками, отвечающими моде своего времени. Вы только вдумайтесь — более 900 портретов и все они смотрят на нас в упор через призму времени. Это производит неизгладимое впечатление, так как манера изображения оказалась весьма реалистичной.



Теперь выскажемся простым языком:

Живопись Египта на последнем своём этапе достигла таких высот, что у простого обывателя складывается впечатление, что все эти давно умершие люди смотрят на нас живее всех живых. Вот каких высот достигли в своем творчестве художника Египта.

ВАЗОПИСЬ ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ


Аттический краснофигурный пластиковый кантаро с лицом Януса с изображением сатира и женщины, время создания около 420 г. до н. э. Метрополитен-музей.
Вазопись Древней Греции. Древнегреческая керамика представляет собой внушительный пласт культурного наследия древности. В настоящее время найдено более 100 тысяч расписных ваз и многие из них являются памятниками искусства. Керамические изделия греческих мастеров поражали своим разнообразием и великолепием. В каждом доме были такие предметы, предназначавшиеся для самых разных целей — и сосуды для хранения продовольственных запасов, и повседневная посуда, и в качестве декора домашней обстановки. На вазах мы можем увидеть сцены из повседневной жизни — спортивные состязания и тренировки. На вазах изображали буквально всё.


Чернофигурная аттическая амфора.
СРЕДНЕВЕКОВАЯ СТИЛИЗОВАННАЯ ЖИВОПИСЬ


Неизвестный иконописец. Христос Пантократор. VI век. Монастырь Св. Екатерины, Египет. Доска, восковые краски. 85 ; 45.
Средневековая стилизованная живопись (XV — XV века): иконопись (техника энкаустики, темперы, мозаики), фреска (живопись по сырой штукатурке), витраж (техника цветного стекла). Стилизация — это направление, которому присущ упрощенный четкий контрастный линейный рисунок (штрих, пятно, линия). Упрощенность, лаконизм — характерная черта стилизации. Стилизация — это с одной стороны упрощение, а с другой стороны усложнение какого-либо предмета Стилизация — есть путь к декоративной живописи, авангарду, абстракционизму.



Энкаустика — техника живописи, где связующим веществом для красок является воск и выполняется красками в расплавленном виде.

Христос Пантократор из Синайского монастыря — энкаустическая икона середины VI века с изображением Иисуса Христа Пантократора. Является древнейшим изображением Христа. Спонтанность и индивидуальность письма этой иконы воспринимаются как результат определенного ясновидения. Икона была создана в Константинополе в середине VI века и направлена императором Юстинианом в дар Синайскому монастырю, для которого он в это время возводил базилику и укреплённые стены. Икона была обнаружена в монастыре в XIX веке.



Теперь скажем простым языком обывателя: «Живопись эпохи средневековья — это большой период в истории, когда художники в основном только расписывали храмы и писали иконы. Живопись в основном была стилизованная: никаких тебе прыщей и бородавок на лица, а на голове выписан волосик к волосику (никаких тебе взъерошенных или запутанных волос). В этой живописи нет теней, полутеней и объема.

ЖИВОПИСЬ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ


Рафаэль Санти. «Мадонна Конестабиле». 1502—1504. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Холст (переведена с дерева), темпера. 17,5 ; 18.
«Мадонна Конестабиле» — лучший шедевр Рафаэля Санти. Считается последней работой, созданной Рафаэлем в юношеском возрасте в Умбрии, до переезда во Флоренцию. Хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Многие художники и искусствоведы восторгаются только большими по формату картинами, а тут размер всего 17,5 ; 18 см.



Возрождение, или Ренессанс — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам. Отличительная черта эпохи Возрождения — антропоцентризм (то есть интерес к человеку). Расцветает интерес к античной культуре. Эпоха Возрождения считается точкой отсчета современного европейского искусства. Художники Возрождения начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа. Это позволило им сделать изображения более реалистичными в отличие от иконографической традиции. Художники в своём творчестве начинают отказыватсья писать картины, как иконы, стремясь писать картины более реалистично.


Рафаэль «Автопортрет». (1506). Галерея Уффици, Флоренция.
МАНЬЕРИЗМ


Эль Греко. Святой Себастьян. 1579. Ризница собора, Паленсия, Испания. Хост, масло. 191 ; 152.
Маньеризм, от латинского слова манера — это течение в западноевропейском искусстве 1520—1590-х годов. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком.

Характерными особенностями маньеризма принято считать повышенный спиритуализм (тяга к чему-то таинственному), сочетающийся с не менее сублимированным эротизмом (определенно выраженным любовным влечением).

Сюжет картины слева: Себастьян тайно исповедовал христианство. Двое его друзей Марк и Маркеллин были осуждены на смерть за свою веру. Себастьян пришёл поддержать осуждённых, но был арестован. Император Диоклетиан приказал отвести его за город, привязать и пронзить стрелами. Думая, что он мёртв, его жена Ирина пришла ночью, чтобы похоронить, но обнаружила, что он жив. Но на этот раз он был забит камнями до смерти.

Эль Греко или Доменикос Теотокопулос (1541 — 1614) — Великий испанский живописец эпохи Испанского Ренессанса.


Эль Греко. Мученичество святого Маврикия (фрагмент).
Маньеризм, давайте скажем попроще: Маньеризм — это когда художники после эпохи Леонардо да Винчи и Рафаэля отошли немного от возвышенных идеалов, добавив в свою живопись чуточку любовной страсти и таинственности.

ЖИВОПИСЬ ЭПОХИ БАРОККО


Диего Веласкес. «Портрет папы Иннокентия Х». 1650. Галерея Дориа-Памфили, Рим. Холст, Масло. 140 ; 119.
Живопись барокко пришла вслед за искусством эпохи Возрождения и маньеризмом — живописные произведения создавались в XVII — XVIII вв.,Живопись барокко характеризуется динамизмом, пышностью форм. Для барокко характерна броская цветистость и динамичность; В палитре особенно часто использовали красный, синий и жёлтый.



В 1650 году Диего Веласкес поехал в Рим, чтобы закупить картины и статуи академии в Мадриде. В Риме художник повстречал папу Иннокентия Х, который был известен своей продажностью и корыстью. Папа заказал Веласкесу свой портрет. Художник решил показать корыстную всю суть папы Иннокентия Х.

Увидев свой портрет, папа произнёс: «Слишком правдиво!».

В награду художник получил массивную золотую нагрудную цепь с миниатюрным портретом Иннокентия X.

Диего Веласкес (1599 — 1660) — Великий испанский художник, крупнейший представитель золотого века испанской живописи.


Диего Веласкес. Завтрак (фрагмент). Человек справа, сам Веласкес.
Давайте скажем обычным и простым языком: Живопись барокко весьма реалистична, но люди на картинах выглядят, как при полном параде, и, частенько, с надменным взглядом смотрят на зрителя.

ЖИВОПИСЬ РОКОКО;


Франсуа Буше. Мадам де Помпадур. 1756. Новая пинакотека. Помпадур была рьяной покровительницей искусств. Холст, масло. 157 x 201
Рококо; (что в переводе с французского означает скальный, в английском языке rock тоже скала) — направление в искусстве распространившееся в середине XVIII века. Рококо считают продолжением стиля барокко или «высшей стадией искусства барокко». Суть стиля — вечная молодость, красота, изящество, бегство от реальности, стремление укрыться в пастушеской идиллии и сельских радостях. Молодость часто выражалась при помощи румянца на лице. Немудрено, что стиль рококо зародился во Франции.



Франсуа Буше (1703— 1770) — французский живописец. Яркий представитель стиля рококо. Буше был удостоен звания придворного художника. Фаворитка французского короля Людовика XV маркиза де Помпадур была его страстной поклонницей.


Автопортрет Франсуа Буше, 1720.
Теперь простым языком: Живопись рококо — это когда художник смотрит на всё через розовые очки и видит всё вокруг безумно изящным, красивым и с розовыми щёчками, а в голове витают милые пастушки и пастушки.

КЛАССИЦИЗМ (НЕОКЛАССИЦИЗМ)


Жак-Луи Давид. Наполеон, пересекающий Альпы (Версия из дворца Бельведера в Вене). 1803 год. Размер 264 ; 233.
Классицизм (или неоклассицизм) — стиль, взывающий к древней классической античности или искусству Греции и Рима, которому классицисты стремятся подражать. Они делают упор на простоту форм, пропорции, ясность, совершенство, сдержанные эмоции. Искусство классицизма обычно стремится быть формальным и сдержанным. Поздний классицизм в живописи середины 18—19 веков обычно называют неоклассицизмом.

Жак Луи Давид (1748 — 1825) — выдающийся французский художник. Его работы отличались театральной риторикой.


Жак Луи Давид. Автопортрет.
Классицизм простым языком: «Живопись классицизма — это когда художник одурманен красотами голых (обнаженных) статуй мужчин и женщин, которые были созданы в Древней Греции. А древние Греки боготворили красоту человеческого тела, правда кривых и косых они в расчёт не брали, поэтому классицизм иногда выглядит пафосно и театрально.

ЖИВОПИСЬ ЭПОХИ РОМАНТИЗМА


Томас Коул. Кубок Титана. 1833. Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Холст, масло.49,2 ; 41.
Романтизм или эпоха романтизма — зародилась в Европе в конце XVIII века и достигла своего пика к 1850 году. Романтизм отличается своим акцентом на эмоции, чувства, индивидуализм, прославлением всего прошлого и природы.

Согласно сюжету картины Томаса Коула, эта чаша осталась от древней расы Титанов из древнегреческой мифологии. Заходящее солнце, романтический символ, здесь напоминает о безграничном времени.

Томас Коул (1801 — 1848) — англо-американский художник эпохи романтизма.


Томас Коул (фотография).
Теперь простым языком: «Живопись романтизма — это когда художник и его душа переполнены чувствами и эмоциями, в результате чего он день и ночь напролёт воздыхает о славных прошлых временах или красотах природы.

АКАДЕМИЗМ


Полевой цветок. Луи Жанмо. 1845. Холст, масло. Лионский музей изобразительных искусств. 83 х 103.
Академизм — направление в искусстве, сложившееся в художественных академиях XVI — XIX веков, основанное на следовании внешним формам классического искусства. Академизм часто рассматривал современность как нечто недостойное «высокого» искусства, противопоставляя ему идеализированные образы древнегреческой и римской мифологии и библейские сюжеты. Академизм, как правило, противопоставлял себя реалистическому искусству. Однако, «академизм» используют также в самом широком смысле для обозначения реалистических и консервативных тенденций в искусстве. Академизм и реализм обычно считают одним целым.

РЕАЛИЗМ


Луи Жанмо (1814- 1892) — французский художник. Внизу автопортрет (фрагмент).
Теперь простым языком: «Академизм в искусстве — это как бы совокупность направлений в изобразительном искусстве, которые исповедуют реалистическую манеру письма, без всяких там квадратных лиц и треугольных цветов, что обычно рисуют приверженцы авангардного направления. То есть, академизм — это пристойное искусство, которому учат в художественных академиях, а авангардизм — это множество направлений, которые хотят показать своё Я и ради этого вместо нормальных людей рисуют что-то непонятное в виде квадратиков и кружочков.


Гюстав Курбе. Борцы, создана в 1853 году. Холст, масло. Музей изящных искусств, Будапешт. 252 ; 198.
Реализм — это художественное направление, зародившееся во Франции в 1840-х годах, во время революции 1848 года. Реалисты отвергли романтизм, который главенствовал в искусстве с начала 19 века. Реалисты изображали повседневные предметы в современной обстановке и пытались изобразить людей всех социальных слоёв и классов. Художники-реалисты использовали простых рабочих и обычных людей в обычном окружении, занятых реальной деятельностью

Борцы — это большая картина Гюстава Курбе. На нем изображены двое мужчин, занятых «французской борьбой», вдохновленные греко-римской борьбой. Есть свидетельства, что здесь изображён матч на бывшем ипподроме на Елисейских полях в Париже. Картина была куплена в 1908 году Ференцем Хатвани, богатым венгром.

Жан Дезире Гюстав Курбе или просто Курбе (1819 — 1877) был французским художником, который возглавил движение реализма во французской живописи 19-го века. Стремясь рисовать только то, что он мог видеть, он отверг академические условности и романтизм. У нас это течение подхватят передвижники, но это будет несколько позже. Ниже фрагмент автопортрета.


Гюстав Курбе. Автопортрет (фрагмент)
Теперь простым языком: «Реализм в искусстве — это когда художник пишет или рисует так, как есть на самом деле (как бы фотографирует), даже если у человека на лице бородавки и прыщи.

ПЕРЕДВИЖНИКИ


Василий Перов. Дворник, отдающий квартиру барыне. 1864—1865 год. Государственная Третьяковская галерея. Холст, масло. 39.2;32.8.
Передвижники или Товарищество передвижных художественных выставок — объединение российских художников, возникшее в последней трети XIX века и просуществовавшее до 1923 года. Передвижники целенаправленно противопоставляли себя академистам. А началось всё с «Бунта четырнадцати». Бунт четырнадцати — состоявшийся в ноябре 1863 года скандальный отказ четырнадцати лучших выпускников Императорской Академии художеств, возглавляемых художником Крамским, от участия в конкурсе на большую золотую медаль. Выход художников из Академии стал первым демонстративным выступлением приверженцев зарождающейся национальной школы реалистической живописи против классического, академического направления. То есть, художники хотели писать реалистичные картины на злобу дня, а не театральные сцены из прошлого.

Здесь мы видим оборванного подвыпившего мужчину, который кричит на хорошо одетых дворянок. Дворники были обязаны знать в лицо всех жильцов дома, а также запоминать, кто в какой квартире проживает. У вновь вселившихся жильцов дворники сразу же брали паспорта, чтобы отнести их в полицию для прописки. Перов изобразил дворника, который кричит на двух женщин. Эти две барыни на картине, вероятно, обеднели и больше не в состоянии иметь собственное жильё. Они пришли в доходный дом, хозяин которого и направил их к дворнику. Маленькие домики дворников часто стояли во дворе больших доходных домов.

Василий Перов (1834 — 1882) — выдающийся и даже Великий русский живописец. Творчество Василия Перова ещё не до конца должным образом оценено современным сообществом искусствоведов. Драматизм и философия его картин поражает глубиной образов.



Теперь простым языком: «Передвижники или реалисты (здесь мы явно только догоняли французскую живопись, в которой реализм утвердился двадцатью годами ранее) хотели писать неприглядную реальность, всяких нищих и нищенок, обычных крестьян в лохмотьях или откормленного священника, а не картины про мифы и легенды о богах и богинях.

ПРЕРАФАЭЛИТЫ


Джон Милле. Фердинанд, соблазняемый Ариэлем. 1850. Частная коллекция. Холст, масло. 65 ; 51
Прерафаэлиты — направление в английской живописи во второй половине XIX века с целью борьбы против академических традиций и слепого подражания классическим образцам. Если проще, то это романтика эпохи итальянского Возрождения до Рафаэля.

Иллюстрация: Фердинанд, соблазняемый Ариэлем — картина выдающегося английского художника Джона Милле, написанная в 1850 году. На полотне изображен эпизод из Акта I Сцены II пьесы Шекспира Буря:

Поется в песне о моем отце!

Не могут быть земными эти звуки

Они сюда нисходят с высоты…

…

Глубоко там отец лежит,

Кости стали как кораллы,

Жемчуг вместо глаз блестит,

Но ничего не пропало.

По-морски лишь изменилось,

В чудо-клады превратилось.

Нимфы шлют унылый звон,

Чу! Я слышу: дин-дон-дон

Сэр Джон Э;веретт Милле (1829 — 1896) — крупный английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов.

Прерафаэлиты простым языком: «Прерафаэлиты в искусстве — это когда художник пишет или рисует так, как будто оказался художником 13—14 веков, которые толком не знали анатомии, но писали и рисовали картины с душой и с чувством.

СИМВОЛИЗМ


Микалоюс Чюрленис. Дар дружбы. 1907 год. Национальный художественный музей имени М. К. Чюрлёниса, Каунас, Литва. Бумага, пастель. 73;63.
Эту картину, нарисованную пастелью на бумаге, художник подарил ее Бронеславе Вольман. Она была искренней поклонницей его таланта и добрым другом, в трудную минуту не раз приходила на помощь художнику и спасла от гибели многие его картины. Далеко не е одно свое музыкальное произведение Чюрлёнис посвятил Бронеславе и ее младшей дочери Галине.



Символизм — течение в изобразительном искусстве, возникло в живописи Франции в 1870—1880-е года. Характерные качества символистских произведений искусства — это мистика, таинственные мифологические темы и сюжеты, тревожные и смутные настроения, эзотерическая символика. Символизм стремился представить абсолютные истины иносказательно, через язык и метафорические образы.

Микалоюс Чюрленис (1875 — 1911) — литовский художник, композитор и писатель. В 1908 году, не найдя понимания своего искусства на родине, Чюрлёнис приезжает в Петербург, где сближается с кругом «Мира искусства». Он бедствует, работает на износ и подрывает свои физические и психические силы. Медицинским распоряжением Чюрлёнису запрещают рисовать и заниматься музыкой. В одну из холодных ночей он возвращается с сильнейшей пневмонией, за которой следует кровоизлияние в мозг.

«Вселенная представляется мне большой симфонией; люди — как ноты», — Микалоюс Чюрленис.


Чюрлёнис с другом — композитором Эугениушем Моравским-Домброва. Варшава, 1899. Чюрлёнис на фото справа.
Теперь простым языком: «Живопись символизма — это когда художник не от мира сего, складывается впечатления, что он из другого мира, а его душа воплотилась в чужом человеческом теле, поэтому картины художника овеяны ореолом мистики и тайны.

ГИПЕРРЕАЛИЗМ


Эрик Булатов. «Футболка». 1993 год. Хост, масло. 140 x 190,5.
Гиперреализм — это жанр живописи, напоминающий фотографию высокого разрешения. Гиперреализм считается развитием фотореализма. Этот термин в первую очередь применяется к независимому художественному движению и художественному стилю в Соединенных Штатах и Европе, которые начали его развивать с начала 1970-х годов. В гиперреалистических произведениях уделяется большое внимание деталям и предметам.

Эрик Владимирович Булатов (род. 5 сентября 1933 года) — один из самых известных современных российских художников.


Эрик Булатов, «автопортрет», 2011. 190х100.
Теперь простым языком: «Гиперреализм в искусстве — это когда художник пишет или рисует так, как есть на самом деле (как бы фотографирует), но в отличии от реализма он это делает с чрезмерным усердием, пытаясь прорисовать чуть ли не пыль на предметах.

ИМПРЕССИОНИЗМ


Клод Моне. Впечатление, восход солнца. 1872 год. Холст, масло. 48 ; 63.
Картина французского художника Клода Моне или просто Моне. «Впечатление, восход солнца» дала название стилю и художественному направлению — импрессионизм. Художник Луи Леруа сатирически подразумевал, что эта картина, была в лучшем случае эскизом.

«Я полностью поглощен работой. Пейзажи с водой и отражениями стали моей одержимостью. Они непосильны для старика, однако я полон решимости изобразить то, что чувствую. Некоторые я уничтожаю, другие начинаю заново… И надеюсь, что из всех этих усилий хоть что-то выйдет», — Клод Моне.

Импрессионисты обнаружили, что они могут запечатлеть мгновенные и преходящие эффекты солнечного света, рисуя на открытом воздухе или на пленэре.. Они изображали общие визуальные эффекты, а не детали, и использовали короткие «рваные» мазки смешанного и чистого несмешанного цвета.



Импрессионизм — это направление искусства XIX века, характеризующееся заметными мазками кисти, открытой композицией, акцентом на точном изображении света в его меняющихся качествах.


Клод Моне. Водяные лилии и японский мост. 1899. Художественный музей Принстонского университета. Холст, масло. 89.5;100.5.
Теперь проще: «Импрессионизм в искусстве — это когда художник пишет или рисует так, как будто делает эскиз в порыве вдохновения, но этим эскизом работа и завершается, художник как бы ловит настроение природы, пытаясь как можно быстрее это мгновение отразить на холсте, поэтому часто используют широкие мазки.

АВАНГАРД, АВАНГАРДИЗМ ИЛИ МОДЕРНИЗМ


Казимир Малевич. «Икона» мирового авангарда — «Чёрный квадрат». 1915. Третьяковская галерея, Москва. Холст, масло. 79,5 ; 79,5.
Казимир Малевич (1879 — 1935) — российский и советский художник-авангардист. Основоположник супрематизма — одного из крупнейших направлений абстракционизма.



Авангард, авангардизм или модернизм — обобщающее название течений в мировом искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков. В академическом искусствознании, понятия «модернизм» и «авангард» в большинстве случаев отождествляют. В широком понимании к авангарду относят: супрематизм, кубизм, фовизм, экспрессионизм и так далее. Слово французского происхождения авангард первоначально относилось к военной терминологии и означало отряд, выдвигающийся вперёд или передовой отряд.


Казимир Малевич около 1900 года (фотография).
Авангардизм в искусстве — это когда художник не хочет быть как все, то есть писать в академической (реалистической) манере, а желает писать всякие там квадратики и кружочки. Художник-авангардист постоянно экспериментирует с формой, пытается создать нечто необычное в своем творчестве.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ


Эдвард Мунк. 1893. Национальная галерея, Осло. Картон, масло, темпера, пастель. 91 ; 73,5.
Экспрессионизм — это течение (стиль) живописи, зародившийся в начале 20 века. Его типичная черта — представлять мир с субъективной (личной) точки зрения, радикально искажая его для эмоционального (чувственного) воздействия на зрителя. Художники стремились выразить значение эмоционального опыта, а не реальности.



Картина «Крик» — созданная в 1883 году Великим норвежским художником-экспрессионистом Эдвардом Мунком. Здесь изображена кричащая в отчаянии человеческая фигура на фоне кроваво-красного неба.

Картина Мунка «Крик» стала эмблемой экспрессионизма.

Мунк так описывает источник своего вдохновения: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу»

Эдвард Мунк (1863 — 1944) — норвежский живописец, один из первых представителей экспрессионизма, самым узнаваемым образом которого стала картина «Крик». Его творчество охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни.

Теперь простым языком: «Экспрессионизм в искусстве — это когда художник пишет или рисует так, как будто главное для него — выражение своих собственных чувств и переживаний. В результате художнику совсем наплевать на все каноны и правила в искусстве. Ради искусства и самовыражения своего внутреннего состояния художник отказывается от реалистического восприятия действительности.

КУБИЗМ


Пабло Пикассо или просто Пикассо. 1908. Два дерева. Художественный музей Филадельфии. Бумага, акварель. 47,9 x 62,7.
Пикассо вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

«Искусство — это ложь, которая позволяет нам понять правду», — Пабло Пикассо.

Кубизм — это авангардное художественное движение начала 20-го века, которое произвело революцию в европейской живописи. В основе кубизма лежит стремление художника разложить изображаемый трёхмерный предмет в двухмерном изображении. Возникновение кубизма традиционно датируют 1905—1907 годами и связывают с творчеством Пабло Пикассо.

Термин «кубизм» появился в 1908 году, после того как Анри Матисс, увидев картину «Дома в Эстаке», написанную Ж. Браком в 1908, воскликнул: «Что за кубики»




Пикассо. Автопортрет. 1901 (фрагмент).
Кубизм в искусстве — это когда художник пишет или рисует так, как будто пытается всё изобразить в виде кубиков, но в отличии от нашего трехмерного мира, как сейчас говорят 3D, художник изображает мир в 2D, то есть просто на бумаге.

НАИВНОЕ ИСКУССТВО


Анри Руссо. Мальчик на скалах. 1897. Национальная художественная галерея, Вашингтон. Холст, масло. 55,4 ; 45,7.
Наивное искусство — одно из направлений примитивизма XVIII — XXI вв., существующее как самодеятельное искусство (живопись, графику, декоративное искусство, скульптуру, архитектуру), так и изобразительное творчество художников-самоучек. Наивное искусство признано за его детскую простоту и откровенность. Картины имеют плоский стиль визуализации (зрительного восприятия

«Только ребенок может так легко управлять миром, и только детский художник с простым, наивным видением может понять это возвышение и заставить нас увидеть его пугающе правдивым».

Анри Руссо (1844 —1910) — французский художник, один из самых известных представителей наивного искусства или примитивизма.


А. Руссо. Автопортрет, 1890 г., Национальная галерея, Прага.
Теперь простым языком: «Наивное искусство — это когда художник пишет или рисует так, как будто он не взрослый дядя или тётя, а обычный ребенок, которому дали краски и карандаши и приказали рисовать.

ФОВИЗМ


Анри Матисс или просто Матисс. «Танец». 1909. Музей современного искусства, Нью-Йорк. Холст, масло. 259.7 ; 390.1.

Анри Матисс. «Танец» (второй вариант). 1910. Эрмитаж. Санкт-Петербург. Холст, масло. 260 ; 391.
Фовизм (произошло от французского слова fauve — дикий) — модернистское (авангардистское) течение во французской живописи конца XIX — начала XX века. Некоторые историки искусства относят фовизм к искусству авангарда. Характерный приём фовизма — это обобщение формы и пространства, объёма и рисунка, сведение формы к простым очертаниям, исчезновение светотени и перспективы. Матисс был признан лидером фовистов. Анри Эмиль Бенуа Матисс (1869— 1954) — французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Прославился благодаря передаче эмоций через цвет и форму. В своём искусстве художник отчасти обращается к раскрепощенности первобытного человека, выплёскивая свою необузданную энергию на холст или бумагу.

«Я не рисую вещи. Я рисую только разницу между вещами.», — Анри Матисс.




Фрагмент автопортрета Матисса 1906 года.
Фовизм — это не такое страшное слово, как кажется. В переводе с французского оно означает дикий. Иными словами, художник, не сделав предварительно никакого наброска или рисунка, сразу, словно одичавший первобытный человек начинает судорожно писать картину, при этом он настолько быстро орудует кистью, что в результате нет никакой прорисовки. Все выходит на первый взгляд весьма просто и обобщенно.

СУПРЕМАТИЗМ


Казимир Малевич. Бегущий человек. 1933. Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Холст, масло. 65;79.
Казимир Малевич (1879 — 1935) — российский и советский художник-авангардист. Основоположник супрематизма.



Супрематизм — направление в авангардном искусстве, которое было основанно в 1915 году Казимиром Малевичем. Супрематизм стал центральным явлением русского авангарда. Суть супрематизма выражался в сочетании разноцветных плоскостей: прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника. Разноцветные геометрические фигуры образует уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

«Это уже давно известно, что являюсь пугалом в мире искусства, в особенности в России», — Казимир Малевич.


Автопортрет Казимира Малевича 1910 года.
Теперь простым языком: «Супрематизм в искусстве — это когда художник рисует или пишет всякие там квадратики, кружочки, линии, прямоугольники, которые расположены в хаотическом порядке. К тому же у них разные цвета, но в результате весь этот хаос смотрится как единое целое. Из геометрического хаоса рождается симфония в цвете.

АБСТРАКЦИОНИЗМ


Василий Кандинский. Красочный ансамбль. 1938. Государственный музей современного искусства. Холст, масло. 116 x 89.
Абстракционизм — стиль живописи и искусстве двадцатого века в целом (общее понятие), это направление отвергает реалистичное воспроизведение окружающего мира. Оно является противоположностью классицизма. Абстракционизм и классицизм по сути тождественны другой паре: академизм и авангардизм.

Абстрактная живопись появилась в начале XX века, когда идея рисовать абстрактные формы овладела художниками. Суть: Зритель сам додумывает смысл.

Василий Кандинский (1866— 1944) — выдающийся русский художник, стоявший у истоков абстракционизма.

«В искусстве нет долга, потому что искусство свободно», — Василий Кандинский.


Кандинский. «Цветной эскиз: Квадраты с концентрическими кругами». 1913 год.
Теперь простым языком: «Абстракционизм в искусстве — это когда художник напрочь отвергает наш реальный мир и пишет на холсте то, что должен додумать сам зритель, если сможет конечно.

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ


Марк Ротко. Красное. 1964 год. Холст, масло. 236.2;206.4.
Марк Ротко (1903 — 1970) — американский художник, который родился в Российской империи. Ротко ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи так называемого цветового поля.

«Картина живёт через дружеское общение, расширяясь и оживая под взглядом восприимчивого зрителя. И умирает так же…», — Марк Ротко.

Абстрактный экспрессионизм — направление в живописи, когда художники пишут быстро и на очень больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов и больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления человеческих чувств и эмоций. Целью художника является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. Абстрактный экспрессионизм быстро распространился по всей территории Соединённых Штатов.


Марк Ротко. Автопортрет. 1936.
Теперь простым языком: «Абстрактный экспрессионизм — это когда художник берет гигантские холсты и большие кисти и от души выплёскивает свои эмоции и переживания на холст. Если это сделает какой-нибудь «влюблённый Ромео или влюблённая Джульетта», то произведение получится на славу проникновенным и пронзительным.

ФУТУРИЗМ


Умберто Боччони. Современный идол. 1911. Коллекция современного итальянского искусства Эсторик, Ислингтон, Лондон. Холст, масло. 60 x 58.
Умберто Боччони (1882 — 1916) — влиятельный итальянский художник и скульптор. Он сформировал революционную эстетику футуризма в изобразительном искусстве.



Футуризм (в переводе с итальянского языка означает будущее) — течение авангардного искусства 1910-х. — начала 1920-х. годов, где живописцы пытались отразить в своих картинах ускорение темпа жизни и индустриализацию общественного развития (бурный рост промышленности), как приметы новой эры. Отсюда появилось название течения — футуризм. Футуризм подчеркивал динамизм, скорость, технологии, молодость, и даже насилие. Атрибутами стиля часто был автомобиль, самолет и промышленный город. Зачастую на картинах футуристов можно увидеть человека у которого три руки или три глаза, непомерно длинные конечности, странные пропорции головы и так далее.


Умберто Боччони. Автопортрет. 1915. Фрагмент.
Теперь простым языком: «Живопись в стиле футуризма — это когда художник в своём творчестве пытается идти в ногу с новейшими достижениями в промышленности, поэтому в картинах художников этого направления можно часто увидеть автомобили, самолеты, фабрики и прочие атрибуты прогресса.

ПОП-АРТ


Энди Уорхол. Банка с супом Кэмпбелл (томатный). 1961. Холст, масло. 88.9;58.4.
Энди Уорхол (1928 — 1987) — американский художник, один из главных идолов стиля поп-арт.

«Художник — это тот, кто производит вещи, которые людям не нужны.», — Энди Уорхол.

Поп-арт — направление в современном изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее в противовес абстракционизму. Художники этого направления используют образы продуктов потребления, рекламы и даже комиксы. Одна из целей — использовать в искусстве образы популярной культуры, чаще всего с помощью иронии. Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. Поп-арт во многом сродни с поп-музыкой — оба продукт массовой культуры. Благодаря использованию реалистического подхода и тривиальных тем, понятных для простого народа, это направление приобрело широкую популярность и довольно быстро нашло своего зрителя.


Энди Уорхол. Автопортрет.
Поп-арт — это такое современное интересное направление в изобразительном искусстве, когда художники, с одной стороны «наелись» абстракционизмом, а с другой стороны, академический реализм их тоже не устраивал. В результате художников потянуло рисовать самые обычные и банальные вещи, всякие там консервные банки, бутылки из под кока-колы и прочие вещи из простой обычной жизни.

ГРАФФИТИ


«Девочка с воздушным шаром» — рисунок, граффити художника Бэнкси 2002 года с изображением девочки, отпускающей красный воздушный шар в форме сердца.
Граффити — это современное направление в искусстве, когда изображения или надписи, выцарапаны, написаны или нарисованы краской на стенах и других поверхностях. К граффити можно отнести любой вид уличного раскрашивания стен, на которых можно найти всё: от написанных слов и до изысканных рисунков. С марта по апрель 2009 года 150 художников выставили 300 работ в стиле граффити в Большом Дворце в Париже, таким образом граффити было признано официально.



Искусствоведы отмечают, что, работа Бэнкси «Девочка с воздушным шаром» неоднозначна по своему содержанию, она оставляет зрителя в размышлении — пытается ли девочка поймать летящий воздушный шар, символ детского счастья, или же она позволила ему выскользнуть из её руки и смотрит с сожалением на то, как он улетает. В этом случае картина — метафора об окончании детства и потери невинности. Картина Бэнкси «Девочка с воздушным шаром» была признана самым любимым произведением искусства в Великобритании. В нынешнее время с уверенность можно сказать, что Бэнкси самый популярный и востребованный художник современности.



«Бэнкси» — псевдоним анонимного английского художника, политического активиста и режиссёра, работающего с 1990-х годов. Настоящее имя и происхождение Бэнкси не известны, вокруг его биографии в обществе ведётся много споров.

«Искусство должно смягчать беспокойство и мешать приятному.», — Бэнкси.

Теперь простым языком: «Граффити — это негласное сообщество различных художников, начиная от тех, кто толком и рисовать не умеет, и заканчивая супер-профессионалами, но у всех у них есть общая черта: ради желания страстного желания продемонстрировать своё искусство, они готовы изрисовать стены домов, мостов, храмов и так далее.

СЮРРЕАЛИЗМ


Сальвадор Дали. Поэзия Америки. 1943. Холст, масло. 116;79.
Сюрреализм — течение в авангардном искусстве первой половины двадцатого века, характеризуемое слиянием реальности с чем-то другим, и это другое взято из мира подсознания. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — что есть совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали противоречивое сочетание образов посредством коллажа. Сюрреалисты предлагали начать со своего сознания, а закончить бездонным миром подсознательных видений и представлений. Искусство мыслилось ими основным инструментом свободы человека.

Сальвадор Дали (1904 — 1989) — один из величайших художников Испании. Прославился не только благодаря своему неординарному творчеству, но и скандальному образу жизни, эксцентричному поведению.

«Между сумасшедшим и мной есть только одно различие. Сумасшедший думает, что он нормальный, и я знаю, что я сумасшедший», — Сальвадор Дали.




Сальвадор Дали. Призрак Вермера Делфтского, способный послужить и столом.
Теперь простым языком: «Сюрреализм в своей основе вполне себе реалистичен с точки зрения правильности изображения, но сюжеты картин напоминают сумятицу, которую обычно мы видим во сне, а во сне у человека обычно — разгул фантазии по полной программе, здесь всё смешалось в некий хаос: люди, тигры, обнажённые женщины, кони, фрукты, овощи и слоны. Когда весь этот винегрет соединяется вместе — получается сюрреализм.

РУССКИЕ НАРОДНЫЕ ПРОМЫСЛЫ


Типичный образец хохломской росписи.
Русские народные промыслы — это творчество, в котором прослеживаются русские нравы, зародившиеся в прошлом. Промыслы сочетают в себе неповторимость русской традиционной культуры. Народных промыслов на территории Российской Федерации существует превеликое множество, но в качестве примера достаточно будет привести одно — хохломскую роспись.



Хохломская роспись — русский народный промысел, появившийся в XVII веке в селе Хохлома (ныне Нижегородская область). Представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красными, зелёными и золотистыми тонами по чёрному фону. Традиционные мотивы Хохломы — красные ягоды рябины и земляники, цветы, ветки, птицы, рыбы и звери. Рождение промысла приписывалось старообрядцам (людей, спасавшихся от гонения за «старую веру»).

В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный цвета.

Существует легендарное объяснение появления хохломской росписи. Иконописец Андрей Лоскут бежал из столицы, недовольный церковными нововведениями патриарха Никона. Он стал писать иконы по старому образцу. Патриарх Никон отправил за непокорным иконописцем солдат. Андрей, сжёг себя в избе, а перед смертью завещал людям сохранить его мастерство. С той поры и горят алым пламенем, искрятся золотыми самородками яркие краски Хохломы.



Теперь простым языком: «Хохломская роспись — это русский народный промысел, в котором люди с помощью ярких красок (красный, черный, золотой, зелёный и др.) пытались скрасить серые будни тяжелой крепостной неволи. В основном они писали ягодки, птичек и зверей.

ОРНАМЕНТАЛИЗМ


Алексей Акиндинов. Портрет молодого человека с собакой и попугаем. 2010. Холст, масло. 70х50.
Орнаментализм — одно из самых новейших направлений в современной живописи.

«Наш мир, — считает Алексей, — это мир электромагнитных волн. Волна не что иное, как узор. Он пронизывает все пространства, являясь неизменной сущностью любого явления».

Узор для него является символом космоса, бесконечности. Он воплощает идею узора в живописи, наслаивая его на реальные предметы, изображаемые на полотне — на определённый сюжет, пейзаж или портрет. Через призму декоративных узоров Алексей смотрит на мир. Так он кажется ему более выпуклым, стереоскопичным.

Алексей Акиндинов. Портрет молодого человека с собакой и попугаем. Пожалуй, это одна из лучших работ художника. Всё в этой картине указывает на то, что молодость есть одна из главных составляющих человеческого счастья.



Алексей Акиндинов (род. 6 января 1977, Рязань) — российский живописец, основатель уникального направления в изобразительном искусстве, которое он назвал «орнаментализм».

Теперь простым языком: «Стиль орнаментализм — это одно из самых современных направлений в живописи, где его автор, Алексей Акиндинов, собрал воедино: завораживающее искусство Древнего Египта, необузданное вдохновение и очарование эпохи Возрождения, боль и отчаяние реалистических образов русских художников-передвижников и так далее. И всё это художественное наследие он мастерски соединил неповторимым уникальным философским узором (орнаментом).

Идеи для творческих домашних заданий

1. Выполни на отдельном листе любого формата (круг, квадрат, овал, прямоугольник, треугольник) и размера (А3, А4, А5 итд.) следующее задание (во всех последующих заданиях формат, размер и материалы (гуашь, акварель, цветные карандаши, пастель итд.) может определять сам ученик: выполни этюд с натуры или воображаемый весенних (летних, осенних, фантастических или засушенных) цветов (можно в букете или отдельный цветок).

2. Выполни элемент любого орнамента: цветочный, геометрический, фантастический, абстрактный, комбинированный, египетский, греческий, индийский, восточный, зооморфный (с использованием животных и насекомых), антропоморфный (с использованием фигур людей) и так далее.

3. Выполни проект домашней утвари: керамической или иной другой посуды: вазы, бокала, кружки, чашки, чайника, сахарницы и так далее; мебели: шкафа, стула, стола, серванта, кухонного гарнитура, тумбочки и так далее; домашней техники: стиральной машинки, холодильника, кухонной плиты, микроволновой печи и так далее.

4. Выполни проект поздравительной открытки: с новым годом, с днем рождения, с днём свадьбы, с юбилеем, с восьмым марта, с днём защитника отечества, с днём победы, с днём весны, с днём Пасхи и так далее.

5. Выполни эскиз одежды для: короля, священника, спортсмена, рабочего, клоуна, деда мороза, снегурочки, директора фирмы и так далее.

6. Спроектируй модель: средневекового замка, храма, жилища для собаки, жилого дома, обобняка, имения дворянина, хижины бедняка, здания банка, завода, фабрики и так далее.

7. Сделай зарисовку: средневекового рыцаря, древнерусского воина, японского самурая, российского солдата, индейца-воина, турецкого янычара и так далее.

8. Выполни зарисовку: мужского лица, женского или детского. Попытайся передать возраст этого человека.

9. Нарисуй по памяти или с натуры: городской, деревенский, фантастический, ночной, сказочный пейзаж. Это может быть пустыня или тропический лес

10. Выполни эскиз, зарисовку или рисунок натюрморта (простого или сложного).

Список публикаций автора книги:


1. Глухов А. В. Армия Юга в период Гражданской войны США //Журнал МГОУ «Малоизученные вопросы всемирной истории. М., Издательский дом Риг-Издат. 2000. С. 1-3.
2. Глухов А. В. Проблемы военно-материального обеспечения армии Юга в ходе Гражданской войны США 1861-1865 гг. //Малоизученные вопросы мировой истории XIX-XX веков. М., Издательский дом Риг-Издат. 2001. С. 21-27.
3. Глухов А. В. Гражданская война в США: эволюция стратегии и тактики ведения наземных военных операций армии Юга, 1861-1865 гг. //Малоизученные вопросы мировой истории XIX-XX веков. Выпуск 1. М., Издательский дом Риг-Издат. 2002. С. 18-25.
4. Глухов А. В. Проблема понимания смысла жизни в духовном опыте человечества//Педагогические проблемы образования. Выпуск 2. Ногинск. 2005. С 2- 7.
5. Бажина Н. Ф., Гафарова А. А., Глухов А. В. Ногинский педагогический колледж: история и современность (альбом к 85-летию со дня основания). Ногинская типография. Ногинск. (20 страниц) 2006.
6. Цвета и тени в графическом мире Глухова Александра//Colours and shadows in the graphic world of Aleksandr Gluphov//Журнал «Русская галерея XIX век»//The magazine «Russian Gallery – XIX Century». Москва. 2020. 4 номер. С. 64-67.
7. Художник Александр Глухов из Подмосковья//Колобова Е. Прошлое, далекое-близкое: записки из дневника о художниках, поэтах и других деятелях искусства. Спб., издательство «Контраст». 2021. С. 118-120.
8. Александр Глухов: Свет к свету в мире тьмы и красоты и абстракции// Aleksandr Glukhov: Light to Light in the world of darkness, beauty and abstraction //Журнал «Русская галерея XIX век»//The magazine «Russian Gallery – XIX Century». Москва. 2021. 6 номер. С. 24-27.
9. Каталог. Российская Неделя Искусств (сезон 2021-осень), том 1 / (абстракция и авангард). Глухов А. В. Первое место в номинации "супрематизм". С. 37. Russian Art Week (season 2021-Autumn), volume 1 / (abstraction and avant-garde). Page 37. Москва, Россия
10. Глухов А. В. Зубастый гроб тётушки Поли: вырванный листок из книги Мертвых. 2022. М., Издательские решения. ISBN: 978-5-0056-2300-3
11. Глухов А. В. Философские размышления в стихотворной форме. 2022. Москва, Издательские решения. ISBN: 978-5-0056-2162-7
12. Глухов А. В. A bunch of short verses. 2022. М., Издательские решения. Москва. ISBN: 978-5-0056-1645-6
13. Глухов А. В. I wanna be Venitian gondolier — poetry and fne art. 2022. М., Издательские решения. ISBN: 978-5-0056-2327-0
14. Глухов А. В. Живопись. Графика. Философия. М., Издательские решения. 2022. ISBN:978-5-0056-1768-2
15. Глухов А. В. Живопись и графика Елены Колобовой. М., Издательские решения. 2022. ISBN: 978-5-0056-3226-5
16. Глухов А. В. Леонардо да Винчи: НАГЛЯДНО-МЕТОДИЧЕСКОЕ ПОСОБИЕ ПО МХК. 2022. Под ред. Серебряковой Л. Г.
17. Глухов А. В. Гринберг Т. В. Russian Haiku and the fine art of Tatiana Grinberg. М., Издательские решения. 2022. ISBN: 978-5-0056-7759-4
18. Глухов А. В. Деятель искусства. М., Издательские решения. 2022. ISBN: 978-5-0056-7613-9