Борис Орлов, Автопортреты

   Евангелист св. Иоанн, начав своё писание, заявил: «Вначале было слово…»  А потом пришло всё остальное.  С первого слова начался человек.  А я утверждаю, что человек, первобытный человек, вступил на путь умственного развития сознания и души с тех пор,   когда он взял    в руку неведомый нам инструмент и попытался изобразить нечто на скальной породе.  Тем самым он себя увековечил, даже и не подозревая этого. Изобразить на поверхности видимый окружающий нас мир, может только сознательный  человек. Вдумайтесь. С этого наскального рисунка началось сотворение самого человека. Переход от животного состояния к Хомо Сапиенсу.
Теперь эти первые рисунки  охраняются государствами. В них первые признаки интеллекта, свойственные только человеку. Интеллект выделяет человека из  всех прочих живых существ на Земле. А может быть и во Вселенной.

  Этот первобытный художник сделал  важнейший  шаг к тому,  кем мы стали сегодня. Надо вдуматься. Он попытался изобразить  на плоской поверхности гранитной  скалы видимый окружающий его  мир. Мир, который он воспринимает одним из свои органом чувств. Зрением. То,  что он  сделал , называется творчеством. Этот  творческий порыв повел человека по пути цивилизованного развития,  И поэтому я утверждаю, что не Бог сотворил человека. Человека сотворил художник. Художник был первым, кто начал постигать окружающий мир и себя в этом мире.
 
    Мы нашли  наскальные изображений в разных уголках земли. Это доказывает то, что у человека была  природная потребность передать видимую картину мира. Кто может это сделать кроме человека? Никто. Только человек. Правда и осёл может что-то изобразить  на полотне хвостом , измазанном в краске. Но при этом осёл так и останется ослом. Нет у него никакого творчества в хвосте. Хотя в начале века у нас появилось целое  художественное объединение, которое так и называлось «Ослиный хвост». Не долго  просуществовал этот «хвост».
 
  Итак, процесс пошел.   Шли годы,  века, исторические эпохи,  Техника, способы, возможности  передачи видимого мира на плоскости не важно какой совершенствовались. Изобретательный ум развивал  эти способы.  Путь был длинный - от наскальных изображений до «Чёрного квадрата».   Не  менялось только одно  на этом пути – желание  отобразить окружающую природу, частью которой мы все являемся. При этом я имею ввиду не только природу, как таковую, но и природу наших человеческих  отношений, наших мыслей, чувств, души.

     Но не об этом пойдет сейчас речь. Да, живопись имеет свою предлинную историю. Можно сказать несколько тысячелетий. И, можно сказать, что  вся эта история был всегда  наполнена внятными изображениями. Почти всегда она привлекала наше внимание желанием и понять, и прочувствовать. И восхититься, и внутренне порадоваться тому , что мы вместе с художником в унисон воспринимаем изображение одинаково.  Художник вкладывает мысли и чувства в изображения,  и только такими мы их и прочитываем. Изображения доступные и внятные для понимания.   Была ли это светская живопись или,  как у нас икона.  Всё равно. У  духовной  живописи, у иконы есть свои правила и каноны. Но человек и их понимает. Изображения распятий и лики Богородиц.

    Сбой обозначился с конца 19 века. До этого  была средневековая живопись, был Ренесанс, была классика и были Передвижники у нас в России. Первыми отход от традиционной живописи сделали Импрессионисты. Главным стал не сюжет, а   изображения, лишенное  мысли. Но зато на картине  всё наполненное движением, жизнью, игрой свето-тени. Чувством наполнено, впечатлением. Что, согласитесь,  тоже очень важно для живописного изображения. Мне всегда нравились импрессионисты. И французские, и наши. Вспомним, к примеру, «Девочку с персиками» В. Серова.

   А потом раскрылся ящик Пандоры, и из него посыпались  , как из дырявого мешка, всевозможные измы. Кто во что горазд. Наперегонки. И у каждого желание выпендриться, заявить о себе, как о создателе нового направления. И каждый говорил нам так: «Я так вижу». Зачастую и сам не в состоянии объяснить, что же это такое он видит. Шарлатанством веет от их картин. Такой художник - пошлый мистификатор сродни Чумаку. Он нам   скажет с брезгливой миной, что , дескать ,  ты ещё дорасти до меня, а потом злобствуй и критикуй. А у этих «маляров»  зачастую не было вообще  никакого художественного образования. Как, например, у Малевича и Кандинского. Но зато есть высоколобые искусствоведы, которые в самых заумных  терминах  объяснят вам суть их творчества.

       И ведь редко, кто осмелится повторить за одним мальчиком – «А король-то голый». На это осмелился действительно великий художник Илья Репин. Вот , что он сказал, посетив  первую в Петербурге выставку западного модерного искусства в 1910 году (Пикассо, Матисс, Вламинк): «Боже, что я здесь увидел!!! Не могу, перо не поднимается писать, не знаю, с чего начать. Это цинизм западных бездарностей, хулиганы, саврасы без узды, выкидывающие курбеты красками на холсте. Это дьявол, цинично оплевывающий сущность красоты жизни — природу. Я совершенно убежден, что декадентом нарочито может быть только бездарный хам или психически больной субъект. Приедут миллиардеры из Америки, будут платить сумасшедшие деньги за этот легко и скоро производимый товар. Мы заполним им все музеи и частные галереи. Мы выбросим всё, бывшее дорогим для пас, и вы поклонитесь мазилам ордена «ослиного хвоста». Эти слова актуальны и по сей день.

   Другой не менее известный художник говорит: «Ломать  всех   «Черным квадратом». Ведь что такое «Черный квадрат»? Это же политическая вещь в большей степени, чем художественная. Господа футуристы,  это они   вместо иконы Богородицы, или, так сказать, вместо Спасителя,  в Красном углу поставили  на футуристической выставке, прямо там, где должна была быть икона Богородицы , «Черный квадрат». Речь идет о выставке, устроенной авангардистами. Там , где в нормальных русских жилищах всегда в углу, называемым Красным, помещали икону ,разместили «Черный квадрат» Это что было? Издевательство над нашими духовными традициями?

  А вот , что пишет сам Борис Орлов: « Да, здесь граница проходит на самом деле по нашим сердцам.  Вот два главных музея в мире , музей для американского и для иностранного, европейского искусства. Там выставляется такое, что это сложно даже описать.  И до такой степени, казалось бы, великое искусство пришло к такому концу, финалу. Что это? Это  то, что нас ожидает? Нет, я в это не верю. Я думаю, что все-таки должно как-то все измениться. То есть эта Содом и Гоморра,  охватившая  весь мир своими щупальцами...»

   Это было написано в годы расцвета Авангарда в начале прошлого века. Но тоже самое можно было бы сказать и сегодня.
                *****
   Несколько слов и художнике Борисе Орлове. Странно, но его мало кто знает.  То есть , знают, конечно.  Но для широкой известности ему далеко. Может быть со временем, ну а пока только специалисты и любители  средней руки. А между тем, он в области живописи фигура заметная. Вот судите сами. Сегодня работы Бориса Орлова находятся в ведущих музеях: в ГМИИ и ГТГ в Москве, Мартин-Гропиус-Бау в Берлине, Музее Людвига в Ахене, Музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке, Тейт Модерн в Лондоне, Чикагском институте искусств. Когда в 2018 году российские коллекционеры делали коллективный дар парижскому Центру Жоржа Помпиду, именно работа Орлова красовалась на афише. В Центре Помпиду находятся  17 его скульптур!

   Он родился в день смеха. Первого апреля. Но он об этом ещё не знал. Родился в 1941 году под Москвой. В Химках. Обратите внимание на год. Было не до смеха.

    А как он стал художником? Случай почти анекдотический, но который вывел его на правильную жизненную стезю.  Душа ещё детская определила этот выбор.  Борис Орлов  об этом  рассказывает.  Вот его слова: «Меня привели в музыкальную школу. Помню, я вырвался, убежал и потерялся в школе. И где-то, на каком-то этаже меня нашли, забившегося в угол, и сказали: «Ну, наверное, этому мальчику, наверное, все-таки не надо заниматься музыкой». Вот так я стал художником.» .  Да, нотная грамота со всеми её закорючками и бесконечные скучнейшие гаммы по несколько часов в день – нет, это не для него. Видеть мир и изображать его по своей воле цветными карандашами  или красками, вот призвание на всю жизнь.

 

   Мальчиком учился живописи сначала во   Дворце пионеров и школьников.  А потом основательное образование получил в Строгановке  на отделении монументально-декоративной скульптуры.

    Позже вот как он описывал свою учебу в Строгановке: «Мы учились во времена хрущёвской „оттепели“, шло бурное вторжение западного искусства, и было видно, кто на что ориентировался: кто на западное искусство, кто на советских художников.»

        Борис Орлов  со временем, уже став профессиональным художником,  стал одним из основателе направления Соц-Арт. А это что такое, спросят меня. Вот попробуем разобраться. Но не надо постигать здесь это направление через  заумные и невнятные пояснения патентованных искусствоведов. Часто они сами не понимают, о чём говорят, но объясняют со всем духовным выражением на лице.  Нет, будем по-простому.   
 
   Соц арт -— художественное направление, возникшее в СССР в 1970 х годах как часть неофициального, альтернативного искусства и ироническая реакция на официальную советскую эстетику и идеологию.

    Соц-Арт  появился у нас как бы в параллель и в противовес Поп-арту  на Западе. Хотя оба эти направления по форме очень схожи, но по сути сильно различаются в силу разных обществ , к которых мы жили. Капиталистическом и социалистическом. С разными жизненными установками.
 
    С одной стороны, поп-арт в американской культуре стал реакцией на таких, как ни странно, художников-абстракционистов.. С другой стороны, поп-арт являлся рефлексией на товарное перепроизводство и изобилие рекламных слоганов и икон поп-культуры. Если на Западе были Микки-Маус и Мэрилин Монро, то в СССР был Ленин и стахановцы.

     Поп-Арт — течение в авангардном искусстве стран Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов.  Как следует из названия, представители этого течения стремились создавать „естественное, популярное искусство“ из объектов самой жизни, не отделяя его от обыденной действительности. В качестве основного предмета своего творчества представители Поп-Арта использовали обыденные вещи и продукты массового потребления, придавая им необычное содержание.  И картины содержали обыденные предметы:  коммерческие продукты и рекламу
По своей сути Поп-Арт ничем не отличается от искусства рекламы. Это направление  преследует цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Они выражают дух конформизма и буржуазии.   Поп -Арт пародировал культуру потребления и рекламу на Западе, Реклама там доставала всех своей назойливостью и нахрапистостью. Вот против чего был направлен Поп-Арт.

  А у нас в те времена рекламы ещё не было. Сегодня трудно поверить. Было другое.  Соц Арт высмеивал советскую символику, лозунги, клише пропаганды и эстетику соцреализма. Эти художники использовали знакомые образы советской культуры, но выворачивали их наизнанку. Они преувеличивали и искажали  привычные для всех  символы. Они имитировали  стиль советских плакатов и даже портреты вождей.

     Люди жившие в это время, меня поймут. Всех в это время уже достали лозунги и призывы, которые украшали улицы, проспекты,  площади городов.
 Эти художники иронично переосмысливали  советские лозунги,  обыгрывали  культ вождей, тексты, где официальные формулы были  доведены до абсурда.

   Как появилось название этого направления? Соц-Арт.. Благодаря двум художникам. Виталию Комару и Александру Меламиду.  Эта идея пришла им в голову во время их совместной подработки в детском пионерлагере. Художникам нужно было изобразить профиль Ленина,  героев войны и труда , колхозниц, рабочих.

   Их слова: «В общем, мы дрожали, пили и думали, какие же мы подлецы, что ввязались в эту гадость ради денег. …завели такой пьяный разговор. Они честно выполнили заказ, но потом  стали  выкаблучивать нечто другое. Перформансы.     Например, один из них назывался «Котлеты „Правда“» — действие состояло в том, что художники крутили фарш из главной советской газеты  Правды.     То есть они закладывали газету в мясорубку, крутили ручку, из неё выходил идеологический фарш. Вообще-то действие на грани святотатства. Но им  не откажешь в остроумии.
 
     Ну кто не знает эти лозунги уличной пропаганды У них в СЩА  реклама фастфуда, одежды, бытовой кухонной утвари и пр. У нас «Планы партии – планы народа,» «Слава КПСС», «Слава труду», «Партия – наш рулевой». Особенно мне запомнился один лозунг. Он был размещен аршинными белыми буквами наверху Главного Правления Интуриста.  Как раз напротив Кремля. Энергичный лозунг радостно гласил «КОММУНИЗМ  ПОБЕДИТ»!  Больший идиотизм трудно придумать. Я , может быть, и не против этого лозунга. Но зачем же так назойливо и настырно кричать об этом с крыш. К кому он обращен, этот лозунг? К сидельцам в Кремле, что б лучше видели? Да и  зачем он им, они итак уже жили в коммунизме. К иностранцам? Так они по-русски не говорят и не читают. К обычным советским гражданам? Так у них совсем другие  заботы, никак не связанные с коммунизмом. Эти тупые радетели коммунистической морали даже не понимали, что это воззвание с крыш не только не кажется привлекательным, но раздражает в сильнейшей степени.. Не понимают, что время лозунгов прошло. А потом , страна очень скоро запоёт вслед за Цоем – «Перемен требуют наши сердца».   
 

      Шутили и иронизировали, да только осторожно . Как выразился Пушкин , «чтобы в путь до Нерчинска не махнуть». Но однажды едва чуть было не нарвались. Была устроена масштабная выставка в Манеже в 1962 году.  На первом  этаже  были картины хорошо известных художников. А на втором этаже выставки разместили картины модернистов-авангардистов. У них фантазия шагнула очень далеко, перешагнув рамки привычного, дозволенного. К несчастью для этих художников выставку посетил Хрущёв. И он разнёс авторов на все корки. Темпераментно обозвал фантазёров мазилами и пидарасами.  Пригрозил их всех выслать из страны. А они в ужасе поверили, и уже готовились к худшему.

   А потом Соц-Арт  тихо ушел. Канул в лету. Почему? Наступили другие времена.   Перестройка - и всё что было в подполье,   вышло, вылезло  на поверхность. И даже получило международное признание. И всё. На этом оно и закончилось. Лозунги исчезли с крыш.  Противник ушёл, исчез, растворился. Не стало предмета для шуток, иронии и живописных иносказаний. Его актуальность ушла. Сама идеологическая система, которую оно пародировало, начала меняться.
                *****
    Ушел Соц-Арт. Но тем не менее, как факи, как артефакт он остался, как явление в истории нашей живописи. Он возвращает ко времени истории нашего общего. Показывает нам, кими мы были в те времена. Можно , конечно, иронизировать,   смеяться, даже зубоскалить, но тут так и хочется вспомнить фразу, известную нам со школьных лет. «Над кем смеётесь?»  Над собой смеёмся. И ещё неизвестно , как над нами самими  будут смеяться наши потомки лет через 100-200.
 
      Но вот Борис Орлов Хоть он тоже иронизировал, но как-то беззлобно,  Я бы сказал , что даже больше с юмором. Не в пример другим. Не знаю поему, мне тут на память  приходит имя Ильи Кабакова.
   
                Илья Кабааков.
       Он учился живописи в московской школе, И как же он описывает это время. А вот как:
    «Ничего абсолютно мне не хотелось. Дело в том, что никаких художественных талантов у меня не обнаружилось, я не чувствовал ни цвета, ни колорита, ни пропорций — я оказался в этой профессии бастардом. Никакой особой радости по поводу того, что я попал в художественную школу, у меня не было, но у меня было пламенное желание, чтобы меня не вышвырнули. Это было невероятное мучение, тоска и скука выживания.»


    Вот так он учился уже с фигой в кармане. Впрочем, для того, что он стал творить впоследствии, знание цвета, света, колорита, композиции и пропорции вовсе не требовалось.

   Учёба закончилась. Надо работать, зарабатывать на жизнь. А кроме того, что он умел делать, то есть рисовать, он ничего другого не умел делать. Да и не хотел. Он стал иллюстрировать детские  книги. Без особого энтузиазма. Сам говорил: «Старался в минимально короткие сроки и с минимум усилий исполнить заказ». И платили ему очень не плохо.
 
   Он иллюстрирует детские книги издательства «Детгиз» в знаменитых советских журналах «Мурзилка» и «Веселые картинки», которые наверняка помнят все, кто вырос в Советском Союзе. Вот только сам Кабаков детские иллюстрации не любил, но по его признанию отлично научился их имитировать.

    Вот так с этих картинок начался его путь в известность. А как сам художник относился к этим картинкам? А нам это очень важно знать. Творил ли он свои сказочные персонажи добрым сердцем и со всей искренностью души?  Прочтем, как он выразился по этому поводу много лет спустя:

   «У меня не было цели рисовать — я хотел получать деньги. И я должен был выработать этот "пионерский" стиль, как заяц — обучиться трюкам, принятым в этом цирке. Сегодня многие, глядя на советские книжки, считают, что все эти иллюстрации и орнаменты — стиль времени. А это результат цензуры, больше ничего. Визуальный ряд в детских книжках контролировался в той жизни точно так же, как политика, музыка и литература. Это была работа чистой халтурой».


    Вот так. Халтура, мусор. А упомянутый «цирк» для непонятливых  - это жизнь в СССР. А вот ещё одно откровение Ильи Кабакова, высказанное им в зрелые годы:

    «У меня отсутствовала любовь к художественному труду. Я этого терпеть не могу. Я безумно люблю халтурщиков и высоко ценю их ревностное старание, ужимки, увиливание, когда они всучивают заведомую халтуру вместо полноценного продукта. Вся моя детская иллюстрация построена на этом. Я оказался в мире профессии, которая мне невероятно тягостна и чужда, но я ничем другим не способен заниматься. »

    Нет, его тянуло к другим художественным берегам. Красная Шапочка – это для денег. А вот для души совсем другое. Он нам рассказал и об этом::

      « К огромному счастью, это происходило, уже когда этот Людоед умер (Если, кто не понял, Людоед – это Сталин).  Началось то, что называется, «вегетарианское» время — появилась возможность жить частной жизнью».

   «В Москве примерно к 1957 году возник совершенно изумительный подпольный, подземный, подасфальтовый мир неофициального искусства. Там были художники, поэты, писатели, домашние богословы, композиторы. У этих людей не было ни выставок, ни критики, ни галерей, ни продаж. Это была жизнь в бомбоубежище. В бомбоубежище, вы знаете, все дружны, каждый делится — кто бутербродом, кто яблоком, все загнаны в одну ситуацию, поэтому уважают и понимают друг друга. »

      Любопытна деталь. Это была эпоха «Андеграунда».  Советские авангардисты, все лица выше перечисленной тусовки, которых  гнобило государство, были, извините, отмечены пятым пунктом. Их было     непропорционально много в этом содружестве. Включая самого Илью Кабакова.  А это  дало повод называть это отъединение  «абрамгардизм».

               
  В 1970 годы Кабаков жил двумя жизнями — первая преуспевающий иллюстратор, не слишком любящий свою работу и вторая — активный участник подпольной московской протестной тусовки.

 Наконец, его мечта исполнилась. Он  свалил из нелюбимой им страны  в 1988 году. Куда? В США Сегодня его считают американским художником.

  И действительно. Только на Западе он и сумел себя реализовать Не надо больше ничего  бояться и стесняться. Драгоценная свобода. И чем же он стал поражать мир, читай Запад? А тем, что оплёвывал страну и  её историю, которая была его бывшей Родиной. Он быстро понял, что более всего востребовано на Западе. И не только востребовано, но и очень хорошо оплачивается.  В историческом противостоянии, надо просто встать на правильную доходную сторону. Ну и, понятно,  на какую сторону он встал. Его там окрестили  голосом антисоветского поколения.

       Он сам с радостью вырвался из страны. Эта радость просто пышет из каждой его работы.   Каждый художник представляет мир так, как он его видит. Кабаков увидел в стране, где родился, только коммуналки, с населяющих их быдлом, да ещё  туалеты и мусорки.

    У него есть работа, которая так и называется  «Расписание выноса мусорного ведра».  Здесь Кабаков со свойственным ему издевательством изобличает советский быт. Это, собственно, даже и не живопись. Это сфотографированный список  с очерёдностью выноса мусора из коммунальной квартиры.  Вынос ведра для людей, живущих в этой  квартире, художник преподносит не в виде повседневной необходимости, а как тотальный закон, который невозможно нарушить. Ему очень не нравится советский мерзкий быт.

    Вынос мусорного ведра  - это для него  тошнотворная метафора советской жизни, в которой не остается никакого места для человеческих чувств. Вынос ведра, который по очереди осуществляется воображаемыми жильцами некоей метафизической коммуналки.

     Да, были коммуналки. А он не забыл, что наша страна тогда  только что вышла из самой разрушительной за всю мировую историю войны.  Самую убийственную. Жилой фонд разрушен.  А после войны новый смертельный напряг. Нашу страну обложили со всех сторон военными базами. И уже наметили несколько десятков наших городов для уничтожения атомным огнем. И надо было паровать эту угрозу.  И снова затягивать пояса. А он видел в жизни только обрыдлые коммуналки. И очередность в этих коммуналках для выноса мусора. А смертельна опасность исходила как раз из той страны, куда он переселился.
 
   Кабаков внёс и свою лепту в Движение Соц-Арта. Найдите и посмотрите его картины  К примеру, «Сталин в мундире генералиссимуса и штанах с лампасами выпивает с полу¬обнаженной Мэрилин Монро. Или другая, представляющая из себя общественный туалет, — за буквами «М» и «Ж» обнаруживаются типовые советские квартиры.
 
 
 
  Написал картину, как товарища Сталина, сидящего ночью при лам¬паде у мраморных колонн, посещает полуобнаженная Муза. Называться эта картина  «Происхождение социалистического реализма».
 
   Уехал и уехал. Бог с ним. Заработал там имя и много денег. Стал там за бугром что-то вроде классика живописи. А у нас как было в те перестроечные времена. Что у них ценится, то и у нас предмет для подражания. Они там умнее. И мы тут глупее. И, удивительная вещь, в Третьяковской галерее организовали персональгуб выставку работ Ильи Кабакова. Основатель галереи в гробу перевернулся. 
                *****
    Борис Орлов тоже побывал в США. Другие времена. Он переобулся. А что делать?  Жить на что-то надо. Соц-Арт уже не в моде. Уехал, но   вернулся в Москву через два года. Не понравилось. Но когда он жил в США, это то время   совпало с интересом к русскому искусству на фоне так называемой «горбимании». В Горбачева были буквально влюблены, как в миротворца, положившего конец холодной войне.  И тем не менее вернулся. Понял, что он не сможет прижиться в чужой для него среде.

      Он создавал свои творения  сериями. Вот, к примеру, одна из них, названная «Собрание золотых фигур.  Это его размышление на тему советской мифологии Он создает пантеон конкретных исторических героев.  Он увековечивает  их память не через ростовые фигуры или бюсты, а посредством объектов, изображающих отдельные части тела: уста, торс, ногу и так далее.    Сам он дает такие пояснения: «Говорят, что в одном из бразильских музеев хранится нога знаменитого футболиста Пеле, отлитая из золота. Большая страна Бразилия, а герой один. А сколько героев в нашей стране? Не перечесть. Взять хотя бы восхитительную, несравненную Аллу Пугачёву. Любую часть ее тела можно смело лить из золота.  О сколько, сколько героев, любимых народом и его правительством. Все, все должны быть отлиты из золота». А вот несколько его работ их этой серии: «Золотая майка Брежнева». «Золотая челюсть Брежнева». «Золотая трубка Сталина». «Золотое перо Пушкина». «Золотой башмак Хрущёва». «Золотой топор Достоевского». «Золотой «Черный квадрат» Малевича, и т.д.    Посмотрите эту оригинальную серию. Останетесь довольны.

     А вот он и сам, Борис Орлов. Это изображение висит над текстом. Вы его узнаёте? Один в трёх лицах. Первая часть этого парадного по характеру триптиха представляет нам художника, разодетого, словно вельможа XVIII столетия. Он стоит, импозантно опираясь рукой на скульптурный постаменте .  Его камзол украшают самые разнообразные ордена и медали. Две другие части триптиха показывают, что регалии можно обнаружить и под его одеждой – в виде «татуировок» на коже.

    При всём при том, не надо думать, что Борис Орлов был мазилой,  одним из псевдохудожников многочисленной рати Андеграунда, которые и кисти в руках не умели держать. Нет, Борис Орлов был настоящим художником в полном смысле этого слова. И кисть он умел держать превосходно в руке. Художник с богатейшей фантазией, изобретательностью и даже остроумием. У него помимо Соц-Арта  есть множество работ, исполненных в духе реализма. Натюрморты, букеты цветов , портреты и изумительные пейзажи. Надо смотреть. И в тоже время он говорил:

  «Искусство должно идти вперед, оно не должно замыкаться в догмах, которые, например, были в византийскую эпоху . Надо прошлое учитывать, но делать так, как велит душа сейчас. Это сложный момент – как не уйти с канонического поля, не отойти от канона, Но оставаться на месте тоже неправильно – жизнь развивается, идет вперед.»

    Да, очень» сложный момент». Он же сам и сказал , что это катастрофа для художника, когда зритель остановится перед  вашей картиной в задумчивости с вопросом, а что это такое ты нам изобразил.  К тому же этот «художник», так часто и сам не может ответить на этот вопрос. Что изобразил? Зато за него отвечают другие, высоколобые искусствоведы. А мы им верим. И не видим пустоту там, где она есть.