Азбука театра, кино и эстрады

                Юрий Лазаревич Алянский, Ирина Дмитриевна Сердюкова




                АЗБУКА ТЕАТРА, КИНО И ЭСТРАДЫ

 

                Аннотация
     Театр и кино – особые миры, где властвует Актер.
     Артистический (актерский) талант – вещь редкая. Из 30-50-ти претендентов на место в театральное учебное заведение поступает лишь один. Хотя в 70-е годы 20-го века бывали случаи, когда конкурс достигал 100 человек на место. А в 3-м тысячелетии бывают случаи, когда конкурс составляет всего 2-5 человек на место. И даже на платные отделения может быть минимальный конкурс. И уже есть переизбыток артистических кадров. И есть очень красивые актёры со специальным образованием, но на самом деле – это не актёры, а модели. Таланта у них нет совсем.
     И не важно: пел ли абитуриент, танцевал или рассказывал стихи. Важно только одно: есть у него этот самый талант или нет. А это можно распознать уже после 3-5 минут наблюдений за поведением конкретной личности.
      «Волшебный край!» – назвал театр Александр Сергеевич Пушкин. В волшебный край, в царство муз сценического искусства Мельпомены и Талии приглашает вас «Азбука театра, кино и эстрады». В этой небольшой энциклопедии рассказывается об истории мирового театра, о великих драматургах и выдающихся режиссерах и актерах, раскрывается смысл многих понятий, названий, терминов, необходимых каждому зрителю театра и кино.
     Книга большей частью адресована юному читателю, и может быть использованной в качестве учебного пособия на уроках пения, эстетики и актерского мастерства в школах, лицеях и гимназиях, детских садах. Но она будет интересна и для взрослых: воспитателей детсада, учителей, преподавателей, абитуриентов и студентов театральных вузов, консерваторий, колледжей искусств и техникумов, музыкальных школ.
     Книга посвящена специфической аудитории зрителей. Дошкольный и младший школьный возраст – это неглубокие общие знания и неспособность концентрировать внимание надолго. Подростковый возраст – это повышенная критичность и эмоциональная ранимость. К. С. Станиславский говорил, что для детей нужно играть гораздо лучше, тоньше, совершеннее.
     Данная книга может стать пособием для тех, кто решил связать свою дальнейшую жизнь с этими областями искусств.
;
СОДЕРЖАНИЕ

ЗАЧЕМ НАПИСАНА ЭТА КНИГА 18
А 20
АБОНЕМЕНТ 20
АБСТРАКЦИЯ 20
АБСУРД 20
АВАНГАРД 20
АВАНЛОЖА 20
АВАНСЦЕНА 20
АВТОМАТЫ 20
АВТОР 21
АВТОРСКАЯ РЕЧЬ 21
АДАЖИО 21
АДМИНИСТРАТОР 21
АЖИОТАЖ 21
АЗАРТ 21
АКАДЕМИЧЕСКАЯ МУЗЫКА 21
АКАДЕМИЧЕСКОЕ ПЕНИЕ (АКАДЕМИЧЕСКИЙ ВОКАЛ) 21
АККОМПАНЕМЕНТ 22
АККОМПАНИАТОР 22
АКТ 22
АКТЕР 23
АКТЕРСКИЙ ШТАМП 26
АКТЕРСКОЕ ИСКУССТВО (ИСКУССТВО АКТЕРА) 26
АКТУАЛЬНЫЙ 27
АКЦИОНИЗМ 27
АЛЛЕГОРИЯ 27
АЛЛЕГРО 27
АЛЛЮЗИЯ 27
АМБИВАЛЕНТНОСТЬ 27
АМБИЦИЯ 28
АМПЛУА 28
АМФИТЕАТР 28
АНАЛОГИЯ 29
АНГАЖЕМЕНТ 29
АНДРЮША 29
АНИМАТОР 29
АНИМАЦИЯ 30
АНИМАЦИОННОЕ КИНО 30
АНЕКДОТ 30
АНОНС 30
АНСАМБЛЬ 30
АНТРАКТ 31
АНТРАША 31
АНТРЕПРЕНЕР 32
АНТРЕПРИЗА 32
АНТУРАЖ 32
АНШЛАГ 32
АПАРТЕ 32
АПЛОМБ 32
АПОФЕОЗ 32
АРАБЕСК 32
АРАНЖИРОВКА 32
АРЕНА 33
АРЛЕКИН 33
“АРЛЕКИН” 33
АРТИКУЛЯЦИЯ 33
АРТИСТ 33
АРТИСТИЧЕСКАЯ ТЕХНИКА 33
АРТХАУС 33
АССАМБЛЕ 33
АССИСТЕНТ 34
АУДИТОРИЯ 34
АУТЕНТИЧНОЕ ИСПОЛНЕНИЕ 34
АФИША 34
АФИШИРОВАТЬ 34
АФОРИЗМ 34
Б 34
БАЙОПИК 34
БАЛАГАН 34
БАЛКОН 34
БАЛЕТ 35
БАЛЕРИНА 38
БАЛЕРУН (ТАНЦОВЩИК) 38
БАЛЕТМЕЙСТЕР (ХОРЕОГРАФ) 38
БАЛЛОН 38
БАЛЬНЫЕ ТАНЦЫ 38
БАНАЛЬНЫЙ 39
БАРД 39
БАРО;ККО 39
БАТМАН 40
БЕЛЬЭТАЖ 40
БЕЛЬКАНТО 40
БЕНЕФИС 40
БЕНУАР 40
БЕСТСЕЛЛЕР 40
БИ-БА-БО 40
БИБЛЕЙСКИЕ КУКОЛЬНЫЕ ПЬЕСЫ 40
БИЗНЕС 40
БИС 41
БЛЕФ 41
БЛОКБАСТЕР 41
БЛЮЗ 41
БОГЕМА 41
БОЕВИК 41
БОСАНОВА 41
БРАВАДА 41
БРАВО 41
БРОДВЕЙСКИЙ ТЕАТР 42
БУМ 42
БУРАТИНО 42
БУРЛЕСК 42
БУТАФОР 42
БУТАФОРИЯ 42
БУФФОНАДА 43
БЫТОВЫЕ ТАНЦЫ 43
В 43
ВАГА 43
ВАГАНТЫ 43
ВАЛЬС 43
ВАРИАЦИЯ 44
ВАРЬЕТЕ 44
ВДОХНОВЕНИЕ 44
ВЕРА 44
ВЕРТЕП 45
ВЕРХОВАЯ КУКЛА 45
ВИДЕОКЛИП 45
ВИДЫ И ЖАНРЫ КИНО 46
ВЕРСИЯ 47
ВИДЕОРЕДАКТОР 47
ВИРТУОЗ 47
ВОДЕВИЛЬ 47
ВОЗРОЖДЕНИЕ 48
ВОКАЛ (или ПЕНИЕ) 48
ВОКАЛИСТ 49
ВОКАЛЬНАЯ МУЗЫКА 49
ВОКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО 49
ВООБРАЖЕНИЕ 50
ВОЛШЕБНЫЙ ФОНАРЬ 50
ВУЛЬГАРНЫЙ 50
ВЫСОКАЯ КУЛЬТУРА 50
ВЫХОДНАЯ АРИЯ 50
Г 51
ГАЛОП 51
ГАПИТ 51
ГАУЧО-ТЕАТР 51
ГАСТРОЛИ 51
ГАСТРОЛЬ 51
ГАРНАЧА 51
ГЕНЕРАЛЬНАЯ РЕПЕТИЦИЯ 51
ГЕНИЙ 51
ГЕРОЙ 51
ГИМАТИИ 52
ГИСТРИОН 52
ГЛАВНЫЙ РЕЖИССЁР 52
ГЛИССАД 52
ГОТИКА 52
ГРИM 53
ГРИМЕР 54
ГРИМЕРКА 54
ГРОТЕСК 54
ГРЯДКА 54
ГУММОЗ 54
Д 55
ДЕБЮТ 55
ДЕВЕЛОПЕ 55
ДЕЙСТВИЕ 55
ДЕЙСТВУЮЩЕЕ ЛИЦО 55
ДЕКАДАНС 55
ДЕКЛАМАЦИЯ 56
ДЕКОРАТОР 56
ДЕКОРАЦИЯ 56
ДЕКОРАЦИОННОЕ ИСКУССТВО 56
ДЕКОРАЦИЯ КИНОТЕАТРАЛЬНАЯ 56
ДЖАЗ 57
ДЖАЗОВЫЙ ВОКАЛ 57
ДЖАЗОВЫЙ ТАНЕЦ 58
ДИАЛОГ 58
ДИАПАЗОН 59
ДИВЕРТИСМЕНТ 59
ДИКЦИЯ 59
ДИРИЖЁР 59
ДИ;СКАНТ 59
ДОКТОР ФАУСТ 60
ДОКУМЕНТАЛЬНОЕ КИНО 60
ДРАМА 60
ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР 61
ДРАМАТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО 61
ДРАМАТУРГ 61
ДРАМАТУРГИЯ 61
ДРАМАТУРГИЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ 69
ДУБЛЁР 69
ДУБЛЬ 69
ДУБЛЯЖ 69
ДУХОВНАЯ МУЗЫКА 69
ДУХОВНАЯ ЛИТЕРАТУРА 70
ДУХОВНЫЕ СТИХИ 71
ДУХОВЫЕ МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ 72
Ж 72
ЖАНР 72
ЖЕСТ 72
ЖЕТЕ 73
З 73
ЗАДАЧА 73
ЗВУКОВОЕ ОБОРУДОВАНИЕ 73
ЗВУКООПЕРАТОР 73
ЗВУКОРЕЖИССЁР 73
ЗРИТЕЛЬ 74
И 75
ИГРА 75
ИДЕЯ 75
ИММЕРСИВНЫЙ ТЕАТР 75
ИМПРОВИЗАЦИЯ 75
ИНВЕСТОР 75
ИНДИ 75
ИНЖЕНЮ 75
ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ 76
ИНСЦЕНИРОВКА 76
ИНТЕРМЕДИЯ 76
ИНТОНАЦИЯ 76
ИНТРИГА 77
ИРОНИЯ 77
ИСКУССТВО 77
ИСПАНСКИЕ ТЕНИ 77
ИСПОЛНИТЕЛЬСКОЕ МАСТЕРСТВО (ИСКУССТВО) 77
К 77
КАБАРЕ 77
КАБРИОЛЬ 77
КАВЕР 78
КАМЕО 78
КАМЕРНАЯ МУЗЫКА 78
КАМЕРНАЯ ПОСТАНОВКА 78
КАМЕРНЫЙ ТЕАТР 78
КАПЕЛЛА 79
КАСТИНГ 79
КИНЕМАТОГРАФИСТ 79
КИНЕМАТОГРАФИЯ 79
КИНО 79
КИНОАКТЕР 79
КИНОКАДР (КИНЕМАТОГРАФИЧЕСКИЙ КАДР) 80
КИНОКАМЕРА 80
КИНОКОМЕДИЯ 80
КИНОПЛЕНКА 81
КИНОПРОДЮСЕР 81
КИНОБИЗНЕС 81
КИНОПРОИЗВОДСТВО 81
КИНОРЕЖИССЁР 81
КИНОСЪЁМКА 82
КИНОСТУДИЯ 82
КИНОСЦЕНАРИЙ 84
КИНОСЦЕНАРИСТ 84
КИНОТЕАТР 84
КИНОШЛЯГЕР 84
КИНОХИТ 84
КИЧ 84
КЛАВИР 85
КЛАССИЧЕСКАЯ МУЗЫКА 85
КЛАССИЧЕСКАЯ ШКОЛА ТАНЦА 85
КЛАССИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ 85
КЛИП 86
КОМБИНИРОВАННЫЕ СЪЕМКИ 86
КОМЕДИЯ 86
КОМИЧЕСКИЕ ПРИЕМЫ 87
КОМИЧЕСКОЕ 88
КОМПЛИМЕНТ 88
КОЛЫБЕЛЬНАЯ ПЕСНЯ 88
КОНЦЕРТ 88
КОНЦЕРТМЁЙСТЕР 88
КОРДЕБАЛЕТ 89
КОСПЛЕ;Й 89
КОСТЮМЕР 89
КОСТЮМ КИНОТЕАТРАЛЬНЫЙ 89
КОТУРНЫ 90
КРОССОВЕР 90
КРУНЕР 90
КУКЛА НА ГОЛОВЕ 90
КУКЛА ТЕАТРАЛЬНАЯ 90
КУКЛЫ-АВТОМАТЫ 91
КУКЛЫ НА ВОДЕ 91
КУКОЛЬНАЯ КОМЕДИЯ 91
КУКОЛЬНИК 92
КУКЛОВОД 92
КУКОЛЬНЫЙ ТЕАТР 92
КУЛЬТУРНЫЙ КОД 93
КУПЛЕТЫ 93
КУРАЖ 93
Л 93
ЛЕЙБЛ 93
ЛЭЙБЛ ЗВУКОЗАПИСИ 94
ЛИБРЕТТИСТ 94
ЛИБРЕТТО 94
ЛИПСИНК 94
ЛИЦЕДЕЙ 94
ЛИЦЕДЕЙСТВО 94
ЛОГЛАЙН 94
М 94
МАКЕТ 94
МАНЕРА 94
МАРИОНЕТКА 95
МАССМЕДИА 95
МАСКА 96
МАССОВАЯ КУЛЬТУРА 96
МАССОВЫЕ ЗРЕЛИЩА 97
МАСТЕРСТВО 97
МАШИНКА 97
МЕДИАФРАНШИЗА 97
МЕШОЧНЫЕ (КУЛЬКОВЫЕ) КУКЛЫ 97
МИДКВЕЛ 97
МИМЫ 97
МИКРООПЕРА 97
МИМИРУЮЩАЯ КУКЛА 97
МЕЛОДРАМА 97
МЕЛЬПОМЕНА 98
МЕССА 98
МЕЦЕНАТ 98
МЕЦЕНАТСТВО 98
МЕХАНИК СЦЕНЫ 99
МИЗАНСЦЕНА 99
МИМ 100
МИМЕСИС 100
МИМИКА 100
МОНОЛОГ 100
МОНТАЖ 101
МОНТАЖ В КИНО И ТЕЛЕВИДЕНИИ 101
МОСКОВСКИЙ ТЕАТР ТЕНЕЙ 101
МУЗА 102
МУЗЕЙ ТЕАТРАЛЬНЫЙ 102
МУЗЕЙ ТЕАТРАЛЬНЫХ КУКОЛ ЦЕНТРАЛЬНОГО АКАДЕМИЧЕСКОГО ТЕАТРА КУКОЛ ИМЕНИ С. В. ОБРАЗЦОВА 103
МУЗЫКА 103
МУЗЫКА В ТЕАТРАЛИЗОВАННОМ ПРЕДСТАВЛЕНИИ 104
МУЗЫКАЛЬНАЯ ДЕКЛАМАЦИЯ 104
МУЗЫКАЛЬНАЯ ДРАМАТУРГИЯ 104
МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА 104
МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР 105
МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФИЛЬМ 105
МУЛЬТИПЛИКАТОР 105
МУЛЬТИПЛИКАЦИОННОЕ КИНО 105
МУЛЬТИПЛИКАЦИЯ 106
МУТАЦИЯ 106
«МЫЛЬНАЯ ОПЕРА» 106
МЮЗИКЛ 106
МЮЗИК-ХОЛЛ 106
Н 107
НАРОДНЫЙ ВОКАЛ (ЭТНИЧЕСКОЕ ПЕНИЕ) 107
НАУЧНО-ПОПУЛЯРНОЕ КИНО 107
НЕКОММЕРЧЕСКАЯ ОБЛАСТЬ КУЛЬТУРЫ 107
НЕОКЛАССИКА 107
НОМЕР 107
НОН-ФИКШН 107
НУАР 108
НЮАНС 108
О 108
ОБРАЗЦОВ С. В. 108
ОБРЯДОВАЯ ПЕСНЯ 108
ОБОРУДОВАНИЕ ДЛЯ СЦЕНЫ 109
ОВАЦИЯ 109
ОЗВУЧЕНИЕ 109
ОЗВУЧИВАНИЕ ФИЛЬМА 109
ОПЕРА 109
ОПЕРА (ОПЕРНЫЙ ТЕАТР) 110
ОПЕРАТОР КИНО И ТЕЛЕВИДЕНИЯ 112
ОПЕРЕТТА 113
ОРКЕСТР 114
ОРКЕСТРОВАЯ ЯМА 115
ОРКЕСТРОВКА 115
ОСВЕТИТЕЛЬ 116
П 116
ПА 116
ПА-ДЕ-ДЕ 116
ПАНОРАМА 117
ПАНТОМИМА 117
ПАНТОМИМИКА 118
ПАПЬЕ-МАШЕ 118
ПАРТЕР 119
ПАРТИТУРА 119
ПАРТИЯ 119
ПАССЕ 120
ПАСТОРАЛЬ 120
ПАЧКА 120
ПАЯЦ 120
ПЕВЕЦ 120
ПЕВЧЕСКАЯ ПОЗИЦИЯ 121
ПЕСНЯ 121
ПЕНИЕ 121
ПЕРЕЛОЖЕНИЕ 122
ПЕРЧАТОЧНЫЕ КУКЛЫ (ПЕТРУШКИ) 122
ПЕРФОРМАНС 122
ПЕТРУШКА 122
ПИРУЭТ 123
ПИТЧ 123
ПИТЧИНГ 123
ПЛАГИАТ 123
ПЛАКАТ КИНОТЕАТРАЛЬНЫЙ 123
ПЛАНШЕТНАЯ КУКЛА 125
ПОДДЕРЖКА 125
ПРЕМЬЕР 126
ПРЕПАРАСЪОН 126
ПРИКВЕЛ 126
ПРИКЛЮЧЕНЧЕСКИЙ ФИЛЬМ 126
ПРИЧИТАНИЯ 126
ПРИМАДОННА 126
ПРИМА-БАЛЕРИНА 126
ПРОДЮСЕРСКИЙ ПИТЧИНГ 127
ПЛАН В КИНО 127
ПОЗИЦИОНИРОВАНИЕ 127
ПОЛИШИНЕЛЬ 127
ПОЛИЭКРАННОЕ, ПОЛИКАДРОВОЕ, ПАНОРАМНОЕ КИНО 127
ПОП-КУЛЬТУРА 127
ПОП-МУЗЫКА 128
ПОПУРРИ 128
ПОСТЕР 128
ПРОДЮСЕР 128
ПРОСТРАНСТВО В КИНО 129
ПУАНТЫ 129
ПЯТАЯ ПОЗИЦИЯ 129
Р 129
РАДИОТЕАТР 129
РАЁК 129
РАКУРС 130
РАКУРС В КИНО 130
РАМПА 130
РАСКАДРОВКА 130
РЕВЮ 130
РЕГГЕТОН 130
РЕЖИССЁР 130
РЕЖИССУРА 133
РЕЗОНЁР 133
РЕЙТИНГ 133
РЕКВИЗИТ 133
РЕЛИЗ 134
РЕМАРКА 134
РЕМЕЙК 134
РЕМИКС 134
РЕНЕССА;НС 134
РЕПЕРТУАР 135
РЕПЕРТУАРНЫЙ ТЕАТР 135
РЕПЕТИЦИЯ 135
РЕПРИЗА 135
РЕЧИТАТИВ 135
РОК-ВОКАЛ 136
РОМАНС 136
РОСТОВАЯ КУКЛА 136
РЭП 137
РЭПЕРЫ 137
С 138
САМБА 138
САСПЕНС 138
САТИРА 138
САТИРИЧЕСКИЙ ХАРАКТЕР 138
САУНДТРЕК 138
СВЕТОВАЯ АППАРАТУРА 138
СВЕТОМУЗЫКА 139
СВЕТООПЕРАТОР 139
СЕЗОН 139
СЕНСАЦИЯ 139
СИМФОНИЯ 139
СИМФОНИЧЕСКИЙ ОРКЕСТР 140
СИСТЕМА К. С. СТАНИСЛАВСКОГО 140
СИКВЕЛ 142
СИНОПСИС 142
СИТКОМ 142
СКЕТЧ 143
СКЕТЧКОМ 143
СКОМОРОХИ 143
СЛОВЕСНОЕ ВОЗДЕЙСТВИЕ 143
СЛЭШЕР 143
СОБЫТИЕ 143
СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ 143
СОЛИСТ 144
СОНАТА 144
СОТЕ 144
СОПЕРЕЖИВАНИЕ 144
СОФИТЫ 144
СПЕКТАКЛЬ 144
СПЕЦИФИКА 145
СПИН-ОФФ 145
СПОЙЛЕР 145
СПОСОБНОСТИ 145
СТАТИСТ 145
СТЕРЕОТИП 145
СТИЛИЗАЦИЯ 145
СТИЛЬ 145
СТУДИЯ 145
СТУДИЯ ТЕАТРАЛЬНАЯ 145
СУБРЕТКА 146
СУБТИТРЫ 146
СЦЕНА 146
СЦЕНАРИЙ 146
СЦЕНАРНЫЙ ПИТЧИНГ 146
СЦЕНИЧЕСКАЯ ЗАДАЧА 146
СЦЕНИЧЕСКАЯ НАИВНОСТЬ 146
СЦЕНИЧЕСКАЯ УСЛОВНОСТЬ 146
СЦЕНИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ 146
СЦЕНИЧЕСКОЕ ВНИМАНИЕ 147
СЦЕНИЧЕСКОЕ ВОПЛОЩЕНИЕ 147
СЦЕНОГРАФИЯ 147
СЮЖЕТ 147
Т 147
ТАГЛАЙН 147
ТАЛАНТ 147
ТАНЦЕВАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ 148
ТАНЕЦ СЦЕНИЧЕСКИЙ 148
ТАНЦОВЩИК (БАЛЕРУН) 148
ТВОРЧЕСКОЕ МЫШЛЕНИЕ 148
ТЕАТР 148
ТЕАТР АНТРЕПРИЗЫ 152
ТЕАТРАЛЬНОЕ ЗДАНИЕ 153
ТЕАТРАЛЬНЫЙ ПИТЧИНГ 154
ТЕАТР ДЛЯ ДЕТЕЙ (ТЕАТР ЮНЫX ЗРИТЕЛЕЙ) 154
ТЕАТР КУКОЛ 156
ТЕАТР ТЕНЕЙ 157
ТЕМБР ГОЛОСА 158
ТЕНЕВЫЕ ФИГУРЫ 158
ТИЗЕР 158
ТИПАЖ 158
ТИТРЫ 158
ТЕМНОЕ ФЭНТЕЗИ 158
ТЕХНИКА РЕЧИ 159
ТРАВЕСТИ 159
ТРАГЕДИЯ 159
ТРАГИК 160
ТРАНСКРИПЦИЯ 161
ТРЕЙЛЕР 161
ТРОСТЕВАЯ КУКЛА 161
ТРОПА 161
ТРИКВЕЛ 162
ТРУППА 162
ТРЮК 162
ТРЭШ 162
ТУРЫ 162
ТЯПА 162
У 162
УЛИЧНЫЕ ТАНЦЫ 162
УРОК КЛАССИЧЕСКОГО ТАНЦА 162
Ф 163
ФАБУЛА 163
ФАЛЬШЬ 163
ФАНТАЗИЯ 163
ФАНТАСМАГОРИЯ 163
ФАНТАСТИКА 163
ФАРС 163
ФАТ 164
ФЕЕРИЯ 164
ФЕСТИВАЛЬ 164
ФИАСКО 164
ФИЛАРМОНИЯ 164
ФИЛЬМ 164
ФИНАЛ 164
ФЛЭШБЕК 165
ФОЛЬКЛОР 165
ФОНОГРАММА 165
ФОНОТЕКА 165
ФОРС 165
ФРАНШИЗА 165
ФРАНШИЗА В КИНО 165
ФРИЛАНСЕР 166
ФРОНТАЛЬНЫЙ 166
ФУНКЦИИ РЕЖИССЕРА 166
ФУРА 166
ФУРОР 166
ФУЭТЕ 166
ФЭНТЕЗИ 166
Х 166
ХАРАКТЕР 166
ХАРАКТЕРНОСТЬ 166
ХАРАКТЕРНЫЙ АКТЕР 166
ХАРАКТЕРНЫЙ ТАНЕЦ 166
ХИТ 167
ХЕППЕНИНГ 167
ХЛОПУШКА (НУМЕРАТОР) 167
ХОР 167
ХОРЕОГРФ 167
ХОРЕОГРАФИЯ (ХОРЕОГРАФИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО) 167
ХОРИСТ (ХОРИСТКА) 167
ХОРМЕЙСТЕР 168
ХОРРОР 168
ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ СПОСОБНОСТИ 168
ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ЧТЕНИЕ 168
ХУДОЖНИК 168
ХУДОЖНИК КИНОТЕАТРАЛЬНЫЙ 168
ХУДОЖНИК ПО КОСТЮМАМ 168
ХУДОЖНИК-ПОСТАНОВЩИК 168
ХУДОЖНИК ПО СВЕТУ 169
ХЭППЕНИНГ 170
ХЭППИ ЭНД 170
Ц 170
ЦЕЙТРАФЕР 170
ЦЕНЗУРА 170
ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ТЕАТР КУКОЛ 170
ЦИЛИНДРИЧЕСКИЕ КУКЛЫ 171
Ч 171
ЧИСТАЯ ПЕРЕМЕНА 171
ЧТЕЦ (АРТИСТ) 171
Ш 174
ШАБЛОН 174
ШАНСОНЬЕ 174
ШАРЖ 174
ШЕДЕВР 174
ШИРМА 174
ШКОЛЬНАЯ ДРАМА 174
ШЛЯГЕР 174
ШОК 175
ШОУ-БИЗНЕС 175
ШТАМП 175
ШУМОВОЕ ОФОРМЛЕНИЕ 175
ШУТКА 175
Э 175
ЭКЗЕРСИС 175
ЭКСПРЕССИЯ 176
ЭКРАНИЗАЦИЯ 176
ЭКШЕН (ЭКШН) 176
ЭЛЕВАЦИЯ 176
ЭПАТАЖ 176
ЭПИЗОД 176
ЭПИЛОГ 176
ЭПОПЕЯ 176
ЭСКИЗЫ 176
ЭСТЕТИЧЕСКИЕ НОРМЫ 176
ЭСТРАДА 177
ЭСТРАДНОЕ ИСКУССТВО 177
ЭСТРАДНЫЙ ВОКАЛ (ЭСТРАДНОЕ ПЕНИЕ) 179
ЭСТРАДНЫЙ ТАНЕЦ 180
ЭТЮД 180
ЭФФЕКТ 181
ЭФФЕКТЫ СЦЕНИЧЕСКИЕ 181
Ю 182
ЮМОР 182
ЮМОРЕСКА 182
ПИСЬМО К ЧИТАТЕЛЯМ 183

;
ЗАЧЕМ НАПИСАНА ЭТА КНИГА

Однажды родители решили повести меня в театр  (рассказывает Юрий Лазаревич Аянский). Не в кукольный или детский, а в самый настоящий, «взрослый». В тот вечер шла опера Н. А. Римского-Корсакова (1844—1908) «Сказка о царе Салтане».
Родители вряд ли предполагали, какое ошеломляющее впечатление произведет на меня первый увиденный в жизни спектакль. Вернувшись домой, я был, что называется, не в себе. Долго не мог заснуть, а когда все-таки уснул – увидел во сне залитую огнями сцену и парящую над нею Царевну-Лебедь... С тех пор я полюбил театр на всю жизнь. И я с удовольствием позже посмотрел фильм по этой сказке. Так в мою жизнь следом за театром пришла любовь к классике в кино.
Первое знакомство детей с театром и эстрадой в те годы происходило и без телевизора – для этого было проводное радио – ныне Радио России. А знакомство с киноискусством целиком возлагалось на кинотеатры.
Я помню, что в средней школе меня поразил кинофильм по опере П. И. Чайковского (1840—1893) «Иоланта»  (рассказывает Ирина Дмитриевна Сердюкова). Я с удовольствием его пересматривала несколько раз. И только взрослой мне повезло попасть в Большой Театр, и увидеть эту оперу, в специальном исполнении для школьников. А «Сказку о царе Салтане» я неоднократно, и с удовольствием, смотрела в кинотеатре, ещё в начальной школе, но «живьем» не довелось.
Повезло, что пьесу А. В. Вампилова (1937—1972) «С лёгким паром» я, будучи подростком, сначала увидела в Белгородском Драматическом театре им. М. С. Щепкина (1788—1863), куда меня взяли с собой родители, и мне она очень понравилось. Поэтому я была безумно рада, когда её удачно экранизировали. А его же пьесу «Старший сын» я увидела подростком, уже экранизированной с гениальным Н. П. Караченцовым (1944—2018) в главной роли, и много позже, будучи взрослой, прочла в электронном виде. После прочтения пьеса мне еще больше понравилась.
Такое же потрясение могли испытать и вы. Сначала, возможно, познакомившись с куклами и мультфильмами: над ширмой кукольного театра, заменяющей сцену, разыгрываются сказки, очень похожие на действительность; на экране играют свои роли рисованные актеры. Потом вас пригласил к себе Театр юных зрителей – ТЮЗ. Наконец, наступает черед «взрослых» театров и кинофильмов... Например, «Золушка» или «Принц и нищий».
В науке любое открытие совершается один раз – одновременно для всех и навсегда. Таково кино. А хороший спектакль каждый раз, каждый вечер дарит нам что-то новое – открытие для каждого человека в отдельности. Первооткрывателем Великих Истин здесь становится каждый из нас. И на следующем представлении – новые знакомства, новые открытия. Кино делает тоже самое при помощи пересъёмок новых версий (см. ремейк), которые обычно делаются каждые 20-30 лет.
У искусства есть важнейшая особенность: оно способно ответить человеку на один из самых главных вопросов – зачем человек живет на земле и как ему жить? Именно искусство способно помочь людям совершенствовать свою личность, побудить людей сражаться против войны, убийства и невежества.
На страницах этой книги мы не сможем рассказать вам подробно о многовековой истории театра и примерно вековой истории кино. Например, только театр в СССР за 73,5 года своего существования дал столько славных имен писателей-драматургов, актеров, режиссеров-постановщиков, художников-декораторов, что рассказы о них заняли бы много томов и у нас получилась бы не детская, а самая настоящая взрослая энциклопедия. Имена некоторых наиболее выдающихся деятелей советского, российского и мирового театра и кино будут названы в книге. В основном же «Азбука театра и кино» посвящена кинотеатральным понятиям и терминам.
Есть одна особая причина, побудившая нас написать эту книгу. И состоит она в том, что любое искусство – и театр и кино – не откроют зрителю своей красоты, своих глубин, своих увлекательных тайн, если человек не готов к знакомству с ними, если художественно не образован, не знает самых простых законов искусства, его азбуки и грамматики. Человек, мало знакомый с основами и законами искусства, приходя в театр, на выставку, в концертный и кинозал, не приобретает, а теряет. Он видит фигуры людей, предметы, краски, слышит голоса, звуки – одним словом, воспринимает «верхний слой» искусства – сюжет произведения. Но главное – мысль, идея создателей спектакля или кинофильма – от внимания такого зрителя ускользает.
Теперь Вы знаете, зачем написана наша «Азбука театра и кино» – маленькая энциклопедия в рассказах. Надеемся, она поможет вам сделать первые шаги в пленительный мир кино-сценического искусства, и, может быть, вам захочется остаться в нем надолго, на всю жизнь.
И в любом случае всем будет интересно знать, что каждый год 3-го марта отмечают всемирной День Писателя, 21-го марта празднуется Всемирный день поэзии и кукольного театра, а 27-го марта весь мир отмечает День театра. Международный День танца празднуется 29 апреля. Международный день музыки отмечается ежегодно 1 октября. Всемирный день мультфильмов (анимации) отмечается ежегодно 28 октября. И тогда же отмечают Международный День Оперы. 28 декабря весь мир отмечает День кино.
Счастья и Успехов!
Приятного прочтения.
Авторы
 
;
А
АБОНЕМЕНТ
Абонемент (франц. abonnement – уплата вперёд, подписка) – право пользования местом в т-ре (концертном зале) в течение известного срока на определённые спектакли, оплачиваемое вперёд (полностью или частично).
АБСТРАКЦИЯ
Абстракция (лат. – отвлечение) – способ художественного мышления и построения образа. Данный способ предполагает отвлечение от второстепенного, несущественного в информации об объекте, акцентирование существенных значимых моментов.
АБСУРД
Абсурд (лат. – бессмыслица, нелепость) Направление в искусстве, противоречие сюжетности произведения. Если произведение развивается в определённой последовательности и логике событий: экспозиция, завязка, конфликт, его развитие, кульминация, развязка и финал, то абсурд – это отсутствие логики конфликта. Это направление получило отражение в произведениях Ж. Ануя, Ж. П. Сартра, Э. Ионеско и т.д.
Абсурд – род творчества, определяющий парадоксальность этого явления; он мало изучен, но представляет особый интерес со стороны режиссуры театра.
АВАНГАРД
Авангард (фр. – передовой отряд) – направление искусства, противоречащее установившимся в искусстве нормам. Поиск новых решений, отвечающих эстетике и запросам нового поколения.
Вместе с тем, базой любого авангарда является классика. Она берётся за основу и развивается, изменяется, обновляется. В результате получается шаг вперед, если результат усовершенствования классики положительный. И тогда авангард превращается в неоклассику.
АВАНЛОЖА
Аванложа (от франц. avant – впереди и loge – маленькая комната, ложа) – небольшая комната перед ложей, где зрители оставляли верхнее платье и отдыхали в антрактах. А. — места в зрительном зале, помещение перед входом в ложу. А. характерны для т-ров, сооружённых в 18–19 вв. со зрительным залом, ярусы которого разделены на ложи.
АВАНСЦЕНА
Авансцена (фр. – перед сценой) – передняя часть театральной сцены (перед занавесом). Авансцена в современном театральном искусстве представляется дополнительной игровой площадкой. Возможность непосредственного общения с залом.
АВТОМАТЫ
Куклы-автоматы появились очень давно. Их знали и в Древнем Египте, и в Древнем Риме. Они возникли из магических обрядов древности. Считалось, что первые автоматы изобрели боги. Одним из таких «изобретателей» был древнегреческий бог Вулкан. Эту историю рассказал автор «Одиссеи» и «Илиады» поэт Гомер.
Когда богиня правосудия Фемида пришла в кузницу хромого Вулкана, чтобы заказать ему оружие для своего любимца – героя Ахилла, она увидела, что Вулкан заканчивает изготовление треножников для пиршества богов. Эти треножники были самодвижущиеся. Они сами ездили туда, куда им приказывал Вулкан.
 «Двадцать треножников вдруг он работал
В утварь поставить к стене своего благолепного дома,
Он под подножием их золотые колеса устроил,
Сами б собою они приближалися к сонму бессмертных,
Сами б собою и в дом возвращалися взорам на диво…»
Люди всегда мечтали сравняться с богами и создать искусственное подобие человека, животного или птицы… Таких искусственных людей, кукол-автоматов называли андроидами, а тех, кто их создавал: художников, инженеров – тавматургами, «диводелателями».
 В греческих и египетских храмах ставили изваяния богов, которые могли поворачивать головы, с открывать рот и глаза, ходить и даже… говорить. Так появился театр кукол-автоматов. Они редко были страшными. Напротив, чаще всего – прекрасными. Существует легенда о том, что древнегреческий скульптор Дедал (тот самый, что изобрел крылья и сын которого – Икар – разбился, подлетев слишком близко к солнцу) не только высекал из мрамора замечательные скульптуры, но и делал их движущимися.
Таких андроидов создавали многие народы мира. Помнишь сказку Андерсена о соловье и императоре, в которой императору подарили механического соловья? Этот соловей теперь живет в Музее театральных кукол Театра Сергея Образцова (см. «Музей театральных кукол»). И поет!..
 Когда умер первый император России Петр Великий, его жена – императрица Екатерина – приказала сделать «восковую персону» – куклу, которая была точной копией Петра Первого. Кукла сидела на троне и смотрела не мигая прямо перед собой. Но когда кто-то осмеливался подойти к ней ближе, чем это было положено по этикету, она неожиданно вставала и поворачивалась в сторону дерзкого…
Несколько столетий назад (в XVIII веке) французские механики Ж. Вокансон и Дюмолен создали кукол, умеющих играть на музыкальных инструментах: флейте, свирели, скрипке. А швейцарский мастер Жак Дроз создал механического писца – куклу, изображающую ребенка 5–6 лет, которая сидела за столом перед чистым листом бумаги, макала гусиное перо в чернильницу и четким, красивым почерком выводила на бумаге фразу за фразой… Сын Дроза – Анри, желая превзойти отца, изготовил куклу-художника, которая могла писать картины… Эти куклы-автоматы дожили до нашего времени. Мальчик-писарь, например, хранится в Мюнхенском музее кукол.
 Сегодня появляется много новых самодвижущихся кукол-игрушек! Если бы не древние андроиды, их никогда бы не было! Игрушки ходят, разговаривают, прыгают, летают. Из языческих храмов они пришли в нашу жизнь. А кино? Помнишь «Парк Юрского периода», «Кинг-Конг», «Челюсти», «Звездные войны»?.. Все эти акулы, гигантские обезьяны, динозавры – не что иное, как куклы-автоматы, ставшие киноактерами. Конечно, они совершеннее старинных, у многих есть даже искусственный интеллект – компьютерное управление.
Куклы-автоматы не исчезнут. Они будут совершенствоваться. Так что профессия тавматурга – профессия будущего.
АВТОР
Автор (фр. – создатель) – творец, создатель научного, литературного или художественного произведения. В театре это – драматург. Автор инсценировки, спектакля.
АВТОРСКАЯ РЕЧЬ
Авторская речь – слова, которыми автор от своего имени характеризует своих героев, оценивает их поступки, события, обстановку, пейзаж.
АДАЖИО
Адажио (ит. adajio – медленно) – 1. темп исполнения музыкальных произведений: медленно, протяжно. 2. Музыкальное произведение или часть его в таком темпе. 3. Медленная часть урока или танца. 4. Танец двух или нескольких героев балета, в котором они раскрывают свое внутреннее состояние. Самостоятельный, либо являющий собой центральную часть сложной музыкально-хореографической формы (pas de deux, pas de trois, pas d'action, grand pas и т.п.) танцевальный номер, в исполнении одного, двух, либо большего числа солистов. Наиболее распространённая форма танцевального дуэта.
АДМИНИСТРАТОР
Администратор (лат. – управляю, заведую) – человек, профессиональная деятельность которого, направлена на прокат спектаклей, концертов в театре и на эстраде.
АЖИОТАЖ
Ажиотаж (фр. – волнение) – сильное возбуждение, волнение, борьба интересов.
АЗАРТ
Азарт (фр. – случайность) – запальчивость, задор. Сильное увлечение, рвение. Крайнее увлечение игрой.
АКАДЕМИЧЕСКАЯ МУЗЫКА
Академи;ческая му;зыка (серьёзная музыка, светская профессиональная) — музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX вв. музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу.
АКАДЕМИЧЕСКОЕ ПЕНИЕ (АКАДЕМИЧЕСКИЙ ВОКАЛ)
Академическое пение – это классическая вокальная школа, обучающая исполнителя петь в опере, в академическом хоре, капелле, с симфоническим оркестром, а также в жанре камерной вокальной музыки. В академическом вокале и народной музыке есть каноны и определённая манера пения.
Основы академического вокала были заложены еще в ХVI веке. Академический вокал развился из музыки европейского церковного пения. Претерпев множество изменений, и будучи дополнен величайшими композиторами разных эпох (в том числе русскими композиторами-классиками Римским-Корсаковым, Бородиным, Глинкой, Чайковским и другими), он стал основой для оперной и камерной музыки.
Академическое исполнение можно разделить на стили: кантилена, декламация и колоратура.
В оперной технике belcanto нет частых резких скачков и быстрой смены певческих регистров.
Академический вокал нацелен на передачу красоты голоса. Академический звук более звонкий, чистый, однородный и округлый. Однако иногда, наслаждаясь красотой звука, очень трудно понять текст композиции.
Академический вокал возник во времена отсутствия любого оборудования, способного усилить голос исполнителя. По этой причине певец мог рассчитывать лишь на собственные вокальные данные. Академический вокал не предполагает пения в микрофон. Но такой певец к 60-ти годам завершает карьеру.
Классическая манера пения базируется на особом использовании гортани и дополнительных резонаторов, благодаря чему достигается чистое объемное звучание, способное заполнить большое помещение и подняться над симфоническим оркестром.
Академический вокал отличается от эстрадного, джазового и рок вокала своей строго классической позицией. В академическом вокале существуют определённые рамки, наработанные опытом и историей вокальной музыки. Эти рамки, как правило, не позволяют академическому певцу использовать свой голос в иных вокальных направлениях. С опытом у академического певца формируется определённая вокальная позиция, благодаря которой голос становится очень сильным и приобретает большой объём. Однако, в редких случаях, академисты могут выступать и в иных вокальных жанрах, если смогут облегчить подачу звука.
В академическом вокале все поется в одной позиции, на зевке. Зевок всему голова, он здесь правит бал. Гортань опускается как на обычном, человеческом зевке, когда Вам спать хочется. Попробуйте как следует зевнуть и издать звук, и вот Вы поете в академической манере! Академические вокалисты всю жизнь учатся петь в этот самый зевок. Это не так просто, как может показаться, не даром же они годами учатся, стажируются.
Репертуар поющих в академической манере – разнообразные арии, романсы, оперетты. Эти певцы выступают на сценах больших и малых оперных театров в качестве солистов либо в хоре.
Академические хоры следуют традициям, они могут петь либо под аккомпанемент инструмента и даже целого оркестра, но ничто так не завораживает, как хор, поющий a capella.
Вместе с тем, такая манера исполнения песен может понравиться не всем. Например, знаменитая песенка «В лесу родилась ёлочка» будучи исполненной оперной певицей, зачастую может испортить настроение. Причина в том, что такая манера пения требует сдерживать эмоции чтобы они не нарушили силу звука, хотя сцена требует проявления актёрского таланта.
АККОМПАНЕМЕНТ
Аккомпанемент (фр. accompagnement) — музыка, гармонически сопровождающая и дополняющая главный голос. Аккомпанемент – музыкальное сопровождение.
АККОМПАНИАТОР
Аккомпаниатор (фр. Accompagnateur) — исполнитель партии аккомпанемента (пианист, аккордеонист, гитарист).
АКТ
Акт (лат. actus – поступок, действие)
1) Отдельная, крупная, составная часть драматического действия или театрального представления.
Законченная часть театрального произведения (например, оперы), отделенная от других подобных частей перерывом (антрактом); то же, что действие.
Законченная часть драматического произведения или театрального представления. В театре акт обычно разделяются перерывами (антрактами). Акт может дробиться на более мелкие части (явления, эпизоды, сцены, картины).
Деление спектакля на 5 актов впервые было осуществлено в театре Древнего Рима (в древнегреческой драме действие продолжалось непрерывно, перемежаясь выступлениями хора). Пятиактное деление затем перешло в европейскую драматургию эпохи Возрождения и классицизма (исключение составлял испанский театр, в котором было принято деление пьесы на 3 петихорнады). Драматургия последующих эпох имеет от 1 до 5 актов. В классическом театре ряда стран Востока (Китай, Япония, Индия, Иран и др.) пьесы имеют десятки актов.
2) В Англии, в т. н. Елизаветинском театре, актом называлась музыка между отдельными частями пьесы.
АКТЕР
Актер (франц. acteur, от лат. actor – действующий, исполнитель, декламатор) – артист – исполнитель ролей в драматических, оперных, балетных, эстрадных, цирковых представлениях и в кино.
Актер – тот, кто действует, исполняет роль, становится действующим лицом драматического произведения на сцене театра и в кино.
Актер – живая связь между текстом автора, замыслом режиссера и восприятием публики. Он должен уметь ловить общую со зрителями волну, становиться со всеми этими людьми в зале единым целым.
Актер-творец должен быть в силах постигать все самое великое в своей эпохе, должен понимать ценность культуры в жизни своего народа и сознавать себя его единицей. Он должен понимать вершины культуры, куда стремится мозг страны в лице его великих современников.
Экзамен – каждый день
Так говорят о самых сложных профессиях: педагог, хирург, театральный актёр…
Есть разные профессии. Есть простые, есть сложные. Актерская профессия – одна из наиболее сложных. Она сложна и физически, и психологически. Да и материально не всегда достойно вознаграждается. Здесь нужен несомненный талант и увлеченность. И постоянная работа над собой. Не каждый способен ежедневно быть готовым к подвигу.
Главное правило актера – верить в то, что говоришь.
Однажды маленький польский мальчик спросил:
– Почему для людей, совершающих подвиги на войне и в труде, есть ордена, а тех, кто делает нас веселыми и счастливыми, орденами не награждают?
Взрослые подумали и решили, что мальчик прав. И тогда в Польше был учрежден орден Улыбки. Польские дети большинством голосов награждают им людей из всех стран мира по собственному усмотрению. Среди кавалеров этого ордена – учителя, писатели, музыканты, художники, актеры.
Первым иностранцем, удостоенным этой высокой награды польских детей, стал по подсчету ребячьих писем и предложений советский артист, режиссер, создатель и руководитель главного Театра кукол в СССР Сергей Владимирович Образцов.
После окончания спектакля, приуроченного к торжеству награждения, на сцену пригласили Сергея Владимировича. С другой стороны сцены вышел мальчик с большим жезлом. Мальчик постучал им по полу, а потом предложил Сергею Владимировичу выпить бокал неразбавленного лимонного сока. Сахара в бокале не было. И главное условие состояло в том, что сок надо выпить не поморщившись.
Образцов выпил и, хотя было очень кисло, ни разу не поморщился. Тогда под бурные аплодисменты зрительного зала ему прикололи на грудь красивый серебряный орден с изображением золотого смеющегося солнца.
Этим орденом дети награждают не только деятелей театра. В июле 1988 года они назвали его кавалером Михаила Сергеевича Горбачева.
Быть кавалером ордена Улыбки – высокая честь и большая радость. А чтобы получить такую награду, надо – так уж получается – совершить подвиг: сделать людей счастливыми и веселыми.
Подвиг актера? Что же это все-таки означает?
Когда началась Великая Отечественная война, весь театр СССР сразу же начал готовиться – нет, не к обороне – к атаке! Одни актеры брались за оружие и уходили на фронт, другие тоже получили оружие – новые пьесы, новые роли, жгучий материал духовного сопротивления фашистским захватчикам.
Тогда, в конце июня сорок первого года, в Центральном театре кукол задумались: какие теперь играть спектакли? Какие девать новые куклы? Для начала решили изобразить Гитлера в виде овчарки, а главаря итальянских фашистов Муссолини – в виде бульдога. Честно говоря, собаки не очень-то подходили для сатиры на фашистов: эти благородные животные – верные друзья человека. Пожалуй, мысль состояла в том, что фашистские главари – взбесившиеся животные, несомненно опасные для людей.
«Взрослые» театры ставили новые, только что написанные драматургами пьесы о войне, формировали фронтовые бригады. Удивительное, небывалое событие произошло 13, 14 и 15 июля 1942 года: газета «Правда», никогда прежде не печатавшая пьес, опубликовала в трех номерах этих дней пьесу поэта и драматурга Константина Михайловича Симонова «Русские люди», причем полностью – от начала до конца! Десятки театров страны сразу же приступили к репетициям.
Многие советские артисты выступали на передовой линии фронта, работали под огнем врага. Другие, в тылу, собирали деньги и на свой счет строили танки и самолеты. Истребители и бомбардировщики с надписями на борту: «Малый театр – фронту» или, к примеру, «Большой театр – за Родину!» взмывали в черное фронтовое небо. Актеры разили врага не только гневными, сатирическими спектаклями, но и трассирующими пулеметными очередями «своих» боевых машин.
Но особенная, трагическая доля досталась актерам осажденного Ленинграда. В условиях небывалой блокады города, когда на ленинградцев обрушились не только тысячи снарядов и бомб, но и муки голода, холода, непереносимых лишений, артисты и здесь вышли на переднюю линию огня. В разгар блокады, в 1942 году, в Ленинграде родился новый театр. На его сцене шли тогда не только драматические, но и оперные и даже балетные спектакли! Был поставлен, например, балет «Конек-Горбунок».
И все это было подвигом.
И все же совершить подвиг в искусстве можно не только на войне. В обычной жизни художнику тоже предоставляется возможность для творческого подвига.
 
В. Ф. Комиссаржевская
Выдающаяся артистка российской драматической сцены Вера Федоровна Комиссаржевская (1864–1910) еще в самом начале 20-го века в одном из своих писем рассказала о том, как понимает она свой долг, преданное служение искусству:
 «В Парижской галерее изящных искусств есть знаменитая статуя. Она была последним произведением великого художника, который, подобно многим гениальным людям, жил на чердаке, служившем ему мастерской и спальней. Когда статуя была совсем почти готова, ночью сделался в Париже мороз. Скульптор не мог спать от холода и думал о том, что глина не успела еще высохнуть, что вода в ее порах замерзнет и в один час статуя будет испорчена и разрушится мечта его жизни. Тогда он встал и закутал свою статую одеялом. На следующее утро скульптора нашли мертвым, зато статуя была невредима. Вот как надобно любить свое дело».
Комиссаржевская и сама любила свое дело так, как скульптор, герой этой истории. В расцвете жизни, в разгаре славы артистка отправилась в 1910 году в большую гастрольную поездку по городам и местечкам тогдашнего Туркестана (так до 1924–1925 годов называлась нынешняя Средняя Азия). И заразилась черной оспой. В тех местах эта страшная, неизлечимая болезнь уносила сотни тысяч людей ежегодно. Комиссаржевская добровольно, по зову совести и сердца старалась облегчить страдания умирающих – и погибла сама.
 
Выдающаяся актриса Малого театра Вера Николаевна Пашенная (1887-1962) создала классический для нашей сцены образ Вассы Железновой в одноименной пьесе А. М. Горького. Премьера спектакля состоялась в 1952 году.

А вот еще пример мужества.
Знаменитый артист Малого театра Александр Алексеевич Остужев (1874–1953) был уже широко известным мастером сцены, когда неожиданно подкралась беда: начала надвигаться глухота. Врачи не могли ему помочь. Потеря слуха – тяжкое, непреодолимое препятствие в работе актера. Но Остужев остался на сцене. Никто уже не узнает, каких огромных усилий это ему стоило, какого напряжения и труда! Еще более сорока лет играл этот замечательный артист. Он не слышал партнеров, не слышал аплодисментов, дыхания зрительного зала. Но он выработал надежный метод общения с партнерами, и никто никогда не замечал, чтобы Александр Алексеевич опоздал с очередной репликой или «наступил» на предыдущую. У него появилось идеально отточенное чувство времени, ритма, паузы. Научился он читать и по губам... Особенно прославился Остужев, когда, уже будучи глухим, в 1935 году с блеском сыграл роль Отелло в одноименной трагедии Шекспира.
Все это – настоящие подвиги, совершенные на сценических подмостках. Игра и подвиг, как видите, могут соединяться.
Искусство актера – это искусство создания на сцене образа человека, положительного или отрицательного действующего лица пьесы. Артист как бы превращается в своего героя, перевоплощается, как говорят в театре. Искусство перевоплощения – очень сложное дело. Но оно необходимо: не владея им, актер может остаться в спектакле всего лишь самим собой.
Перевоплощение бывает иногда только внешним: артист изменяет с помощью грима свое лицо, надевает парик, старается изменить голос, придумывает необычную походку. Но всего этого мало для создания образа. Подлинное перевоплощение состоит еще и в том, чтобы понять и показать зрителям характер персонажа, его жизненные позиции и взгляды, верно передать его мысли и чувства.
В своей работе актер пользуется инструментами, какие дала ему природа: телом, движением, речью, голосом, жестом, мимикой. Ему помогают при этом память, наблюдательность, воображение, эмоциональность – так называется способность человека ярко выражать свои чувства, переживания – эмоции.
 
И. Г. Черкасов

Верным средством актерской профессии в драматическом театре всегда было и навсегда останется слово. Артист должен уметь правильно, грамотно, хорошо говорить. Не так, как в обыденной жизни, – небрежно пробрасывать слова, глотать, комкать их, иногда даже искажать. Сценическая речь – особое искусство, его преподают в театральных учебных заведениях наравне с другими предметами.
Разумеется, характер действующего лица в основном бывает заложен... скажу точнее: должен быть заложен в роли, если это, конечно, хорошая пьеса. Но артист и в этом случае с помощью режиссера или самостоятельно развивает характер, намеченный драматургом, углубляет его, придает ему новые черточки и оттенки. Талантливому актеру удается создать яркий, интересный образ даже в очень маленькой, почти бессловесной роли. «Нет маленьких ролей, есть маленькие актеры». Эта мысль давно стала одним из законов российского театра. А маленький актер – человек, недостаточно талантливый.
Вы можете спросить: а что же такое талант? Почему, перечисляя «инструменты», необходимые актеру в работе, я не назвал таланта и упомянул его только между прочим?.. И будете правы. Талант – важное качество, необходимое каждому художнику, а еще вернее – каждому человеку в любом деле, даже, казалось бы, самом простом.
Но что это такое? Откуда талант берется, можно ли его в себе развить, воспитать? Или он дарится природой избранным, от рождения?
На эти вопросы подробно отвечает выдающийся российский режиссер, актер, театральный педагог Константин Сергеевич Станиславский (настоящая фамилия — Алексе;ев) (1863-1938). К его мыслям о театре и его богатейшему опыту мы еще не раз обратимся на страницах этой книги.
Вот что писал Константин Сергеевич в своей книге «Моя жизнь в искусстве»: «Давнишнее мнение о том, что актеру на сцене нужен только талант и вдохновение, достаточно распространено и поныне. В подтверждение этого мнения любят опираться на гениальных артистов, вроде нашего Мочалова, который будто бы подтверждает это своей артистической жизнью...» (Здесь я хочу прервать цитату, чтобы сказать вам, что Павел Степанович Мочалов [1800–1848] – знаменитый трагический актер первой половины 19-ого века. Он жил и работал в Москве. И стал для своего времени, а потом и для всей истории российского театра классическим образцом актера, который играет исключительно по вдохновению.)
«Попробуйте сказать актерам, плохо осведомленным в своем искусстве, что вы признаете технику, и они с презрением начнут кричать: «Значит, вы отвергаете талант?»
...Чем крупнее артист, тем больше он интересуется техникой своего искусства».
Эти слова Станиславского выделим особо. Почти всю свою жизнь в театре Константин Сергеевич потратил на то, чтобы сделать технику актерского мастерства доступной каждому молодому актеру. Он стремился создать специальный метод – для помощи в овладении техникой. Этот метод называется «системой Станиславского». Мы о нем еще поговорим.
Интересно, что за полвека до Станиславского такие же мысли об актерской профессии высказал Островский: «...у каждого искусства и даже ремесла есть своя  а з б у к а, которая называется техникой... Нельзя быть ни художником, ни хорошим мастеровым, не изучив основательно техники... Техника сценического искусства не из легких».
Больших успехов достигло искусство актера в российском театре. Этим мы обязаны творчеству выдающихся деятелей сценического искусства Константина Сергеевича Станиславского, Владимира Ивановича Немировича-Данченко, Евгения Багратионовича Вахтангова. Каждый из них воспитал поколения актеров. У которых, в свою очередь, появилась и свои ученики...
Перечисление выдающихся советских и российских артистов заняло бы немало страниц. При случае мы будем знакомить вас с некоторыми из них. При этом подчеркнем, что в США, когда говорят о чьих-то актерских заслугах, имеют в виду прежде всего кино. У нас же всегда говорят о театре. Кино – это слава, театр – творчество.
Один из создателей театра для детей в СССР режиссер и драматург Леонид Федорович Макарьев (1892 –1975) говорил своим ученикам: «На сцену не надо выходить для того, чтобы поражать, потрясать своим талантом, красотой, темпераментом, обаянием. Сцене нужен человек, артист, гражданин, который выходит не для того, чтобы развлечь и отвлечь, а чтобы  научить, помочь, спасти!» То есть на сцене актер должен вести себя как Мессия.
Это важное напутствие для любого артиста.
АКТЕРСКИЙ ШТАМП
Актерский штамп – приемы сценической игры раз и навсегда зафиксированные актером в своем творчестве. Готовые механические приемы актера, которые входят в привычку и становятся его второй натурой, которая заменяет на подмостках человеческую природу. Штамп есть готовая форма для выражения того или другого чувства.
Штамп в театре, в актерской игре, – внешний, заученный, формальный прием, лишенный внутреннего духовного содержания.
Актерские штампы проникают в сценическую речь, мимику, пластику, а также и в режиссуру. Тогда рождается ремесленное искусство.
Актерский штамп – это очень примитивное, формальное, внешнее изображение чужих чувств роли, не пережитых и потому не познанных самим актером, исполняющим роль. Это простое передразнивание.
Когда актер стремится сделать непосильное для него, он попадает в трясину внешних, механических, ремесленных штампов. Актерский штамп есть результат артистического бессилия.
АКТЕРСКОЕ ИСКУССТВО (ИСКУССТВО АКТЕРА)
Актерское искусство – искусство создания сценических образов; вид исполнительского искусства.
Это искусство создания актером с помощью собственного психофизического аппарата живого образа, существующего во времени и пространстве.
Зародившись в ритуальных действах, искусство актера с самого начала носило синтетический характер: в ритуалах участвовали музыка, песня, танец, слово (можно сказать, и изобразительное искусство — грим, костюм). Постепенно выделились три основных вида актерского искусства: в балете оно органично соединилось с танцем, в опере — с пением, в драматическом театре оно неотделимо от слова, т. е. драматургии. Пение и танец, хотя и присутствуют в драматическом спектакле, носят, как правило, характер вставных номеров. Но искусство актера существует и в «чистом виде»: в пантомиме образ создается актером без слова, песни или танца.
Искусство актера обладает рядом важных особенностей. Каждое искусство имеет дело с определенным материалом: для живописца — это краски и холст, для скульптора — глина, мрамор, дерево. Для актера единственным материалом и инструментом является он сам — его тело, походка, жесты, мимика, голос и, наконец, психика. Поэтому он всегда стремится развивать свой голос, пластику, изучает технику грима, но в главном — во внутреннем перевоплощении — ему приходится полагаться на интуицию.
Материалом для работы актера над ролью служат собственные природные данные: речь, тело, движения, мимика, наблюдательность, воображение, память т.е. его психофизика. Особенностью актерского искусства является то, что процесс творчества в конечной стадии совершается на глазах у зрителя, в процессе спектакля.
Актерское искусство находится в тесной связи с искусством режиссера.
В актерском искусстве невозможно отделить творческий процесс от результата. Премьера — это не просто результат, это одновременно и продолжение творческого процесса, и его наивысшая, кульминационная точка. Актер творит на глазах у зрителей каждый раз заново, а значит — немножко иначе, меняется зритель — меняется в чем-то и спектакль. Но неразделимы не только творческий процесс и результат. Само произведение неотделимо от творца — актера, он как бы растворяется, исчезает в этом произведении, являя чудо перевоплощения.
Искусству актера присуща импровизационность. Особенно ярко проявлялась она в итальянской комедии масок. В современном театре импровизационность носит иной характер. При всей точности следования авторскому тексту и режиссерским мизансценам актер сохраняет внутреннюю импровизационность: строго придерживаясь рисунка роли, он проявляет свободу в вариации множества оттенков и красок внутри этого рисунка. К тому же каждый момент роли актер переживает как бы впервые, словно не зная, что произойдет в следующую секунду и какая у партнера возникнет реакция. С им– провизационностью связана непосредственность, и если они отсутствуют, зритель видит на сцене лишь заученные движения и слышит заученный текст. Один из важнейших элементов актерского искусства — вера в воображаемые обстоятельства. Она необходима актеру, чтобы органично и естественно действовать в предлагаемых (автором и режиссером) обстоятельствах.
Каждый вид искусства имеет свой язык, на котором оно говорит со зрителем. В искусстве актера — это психофизическое действие, т. е. единство физического движения актера с его внутренним волевым актом, устремленным к определенной цели. Действию подчинены все остальные выразительные средства, а также чувства и мысли актера. Actig в переводе с латинского означает «действие», и вне его нет искусства актера. Ведь спектакль состоит из актов-действий, и «населяют» его действующие лица. С огромной выразительностью актерского действия связаны богатые возможности интерпретации (трактовки) театром пьесы: подчеркивание различных смысловых оттенков, углубление ее смысла.
И наконец, искусство актера, его мастерство раскрывается в ансамбле с другими участниками спектакля.
АКТУАЛЬНЫЙ
Актуальный (лат. – существующий, современный) – важный, значительный для текущего момента, злободневный, современный.
АКЦИОНИЗМ
Акционизм (или акция) — это форма современного искусства: искусство акции. Акция такой, какой мы знаем ее сегодня, стала лишь во второй половине прошлого столетия в Европе. До этого она успела видоизмениться и послужить основой для множества других видов искусств.
В акции, в отличие от традиционных направлений, на передний план выходит действие. Оно может быть театрализованным, сюжетным и продуманным, либо может быть совершенно спонтанной импровизацией.
Акционизм — это символическое действие, вырванное из повседневного контекста. При этом это не театральное изображение. У акции обычно есть сценарий, однако она сохраняет элемент непредсказуемости, ведь это всегда делается впервые, это некий опыт, который всегда связан с психологическими рисками.
АЛЛЕГОРИЯ
Аллегория (гр. – иносказание) – принцип художественного осмысления действительности, при котором отвлеченные понятия, идеи, мысли выражаются в конкретных наглядных образах. Например, образ женщины с завязанными глазами и весами в руках – аллегория правосудия. Словесная аллегория в баснях, сказках.
АЛЛЕГРО
Аллегро (итал. allegro — скоро, живо, проворно) — заключительная часть упражнений в уроке классического танца на середине зала, состоящая из маленьких прыжков.
АЛЛЮЗИЯ
Аллюзия (лат. – намекать) – прием художественной выразительности, обогащающий художественный образ дополнительными ассоциативными смыслами по сходству или различию путем намека на известное уже произведение искусства. Например, в фильме Ф.Феллини “И корабль плывет” прочитывается аллюзия библейской легенды о Ноевом ковчеге.
АМБИВАЛЕНТНОСТЬ
Амбивалентность (лат. – оба – сила) – психологическое понятие, обозначающее двойственность чувственного восприятия. Одновременное присутствие в душе человека противоположных, несовместимых друг с другом стремлений, чувств по отношению к одному и тому же объекту. Например: любви и ненависти, удовлетворения и неудовлетворения. Одно из чувств иногда подвергается вытеснению и маскируется другим.
АМБИЦИЯ
Амбиция (лат. – честолюбие, хвастовство) – самолюбие, чувство чести, чванство, спесь.
АМПЛУА
Амплуа (фр. emploi — роль, применение) — 1) в музыкальном театре вокальные партии и роли, исполняемые певцом или певицей в соответствии с их голосовыми данными и творческой индивидуальностью. – 2) характер ролей, исполняемых актером. Своеобразная специализация актера на исполнении ролей, наиболее соответствующих его внешним сценическим данным, характеру дарования. Тип театральных ролей соответствующие возрасту, внешности и стилю игры актера.
Виды сценического амплуа: комик, трагик, герой-любовник, простак и резонер. Все это – мужские амплуа.
Среди женских – героиня, комическая старуха, субретка, инженю (роли наивных и простодушных молодых девушек), травести (роли мальчиков, подростков, требующие переодевания в мужской костюм).
И некоторые другие.
В драматическом искусстве издавна люди разделены на много категорий: добрых, злых, веселых, страдающих, умных, глупых и проч. Такое деление ролей и актеров на группы принято называть амплуа.
Самыми же ярыми последователями обычая деления на амплуа являются малоспособные артисты, у которых диапазон дарований не обширен и односторонен.
Этот термин определял различные виды ролей в российском театре 19-ого столетия. С возникновением системы Станиславского и утверждением актерского искусства перевоплощения понятие амплуа стало исчезать, терять свой смысл.
Впрочем, к этому понятию несколько иронически относился уже А. Н. Островский. Он отрицал актерские штампы, связанные с амплуа. Островский, к примеру, высмеивал стремление провинциальных трагиков «рвать страсть в клочки». Мысли драматурга отразились в монологе актера Счастливцева, одного из действующих лиц комедии «Лес». Он рассказывает, как оказался партнером такого трагика:
«Еще на репетиции он все примеривался. «Я, говорит, Аркашка, тебя вот так в окно выкину: этой рукой за ворот подниму, а этой поддержку, так и высажу...» Уж я его молил, молил и на коленях стоял. «Дяденька, говорю, не убейте меня!» «Не бойся, говорит, Аркашка, не бойся!» Пришел спектакль, подходит наша сцена; публика его принимает; гляжу, губы у него трясутся, глаза налились кровью. «Постелите, говорит, этому дураку под окном что-нибудь, чтоб я, в самом деле, его не убил». Ну, вижу, конец мой приходит. Как я пробормотал сцену, уж не помню. Подходит он ко мне, лица человеческого нет, зверь зверем. Взял меня левою рукой за ворот, поднял на воздух; а правой как размахнется, да кулаком меня по затылку как хватит... Света я не взвидел, Геннадий Демьяныч, сажени три от окна-то летел, в женскую уборную дверь прошиб. Хорошо трагикам-то! Его тридцать раз за эту сцену вызвали, а я на всю жизнь калекой мог быть, немножко бог помиловал...»
Монолог этот неизменно вызывает смех зрителей.
АМФИТЕАТР
Амфитеатр (лат. amphitheatrum, гр. – кругом, с обеих сторон) –
1) в древнегреческом театре – места для зрителей, расположенные полукругом на склонах холмов;
2) в древнеримской архитектуре – открытое круглое или эллиптическое сооружение для зрелищ, в котором места для зрителей располагались уступами вокруг арены. Сооружение для зрелищ. Древнеримское монументальное здание для публичных зрелищ: боёв гладиаторов, травли диких зверей, массовых театрализованных представлений. Развился из греческого театра, представляя собой как бы соединение двух театров, образующих грандиозное сооружение с эллипсовидной, усыпанной песком ареной посредине. Арену окружала высокая стена – «подий», на которой размещались ряды кресел для привилегированных зрителей. За подиумом поднимались кверху 1-2 открытых яруса, завершавшихся крытой кольцевой колоннадой. Крыши у амфитеатра не было: зрителей защищал от солнца составной тент – «веларий», натянутый на мачты. Места для зрителей, образующие гигантскую, вытянутую по продольной оси воронку, базировались на системе радиальных стен и на размещённых концентрическими кольцами опорных столбах. Пролёты между опорными столбами перекрывались бетонными сводами, образуя кольцевые галереи, которые использовались в качестве фойе и дополнительных переходов. Сообщение между ярусами осуществлялось при помощи радиальных и кольцевых лестниц. В подземельях, под ареной, помещались клетки зверей и сценические машины. В центр, части арены, очевидно, имелись подъёмно-спускные устройства, служившие для театральных эффектов.
3) в современных театральных, концертных залах, цирках и т. п. – ряды кресел уступами, расположенных за партером и выше его.
 
АНАЛОГИЯ
Аналогия (гр. – соответственный) – сходство между объектами в некотором отношении. Провести аналогию – это сравнить объекты друг с другом, установить между ними общие черты.
АНГАЖЕМЕНТ
Ангажемент (фр. – договор) – приглашение артиста по договору для выступлений на определённый срок.
АНДРЮША
Так обычно зовут куклу, с которой работают артисты-вентрологи (чревовещатели). Как правило, они выходят на эстраду с большой куклой, изображающей 4-5-летнего мальчишку. С ней они разговаривают, играют, рассуждают на разные интересные зрителям темы. Вентролог при этом незаметно управляет куклой и говорит за нее, не открывая рта. Искусство вентролога и состоит в том, что он умеет говорить с закрытым ртом.
АНИМАТОР
Аниматор — (от лат. anima – жизнь, душа; animator – дающий жизнь) – кинематографист, работающий в мультипликационном и обычном кино, на телевидении, в рекламе, геймдизайне. Художник-мультипликатор — т.е. художник, занимающийся созданием анимации. Художник, создающий мультфильмы.
Аниматор — это художник-артист, который с помощью определённых приёмов и технологий создаёт иллюзию движения персонажа мультфильма или компьютерной игры. Персонажи при этом двигаются, разговаривают, испытывают и проявляют разные чувства. Всё это аниматор должен изобразить, пользуясь разными профессиональными приёмами. Чем более живым и ярким получатся персонаж — тем выше качество работы аниматора.
Аниматор может работать и самостоятельно, то есть быть сам себе режиссёром. Так создаются авторские мультфильмы.
На большой студии аниматор — часть производственной/технологической цепочки. Он — инструмент, которым режиссёр воплощает свой замысел. Сначала создаётся сценарий и образы персонажей, а потом аниматор воплощает и оживляет их.
В анимации, как и в любой другой творческой профессии, 99% труда, и только 1% таланта. Чтобы стать успешным и востребованным аниматором, нужны: трудолюбие, наблюдательность, коммуникабельность и умение работать в команде.
Аниматор — не художник. Хороший рисунок не спасет анимацию, её спасет хороший тайминг. Для аниматора более важна не тщательная прорисовка, а умение видеть изображение в динамике.
Главные навыки аниматора — умение передавать движение тела и мимику персонажа.
Передавать движение проще. Научившись хорошо рисовать движение, аниматор может создавать работы, например, для компьютерных игр, где персонажи просто бегают и прыгают, совершают какие-то действия, но не общаются.
Чтобы работать над созданием мультфильмов и фильмов, нужно научиться делать мимику, липсинк (движение губ персонажа), показать актёрскую игру, сделать его интересным, смешным.
Среди аниматоров различают:
; аниматоров ключевых кадров (англ. keyframe), занимающихся отрисовкой детальных и сложных кадров анимации, в которых целиком меняется внешний вид сцены
; аниматоров промежуточных кадров, модифицирующих имеющиеся ключевые кадры с целью создания анимации.
; аниматоров трёхмерной графики, создающих отрывки анимации при помощи компьютерного моделирования.
Кроме того, при работе над крупными проектами аниматоры делятся по объектам анимирования. Встречаются:
; аниматоры персонажей, работающие над движениями живых существ, диалогами, действиями.
; аниматоры спецэффектов, занимающиеся необычными воздействиями и природными явлениями, такими, как дождь, снег, течение воды.
; аниматоры заднего плана, контролирующие побочные явления, фоновые картинки, а также антураж — автомобили, механизмы и другие нестатичные детали.
АНИМАЦИЯ
Анимация (лат. «анима» — «душа») – технология, позволяющая при помощи неодушевленных неподвижных объектов создавать иллюзию движения; наиболее популярная форма – мультипликация, представляющая собой серию рисованных изображений.
Два основных вида современной анимации — рисованная 2D-анимация и компьютерная 3D-анимация. В первом случае оживляется нарисованный художником персонаж, во втором — его компьютерная проекция в 3D. К анимации также относится создание визуальных эффектов (VFX).
АНИМАЦИОННОЕ КИНО
Анимационное кино (англ., франц. animation, итал. animazione от лат. animatus — одушевленный) – особый вид киноискусства, в основе которого лежит оживление на экране различных неодушевленных объектов.
АНЕКДОТ
Анекдот (гр. – неизданный) – вымышленный, короткий рассказ о смешном, забавном происшествии.
АНОНС
Анонс (фр. – объявление) – объявление о предстоящих гастролях, концертах, спектаклях. Предварительная, без подробных указаний афиша.
АНСАМБЛЬ
Ансамбль (фр. ensemble – вместе, целое, связность, созвучие) – стройное единство частей образующих целое.
1) В театре:
а) Художественная согласованность совместного исполнения драматического или другого произведения. Целостность всего спектакля на основе его идеи, режиссерского решения и т.п. Благодаря сохранению ансамбля исполнителей создаётся единство действия.
б) В театре слово ансамбль означает еще и стройность и согласованность игры актеров. Театр – искусство коллективное. Стремление того или иного артиста как-то выделиться, быть особенно заметным на сцене, красоваться на переднем плане – все это разрушает общий замысел спектакля. Каждый актер должен согласовывать свою игру с игрой партнера. Есть выражение: ансамблевая игра. Так говорят о спектакле, где коллектив исполнителей превращается в ансамбль мастеров-единомышленников.
В хаосе не может быть искусства. Искусство – порядок, стройность. Важно, чтобы создания художника или художественного коллектива сцены были цельны и закончены, гармоничны и стройны, чтоб все участники и творцы спектакля подчинялись одной общей творческой цели. Ответственность за этот ансамбль, за художественную цельность и выразительность спектакля лежит на режиссере.
Коллективное творчество, на котором основано театральное искусство, обязательно требует ансамбля, и те, кто нарушают его, совершают преступление не только против своих товарищей, но и против самого искусства, которому они служат.
2) В музыке:
а) совместное исполнение музыкальных произв. несколькими участниками;
б) музыкальные произведение для небольшого состава исполнителей инструменталистов или вокалистов; принадлежит к области камерной музыки (инструментальной или вокальной). В зависимости от количества исполнителей различают следующие ансамбли: дуэт (2 участника), трио, или терцет (3), квартет (4), квинтет (5), секстет (6), септет (7), октет (8), нонет (9), децимет (10) и т. д.;
в) хоровые или оркестровые коллективы уменьшенного состава или объединённые группы хора, оркестра и балета
Один за всех, все за одного
В последних числах марта 1942 года по пустынному, запорошенному снегом блокадному Невскому проспекту двигалась странная группа: впереди шагал старший лейтенант, а за ним, едва передвигая ноги, ковыляли между сугробами шестеро ребят: три мальчика и три девочки. Одного из мальчиков везли на санках – идти самостоятельно он не мог. А вокруг стояла звенящая тишина: обстрела в тот ранний утренний час, к счастью, не было. И посреди улицы замерли в снежном плену остовы разбитых троллейбусов.
На Московском вокзале погрузились в поезд, тоже необычный: паровоз и один-единственный вагон. Ехали минут десять – пятнадцать – до станции Товарная. Дальше пути не было. Дальше – фронт. До места расположения армии добирались пешком.
Так начинал свою жизнь юношеский фронтовой танцевальный ансамбль. Позднее он стал знаменит по всему Ленинградскому фронту под именем «Ансамбль Обранта».
Аркадий Ефимович Обрант оказался человеком необыкновенной профессии – военный балетмейстер, то есть руководитель и постановщик танцев, танцевальный режиссер на войне! История человечества не знала еще ни такой профессии, ни такой должности. Обранту поручили формирование агитвзвода. Но певцы в армии имелись, а хороших танцоров среди солдат не нашлось. И тогда Аркадий Ефимович предложил разыскать в осажденном Ленинграде бывших учеников танцевальной студии Дворца пионеров, танцоров пионерского ансамбля песни и пляски. И попытаться создать с их участием новый, военный ансамбль. Предложение Обранта одобрили.
Аркадий Ефимович видел, что юные танцоры сильно ослабели, – блокада и голод сделали свое. Но первое выступление уже назначено. И надо готовиться к нему.
И вот он начался, этот первый концерт будущего ансамбля. На сцену переполненного зала местной школы выбежали Нелли Раудсепп, Валя Лудинова, Геннадий Кореневский и Феликс Морель. Зазвучал гопак.
И вдруг случилось неожиданное: опустившись вприсядку, Геннадий не смог подняться на ноги. Делал отчаянные усилия – и не мог. Нелли быстро подала ему руку и помогла встать. Танец продолжался. Но вот снова приблизилась опасная фигура – и все повторилось сначала: Геннадий опять не смог подняться самостоятельно.
Военный баянист, аккомпанируя ребятам, побледнел. Он не знал, играть ли ему дальше или прервать этот нестерпимый номер. Женщины, сидевшие в зале – военные врачи, сандружинницы, сестры, – не раз видели во фронтовых госпиталях раны, кровь, страдания солдат. Но, не бывая сейчас в Ленинграде, они еще не видели детей осажденного города. И зрительницы плакали по– матерински, пока на сцене кружился перед ними этот веселый и трагический гопак, пока из последних ребячьих сил чеканил ритм «Красноармейский перепляс». Не зная, как подбодрить и согреть юных танцоров, женщины кричали «браво» и громко хлопали, вызывая ребят на повторение номера.
Тогда из первых рядов поднялся бригадный комиссар:
– Запрещаю повторять танец! Это блокадные дети, надо же понять!
Прямо со сцены юных танцоров отправили в госпиталь. Двухмесячное лечение вернуло им силы. И военный юношеский танцевальный «Ансамбль Обранта» зажил напряженной фронтовой жизнью. За годы блокады он дал более трех тысяч концертов.
А в День Победы, 9 мая 1945 года, мальчики и девочки с новенькими медалями «За оборону Ленинграда» на груди танцевали на дощатой сцене посреди Дворцовой площади в Ленинграде, окруженные радостно возбужденной толпой ленинградцев.
Вы познакомились с одним значением слова ансамбль. Это – коллектив исполнителей, выступающих вместе; чаще всего речь идет о музыкантах. Создание такого ансамбля – сложный процесс. Из разрозненных артистов должен сложиться единый творческий коллектив. Для этого требуется время и кропотливая совместная работа.
Напомню вам о наиболее знаменитых коллективах СССР.
Ансамбль песни и пляски Советской Армии имени А. В. Александрова.
Ансамбль народного танца под художественным руководством И. А. Моисеева.
Ансамбль скрипачей Большого театра СССР.
Ансамбль «Виртуозы Москвы».
АНТРАКТ
Как и многие театральные термины, это слово происходит от двух французских слов, означающих в переводе между и действие.
Первое значение термина – перерыв между актами или действиями спектакля, отделениями концерта или циркового представления. Антракт (фр. – между – акт) – краткий перерыв между актами, действиями спектакля или отделениями концерта.
Он предназначен для отдыха исполнителей и перемены декораций.
Но так же называется и небольшая музыкальная пьеса (так и говорят: музыкальный антракт). Она исполняется перед началом очередного действия в опере или драматическом спектакле с музыкой.
АНТРАША
Антраша (фр. entrechat от итал. intrecciato – переплетённый, скрещённый) – прыжок с заноской. В классическом балетном танце – род скачкообразного прыжка, во время которого ноги танцора быстро скрещиваются в воздухе, касаясь друг друга.
АНТРЕПРЕНЕР
Антрепренёр (фр. entrepreneur – предприниматель) – продюсер театральный. Частный, театральный предприниматель. Владелец, арендатор, содержатель частного зрелищного предприятия (театра, цирка, киностудии, телевидения и т.д.).
Так называли владельцев, содержателей частных театров или цирков. Предприятие, организуемое таким человеком, называлось антрепризой.
За рубежом антрепренер именуется: менеджером (в Англии), импрессарио (в Италии), продюсером (в Америке).
В СССР частные антрепризы прекратили свое существование. А в современной России они опять возродились.
АНТРЕПРИЗА
Антреприза (фр. entreprise – предприятие) – зрелищное предприятие, созданное и возглавляемое частным предпринимателем – продюсером. Антреприза – частное зрелищное предприятие (театр, цирк и т.д.), созданное и возглавляемое антрепренером (импресарио, продюсером) и предусматривающее участие в спектаклях актеров из различных театров, собранных на время работы над постановкой. Антреприза охватывает все хозяйственные вопросы, связанные с публичным исполнением (подготовку помещения, театральных и концертных принадлежностей, продажу билетов и пр.), причем вся работа по устройству представления производится антрепренером за его счет. Антрепризы существуют с момента возникновения профессиональных трупп.
АНТУРАЖ
Антураж (фр. – окружение, окружающие) – среда, обстановка. Антуражем являются не только декорации и выгородки, но и пространство, люди, архитектура, животный мир – т.е. все, что окружает человека.
АНШЛАГ
Аншлаг (нем. Anschlag – удар, афиша, объявление) – объявление в театре, в кино о том, что все билеты проданы. Значит, спектакль хороший.
Слово аншлаг можно употреблять и для обозначения полного сбора – вместо того чтобы говорить: зал был полон.
Успешное представление при полном зале. Отсюда речевой оборот – “спектакль прошёл при полном аншлаге”.
АПАРТЕ
Апарте (лат. – в сторону) – сценические монологи или реплики, произносимые в сторону, для публики, и якобы не слышные партнерам на сцене.
АПЛОМБ
Апломб (ит. aplomb – устойчивость, фр. – отвес) – 1) самоуверенность, смелость в манерах, разговоре и действиях. 2) устойчивое положение занимающегося танцем.
АПОФЕОЗ
Апофеоз (гр. – обожествление) – заключительная, торжественная массовая сцена театрального представления или праздничной концертной программы. Пышное завершение какого-либо зрелища. Апофеоз (гр. – обожение) – это возвеличивание, прославление и даже обожествление какого-либо героя, конкретно живущего лица, организации или события. Этим, как правило, заканчиваются некоторые театральные постановки, концерты, презентации, вечера памяти, торжественные собрания. Делается это торжественно, возвышенно, ярко, что усиливает эмоциональные реакции зрителей, участников.
АРАБЕСК
Арабеск (фр. arabesque – букв. – арабский, от итал. arabesco — арабский) — поза, название которой происходит от стиля арабских фресок. Одна из основных поз классического танца, при выполнении которой работающая нога, вытянутая в колене, открыта назад на вытянутый носок в пол (arabesque par terre), либо поднята вверх на любую высоту. Руки находятся в положении allonge;, взгляд направлен вдаль, что придаёт позе особую выразительность. В классическом танце имеется четыре вида позы «арабеск» под № 1, 2, 3, 4.
АРАНЖИРОВКА
Аранжировка (от фр. arranger — приводить в порядок) – 1) Переложение (приспособление) музыкального произведения для другого состава исполнителей, например переложение оперной партитуры для фортепиано и т. п. В вокально-хоровой практике аранжируют, т. е. перекладывают, какое-нибудь сольное произведение для хорового исполнения (напр., «Весенние воды» С. В. Рахманинова, «Венецианская ночь» М. И. Глинки). Нередко произведение, написанное для однородного хора, аранжируют для смешанного. Иногда аранжировка сопровождается транспонированием (переводом в другую тональность).
2) Облегченное переложение произведения для того же состава исполнителей.
АРЕНА
Арена (лат. – песок) – круглая площадка (в цирке), на которой даются представления. Используются как в театре, так и в театрализованном представлении.
АРЛЕКИН
Арлекин (ит. Arlecchino – маска) – комический персонаж итальянской народной комедии в характерном костюме из разноцветных лоскутьев. Паяц, шут.
“АРЛЕКИН”
“Арлекин” (ит.) – часть декоративного оформления сцены: узкий и длинный занавес из текстиля, ограничивающий верхнюю часть сцены над основным занавесом. Первая падуга после занавеса. Назначение «Арлекина» – скрыть от зрителей конструкции и механизмы верхней сцены.
АРТИКУЛЯЦИЯ
Артикуляция (лат. – расчленять, членораздельно) – членораздельное произношение. Слово «артикуляция» означает «сочленение», «соединение».
Совместная деятельность голосовых связок, языка, губ и других органов для членораздельной речи. Работа органов речи (губ, языка, мягкого неба, челюстей, голосовых связок и т.д.), необходимых для произнесения определенного звука речи. Артикуляция является основой дикции и неразрывно связана с ней.
Это сверхупрощённая оценка комплексной деятельности организма, при которой мысли трансформируются в слова.
АРТИСТ
Артист (франц. artiste, – человек искусства, художник, от лат. ars – искусство) – 1) человек, занимающийся публичным исполнением произведений искусства. А. — исполнитель ролей в театре, кино, на эстраде и т.д.. А. – человек, избравший своей профессией деятельность в области сценического искусства, то же, что актёр.
2) В более широком смысле – человек, занимающийся творчеством в области какого-либо искусства – художник, музыкант и т. п.
3) В переносном смысле – талантливый человек, владеющий своим мастерством в совершенстве.
Артист, наблюдающий окружающую его жизнь со стороны, испытывающий на себе радости и тяготы окружающих явлений, но не вникающий в сложные причины их и не видящий за ними грандиозных событий жизни, проникнутых величайшим драматизмом, – такой артист умирает для истинного творчества. Чтобы жить для искусства, он должен во что бы то ни стало вникать в смысл окружающей жизни, напрягать свой ум, пополнять его недостающими знаниями, пересматривать свои воззрения.
АРТИСТИЧЕСКАЯ ТЕХНИКА
Артистическая техника – техника, направленная на развитие совершенствования психической и физической природы артиста. Она включает в себя все составные элементы сценического действия: работу органов чувств, память на ощущения и создание образных видений, воображение, предлагаемые обстоятельства, логику и последовательность действий, мыслей и чувств, физическое и словесное взаимодействие с объектом, а также выразительную пластику, голос, речь, характерность, чувство ритма, группировки, мизансцены и т.д. Овладение всеми этими элементами должно подвести актера к умению совершать подлинные, целесообразные, органические действия в художественно-выразительной форме.
АРТХАУС
Артхаус (англ. аrt house, – букв. “дом искусств”) — понятие, объединяющее фильмы, претендующие на некий художественный поиск, новаторство в кинематографе. К артхаусу часто относят фильмы независимого производства и ленты экзотических кинематографий. Считается, что подобные картины привлекают более искушенного и образованного зрителя, а потому их прокат, как правило, ограничен.
АССАМБЛЕ
Ассамбле – прыжок, во время которого одна нога открывается в сторону, вперед или назад, а к концу прыжка подтягивается к другой ноге.
АССИСТЕНТ
Ассистент (лат. – присутствую) – помощник. В искусстве зрелищ ассистент – это лицо, помогающее режиссеру-постановщику в осуществлении постановки спектакля или представления. Задачи ассистента многообразны. Он должен понимать творческие задачи своего руководителя, проникнуться ими в поисках художественных решений. Он должен также знать законы сцены, проводить репетиции в отсутствии постановщика, быть связующим звеном между режиссером и актерами, техническими службами.
Ассистент — ближайший творческий помощник постановщика фильма — режиссера, оператора или художника, выполняющий организационно производственные функции в процессе подготовки и съемок фильма.
АУДИТОРИЯ
Аудитория (лат. auditorium от audire – слушать) – 1) помещение, в котором читаются лекции, доклады, проводятся семинары и т. п.; 2) слушатели лекции, доклада и т. п., а также слушатели и зрители радио– и телепередач. 
АУТЕНТИЧНОЕ ИСПОЛНЕНИЕ
Аутентичное исполнение (греч. authenticus, ;;;;;;;;;; – подлинный, достоверный, истинный) исполнение, исполнение музыки прошлого на инструментах соответствующей эпохи и на основе музыкально-исторических данных о характере и способах вокальной и инструментальной артикуляции. Исполнительство XX—XXI веков, ставящее своей задачей максимально точное воспроизведение музыки прошлого.
Примером аутентичного пения является ансамбль древнерусской духовной музыки «Сирин». Звучание ансамбля отличается особой манерой, в которой сочетаются приемы мастеров аутентичного пения, яркий, насыщенный обертонами звук и утонченная мелодическая эстетика. «Пение без вибрации, богатое обертонами, напоминающее по красоте пение серафимов», – так говорят о нем критики.
АФИША
Афиша (фр. affiche – объявление, прибитое к стене от afficher – вывешивать) – вывешиваемое объявление о предстоящем спектакле, концерте, лекции, фильме и т.д. Вид рекламы.
Объявления о тех или иных событиях (в т. ч. зрелищных, увеселительных) известны с давних пор: в Египте, в Др. Греции, в Др. Риме. Афиши рисовались (иногда вырезывались) на папирусах, на окрашенных в белый цвет стенах зданий, на особых деревянных досках, четырёхгранных колоннах и т. п. Сейчас это театральный плакат.
АФИШИРОВАТЬ
Афишировать (фр. объявлять публично) – выставлять напоказ, намеренно привлекать общее внимание к чему-либо.
АФОРИЗМ
Афоризм (гр. – изречение) – краткое, выразительное изречение, содержащее обобщающее умозаключение. Для афоризма одинаково обязательны и законченность мысли, и отточенность формы.
Б
БАЙОПИК
Байопик (англ. biopic) — фильм-биография, или биографическая картина. Фильм, который показывает драматические моменты в жизни человека или людей. В отличие от “картины, основанной на подлинной истории”, или “исторических фильмов” фильм-биография пытается всесторонне передать жизнеописание личности или хотя бы годы, сыгравшие наиболее важную роль в жизни человека.
БАЛАГАН
Балаган (перс. – верхняя комната, балкон) – ранее служили для торговли на ярмарке. Затем стали приспосабливать для выступлений бродячих артистов, отсюда и название – “балаган”. Временное театральное помещение, выстроенное из досок, покрытых брезентом или холстом.
БАЛКОН
Балкон (итал. balcone) в театре – места для публики, расположенные амфитеатром в несколько рядов в различных ярусах зрительного зала (балкон 1-го яруса, 2-го яруса, 3-го яруса) против сцены. В некоторых театрах балкон расположены и по боковым сторонам зала.
 
БАЛЕТ
Балет (франц. ballet; от итал. balletto – танцевать; уменьшит. от ballo – танец, бал; от лат. ballo – танцевать, танцую)
1) Вид театрально-музыкального искусства, в котором художественный образ создается с помощью хореографии, танцевально-пластического языка. Вид театрально-музыкального (сценического) искусства, ведущим средством выражения художественной идеи в котором служит танец. Балет – высшая ступень хореографии, в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления. Балет является самым изящным видом искусства.
2) Балет – музыкально-драматическое произведение, действие в котором передается средствами танца и пантомимы. Они выполняют роль, аналогичную пению в опере. Балетный спектакль – танцевальное представление. Балетный спектакль создаётся на основе сюжета, который описывает драматург или либреттист.
Режиссером балетного спектакля является балетмейстер, который разрабатывает общую драматургию спектакля, продумывает «рисунок» танца, жесты и пластические решения образов.
Важная роль в балетном спектакле принадлежит дирижеру симфонического оркестра. Главное в его работе – умение воплотить замысел композитора, раскрыть стиль произведения, соединив их с идеей балетмейстера-постановщика, индивидуальностью танцоров-солистов и мастерством кордебалета, исполняющего массовые танцевальные сцены.
Балет многообразен: сюжетный – классический повествовательный многоактный балет, драмбалет; бессюжетный – балет-симфония, балет-настроение, миниатюра. По жанру балет может быть комическим, героическим, фольклорным. 20 в. принес в балет новые формы: джаз-балет, модерн-балет.
Балет — делится на отдельные стили:
– классический;
– современный;
– романтический.
Основными видами танца в балете являются: классический танец и характерный танец.
Современный балетный спектакль во многом отличается от классического. Он может включать в себя ритмопластические танцы, пантомиму, элементы акробатики, светозвуковые эффекты, оригинальные декорации и костюмы и даже пение (хоры). Этого требует новый музыкальный язык современного балета.
В балетном театре главное средство выражения жизни на сцене — танец. Огранка редких и прекрасных драгоценных камней и создание тончайшей работы ювелирных изделий может сравниться с аристократичностью и гармонией движений в балете. Достаточно посмотреть балет Джорджа Баланчина «Драгоценности» (George Balanchine, Jewels), чтобы это сравнение не показалось случайным или чрезмерным. Рекомендую смотреть эту постановку в театре с верхних ярусов, именно сверху открывается наилучший вид на ювелирно выверенные узоры построений грациозных танцовщиц.
И в опере, и в балете большое значение имеет звучание симфонического оркестра: музыка связывает все элементы драмы воедино и, выявляя сложные внутренние взаимоотношения действующих лиц, выражает главную идею произведения.
Читая программу балетного спектакля, зрители могут встретиться с такими французскими словами, как
; па-де-де (танец вдвоем),
; па-де-труа (танец втроем),
; гран-па (большой танец).
; адажио (медленный лирический танец главных героев)
Так называют отдельные номера балета.
Основными типами танца в балетном спектакле являются классический и характерный.
Характерные танцы включают в себя движения, распространенные в народной и бытовой культуре.
Классический танец – более условный, богатый образной символикой, его особенность и в том, что исполняется он на пуантах.
«Летит, как пух от уст Эола»
Танцор балета. Немного истории


Танцует Николай Цискаридзе (1973-)
Балет возник в эпоху Возрождения в XIV – XV вв. в Италии. В это время начинают различать бытовые танцы как часть уклада жизни, предназначенные для развлечения, и сценические танцы.
В России первый балетный спектакль состоялся 8 февраля 1673 г. при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном селе Преображенское.
Во второй половине 18-го века балетные труппы состояли исключительно из мужчин, среди которых был итальянско-французский виртуоз Га, известный своим мастерством и прыжками. Несмотря на это, женщины также внесли свой вклад в развитие балетной техники. Примером тому служит немецкая балерина Энн Эинэль – она была первой балериной (женщиной), которая смогла сделать двойной пирует.
И снова – Пушкин. «Евгений Онегин».

...она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола...

В этих строчках – восхищение искусством одной из балерин того времени.
А Эол – бог ветров в греческой мифологии.
То предвоенное лето на озере Селигер выдалось прекрасным. Это редкостное по красоте озеро на Валдайской возвышенности (в Тверской и Новгородской областях) издавна привлекало множество отдыхающих из разных городов страны.
В нескольких просторных деревянных домах на самом берегу поселились ленинградцы: профессор Николай Николаевич Качалов – выдающийся ученый в области стекла и стеклоделия, его жена – драматическая артистка Елизавета Ивановна Тиме, писатель Алексей Николаевич Толстой, режиссер и яхтсмен Александр Александрович Брянцев – тот самый, с чьим именем связана история советского театра для детей. Вместе с ними отдыхала тогда на Селигере и молодая балерина Ленинградского театра оперы и балета Галина Уланова.
Каждое утро отправлялись на лодках и байдарках кататься по озеру, устраивали на островах веселые пикники. И только один человек нередко удерживался от соблазна присоединиться к друзьям и оставался дома – Уланова.
Молодая артистка помнила слова Пушкина: «Талант – это способность к труду...» И она работала – каждое утро, по многу часов. Артистка репетировала тогда роль Марии в балете «Бахчисарайский фонтан». Ей помогала советами Елизавета Ивановна Тиме, рассказывала о законах искусства, общих для балета и драмы. Кропотливый труд дал свои плоды: роль Марии выдвинула балерину Уланову в первый ряд мастеров мирового балета.
Когда миновала Великая Отечественная война, Галина Сергеевна получила письмо от бывшего фронтовика. В нем рассказывался удивительный случай.
В течение всей войны молодой сержант бережно хранил и всегда возил с собой фотографию Улановой в роли Лебедя из балета «Лебединое озеро». Однажды, во время яростного вражеского обстрела, пуля угодила в заветную фотографию. Теперь она стала воину еще дороже. Раненая, но вечная живая Лебедь и теперь стоит на столе у фронтовика, напоминая о том, что искусство сильнее войны, сильнее смерти.
 
Танцует Галина Уланова
Галина Сергеевна Уланова (1910-1998) – лауреат Ленинской премии, дважды Герой Социалистического Труда. Её творчество, её имя украшают историю советского, российского да и всего мирового, балета.
В 1984 г. в Стокгольме перед старинным зданием Музея танца Швеции состоялась торжественная церемония открытия монумента в честь выдающейся балерины. Бронзовая скульптура запечатлела артистку в партии Лебеди. (Автор статуи – известный советский скульптор Елена Александровна Янсон-Манизер.)
На одной из красивейших улиц мира – улице Зодчего Росси в Санкт-Петербурге (слово зодчий прежде употреблялось вместо слова архитектор) – находится Академия Русского балета имени А. Я. Вагановой. Так же балетные училища есть и в других городах. Здесь в течение восьми лет (после третьего класса) учатся ваши сверстники. Здесь рождается российский балет.
Балетное искусство – такой вид театра, где содержание передается зрителям без слов: музыкой, танцем, пантомимой.
Создание балетного спектакля начинается с того, что автор пишет либретто, иными словами – сценарий будущего представления, краткое изложение того, что увидят зрители. В либретто излагается сюжет, рассказывается, какие события и с участием каких персонажей развернутся на сцене. Потом на основе либретто композитор пишет музыку. Наконец, за дело берется балетмейстер – балетный режиссер. Роли поручаются артистам-танцовщикам. Все вместе они и создают спектакль.
В балетном искусстве очень велика роль художника: ведь здесь часто происходят сказочные, фантастические события. Художник-декоратор возводит для них берега Лебединого озера, картины сна девочки Маши – героини балета «Щелкунчик», дворец для Золушки.
Большое значение в этом виде театра имеет жест – он должен обладать огромной выразительностью и точностью.
 
Танцует Марис Лиепа
Однажды артисту балета Марису Лиепе (1936-1989) довелось сыграть роль принца Лимона в детском балете «Чиполлино», поставленном по сказке Джанни Родари. Один маленький мальчик, побывавший на этом спектакле, объяснил маме: «Принц Лимон сказал, что Чиполлино надо поймать». Сказал! А ведь артист балета ничего не говорит – только танцует и пользуется жестами. Какой же это, значит, был выразительный жест!
На другом представлении того же балета Лиепа в роли принца Лимона показывал жестами: «Связать Чиполлино! Сжечь! Разрезать!» И вдруг в зрительном зале раздался крик: «Не надо! Он хороший!» Юные зрители отлично поняли язык балета, его азбуку.
Российский балетный театр издавна пользовался мировой славой, он признан во всех странах мира. Он выдвинул знаменитых артистов и балетмейстеров и всегда будет гордиться их именами: Анну Павлову, Михаила Фокина, Вацлава Нижинского, Марины Семеновой, Вахтанга Чабукиани, Галины Улановой, Майи Плисецкой, Екатерины Максимовой, Владимира Васильева.
На сценах театров идут и балеты для детей: «Доктор Айболит» Игоря Морозова, «Конек-Горбунок» Родиона Щедрина.
Если, став взрослыми, вы захотите более подробно познакомиться с балетным искусством, вам предстоит обратиться к трудам выдающегося историка российского, советского и мирового балета профессора Веры Михайловны Красовской (1915-1999).
Её перу принадлежат многие книги об этом искусстве и его знаменитых мастерах.
БАЛЕРИНА
Балерина — артистка балетного театра, исполнительница классических танцев, выученная согласно академическим балетным канонам и использующая в танце пальцевую технику. Т.е. танцует на пуантах.
В театральной табели о рангах балерина – это должность, которую артистки кордебалета и солистки стараются заслужить.
Уже выходя на точку, с которой начнется ее танец, балерина несет в себе образ героини: по-особенному держит спину и руки, определенным образом делает шаги по сцене и встает в позу, с которой начинается танец.
Критики всегда отмечают у звездных исполнителей присущее именно им чувство позы. Как выдающиеся актеры читают знакомый всем текст пьесы, но в одном им ведомом месте делают паузу или вздох, с особым ритмом и даже тембром голоса произносят знаменитое шекспировское «Быть или не быть?», так и балерины могут постоять в позе дольше, выбрать лейтмотивом своего танца переплетение плавных движений со стремительными вращениями или длительными паузами, балансируя на одной ноге.
Всё это делается в угоду образу, характеру персонажа, усилия не очевидны зрителю, танцовщики на подсознательном уровне рассказывают языком тела свою историю. В этом проявляется балеринская стать - особая подача себя на сцене, излучение изнутри.
БАЛЕРУН (ТАНЦОВЩИК)
Балерун (Танцовщик) – исполнитель мужских партий в балете. Мужчина в балете.
БАЛЕТМЕЙСТЕР (ХОРЕОГРАФ)
Балетмейстер (нем. Ballettmeister — «постановщик балета») — 1) режиссер балетного спектакля. Балетмейстер – человек, который сочиняет, или, как говорят, ставит балет.
 – 2) Хореограф т.е. автор и постановщик балетов, танцев, хореографических номеров, танцевальных сцен в опере и оперетте, создатель танцевальных форм.
БАЛЛОН
Баллон (фр. ballon – мяч, воздушный шар) – умение зафиксировать позу в прыжке. Умение танцовщика зависать в воздухе в момент исполнения прыжка. Одновременно фиксируя различные фигуры. Составная часть элевации.
БАЛЬНЫЕ ТАНЦЫ
Бальные танцы (лат. ballare — танцевать) относятся к группе парных танцев, которые исполняются мужчиной и женщиной на балах, вечерах, соревнованиях, как правило, на паркете. В танцевальных школах бальные танцы считаются одним из самых эмоциональных и романтичных направлений.
Бальные танцы были светскими танцами, имеющими народно-исторические корни и исполняемыми знатью во время празднеств, торжеств и балов.
В каждую эпоху набор танцев, которым отдавалось предпочтение при проведении балов, менялся. В основном, характер бальных танцев, свойственный им в настоящее время, складывался в Англии в период с конца XVIII по XIX век. Будучи привилегией великосветского общества, бальные танцы исполнялись во время танцевальных раутов на приемах в высших кругах. Только в конце XIX и начале XX века бальные танцы потеряли свою элитарность и стали исполняться на общественных ассамблеях и в публичных танцевальных залах.
Главная особенность бальных танцев в том, что все они являются парными (танцуют мужчина и женщина).
= Стандартную программу представляют:
– медленный вальс
– танго
– медленный фокстрот
– квикстеп (быстрый фокстрот)
– венский вальс
Все танцы исполняются против часовой стрелки по кругу (по линии танца).
= Латиноамериканскую программу составляют:
– ча-ча-ча
– самба
– румба
– пасодобль
– джайв
Перемещение танцоров по площадке происходит ограниченно, часто с возвращением к исходной точке.
Все танцы исполняются при соблюдении точек контакта. Если в европейской программе контакт должен быть плотным и сохраняться на протяжение всего танца, то в латиноамериканской он более свободный, часто сохраняющийся только на уровне рук.
Предъявляются особые требования к одежде исполнителей. Для европейской программы мужчины надевают фраки и бабочку, женщины – длинные бальные платья. Для латиноамериканской: женщины — в коротких, открытых и облегающих платьях, мужчины — в облегающих костюмах.
БАНАЛЬНЫЙ
Банальный (фр. – заурядный) – утративший выразительность прием вследствие частого повторения; избитый, очень обыденный, пошлый.
БАРД
Бард (фр. barde – поэт, от кельт bard – поэт-песенник) – у древних кельтов – певец, слагающий песни. Бард – странствующий поэт и певец у кельтов, живших главным образом на территории нынешних Ирландии, Уэльса и Шотландии.
Первые упоминания о бардах – у греческих и римских историков 3-1 вв. до н. э. (bardus).
До 15 в. барды существовали в Уэльсе, в 15-18 вв.– в Ирландии и Шотландии. Периодически происходили сборы бардов, на которых выдавались награды за лучшие песни, музыкальные произведения и игру на инструментах. Барды пели и декламировали стихи и баллады о народных героях, свободе, любви в сопровождении арфы или кроуда – старинного кельтского струнного инструмента.
Стиль бардовской песни появился в СССР в период хрущёвской «оттепели» на фоне широкого развития туристического движения и стройотрядов.
БАРО;ККО
Баро;кко (итал. barocco, — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам»; португ. barroco – жемчужина неправильной формы), стиль в искусстве кон. 16–18 вв. Охватил все области пластич. искусств (архитектуру, скульптуру, живопись), литературу, музыку и зрелищные искусства. Эпоха барокко отвергает традиции и авторитеты как суеверия и предрассудки. Барокко характеризует идея облагораживания естества на началах разума. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.
Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно — тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).
Музыка Барокко появилась в конце эпохи ренессанса и предшествовала музыке эпохи классицизма. Представители — Вивальди, Бах, Гендель. Ведущее положение у жанров кантаты, оратории, оперы. Характерно противопоставление хора и солистов, голосов и инструментов, сочетание крупномасштабных форм, тяготение к синтезу искусства при одновременной тенденции к обособлению музыки от слова (возникновение инструментальных жанров).
Писатели и поэты в эпоху барокко воспринимали реальный мир как иллюзию и сон. Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением. Широко используются символы, метафоры, театральные приёмы, графические изображения (строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами, параллелизмами, градациями, оксюморонами. Бытует бурлескно-сатирическое отношение к действительности. Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах (дух и плоть, мрак и свет, время и вечность).
БАТМАН
Батман (фр. battement – биение, удары, размах) – 1) группа движений работающей ноги. Упражнение для ног, заключающееся в вытягивании, резком или плавном поднимании ног (в классическом балетном танце). 2) Группа движений классического танца, часть ежедневного урока танцовщика.
Классич. танец располагает множеством форм Б. – от простейших (tendus) до сложных, многосоставных. Каждое непременно содержит элемент Б., поэтому в exercice им придаётся большое значение. Упражнения в Б. преследуют эстетич. и тренировочные цели, вырабатывают определ. умения: вытягивать ноги в прямые линии, отчётливо исполнять разл. эволюции (от резкого броска ноги и плавного её поднятия до обратного опускания или сгибания).
БЕЛЬЭТАЖ
Бельэтаж (от франц. bel – прекрасный и etage – ярус) – первый ярус балкона в зрительном зале над партером (бенуаром) и амфитеатром.
БЕЛЬКАНТО
Белька;нто (итал. bel canto — «красивое пение») — в опере: техника виртуозного пения, которая характеризуется плавностью перехода от звука к звуку, непринуждённым звукоизвлечением, красивой и насыщенной окраской звука, выровненностью голоса во всех регистрах.
БЕНЕФИС
В переводе с французского это слово означает прибыль, барыш, польза. Бенефис – первоначально концерт либо спектакль, сбор от которого в полном объеме или частично поступал в распоряжение одного или нескольких актеров. Так в театре называли спектакль, денежный сбор с которого целиком или частично шел в пользу актера, бенефицианта. Актер, получавший с согласия антрепренера право на бенефис, мог сам выбрать пьесу и играть в ней главную или вообще любую роль.
Такая возможность нередко открывала доступ на сцену выдающимся произведениям драматургии.
В наши дни под бенефисом понимают сценическое действо, посвященное какому-либо артисту как выражение признательности его многолетних заслуг на поприще служения искусству.
БЕНУАР
Бенуар (франц. baignoire, букв.– ванна) – нижний ярус театральных лож на уровне сцены или партера.
БЕСТСЕЛЛЕР
Бестсе;ллер (от англ. best seller — «продаваемый лучше всех») или хо;довая кни;га — популярная книга или другое тиражируемое издание (например, фильм, клип, музыкальный альбом, компьютерная игра), попавшее в список наиболее продаваемых. Термин «бестселлер» не определяет какого-то конкретного уровня продаж или литературного качества произведения, он просто говорит о большой популярности.
Термин «бестселлер» впервые был употреблён в 1889 году. Но феномен, когда книга, будучи опубликованной, сразу же приобретала большую популярность, был известен и ранее, с того времени, как появились первые печатные книги. Для ранних книг, у которых тираж был небольшой, их успех лучше всего оценивать по количеству переизданий. В те времена система авторского права находилась в зачаточном состоянии, и если и работала, то очень медленно. Это приводило к тому, что разные издательства могли выпустить одно и то же произведение без разрешения автора и без выплаты ему гонорара, что, соответственно, увеличивало количество изданий и приносило чистую прибыль издателю.
В ранние годы книгопечатания почти все популярные книги были религиозными. Поскольку цена книги тогда зависела в большой степени от её объёма, то для того чтобы стать популярной, книга, как правило, должна была быть небольшой. В то же время, например, Библия из-за своего объёма оставалась весьма дорогой книгой вплоть до XIX столетия, и поэтому не так много её экземпляров было напечатано. Сейчас Библия является главным бестселлером в мире книг.
БИ-БА-БО
Би-ба-бо – простейшая перчаточная кукла (см. «Перчаточные куклы»).
БИБЛЕЙСКИЕ КУКОЛЬНЫЕ ПЬЕСЫ
Самые ранние, записанные кукольные европейские пьесы, рассказывающие о сотворении мира; Адаме и Еве, Ноевом ковчеге и т. д. Схожие сюжеты использовались в средневековых кукольных мистериях и моралите. Сегодня существует много современных версий этих пьес. Один из ярких примеров использования кукольных библейских пьес – представления вертепа (см. «Вертеп»).
БИЗНЕС
Бизнес (англ. business — дело) — предпринимательская, коммерческая или иная деятельность, которая не противоречит закону и направлена на получение прибыли, дохода. Практически все современное кино– и театральное искусство является коммерческим – то есть направлено на извлечение прибыли. Исключением в России являются ТЮЗы, кукольные театры, государственные театры, опера, балет, отдельные кинофильмы.
БИС
Бис (лат. bis – дважды) – «вторично», «еще раз» – восклицание, выражающее требование повторения особенно понравившегося номера. Возглас публики в театре, на концерте, требующей от исполнителей повторения “на бис” (сыграть, спеть, исполнить) вторично, по требованию публики.
БЛЕФ
Блеф (англ. – запугивание) – хвастовство несуществующими силами и средствами. Выдумка, с целью внушить другому преувеличенное представление о себе, “пустить пыль в глаза”, запугать.
БЛОКБАСТЕР
Блокбастер (англ. blockbuster — мощная бомба, от block — квартал и bust — разрушать, букв. «разрушитель квартала») — на авиационном сленге времён Второй мировой войны особо мощная авиабомба, способная при взрыве разрушить или повредить здания на площади сопоставимой с городским кварталом. В 1970-х годах блокбастерами в США стали называть фильмы, произведшие фурор (эффект разорвавшейся бомбы) и в результате собравшие большую кассу в прокате. Обычно данное название употребляется для высокобюджетных фильмов-однодневок.
БЛЮЗ
Блюз (англ. blues) (от англ. «the blues» – тоска; от blue devils — меланхолия) – музыка, отражающая «blue feeling» (тоскливое ощущение). Медленная лирическая песня американских негров. Блюз – песни одиночества и отчаяния, явившиеся первостепенной составляющей джазовой музыки. Для многих в этом суть искусства; певец или исполнитель, который не может или не выражает блюзовое ощущение, не «блюзмэн». Определённые свойства тембра, включающие «скрипучую» или «рычащую» голосовые техники, ассоциируются с этой манерой выражения, а ровные смягчённые тона, выливающиеся в печальные и скорбные звуки, считаются частью музыкального словаря блюза. Итак, если исполнение блюза можно имитировать, то ощущение блюза, как утверждают его исполнители, нельзя.
Исполнители придают определённое значение способности зарифмовать песню, импровизация же является существенной частью блюза, хотя и не в такой степени, как в других джазовых стилях. Чтобы облегчить импровизацию, независимо идёт ли речь о стихах или инструментах, был создан ряд моделей, самая известная из которых – 12-ти тактовый блюз. Оказалось, что в первом десятилетии 20 века она приняла чёткую форму 3-строчной строфы, в которой повторяется первая строка. Теоретически это давало возможность исполнителю не импровизировать третью, рифмующуюся строку, а выпевать повторение первой.
Блюз, несмотря на кажущуюся простоту музыкальных форм, по своей природе всегда исполняется с бесконечными вариациями. Попросту говоря, это музыкальная форма, состоящая из 8-ми или чаще 12-ти тактов, текст в которой организован следующим образом: первая строчка повторяется дважды, а третья является логичным выводом из предыдущих.
БОГЕМА
Богема (фр. – цыганщина) – среда художественной интеллигенции: актеров, музыкантов, художников, литераторов, ведущих беспечную и беспорядочную жизнь. Образ жизни.
БОЕВИК
Боевик или экшен (англ. action movie – боевик, букв. “фильм действия”) — это остросюжетный фильм, в котором главное место занимают драки, убийства, военные действия и т. п.
Боевик — это ещё и жанр кино, в котором основное внимание уделяется насилию: перестрелкам, дракам, погоням и т. п. Это жанр, обладающий сильно размытыми рамками, большинство современных фильмов к нему так или иначе относятся.
БОСАНОВА
Босанова (новая вещь) – песенно-танцевальный жанр бразильской музыки. Лирическая мелодия, склонная к хроматизму гармония. Основана на ритмических формулах мамбы, самбы и румбы.
БРАВАДА
Бравада (фр. – рисовка) – показная, легкомысленная храбрость; бесцельно-дерзкая выходка.
БРАВО
Браво (итал. bravo – молодец, отлично) – театральное восклицание, выражающее похвалу игре артистов. Браво – возглас одобрения. В превосходной степени – «брависсимо» (особенно высокое одобрение).
БРОДВЕЙСКИЙ ТЕАТР
Бродвейский театр (Broadway Theatre) или просто «Бродвей» – обобщённое название группы из примерно 40 крупных (более 500 мест) коммерческих театров в Нью-Йорке, ориентированных, в основном, на коммерческие постановки мюзиклов. Они расположены вдоль улицы Бродвей в Театральном квартале Манхэттена. Сейчас таких театров насчитывается 41.
Бродвей – самая длинная улица в Нью-Йорке. Бродвей — чуть ли не самая знаменитая улица Америки, а то и всего мира. И здесь, на Бродвее, расположен Театральный Квартал. Бродвей – не просто улица, а центр успешных театральных постановок и мюзиклов.
Бродвейский театр – это американский тип театров, сформировавшийся на рубеже XIX-XX веков. Название, обозначающее место нахождения, стало настоящим признаком качества.
БУМ
Бум (англ. – шумиха) – шумиха, сенсация, искусственное оживление, временный подъем. В искусстве бум – сенсационная выставка, сенсационный концерт, сенсационная постановка. Бум рассчитан на аншлаг и хорошие прибыли.
БУРАТИНО
Герой итальянского народного кукольного театра. Один из дружной веселой семьи петрушек (см. «Перчаточные куклы»). Назван по имени известного актера итальянской комедии импровизации.
 Что же касается Буратино, которого знают все читавшие ставшую хрестоматийной повесть-сказку и пьесу для театра кукол А. Н. Толстого, то это типично русский герой, созданный на основе сказки итальянского писателя К. Коллоди «Приключения Пиноккио». Сегодня Буратино в российском театре кукол не менее популярен, чем Петрушка (см. «Петрушка»).
БУРЛЕСК
Бурлеск (франц. burlesgue, от итал. burlesco – насмешливый, шутливый) – один из жанров комедийного театра. Отличался вычурно-комическим изображением событий, пародийностью.
Жанр комической, шутливо – подражательной поэзии.
Бурлеск – преувеличенное комическое изображение персонажа (в литературном произведении, на сцене).
В искусстве театра, массовых зрелищ бурлеск завоевывает новые позиции. Комическое становится культовым знаком, особенно в новейший исторический период. Творческие возможности бурлеска неограниченны.
БУТАФОР
Бутафор (от итал. buttafuori) – первоначально в итальянском театре работник сцены, который находился за кулисами и подавал артистам необходимые по действию предметы – оружие, цветы, книги, письма и т. д. В современном театре  – работник сцены, изготовляющий различные предметы бутафории (скульптуру, мебель, посуду и т. д.)
БУТАФОРИЯ
Бутафорией называют поддельные предметы, употребляемые в театральных постановках вместо настоящих: мебель, скульптурные украшения, оружие, части костюма.
Бутафория — это поддельные предметы, употребляемые в театральных постановках вместо настоящих вещей, а также детали костюмов и декораций.
Удаленность сцены от зрителя и специально поставленный свет позволяют бутафорам достигать впечатления реальности подчас очень простыми средствами: из жести делается «хрустальная» посуда; из папье– маше — «мрамор», «гранит», «бронза»; из простой веревки — «резьба по дереву» (на мебели); из материи или пластических материалов — прекрасные цветы.
Самые разнообразные предметы, которые могут понадобиться в том или другом спектакле, в основном сделаны в бутафорском цехе театра.
Бутафорский цех изготавливает фрагменты декораций — лепные и фигурные металлические украшения, скульптуру, «резьбу по дереву», а также детали костюмов — пояса, пряжки, шляпы, веера, украшения и даже латы и кольчуги. Делают все это искусные мастера — бутафоры. (Buttafuori — так назывался в старом итальянском театре рабочий сцены, который подавал артистам необходимые по ходу действия предметы.)
В современном театре – это специально изготовленные предметы сценической обстановки, вещи (декорации, шпаги, ножи, украшения и т.д.) по всем признакам соответствующие настоящим или имитирующие их. Детали костюмов (пояса, пряжки, шляпы, веера, кольчуги и т.п.), необходимые для сценической игры актера; скульптура.
Бутафория (ит. – выбрасывающий вон) – участник спектакля в старом итальянском театре, освобождающий сцену во время представления от уже “отыгравших” предметов, сломанных, забытых. Видимо, после этого ему приходилось чинить и делать новые необходимые вещи.
Бутафорские предметы изготовляются обычно из картона, папье-маше (так называется твердое и плотное вещество из бумажной массы, смешанной с гипсом и клеем), а также из дерева, гипса, холста. Они дешевы и выразительны. А большие бутафорские предметы делаются разъемными.
Бутафория – обширная область искусства, выдвинувшая своих замечательных мастеров, скромных художников, чьих имен зрители, приходя в театр, в программках не находят...
Человек выполняющий эту работу – бутафор.
В 1917 году на ленинградской сцене ставилась драма Лермонтова «Маскарад». По замыслу художника этой постановки А. Я. Головина требовалось сделать... около двух тысяч (!) сложнейших предметов: сценическую мебель, неотличимую от настоящей, десятки подсвечников, люстры, множество всевозможных украшений.
Их по рисункам художника выполнил замечательный скульптор, декоратор и бутафор Сергей Александрович Евсеев (1882-1959).
БУФФОНАДА
Буффонада (ит. – шутовство, буфф – комический, забавный) – сценическое представление, а также актерские приемы, построенные на преувеличенно – комических, шутовских позах. Подчеркнутое внешнее, смешное преувеличение, иногда карикатурное представление персонажей, действий, явлений. Театр-буфф, опера-буфф.
БЫТОВЫЕ ТАНЦЫ
Бытовые танцы — это один из видов сценической танца в драматическом спектакле. А потому они должны нести сценическую образность, органически включаясь в общий строй пластического образа спектакля. Бытовые танцы народные и бытовые танцы салонные помогают воссозданию в драматическом спектакле правды жизни.
В
ВАГА
Вага – панель управления марионеткой (см. «Марионетка»). Манипулируя вагой, кукольник управляет нитями марионетки, и она движется так, как это необходимо кукольнику. Создание ваги и подвеска на нее куклы – целое искусство. Чем точнее баланс, тем выразительнее и послушнее в руках мастера станет марионетка.
ВАГАНТЫ
Ваганты (от лат. clerici vagantes – странствующие клирики) – средневековые бродячие певцы-сказители. Выходцы из среды недоучившихся семинаристов или разжалованных священников. По характеру исполнения были близки к гистрионам. Ваганты пользовались большой популярностью во всех странах Европы. В своих вольнодумных сатирических песнях, которые они распевали на латинском языке, ваганты высмеивали ритуалы церковников, пародировали молитвы и литургию, восхваляли земные радости, любовь, вино, веселье. В их песнях слышались отзвуки античной поэзии и народных мелодий. Из застольных песен ваганты сложились многочисленные студенческие песни, в т. ч. «Гаудеамус». Жестоко преследуемые церковью, в 13 в. прекратили свою деятельность и частично слились с профессиональными гистрионами.
ВАЛЬС
Вальс (фр. valse; от нем. walzen – вращаться, кружится) – 1) танец трехдольного размера, состоящий в поступательном движении плавно кружащихся пар, а также музыка к этому танцу. Общее название бальных, социальных и народных танцев музыкального размера 3/4, исполняется преимущественно в закрытой позиции. 2) музыкальное произведение с трехдольным размером. Вальс как инструментальный жанр весьма популярен у композиторов-классиков.
Относится к бальным танцам, то есть его исполняют двое — мужчина и женщина.
Музыку вальса всегда можно отличить ощущением легкого кружения, быстрого или медленного. Основу вальса составляет именно плавное, беспрерывное кружение пары с одновременным движением по залу. Обычно начинающим танцорам предлагают мысленно представить большой квадрат, по которому им и предстоит вальсировать.
Исполняется вальс преимущественно в закрытой позиции, а самой популярной фигурой в вальсе считается полный оборот в два такта с тремя шагами в каждом.
История вальса насчитывает чуть больше двухсот лет.
– Венский вальс - танец быстрый, стремительный, изящный, легкий.
– Медленный вальс (вальс-бостон или английский вальс) - элегантный, сдержанный, требующий высокой дисциплины и хорошей техники. Характерна смена темпа, наличие выдержанных пауз и фермат.
– Танго-вальс - комбинированный жанр, сочетающий в себе элементы танго и вальса. Его еще называют Аргентинским вальсом.
– Фигурный вальс - вальс, вошедший в спортивную программу бальных танцев еще в СССР.
ВАРИАЦИЯ
Вариация – сольный танец, танцевальный монолог.
ВАРЬЕТЕ
Варьете (фран. variete, от лат. varietas – разнообразие, смесь) – эстрадный театр, в представлениях которого сочетаются различные жанры искусства: музыка, цирк, танец; эстрадный театр развлекательного характера с эффектным, пышным оформлением. Для них характерны комедийные элементы, ирония, пародия, эротика. В программы варьете входят одноактные пьесы, отдельные сценки, выступления певцов, чтецов, танцоров, музыкантов, акробатов, жонглёров, фокусников.
ВДОХНОВЕНИЕ
Что же означает это слово? В «Толковом словаре» В. И. Даля оно объясняется так: «Высшее духовное состояние и настроение; восторженность, сосредоточение и необычайное проявление умственных сил».
Вдохновение – состояние подъема творческих сил, приводящее к результатам, которые в обычном состоянии недостижимы.
Главное отличие искусства актера от остальных искусств состоит в том, что всякий другой художник может творить тогда, когда им владеет вдохновение. Но художник сцены должен сам владеть вдохновением и уметь вызывать его тогда, когда оно значится на афише спектакля. В этом заключается главная тайна нашего искусства. Без нее и самая совершенная внешняя техника, и самые превосходные внутренние данные бессильны...
 
ВЕРА
В театральном деле слово «вера» используется в 2-х значениях.
Во-первых – это Вера в Бога. Собственно религия – есть один из элементов Культуры любой эпохи.
У театра есть свой Дух – Муза Мельпомена. Ей поклоняются как Богине. Все это выливается в существование определенных ритуалов и примет в практике артистической жизни. Так что актеры – люди суеверные.
Во-вторых – это вера зрителя в достоверность игры актера. Настоящий актер способен так войти в роль, что уже не играет чувства, а  сам их переживает.
Станиславский говорил: «...Каждый момент нашего пребывания на сцене должен быть санкционирован верой в правду переживаемого чувства и в правду производимых действий. Вот какая внутренняя правда и наивная вера в нее необходимы артисту на сцене».
Я расскажу вам подлинный случай взаимодействия сцены и зрительного зала, произошедший в 80-е годы 20-го века в СССР.
В одном из театров для детей шел спектакль «Хижина дяди Тома». Зал напряженно следил за драматическими событиями на сцене, за поединком между добром и злом. И вот началась сцена аукциона. Продавали негров. Детей разлучали с матерями. Звенели кандалы. Толстый наглый плантатор полез негру в рот – пересчитать, как у лошади, зубы. А ну, кто даст больше долларов за дядю Тома?
И вдруг случилось непредвиденное.
Вот как рассказал об этом случае С. В. Михалков:

«...Кто купит негра? Кто богат?» –
Плантатор набивает цену...
И гневно зрители глядят
Из темноты па эту сцену.
«Кто больше?.. Раз!.. Кто больше?.. Дна!..»
И вдруг из зрительного зала,
Шепча какие-то слова,
На сцену девочка вбежала.
Все расступились перед ней,
Чуть не упал торгаш со стула.
Когда девчушка пять рублей
Ему, волнуясь, протянула.
Она молчала и ждала,
И это та была минута,
Когда в порыве против зла
Добро сильнее, чем валюта!
И воцарилась тишина,
Согретая дыханьем зала,
И вся Советская страна
За этой девочкой стояла.

Этот подлинный случай трогает нас не меньше, чем мог бы растрогать сам спектакль.
Конечно, в тот вечер произошло необыкновенно сильное воздействие искусства на юную зрительницу и она стала партнером артистов в самом прямом смысле слова, поскольку поверила в достоверность происходящего на сцене.
ВЕРТЕП
Вертеп – традиционное кукольное представление, которое показывают во время Рождественских праздников. Вертеп появился и получил наибольшее распространение на Украине, где известен не позднее чем с XVI века. Вертепом также называют саму сцену, на которой показывается кукольный спектакль.
 Сцена представляет собой уменьшенную копию, как бы модель сцены драматического театра. Это похожий на домик ящик, открытый со стороны зрителей. Ящик накрыт крышей, наподобие церковного купола, с православным крестом. Под крышей отверстие в форме Вифлеемской звезды. Перед началом представления кукольник зажигает спрятанную там свечу, которая горит в течение всего спектакля. Обращенная к зрителям открытая сторона ящика представляет собой, как правило, двухэтажную сцену. У каждого этажа есть свой «трюм», где кукольник может спрятать руки, с помощью которых он управляет куклами. Персонажи спектакля движутся по прорезям в полу сцены – так, что кажется, будто они играют сами по себе, без участия актера.
 На верхней сцене вертепа изображается место рождения Иисуса Христа, куда приходят поклониться и вручить подарки – ладан, смирну и золото – три волхва. Здесь же появляются ангелы и пастухи.
На нижнем этаже сцены – дворец царя Иудеи Ирода, который, испугавшись, что новорожденный Христос в будущем станет царем, отдал солдатам страшный приказ убить всех младенцев. Затем приходит смерть и косой отрубает Ироду голову.
После этой библейской истории «О царе Ироде» на первом этаже вертепа начинается «Комедия о Запорожце».
ВЕРХОВАЯ КУКЛА
Не удивляйтесь, «верховыми» бывают не только лошади. Правда, на верховой кукле нельзя ездить. Верховой называют театральную куклу, которая при игре находится наверху, на театральной ширме (см. «Ширма»). И как бы едет верхом на артисте-кукольнике. Верховые куклы – это перчаточные (они же петрушечные) (см. «Перчаточные куклы») и тростевые (см. «Тростевая кукла»).
ВИДЕОКЛИП
Видеоклип, видеоролик или просто клип (от англ. clip) — непродолжительная по времени художественно составленная последовательность кадров. Видеоклипы наиболее часто применяются для рекламы товаров и услуг и для визуального сопровождения аудиокомпозиций на телевидении. Искусство съёмки и монтажа видеоклипов выделяют как отдельный короткометражный подвид киноискусства. Клипы обычно имеют более «дробный» монтаж, по сравнению с короткометражным кино, и в них более часто используются спецэффекты.
ВИДЫ И ЖАНРЫ КИНО
Все фильмы можно разделить на четыре основных вида.
Первый вид — художественный, или игровой, фильм.
Второй — документальное кино.
Третий — научно-популярное кино, включающее и учебное кино.
Четвертый вид — мультипликационное кино.
Среди основных видов можно выделить подвиды.
Например, мультипликация бывает рисованная и кукольная;
А документальный фильм:
— хроникальным, показывающим какое-либо действительное событие;
– монтажным, целиком сделанным из материалов снятых ранее документальных фильмов: классический пример монтажного фильма — «Обыкновенный фашизм» М. И. Ромма, где кинокадры военных лет использованы для разоблачения бесчеловечности фашизма.
Познакомимся с основными жанрами внутри перечисленных видов кино.
Жанрами называют исторически сложившиеся и достаточно устойчивые разновидности художественного произведения.
В разных видах кино есть одни и те же жанры, к примеру жанр рассказа. Но существуют и жанры, свойственные лишь данному виду, например, жанр киноромана относится только к игровому кино.
Излюбленный жанр мультипликации — сказка. Это может быть экранизация народной сказки — такова «Снегурочка» И. П. Иванова-Вано. Но сказка может быть современной, специально написанной для мультипликационного кино, например, для фильмов «Крокодил Гена» и «Чебурашка» Р. А. Качанова. Сказочность, необычайность того, что показывается в мультипликационной ленте, почти всегда тесно связаны с нашей жизнью. Сказочная мультипликация развлекает, но одновременно и поучает, вспомним в этой связи телевизионную серию о коте Леопольде режиссера А. Резникова. Мультипликация также широко использует жанры сатиры, политического плаката, агитфильма, фантастики и т. п.
Научно-популярное кино, как следует из названия, служит распространению научных знаний и достижений научно-технического прогресса в широких массах зрителей. Для этого оно пользуется всеми техническими и художественными средствами кинематографа: и документальными съемками, и средствами игрового кино, и способами мультипликации. Но что касается жанров, то в нем явственно главенствуют традиционная лекция и очерк. Так, «Сталь и море» Д. Гургенидзе — это короткая, но содержательная лекция о поиске учеными и металлургами Грузии средств борьбы с коррозией. А «Такая стремительная жизнь» А. Буримского — очерк жизни и деятельности А. И. Микояна, создателя сверхзвуковых истребителей.
В форме лекции делают и фильмы учебного кино.
К виду научно-популярного кино относят также научно-исследовательское кино, под которым чаще всего подразумевают съемки научных работ, экспериментов и т. п. Эти киноленты знакомят с научными достижениями и открытиями и представляют интерес не только для специалистов, но и для массового зрителя.
У документального кино система жанров обширна и сложна. Телевизионный сериал «Великая Отечественная» состоит из 20 картин и по праву называется документальной эпопеей, а «страничку» в киножурнале или в ежедневной передаче «Время» часто называют просто сюжетом. Существуют документальные повести, очерки, «портреты» героев нашего времени, репортажи с мест событий, интервью, дневники путешествий, политические фильмы и т. д. Чтобы представить себе широту жанрового диапазона документального кино, сравните, например, такие картины, как «Им покоряется небо» — отчет об авиационно-спортивном празднике в Тушино, «Мгновение» — о подвиге Героя Советского Союза А. Мироненко, погибшего в Афганистане при выполнении интернационального долга, и «Моя Молдова» — фильм-путешествие по Молдавии.
Еще более разнообразны жанры игрового кино. Повторяя в целом деление, принятое в литературе, на жанры
эпические (роман, повесть, рассказ и т. п.),
лирические (лирические стихотворения, поэмы и т. п.) и
драматические (трагедия, драма, комедия, водевиль и т. д.),
кино вместе с тем внесло сюда много дополнений, изменений и уточнений. Так, историко-революционный фильм часто называют особым жанром. Но ведь история революции представала в киноискусстве в жанре и трагедии — «Оптимистическая трагедия» режиссера С. И. Самсонова по пьесе В. В. Вишневского, и драмы — «Мать» режиссера В. И. Пудовкина (по форме это драма, хотя в ее основу положен одноименный роман А. М. Горького), и рассказа — «Рассказы о Ленине» режиссера С. И. Юткевича, и повести — «Щорс» А. П. Довженко.
Развитие жанров, их слияние, взаимообогащение и взаимопроникновение особенно наглядно происходят в кино. Так, жанр детектива — произведения с острым, захватывающим сюжетом в киноискусстве имеет множество вариантов. Он может повествовать и о деятельности полиции, и о сложной, полной опасности работе разведчика, и о борьбе с политическим бандитизмом («Тревожный месяц вересень» В. Осыки), и о разоблачении происков поджигателей войны («Европейская история» А. Гостева).
В западном киноискусстве популярен жанр вестерна. Как кинематографический жанр он появился в Голливуде, в США, и посвящен, как правило, героизации первых поселенцев западных районов Америки — бесстрашных ковбоев, храбрых шерифов и т. п. Вестерны обычно искажают исторические факты, проповедуют идеологию индивидуализма. К достоинствам вестерна можно отнести остроту сюжета, занимательность и динамизм действия.
Этот жанр распространен и в киноискусстве других стран. В советском киноискусстве он отличается совершенно новым содержанием. Еще в 20-х гг. И. Н. Перестиани создает «Красных дьяволят», используя жанр вестерна для прославления юных героев гражданской войны. Широко известен фильм «Никто не хотел умирать» В. П. Жалакявичюса, рассказывающий о борьбе с бандами националистов в послевоенной Литве, по жанру этот фильм близок к вестерну.
Приобрели популярность художественно-документальные картины, соединяющие жанровые признаки двух видов искусства. Иногда включают старую хронику в ткань игрового фильма. В других случаях игровой фильм снимается «под документальный». Но чаще всего художественный фильм строят таким образом, чтобы возможно полнее воссоздать исторические факты, реконструировать прошлое. В качестве примеров таких фильмов можно привести «Шестое июля» режиссера Ю. Ю. Карасика о подавлении восстания левых эсеров против Советской власти летом 1918 г. (по пьесе М. Ф. Шатрова) или телевизионный сериал «Стратегия победы» о событиях Великой Отечественной войны. Что же касается отмеченной тенденции взаимопроникновения жанров, то она прослеживается едва ли не во всех крупных произведениях киноискусства. Попробуйте сами определить жанр, например, «Калины красной» B. М. Шукшина. Это фильм о драме человека, совершившего ошибки на своем жизненном пути. В то же время драма героя фильма приобретает подчас характер трагедии: ведь его ошибки вызваны также и трудностями времени, в которое он живет. Некоторые эпизоды этого фильма комичны, другие — сатиричны, третьи — проникновенно лиричны. Сложна по жанровой конструкции и картина «Голубые горы, или Неправдоподобная история» Э. Н. Шенгелая: внешне это комедия, но какая она грустная и как в ней много жизненной правды!
Можно назвать немало примеров замечательных экранизаций литературных произведений: «Тихий Дон», «Юность Петра», «В начале славных дел» C. А. Герасимова (по романам «Тихий Дон» М. А. Шолохова и «Петр Первый» А. Н. Толстого) и др. Многие телевизионные фильмы на сюжеты литературных произведений ставятся в форме сериала, т. е. каждый фильм состоит из нескольких серий, например «Тени исчезают в полдень» В. И. Ускова и В. А. Краснопольского (по одноименному роману А. С. Иванова) и др.
В кино есть жанры, которые еще до конца не сформировались: таков мьюзикл, соединяющий в себе признаки и музыкального и драматического произведения, иногда напоминающий оперетту, иногда — оперу или балет.
ВЕРСИЯ
Версия (лат. – видоизменять) – одно из нескольких, отличительных друг от друга изложений или объяснений какого-либо факта, события.
ВИДЕОРЕДАКТОР
Видеоредактор – компьютерная программа для создания и редактирования видео.
ВИРТУОЗ
Виртуоз (лат. – мужество, доблесть, смелость) – артист, в совершенстве владеющий техникой своего искусства. Человек, достигший высокой степени мастерства в каком – либо деле.
ВОДЕВИЛЬ
Водевиль (фр. vaudeville – голоса города) – один из видов комедии положений с песнями-куплетами и танцами. Жанр легкой комедии, в которой диалоги и драматическое действие, построенное на запутанной интриге, сочетаются с пением песенок-куплетов и инструментальной музыкой.
Небольшая комическая пьеса фарсового характера.
Водевиль – легкая комедийная пьеса, обычно – одноактная. Присущи – задорное веселье, злободневное отражение действительности. В ее основе – веселые, запутанные приключения, песенки-куплеты, танцы, переодевания, мистификация.
 «Мы просим снисхожденья...»
Молоденькая дочка старого актера мечтает о сцене, о том, чтобы стать артисткой. Но у отца другие планы: выдать дочь замуж за богатого старика. Дочь и слышать об этом не хочет, но отец настаивает: отцовская воля – закон! Тогда дочка, сговорившись с подругой, решает провести и старика отца, и старика жениха. Девушки разыгрывают маленький спектакль, построенный на смешных выдумках и хитростях, и в конце концов добиваются своего.
Дело оканчивается пляской и пением куплетов (куплет – веселая песенка для водевиля или эстрадного представления).
Таков характерный сюжет водевиля, каких сотни, если не тысячи, шли вечерами на подмостках всех театров России в 19-м веке.
Этот вид театрального представления впервые появился во Франции и имел такой успех у публики, что в 1792 году в Париже открылся специальный театр «Водевиль», а за ним и другие.
В России водевиль появился в начале XIX века и очень скоро завоевал сердца и публики, и актеров. Даже самые большие и серьезные постановки начинались в театрах только после того, как отшумит для начала веселый водевиль.
Большинство даже лучших водевилей тех лет сегодня уже не увидишь на сцене, и это жаль. Но такой особенно известный, как «Лев Гурыч Синичкин» Д. Т. Ленского, был поставлен на телевидении в 1974 году.
Станиславский говорил: «Водевиль – трудный жанр: жизненное правдоподобие, искренность чувств, подчас сатира и злободневность, изящество и поэтичность, музыкальность и ритмичность... Это чудесная школа для молодого актера».
В пушкинские времена в водевильных спектаклях блистали замечательные актеры. Первой среди них по праву стала Варвара Николаевна Асенкова (1817– 1841). Она прожила короткую жизнь – двадцать четыре года. Но сумела всего за пять лет работы на сцене стать «королевой водевиля», как называли ее в Петербурге.
В лучших водевилях 19-ого века высмеивались и низменные нравы общества, и даже некоторые реальные люди.
Авторы водевилей нередко считали свои пьесы пустячками, иногда же, вкладывая в них сатирическое содержание, хотели выдать за пустячок. Поэтому в финале водевилей часто исполнялись куплеты, в которых автор и актеры просили у публики снисхождения: не судите, мол, нас слишком строго, мы ведь просто шутили!
А публика обожала водевили, все прощала авторам и исполнителям, горячо принимала эти маленькие веселые комедии.
Замечательные русские писатели тоже иногда обращались к водевилю. Вы, наверное, хорошо знаете классический водевиль Антона Павловича Чехова «Медведь». В его знаменитой киноэкранизации 20-го века две главных роли играли известные советские актеры О. Н. Андровская и М. И. Жаров.
ВОЗРОЖДЕНИЕ
См. Ренессанс.
Возрожде;ние, или Ренесса;нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento от лат. renasci «рождаться опять, возрождаться») — имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению и Новому времени. Приходится — в Италии — на начало XIV века (повсеместно в Европе — с XV—XVI веков) — последнюю четверть XVI века и в некоторых случаях — первые десятилетия XVII века.
Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре, происходит её «возрождение» — так и появился термин. Эпоха Возрождения считается точкой отсчета современного европейского искусства, поскольку именно в это время формируется современный характер культуры.
ВОКАЛ (или ПЕНИЕ)
Вокал (или пение) (от итал. voto – голос) – это разновидность музыкального исполнения, мастерство владения певческим голосом. Но голос служит только инструментом, само же искусство пения гораздо сложнее одного звуковедения. Оно рисует нам образы, отражает эмоциональные состояния. В пении участвует не только звук, но и осмысленное слово.
Вокал – технологический процесс художественного пения. Пение заключается в исполнении мелодии с помощью голоса человека. Исполнителей называют певцами или вокалистами. Вокал является искусством потому, что певец должен не только точно повторить мелодию, написанную композитором, но и про помощи голоса передать все ее оттенки, характер и настроение, не каждый человек способен на это.
Вокал разделяется на различные виды в зависимости от его стилистики, используемых приемов, а также характера взаимодействия исполнителей.
Существует четыре разновидности пения по манере исполнения: народное, академическое, джазовое и эстрадное.
Народное пение отличается открытым, прямым звуком.
Академическое пение – более профессиональное, певец способен полностью управлять своим голосом.
Голос человека индивидуален, как и его отпечатки пальцев. Невозможно найти двух людей с абсолютно одинаковыми голосами. Несмотря на это можно разделить человеческие голоса на четыре категории:
; высокие женские голоса (в музыке их называют сопрано),
; низкие женские голоса (альт),
; высокие мужские голоса (тенор),
; средние мужские голоса (баритон),
; низкие мужские голоса (бас).
Разделение зависит от диапазона голоса. Диапазон – это те ноты, которые певец может спеть. Например, низкий голос не сможет спеть очень высокую ноту и наоборот.
ВОКАЛИСТ
Вокали;ст (лат. vox — «голос» и vocalis — «звучащий») — музыкальная профессия, связанная с пением, то есть исполнением различных вокальных партий; участник какого-либо вокально-инструментального ансамбля, в котором данный участник исполняет вокальные партии.
Термин «вокалист» почти совпадает с термином «певец», но в современной эстрадной музыке трактуется несколько шире, в частности, подразумевая возможность использования декламации, речитатива, скриминга и т. д.
Как всякий специалист вооружен знаниями и определенными приемами, так и певец должен владеть вокальной техникой, то есть свободно управлять своим голосом.
ВОКАЛЬНАЯ МУЗЫКА
Вокальная музыка — музыка, предназначенная для пения. Вокальная музыка — это музыка, в которой голос главенствует, или равноправен с инструментами, с сопровождением или a cappella [(итал. «как в капелле») т.е. — пение (как правило, хоровое) без инструментального сопровождения.)].
Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория, средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт, малые — вокальная миниатюра (песня, романс). Встречаются также произведения, в которых человеческий голос использован в качестве оркестровой краски («Щелкунчик» П. И. Чайковского), в ней участвует голос в сопровождении с мелодией.
Жанры вокальной музыки:
; Оперный,
; Ораториальный,
; Камерный,
; Оперетта,
; Песенный.
ВОКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО
Пение (вокал) – самое древнее музыкальное искусство.
Музыка, созданная для голоса или многих голосов, — это самый ранний вид музыкального искусства. Еще на заре существования человеческого общества люди пользовались голосом для звуковых сигналов, общения друг с другом. Так из одного корня возникли человеческая речь и музыка. Самые простые и древние формы вокального искусства сохранили ощутимую связь со звуковыми сигналами, пастушескими зовами, охотничьими или военными кличами, ритмическими восклицаниями, объединяющими усилия людей в совместном труде.
По мере развития человеческого общества развивались и усложнялись и формы вокального искусства. Но еще долго оно оставалось неразрывно связанным с трудом и бытом, было неотделимо от пляски и игры.
Вокальное искусство включает различные жанры: песню, романс, произведения для вокальных ансамблей, хоровую музыку и оперу. И везде присутствуют два элемента: музыка и слово. Между музыкой и словом — много общего. В самой человеческой речи есть музыкальный элемент — интонация. Она придает речи выразительность, эмоциональность.
В вокальном искусстве интонация — основа выразительности. Иногда мелодия музыкальной фразы прямо рождается из интонаций речи. Вопросительные, восклицательные и утвердительные интонации становятся интонациями музыкальными. Их речевая природа продолжает ощущаться, что наиболее заметно в оперных речитативах, особенно у А. С. Даргомыжского, М. П. Мусоргского, С. С. Прокофьева (см. Оперный театр).
Но так бывает не всегда. Когда речь становится пением, в ней появляются, новые качества, свойственные именно музыкальному искусству. Если в речи подъемы и понижения голоса подчинены смыслу фразы, то музыка стремится внести в них повторность, ритмическую размеренность. Вот почему вокальные произведения чаще пишутся на стихотворный текст: повторность созвучий — рифм, ритмическая размеренность присущи уже самой стихотворной речи. И это не случайно, ведь поэзия и музыка возникли из некогда единого искусства — песни.
Декламационность и песенность постоянно взаимодействуют в вокальной музыке, одно может гибко переходить в другое. Так, например, мелодия, начавшись выразительными, «говорящими» декламационными фразами, может постепенно обретать песенную широту и плавность. Еще большие возможности открываются в сочетании голоса с музыкальными инструментами, в ансамбле с другими голосами, в хоре. Но во всех формах и жанрах вокального искусства неизменно сохраняется его связь с интонациями речи, что делает это искусство таким чутким отражением чувств и переживаний человека.
ВООБРАЖЕНИЕ
Воображение (фантазия) – свойство психики человека. Запас жизненных впечатлений. Творческий метод воспроизводства в образы событий и фактов, имевших место в действительности, посредством комбинирования в новом порядке пережитого в разное время, группирования их в новое целое. Один из основных элементов актерского мастерства.
ВОЛШЕБНЫЙ ФОНАРЬ
Волшебный фонарь изобретен монахом Ордена иезуитов Афанасием Кирхером в начале XVII века. Это проекционный аппарат с масляной лампой. Рисунки наносились на кусочки слюды, позже – стекла. Чтобы фигуры, проецировавшиеся на экран, двигались, Кирхер снабдил аппарат вращающимся диском, на секторах которого нарисованы картинки. На экране они при вращении диска движутся. Изобретение Кирхера сначала широко использовалось церковью, а потом перекочевало в театры и балаганы.
 Волшебный фонарь стал излюбленным развлечением многих людей, кем бы они ни были, чем бы ни занимались. Ремесленники, крестьяне, ученые, философы, короли и королевы – все с удовольствием смотрели на волшебные картинки, появляющиеся на экране. Любил кукольный театр и великий французский писатель и философ Вольтер. В замке на границе Лотарингии и Шампани был волшебный фонарь, которым Вольтер любил развлекать гостей. Одна из дам, гостившая в замке, вспоминала: 11 декабря 1738 года Вольтер «дал нам волшебный фонарь с целью заставить нас похохотать. Он показал сюжеты о приверженцах герцога Ришелье, историю аббата Дефонтена и всевозможные комические рассказы. Не было ничего забавнее этого, но, желая подправить фитиль лампы волшебного фонаря, он опрокинул ее на руку. Это немного омрачило наше веселье, но вскоре Вольтер снова начал показ».
 О существовании таких проекционных аппаратов в России мы узнаем из номера «Санкт-Петербургских ведомостей» от 12 января 1756 года. Вот текст объявления:
«На Васильевском острову близ биржи в квартире у трактирщика Карла Цедера можно видеть куриозный фонарь, который охотникам показывать будет ежедневно по вечерам с начала до исходу 9 часа, а за смотрение сего фонаря каждая персона платить имеет по 10 копеек… охотникам объявляется, что оный фонарь продан быть имеет».
ВУЛЬГАРНЫЙ
Вульгарный (лат. – простой, обыкновенный) – чрезмерное упрощение какого – либо учения, искажающее его сущность; грубое упрощение, опошление. Лишенный тонкости, изящества.
ВЫСОКАЯ КУЛЬТУРА
Высокая культура - это культура, созданная и поддерживаемая элитой общества. Она отличается от народной культуры более высоким уровнем развития и более сложной структурой. Высокая культура включает в себя искусство, литературу, науку, философию и другие области знаний, которые развиваются и совершенствуются благодаря усилиям высокообразованных и талантливых людей. Народная культура, в свою очередь, является более простой и доступной для широких масс населения, она включает в себя народные обычаи, традиции, народную музыку, народное искусство и т.д.
Высокая культура - это субкультура, которая охватывает культурные объекты, имеющие эстетическую ценность, которые общество коллективно считает образцовыми произведениями искусства, и интеллектуальные произведения литературы и музыки, истории и философии, которые общество считает репрезентативными для своей культуры. Сущность высокой культуры связывается с понятием элиты и обычно противопоставляется культурам народной, массовой.
Высокая культура - культура высшего класса (аристократии) или статусного класса (интеллигенции); а также общее хранилище знаний и традиций общества широкого спектра (например, народная культура), которое выходит за рамки социально-классовой системы общества.
Эта культура принципиально обращается только к элите, это культура "аристократического инстинкта", касты, но не демоса. Она не стремится к тому, чтобы быть понятой всеми: она замкнута, герметична, доступна лишь незаурядным людям.
Элита (elite, франц. - избранный, лучший, отборный, отборный), как производитель и потребитель этого типа культуры по отношению к обществу представляет собой с точки зрения как западных, так и отечественных социологов, культурологов высшие, привилегированные слои (слой), группы, классы, осуществляющие функции управления, развития производства и культуры. Тем самым утверждается разделение общественной структуры на высших, привилегированных и низших, элиту и остальную массу.
ВЫХОДНАЯ АРИЯ
Выходная ария – 1) Первая ария, к-рую исполняет при своём появлении тот или иной персонаж оперы. 2) Ария, отличающаяся особо эффектными и выигрышными муз. характеристиками.
Г
ГАЛОП
Галоп – (фр. galoper – гоняться, преследовать, скакать, мчаться; galop – букв. «скачка») – 1) балетное движение, сходное с chasse. 2) Популярный бальный танец XIX века. Музыкальный размер – 2/4. Темп быстрый. В общественных бальных залах Франции он появился в середине 1820-х годов и отсюда распространился по всему миру. Галоп состоит из серии непрерывных скачущих шагов (Па Глиссадов), и, случающихся иногда, поворотов. Исполняется в паре, в стремительном движении по кругу. 3) Трехтактный аллюр лошади в три темпа с безопорной фазой. Самый быстрый аллюр лошадей, при котором они могут достигать скорости 60 км/ч и выше.
ГАПИТ
Гапит (яван. – палочка) – короткая палка, на которую насажена голова театральной куклы. Благодаря ей кукла может поворачивать, поднимать и опускать голову, открывать и закрывать рот, глаза, двигать ушами – короче говоря, делать все, что необходимо кукольнику в спектакле.
ГАУЧО-ТЕАТР
Гаучо-театр – жанр аргентинского музыкального театра. Название получил от песен аргентинских крестьян-скотоводов – гаучо. Первые произведения этого жанра принадлежали неизвестным авторам и вошли в сборники песен о народных героях.
ГАСТРОЛИ
Гастроли (нем. – гость + роль) – спектакли, даваемые приезжими актерами (выезжать на гастроли).
ГАСТРОЛЬ
Гастроль (нем. Gastrolle, от Gast – гость и Rolle – роль) выступление артиста (коллектива) вне места его постоянной деятельности в другом районе, городе, стране.
С 18 и особенно со 2-й пол. 19 вв. большое распространение получают индивидуальные гастроли актёров, главным образом столичных театров, выступавших с исполнением своих лучших ролей в спектаклях театров других городов. Гастрольной деятельностью издавна занимались крупнейшие актёры мирового театра всех жанров.
ГАРНАЧА
Гарнача (garnacha) – бродячая труппа в Испании 16 в.
Давала представления в селениях, а также в частных домах. Гарнача состояла из 5-6 мужчин, женщины на роли 1-й дамы и мальчика на роли 2-й дамы. В репертуар гарначи входили 4 комедии, 3 ауто и несколько интермедий. Труппа располагала костюмами, париками.
ГЕНЕРАЛЬНАЯ РЕПЕТИЦИЯ
Генеральная репетиция – последняя репетиция перед окончательным выпуском спектакля.
ГЕНИЙ
Гений (лат. – способность) – высшая творческая способность в научной или художественной деятельности. Способность создать нечто, превосходящее все, что человек может сделать собственными силами.
ГЕРОЙ
Герой (героиня) – 1) Центральный персонаж пьесы. 2) В 18-19 вв. – исполнитель ведущих ролей в трагедиях. Позднее термин «Г.» стал применяться и в отношении ведущих актёров, выступавших в др. сце-нич. жанрах (драматич. Г., комедийный Г.). Получили распространение специфич. разновидности термина: Г.-любовник, Г.-резонёр, Г.-фат (напр., Кречинский «Свадьба Кречинского»), Г.-неврастеник (напр., Раскольников «Преступление и наказание» по Достоевскому), характерный Г. (напр., Братишка «Шторм»), бытовой Г. («рубашечный», напр., Кудряш «Гроза»). Возрастные разновидности амплуа Г.: молодой Г., пожилой Г., амплуа «социальный герой».
ГИМАТИИ
Гиматии, гиматион (др.-греч. ;;;;;;;, him;tion — ткань; накидка), – один из основных видов древнегреческой одежды. Представлял собой плащ в виде длинного четырёхугольного куска ткани, левый верхний конец которого спускался через левое плечо на грудь, а правый пропускался под правой рукой и закидывался через левое плечо (иногда покрывалось также и правое плечо). Гиматии актёра-трагика отличался от бытовой одежды главным образом яркостью и пестротой расцветки и походил, по древним свидетельствам, на пышное культовое одеяние гиеро-фанта (жреческая должность на элевсинских религиозных празднествах). В комедиях гиматии актёра приближался к бытовой одежде.
ГИСТРИОН
Гистрион (от лат. histrio) –
1) Актёр в Древнем Риме.
Гистрионы составляли труппу, которая возглавлялась актёром, вышедшим из их среды. Первоначально гистрионы играли без маски, которая была введена лишь в 1 в. до н. э. под влиянием греческого театра. Женские роли исполнялись мужчинами. Гистрионы вербовались обычно из низов общества, иногда из рабов, не имели никаких гражданских прав и могли быть подвергнуты телесному наказанию. Только некоторые гистрионы, достигшие широкой известности, пользовались почётом.
2) Народный бродячий актёр эпохи раннего средневековья (9-13 вв.).
Истоки искусства гистрионы – в сельских обрядовых играх. Постепенно гистрионы становились выразителями интересов городских народных масс. Гистрион был одновременно рассказчиком, музыкантом, танцором, певцом, гимнастом, дрессировщиком животных и т. д. Искусство гистрионов развивалось в нескольких направлениях: цирковые выступления, творчество сказителей и исполнителей, поэтов и песнотворцев (трубадуры и труверы; первые средневековые драматурги Ж. Бодель и Адам де ла Аль – были труверы).
Гистрионы объединялись в особые «братства», из которых впоследствии образовывались кружки актёров-любителей.
В разных странах гистрионы получали различное наименование: во Франции жонглёры, в Италии мимы, в Германии шпильманы, в Испании хугляры, в Польше франки, в России скоморохи. Разновидностью гистрионов были ваганты. Гистрионы подвергались гонениям со стороны светских и духовных властей. К концу 13 в. слились с городской театральной самодеятельностью, получившей широкое развитие.
ГЛАВНЫЙ РЕЖИССЁР
Главный режиссёр – лицо, руководящее всей художественной работой театра, определяющее (совместно с директором театра, художественным советом) его репертуарную линию. В театрах оперы и балета художественной работой театра руководит главный дирижёр.
Главный режиссёр осуществляет основные постановки театра (в драматических театрах до 3, в театрах оперы и балета – до 2 в год), а также принимает и выпускает новые и возобновлённые спектакли, постановки другими режиссёрами. Наряду с директором театра главный режиссёр несёт ответственность за идейное и художественное качество репертуара театра, за выполнение плана, за правильный подбор и использование творческих кадров, за постановку учебно-воспитательной работы. 
ГЛИССАД
Глиссад – скользящее боковое движение в балете. Обычно оно связывает одно движение с другим, служит подготовкой, разбегом для прыжка.
ГОТИКА
Готика – пессимистическое направление в искусстве. Она проявляется в разнообразных формах – философской, литературной, кинематографической, визуальной, медицинской, культ аномалий, эстетика авангардного искусства – составляет суть альтернативного жизненного стиля «темной» личности. Чрезвычайно важны для готов и представителей большинства других течений «dark-культуры» образы смерти, умирания, упадка, разрушения, распада, нашедшие отражение в произведениях искусства.
Считается, что лучшие музыкальные произведения человечества написаны в минорной тональности: той, что заставляет нас остановиться для анализа и обдумывания; той, что призвана волновать душу. Например, отечественная бардовская песня красива. Но как правило грустна.
Готическая субкультура сформировалась на Западе к середине 1980-х годов. Возникшее в начале 1970-х в Великобритании панк-движение, изначально направленное на разрушение всевозможных стереотипов, к концу десятилетия сменилось настроениями упадничества, безнадежности, эскапизма, неприятия жизни. Так на рубеже 1970-1980 гг. субкультура панка сменяется постпанком, давшим начало готическому року и готической субкультуре. Вторая половина 1990-х становится новой стадией развития субкультуры – формирования «dark culture», общего «темного» движения, объединяющего, помимо готики, несколько других субкультур.
Бела Лугоши Баухаус – так началось музыкальное движение с первого готического идеала – вампира Дракулы. Первые готы были меланхоличными и безумными вампирами из чёрно – белого кино. Чёрный, белый и красный: жизнь, смерть и кровь составили фундамент данной субкультуры. Так же приветствовался средневековый и винтажный стили одежды: перчатки, шляпы, длинные юбки, корсеты, вуали, фраки, кружева… До сих пор классика остаётся классикой наряду с панковской атрибутикой первых готов.

ГРИM
 
Грим (фр. – подкрашивать лицо) – искусство изменения внешнего облика актера при помощи применения парика, нанесения на лицо (иногда и на тело) специальных красок, волосяных либо пластических наклеек в целях придания внешнему облику наибольшего сходства с воплощаемым сценическим образом. Грим может быть: бытовым, сказочным, историческим.
Оплошность великого трагика
Однажды в квартиру на Бейкер-стрит, где жил Шерлок Холмс, постучали. Уловка человека, не пожелавшего назвать свое имя, была напрасной. Холмс сразу же понял, что перед ним – сам король Богемии.
Король стал умолять Холмса помочь ему заполучить назад компрометирующую его фотографию – она, к несчастью, оказалась у одной недостойной особы. Великий сыщик согласился.
На другой день доктор Ватсон беспокоился: его знаменитый друг исчез из дома с утра пораньше. А около четырех часов дверь отворилась и в комнату вошел подвыпивший бродяга, по внешности – конюх, с всклокоченными волосами, густыми бакенбардами и распухшим красным носом завзятого пьяницы... Доктор Ватсон не сразу узнал в нем Шерлока Холмса.
Так начинается рассказ Конан Дойла «Скандал в Богемии».
Холмс изменил свое лицо при помощи грима.
В театре и кино гримом пользуются постоянно.
Великий советский артист Николай Константинович Черкасов (1903 –1966) целыми днями сидел перед зеркалом, пытаясь сделать свое лицо молодого тридцатилетнего человека лицом профессора Полежаева. Готовились съемки фильма «Депутат Балтики». Артисту помогал в его исканиях А. И. Анджан (1892-1974), крупнейший художник-гример. Сто семьдесят часов провели они вдвоем перед зеркалом, пока не нашли наиболее выразительный и точный грим старого ученого.
Почему же так долго мучились два художника? Казалось бы, чего проще: наклей густые кустистые брови, нарисуй морщины, подчеркни мешки под глазами, прибавь седины волосам – и старик готов. На самом деле все обстоит гораздо сложнее. И хотя само слово грим происходит от староитальянского слова, которое в переводе означает морщинистый, смысл художественного грима вовсе не в том, чтобы прибавить морщин и изменить цвет лица.
Характер грима впрямую зависит от работы актера над образом, от стиля пьесы, от замысла режиссера. Очевидно, например, что грим в драме должен быть совсем не таким, каким может оказаться в веселой комедии. Кроме того, грим должен быть связан с мимикой артиста (о ней вы прочтете в этой книге позднее).
Наконец, актеру необходимо знать законы старения лица, изменения его выражения в минуты, когда человек испытывает сильные чувства: удивление, радость, страх, гнев, растерянность... Видите, какое сложное это искусство – владение гримом!
Замечательный ленинградский артист Николай Федорович Монахов (1875 –1936) любил изменять лицо гримом как можно больше, чтобы глубже войти в образ. «Хорошо, правдиво измененное гримом лицо, – рассказывал артист, – не только помогает мне, но и вдохновляет меня в моих попытках отойти от самого себя. Удачный грим, в котором я узнаю задуманную внешность создаваемого мною образа, сразу сообщает мне самому характер этого лица, его слабости и недостатки... Поиски этой удачной внешности – один из мучительных периодов всякой новой актерской работы».
В связи с нашим разговором о гриме хочется напомнить еще об одном: многие актеры стремились научиться рисовать – это умение также помогает в работе!
С гримом связана одна удивительная история. Она произошла в середине 19-го века в Италии.
Знаменитый итальянский драматический актер Томмазо Сальвини (1829–1915) после многих ролей, принесших ему широкую известность, с блеском сыграл роль Отелло в одноименной трагедии Шекспира. Слух о блестящем спектакле быстро распространился среди любителей театра. И на одном из первых же представлений зал ломился от желающих увидеть новую постановку. Представление началось. Все с нетерпением ждали появления Отелло – Сальвини.
Отелло у Шекспира – родовитый мавр (так называли тогда североафриканских арабов-мусульман). У него темная, как у негра, кожа. И все в зрительном зале понимали, что артист выйдет сильно загримированным и будет выглядеть настоящим мавром. Итальянская публика всегда слыла очень строгой и требовательной к исполнению сценических законов.
И вот появился Отелло. Белый плащ декоративно оттенял темный цвет его кожи. В зале – восторженная овация. Отелло – Сальвйни начал один из первых своих монологов:

...Я – царской крови и могу пред ним
Стоять, как равный, не снимая шапки...

 (Перевод Б. Пастернака)

И вдруг в рядах зрителей прошел шорох, какое-то движение, послышались возмущенные возгласы. Оказывается, Сальвини загримировал лицо, шею, все видимые из-под костюма части тела, но забыл загримировать руки! У него – белые руки! Такого кощунства публика стерпеть не могла. Темпераментные итальянцы стали выкрикивать нелестные для актера реплики, кто-то швырнул на сцену апельсиновые корки...
Сальвини, однако, не выглядел смущенным. Он терпеливо дождался тишины и продолжал играть как ни в чем не бывало. Публика наконец затихла. Она поняла: артист «исправится» во втором акте и тогда можно будет простить ему ужасную оплошность.
Начался второй акт. Все ждали Отелло, и сразу же тысячи взглядов устремились на его руки. И тут гневные выкрики слились в единый крик возмущения. Какое безобразие! Какое неуважение к публике! У Отелло – опять белые руки!.. Шквал негодования надолго прервал течение спектакля.
Сальвини спокойно ждал, пока в зале утихнет буря. Потом неторопливо вышел на авансцену, оглядел ряды зрителей и начал медленно... снимать с рук белые перчатки! Под ними, разумеется, оказались темные руки!
Зал буквально взвыл от восторга. Значит, и в первом акте Сальвини играл в перчатках! И разразилась овация в честь любимого артиста. Он оказался на небывалой высоте.
На самом же деле знаменитый артист, конечно, схитрил. В первом акте у него не было перчаток – он действительно забыл положить на руки грим. Но остроумная выдумка с перчатками спасла его от позора и принесла еще большую славу.
А всему виной – забытый, не до конца положенный грим.

В современном театре 3-го тысячелетия гримом пользуются все более сдержанно. Само, ничем не скрытое лицо актера, с его мимикой, с его способностью передавать мысли человека, нам интереснее, чем неподвижная краска на лице, выразительные возможности которой весьма ограничены.
ГРИМЕР
Гример – человек, который может до неузнаваемости изменить внешность актера. Он накладывает сложный грим.
ГРИМЕРКА
Гримерка – комната для подготовки артистов к выходу на сцену, где актер надевает театральный костюм и накладывает грим для исполнения ролей в спектакле.
ГРОТЕСК
Гротеск (фр. – смешной, забавный, причудливый) – изображение явления в фантастическом, уродливо-комическом стиле, основанное на резких контрастах и преувеличениях. Вид художественной образности, обобщающий и заостряющий жизненные отношения посредством замысловатого и контрастного сочетания реального и фантастического, правдоподобия и карикатуры.
ГРЯДКА
На этой грядке не растут ни морковь, ни капуста. На ней играют куклы, потому что в кукольном театре грядкой называется верхний передний край ширмы (см. «Ширма»).
ГУММОЗ
Гуммоз (лат. gummi – камедь) – вязкая масса, (пластилин), при помощи которой актер изменяет черты своего лица.
Д
ДЕБЮТ
Дебют (фр. d;but – начало) – первое или пробное публичное выступление начинающего артиста на сцене вообще или в данном театре.
ДЕВЕЛОПЕ
Девелопе – сгибание и разгибание ноги на 90° и выше. Девелопе выполняется из пятой позиции. Упражнения развивают «выворотность» в тазобедренном, коленном и голеностопном суставах и является подводящим упражнением для выполнения девелопе.
ДЕЙСТВИЕ
Действие – 1) средство выражения в актёрском искусстве (подобно тому как звук – средство выражения в музыке, цвет – в живописи, слово – в художественной литературе и т. д.). В актёрском иск-ве образ воплощается в Д., совершаемых актёром на спектакле, репетиции, концерте. Специфичность актёрского иск-ва определяется природой Д., как средства воплощения художественного образа. Переживания актёра, исполняющего роль, передаются через его Д. Каждое Д. определяется его целью, оно выражает процесс внутренней психич. жизни человека, но осуществляется телесно, физически, при помощи тех или иных мускульных движений. Поэтому в Д. обнаруживаются цели человека, а вслед за тем раскрывается и его внутр. мир (мировоззрение, мысли, воля, чувства и т. д.).
Среди Д. различают относительно «простые» и относительно «сложные» Д. Простые Д. условно называют иногда «физическими» потому, что простота их психич. содержания делает очевидной их физическую, мышечную природу. Сложные Д. условно называют «психологическими».
2) В драматургии под Д. понимается развитие событий.
3) Законченная часть пьесы и спектакля (драматич., оперного, балетного). В зависимости от сложности и длительности воплощаемых событий пьеса и спектакль делятся на то или иное число актов, или Д. В каждом из них начинается и завершается определённое звено событий пьесы. В первом Д. обычно дана экспозиция и происходит завязка, в последнем – развязка. В завязке начинается та борьба между действующими лицами, к-рая так или иначе завершается в развязке. Каждое из промежуточных Д. (между первым и последним) заключает в себе целостный этап этой борьбы: включение в борьбу новых сил, переход инициативы от одних к другим, смену условий, в к-рых находятся гл. персонажи (действующие лица), возникновение и преодоление препятствий на пути героя к его цели и т. д. Деление пьесы на акты, или Д., связано с композицией драмы, её стилем и жанром.
ДЕЙСТВУЮЩЕЕ ЛИЦО
Действующее лицо – персонаж (лицо), участвующий в пьесе.
ДЕКАДАНС
Декаданс (от лат. decadentia – упадок) — направление в культуре и творчестве рубежа XIX-XX веков, связанное со специфическим умонастроением, культом угасания, меланхолии, бессилия или даже отстраненности, разочарования жизнью. Это особое мироощущение и определенное духовное состояние. Постоянными темами являются мотивы небытия и смерти, тоска по духовным ценностям и идеалам. Внутренний мир человека, эмоциональные переживания, безысходность и утонченный индивидуализм становятся опорой нового культурного феномена. Характерные черты декаданса: апатия, неприятие жизни, эстетика упадка, культ красоты и мистический эротизм.
Декаданс – это упадок, меланхолия, некая депрессивная нотка, которая отражена в творчестве, будь это поэзия, рисунок, политика и т.д. Это может быть как внутреннее угасание из-за каких либо личных проблем, так и отражение чувств по отношению к внешним факторам (например, ситуации в мире, стране – войны, революции и т.д.). Декаданс – это направление в искусстве, в котором во главу угла стоят красота (искусство ради искусства), личные переживания творца, а не какие-то общественные проблемы, и некоторая аморальность. Еще слово «декаданс» употребляют, когда хотят подчеркнуть чью-то апатичность, депрессивность и т.п.
Каждое направление искусства за время своего существования переживает три стадии развития: рождение, кульминацию и смерть. Смерти (исчезновению) обязательно предшествует стадия «декаданса» – упадка, ослабления, умирания... Когда идеи, питавшие это направление искусства, иссякают, новые формы не рождаются и направление практически исчерпало себя. Это длительный процесс и иногда очень плодотворный. Самым ярким примером может считаться «Русский Декаданс» в литературе. К концу 19 века традиции классического реализма (Пушкин, Лермонтов, Тургенев, Гончаров, Толстой, Достоевский и др.) стали подвергайся ревизии. Публика устала от бесконечного реализма и на сцену стали выползать мистики, эзотерики, акмеисты, символисты, натуралисты, футуристы и ещё десятка два всевозможных «истов». То, что потом назовут «Серебряным Веком» тогда, в момент создания, называли «Декадансом». Это было ругательное слово, но они на него не обижались, а наоборот гордились почётным званием декадента. И именно «декаденты» создали ту великую литературу, которой мы питаемся и по сию пору и гордимся ей перед всем миром.
ДЕКЛАМАЦИЯ
Декламация (от лат. declamatie – упражнение в красноречии) – искусство произнесения стихов или прозы. В Др. Риме Д. – упражнение в красноречии, составлявшем один из важных элементов ораторского иск-ва; во Франции – иск-во произнесения речей, а также стихов на сцене. В классицистич. т-ре 17-18 вв. понятие Д. объединяло всю совокупность средств актёрской игры, включая жест и мимику. Классицизм канонизировал торжественно-приподнятую, напевную, условную манеру сценич. речи, отвечавшую нормам придворного вкуса. Романтизм и реализм отвергли понятие Д., т. к. романтизм провозгласил свободу актёрского вдохновения и чувства; а реализм поставил речь и всё поведение актёра на сцене в зависимость от изображаемого им характера со всеми его индивидуальными и типич. особенностями.
Со временем словом «Д.» стала обозначаться ложная ходульная манера речи.
Разновидность эстрадной Д. мелодекламация – чтение стихов или прозы под музыку, что со временем переросло в рэп.
ДЕКОРАТОР
Декор (франц. decor, от лат. decoro – украшаю) – искусство стиля т.е. одно из средств зрительного объединения в ансамбль отдельных зданий или предметов.
Декоратор – специалист по художественному оформлению и украшению интерьеров помещений: частных домов, театральных спектаклей, съемок, банкетных залов в ресторанах, офисов, бизнес-центров с использованием архитектурных, графических средств, живописи, освещения и постановочной техники.
В театре декоратор – это художник, пишущий декорации, задники к спектаклям и представлениям, оформляющий сцену.
ДЕКОРАЦИЯ
Декорация (фр. decor – украшение, от англ. «decorate» – «украшать», от лат. decoro – украшаю) – живописное, объемное или архитектурное оформление сцены, павильона, съемочной площадки, создающее зрительный образ спектакля, представления, фильма. Декорация — оформление сцены, воссоздающее обстановку действия спектакля, помогающее раскрытию его идейно-художественного замысла. Оформление сцены, воссоздающее материальную среду, в к-рой действует актёр.
Декорации – это композиционно-пространственные сооружения в павильоне или на натуре, создающие образ реальной или выдуманной среды действия на основе сценария и режиссерского замысла.
Декорации создаются в соответствии с творческим замыслом художника-постановщика фильма.
Значение декорации трудно переоценить. Декорация – одно из важнейших выразительных средств, посредством которого создается атмосфера представления, спектакля. Посредством декорации передается эпоха и время действия.
Основные системы Д.:
1) кулисная передвижная, 2) кулисно-арочная подъёмная, 3) павильонная, 4) объёмная и 5) проекционная. Возникновение, развитие каждой системы Д. и смена её другой обусловливались конкретными требованиями драматургии, театр. эстетики, соответствующей истории эпохи, а также ростом науки и техники.
ДЕКОРАЦИОННОЕ ИСКУССТВО
Декорационное искусство – искусство создания зрительного образа спектакля посредством декораций и костюмов, освещения и постановочной техники. Все эти изобразит, средства воздействия являются органич. компонентами театрального представления, способствуют раскрытию его содержания, сообщают ему определённое эмоциональное звучание. Развитие Д. и. тесно связано с развитием т-ра и драматургии.
В создании декорационного оформления участвуют многие виды искусств: архитектура, скульптура, живопись, художественное сценическое освещение.
Сегодня декорационное искусство, создание сценической обстановки, стали называть сценографией.
ДЕКОРАЦИЯ КИНОТЕАТРАЛЬНАЯ
Декорация кинотеатральная (лат. decoro – украшаю) – это оформление сцены и спектакля художником, общий вид места действия. Художественное оформление места действия на театральной сцене, помогающее раскрытию его идейно-художественного замысла. В современном театре декорации готовят с помощью разнообразных художественных и технических средств — живописи, графики, скульптуры, света, проекционной и лазерной техники, кино и т. п.
Мост на сцене
Однажды, когда мне было лет шесть , мы гуляли с отцом по Ленинграду. И вдруг, проходя со мной по площади Островского, отец спросил:
– Хочешь на минуту зайти в театр?
Я еще никогда в жизни не бывал в театре, и мой ответ угадать нетрудно. Мы вошли в ложу, когда действие уже давно началось.
Глубоко подо мной чернела тонувшая во мраке бездна. Постепенно глаза привыкли к полумраку, и я увидел огромный, заполненный зрителями театр, слабо освещенную сцену, а на ней – грандиозных размеров мост, перекинутый под косым углом из одного конца сцены в другой. Он был залит лунным светом, а около него, у насыпи, переговаривались какие-то люди.
Став взрослым, я понял, что видел тогда сцену из третьего действия спектакля «Бронепоезд 14-69», поставленного по классической пьесе советского прозаика и драматурга Всеволода Вячеславовича Иванова. Действие этой пьесы, написанной в 1927 году, происходит во время гражданской войны. Партизанский отряд решает остановить бронепоезд белых, захватить его, а потом направить против самих же белых полков.
Но как остановить поезд?
Кто-то вспомнил правило: если на рельсах лежит мертвое тело – машинист обязан остановиться. Изобразить мертвое тело и предстояло кому-то из партизан. Поезд решили задержать перед мостом, переброшенным через таежную реку.
Замечательная, запавшая мне в память декорация была построена на сцене по эскизам и рисункам прекрасного театрального художника, а впоследствии и режиссера Николая Павловича Акимова (1901–1968). Эта декорация стала моим первым сильным впечатлением, подаренным мне театром.
Современное театрально-декорационное искусство развивается бурно, ярко. Множество талантливых художников театра украсили его своим мастерством и фантазией. Это искусство давно завоевало международный авторитет.
ДЖАЗ
Джаз (англ. jazz) — форма музыкального искусства. Это импровизационный жанр, появившийся в результате смешивания западноевропейской и западноафриканской музыки. В нем тесно переплетаются ритмы, обрядовые песнопения и рабочие песни афроамериканцев, а также гармоническая составляющая, присущая музыке белых переселенцев.
Это направление в музыке, которое возникло в США в самом начале XX века. Зарождение джаза, как музыкального течения, произошло в Соединённых Штатах в конце XIX века, однако его истоки следует искать далеко от Америки – на африканском континенте.
Самая важная его особенность – это импровизация. Музыканты должны уметь импровизировать как в оркестре, так и соло. Еще одна не менее значимая черта – полиритмия. Ритмическая свобода, пожалуй, это главнейший признак джазовой музыки. Именно такая независимость вызывает у музыкантов ощущение невесомости и непрерывного движения вперед. Кажется, что исполнители непринуждённо наигрывают какую-то чудесную и приятную на слух мелодию, никаких строгих рамок, как в классической музыке, только удивительная легкость и расслабленность. Конечно, в джазовых произведениях, как и в классических, есть свои правила, однако, благодаря синкопированному мелодизму и особому ритму, который называется свинг (от англ. качание) и возникает такое необычайное ощущение свободы.
Что еще важно? Бит, то есть регулярная пульсация.
ДЖАЗОВЫЙ ВОКАЛ
Джазовый вокал – произошел от народных вокальных традиций афроамериканцев и блюза. Вокал в джазе определяется индивидуальными особенностями голоса джаз-вокалиста. К таким особенностям можно отнести следующее: манера джазового исполнения, определенные вокальные тембры, уникальные тональные качества голоса. Неотъемлемая часть джаза – это импровизация.
Джазовый вокал – подразумевает идеальное чувство ритма и гармонии, а так же подвижность голоса и умение импровизировать. В джазовом пении необходимо чувствовать форму произведения, уметь преподнести своё понимание мелодической темы, видоизменяя её но, не покидая нужной гармонии. Так же важно чуткое партнёрство музыкантов, умение импровизировать на ходу.
Также используются вокальные приемы, такие как: шаутинг, дёрти-тоны, бендинг, глиссандо, вибрации, фальцет, шепота или резкое форсирование нот и др. Джаз и соул – это, по сути, народное африканское пение, которое синтезировалось с европейской культурой и постепенно приобрело то звучание, которое мы знаем. Во времена особой популярности джаза, в 20-х годах, этот стиль считался поп-музыкой.
ДЖАЗОВЫЙ ТАНЕЦ
Джазовый танец — это ритм и техническое мастерство. Джазовый танец — танец эмоций, ярких форм, танец энергии и силы. Джаз танец уничтожает границы в танцевальном искусстве, соединяя воедино все стили, формы и направления. Он применим и в сценическом варианте, и в бытовом танце.
Джазовый танец используется в шоу и ревю, в мюзиклах и кинематографе, в варьете и драматических спектаклях. Это происходит потому, что джазовый танец по своей природе — дивертисментный, он рассчитан на внешнее восприятие, без излишней интеллектуальной подоплеки, без включения подсознания. Ему чужды идеи и философия танца модерн или изысканная романтичность и возвышенность классического балета.
Художественная особенность джазового танца — совершенная свобода движений всего тела танцора и отдельных частей тела, как по горизонтали, так и по вертикали сценического пространства. в отличие от классики и модерна, джаз невозможен без яркого выражения эмоций исполнителя на сцене, и эти эмоции в большей степени зависят не от идеи или сюжета, как в классике или танце модерн, а от телесных ощущений танцовщика при исполнении заданной хореографом формы. четыре направления, в которых развивается джазовый танец.
Первое — танец театральный, танец, органически соединяемый с вокалом и актерской игрой, в основном он используется в мюзиклах.
Второе направление — танец концертный, тесно связанный с миром шоу-бизнеса и прежде всего с популярной музыкой. Сегодня практически все поп-певцы выступают вместе с танцевальной группой, но манера танца «бэк-балета» зависит от стиля музыкального произведения, исполняемого певцом. Поэтому хореографы используют в своих постановках не только классический джаз, но и его соединения с различными стилями бытового танца.
Третье направление, в котором джазовый танец представлен наиболее близко к его историческим корням, — это сценические спектакли, в которых используется лексика джазового танца.
Четвертое направление — бытовой или «социальный танец».
Появилось множество стилей джазового танца, среди которых мы можем выделить:
– Мюзикл-джаз или модерн джаз.
– Афроджаз — это попытка соединить джаз сегодняшний с его африканскими корнями. Различие заключается в том, что африканский фольклорный танец несет в себе большую функциональную нагрузку и не столь виртуозен, как его нынешняя интерпретация.
– Самое виртуозное и яркое направление в джаз танце — это стиль флэш. Само название (в переводе «вспышка») говорит о том, что это нечто виртуозное. Исполнителей этого стиля отличает силовая выносливость, необычайная внутренняя энергетика, мгновенность переходов танцевальных па, сложность исполнения танцевальных и акробатических трюков.
– Более всего джаз в его первоначальном виде выражен в стритджазе или фанки-джазе.
– Все современные молодежные направления танца: брейк, хаус, тиктоник — это проявления джазового танца в социальном танце.
– Еще одно направление — соул или блюз-джаз. Это название распространено в основном среди вокалистов как музыкальное направление, а в танцевальном варианте характеризуется большим количеством движений на единицу темпа, выполняемых очень мягко, без видимого напряжения.
– Фолк-джаз. К этому направлению относятся не только афроджаз и «латина», но и многое другое.
ДИАЛОГ
Диалог (гр. – разговор двоих, собеседование) – форма театрального действия, представляющая собой разговор между двумя актерами, обмен репликами. В переносном смысле выражение можно употреблять как переговоры, свободный обмен мнениями.
Слово диалог происходит от греческого – разговор.
Разговор, какой случается в жизни на каждом шагу, еще не театральный диалог. Допустим, двое из вас спорят о том, будет ли завтра в школе урок литературы, или он не состоится из-за болезни учительницы. Вы можете спорить об этом хоть битый час – все равно театрального, драматического диалога между вами не произойдет.
Театральный диалог строится на основе явного или скрытого конфликта между двумя людьми. Вернемся для простоты примера к вашему воображаемому спору. Так вот, если один из вас хочет непременно взять верх над другим и для этого стремится затронуть какую-то черту характера другого, его слабое место, – тогда ситуация меняется. Ну скажем, один из спорщиков станет иронизировать над другим: и всегда-то ты ничего не помнишь, не знаешь, вечно у тебя ветер в голове, на тебя нельзя положиться, тебе нельзя довериться, если такой простой вещи не знаешь... Вот вам и зародыш конфликта. Тот, к кому обращены все эти упреки, чувствует себя задетым, обиженным, он сердится, злится, начинает отвечать резко. Такой диалог может прозвучать и в пьесе. Потому что каждый персонаж через спор на любую, даже совсем незначительную тему обнаруживает, тем не менее, свой характер.
«Ведь все-таки я волшебник!..»
Вот пример диалога из пьесы-сказки Евгения Львовича Шварца (1896—1958) «Обыкновенное чудо» (1956) – самое начало пьесы.

Хозяйка. Что ты натворил нынче утром в курятнике?
Хозяин. Так ведь я это любя!
Хозяйка. Спасибо тебе за такую любовь. Открываю курятник, и вдруг – здравствуйте! У всех моих цыплят по четыре лапки...
Хозяин. Ну что тут обидного?
Хозяйка. А у курицы усы, как у солдата... Кто обещал исправиться? Кто обещал жить, как все?
Хозяин. Ну, дорогая, ну, милая, ну прости меня! Что уж тут поделаешь... Ведь все-таки я волшебник!..
Слушая этот диалог, зрители начинают догадываться о содержании всего предстоящего спектакля. В разговоре между Хозяйкой и Хозяином заложено его зерно. Мы понимаем, что Хозяин и дальше будет творить всякие волшебные превращения. Что Хозяйка будет упрекать его, сердиться на него, но все это не поможет. Что, любя мужа, Хозяйка сердится не очень серьезно, заранее прощая ему все его проказы.
Видите, как много вмещает в себя короткий театральный диалог.
ДИАПАЗОН
Диапазон – звуковой объём голоса, определяющийся интервалом между самым низким и самым высоким звуками, которые могут быть изданы данным голосом. Диапазон – это очень важная характеристика певческого голоса, хорошим считается диапазон, равный 2-м октавам.
ДИВЕРТИСМЕНТ
Дивертисмент (фр. – увеселения, развлечения) – театральное представление, состоящее из различных мелких эстрадных номеров и даваемое в дополнение к главному представлению.
ДИКЦИЯ
Дикция – произношение, степень отчётливости в произношении слов и слогов в речи, пении, декламации.
ДИРИЖЁР
Дирижёр (от фр. diriger — управлять, направлять, руководить) — руководитель разучивания и исполнения ансамблевой (оркестровой, хоровой, оперной и т. д.) музыки, которому принадлежит художественная трактовка произведения, осуществляемая под его управлением всем ансамблем исполнителей.
Наверное, все когда-то задумывались: а зачем вообще нужен дирижер? Ведь если артисты оркестра – достаточно опытные музыканты, то неужели они сами, без всякого дирижера не могут сыграть оркестровое произведение? Ведь перед ними лежат ноты. Некоторые даже подглядывают за музыкантами: а смотрят ли они вообще на дирижера?.. Оказалось, что думать так нелепо – все равно что предполагать, будто драматический, оперный или балетный спектакль можно поставить без режиссера.
Слова дирижер, дирижировать происходят от немецких и французских слов, которые в оригинале означают направлять, управлять, руководить.
Именно дирижер необходим для того, чтобы оркестранты играли стройно, в нужном темпе и ритме, как единый ансамбль. Но, пожалуй, главное – в другом. Дирижер определяет трактовку – настроение музыкальной вещи, раскрытие творческого замысла композитора, собственное понимание произведения. Танцевальную мелодию, например, можно исполнять быстро и беспечно, а можно медленно и немного грустно, меланхолично. По воле дирижера можно выделить, как главное, звучание той или иной группы инструментов: струнных, духовых или ударных. От этого, естественно, меняется характер музыки. Таким образом дирижер в известном смысле становится соавтором композитора – выбирает стиль исполнения.
В начале 19-ого века считалось неприличным, чтобы дирижер стоял к публике спиной. И ему приходилось стоять спиной к музыкантам. Дирижировать так, конечно, было неудобно. Лишь позднее дирижеры повернулись лицом к оркестру.
Дирижер необходим не только в оперном и балетном театре, на эстраде, но и в драматическом театре, где спектакль нередко сопровождается музыкой.
ДИ;СКАНТ
Ди;скант (ср.-век. лат. discantus, от дис... и лат. cantus – пение, напев) – 1) техника многоголосной композиции в музыке 12–15 вв. От органума нач. 12 в. отличался гл. обр. точной метрич. выверенностью (мензурацией) всех голосов и созвучий. Первоначально термин обозначал двухголосие в синхронном ритме («нота против ноты») и преим. с противоположным движением голосов. В 14 в. (у учеников Филиппа де Витри и Иоанна де Муриса) техника Д. включается в понятие контрапункт. В нач. 15 в. возник т. н. англ. Д. (с параллельными терциями, секстами). – 2) Высокий детский певческий голос, а также исполняемая им партия (в хоре либо соло). Диапазон от «до» первой до «ля» второй октавы. – 3) Верхний голос многоголосной муз. фактуры (в 4-голосном изложении обычно называется сопрано). – 4) В музыке 16–17 вв. наименование самого высокого инструмента в семействе (напр., Д.-виола, Д.-тромбон). – 5) Один из регистров органа.
ДОКТОР ФАУСТ
Доктор Фауст – один из величайших сюжетов, созданных человечеством. В 1587 году в Германии появилась народная книга И. Шписа «История о докторе Иоганне Фаусте, знаменитом чародее и чернокнижнике», и почти одновременно на ярмарках Франкфурта-на-Майне странствующие кукольники стали играть спектакль «Чудесные и печальные истории доктора Фауста – чернокнижника из Виттенберга». Представление, так же как и книга, сразу стало «бестселлером». Кукольный «Фауст» ураганом пронесся по Западной Европе, а в начале XVIII века появился в России. Сюжет стал необыкновенно популярным, и уже через год после появления книги Шписа английский поэт и драматург Кристофер Марло написал «Трагическую историю доктора Фауста», которая сразу же стала играться на драматической и кукольной сценах Англии.
 Обогащенный мастерством драматурга, кукольный «Фауст» вернулся в Германию и Австрию вместе с бродячими английскими кукольниками. (А заодно завоевал и всю Европу.) Вернувшись, кукольный «Фауст» продолжал изменяться. Драматурги и кукольники того времени привнесли в него немало новых сцен и одного из новых героев – Гансвурста (см. «Гансвурст»).
Кукольные комедии о докторе Фаусте послужили для многих писателей основой их версий и литературных фантазий на эту тему. Так, например, встретились с кукольным театром Лессинг и Гете, и встреча эта принесла известные всем плоды.
 Готхольд Эфраим Лессинг (1729–1781), немецкий писатель, много лет лелеял мечту написать собственного «Фауста». В его библиотеке было несколько рукописей с текстами кукольных представлений о виттенбергском чернокнижнике. Несколько раз он приступал к работе. Сохранились отдельные сцены, план пролога и первого действия. Но рукопись потерял кучер, который должен был доставить ее в Лейпциг одному из родственников писателя.
Иоганн Вольфганг Гете (1749–1832) впервые встретился с кукольным театром еще ребенком на Рождество, когда бабушка подарила ему набор марионеток (см. «Марионетка»). Мальчишка превратился в заядлого кукольника и показывал собственные кукольные спектакли. Для будущего титана мировой культуры театр марионеток был первой школой литературы, ораторского искусства, драматургии. Наконец «Фауст» – кукольная комедия, которую знали все, которая игралась в каждом немецком городе и прошла путь от Лондона до Москвы, – стала лейтмотивом жизни Гете.
 «…Идея этой кукольной пьесы, – писал он, – звенела и пела во мне на все лады, она повсюду была со мной… и была моим наслаждением в часы одиночества». Гете написал своего «Фауста», ставшего одним из самых великих произведений, созданных человечеством. И кукольный театр сыграл в этом не последнюю роль.
ДОКУМЕНТАЛЬНОЕ КИНО
Это вид киноискусства, основанный на съемках подлинных жизненных фактов, событий и явлений. Можно сказать, сама история киноискусства началась с документального кино, поскольку первые фильмы братьев Люмьер (1895) представляли собой не что иное, как хроникальный репортаж, запечатлевший прибытие поезда, выход рабочих с фабрики и т. д.
ДРАМА
Драма в переводе с греческого – совершающееся действие. Драма относится одновременно к двум искусствам: театру и литературе. Понятие это очень сложное. И объяснить его не так-то просто.
Драма – один из главных терминов театрального искусства.
Драма (гр. – действие) это:
– (в узком смысле) – один из трёх основных родов художественной литературы (наряду с эпосом и лирикой),
– а также литературное произведение в форме диалогов и монологов (драматургия), предназначенное для исполнения на сцене.
Можно сказать и так. Литература делится на три основных раздела (жанра): проза, поэзия и драма. В данном случае под словом драма подразумевается вообще всякая пьеса – трагедия, комедия, водевиль.
Драма – основной жанр в драматическом театре. Ведущие жанры драмы: трагедия, комедия, трагикомедия. Главные черты драмы – не только отсутствие авторского текста, описательного материала, но и ярко выраженные характеры действующих лиц.
Драма - род литературных произведений, написанных в диалогической форме и предназначенных для исполнения актёрами на сцене
Драма с одним действием называлась простою, а с двумя и более - сложною. В начале драмы излагаются действия идущие от причин к последствиям, потому что они даны в характерах героев и их положении. В конце следуют окончательные последствия - это развязка. Средний момент, когда происходит перемена к лучшему или худшему. Эти три части могут быть обозначены в виде особых отделов (акты или действия).
Конфликты и характеры
Пружиной действия в драме обязательно становится конфликт. В «Горе от ума», например, разыгрывается конфликт между Чацким и московским обществом того времени, людьми, не способными Чацкого понять. Они высмеивают его и в конце концов объявляют сумасшедшим.
Пьеса, будь то серьезная драма или комедия, – самая трудная форма литературы, говорил Алексей Максимович Горький. Потому что каждое действующее лицо должно быть понятно зрителю только в результате его поступков и его слов. Автор ничего от себя прибавить здесь не может. Кто такой Хлестаков в «Ревизоре», мы понимаем довольно быстро благодаря его поведению, высказываниям, поступкам. Гоголь нам не объясняет, что это за человек.
Иное дело – в романе, в рассказе, в поэме. Люди, изображаемые автором, действуют как бы при его помощи, писатель подсказывает читателю, как понимать его героя, как его оценивать, раскрывает самые тайные, самые заветные мысли персонажа, рассказывает о его настроении. Даже описание природы помогает писателю ввести нас в круг мыслей и чувств героев.
Пьеса не допускает такого вмешательства автора. Никаких описаний природы, настроений, чувств здесь нет. Действующее лицо должно действовать и говорить. Таковы законы и признаки драмы. Само слово в драме становится действием. Покажу вам это на примере.
В четвертом действии «Ревизора», как вы, наверное, помните, на поклон к Хлестакову входят по очереди чиновники. И каждому из них Хлестаков говорит почти одни и те же слова.
Аммосу Федоровичу Ляпкину-Тяпкину, судье:
– Я, знаете, в дороге издержался: то да сё...
Шпекину, почтмейстеру:
– Какой странный со мной случай: в дороге совершенно издержался...
Луке Лукичу, смотрителю училищ:
– Вот со мной престранный случай: в дороге совсем издержался...
Обратили внимание? Почти слово в слово одна и та же фраза. Но разве в ней – всего лишь информация о том, что человек остался без денег? Нет, конечно. Прямой смысл слов здесь почти ничего не означает. Повторяемая фраза Хлестакова – активнейшее действие, направленное к тому, чтобы выманить деньги у глупых, трусливых и доверчивых чиновников.
Надеюсь, вы поняли теперь, каковы особенности драмы и чем она отличается от прозы и поэзии.
Но есть и более узкое значение слова драма. Так называют пьесу о судьбе одного или нескольких человек: в отличие от комедии – более серьезную.
ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР
Драмати;ческий театр — один из основных видов театра, наряду с оперным и балетным творчеством, театром кукол и пантомимой. В отличие от оперного и балетного театров, где основой представления является музыкально-драматическое произведение — опера, балет, оперетта, — спектакль в драматическом театре всё основывается на литературном произведении — драме или сценарии, предполагающем импровизацию.
В драматическом театре действие и содержание того, что происходит на сцене, передается прежде всего словом.
ДРАМАТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО
Драматическое искусство – это сосредоточение мысли, концентрация внимания на каком-либо объекте, осуществляемая в состоянии гетерономного (подчинение своей воли какой-либо извне данной норме, в нашем случае динамичной форме – действию) погружения в саспенс (тревожное ожидание, стоит понимать как просто любое ожидание).
ДРАМАТУРГ
Драматург – писатель, автор пьес, написанных для театра. Писатель, создающий драматические произведения, пьесы.
ДРАМАТУРГИЯ
Драматурги;я (от др.-греч. ;;;;;;;;;;;; «сочинение или постановка драматических произведений») — теория и искусство построения драматического произведения, а также сюжетно-образная концепция такого произведения.
Драматургия, драматический – эти слова образованы от слова драма.
Драматургия (гр. – теория) – искусство сочинения драмы. Пьеса или произведение литературы, переделанное для постановки в театре.
Драматургия, драма (греческое drama — действие) — наряду с эпосом и лирикой один из трех родов художественной литературы. Включает произведения, предназначенные для сценического воплощения и относящиеся к различным жанрам (трагедия, комедия, драма, мелодрама, водевиль, фарс).
Драматургия - теория и искусство построения драматического произведения, а также сюжетно-образная концепция такого произведения.
Драматургия - это последовательность событий в спектакле, литературном произведении, кинофильме и т.п., раскрывающаяся в их изменении, а также в развитии различных образов, их сравнении и противопоставлении. Определенная последовательность этапов сценического действия — экспозиция, завязка, развитие, кульминация, развязка — позволяет раскрыть жизненные ситуации, взаимоотношения людей в самые разные моменты их жизни, «перенести» зрителей-слушателей в различные исторические эпохи, страны, в реальную жизнь и в сказку.
В драматургии необходимо единство действия. Оно определяется не только из моментов, следующих друг за другом, но и обусловливающих друг друга как причины и следствия. Лишь только в этом случае в зрителе получается полная иллюзия совершающегося действия на его глазах, лишь только тогда зритель сможет почувствовать всё как наяву.
Словом драматургия обозначают вид (жанр) творчества драматурга.
Драматургией называют также совокупность драматических произведений отдельного писателя, страны или народа, эпохи.
Этим же термином можно обозначить сумму пьес целого народа или эпохи. Например: драматургия Л. Н. Островского; современная английская драматургия; советская драматургия 80-х годов 20-го века.
Произведения этого вида литературы не обязательно видеть на сцене. При желании пьесы можно читать как и художественную книгу, кроме того они нередко публикуются в журналах и сборниках. А шедевры классиков мировой драматургии даже лучше сначала прочитать.
Греки подарили миру и новый вид литературы – драматургию, литературу для сцены. Навсегда остались знаменитыми пьесы, написанные в V и IV веках до нашей эры драматургами Эсхилом, Софоклом, Еврипидом и Аристофаном.
Драматургия в России возникает с учреждения светского придворного театра царя Алексея Михайловича. Первые пьесы русского театра представляли собой драмы, близкие к жанру так называемых “английских” комедий, разыгрываемых в Германии XVII в. Понимание основных элементов драматического произведения и принципов драматургии исторически изменчивы. Драма объяснялась как действие, совершающееся при взаимодействии характера и внешнего положения действующих лиц. Оно представляло собой известную перемену в известный промежуток времени. Этим изменениям в драматургии соответствуют перемены судьбы: радость в комедии и печаль в трагедии. Промежуток времени может охватывать несколько часов или многие годы.

 
В. Шекспир

Если попробовать создать карту Земли, только не политическую и не физическую, а театральную, то одной из главных исторических столиц на ней следовало бы обозначить маленький английский город Стратфорд-он-Эйвон: здесь в 1564 год родился, был крещен, и в 1616 году умер Вильям Шекспир.
Этот гениальный человек совмещал в себе величайшего драматурга, поэта, актера и организатора театрального дела.
Шекспир написал без малого сорок трагедий, комедий, исторических пьес. Они навсегда остались богатством и гордостью мировой культуры. Самые знаменитые из них – «Ромео и Джульетта» (1595), «Гамлет» (1601), «Отелло» (1604), «Король Лир» (1605), «Макбет» (1606).
В этих и других пьесах Шекспир воспользовался лучшими достижениями и чертами античного, то есть древнегреческого и древнеримского театра: показал на сцене большие чувства, сильные человеческие страсти. А великое сценическое открытие самого Шекспира состояло в том, что он первым показал на подмостках театра не только страсти, но и характеры действующих лиц. У него чувства героя всегда сочетаются с чертами его характера. Гамлет, например, способен на смелые и благородные поступки, но долго колеблется. Отелло, наоборот, слишком торопится поверить в виновность своей жены, Дездемоны. Король Лир поддается необузданному гневу и перестает понимать, кто из дочерей ему действительно предан: на него нападает душевная слепота. Макбет становится жертвой своего честолюбия. А мужественного полководца Кориолана губят его гордость и презрение к народу.
Шекспир первым вывел на сцену реальные эпизоды истории человечества и осветил важную роль народа на исторических поворотах.
Величайшие актеры и режиссеры мира прославились в постановках шекспировских пьес, в ролях шекспировских героев. И многим это еще, несомненно, предстоит.

 
Ж. Мольер

Семнадцатый век необычайно обогатил мировую сцену. Во Франции появился свой великий драматург – Жан Батист Мольер (его настоящая фамилия – Поклен) (1622-1673). Как и Шекспир, Мольер был не только драматургом, но и актером, а также создателем своего театра, коллектива актеров. Многие роли в своих комедиях он играл сам. Наиболее известные его комедии – «Тартюф» (1669), «Мещанин во дворянстве» (1670). В них Мольер высмеял эгоизм, себялюбие, духовную пустоту, особенно когда они прикрываются механической обрядностью и напускным благочестием, ложной скромностью, лицемерием.
Долгое время колесил Мольер со своей бродячей труппой актеров по дорогам Франции, терпя нужду и лишения. Но он стойко переносил трудности. И хотел только одного – играть! Смело давал он представления и в деревенском сарае, и в покоях короля. И всюду, веселя и поучая зрителей, выходили на первый план дерзкие, умные и веселые слуги. Искусство Мольера было близко народу, сродни его жизни и заботам. Лев Толстой писал: «Мольер едва ли не самый всенародный и потому прекрасный художник».

 
Лопе де Вега

Не могу не рассказать вам еще об одном драматурге – гении испанской литературы и театра Лопе де Вега. «Чудом природы» назвал его автор «Дон Кихота» Сервантес. И не зря: Лопе де Вега сочинил... 2200 пьес!
К тому же все они написаны великолепными стихами! Один из биографов Лопе де Вега подсчитал, что великий испанец оставил после себя более... двадцати миллионов стихотворных строк! Некоторые специалисты утверждают, что подобная продуктивность просто физически невозможна. Но даже если допустить, что в приведенных цифрах есть небольшое преувеличение, все же гений драматурга и поэта – бесспорен.
Такое творческое чудо можно объяснить только тем, что будущий писатель с детства обладал талантом импровизировать, то есть придумывать тут же, мгновенно, на ходу. Мальчик начал сочинять стихи в пятилетнем возрасте, еще не умея читать и писать. И отдавал свои завтраки старшим товарищам за то, что они, едва успевая, заносили на бумагу моментально рождавшиеся у него строки. В тринадцать лет Лопе сочинил свою первую комедию.
Став драматургом, Лопе де Вега создал новый вид комедии, где веселое соседствует с печальным, серьезное – с шутливым. Он написал даже специальную поэму о судьбе испанского национального театра – «Новое искусство писать комедии в наше время». В ней утверждается мысль, что пьесы должны писаться «правдоподобно» и обращаться к народному зрителю.
Наиболее знаменитая пьеса Лопе де Вега – «Овечий источник» (другое ее название– «Фуэнте овехуна»). Сочинена она в 1612 –1613 годах. А сюжет ее таков. Королевские вельможи притесняют крестьян, оскорбляют и пытают их. И тогда крестьяне поднимаются на защиту своей чести, достоинства и свободы. В центре событий – молодая крестьянская девушка по имени Лауренсия. Она оказывается смелее и решительнее многих мужчин.
Вереницу веселых пьес с искусно построенной интригой, сочиненных Лопе де Вега и некоторыми другими его современниками, называют комедиями «плаща и шпаги». Их основные сюжеты вращаются вокруг оскорбленного чувства дворянской, рыцарской чести, а действие развивается быстро, напряженно, стремительно. Мужчины в этих пьесах часто хватаются за шпаги, откидывая романтические театральные плащи. Разумеется, демонстрация несдержанности эмоций, неумения владеть собой в стрессовых обстоятельствах, а так же грех человекоубийства должен осуждаться.
Еще раз напомню: пьесы Лопе де Вега написаны искрометными стихами. Чтобы вы получили хоть какое– то представление о них, приведу монолог из комедии «Собака на сене» – в блестящем переводе на русский язык поэта и переводчика М. Л. Лозинского (1886—1955); именно он подарил всем русскоговорящим зрителям радость встречи с великим испанским драматургом.
Итак, служанка Марсела просит слугу Тристана сказать его хозяину, что... Тристан перебивает ее:
Скажи сама.
Я – подпись этого письма,
Я – ножны этого кинжала,
Я – рукоятка этой шпаги,
Я – камень этого забора,
Я – пляска этого танцора,
Я – обувь этого бродяги,
Я – только дышло этой фуры,
Я – только цифра этой сметы,
Я – только хвост его кометы,
Я – только тень его фигуры,
Короче – я давным-давно
На этом пальце только ноготь,
И я прошу меня не трогать,
Пока мы вместе с ним одно.
Наиболее знаменитые пьесы Лопе де Вега много раз ставились на российской и советской сцене: «Овечий источник», «Валенсианская вдова», «Девушка с кувшином».

Одним из первых выпускников Московского университета был дворянин Денис Иванович Фонвизин (Фон-Визин, фон Ви;зен) (1744-1792). В 1781 году он написал комедию «Недоросль». Главная мысль пьесы – забота о воспитании молодого поколения российских дворян.

 
Д. И. Фонвизин

Жестокие и малограмотные помещики выставлены в комедии на всеобщее осмеяние. А осмеяние – дело нешуточное (вы, может быть, знаете это по себе). Позднее, в середине XIX века, об этом прекрасно скажет великий мастер сатиры Николай Васильевич Гоголь: «Смех – великое дело: он не отнимает ни жизни, ни имения, но перед ним виновный – как связанный заяц». (Слово «имение» означает в данном случае всякую недвижимую собственность). «Недоросль» стал классикой российской драматургии.

 
А. С. Пушкин

Однако главное в театральном наследии великого поэта – его пьесы. Поговорим подробнее хотя бы об одной из «Маленьких трагедий» – о «Моцарте и Сальери».
На первый, поверхностный, взгляд, эта небольшая пьеса – произведение вроде бы историческое. Потому что и Моцарт, и Сальери – реально существовавшие композиторы конца XVIII века. В основу пушкинского сюжета положена легенда о том, что Сальери будто бы из зависти отравил Моцарта. В те годы эта легенда была еще совсем «молодой» и казалась вполне правдоподобной.
Легенды часто надолго переживают тех, кто стал их героем, и еще многие годы тревожат умы исследователей и потомков. Так случилось и на этот раз. Музыковеды разных стран мира вот уже более 220 лет, прошедшие со дня смерти Моцарта, время от времени возвращаются к спору о том, был ли композитор Антонио Сальери его убийцей.
Современные биографы Моцарта, в их числе и российские ученые, в подавляющем большинстве придерживаются мнения, что легенда эта не подкреплена историческими документами, не основана на серьезных доказательствах и потому не может быть признана фактом. И Сальери, очевидно, неповинен в убийстве. Да, верно: он отравил жизнь Моцарта – но не ядом, а жгучей многолетней завистью к более молодому гениальному собрату по искусству. (Интересно, что первоначальное название этой пушкинской пьесы – «Зависть» взято за основу как 2-я по важности, после убийства, Заповедь Божья: «Не завидуй»).
Исследование тяжкого человеческого порока и греха – зависти – и лежит в основе пушкинской трагедии. Её действующие лица – не исторические Моцарт и Сальери, не реальные композиторы, а выразители двух противоположных характеров. Моцарт – беззаботный, добрый, веселый человек и, что особенно важно для Пушкина, – гений, а гению труд и творчество обычно даются легко, музыка его рождается свободно. Сальери – одаренный труженик, ремесленник (в хорошем, а не ругательном смысле этого слова), мастер. Недостаток таланта ему приходится восполнять кропотливым, изнурительным трудом. Но и такой труд не позволяет ему подняться на те высоты, где легко и свободно царствует волшебная музыка Моцарта.
Пушкин писал не ученый трактат, а пьесу. Поэтому его, прежде всего, интересовали характеры героев, их душевное состояние, их тайные чувства и явные поступки. Поэт ставит перед читателями и зрителями важные вопросы: совместимы ли гений и злодейство? И кто такой – злодей? Обязательно ли грубый, жестокий, зачерствевший во зле преступник, или человек, способный на сильные, даже светлые чувства, но скованный тяжким пленом греха жестокой зависти?
Поэт отвечает на эти вопросы образом Сальери. Моцарт играет другу свое последнее сочинение – Реквием (так называют музыкальное произведение траурного характера для оркестра и хора). Сальери взволнован, он плачет.
Моцарт
Ты плачешь?
Сальери
Эти слезы
Впервые лью: и больно, и приятно,
Как будто тяжкий совершил я долг,
Как будто нож целебный мне отсек
Страдавший член! Друг Моцарт, эти слезы...
Не замечай их. Продолжай, спеши
Еще наполнить звуками мне душу...
Моцарт
Когда бы все так чувствовали силу
Гармонии!..
Сальери у Пушкина наделен способностью тонко и глубоко чувствовать, его бессметная душа открыта прекрасному. Но злой и низкий грех зависти побуждает его опустить в стакан Моцарта яд...
Сражаться с завистью мы продолжаем и сегодня, поскольку это один из страшных смертных грехов.
Великим людям на самом деле приходится намного тяжелее, чем обычным людям. Каждый твой шаг, каждое твое действие не остается не замеченным многочисленной публикой. Далеко не каждый может спокойно жить и работать в такой атмосфере, далеко не каждый может с легким сердцем не обращать внимания на людские пересуды и откровенные сплетни, не замечать чужую враждебную зависть.
Как сказала итальянская актриса Софи Лорен: «Популярность – это так здорово в первые два месяца, и так ужасно тяжело всю оставшуюся жизнь».
«Моцарт и Сальери» – единственная пьеса Пушкина, поставленная при его жизни. Дорога пушкинских сценических созданий к зрителям была долгой и трудной. Такая же судьба постигла и другое великое театральное произведение эпохи – гениальную комедию А. С. Грибоедова «Горе от ума».

 
А. С. Грибоедов

После восстания декабристов цензурные условия в России стали особенно жесткими и непримиримыми. Нередко роль литературного и театрального цензора брал на себя сам император. Пушкину он давал советы, как переделать «Бориса Годунова». А «Горе от ума» разрешил к публикациям в печати только в искаженном цензурой виде. Лишь значительно позднее пьесы Пушкина и Грибоедова смогли попасть на сцену и в печать.
Зато в конце 19-го века «Горе от ума» было напечатано более ста пятидесяти раз!
А на сцене комедия идет постоянно. Это понятно: знать ее должен каждый образованный человек. Ведь добрая половина стихотворных строк «Горя от ума», как и предсказывал Пушкин, стала пословицами, поговорками, крылатыми словами и выражениями.
Мне хочется привести для вас примеры таких крылатых фраз. Но, начав их выписывать, я сам поразился, как их много! Приведу их, расположив, как принято в нашей книге, по алфавиту.
А судьи кто?
Ах! злые языки страшнее пистолета.
Всё врут календари.
Герой не моего романа.
Да, водевиль есть вещь, а прочее всё гиль.
(Слово «гиль» во времена Грибоедова означало: «вздор, чепуха, ерунда».)
Дистанции огромного размера.
Завиральные идеи.
И дым отечества нам сладок и приятен.
Кричали женщины: ура!
И в воздух чепчики бросали!
Не поздоровится от эдаких похвал.
Нельзя ли для прогулок подальше выбрать закоулок?
Ну как не порадеть родному человечку!
Пойду искать по свету, где оскорбленному есть чувству уголок!
Послушай, ври, да знай же меру.
Рассудку вопреки, наперекор стихиям.
С чувством, с толком, с расстановкой.
Свежо предание, а верится с трудом.
Словечка в простоте не скажут, всё с ужимкой.
Служить бы рад, прислуживаться тошно.
Смешенье языков: французского с нижегородским.
Счастливые часов не наблюдают.
Что за комиссия, создатель, быть взрослой дочери отцом!
 
В чем же значение этой великой комедии? Она написана Грибоедовым незадолго до восстания декабристов. А через год после восстания Грибоедова привлекли к суду по подозрению в симпатиях к «мятежникам». Следственной комиссии не удалось доказать участия писателя в заговоре. Ученые, однако, полагают, что это «участие» заложено, зашифровано в строках «Горя от ума». Главный и единственный положительный герой пьесы – Чацкий – в своих смелых и гневных монологах выражает свободолюбивые мысли передовых людей своего времени и самого автора, конечно.
Чацкий бросает свои обвинения в лицо «негодяям знатным», тупым чиновникам, крепостникам, подхалимам. Этого ему не прощают. В одном из писем Грибоедов так сказал о сюжете своей пьесы: «В моей комедии 25 глупцов на одного здравомыслящего человека; и этот человек, разумеется, в противоречии с обществом его окружающим, его никто не понимает, никто простить не хочет, зачем он немножко повыше прочих».

 
Н. В. Гоголь

Первая половина 19-го богата шедеврами драматургии (шедевр – слово, которое еще не раз встретится вам на страницах нашей книги; оно означает произведение, ставшее высшим достижением искусства). В 1836 году в Петербурге впервые прозвучала на сцене комедия Н. В. Гоголя «Ревизор». С тех пор вот уже полтора столетия она остается украшением репертуара любого советского и зарубежного театра.
Придавая театру огромное значение, Гоголь назвал его кафедрой, поднявшись на которую можно многое сделать для людей. Такая «кафедра» должна быть источником добра и воспитания. Таким образом, писатель приравнял театр к школе, к университету. Школой нравов стал и «Ревизор». Сто пятьдесят лет смеются всё новые поколения людей над трусостью, угодничеством, взяточничеством персонажей пьесы, над их глупой доверчивостью, над попытками нерадивых чиновников пускать пыль в глаза вместо того, чтобы честно выполнять свои обязанности.
Интересно отметить, что сюжеты «Ревизора» и «Мертвых душ» дал Гоголю Пушкин. Удивительный пример щедрости гения!

 
Л. Н. Островский

Целую эпоху в культурной жизни России определили пьесы классика нашей драматургии Александра Николаевича Островского (1823–1886). Эта эпоха началась с середины 19-го века, когда молодой тогда драматург написал свою первую пьесу. Многие комедии и драмы Островского впервые были поставлены на сцене Московского Малого театра – старейшего драматического театра Москвы. Ныне его иногда называют «Домом Островского». В течение нескольких десятилетий впервые знакомились здесь зрители с жестокой Кабанихой из «Грозы»; с актерами Счастливцевым и Несчастливцевым из «Леса» – судьба этих сценических персонажей Островского отражает нравы тогдашнего русского провинциального театра; с равнодушной к человеку властью денег и с горячими сердцами скромных и благородных людей – эти сердца оказались сильнее набитых кошельков.
 «Национальный театр, – писал Островский, – есть признак совершеннолетия нации, так же как и академии, университеты, музеи». Видите, как это высказывание совпадает с мыслями Гоголя!
Сколько пьес, шедших в те годы на российской сцене, навсегда забыты! А на спектаклях, поставленных по пьесам А. Н. Островского, зрители и сегодня, в начале 3-го тысячелетия, готовы смеяться и плакать, способны сострадать героям этих пьес, восхищаться виртуозным мастерством драматурга. Островский навсегда останется в репертуаре российского театра.

 
А. М. Горький

Начало 20-го века ознаменовалось на российской сцене появлением и постановками пьес А. М. Горького. Первую из них поставил Художественный театр. Она называется «Мещане». На театральных подмостках, где многие десятилетия фигурировали главным образом дамы и господа из высших слоев общества, впервые появился рабочий – Нил. Обращаясь к публике, он говорил: «Наша возьмет! И на все средства души моей удовлетворю мое желание вмешаться в самую гущу жизни, тому – помешать, этому – помочь... Вот в чем радость жизни».
Говоря в пьесе о мещанстве, о мелком крохоборстве собственников, Горький протестовал и против капиталистической приземленной морали – это она превращает человека в мещанина, злобного обывателя, неспособного на большие чувства и высокие интересы. Человек молится не Богу, а Золотому Тельцу. Материальные потребности затмевают духовные.
В пьесах Горького «На дне», «Дачники», «Враги», «Егор Булычев и другие», «Васса Железнова» с огромной силой зазвучали новые идеи, новые слова, еще никогда не произносившиеся со сцены театра. Монологи горьковских героев дышали революцией.
Писатель и в драматургии стал Буревестником революции.
Именно поэтому в Драматическом театре В. Ф. Комиссаржевской в Петербурге, во время премьер горьковских пьес «Дачники» (1904) и «Дети солнца» (1905), зрители во время действия раскололись на два враждующих лагеря. Партер и ложи превратились в митингующий зал, где бушевали политические страсти. Люди стали задумываться о своем жизненном предназначении.
ДРАМАТУРГИЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ
Драматургия музыкальная – система выразит. средств и приёмов воплощения драматического действия в произведениях музыкально-сценич. жанра (опере, балете, оперетте).
Драматургия, драматический – эти слова образованы от слова драма. Но их употребляют и при характеристике музыки, в которой обобщенно передаются переживания человека: страдание, смятение, тревога, протест, возмущение и т.п. Эти чувства чаще всего проявляются у людей в столкновениях, спорах, конфликтах. Именно на этом основана драматургия и музыкального спектакля.
В основе музыкальной драматургии лежат общие законы драмы как одного из видов искусства: наличие ясно выраженного конфликта, раскрывающегося в борьбе сил действия и противодействия, определённая последовательность этапов раскрытия драм. замысла: экспозиция, завязка, развитие, кульминация, развязка и т. д.
ДУБЛЁР
Дублёр — (франц. doublure, от doubler — удваивать) — каскадер, лицо, заменяющее актера при сложных съемках, требующих специальных навыков. Чаще всего дублеров используют в спортивных, приключенческих или музыкальных картинах.
ДУБЛЬ
Так называют в кукольном театре подменную куклу. Внешне это точная копия «основной», за исключением одежды или внутреннего устройства. Когда в какой-либо сцене спектакля основная кукла не может выполнить то или иное действие (прыгать, летать, кувыркаться, превратиться во что-нибудь и т. д.) или должна быть по-другому одета, ее незаметно для зрителей меняют на куклу-дубль.
ДУБЛЯЖ
Дубляж — дублирование кинофильмов, создание новой, идентичной оригиналу фонограммы на другом языке.
ДУХОВНАЯ МУЗЫКА
Духовная музыка — музыкальные произведения, связанные с текстами религиозного характера, предназначенные для исполнения во время церковной службы или в быту.
Под духовной музыкой в узком смысле подразумевают церковную музыку христиан; в широком смысле духовная музыка не исчерпывается сопровождением богослужения и не ограничивается христианством.
Тексты сочинений духовной музыки могут быть как каноническими (например, католическая месса), так и свободными, написанными на основе или под влиянием священных книг (для христиан — Библии).
Духовная музыка – музыка, связанная с текстами религиозного содержания и предназначенная для исполнения во время богослужения и в быту. К сфере духовной музыки относят прежде всего вокальные или вокально-инструментальные произведения на тексты религиозного характера, исполняемые во время церковной службы.
Церковная музыка всегда обращена к темам Священного писания. Драматургия образов страдания, смерти, воскресения Христа является основой развития духовной музыки. В церковном обряде музыка и слово в единстве с другими видами искусства определяют целостность драматического действа, построенного на контрастах различных образов. В восточной, православной церкви это литургия и всенощная, венчание и молебен, в истоках которого лежит знаменный распев. В западной, католической церкви – месса, реквием, страсти, кантаты и др. В их основе – хорал, многоголосное пение в сопровождении органа или оркестра.
Религиозные сюжеты и формы церковной музыки преобладают в творчестве немецкого композитора И.-С. Баха и русского композитора М. Березовского. Бах чаще всего писал музыку для органа и хора, а Березовский – для хора a capella. Благодаря полифонии основная мысль каждого их сочинения получает глубокое и многогранное развитие.
Как компонент культового ритуала входила в храмовое искусство первых цивилизаций (Месопотамия, Египет и др.). Древнейшая форма духовной музыки в тесном смысле – синагогальная (в иудаизме) и церковная (у христиан) – пение псалмов. Раннехристианская духовная музыка была одноголосной, без сопровождения инструментов. В Западной Европе со временем господствующим стало григорианское пение, на Руси – знаменный распев. Многоголосие в духовной музыке Римской католической церкви складывалось в 9-13 вв., на Руси – в 17 в. (строчное пение, партесное пение). В западной духовной музыке с конца 15-16 вв. хоровые партии могли дублироваться инструментами, в некоторых разделах богослужения хор заменяется органом; русская духовная музыка чисто вокальная.
ДУХОВНАЯ ЛИТЕРАТУРА
Духовная литература – та, что помогает человеку саморазвиваться внутренне и стремиться к возвышению над своей низменной, животной природой и удовлетворением элементарных потребностей.
Книги духовной литературы можно условно разделить на несколько групп (видов):
По возрастному признаку:
• Литература для взрослых.
• Детская литература.
По языковому признаку:
• Оригинальная литература.
• Переводная литература.
По целевому назначению:
• Каноническая литература (религиозные первоисточники) (Священные Книги, Библия, Коран и др.);
• Литургическая (богослужебная) литература (Псалтырь, Требник, Слово и др.);
• Теологическая (богословская) литература (теологические трактаты, трактовки канонических текстов);
• Учебная религиозная литература (учебники для семинарии);
• Справочная религиозная литература;
• Молитвенная литература (православный толковый молитвослов);
• Религиозно-публицистическая (агиографическая) (проповеди святых отцов, поучения старцев, жития святых и т. п.);
• Религиозно-популярная (художественная) литература (рассказы, повести и даже сказки с поучительным смыслом).
 По содержанию всю духовную литературу можно разделить на 2 части:
• Духовно-нравственная литература,
• Духовно-художественная литература.
o Духовно-нравственная литература – это ортодоксальные религиозные духовные книги. Духовно-нравственная литература, как правило, предстает больше в эпическом жанре, но есть и лирика (катрены, молитвы, заговоры), а драма как жанр практически отсутствует.
В эпический жанр входят:
; религиозные трактаты,
; притчи,
; различные исторические хроники, воспоминания,
; описания жизни святых пророков (житие),
; проповеди, 
; челенги, в том числе труды, посвященные устройству загробного мира и о том, какая судьба ждет каждого человека после смерти.
Иерархия системы жанров духовной-нравственной литературы в средние века:
 – агнографические памятники, в которых представлен сословный идеал (святой),
 – хроники, фиксировавшие движение мирового времени к его последним срокам;
 – визионы (видения, челенги), посвященные устройству загробного мира и судьбе индивидуальной души после смерти,
 – притчи,
 – проповеди,
 – примеры, предназначенные к непосредственному воздействию на сознание паствы.
Лирика представлена духовными гимнами и покаянными стихами, а драматические жанры – литургической драмой. Литургическая драма – это духовная драма, которая приобрела популярность в эпоху средневековья в IX-XIII вв. Литургическая драма использовала латинский текст Библии, ее исполняли духовные лица у алтаря согласия ом латинский текст заменили национальным. В IX в легенды о смерти и воскресении Христа читали в диалогах, из этих диалогов сформировалась литургическая драма.
Особенности базовых жанров духовной литературы.
Жития святых. Делятся на три типа, соответствующих путям обретения святости: жития аскетов, миссионеров и человеколюбцев. Эволюция жанра связана с изменением представления о святости в средневековой культуре. В ранних житиях святой – ;;; живое воплощение нравственных норм христианства. В житиях более поздних – чудотворец.
Хроника. Ее отличие от внешне близких ей исторических сочинений: история исследует причины уже состоявшихся событий, пытаясь понять степень их закономерности. Хронист записывает внешне не связанные друг с другом факты, пытаясь угадать в них посылаемые Богом знаки грядущих событий – либо приближающих мир к концу, либо отдаляющих от него.
Визион – имеет ряд устойчивых признаков:
1) визионер – почти всегда мирянин и грешник, которому опыт путешествия в потусторонний мир посылается как предупреждение;
2) путешествию души по загробному миру предшествует ее отделение от тела;
3) проводник души в потустороннем мире – ее ангел-хранитель;
4) в своем путешествии душа видит места казни грешников и блаженства праведников, расположенные в общем пространстве и не разделённые границами;
5) потусторонний мир ориентирован по горизонтали, а не по вертикали.
Проповедь. Особенности католической проповеди по сравнению с православной. Православная проповедь рассчитана на единомыслие слушателей и призвана возвысить их до торжественно-праздничного состояния. Католический проповедник, напротив знает, что его аудитория состоит из разных людей, в т.ч. – несогласных с ним. По этой причине его задача – овладеть вниманием аудитории, чтобы убедить ее в важности излагаемых истин.
Притча – иллюстративная часть проповеди, конкретизирующая либо чересчур трудные, либо чересчур абстрактные для слушателей идеи проповедника в виде увлекательного иносказания.
Пример – тоже иллюстративная часть проповеди, но не иносказание, а якобы взятый из жизни случай, призванный убедить слушателей в действенности тех нравственных законов, о которых говорит проповедник.
Духовные гимны. Представляют характерный для средневекового христианина эмоциональный комплекс, сочетающий в себе страх перед гневом Бога, сознание неискупимости собственной вины, позднее раскаяние, ужас одиночества и беспомощности. Самые известные – ;;De profundis;; и ;;Dies ikae;;.
o Духовно-художественная литература – художественные произведения с духовным (теистическим) смыслом. Духовно-художественная литература – именно так можно определить те произведения великих русских писателей, в которых через главных героев и их жизненный путь автор передает незыблемые христианские ценности. Существует ряд произведений русской и зарубежной классики, которые должен прочитать каждый человек, независимо от своих религиозных убеждений.
– Основные виды (жанры) эпической духовно-художественной литературы: эпопея, роман, повесть, рассказ (рождественский рассказ, святочный рассказ), новелла, художественный очерк.
– Лирический жанр представлен духовными стихами и песнями, гимнами.
– Драматические произведения как жанр духовно-художественной литературы представлены трагедией, драмой.
ДУХОВНЫЕ СТИХИ
Духовные стихи – поэзия на религиозные темы. Исторически такой жанр искусства появился еще в Древней Греции.
На Руси кроме этого – это жанр изустной народной поэзии (фольклора) на религиозные темы о благочестии, добре, грехе, раскаянии, Высшем Суде, о святых и Ангелах и т.д. Духовные стихи носят эпический характер, они близки былинам, нередко исполнялись под аккомпанемент гуслей. Складывались они людьми, знающими православие и стихосложение, выступающими посредниками между церковью и народом. Исполнялись эти стихи, можно сказать, профессиональными певцами – каликами перехожими, бродячими сказителями в дни праздников и особо важных событий – на ярмарках, базарных площадях, у храмов.
Духовные стихи – это переложение церковного вдохновения на язык масс. Они выражали глубинные процессы русского самосознания как самосознания глубоко христианского. Специалисты отмечают в них ясность понимания и глубину постижения религиозного вопроса, остроту религиозного чувства, обширность познания. Стихи целомудренны, благоговейны, вселенского масштаба. Особенно популярны они были в XV – XVI вв. в территориях Центральной России.
К духовным стихам можно отнести и балладу «Светлана» Василия Андреевича Жуковского (1783-1852). Баллада «Светлана» написана Жуковским в начале 19-го века. В основе её лежит христианская тематика. То есть понять, в чем истинное чудо души главной героини может только теист, который знаком с традициями православия.
По сюжету баллады, с точки зрения обычного атеиста происходит страшная вещь: девушке снится мертвый жених. Более того, мертвец срывает с себя покрывало и пытается встать из гроба. Ну чем скажете не «страшилка» по типу гоголевского «Вия»? Какая тут может быть романтика? С чего это автор баллады так мило улыбается в конце и желает своей героини всех благ?
А дело все в том, что смерти души на самом деле не происходит. Умирает только тело, когда приходит для этого срок. Правда, не многие люди могут представить себе, что могут существовать и вне своего физического тела. Тело рождается и умирает, а душа продолжает жить.
Как человек сбрасывает с себя старую одежду и надевает новую, так душа надевает новое тело, сбросив старое и бесполезное. Люди, верящие в переселение душ, смерти и ада не боятся.
Душам же Светланы и её суженого смерть не страшна! Они спасены от мук ада, они попадут только в рай. В этом и есть чудо души героини с точки зрения замысла автора Баллады. Он говорит нам: светлые (праведные) души после смерти тела попадут только в рай. Смерти бояться не надо! Это все просто кажется, что дурной сон, а на самом деле все во благо!
Но главное чудо души Светланы – это чистая невинная Любовь. По народным приметам у того, кто будет засватан на Крещение, будет счастливая семейная жизнь. Это именно по-христиански знать, что Бог – есть Любовь! Бог создал этот мир для Любви. И что это и есть наивысшее Счастье в жизни, дарованное нам Богом. Только праведные души могут обрести такое счастье. Брак – это Любовь. Настоящий брак по любви – это обретение рая на земле, еще при жизни. Вот в этом суть счастливого конца якобы страшного сна.
ДУХОВЫЕ МУЗЫКАЛЬНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ
Духовые музыкальные инструменты (аэрофоны), группа музыкальных инструментов, источник звука которых – колебания столба воздуха в канале ствола (трубки). Классифицируются по многим признакам (по материалу, конструкции, способам звукоизвлечения и др.). В симфоническом оркестре группа духовых музыкальных инструментов подразделяется на деревянные (флейта, гобой, кларнет, фагот) и медные (труба, валторна, тромбон, туба).
Ж
ЖАНР
Жанр (фр. genre – род) – совокупность таких особенностей произведения, которые определяются эмоциональным отношением художника к объекту изображения. Способ отражения, угол зрения автора на действительность, преломленный в художественном образе. Род произведения, отличающийся особыми, только ему свойственными сюжетными, стилистическими признаками. Определяемая разновидность художественного произведения. Жанры имеют следующие разновидности:
1. Трагедия
2. Комедия
3. Драма
4. Трагикомедия
5. Мелодрама
6. Фарс
7. Сатира и т. д.
Понятие жанра этим не ограничивается. Жанр драмы и комедии также могут иметь многочисленные разновидности: детектив, фантазия, сон, трагифарс, трагикомедия, версия, роман, психологическая драма, и т.д.      
ЖЕСТ
Жест (лат. – движение тела) – телодвижения, особенно движения руками, сопровождающие речь для усиления ее выразительности или заменяющие ее. Жест — выразительное движение рук, служащее одним из средств уточнения речевой коммуникации. Жесты подразделяются на
указательные (индикативные),
иллюстративные, поясняющие и выделяющие к.-л. высказываемую мысль, и
выразительные, выявляющие эмоционально-волевое состояние человека.
Некоторые виды жестов приобрели в процессе общественно-исторической практики определенное символическое обобщенное значение. Жесты специально отрабатывают ораторы, актеры, танцовщики. См Экспрессия.
Язык жеста раскрывает для зрителя характер, душевное состояние, социальное происхождение, образование персонажа.
“Театр должен пользоваться только тем движением, которое мгновенно расшифровывается, все остальное излишне.” В. Мейерхольд.
О психологических жестах писал М. А. Чехов (1891-1955) – русский и американский драматический актёр, театральный педагог, режиссёр, в своей книге “Об искусстве актера”.
ЖЕТЕ
Жете (фр. jete – бросок) – прыжок с одной ноги на другую. Бросок ноги на месте или в прыжке. Большие жете исполняются, как прыжок через воображаемое препятствие во всех основных позах балета – арабеске, аттитюде, алясгоне.
З
ЗАДАЧА
Задача – условие творческого характера; то, что требует исполнения, разрешения. Задача является основой выполнения любого действия на сцене. Иметь задачу – значит, знать, чего я добиваюсь и к чему стремлюсь.
ЗВУКОВОЕ ОБОРУДОВАНИЕ
Чтобы пришедшие на мероприятие гости слышали выступающих, а также музыку, которую будет включать диджей - нужно звуковое оборудование.
В него входят:
; динамики;
; усилители (для пассивной системы);
; микшерные пульты;
; мониторы;
; а также микрофоны и коммутация.
ЗВУКООПЕРАТОР
 Звукооператор – генерирует (производит) звуки. Он непосредственно записывает саундтрек фильма, поскольку это нельзя сделать в процессе съемки.
В процессе работы над фильмом звукооператор записывает диалог, шумы, музыку. Звукозапись синхронизируется с изображением, возникает новое художественное качество – звукозрительный образ.
Звукооператор – один из основных творческих работников съемочной группы, осуществляющий звуковое оформление кинокартины в соответствии с общим замыслом автора сценария и режиссера постановщика.
ЗВУКОРЕЖИССЁР
  Звукорежиссер – постановщик звуковой части спектаклей, фильмов, эстрадных и цирковых программ.
Звукорежиссёр в кино – занимается всеми вопросами, связанными со звуковым сопровождением фильма. Он планирует, как будет формироваться саундтрек.
ЗРИТЕЛЬ
Главный партнер
Обычно, сидя в креслах партера, мы не выскакиваем на сцену, чтобы самим вмешаться в действие. Мы аплодируем, смеемся, плачем, настороженно молчим – сопереживаем. Это тоже – наша реакция. И она понятна артистам.
Если вы придете в театр, вы же не будете указывать актерам, как им играть. Актер сам знает, как играть ту роль, которую он выбрал. Зрители смотрят из зала, стараясь не мешать актерам. Да, сегодня участие зрителя в судьбе постановки кажется нам естественным.
К сожалению, не всегда и не все зрители оказывались достойными партнерами актеров.
Николай Иванович Соболыциков-Самарин (1869-1945), актер, режиссер, педагог; в дореволюционные годы работал в нижегородском театре. На одной из вечерних репетиций, когда пустой зрительный зал тонул во мраке, актеры с тревогой услышали, что кто-то приближается к сцене, стуча при этом молотом по деревянному полу. На вопрос: «Кто там?» – никакого ответа. Артистка на сцене в испуге закричала: «Что там?.. Вы слышите?..»
Соболыциков-Самарин повернул щиток настольной лампы назад – и невольно отпрянул: над его стулом показалась лошадиная морда!
Всадником, поднявшимся верхом на второй этаж нижегородского театра и въехавшим в партер, оказался заезжий помещик. Изнывая от скуки и вздумав развлечься, он гаркнул во все горло: «Бросайте всю вашу театральную муру и айда в ресторан!.. «
Разумеется, не такие театральные курьезы определяют значение зрителя в сценическом искусстве. «Именно он, зрительный зал, решает судьбу актера, режиссера, драматурга, – писал в свое время Евгений Львович Шварц. – Он, зрительный зал, судит без слов, а вместе с тем ты сразу понимаешь его. Что может быть красноречивее глубокого его молчания, когда он захвачен происходящим на сцене! И обиднее всяких ругательных отзывов тот кашель, что нападает на зрительный зал, когда он охладевает к тому, что делается на сцене... «
Представьте себе: актеров изо дня в день заставляют не только репетировать, но и играть спектакли... перед пустым залом. Думаю, что в конце концов они не выдержат и разбегутся. Почему? Да потому, что пустой зал, пустые театральные кресла не способны выполнить роль необходимого артистам партнера.
Не просто быть настоящим, внимательным зрителем. Для этого недостаточно купить билет и во все глаза смотреть на сцену. Надо учиться глубоко вникать в то, что видишь и слышишь.

Старый доктор рассказал мне однажды, как он ходит в театр.
Еще с утра, на работе, он с радостью думает о том, что вечером предстоит праздник. Настроение все больше поднимается. А в конце дня, надев лучший костюм, доктор идет в театр загодя и приходит одним из первых. Снимает пальто, пока еще в гардеробе нет очереди и толчеи, неторопливо поднимается в фойе, рассматривает макеты спектаклей, афиши, фотографии.
Прогулка по театру в ожидании первого звонка помогает ему настроиться на восприятие спектакля, войти в его атмосферу, окончательно отбросить повседневные дела и заботы, приготовиться к встрече с искусством.
Кто-то может сказать: «Все это смешно и старомодно! У человека обычно нет времени на такую «раскачку», он бежит, чтобы не опоздать, нетерпеливо хлопает, чтобы скорее начинали. Размеренное поведение, какое так нравится автору у старого доктора, бывает только у стариков!»
Это не совсем верно. И вовсе не возраст определяет позицию зрителя. «Раскачка» создавала доктору праздничное настроение! Ему казалось преступлением против самого себя воспринимать театр «в рабочем порядке», как «мероприятие», лишать себя праздника. И тут многое, действительно, зависит от нас самих.
Вместе с тем настроение и подготовленность зрителя важны не только ему самому. Они важны и театру. Потому что зритель – не пассивный наблюдатель «с совещательным голосом», а главный партнер сценического искусства, актера. Это важное открытие сделал еще в начале 19-ого века Пушкин. Он первым понял и впервые высказал эту мысль: непременным участником спектакля становится и всегда должен становиться зритель! В статье «Мои замечания об русском театре» Пушкин писал: «Публика образует драматические таланты... «
Этот непреложный закон театра еще в юности ощутил Станиславский. Вот как он рассказывал о своем знакомстве с Московским Малым театром:
 «Я готовился к каждому спектаклю Малого театра. Для этого составился небольшой кружок молодых людей, которые все вместе читали пьесу, поставленную на репертуар театра, изучали литературу о ней, критику на нее, сами устанавливали свои взгляды на произведение; потом всем кружком мы шли смотреть спектакль, а после него, в ряде новых бесед, поверяли друг другу свои впечатления... При этом очень часто обнаруживалось наше невежество по разным вопросам искусства и науки. Его мы старались исправлять...»
Кто-нибудь опять возразит: все это – далекие примеры из жизни людей в прошлом, более ста лет назад, когда жизнь текла более размеренно, менее торопливо!
У одной российской дореволюционной писательницы есть юмористический рассказ. В один и тот же вечер должны были состояться два выступления: в одном месте – лекция известного академика, в другом – встреча со знаменитым клоуном.
Но организаторы выступлений все перепутали. Академика привезли к любителям цирка, туда, где ждали клоуна. А клоуна – к тем, кто готовился услышать научную лекцию.
Что произошло дальше? Как ни старался клоун рассмешить аудиторию – никто даже не улыбнулся, а некоторые даже что-то конспектировали. Зато па лекции академика слушатели покатывались со смеху, и бедный ученый никак не мог взять в толк, что же смешного в его научных исследованиях.
А произошло все это потому, что слушатели в обоих случаях не дали себе труда вдуматься, вслушаться, вникнуть и оценить происходящее.
Такой зритель неинтересен театру. И мне бы хотелось, чтобы вы постарались овладеть этим трудным искусством – чувствовать и нелегкой обязанностью – думать.
 
И
ИГРА
Это – главный элемент театрального искусства. Состояние актера в предлагаемых обстоятельствах спектакля, представления. Психофизическая реакция актера на обусловленные задачи, поставленные режиссером и оправданные актером. Присутствуют творческие факторы условной игры. Игре свойственны: заразительность, увлеченность, воображение, артистизм.
ИДЕЯ
Идея (гр. – мысль) – основная, главная мысль; замысел, определяющий содержание произведения. Мысль, намерения, план, отношения. Актер должен иметь свою “индивидуальную идею” (выражение М. А. Чехова) в работе над ролью.
ИММЕРСИВНЫЙ ТЕАТР
Иммерсивный театр (англ. immersion — погружение, вовлечение, создающий эффект присутствия, захват, захваченность) — постановки, аудитория которых становится их соучастником. Иногда гости могут проявлять инициативу, а во многих спектаклях актеры сами взаимодействуют со зрителем: завязывают ему глаза, обнимают, приглашают к совместному действию.
Зритель захватывается прежде всего пространством. Сценой таких представлений может служить как сам зрительный зал, так и любое другое пространство в театре и даже вне его. В иммерсивных постановках нет разделения на зал и сцену. Вместо них — единое пространство, по которому гости могут перемещаться наравне с актерами. Иммерсивный театр также называют театром-променадом, потому что его посетители могут передвигаться по сценическому пространству во время представлений.
ИМПРОВИЗАЦИЯ
Импровизация (лат. – непредвиденный, внезапный) – особый вид творчества. Непредвиденный, внезапный момент исполнения, без предварительной для этого подготовки. В искусстве зрелищ импровизация может иметь место, если она не противоречит концепции художественного замысла. Импровизация – это дар необходимый актеру и режиссеру в работе над спектаклем, представлением.
ИНВЕСТОР
Инвестор (от англ. investor — вкладчик) — тот, кто осуществляет инвестиции: лицо или организация (в том числе коммерческая, государство и т. д.), размещающие капитал с целью последующего получения прибыли. Юридическое или физическое лицо, осуществляющее инвестиции, т.е. вкладывающее собственные, заемные или иные привлеченные средства в инвестиционные проекты.
ИНДИ
Инди (англ. indie, сокращение от independent — независимый) — американские (голливудские) мелкие независимые кинокомпании.
ИНЖЕНЮ
Инженю (фр. – наивная) – актерское амплуа: исполнительница ролей простодушных, наивных молодых девушек.
ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЙ КОНЦЕРТ
Инструментальный концерт – музыкальный жанр, в основе которого лежит контрастное противопоставление партии солиста (или солистов) всему оркестру.
ИНСЦЕНИРОВКА
Инсценировка (лат. – на и сцена) – переработка прозаического или поэтического произведения в драматическое. Создание литературного текста для театра, кино, радио. Постановка на сцене литературного произведения, получившего драматическую разработку в форме пьесы или сценария.
Вынужденные потери
Если вы еще не читали романа великого испанского писателя Сервантеса «Дон Кихот», то слышали о нем или видели его киноэкранизацию. Создавая эту свою книгу в 1602–1625 годах, Сервантес не предполагал, какая всемирная слава уготована ей.
Когда появляется на свет значительное произведение прозы, к нему нередко обращается и театр, пытаясь приспособить его для сцены. И в наши дни это случается довольно часто: романы и повести современных прозаиков постоянно переделываются для театра и кино.
А «Дон Кихоту» в этом смысле особенно повезло. На основе этого великого романа написаны около десятка опер, несколько балетов, мюзикл и множество переделок для драматического театра. В нашей стране Рыцарь Печального Образа и его преданный оруженосец Санчо Панса неизменно появляются на сцене.
Это обстоятельство связано и с тем, что образ Дон Кихота стал не только классическим литературным персонажем, но и нарицательным понятием. Донкихотами мы иногда называем смелых и благородных людей, которые в одиночку, не страшась последствий, пытаются сражаться с «ветряными мельницами» – чьим-то равнодушием, чиновничьей тупостью, бюрократическим хамством. Одному человеку почти невозможно рассчитывать в таком единоборстве на успех. Крылья «ветряной мельницы» могут отшвырнуть в грязь. Но человек упорно идет к своей цели...
Хорошо помню две постановки «Дон Кихота»: на сцене старого Ленинградского ТЮЗа, а позднее – в Театре драмы имени Л. С. Пушкина. В обоих спектаклях заглавную роль играл выдающийся артист Николай Константинович Черкасов (1903—1966).
В ТЮЗе эпизоды романа разыгрывались упрощенно и немного шутливо: Дон Кихот, например, выезжал... на трехколесном велосипеде с лошадиной головой на руле. Так изображался верный конь героя Росинант. В спектакле Театра имени Пушкина раскрывалось не только смешное, но и драматическое в образе главного героя.
Приспособление, переделка прозаического произведения для сцены и называется инсценировкой.
К сожалению, далеко не все, что заложено в книге, может быть перенесено на театральные подмостки. В романе Сервантеса, например, 669 персонажей! Ясно, что только самые главные из них могут стать действующими лицами постановки. По еще печальнее то, что из сценического воплощения прозы неизбежно уходит авторский текст, важнейшая ее часть. Поэтому многие русские писатели конца 19-го, начала 20-го века, а в их числе и А. М. Горький, высказывались против инсценировок прозы для театра.
У театральных деятелей возник серьезный вопрос. Так как же: за или против?
Сама театральная жизнь ответила: за!
Практика показала, что театру трудно обойтись без инсценировок. В прозе нередко появляются выдающиеся произведения, и театральным деятелям жаль отказываться от них только потому, что они написаны не в форме драмы. И с некоторыми потерями приходится мириться.
ИНТЕРМЕДИЯ
Интермедия (лат. – в середине) – небольшая пьеса в основном комедийного характера, исполняемая между действиями драматического спектакля, музыкальной драмы или оперы. В переводе с латинского языка означает “находящийся посреди”. В данное время интермедия имеет свой обособленный разговорный жанр эстрады.
ИНТОНАЦИЯ
Интонация (лат. – громко произносить) – эмоциональное тонирование речи с помощью силы ударения. Интонация – «душа звучащей речи», включает в себя следующие ее характеристики: мелодика, интенсивность, длительность, паузы, темп речи и тембр произношения звуков, звукосочетаний, слов и словосочетаний. С помощью интонации формируется высказывание и выявляется его смысл. Функции интонации: коммуникативная (побуждающая, вопросительная, восклицательная, повествовательная), указание важности частей высказывания; оформление высказывания в единое целое; разделение высказывания на ритмические части; выражение эмоций; выражение подтекста высказывания; характеристика говорящего и его отношение к высказыванию. Интонация – средство творения красивой, эмоциональной насыщенной и смысле содержащей речи.
ИНТРИГА
Интрига (фр. intrigue, от лат. intrico — «запутываю») — способ достижения цели путём манипуляции другими людьми. Происки, козни, достижение целей неблаговидными средствами.
Интрига — характерный для драматических (и отчасти эпических) произведений способ организации действия.
Интрига выражается в том, что-то или иное действующее лицо (или группа их) стремится осуществить какой-либо план, свою линию поведения, вступая в борьбу с противодействующими этой линии персонажами.
Слово широко используется для характеристики динамической схемы событий в театральной пьесе (реже — применительно к другим литературным жанрам).
Настоящим мастером интриги был В. Шекспир, и до сих пор многие его наработки используют авторы в своих произведениях. Например, классическую шекспировскую интригу можно найти в комедии «Двенадцатая ночь». Там девушка выдаёт себя за юношу, назвавшись именем погибшего брата-близнеца и поступив в услужение к графу. Сначала ни зрители/читатели, ни персонажи не догадываются об этом, потом зрителям приоткрывается завеса, и они могут наблюдать за хитростями девушки. А затем оказывается, что и брат её спасся. И теперь их уже двое на одно лицо, что снова запутывает читателей и вносит ещё большую путаницу в действия других персонажей.
В комедии эта интрига вызывает смех, но бывают и серьёзные, мрачные и даже трагичные интриги. Вспомним трагедии «Гамлет» и «Отелло».
ИРОНИЯ
Ирония – тонкая, лукавая насмешка.
ИСКУССТВО
Искусство (ц.-слав. – искус – испытание) – вид духовного творчества как части культуры народа, с помощью которого производится духовное освоение действительности и ее творческое преобразование по законам красоты.
1) Специфический род духовно-практического освоения мира, единство созидания, познания, оценка человеческого общения. 2) Высокая степень умения, мастерство в любой сфере деятельности. 3) Художественное творчество в целом – литература, архитектура, живопись, музыка, танец, театр, кино и т.д.
Главная цель искусства – раскрыть прекрасное, таинственное, возвышенное в человеке. Искусство «производит» красоту на всех ступенях человеческого развития.
Задачи искусства:
1. Познать красоту внешнего мира, восхититься его гармонией;
2. Раскрыть духовный мир человека, изобразить его внутренний мир через описание глубоких эмоций.
Иногда искусство отождествляется с мастерством. Искусство существует в разных жанрах, видах, стилях и направлениях.
ИСПАНСКИЕ ТЕНИ
В средние века в Испании некоторое время артистам было запрещено выходить на сцену. А выйти хотелось. Вот они и придумали испанские тени, играли свои спектакли… через экран. С тех пор такую технику театра, когда вместо силуэтов кукол на экране появляются силуэты людей, называют испанскими тенями.
Если вы с улицы смотрите в окно и видите на занавесках тень, это и есть испанская тень, иначе теневой театр (см. «Театр теней»), где вместо теневых фигур (см. «Теневые фигуры») – фигуры реальных людей или вещей.
ИСПОЛНИТЕЛЬСКОЕ МАСТЕРСТВО (ИСКУССТВО)
Исполнительское мастерство – совокупность профессиональных приемов, без которых немыслима концертная или иная сценическая деятельность.
К
КАБАРЕ
Кабаре (фр. – кабачок) – кафе или ресторан с эстрадным дивертисментом.
Ревю-представление с участием артистов эстрады.
КАБРИОЛЬ
Кабриоль (фр. cabriole – прыжок) – балетный прыжок, во время которого одна нога подбивает другую. Ноги сильно вытянуты. Исполняется этот прыжок во всех направлениях: вперед, в сторону, назад. Кабриоль – один из сложных прыжков в классич. танце, когда одна нога ударяется о другую снизу вверх. Исполняется во всех позах на 45° и 90°.
КАВЕР
Кавер (от англ. cover — покрывать, распространяться) – отдельное направление музыкального искусства. Своеобразный ремейк, возрождение. В популярной музыке — новое исполнение существующей (как правило, в аудиозаписи) песни кем-то другим, кроме изначального исполнителя. Копия никогда не поднимется выше оригинала. Если она поднялась, значит, это уже не копия, а нечто иное. Более совершенное.
Кавер — это иное переосмысление музыкального произведения. Сюда может входить и новая аранжировка, но она может быть и сохранена.
В кавере может меняться аранжировка, но текст и основная гармония остаются прежними. В отличие от ремиксов, первоначальное исполнение в каверах никогда не используется.
Понятие кавер распространено именно в музыке, в кино – называют ремейком, в театре – новой постановкой старой пьесы.
Кавер-версия — это альтернативное исполнение уже существующей, как правило, записанной песни популярной группы или исполнителя другими музыкальными коллективами, которые стремятся сделать свою версию трека максимально похожей на оригинал.
Кавер-исполнитель не объявляет себя автором хита, то есть, не посягает на законные права. Следовательно, это не плагиат.
Кавер-версия произведения не претендует на авторство:
; Не меняется название произведения
; Указываются авторы первоисточника
; Качественный кавер отличает творческая переработка материала, преображающая данное произведение или «осовременивающая» его звучание, исполнительскую подачу. Для этого может быть сделана новая аранжировка, иногда на совершенно другой состав музыкантов, исполнение даже в другом стиле, темпоритме, а капелла или наоборот – инструментальная версия произведения. Такая переаранжировка – это серьезный творческий труд.
Есть примеры, когда кавер-версия стала более популярной и известной, чем первичный вариант музыкального произведения.
КАМЕО
Камео (от англ. cameo — камея) — эпизодическое появление в постановочной роли (на киноэкране, в театральной постановке, компьютерной игре и т. д.) известной персоны (режиссер, актер, политик и т. д.). Иногда в такой ситуации известная персона приглашается, чтобы играть “саму себя”. Зачастую режиссер фильма сам играет в нем эпизодическую роль.
КАМЕРНАЯ МУЗЫКА
Камерная музыка (от итал. camera — комната, палата) — музыка, исполняемая небольшим коллективом музыкантов—инструменталистов и/или вокалистов. Так в отличие от церковной и театральной, называют инструментальную или вокальную музыку. При исполнении камерного сочинения каждую партию исполняет как правило только один инструмент (голос), в отличие от оркестровой музыки, где существуют группы инструментов, играющих в унисон.
С XVI в. начинает развиваться камерная музыка. С середины XVIII в. активизируется светская концертная жизнь, свободная от влияния церкви. Увеличивается количество оркестров, ансамблевых и сольных концертов. Написанная для небольшого состава исполнителей, камерная музыка звучала в домашней обстановке или при дворах знатных вельмож. Исполнителей, работавших в придворных ансамблях, называли камер-музыкантами. Постепенно камерная музыка стала исполняться не только в узком кругу знатоков и любителей музыки, но и в больших концертных залах.
В творчестве венских композиторов-классиков – Гайдна, Моцарта, Бетховена и др. – сформировались классические виды инструментального ансамбля – соната, трио, квартет и др.
Разнообразны камерные вокальные и инструментальные миниатюры композиторов-романтиков XIX в. К ним относятся песни Ф. Шуберта, фортепианные песни без слов Ф. Мендельсона, каприсы Н. Паганини, вальсы, ноктюрны, прелюдии, баллады Ф. Шопена, романсы М.И. Глинки, пьесы П.И. Чайковского и многое другое.
КАМЕРНАЯ ПОСТАНОВКА
Камерная постановка (лат. camera – комната) – действие, происходящее в ограниченном пространстве для небольшого количества зрителей, так называемая “малая сцена”.
КАМЕРНЫЙ ТЕАТР
Камерный театр — (от англ. chamber и фр. chambre – комната — небольшое по масштабам помещение) – театр, где произведения исполняются в небольшом помещении и предназначены для узкого круга слушателей, зрителей.
КАПЕЛЛА
Капелла (позднелат. capella, итал. cappella – коллектив) — небольшой музыкальный ансамбль, первоначально только вокальный, ныне — также инструментальный. В эпоху средневековья —так католики нахвали профессиональный хор певчих.
КАСТИНГ
Ка;стинг (от англ. casting – букв. – забрасывание) – прослушивание и пробы, кинопробы. Конкурс, отбор, выбор среди претендентов человека, в наибольшей мере соответствующего творческому замыслу.
Практикуется в шоу-бизнесе, для отбора моделей или поп-исполнителей.
Кастинг в кинопроизводстве для начинающих актёров, моделей является тяжёлой ежедневной работой. Так же и подбор основных создателей-творцов (режиссёра-постановщика, сценариста, оператора-постановщика, композитора, художника-постановщика) — весьма ответственный процесс.
КИНЕМАТОГРАФИСТ
 Кинематографист – лицо, работающее в кинематографии.
КИНЕМАТОГРАФИЯ
Кинематография (от греч. kinеma — движение, graphe — писать, рисовать) – 1) искусство воспроизведения на экране заснятых на сверхчувствительную пленку движущихся изображений, создающих впечатление живой действительности; 2) отрасль культуры и экономики, осуществляющая производство фильмов и показ их зрителю, в кинотеатрах, на кинопередвижках, по ТВ, записанными на видеокассетах и видеодисках. Создание фильмов происходит на киностудиях.
КИНО
Кино (от греч. kinеma — движение) – искусство кинематографии – создание фильмов. Отрасль человеческой деятельности, заключающаяся в создании движущихся изображений. Один из наиболее распространенных видов искусства XX в.
Кино называют синтетическим искусством, что подразумевает соединение в фильме элементов литературы и многих других искусств — театра, музыки, живописи, архитектуры, балета и т. д. Речь идет не о механическом соединении разнородных художественных средств. В результате синтеза традиционных искусств рождается произведение нового типа искусства — фильм.
Итак, кино — отдельный вид искусства, точнее сказать — звукозрительного искусства.
Известная фраза В. И. Ленина «Из всех искусств для нас важнейшим является кино» на самом деле полностью выглядит так: «Пока народ безграмотен, из всех искусств для нас важнейшими являются кино и цирк»! Отметим, что советский политический и государственный деятель оказался прав: и кино и цирк обладают самыми сильными свойствами воздействия на человеческую психику. То есть, если кто-либо задастся целью изменить идеологию, менталитет целого народа, то это вполне решаемая задача, если инструментом воздействия будет являться именно киноискусство! В этом театр, опера и балет несколько отстают.
КИНОАКТЕР
Киноактёр (от греч. kinеma — движение; фр. acteur, от лат. actor — исполнитель) — исполнитель ролей в театре и кино. Без актера снять фильм невозможно. Предшественниками современного актера кино являются те, кто создал искусство немого кино.
Маленькая тайна: в кино обычному театральному актёру играть сложнее. Нужно учиться дополнительно. Киноэкран не прощает мелких ошибок, некачественного грима, плохой работы костюмера, бутафора. Примитивизма, грубости в исполнении. Там игра более тонкая, интимная. Там камера чётко фиксирует не только мельчайшие жесты, а и выражение лица, глаз. Поэтому иногда требуется и 20 дублей, чтобы добиться желаемого. И кино не прощает лишних килограммов. Оно их зрительно увеличивает.
Актер на экране продолжает традиции драматического театра, а также пантомимы, цирка, народных представлений, оперы, балета. Но киноактёр – это член команды, участник технологического процесса. Винтик системы. И не имеет права на болезнь или плохое настроение. Всё должно идти по расписанию. А в театре актёр – личность, которая на уровне подсознания ощущает зрителя. И вроде бы не имеет права на сиюминутную ошибку, поскольку пересъемки нет, но работая в команде может импровизировать и исправить ситуацию.
Как правило актер кино снимается в роли единожды, он не может, как актер театра, снова и снова возвращаться к ней, совершенствуя ее. После того, как фильм снят, зафиксирован на пленку, актер отчуждается от него.
Другая особенность состоит в том, что киноактер работает без зрителя. На съемочной площадке его «зрителем» является камера (кинооператор) и режиссёр. Он напрямую работает только с режиссёром, поскольку не знает, как будет реагировать зритель. Ему не хватает ощущения эмоций из театрального зала.
Фильм снимается по объектам, а не в сюжетной последовательности, что усложняет труд актера кино. Иногда фильм начинают снимать с заключительных сцен. Например, потому, что по сюжету к концу роли у него должны быть волосы, которые надо отращивать скажем 2 года. А в начале фильма он стрижен очень коротко. А натуральные волосы выглядят красивее, чем парики. Вот и снимается фильм из-за этих мотивов от конца к началу. Актёра с каждой следующей сценой стригут всё короче и короче.
Но у него есть и преимущества. Камера способна приблизить героя к зрителю, может показать малейшие оттенки мимики, жестов. Можно отснять несколько дублей, а потом отобрать самый лучший вариант. В театре «следующий дубль» – это следующий спектакль. Так что и успех, и позор артиста – театральный зритель увидит сегодня, сейчас и это запомнится им навсегда.
Актеры являются основными действующими лицами фильма и принимают непосредственное участие в развитии сюжета.
Об актере обычно говорят: «исполнитель роли». Он играет написанную в сценарии роль. Искусство актера исходит из реальности, он создает её экранную образность, «вторую реальность».
КИНОКАДР (КИНЕМАТОГРАФИЧЕСКИЙ КАДР)
Кадр, кинокадр (франц. cadre, от итал. quadro — рамка) — один из самых многозначных терминов в кино, хотя кажется простым и общепонятным. То, что означает этот термин в общепринятом смысле, по-научному называется фотограммой.
Кадром обозначаются пространственные границы фото-, теле– или киноизображения. Иными словами, кадр — это те явления жизни, которые входят в поле зрения объектива и фиксируются на пленке или видеоленте. Выбор рамки кадра — важнейший прием творческого отображения автором жизненного материала.
В кинематографе (в отличие от фотографии) слово «кадр» имеет два взаимосвязанных, но все-таки различных значения.
Отдельный кадр на кинопленке кинематографисты называют кадриком.
Кинокадр (или монтажный кадр) включает множество кадриков и представляет собой участок пленки, содержащий момент действия, снятый непрерывно работающей кинокамерой. Она может стоять на месте, перемещаться в различных направлениях, двигаться вокруг собственной оси (панорама), меняя планы изображения.
Фильм может быть снят длинными и короткими кадрами, которые в монтажном сопоставлении образуют определенный монтажный ритм. Поэтому длина каждого кадра имеет большое значение для художественной ткани фильма и зависит как от характера изображаемых явлений, так и от творческого замысла режиссера.
Кадром во время съемок обычно называют фрагмент фильма, снятый непрерывно — от команды режиссера «Начали!» до сигнала «Стоп, снято!». Этот фрагмент может быть коротким или длинным, статичным или динамичным по внутреннему действию либо по поведению камеры, он может быть предварительно организованным или запечатленным спонтанно («репортажно»). Есть фильмы, целиком состоящие из одного кадра, фильмы, имитирующие однокадровость, фильмы, в которых длина некоторых кадров не превышает двух фотограмм. При всем многообразии типов и видов кинокадр можно определить, как зафиксированный на пленке пространственно-временной континуум, способный полностью или частично войти в целостную композицию фильма в качестве его основной структурной единицы.
КИНОКАМЕРА
Кинокамера – это устройство, предназначенное для записи движущегося изображения на киноплёнку или на электронный носитель.
КИНОКОМЕДИЯ
Родившись в театре, комедия с появлением кино широко распространилась и в этой области искусства.
По характеру комического различаются комедии эксцентрические, сатирические, музыкальные, бытовые, лирические.
Эксцентрическая комедия возникла на заре кинематографа, она подарила миру целую плеяду талантливых комиков. Логика наизнанку — так коротко можно выразить закон этого жанра. Он позволяет взглянуть на привычное, обыденное с неожиданной стороны, открыть новое в знакомом. Эксцентрическую комедию предпочитали Чарли Чаплин, Гарольд Ллойд, Бестер Китон, француз Жак Тати, англичанин Норман Уиздом.
Сатирическая кинокомедия прибегает к гиперболизации, сгущению красок.
КИНОПЛЕНКА
 
Кинопленка – это фотоматериал на прозрачной гибкой подложке, предназначенный для киносъёмки, печати фильмокопий и звукозаписи.
В большинстве случаев на перфорированную подложку нанесён один или несколько слоёв фотоэмульсии, поскольку запись изображения и звука на киноплёнке производятся, главным образом, фотографическим способом.
Проявленная киноплёнка содержит изображение и фонограмму кинофильма.
КИНОПРОДЮСЕР
Продюсер занимается выпуском фильма на всех стадиях его производства.
Он формирует проект, выбирает режиссёра, актеров, составляет финансовый бюджет картины.
КИНОБИЗНЕС
Киноби;знес – предпринимательская деятельность (бизнес), связанная с созданием и прокатом видео– и кинофильмов. Современное российское киноискусство в большинстве своем коммерческое, исключения крайне малы.
КИНОПРОИЗВОДСТВО
Кинопроизводство — процесс создания кинофильмов от первоначального замысла до непосредственного показа готового продукта зрителям в кинотеатрах, по телевидению или в Интернете.
КИНОРЕЖИССЁР
Кинорежиссёр – это постановщик фильма, возглавляющий весь творческий процесс создания кинокартины, автор идейно – художественной концепции фильма.
Его можно сравнить с дирижером оркестра.
Режиссёр – руководит процессом съемки фильма и несет за него полную ответственность.
Воплощая замысел, режиссер реализует его в системе избранного жанра, при этом основой для его творчества является сценарий.
Режиссер на съемочной площадке – царь и бог. Он полностью управляет всем процессом, всеми членами команды, он единственный, кто отвечает за конечный продукт, – то, что именно увидит зритель на экране.
Термин «режиссер» родился в театре. Придя в кино, он наполнился новым содержанием, связанным с особенностями киноискусства, которое рождается как синтез «старших» искусств, в союзе художественного и технического начал, в условиях кинопроизводства. Специфика нового вида искусства и породила эту ключевую кинематографическую профессию кинорежиссера, творческого работника, возглавляющего постановку фильма. В этом процессе участвует большой коллектив представителей различных творческих профессий (сценарист, оператор, актеры, композитор, художник-постановщик, художник по костюмам, звукооператор), а также специалисты технического профиля (инженеры, осветители, рабочие). Направить энергию этого коллектива на создание фильма — главная задача деятельности кинорежиссера.
Работа режиссера над литературным сценарием — один из важнейших моментов становления фильма.
Индивидуальный замысел режиссер воплощает в совместной работе с:
; актерами,
; оператором,
; художником,
; композитором,
; звукооператором,
; другими участниками съемочной группы.
Как бы он не представлял себе картину, режиссер в любом случае организует и согласует все компоненты будущего произведения. Режиссер должен быть грамотным, квалифицированным, обладать организаторским, педагогическим даром, позволяющим ему плодотворно руководить съемочной группой.
Режиссер владеет замыслом фильма, видением его как идейно-художественного целого, он разрабатывает художественную программу реализации этого замысла в режиссерском сценарии. Это — проект фильма в покадровой записи, с указанием всех деталей будущих съемок. Это — образная партитура, выражающая композицию, стиль, жанр фильма, моделирующая его монтажную концепцию.
На заключительной стадии, после работы над литературной основой фильма, после подготовки к съемкам и самих съемок, режиссер получает в руки реальный материал — километры отснятой кинопленки, из которой он собирает, согласно своему замыслу, единое художественное целое — фильм.
Таким образом, режиссер является автором фильма. Но это авторство нового типа, вырастающее из коллективного творчества и ничуть не умаляющее вклада всех, с кем режиссер работает над фильмом, и в первую очередь сценариста, оператора, актеров.
Первые шаги кинорежиссуры, как новой творческой профессии, были ориентированы на подражание — театру, цирковой феерии, мюзик-холлу. Ее эстетическое самоопределение связано с утверждением экранного реализма как воспроизведения мира действительности и образа человека специфическими кинематографическими средствами.
КИНОСЪЁМКА
Процесс записи действий на пленку называется киносъёмкой, а полученное в результате изображение используется для создания кинофильма.
В процессе киносъёмки при помощи объектива на светочувствительной киноплёнке последовательно фиксируются фотографические изображения отдельных фаз движения объекта съёмки с частотой, превышающей порог человеческого восприятия.
В результате при воспроизведении полученного фильма зрители воспринимают последовательность неподвижных изображений как одно непрерывно движущееся.
Стандартная частота киносъёмки звукового кинематографа во всём мире составляет 24 кадра в секунду.
КИНОСТУДИЯ
 
Комплекс зданий, сооружений и сотрудников.
Так называется предприятие по производству кинофильмов. Процесс создания фильма сложен, он включает в себя и задачи производственно-технические (не случайно киностудии одно время назывались «кинофабриками»), и задачи творческие. И в этом соединении производственных и творческих задач — главная особенность работы киностудии.
Кинофильм, как произведение искусства создается на киностудии в результате совместных усилий творческих работников:
; сценаристов,
; кинорежиссеров,
; операторов,
; актеров,
; художников,
; композиторов,
; звукооператоров,
; производственно-технического персонала отделов.
Основным творческо-производственным звеном является съемочная группа, руководимая режиссером-постановщиком и директором.
При киностудии имеется художественный совет. Он обсуждает сценарии, просматривает эскизы декораций и костюмов, оценивает отснятый материал, принимает написанную композитором музыку, дает оценку законченному фильму.
Сценарный отдел киностудии выполняет работу по сценариям, от заказа их авторам, до окончательной подготовки текста.
Актерский отдел обеспечивает подбор актеров для участия в съемках.
Отдел подготовки съемок объединяет отделы и мастерские: пошивочный костюмерный, склады реквизита и мебели, пиротехнический цех и оружейный склад, гримерный цех.
Посмотрим, как идет работа над постановкой художественного фильма. Все начинается с того, что на студию поступает литературный сценарий, в котором изложен сюжет будущей картины, определены характеры действующих лиц, задано в словесной форме действие каждого из эпизодов. Если сценарий принимается к постановке, то создается съемочная группа во главе с режиссером-постановщиком, определяются сроки работы над фильмом внутри общего производственного плана студии. Затем начинается подготовительный период постановки. Он включает в себя и составление точного календарного плана работы над фильмом, и расчет финансовых затрат, и всестороннюю подготовку творческого процесса. Формируя группу, режиссер-постановщик приглашает главного оператора — непосредственного руководителя съемки, художников для создания эскизов кадров, проектов декораций и костюмов. По предложению режиссера студия приглашает композитора, который будет писать музыку к этому фильму. Наконец, режиссер подбирает актеров на роли персонажей фильма.
Работа над кинопроизведением — это всегда коллективный труд. Замысел фильма должен быть воплощен во всех деталях. Режиссер-постановщик отвечает за то, чтобы фильм сложился как единое целое.
В подготовке фильма участвуют разные цеха студии, в которых работают специалисты различных профессий: плотники и электрики, портные и фотолаборанты, архитекторы и гримеры, мастера пиротехнических эффектов и искусные бутафоры, способные подготовить для съемок даже самые редкие предметы старины.
Пошивочный цех и костюмерная мастерская обеспечивают исполнителей костюмами; макетно-бутафорский цех и отдел реквизита предоставляют все необходимое для создания требующейся по сценарию обстановки; отдел декорационно-технических сооружений занимается постройкой декораций по утвержденным эскизам; специалисты осветительного цеха под руководством оператора готовят для съемок каждого эпизода нужную систему освещения.
 Вслед за подготовительным периодом работы над фильмом идет период съемочный.
Съемки бывают павильонные и натурные, т. е. они производятся внутри студийных павильонов (специальных помещений на территории студии) или же в условиях натуральной среды — будь то городские улицы или природный ландшафт (который также может дополняться специально выстроенными декорациями). Нередко работа над фильмом требует проведения экспедиций: часть съемочной группы во главе с режиссером и оператором выезжает в определенную местность, иногда дальнюю, где имеется наиболее подходящая реальная обстановка для съемки нужных эпизодов. Нередко на территории самой студии строится система декораций, воспроизводящая, к примеру, уличный перекресток какого-нибудь старинного города и т. п. Большая современная киностудия представляет собой своего рода «город» со множеством разнообразных строений, открытых пространств (натуральных площадок), зеленых насаждений и т.д. Очень часто съемка картины ведется не в той последовательности, какая задумана по сюжету и должна быть представлена на экране. Иногда заключительную сцену приходится снимать задолго до того, как будут отсняты вступительные эпизоды. Действие выстраивается в окончательном порядке лишь в период монтажа фильма.
Под руководством режиссера специалисты монтажного цеха исключают из отснятого материала все лишнее, уточняют длительность каждого эпизода и кадра, соединяют их так, чтобы придать действию фильма определенный ритм, ясность и законченность. Этот период постановки называется монтажно-тонировочным, так как он включает в себя окончательную работу не только над изображением, но и над звуком. В это же время режиссер совместно со звукооператором находят точное место для звучания музыки (исполнение ее записывается на пленку) и создают завершенную фонограмму фильма, т. е. единую звукозапись голосов актеров, шумов и музыки. А в тех случаях, когда тот или иной эпизод актерского действия снимался без одновременной записи голосов исполнителей, в специальном павильоне (тонстудии) производится дополнительная запись звучащих реплик актеров.
Таков процесс работы на киностудии художественных фильмов. Но кроме того, существуют студии, которые производят фильмы других видов. Их работа строится иначе. Так, на студиях хроникально-документальных фильмов принят другой порядок прохождения сценария, там нет цехов, готовящих реквизит, декорации, костюмы для съемок, поскольку всякий документальный фильм снимается в реальной обстановке. Для таких съемок используется специальная техника: портативная аппаратура, специализированный автотранспорт для операторов и др. Свои особенности имеет работа студий научно– популярных фильмов: там бывают необходимы и павильонные съемки, и реквизит, и разнообразные технические приспособления для специальных съемок (например, комбинированных), и это требует наличия соответствующих цехов.
 Особенности работы студий мультипликационных фильмов связаны с тем, что при создании мультфильма воспроизводится не действие живых актеров и не поведение реальных людей, а искусственно создаваемое перед камерой движение плоскостных (рисованных) или объемных фигурок, выполненных художниками.
КИНОСЦЕНАРИЙ
Сценарий (итал. scenario — сцена) — литературно-драматическое произведение, предназначенное для воплощения на экране, идейно-художественная основа будущего фильма (в кино и на телевидении).
Литературный сценарий  определяет своеобразие будущего фильма.
Вначале сценарий представлял собой лишь элементарное описание последовательности сцен, необходимой для развертывания сюжета.
Но сценарий при всей своей самостоятельности и законченности литературной формы существует прежде всего для последующего воплощения его в экранных образах.
Эта образность заложена в сценарии, в единстве его элементов:
; в драматическом конфликте,
; в движении сюжета,
; в раскрытии характеров и т.д.
; ремарки,
; описательная часть сценария,
; диалоги,
; закадровый текст (необязательно в каждом сценарии). 
Вначале сценарий представлял собой лишь элементарное описание последовательности сцен, необходимой для развертывания сюжета.
По мере развития киноискусства он приобретал новые черты, а с приходом в кино звука окончательно сформировался как современный тип сценария фильма.
Литературный сценарий станет основой для режиссерской разработки, которую также необходимо сделать.
Режиссерский сценарий — это как бы фильм на бумаге. В нем сцены и эпизоды разбиваются на кадры, которые нумеруются, указывается приблизительная длительность кадра, а также план. Режиссер-постановщик должны решить важнейшую задачу о переходах между смежными кадрами, сценами и эпизодами. Чем кончается действие в одном кадре и начинается в следующем? Оправдан ли переход от одного плана к другому, не нарушается ли логика повествования? В некоторых случаях уместно использовать наплыв или затемнение, которые укажут зрителю, что прошло время и изменилось место событий. Важно указать предполагаемое движение камеры или панораму.
КИНОСЦЕНАРИСТ
Сценарист – создает литературный сценарий фильма. Сценаристы делают описание сцен, пишут диалоги и так далее. Это кинодраматург.
КИНОТЕАТР
Кинотеатр — здание (или его часть), специально предназначенное для показа кинофильмов. Кинотеатры подразделяются: по виду демонстрирования фильмов — на обычные, широкоэкранные и широкоформатные; по репертуару; по количеству залов и по наличию дополнительных помещений (фойе, кафе и т.д.); по эксплуатационным особенностям — на круглогодичные и сезонные. Все кинотеатры различаются так же по вместительности зрительных залов.
КИНОШЛЯГЕР
Киношлягер – популярный, модный фильм обычно с легко запоминающимся сюжетом.
КИНОХИТ
Кинохит — пользующаяся наибольшей популярностью произведение киноискусства (например, мультфильмы, клипы, телефильм), «проходящий на ура», рекордсмен кассовых сборов.
КИЧ
Кич (нем. – халтура) – это те предметы, явления, картины, фильмы и вообще все, что выполнено в плохом вкусе, недостойное лучшего употребления, чем «для кухни». Это низший пласт массовой культуры, синоним псевдокультуры, халтура, бульварщина, рассчитанный на внешний эффект. Термин возник на рубеже XIX-XX вв. в среде мюнхенских художников для обозначения востребованности примитива как массового искусства, не требующего обучения, напряжения при его создании и восприятии.
КЛАВИР
Клавир (нем. Clavier, Klavier, от фр. clavier — «клавиатура») – 1. Общее название всех струнных клавишных инструментов (клавикордов, клавесина, рояля, пианино и т. п.). 2. Переложение оперной или симфонической партитуры для пения в сопровождении фортепьяно или для исполнения на фортепьяно. Переложение для фортепиано оркестровых партитур: симфоний, опер с добавлением вокальных партий, балетов и т.п.
КЛАССИЧЕСКАЯ МУЗЫКА
Класси;ческая музыка — образцовые музыкальные произведения, золотой фонд мировой музыкальной культуры. Классические музыкальные произведения сочетают глубину, содержательность, идейную значительность с совершенством формы. К классической музыке могут быть отнесены как произведения, созданные в прошлом, так и современные сочинения. В разговорном языке понятие «классическая музыка» часто используется как синоним музыки «академической» или «симфонической».
КЛАССИЧЕСКАЯ ШКОЛА ТАНЦА
Классическая школа танца – система практических приемов по управлению движениями на основе мышечных ощущений, требующая фиксации для закрепления основ, как необходимое условие совершенствования. На ее основе приобретается навык перестройки системы движений. Задача школы – научить студента правилам и приемам, при помощи которых можно управлять устойчивостью, апломбом.
Классический танец требует не только физических навыков, но также теоретических знаний.
Терминология разбита на группы:
– Exercise у станка и на середине зала.
– Положения, направления, позы, дополнительные движения.
– Прыжки.
– Вращения.
КЛАССИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ
Класси;ческий та;нец — система выразительных средств хореографического искусства, основанная на тщательной разработке различных групп движений и позиций ног, рук, корпуса и головы.
1) Исторически сложившаяся, упорядоченная система танц. движений, к-рая формировалась на протяжении мн. веков и у мн. народов.
Классический танец – система художеств, мышления, оформляющего выразительность движений, присущих танц. проявлениям человека на разл. стадиях культуры. В классическом танце эти движения входят не в эмпирически данной форме, а в абстрагированном до формулы виде.
Система К. т. складывалась путём отбора определённых положений и движений. Из множества движений человека – трудовых, бытовых и пр. – отобраны положения и движения, обладающие определённостью, законченностью, пластически раскрывающие духовный мир человека, т. е. положения и движения, представляющие эстетич. ценность благодаря своей, выразительности – движения танц. свойства. Этот процесс можно сравнить с тем, к-рый происходил при образовании муз. системы, когда из множества существующих в природе звуков были отобраны звуки особого свойства – музыкальные.
Важнейший принцип К. т. – выворотность (en dehors). В её основе – естественное стремление человека к распрямлённости, вытянутости, прямизне. Выворотность позволяет использовать боковые движения.
Наибольшей вытянутости, прямизны человек способен достигнуть в прыжке, полёте; высшая точка вытянутости на полу – танец на пальцах (пуанты).
Происхождение выворотности приписывают иногда франц. придворному балету, хотя известно, что она существовала с незапамятных времён, когда едва началась разработка приёмов сценич. танца как в Европе, так и на Востоке. На основе выворотности в К. т. разработано учение о закрытых (fermes) и открытых (oeverts), скрещенных (croises) и нескрещенных (effaces) позициях и позах, а также о движениях наружу (en dehors) и внутрь (en dedans).
 Система К. т. разработала позиции ног, рук, корпуса, головы (причём позиции ног разработаны значительно полнее), строго ограниченное число групп движений, включающих понятия: сгибать (plier – плие), вытягивать (etendre – этандр), поднимать (relever – релеве), скользить (glisser-глиссе), прыгать (sauter – соте), бросать (elancer – элансе), поворачивать (tourner-турне). В механическом смысле К. т. представляет собой переход из одной позиции в другую при помощи перечисленных движений.
К. т. связан с европ. профессиональной музыкой. Попытки оторвать его от музыки ни к чему не привели. Таким образом, если в пространстве К. т. руководствуется собственными законами, то во времени он полностью согласуется с музыкой и измеряется теми же длительностями, что и она. К. т. черпает своё содержание из музыки. Возможны, однако, случаи, когда музыка лишь иллюстрирует танец, аккомпанирует ему, являясь метроритмической основой.
К. т. находится в непрерывном развитии, обогащается, черпая новые пластические формы из народного танца, из других танц. систем.
2) Учебная дисциплина, которая представляет собой танц. гимнастику, необходимую для развития выразит, средств танцовщика.
Так, выделяют следующие основные группы движений:
• плие (plier) – сгибание ног в коленях;
• этандр (etendre) – вытягивание корпуса и конечностей;
• релеве (relever) – подъем на полупальцы;
• глиссе (glisser) – плавное скольжение стопы по полу;
• соте (sauter) – прыжки;
• элансе (elancer) – бросок ноги;
• турне (tourner) – поворот вокруг себя.
КЛИП
Клип (англ. – стричь, делать вырезки) – это короткие музыкальные произведения, исполняемые на фоне декораций или живой природы и действий в цивилизованных условиях. С помощью фона, декора авторы стараются сделать более привлекательными песню или рекламу или исполнителя и торговую фирму, а также усилить эффект от основной идеи музыкального произведения или текста. Чаще всего клипы применяются в эстрадном искусстве. Это мультисистемы, с помощью которых достигается больший эффект психологического воздействия на слушателя и одновременно зрителя. Такие клипы создаются в основном для показа по телевидению и называют их видеоклипами.
КОМБИНИРОВАННЫЕ СЪЕМКИ
Комбинированные съемки (англ. combine — соединять) — приемы и методы киносъемки, объединяющие в одном кадре изображения, снятые в разное время или в разном масштабе. Комбинированные съемки значительно расширяют возможности кинематографа. Они широко используются при создании фантастических, приключенческих и сказочных фильмов; позволяют практически осуществить самый сложный авторский замысел.
КОМЕДИЯ
Комедия (гр. – толпа веселых гуляк и песнь) – драматическое произведение с веселым, смешным сюжетом. В театре означает жанр драмы, в котором действие и характеры трактованы в смехотворной форме. Комедия противоположна трагедии. Жанр веселого, жизнерадостного характера, часто осмеивающий недостатки общественной жизни, быта, людей и т.д. Самый популярный жанр театра и кино. Виды комедии: сатирические, юмористические, трагикомедии и т. д.
Комедия, как и трагедия, родилась в Древней Греции из обрядов, сопровождавших праздники в честь бога Диониса. Но если трагедия возникла из торжественной части праздника, то комедия — из шествия ряженых, распевавших озорные песни. Греческие слова komos — шествие и ode — песнь и дали название жанру комедии. «Отцом комедии» называют древнегреческого комедиографа Аристофана (ок. 445 — ок. 385 до н. э.). Популярен этот жанр был и в Древнем Риме (Плавт, Теренций). Именно римская комедия оказала существенное влияние на развитие жанра в Европе.
Комедия, трезво исследуя человеческую природу, высмеивала пороки и заблуждения людей. Основываясь на изображении комических персонажей и ситуаций, она поднималась к принципиальным обобщениям, прозорливо судила о личности и обществе. Лучшие образцы этого жанра отличаются бескомпромиссностью анализа, остротой и смелостью изображения пороков общества.
В разных странах на всех этапах истории театра возникали свои варианты комедий. Известны «ученая» комедия итальянских гуманистов и испанская комедия Лопе де Вега и Кальдерона, английская комедия эпохи Возрождения (У. Шекспир и его современники), французская классицистская комедия, комедия эпохи Просвещения, русская реалистическая комедия.
Принципы классификации комедии многообразны. В зависимости от структуры различают комедии характеров и комедии положений. По типу сюжетов и характеру их обработки комедии могут быть бытовыми, лирическими, сатирическими, комедиями нравов. Бывают героические комедии, трагикомедии (когда комедийный конфликт приобретает черты глубокого драматизма). Комическое проявляется в произведениях этого жанра разными своими гранями и оттенками: от легкой иронии, насмешки до бичующей сатиры, от мягкого юмора до горького сарказма. Однако чаще всего в пьесах возникает сложный сплав как структурных, так и чисто стилистических элементов. Это особенно характерно для современного театра.
 «Честное, благородное лицо...»
Плавание выдалось неудачным. Пароход, совершавший рейсы на гамбургской линии, часто останавливался посреди морского простора: машина то и дело выходила из строя. Труба сильно дымила и осыпала копотью смельчаков, тех, кто решился покинуть каюты и выйти на палубу. Вместо четырех дней плавание растянулось на одиннадцать. По ночам сильно качало и сквозь вой ветра слышны были крики испуганных пассажирок...
Гоголь подолгу стоял на палубе, пренебрегая копотью и качкой, смотрел на свинцовые волны и с тоской вспоминал события последних месяцев, все то, что заставило его покинуть родину.
Все началось со злосчастного для него дня 19 апреля 1836 года. В тот вечер он уселся в театральной ложе петербургского Александринского театра, волнуясь, стараясь никому не показываться на глаза и с трепетом ожидая последнего звонка и поднятия занавеса.
Наконец занавес раскрылся, и зрители увидели на сцене нескольких чиновников в мундирах: попечителя богоугодных заведений, смотрителя училищ, судью, частного пристава, лекаря и двух квартальных. Все они в напряженных позах смотрели па пожилого, полного, коротко стриженного человека в мундире с петлицами и в ботфортах со шпорами.
«Я пригласил вас, господа, с тем, – начал он, – чтобы сообщить вам пренеприятное известие. К нам едет ревизор».
С этих, хорошо знакомых вам слов городничего и началось первое в истории представление комедии «Ревизор». Главные роли исполняли лучшие актеры тогдашней труппы театра. Хлестакова играл Н. О. Дюр, городничего – И. И. Сосницкий, Марью Антоновну – В. Н. Асенкова.
Зрительный зал бушевал. Студенты в райке восторженно аплодировали, смеялись, восхищенно обменивались впечатлениями. Другие, те, что занимали свои обычные места в партере и ложах, шикали, возмущались, бранили автора и актеров. Потому что многие из них вполне могли узнать в персонажах комедии самих себя. Один из этих господ уже в антракте сказал, что пьеса Гоголя – клевета на Россию. А другой кричал, что сочинителя следует в кандалах отправить в Сибирь! Через несколько дней на писателя обрушились и столичные газеты. Так, тревожно для автора, началась в 1836 году сценическая история «Ревизора». Писатель решил даже на некоторое время уехать из Петербурга.
Шли годы, а Гоголь не переставал размышлять о судьбе своей комедии, о комедиях вообще. В 1842 году он написал драматическое сочинение «Театральный разъезд после представления новой комедии». Действие этой необычной пьесы происходит в вестибюле театра, где Автор незаметно притаился и, никем не видимый, слушает отзывы зрителей о своей пьесе.
В «Театральном разъезде» много горечи, иронии, сарказма: Автор слышит самые вздорные высказывания и мнения, видит полное непонимание своего замысла (за ним, как мы можем догадаться, стоит «Ревизор»). В конце «Театрального разъезда» Автор говорит:
«– Мне жаль, что никто не заметил честного лица, бывшего в моей пьесе. Да, было одно честное, благородное лицо, действовавшее в ней во всё продолжение ее. Это честное, благородное лицо был – с м е х... Никто не вступился за этот смех. Я комик, я служил ему честно, и потому должен стать его заступником. Нет, смех значительней и глубже, чем думают... «
Тут мы подходим к очень важному признаку хорошей комедии.
Лучшие образцы драматургии всегда принадлежат своей эпохе, отражают ее приметы, черты, особенности. Но отличительная черта великих произведений состоит в том, что они сохраняют интерес для людей в любую эпоху, во все времена. Зрители «Ревизора» всегда будут смеяться над глупыми чиновниками, всегда будут гневно осуждать взятку, подкуп и подлость, всегда благородно и смело будет звучать положительный гоголевский смех!
Комедии бывают разные. Некоторые развлекают нас и веселят, дают душевную разрядку – не более того. Такая пьеса имеет право на существование, хотя и мало воздействует на духовный мир человека. Хорошая комедия решает общественную задачу искусства. Еще древнеримский поэт Гораций нашел ее верную формулу: развлекая – учить.
Великие драматурги давно поняли: комедия старается исправлять людей и нравы смехом, а не насмешкой. Ее польза, общая для всех, заключается в самом смехе, в развитии нашей способности подмечать смешное, в развитии у нас чувства юмора. А чувство юмора – один из признаков зрелости души.
КОМИЧЕСКИЕ ПРИЕМЫ
Комические приемы – способы создания жизненных противоречий через осмеяние. В основе этих способов – создание чего-либо несоответствующее норме. Совокупность комических приёмов – это методика, технология создания чего-либо смешного.
Базовые комические приемы необходимы для того чтобы создавать так называемые образы явлений, порождающих смешное.
Приведем наиболее распространенные приемы, использующиеся в комическом творчестве:
• Изменение и деформация явлений
• Необычные эффекты и сопоставления
• Несоразмерность в связях и отношениях между явлениями
• Мнимое объединение разнородных явлений
• Создание явлений, отклоняющихся от нормы
КОМИЧЕСКОЕ
Комическое – значит смешное. Комическое – это средство раскрытия жизненных противоречий через осмеяние.
В основе комического – несоответствие норме.
Средства создания комического: комический персонаж, комическая деталь, комические обстоятельства.
Основные приемы комического:
; эзоповский язык,
; иносказание,
; деформация,
; неожиданность,
; несоответствие,
; недоразумение и
; прием разоблачения посредством анахронизмов.
КОМПЛИМЕНТ
 
Комплимент (фр. compliment, от др.-фр. и пров. complir – исполнять) — это особая форма похвалы, выражение одобрения, уважения, признания или восхищения; любезные, приятные слова, лестный отзыв.
Комплимент – традиционный поклон артиста по окончании номера и в ответ на вызовы зрителей (преимущественно в цирке). В цирке — комплимент — разновидность поклона, благодарности зрителю.
КОЛЫБЕЛЬНАЯ ПЕСНЯ
Колыбельная песня – жанр детского фольклора бытового назначения. Колыбельные песни пелись матерью у колыбели засыпающего ребенка в возрасте до пяти лет. В русской народной культуре колыбельные носят мифологический характер, в них много мифических персонажей – Дрема, Сон, Соня-Засоня, Засыпай и др. Эти песни могут исполняться в разных жанрах: причитание, заклинание, заговор, песня-сказ, просто песня. В них много пожеланий ребенку здоровья, ума, добра, удачи, благополучия, а также охранного от злых людей, болезней, напастей. Колыбельные песни не просто усыпляют ребенка своей ритмичностью, мелодичностью и тихим женским голосом; они выполняют и психотерапевтическую функцию – оберегают, оздоравливают, и воспитательную – передают «с молоком матери» нравственные ценности.
КОНЦЕРТ
Концерт (от лат. concerto — состязаюсь).
1) Публичное исполнение музыки по определенной программе. Публичное исполнение музыкальных произведений, независимо от жанров, направлений, количества исполнителей, по заранее объявленной программе.
2) Произведение для одного или нескольких исполнителей, в котором часть инструментов или голосов противостоит всему ансамблю (оркестру). Наиболее популярной разновидностью жанра является концерт для солирующего инструмента с оркестром. Особые разновидности — концерты для голоса (голосов) с оркестром и для хора а капелла.
КОНЦЕРТМЁЙСТЕР
Концертмёйстер (нем. Коnzertmeister).
1) Пианист, помогающий исполнителям — певцам и инструменталистам — разучивать партии и аккомпанирующий им на концерте.
2) Первый скрипач оркестра.
3) Ведущий музыкант в каждой из струнных групп оркестра.
КОРДЕБАЛЕТ
Кордебале;т (фр. corps de ballet) — артисты балета, исполняющие массовые танцевальные номера; ансамбль из танцовщиков и танцовщиц, в балете, а также опере, оперетте и мюзикле. По своей функции кордебалет подобен хору в опере. Солирующий артист, который ведёт танец, называется «корифей», вокруг него и группируется кордебалет. Искусство кордебалета требует предельной групповой слаженности и точности движений.
КОСПЛЕ;Й
Коспле;й (англ. costume play — «костюмированная игра» или «костюмированная пьеса») — это перевоплощение в различные роли, заключающееся в переодевании в костюмы и отыгрывании характера, пластики тела и мимики персонажей компьютерных игр, кинематографа, литературы, комиксов, аниме и манги. Вход в роль. Претворение в жизнь образа героя из вымышленного произведения, будь то книга, комикс, фильм или аниме.
КОСТЮМЕР
 
Костюмер – одевает актера, готовит его к роли.
Во время съемок всю текущую работу над костюмами, их подготовку, хранение осуществляет костюмер, работающий под руководством художника по костюмам.
КОСТЮМ КИНОТЕАТРАЛЬНЫЙ
Костюм (одежда актера) может точно охарактеризовать эпоху, место действия, социальное положение героя, его характер и даже душевное состояние.
Нередко решить проблему костюма помогают консультанты – историки, этнографы, специалисты военного дела.
Как стать мягким и вкрадчивым?
Известный ленинградский артист Николай Федорович Монахов рассказал удивительный случай.
Ему поручили роль в постановке пьесы из старой китайской жизни. Режиссер требовал, чтобы Монахов подчеркнул в своей роли необычную мягкость и вкрадчивость пожилого китайца.
Николай Федорович работал много, упорно. Особенно старался овладеть техникой владения веером, движения которого в старом китайском театре полны смысла: это язык без слов. Но требуемых режиссером внутренних качеств артист придать своему персонажу не мог, ничего не получалось. Дошло до того, что Монахов пришел в кабинет руководителя театра, заявил, что отказывается от роли и даже разрыдался. Такое бывает в театре не часто.
Во время этого разговора в кабинете случайно оказался художник-костюмер театра Н. В. Воробьев. Он сказал:
— Николай Федорович, не надо отчаиваться. Вы отдохните денька два-три, а потом соберитесь с духом и приходите на репетицию на полчасика раньше, я хочу с вами побеседовать.
В назначенный день артист пришел в театр с чувством безнадежной внутренней пустоты и с решением от роли отказаться. Воробьев встретил его в коридоре и пошел с ним в его артистическую уборную – комнату, где артисты переодеваются и готовятся к выходу на сцену.
Воробьев попросил артиста снять не только пиджак, брюки, ботинки, но и белье.
— Зачем это? – удивился артист.
— Ничего, ничего, снимите.
Когда Монахов разделся донага, художник-костюмер предложил ему надеть на голое тело специально сшитое в костюмерной мастерской театра белье из тончайшего шелка. Артист переоблачился, поверх шелкового белья надел китайский костюм и в растерянности вышел на репетицию.
А дальше приведу слова самого Монахова:
«Первый же прочитанный мною монолог заставил меня самого остолбенеть от неожиданности. Я никогда так не говорил, не мог так произнести своего монолога.
Мягкий шелк, касавшийся тела, сообщил всему моему существу такую мягкость, такую вкрадчивость, такую ласковость в обращении со словами, какой я в себе никогда не подозревал».
Через неделю спектакль был показан публике и прошел с громадным успехом.
Как видите, сценический костюм оказался важным условием актерской работы. Он помог ощутить и передать характер действующего лица.
В понятие театрального костюма входят все виды одежды, обувь, головные уборы, украшения и другие предметы. Костюм для роли выбирается отнюдь не по вкусу актера. Эскизы, зарисовки всех видов одежды для персонажей спектакля делает художник, обычно тот, кто оформляет весь спектакль. По его эскизам шьют костюмы в костюмерных мастерских театра.

КОТУРНЫ
В античном театре – обувь для трагических актеров на необычно высокой подошве. Она увеличивала рост актера, придавала ему величие, торжественность.
Как и некоторые другие термины античного театра, слово это можно употреблять сегодня в переносном смысле. «Не становись на котурны» – это значит: не действуй и не говори так многозначительно, торжественно; будь естественнее и проще. Поменьше пафоса!
КРОССОВЕР
Кроссовер (англ. crossover, сокр. х-over, буквально переходное или согласующее устройство, пограничное или переходное явление, пересечение и т. п.) — собирательное название, относящееся к различным понятиям и предметам. В кинематографе это фильм, в котором оказываются вместе персонажи каких-либо других фильмов, например, “Чужой против Хищника”, “Лига выдающихся джентльменов”.
КРУНЕР
Крунер (от англ. croon — мурлыкать; напевать вполголоса, тихо и проникновенно) — 1) вокалист, придерживающийся принципов свинговой фразировки. Эстетика крунинга — это манера пения, представляющей собой нечто среднее между пением вполголоса («себе под нос») и ритмической декламацией. Первоначально выступали в сопровождении биг-бэндов. Так называемая крунерская манера пения включила в себя многие элементы: традиции блюза и гавайской музыки, бродвейских мюзиклов и бельканто. Характерными особенностями «крунинга» являются непринужденное звукоизвлечение, повествовательная и элегантная подача материала, присказки и имитация разговора в паузах между куплетами. Тембральная насыщенность голоса также играет особую роль. Наиболее известные представители: Бинг Кросби, Энди Уильямс, Перри Комо, Фрэнк Синатра, Дин Мартин, Нат Кинг Коул, Тони Беннетт, Мел Торме, The Righteous Brothers. Среди артистов, использовавших элементы крунинга в Советском Союзе — Леонид Утесов, Бруно Оя, Владимир Трошин, Олег Анофриев, а также Вадим Мулерман, Муслим Магомаев, Владимир Макаров, Гарри Гольди, Николай Щукин. Современные — Майкл Бубле, Робби Уильямс, Ричард Уиллис Хоули, Гарри Конник, Роже Цицеро. В репертуаре большинства крунеров важное место занимают джазовые стандарты, представленные Great American Songbook, лирико-романтические баллады, салонно-танцевальная, свинговая и эмбиентная музыка отдыха (easy listening), мелодии из мюзиклов и кинофильмов.
2) эстрадный певец, исполнитель чувственных, сентиментальных песен.
КУКЛА НА ГОЛОВЕ
Разновидность верховой куклы (см. «Верховая кукла»). Используется, как правило, для коротких кукольных эстрадных номеров. С куклой на голове работали многие известные кукольники, в том числе и Сергей Образцов (см. «Образцов»). Кукла укрепляется на голове артиста, который стоит за ширмой (см. «Ширма»). А руки актер продевает в рукава одежды куклы, и они становятся руками его куклы.
КУКЛА ТЕАТРАЛЬНАЯ
Это действующее лицо любого кукольного спектакля, персонаж, созданный художниками специально для кукольной сцены. Театральные куклы бывают двух видов – верховые (находятся выше актера) и низовые (находятся ниже актера-кукольника, потому что он управляет ими сверху).
Верховые куклы – это перчаточные, тростевые, теневые куклы. Низовые – это марионетки и планшетные куклы.
КУКЛЫ-АВТОМАТЫ
Куклы-автоматы появились очень давно. Их знали и в Древнем Египте, и в Древнем Риме. Они возникли из магических обрядов древности. Считалось, что первые автоматы изобрели боги. Одним из таких «изобретателей» был древнегреческий бог Вулкан. Эту историю рассказал автор «Одиссеи» и «Илиады» поэт Гомер.
Когда богиня правосудия Фемида пришла в кузницу хромого Вулкана, чтобы заказать ему оружие для своего любимца — героя Ахилла, она увидела, что Вулкан заканчивает изготовление треножников для пиршества богов. Эти треножники были самодвижущиеся. Они сами ездили туда, куда им приказывал Вулкан.
«Двадцать треножников вдруг он работал
В утварь поставить к стене своего благолепного дома,
Он под подножием их золотые колеса устроил,
Сами б собою они приближалися к сонму бессмертных,
Сами б собою и в дом возвращалися взорам на диво…»
Люди всегда мечтали сравняться с богами и создать искусственное подобие человека, животного или птицы… Таких искусственных людей, кукол-автоматов называли андроидами, а тех, кто их создавал: художников, инженеров — тавматургами, «диводелателями».
В греческих и египетских храмах ставили изваяния богов, которые могли поворачивать головы, с открывать рот и глаза, ходить и даже… говорить. Так появился театр кукол-автоматов. Они редко были страшными. Напротив, чаще всего — прекрасными. Существует легенда о том, что древнегреческий скульптор Дедал (тот самый, что изобрел крылья и сын которого — Икар — разбился, подлетев слишком близко к солнцу) не только высекал из мрамора замечательные скульптуры, но и делал их движущимися.
Таких андроидов создавали многие народы мира. Помните сказку Андерсена о соловье и императоре, в которой императору подарили механического соловья? Этот соловей теперь живет в Музее театральных кукол Театра Сергея Образцова (см. «Музей театральных кукол»). И поет!..
Когда умер первый император России Петр Великий, его жена — императрица Екатерина — приказала сделать «восковую персону» — куклу, которая была точной копией Петра Первого. Кукла сидела на троне и смотрела не мигая прямо перед собой. Но когда кто-то осмеливался подойти к ней ближе, чем это было положено по этикету, она неожиданно вставала и поворачивалась в сторону дерзкого…
Несколько столетий назад (в XVIII веке) французские механики Ж. Вокансон и Дюмолен создали кукол, умеющих играть на музыкальных инструментах: флейте, свирели, скрипке. А швейцарский мастер Жак Дроз создал механического писца — куклу, изображающую ребенка 5–6 лет, которая сидела за столом перед чистым листом бумаги, макала гусиное перо в чернильницу и четким, красивым почерком выводила на бумаге фразу за фразой… Сын Дроза — Анри, желая превзойти отца, изготовил куклу-художника, которая могла писать картины… Эти куклы-автоматы дожили до нашего времени. Мальчик-писарь, например, хранится в Мюнхенском музее кукол.
Сегодня появляется много новых самодвижущихся кукол-игрушек! Если бы не древние андроиды, их никогда бы не было! Игрушки ходят, разговаривают, прыгают, летают. Из языческих храмов они пришли в нашу жизнь. А кино? Помнишь «Парк Юрского периода», «Кинг-Конг», «Челюсти», «Звездные войны»?.. Все эти акулы, гигантские обезьяны, динозавры — не что иное, как куклы-автоматы, ставшие киноактерами. Конечно, они совершеннее старинных, у многих есть даже искусственный интеллект — компьютерное управление.
КУКЛЫ НА ВОДЕ
Персонажи вьетнамского народного кукольного театра. Их показывают не на сцене, не на ширме (см. «Ширма»), а на воде. (Зрители, конечно, сидят на берегу.) В воде на больших поплавках плавают декорации. За ними, невидимые публикой, стоят по пояс в воде артисты. У каждого в руке длинный шест, направленный в сторону зрителей. Но этот шест не виден, потому что он находится под водой. К другому концу шеста прикреплена кукла. В нужный момент куклы как бы выныривают из-под воды и играют на воде, как на сцене. А когда им нужно уйти, артисты опускают шест на дно и куклы вместе с шестом ныряют в воду. Так все получают удовольствие: зрители, потому что видят интересный кукольный спектакль, а артисты… потому что купаются.
КУКОЛЬНАЯ КОМЕДИЯ
Кукольная комедия – старинное название любого кукольного представления, будь то трагедия, драма, фарс, опера, балет, пантомима или на самом деле комедия.
КУКОЛЬНИК
Это и артист, и скульптор, и изобретатель. Человек, конструирующий свой собственный, кукольный мир.
Кукольник – это не профессия, это свойство души, способность оживлять весь окружающий мир.
Кукольник – художник кукольного театра и анимационной студии, мастер кукол.
Кукол создают художники-кукольники. Они работают с различными техниками и материалами: деревом, тканями, фарфором, полимерной глиной, красками.
Впервые изготовление кукол выделилось в отдельное ремесло в Древней Греции в 5-4 веке до н.э. Известным центром игрушек был город Сордис.
Большинство греческих кукол было сделано из терракоты, а их конечности крепились веревкой или проволокой.
С древних времен на Руси известна профессия кустарихи-одевальщицы, которая наряжала готовую куклу с головы до ног.
Позднее эта профессия стала называться – мастер по художественному оформлению кукол.
Художник-кукольник находит образ куклы, придает ему натуральность, чтобы получился «живой» человечек, а не просто тряпичная кукла.
Ремесло мастера кукол – это игра, изобразительное искусство и рукоделие одновременно.
Кукла в исполнении художника-кукольника – это художественное изображение, игрушечная имитация живого существа – человека, животного, а может, и нечистой силы. Но в то же время — это сбалансированная конструкция, которая делает куклу устойчивой, а в некоторых случаях и подвижной. На создание хорошей куклы могут уходить месяцы.
Мастер кукол может работать в своей мастерской, скорее всего, прямо на дому.
Художник-кукольник кукольного театра работает в театральной мастерской.
Художник-кукольник анимационных фильмов работает в анимационной студии.
КУКЛОВОД
Кукловод, или актёр-кукольник, — театральная профессия, в которой артист управляет и озвучивает куклу (марионетку, носочную или перчаточную куклу, куклу – чревовещателя и т. п.). Чем искуснее кукловод, тем живее и интереснее получается персонаж, которого изображает кукла.
Куклы иногда приводят в движение при помощи автоматических механических устройств. Существует три типа кукол: верховые, низовые, срединные. Они отличаются способом управления.
Куклы в театре – это марионетки и планшетные куклы. 
Марионетка управляется с помощью ниточек, на которых подвешены части её «тела». Актеры управляют марионетками, создавая иллюзию самостоятельных действий персонажа. Кукловод возвышается над куклой и, подёргивая за нитки, приводит её в движение.
С планшетными куклами всё наоборот: кукловод прячется за ширмой, а кукла находится над ней.  Она управляется с помощью рукояток и рычагов.
Кукла, занятая в анимационном фильме, не нуждается ни в ниточках, ни в рукоятках. Она устроена таким образом, чтобы мультипликатор мог понемногу менять её положение. Делается огромное количество кадров, каждый из которых передаёт часть движения. Кукла оживает на экране, когда все отснятые кадры показывают друг за другом.
КУКОЛЬНЫЙ ТЕАТР
Сами работники театра не любят употреблять этот термин. Они всегда говорят: «Театр Кукол». Но мы – зрители – нам можно использовать оба термина. И будем знать, что практически везде есть свой профессиональный сленг, который позволяет легко отличить профессионала от любителя и дилетанта.
Кукольный театр – это театр великой магии. Он и родился как древний магический ритуал.
Древние считали, что человек — не мера всех вещей и уж тем более не венец творения. Они полагали, что человеку нечего особенно гордиться своим происхождением. Он всего лишь марионетка в руках высших сил. Марионетка, которая выполняет (или не выполняет) свою роль.
Веселый арабский поэт, мудрый философ и великий астролог Омар Хайям как-то грустно, но точно заметил:
«Мы — послушные куклы в руках у творца.
Это сказано мною не ради словца.
Нас по сцене всевышний на ниточках водит
И пихает в сундук, доведя до конца».
Люди смотрят на кукол и видят в них отражение самих себя. И если меняются люди, меняются куклы. Но, с другой стороны, люди тоже отражение. Отражение кукол. А значит, если меняются куклы, то изменяются и люди. Не зря же великий английский писатель Дж. Свифт сказал: «Для того, чтобы показать человека со всеми его странностями, был изобретен кукольный спектакль».
А другой писатель — М. Е. Салтыков-Щедрин — справедливо утверждал, что из всех существующих в мире тайн тайна куклы — самая загадочная.
Кукольный театр развивался с древних времен. Сохранились свидетельства ритуальных мистерий в Египте. Действа проходили с персонажем, который воплощал Осириса. Упоминания об игровых куклах встречаются у Геродота, Ксенофонта, Аристотеля и других. В Древнюю Грецию и Рим представления пришли с труппами из Индии, Китая.
Благодаря таланту и творческому мастерству кукольников каждая встреча с живой сказкой превращается для юных поклонников театра на волшебное приключение, которое дарит радость и наполняет жизнь яркими и фантастическими переживаниями, вводит к прекрасному миру театрального искусства, помогает стать на путь добра и справедливости, формирует понятия об истинных человеческих ценностях.
Кукольный театр на воде – вьетнамская традиция, которая сформировалась к XI веку н.э. Он появился на севере страны, в деревнях у дельты реки Хонгха. Крестьяне использовали такое развлечение в период наводнений. Персонажей делали из дерева, покрывали лаком. Представление проводилось в неглубоком бассейне.
В Сицилии основа сюжетов спектаклей – поэма Л. Ариосто «Неистовый Роланд». Персонажи – благородные рыцари-паладины. Ими называют фанатично преданных какой-либо идее или человеку. Рост кукол может достигать полутора метров.
КУЛЬТУРНЫЙ КОД
Культурный код — это набор характеристик, которые помогают идентифицировать культуру. Например, элементами национального культурного кода пользуются режиссеры, чтобы показать, что место действия в фильме — условно — Париж. Вам покажут столик на двоих с вином и багетом, Эйфелеву башню и т.д.
Культурный код — это одновременно знаковая структура и свод правил по упорядочиванию знаков — вместе они позволяют раскрыть смысловое содержание культурного элемента, например, отдельного слова или чего-то сложного — литературного произведения, фильма.
Обобщая эти два определения, можно сказать, что культурный код состоит из речевой характеристики, символов, ассоциаций, стереотипов и поведенческих норм.
Культурный код — не конечная величина. Он складывается из прошлого культурного опыта общества, информация собирается, скручивается и упаковывается в конечный культурный продукт, — вроде нам представлен самостоятельный продукт, будь то книга, фильм или даже рекламный ролик, но он будет пронизан отсылками к тому, что уже когда-то было воспроизведено.
Понимать культурный код нужно хотя бы ради того, чтобы при просмотре фильма на языке оригинала не чувствовать, что вы чего-то недопонимаете. Порой для лучшего понимания произведений и людей нужно совершать полноценные историко-культурные исследования.
КУПЛЕТЫ
Куплеты (фр. – песенка) – эстрадный номер. Жанр комической или сатирической песни, исполняемой на эстраде, в оперетте, реже в опере (куплеты Адели из оперетты «Летучая мышь» И. Штрауса), реже в опере (куплеты Трике из оперы «Евгений Онегин» П. И. Чайковского). Обычно персонаж исполняет куплеты, обращаясь к другим действующим лицам на сцене.
КУРАЖ
Кура;ж – 1. непринужденно-развязное поведение, показная смелость. 2. состояние эмоционального подъёма. 3. эмоция, связанная с предвосхищением успеха.
Кураж – особое приподнятое настроение, психологическое состояние, ощущение уверенности в успехе дела, передающееся другим. Термин К. пришел из циркового жаргона.
Кураж — это эмоциональное состояние, в котором человек все делает легко, красиво и непринужденно, вовлекая в свои действия окружающих и передавая им свою уверенность в успехе дела. То есть это не тщательно спланированное действие, а мимолетное, захватывающее переживание радостного транса, сопровождающееся чувством личного преимущества. Возникает ощущение, будто огонь одновременно находится внутри и в руках. И тогда человека, что называется, «несет». Именно это и требуется Настоящему Артисту для удачного выступления.
Л
ЛЕЙБЛ
Лейбл (от англ. label – метка, ярлык) — 1) этикетка на виниловой пластинке. 2) обозначение торговой марки или фирменное обозначение, которое присутствует на бирке товара. 3) жаргонное название звукозаписывающей компании, ставшее практически синонимом «лэйбла звукозаписи» — часто подобные компании называют, по укоренившейся традиции, просто лейблом (напр., «записались на лейбле.», «диск выпущен на лейбле.»).
ЛЭЙБЛ ЗВУКОЗАПИСИ
Лэйбл звукозаписи (англ. record label или просто лэйбл) — торговая марка звукозаписывающей компании, выпускающей продукцию (пластинки, диски, видеозаписи) под своей маркой, и ставящую на них свою марку, «лейбл». Бренд, созданный компаниями, занимающимися производством, распространением и продвижением аудио– и иногда видеозаписей (главным образом музыкальные видеоклипы и видеозаписи концертов) на носителях разных соответствующих форматов, среди которых виниловые пластинки, компакт-кассеты, компакт-диски, мини-диски, SACD, DVD и др.
ЛИБРЕТТИСТ
Либреттист – профессиональный составитель либретто.
ЛИБРЕТТО
Либретто (ит. libretto – букв, маленькая книжечка)
1) словесный текст музыкально-драматического произведения (оперы, оперетты); Источником сюжетов либретто обычно является художественная литература (мифы, сказки, поэмы, романы и т. д.).
2) Краткий пересказ содержания оперы, оперетты, балета. Краткое содержание музыкального спектакля; краткое изложение содержания оперы, балета, оперетты.
3) Литературный сценарий балета, его содержание. Сценарий балетного спектакля.
ЛИПСИНК
Ли;псинк или липсинг (англ. lip sync, lipsync: lip – губа, sync – синхронно) – 1) полная синхронизация звукового ряда с визуальным в кино: фильмах, телесериалах и т. п. 2) запись ролика, в котором губы исполнителя двигаются синхронно оригинальной песне или голосу (например, выступление певцов под фонограмму). Дублирование одним или двумя актерами с изменением голоса многоголосого художественного фильма или телесериала. Звуковой дубляж. – 3) движение губ персонажа. Синхронное шевеление губами под какой-то звуковой ряд, фонограмму: песню, мюзикл, спектакль, фильм и прочее.
ЛИЦЕДЕЙ
Лицедей (др. рус. – притворщик) – древнерусское название бродячего актера, играющего чужие роли, надевающего чужую «личину» – маску и костюм. Лицедеи воспринимались народом как притворщики, двуличники, как своего рода оборотни, скрывающие под маской свои дурные стороны. Быть не собой, неискренне говорить, плакать и смеяться осуждалось людьми. С ними избегали личной дружбы, не уважали, но на спектакли ходили охотно.
ЛИЦЕДЕЙСТВО
Лицедейство – актерское искусство. Театральная игра, представление. Притворство.
Лицедейство – театральное представление на площади для народа (на ярмарках, праздниках).
Православная церковь долго не признавала лицедеев и лицедейства как действа, разменивающего свою душу на чужие роли, чувства и слова. Правда, рождественские вертепы на библейские темы ею поощрялись. Постепенно театральное лицедейство добилось всеобщего признания и стало частью духовной жизни общества.
ЛОГЛАЙН
Логлайн – это очень короткий текст: буквально одно–три предложения, которые передают суть истории и побуждают продюсера, режиссера или редактора прочитать сценарий. Короткая и эффектная передача сути истории – это формулировка основного драматического конфликта.
 М
МАКЕТ
Макет (фр. – модель) – модель, предварительный образец чего-либо в уменьшенных размерах. Например, макет декораций театральной постановки.
Театральный макет – уменьшенная модель оформления спектакля. В нем воспроизводится сцена, декорации, мебель, бутафория, даже освещение – вообще все, что будет окружать актера на сцене. Обычный масштаб макета – одна десятая или одна двадцатая натуральной величины. Такой макет похож на кукольный домик. В нем бывают и «куклы» – фигурки актеров. Их можно переставлять по усмотрению режиссера в поисках наиболее выразительных мизансцен.
Макет помогает режиссеру и художнику в их работе над будущим спектаклем.
МАНЕРА
Манера (фр. – способ, образ действия) – творческая; прием, привычка, внешняя форма поведения. Совокупность индивидуальных черт актера, режиссера, определяющие его стиль, образность мышления и методы воплощения замысла режиссера или актерской игры.
МАРИОНЕТКА
Марионетка (фр. marionette – кукла, которая изображает богоматерь, деву Марию (Marie)) – театральная кукла, приводимая в движение посредствам нитей актером-кукловодом. Также лицо или группа людей (марионетки) всецело подчиненных кому–либо и исполняющих любую команду.
Марионетки – аристократы кукольного мира. С ними дружили цари, великие философы, ученые, поэты, конструкторы и математики. Марионетки управляются с помощью нитей. Одни концы нитей закреплены на голове, руках, ногах, туловище куклы, а другие – на ваге (см. «Вага»). Управляя вагой, актер управляет движениями марионетки.
 Марионетка – гениальная древнейшая модель человека. Не зря же большинство философов всех времен и народов любили смотреть на игру этих кукол. «Человек – это марионетка, управляемая божеством», – утверждал древнегреческий философ Аристотель. А другой великий философ – Платон, беседуя с учениками, брал в руки марионетку и объяснял своим ученикам, что людьми, подобно марионеткам, правят нити Добра и Зла, Добродетели и Порока. Но слушаться нужно только одной нити – золотой нити разума. («Золотой» называется нить, управляющая головой куклы.)
 Есть легенда о том, как марионетка стала называться марионеткой. Это случилось в один из ярких солнечных дней больше тысячи лет назад – в 944 году в Венеции. Двенадцать красивейших итальянских девушек в свадебных нарядах направились в церковь святой девы Марии, чтобы сочетаться браком со своими возлюбленными. И вдруг на город напали пираты, приплывшие на быстроходных каравеллах из Триеста. Пираты похитили всех невест, отвезли их на свои суда и вышли в море. Горе и ужас охватили горожан. Но двенадцать отважных женихов бросились в погоню за негодяями, догнали их и спасли девушек. Венецианцы встретили освободителей с ликованием и возблагодарили деву Марию, которая помогла одержать победу над пиратами. С тех пор каждый год в день святой девы Марии горожане выносят на улицы города куклы на нитях, изображающие девушек в свадебных нарядах и их заступницу деву Марию. Эти куклы – деревянные Марии, или иначе «марионы», – получили название «марионетки» – маленькие Марии.
 Марионетки – самые популярные в Западной Европе куклы.
МАССМЕДИА
Массмедиа – массовая коммуникация. «Коммуникация» в этом случае – «общение и связь». «Медиум» означает определенный инструмент преобразования опыта в знание, а его форма множественного числа «медиа» обозначает знаки, которые придают смысл событиям повседневной жизни, причем подразумевается существование многочисленных знаковых систем. Термин «медиум» является достаточно обобщенным, это любой инструмент коммуникации, который передает, или «медиирует» значение.
1) систематическая передача сообщений через телевидение, радио, прессу, видео и звукозаписи, чтобы оказать политическое, идеологическое, психологическое, экономическое влияние.
2) средства массовой информации. Обозначение средств повседневной практики сбора, обработки и распространения сообщений массовым аудиториям. Техническо-организационый комплекс, при помощи которого возможной становится централизованное распространение и передача визуальной, словесной, звуковой информации.
3) развлекательные, а не информирующие средства.
4) учреждения, которые открыто, публично передают информацию, применяя специальные технические средства. Обрабатывают и распространяют информацию в массовом масштабе.
Благодаря массовым коммуникациям обеспечивается гармоничное развитие личности, обеспечивается социальный контроль над массами. Также это движущая сила общественного прогресса. Обмен информацией позволяет доводить до личностей социокультурные образцы, благодаря которым у них строятся взгляды на семью, государство, религию.
Старейшие институты массмедиа – это газеты, книги, журналы, альманахи, еженедельники. Продукт, выходящий из печати, несёт исходные данные в виде буквенного текста. Также это могут быть рисунки, схемы, плакаты, графики, фотографии. Читатель может самостоятельно воспринимать данную информацию, ему не нужны для этого вспомогательные технические средства, такие как радио, телевизор или компьютер. Прочитав ту или иную статью, каждый может сам её проанализировать.
Основные направления деятельности массмедиа:
; выпуск малотиражек;
; выпуск печатных изданий: журналов, бюллетеней, альманахов, газет;
; выпуск стенгазет;
; накопление книг в библиотеках;
; периодическое распространение массовых материалов;
; проведение конференций, форумов;
; создание интернет-блогов;
; создание радио– и телепрограмм;
; трансляция кинохроник.
Культура отдельно взятых людей зависит от средств массовой информации. Словесная, образная, музыкальная информация передаётся очень быстро с помощью следующих форм:
; культурно-массовых;
; образовательных;
; пропагандистских;
; рекламных;
; религиозных.
Главная отличительная особенность массовой коммуникации – это публичность.
Это система, состоящая из множества каналов: книг, газет, альманахов, журналов, брошюр, теле– и радиопередач, интернет-сайтов.
Различают два вида:
; Электронные массмедиа (телевидение, радио, интернет-публикации).
; Пресса, печатные тиражи.
МАСКА
Маска (араб. – личина) – элемент традиционного театра разных народов. Персонаж народного представления, выражающий определение черты человеческого характера. Чаще всего используются сюжеты итальянского театра масок дель-арте (Арлекин, Коломбино, Пьеро, Панталоне и т. д.) Маска, как способ выражения актерской игры, присутствует и на современной эстраде.
Есть три старых русских символа театра: труба, личина и кинжал. Что они означают?
Труба сзывала народ на представление скоморохов и первых русских комедиантов.
Личина закрывала их лица, сразу превращая актера в его персонажа.
Кинжал – непременная принадлежность Мельпомены, музы театра (о ней вы прочтете в следующей главе).
Личина на современном языке – маска: накладка на лицо с изображением какого-либо персонажа или, к примеру, звериной морды. В древности маска заменяла актерам грим. В России масками (личинами) пользовались главным образом бродячие скоморохи.
Но есть и другой смысл у этого слова. Современный артист может создавать один и тот же образ в совершенно различных спектаклях, оставляя черты характера героя неизменными. Например, из одной пьесы в другую будет кочевать у него образ тихого, забитого жизнью человека, безответного, робкого. Это случается, конечно, если и сами роли оказываются у него похожими. Тогда говорят, что артист создал свою сценическую маску.
Бывает, например, маска рассеянного ученого – ну, хотя бы Паганель в фильме «Дети капитана Гранта».
МАССОВАЯ КУЛЬТУРА
Массовая культура (лат. – ком, кусок и возделываю) – производство и потребление культурных ценностей, рассчитанных на массовое сознание, ценности и отношения. Это усредненная нивелированная культура (музыка, литература, кино, компьютерные игры, живопись, танцы и т.д.), создаваемая в соответствии с невысокими духовными потребностями, средним уровнем сознания, усредненными нормами личной жизни, сформировавшимися на основе моды и конформизма человека. Такая «усредненная» культура лишена национальной, профессиональной, половозрастной и тем более индивидуальной специфики. Она искажает реальные проблемы, потребности, интересы, заполняет досуг сомнительными мифологемами и идеями, стимулирует потребительское отношение к жизни, культивирует отдых и безделье, уводит его в мир грез и мечты. В то же время она снимает стресс от жизни в большом городе, в центре цивилизации. Особое развитие она получает в полубедном обществе с полярным уровнем жизни, где служит сознательно используемым средством отвлечения молодежи от реальных проблем их собственной и общественной жизни. Этому успешно способствуют боевики, фильмы ужастов, комиксы, детективы, мюзиклы, мелодрамы и т.д. Наиболее низкопробные произведения массовой культуры молодежь сама называет «попсой», а массовую культуру неуважительно «масскультурой». Это понятие для некоторой части молодежи нередко совпадает с их «субкультурой».
МАССОВЫЕ ЗРЕЛИЩА
Массовые зрелища – разновидность праздников в разных странах. Массовые зрелища – это театрализованные представления, в которых принимают участие большие массы людей, в том числе и зрители. Обычно представления такого рода проводятся под открытым небом – в парках, на стадионах, на крупных площадях. Массовые зрелища в основном связаны с исторической или религиозной тематикой, календарными праздниками.
МАСТЕРСТВО
Мастерство (нем. – ремесло) – высокий уровень владения техникой и технологией какого-либо вида деятельности. Мастерство – это искусное владение изготовлением чего-либо. Это формируемый уровень профессионализма, вырабатываемый личный опытом, наблюдательностью, высокими способностями к творчеству в данном виде деятельности. Мастерства можно достичь в любом деле – в спорте, искусстве, в практике обучения и воспитания детей, в производстве. Человек, достигший мастерства, искусен во всяком деле, о нем говорят как об имеющем «золотые руки». Мастерство может фиксироваться (аттестовываться) экзаменом и тогда человек получает определенное звание. Мастерство может существовать само по себе и признаваться лишь общественным мнением.
МАШИНКА
Это не «Мерседес» и не «Рено». «Машинкой» кукольники называют небольшой механизм, управляющий куклой. Она служит для того, чтобы кукла могла поворачивать и наклонять голову, открывать и закрывать глаза, рот, хмурить брови, улыбаться… Как правило, машинка крепится на гапите (см. «Гапит»).
МЕДИАФРАНШИЗА
Медиафраншиза также медиафранчайз, франшиза (англ. media franchise) — интеллектуальная собственность, состоящая из персонажей, вымышленной вселенной и прочего в каком-либо оригинальном произведении (книге, фильме, телепрограмме, компьютерной игре и т.п.). Медиафраншиза – это модель франчайзинга, дающая право на коммерческое использование интеллектуальной собственности в виде продуктов (творений, результатов деятельности) медиа и массовой культуры. Например, серии фильмов, их сиквелы, приквелы, ответвления сюжета.
МЕШОЧНЫЕ (КУЛЬКОВЫЕ) КУКЛЫ
Чего только не бывает в кукольном театре! То, что в обыкновенном мире просто мешок, здесь – кукла из бумажных и матерчатых кульков, набитых ватой и кусочками пенопласта. Голову, лицо куклы рисуют на мешке или кульке. Актер управляет куклой, вставляя руку в кулек.
 Такие куклы делали еще в древнем Китае. Видимо, они появились тогда, когда еще не изобрели перчаток, а значит и перчаточных кукол (см. «Перчаточные куклы»).
Мешочную куклу сделать очень просто. Можешь попробовать.
МИДКВЕЛ
Ми;дквел (англ. midquel, контаминация приставки mid– от англ. middle — «середина» и sequel) — фильм, книга или любое художественное произведение, развивающее сюжет предшествующих произведений на ту же тему. Особенность мидквела в том, что изображаемые в нём события хронологически относятся к периоду внутри исходного сюжета (в отличие от сиквела, в котором события следуют за оригинальными, и приквела, в котором они предшествуют). Например, «Бэмби 2» — анимационный фильм, который демонстрирует взросление главного героя, которое не показано в мультфильме «Бэмби».
МИМЫ
Мимы (др.-греч. ;;;;; — «подражание») — у античных греков и римлян сценические представления массового характера во вкусе зрителей из низших слоев — выступления акробатов, фокусников и т. п., сценки с пением и танцами, наконец целый реально-бытовой сатирический фарс. Актёры в этом виде театра тоже назывались мимами. В современном театре мимами называют актёров пантомимы.
МИКРООПЕРА
Микроопера – опера для годовалых детей. Её продолжительность – 20 минут.
МИМИРУЮЩАЯ КУКЛА
Кукла, имеющая мимику. Верховая кукла (см. «Верховая кукла»), сделанная из мягкого материала (латекс, лайка, трикотин, резина и т. д.). Рука кукольника – в голове такой куклы. Работая пальцами, он открывает и закрывает рот куклы, морщит лоб, нос, шевелит ушами и т. д. Сделать хорошую мимирующую куклу очень трудно. Лучше всех их создавала русская художница советского периода Екатерина Беклешова.
МЕЛОДРАМА
 Мелодрама (гр. – песня, мелодия и драма – действие) – драматургический жанр; пьеса с острой интригой, резким противопоставлением добра и зла, преувеличенной эмоциональностью, морально-поучительной тенденцией.
МЕЛЬПОМЕНА
Мельпомена (гр.) – в греческой мифологии одна из девяти муз, покровительница трагедии, мать сирен, родившаяся от бога Ахелоя. Изображалась в венке из плюща, с трагической маской и палицей в руке. В театрах “жрецами Мельпомены” называют актеров.
Обратимся к языческой греческой мифологии.
У Верховного Бога Зевса и Богини памяти Мнемосины родились девять дочерей, девять муз, Богинь-покровительниц искусств и наук. Древние греки наделили их высокими качествами, сделав олицетворением самых важных духовных проявлений и способностей человека.
Кстати сказать, от того же корня, что и музы, произошли слова музыка (искусство муз), музей (дом для муз). Познакомьтесь с музами поближе.
Клио – покровительница истории; Евтерпа – поэзии и музыки; Талия – комедии; Мельпомена – трагедии; Терпсихора – танцев; Эрато – лирики, любовной поэзии; Полигимния – гимнов и пантомимы; Урания – астрономии; Каллиопа – эпоса, народного творчества, героических сказаний. Этих муз не раз упоминает в «Евгении Онегине» Пушкин:
Но там, где Мельпомены бурной
Протяжный раздается вой,
Где машет мантией мишурной
Она пред хладною толпой,
Где Талия тихонько дремлет
И плескам дружеским не внемлет,
Где Терпсихоре лишь одной
Дивится зритель молодой...
Эти строки дают картину сценического искусства эпохи. Поэт свидетельствует: не трагедия с тогдашней манерой актеров завывать в трагических ролях, не комедия, подчас навевавшая скуку, а главным образом балет интересовал и волновал его молодых современников.
Во времена Пушкина Мельпомена еще считалась музой трагедии. Позднее, однако, она приобрела более широкий, обобщенный смысл: стала покровительницей и музой театра вообще. Современное киноискусство также считает её своей музой.
 
Мельпомена изображается обычно на котурнах, с маской в одной руке и с мечом или кинжалом в другой. Оружием она как бы разит человеческие пороки.
МЕССА
Месса – многочастное циклическое вокально-инструментальное произведение на текст определенных разделов главного богослужения католической церкви. В православной церкви ему соответствует литургия. Месса относится к вокально-драматическому жанру, ее драматургия основана на раскрытии контрастных образов, свойственных сценическим жанрам.
МЕЦЕНАТ
Меценат (лат) – богатый покровитель наук и искусства. Название происходит от имени римского богача Мецената (1 в. до н. э.), который оказывал покровительство и материальную поддержку кружку поэтов (Вергилию, Горацию и др.).
МЕЦЕНАТСТВО
Меценатство (лат. – богатый покровитель) – вид добровольной безвозмездной материальной помощи деятелям культуры, культурным учреждениям и акциям со стороны богатых и влиятельных покровителей. Меценатство способствует развитию культуры, выявлению и выращиванию талантов. Оно избирательно, а потому являет собой определенный заказ и социальный контроль со стороны части потребителей. Мотивы меценатства могут быть самые разные: любовь к искусству, память о прошлом, благодарность за поддержку, «для души» и ради спасения души и др. Слово «меценатство» произошло от имени римского политического деятеля Мецената Кай Цилия (I в. до Р.Х.) – покровителя искусства и наук. Сегодня такая бескорыстная помощь называется спонсорством.
МЕХАНИК СЦЕНЫ
Механик сцены, бэклайнер - специалист по оборудованию сцены.
Невозможно представить одежду для сцены без механики. Ведь она должна на чем-то висеть, театральный занавес должен открываться. Причем открытие / закрытие занавеса - капля в море тех возможностей, которые предоставляет механика сцены.
Механика делится на верхнюю и нижнюю.
К верхней механике сцены относятся:
; различные раздвижные механизмы;
; софитные фермы;
; полётные устройства;
; различные фермы, башни, рамы и противопожарные системы.
К нижней механике сцены относится:
; поворотные круги;
; подъемно-опускные площадки;
; люки-провалы;
; механизмы трансформации сцены и зрительного зала;
; а также механизмы для перемещения крупных декораций.
Техник сцены, или бэклайнер управляет механизмами декораций и сцены. Все, что опускается, поднимается, падает, летает, крутится и всячески перемещается, – это его работа. В его обязанности также входит монтаж, разборка и ремонт движущихся элементов до и после репетиций и спектакля. На гастролях механик занимается погрузкой и разгрузкой, поэтому на такую должность берут физически крепкого человека.
Техник сцены, или бэклайнер работает в театре, а также обслуживает концерты, музыкальные мероприятия, осуществляет техническое обеспечение выступлений артистов.
МИЗАНСЦЕНА
Мизансцена (франц. mise en scene — размещение на сцене) — расположение действующих лиц игрового фильма в пространстве (относительно друг друга и среды) и движение их в той или иной сцене, связанной единым драматическим действием. Мизансцена зависит от жанра, действия и задач, поставленных перед актерами. Это пластический рисунок тела или группы актеров, по отношению друг к другу и к зрителю.
Театральная мизансцена отличается временной непрерывностью действия и неподвижностью точки, с какой наблюдает ее зритель. В отличие от этого кинозритель видит мизансцену во множественности планов и ракурсов.
Искусство мизансцены — один из важнейших элементов режиссуры. «Господа актеры особенно должны обратить внимание на последнюю сцену. Последнее произнесенное слово должно произвесть электрическое  потрясение на всех разом, вдруг...»
Это – из замечаний Гоголя к постановке «Ревизора».
А последняя сцена заканчивается так. Появляется Жандарм и говорит: «Приехавший по именному повелению из Петербурга чиновник требует вас сей же час к себе. Он остановился в гостинице».
Слова Жандарма поражают каждого, кто стоит на сцене, всех персонажей пьесы. Еще бы! Ведь они приняли за важного чиновника Хлестакова, всячески его ублажали, всучили ему деньги и успокоились, что все беспорядки и злоупотребления в городе остались им незамеченными. А настоящий-то чиновник, оказывается, уже здесь!..
Естественно, что после такого сообщения возникает немая сцена.
Далее Гоголь точно описывает, какой должна быть эта знаменитая немая сцена.
«Городничий посередине в виде столба с распростертыми руками и закинутою назад головою. По правую сторону его жена и дочь с устремившимся к нему движением всего тела; за ними почтмейстер, превратившийся в вопросительный знак, обращенный к зрителям...» И так далее – 22 строчки текста!
То, что здесь описано драматургом, и есть мизансцена. Так называют расстановку актеров на сценической площадке.
Мизансцена не обязательно означает, что актеры – неподвижны. Может быть и так: девочка качается на качелях, а мальчик старается подтолкнуть их как можно выше. Это тоже будет мизансценой...
МИМ
Мим (гр. – подражание)
– комедийный жанр в античном народном театре;
– короткие импровизационные сценки сатирического, развлекательного содержания.
Актер, играющий без слов, только средствами мимики.
В современном театре – актер пантомимы (театр без слов).
МИМЕСИС
Мимесис (от греч. mimesis — подражание, воспроизведение) — принцип, выражающий основу творческой деятельности художника. Мимесис (греч. ;;;;;;; – подражание) – учение в античной эстетике и философии, рассматривающее человеческое познание и художественное творчество как подражание действительности.
Всякое искусство основано, по Платону, на подражании. Однако это художественное подражание неполноценно, т.к. искусство подражает не истине, но лишь изменяющемуся миру становления.
Правдоподобие возникает как результат искусного копирования реальности, всего того, что существует вне искусства. Правда в искусстве — нечто иное, стоящее выше правдоподобия; она фактически олицетворяет особый, художественный, смысл, на выражение которого и направлены усилия художника. Художник может поступиться точностью деталей, если этим обеспечивается большая выразительность произведения.
Из всего этого вытекает, что искусство не претендует на полную достоверность, оно так или иначе искажает правду. Исключением может являться документальное кино и мемуары.
МИМИКА
Мимика (гр. – подражательный) – подвижные части лица, движение мышц, отражающие переживания, чувства и настроения. Мимическое действие – особый вид сценического сосуществования бессловесного свойства.
Когда мы радуемся, грустим, сердимся, испытываем страх, да и вообще любое чувство, даже когда просто томимся от скуки в ожидании чего-либо, мышцы нашего лица непроизвольно приходят в движение. Глядя на товарища, вы зачастую можете определить, какое у него настроение: рад ли он чему-нибудь или, наоборот, чем– то расстроен. Вы способны понять это без всяких слов.
Вот эти-то движения лицевых мышц, изменения выражения лица, и называются мимикой.
В жизни мимика не искусство, а наша естественная способность. Выражение лица возникает обычно непроизвольно. Зато у актера все это – результат большой, вдумчивой работы, внимательного изучения характеров. На сцене мимика – важная часть актерского искусства. Она связана и с гримом: они дополняют друг друга.
Ученые издавна поняли выразительную силу мимики и пытались изучать ее. Еще в XVII веке директор французской Академии живописи и скульптуры Шарль Лебрен (1619-1690) написал трактат «О методе изображения страстей». Ученый пытался установить, какие именно мышцы лица работают, когда человек испытывает то или иное чувство. Нот, например, что писал Лебрен о выражении страха:
«Страх, когда он очень силен, выражается в том, что у пораженного им брови сильно подняты в середине, а мускулы, вызывающие их движение, резко обозначены, тесно сжаты и падают на нос, который как бы стянут в верхней части... «
Особенно важна мимика на сцене, когда актер молча реагирует на события, на реплики партнеров. Кто молчаливую реакцию передает выражение лица.
МОНОЛОГ
Монолог (гр. – один и слово) – развернутое высказывание одного лица; речь действующего лица, обращенная к самому себе или к зрителям. Речь наедине с самим собой.
Монолог – в драматическом произведении, пространное обращение одного действующего лица к другому или к группе персонажей, размышления героя вслух в моменты, когда он остаётся один, иногда речь персонажа, непосредственно адресованная к зрителю. Монолог позволяет исполнителю раскрыть душевную жизнь персонажа, выявить противоречия его мировоззрения, сложность характера (напр., монологи Гамлета, Бориса Годунова).

...Безумным вы меня прославили всем хором.
Вы правы: из огня тот выйдет повредим.
Кто с вами день пробыть успеет,
Подышит воздухом одним,
И в нем рассудок уцелеет.
Вон из Москвы! сюда я больше не ездок.

Перед вами отрывок из знаменитого финального монолога Чацкого. Впрочем, все монологи Чацкого из комедии Грибоедова «Горе от ума» знаменитые.
Монологом в драматургии и театре называют наиболее важное и наиболее развернутое обращение одного персонажа к другому или к нескольким другим действующим лицам. Монолог может быть также обращен к зрителям или даже к самому себе.
У Евгения Шварца есть пьеса-сказка «Тень». Она написана (то мотивам одноименной сказки Ганса Христиана Андерсена.
А начинается пьеса и спектакль с того, что главный герой, Ученый, ищет у себя в комнате очки и вслух разговаривает сам с собой: «Когда теряешь очки, это, конечно, неприятно. По вместе с тем и прекрасно – в сумерках вся моя комната представляется не такою, как обычно. Этот плед, брошенный в кресло, кажется мне сейчас очень милою и доброю принцессою. Я влюблен в нее, и она пришла ко мне в гости. Она не одна, конечно.
Принцессе не полагается ходить без свиты. Эти узкие длинные часы в деревянном футляре – вовсе не часы. Это вечный спутник принцессы, тайный советник. Его сердце стучит ровно, как маятник, его советы меняются в соответствии с требованиями времени, и дает он их шепотом. Ведь недаром он тайный...»
Вы заметили? Чацкий обращается в своем монологе к Фамусову, Софье, Молчалину, к выжившим из ума зловещим московским барыням. Ученый в «Тени» говорит вроде бы сам с собой, но, конечно, обращается к зрителям. Он начинает рассказывать сказку, которую нам предстоит увидеть на сцене.
А Шут, один из главных героев пьесы Радия Погодина «Трень-брень», не только впрямую обращается к зрителям, но и призывает их стать соучастниками предстоящих событий:
«О благородные юные зрители, досточтимые пионеры, отважные защитники мелких животных и лесных насаждений, я приветствую вас! Я расскажу историю, которая началась неизвестно когда и, наверное, не скоро закончится... Только не торопитесь смеяться!..»
МОНТАЖ
Монтаж (фр. – сборка) – подбор отдельных сцен и эпизодов постановки с целью достижения художественного смыслового целого.
Художественный метод формирования композиции произведения, важнейшим принципом которого является отбор звукового и видеоряда, для формирования темпо-ритма действия.
Система смысловых соотношений между сценами и эпизодами, а также формы и содержания.
Условность времени, пространства действия и условность конфликта – это ряд монтажного мышления.
Разновидности монтажа: последовательный, контрастный, параллельный, ассоциативный и т.д.
МОНТАЖ В КИНО И ТЕЛЕВИДЕНИИ
Монтаж (франц. montage — сборка) — технологический и творческий процесс создания фильма как целого из частей. Здесь кинорежиссеру помогает монтажер.
Монтаж в кинематографе можно сравнить с композицией красок и линий в живописи или гармонией звуков в музыке. «Сборка» — так переводится с французского слово «монтаж»; действительно, кинорежиссер собирает (или монтирует) фильм из различных слагаемых, причем делает это так, чтобы все элементы подхватывали и усиливали его общее звучание, раскрывая авторский замысел.
Как технический процесс монтаж проходит ряд последовательных этапов. Кинопленка с позитивным изображением эпизодов и магнитная лента с фонограммой подготавливаются к просмотру: склеиваются куски кинопленки, синхронизируются изображение и звук. Из отобранных дублей эпизодов составляются сцены и сюжеты. Все смонтированные эпизоды просматриваются в их сюжетной последовательности, вставляются заглавные и другие надписи (титры). Монтаж заканчивается перезаписью фонограмм, размещенных на нескольких магнитных лентах, на одну общую ленту. После этого кинофильм на двух пленках (с изображением и фонограммой) поступает в цех обработки кинопленки. Здесь по нему изготавливают негатив и печатают контрольный позитив, в котором изображение и фонограмма совмещены на одной пленке.
В телевидении используется особая форма монтажа во время прямых, непосредственных передач в эфир с места событий. В этих случаях передача ведется на пульт телецентра одновременно с разных точек съемки, и режиссер передачи, следя за изображениями на экранах видеоконтрольных устройств, выбирает наиболее важные фрагменты событий для трансляции телезрителям.
В кино и телевидении с помощью видеомонтажа можно уменьшать или увеличивать изображение до любых размеров, помещать его в какую угодно точку экрана, создавать впечатление стремительного наезда или удаления, расщеплять изображение или многократно увеличивать его, вписывать изображение в нужный фон и т. д. Словом, видеомонтаж открывает перед создателями фильмов удивительные возможности, позволяющие увлечь зрителей вечно новым и неожиданным искусством экрана.
МОСКОВСКИЙ ТЕАТР ТЕНЕЙ
Московский театр теней – единственный в России большой государственный Театр теней. Был организован в 1937 году при Музее детской книги. Основали его Я. Мексин, художница Е. Зонненштраль и актриса, режиссер С. Свободина. Театр открылся премьерой спектакля «Тиль Уленшпигель».
Театр теней работал очень интересно и сделал множество прекрасных теневых спектаклей. Одним из лучших был «Пушкинский спектакль», куда вошли «Сказка о попе и работнике его Балде», «Сказка о царе Салтане» и стихотворение «Памятник».
 Первые спектакли принесли театру успех. Детские представления делались по принципу европейского театра теней (см. «Театр теней»): теневые фигуры (см. «Теневые фигуры») управлялись актерами снизу с помощью нитей. Спектакль вел чтец, а на экране зрители видели иллюстрации к тексту.
Со временем в театре изобрели собственную теневую технику. Теневые фигуры-куклы не прижимались к экрану, а проецировались издалека с помощью специальной аппаратуры. Это позволило значительно увеличить поверхность экрана, не увеличивая сами теневые фигуры (а значит – показывать спектакли в больших залах). Театр начал также применять и китайскую технику вождения теневых фигур. (Куклы прижимаются к экрану и передвигаются с помощью палочек, которые прикреплены перпендикулярно к ним.) Среди спектаклей театра были такие, как «Приходи, сказка!», «Три толстяка» и представление для взрослых «Живые афиши», где на экране оживали дружеские шаржи на Вана Клайберна, Чарли Чаплина, Ива Монтана и др.
 Московский театр теней работает и сегодня. В его репертуаре не только теневые спектакли, но и обыкновенные – кукольные.
МУЗА
Муза (гр.) – в греческой мифологии одна из девяти богинь, покровительница различных искусств, вдохновляющих поэтов (актеров и т.д.) в их творчестве. Источник творческого вдохновения.
МУЗЕЙ ТЕАТРАЛЬНЫЙ
Остановись, мгновение!
Искусство театра, в отличие от других искусств, мимолетно.
Игра артиста в кино, например, фиксируется пленкой навсегда. И хоть тысячу раз прокручивай киноленту, и делай это хоть сегодня, хоть через полвека, – люди на экране будут каждый раз совершенно одинаково ходить, сидеть, улыбаться, ссориться, совершать ошибки, побеждать. Любое их движение, любой жест, взгляд или вздох – все будет повторяться точь-в-точь как и в первый раз: сегодня, завтра, всегда. Более десяти лет назад ушел из жизни Борис Андреевич Бабочкин, а Чапаев и сегодня летит по экранам всего мира на своем белом коне и разит врагов.
Игра артиста в театре, созданный им сценический образ живут лишь несколько часов – от первого поднятия занавеса до его финального падения. От начала до конца одного спектакля, одного представления. Назавтра спектакль может повториться, и пьеса, и декорации будут теми же. Но артист сыграет хоть немного иначе. Сыграть точно так же, как вчера, он просто не сможет. И весь спектакль окажется хоть чуть-чуть иным. Пусть в мелочах, но все же он будет отличаться от вчерашнего и завтрашнего представлений, даже если мы, зрители, этого и не заметим.
А время идет. Одни артисты уходят, приходят другие. Что же остается от искусства театра, вдохновения и таланта артиста? Увы, немногое. Воспоминания людей, рецензии в газетах и журналах. Но много ли в них можно сказать о живом впечатлении? Портрет актера в театральном фойе, даже если он заснят в роли, – разве он способен передавать облик, дыхание, суть ушедших вместе с актером со сцены героев?!
Свою мечту о том, чтобы красота на земле не умирала, люди облекли и поэтическое выражение: «Остановись, мгновение, ты прекрасно!» Чтобы хоть как-то помочь театральному делу и попытаться «остановить» яркие сценические победы, и созданы театральные музеи.
В театральных, как и в художественных, музеях также хранятся и выставляются картины, скульптура, рисунки. Но все они посвящены театру. К тому же такого рода экспонатами не ограничиваются здесь богатейшие коллекции памятников сценического искусства. Хранители и научные сотрудники театральных музеев страны тщательно собирают, берегут, изучают и показывают посетителям эскизы декораций и костюмов к знаменитым спектаклям, сами костюмы великих актеров, предметы сценического быта, редчайшие фотографии, письма, документы, дневники, звуковые записи выдающихся мастеров сцены.
Нет, это не склады старых вещей и не холодные макеты когда-то живого творчества. В залах таких музеев все дышит театром. И человек, не лишенный любви к театру и живого воображения, встречается здесь с далеким или недавним прошлым. Оно драгоценно, как вся история человеческой культуры.
Старейшие театральные музеи России – московский и Санкт-Петербургский.
Первый из них основан в 1894 году Алексеем Александровичем Бахрушиным (1865-1929) (купец, мануфактур-советник, меценат, собиратель театральной старины). В 1918 году по распоряжению В. И. Ленина музею было присвоено имя его основателя. Сейчас это крупный научный центр – Государственный центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина.
Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства родился в 1918 году на основе частных собраний. Здесь также хранятся бесценные коллекции. А регулярно проводимые концерты звукозаписей великих актеров собирают полный зрительный зал...
МУЗЕЙ ТЕАТРАЛЬНЫХ КУКОЛ ЦЕНТРАЛЬНОГО АКАДЕМИЧЕСКОГО ТЕАТРА КУКОЛ ИМЕНИ С. В. ОБРАЗЦОВА
Музей театральных кукол центрального академического театра кукол имени С. В. Образцова организован в 1937 году. Его основателем и первым директором был актер А. Я. Федотов.
Музей – единственное в России и крупнейшее в мире собрание театральных кукол всех известных систем от античности до наших дней. В нем хранятся ценнейшие архивные документы, книги с автографами многих выдающихся деятелей искусства, науки и другие раритеты. Это более 3,5 тысяч театральных кукол и атрибутов кукольных представлений из 60 стран мира, около 8 тысяч афиш, плакатов, программ спектаклей, эскизы декораций и костюмов, чертежи, рукописи, фотографии, негативы, слайды, кинофильмы и материалы по истории мирового и российского театра кукол, личные фонды.
 Среди музейных раритетов куклы монгольского буддистского обряда «Цам» и мусульманской поминальной мистерии «Тазие», куклы индийских, китайских и других театров теней, украинский вертеп и польская «шопка», куклы рыцарских европейских театров, балаган народного русского кукольника Ивана Зайцева, куклы русского серебряного века, Спейбл и Гурвинек великого чешского кукольника Й. Скупы, куклы сольной программы С. Образцова, куклы фронтовой самодеятельности времен гражданской и второй мировой войн.
 В фондах музея хранятся уникальные фильмы-спектакли Театра С. Образцова и лучших театров кукол мира.
Музей ведет большую экскурсионную и научную деятельность. Работает лекторий для детей и взрослых. Каждый год выставки музея посещают более 250 тысяч человек.
Частью Музея является и Мемориальный рабочий кабинет С. В. Образцова. В мае 1996 года открыт филиал Музея – Музей-квартира С. В. Образцова, где бережно сохраняются личные вещи мастера и уникальная коллекция произведений искусства XVII-ХХ вв., в течение жизни собиравшаяся С. В. Образцовым и описанная им в книге «Моя кунсткамера».
 Музей театральных кукол пользуется заслуженной мировой славой. Его выставки побывали в десятках стран.
МУЗЫКА
Музыка (от греч. musike от mousa — муза: букв. – искусство муз) — вид искусства, в котором средством воплощения художественных образов служат определенным образом организованные музыкальные звуки. Искусство, в котором переживания, настроения, идеи выражаются в сочетаниях ритмически-организованных звуков и тонов. Вид иск-ва, к-рый отражает действительность и воздействует на человека посредством осмысленных и особым образом организованных по высоте и во времени звуковых последований, состоящих в основном из тонов (звуков определённой высоты). Выражая мысли и эмоции человека в слышимой форме, М. служит средством общения людей и воздействия на их психику. Т.е. коротко: музыка – это выражение эмоций и чувств в виде звуков. Чуть более развёрнуто: музыка — это отражение окружающего мира, эмоций, чувств, фантазий и настроений в звуках. Музыка из всех видов искусств наиболее непосредственно воздействует на восприятие человека, «заражает эмоциями». Считается, что музыка может излагать эмоции куда лучше любых слов. А песни, способны передавать чувства... да и саму жизнь.
Основные элементы и выразительные средства музыки – лад, ритм, метр, темп, динамика, тембр; мелодия, гармония, полифония, инструментовка.
Музыка фиксируется в нотной записи и реализуется в процессе исполнения.
Музыку подразделяют на роды и виды (опера, симфоническая, камерная и др.), а также жанры (героический, комический, песня, марш, симфония, сюита, соната и др.).
Имеется видовое и стилистическое разнообразие музыки: широкий круг бытующих сегодня музыкальных явлений:
– Классическая (или серьезная) – профессиональные музыкальные сочинения, рожденные в культуре Европы преимущественно с Нового времени (рубеж 16–17 вв.) и в средние века;
– Популярная – массово потребляемые, преимущественно песенно-танцевальные музыкальные жанры.
– Внеевропейская (неевропейская) – музыка тех народов (Востока), чья культура отличается от культуры западноевропейской цивилизации Запада.
– Этническая (и традиционная) – фольклорные (и устно-профессиональные музыкальные явления разных народов), подчеркивающие самобытность этноса, нации, племени.
– Эстрадная (или легкая) – музыка развлекательного характера, предназначенная для отдыха.
– Джаз – подхваченные европейцами профессиональные исполнительские традиции американских негров, основанные на синтезе африканских и европейских музыкальных элементов.
– Рок – музыка небольших вокально-инструментальных групп молодежи, отличающаяся обязательным наличием ударных и электромузыкальных инструментов, в первую очередь – гитар.
– Авангардная (экспериментальная) – общее наименование нового направления в профессиональном композиторском творчестве 20 в.
– Альтернативная – новые музыкальные сочинения или исполнения (звуковые представления, «перформансы»), принципиально непохожие на все известные сегодня виды музыки.
Многие виды музыки определяются по среде их обитания и функциям:
– военная, церковная, религиозная, театральная, танцевальная, кино-музыка и т.д.
А также – по характеру исполнения:
– вокальная, инструментальная, камерная, вокально-инструментальная, хоровая, сольная, электронная, фортепианная и др.;
И по отличительным свойствам музыкальной фактуры и композиторской техники:
– полифоническая, гомофонная, монодическая, гетерофонная, сонорная, серийная и т.п.
Внутри каждого из видов музыки в свою очередь могут возникать и развиваться собственные стили и направления, отличающиеся устойчивыми и характерными структурными и эстетическими признаками. Например: классицизм, романтизм, импрессионизм, экспрессионизм, неоклассицизм, серийность, авангард – в классической музыке; рэгтайм, диксиленд, свинг, би-боп, куул – в джазе; арт, фолк, тяжелый металл, хип-хоп, рэп, грандж – в рок-музыке и т.п.
МУЗЫКА В ТЕАТРАЛИЗОВАННОМ ПРЕДСТАВЛЕНИИ
Музыка обладает удивительным свойством — фальшь сразу слышна. Во многих других вещах она не так заметна, как в музыке. Музыка дарит чувство меры, гармонию. Музыка приятна, когда она гармонична.
Музыка в театрализованном представлении делится на 4 вида: условную-режиссерскую, сюжетно-номерную (внутри номера, эпизода), монтажную и фоновую.
Функции музыки в театрализованном представлении – социальная, воспитательная, эстетическая, драматургическая, конструктивная, монтажная, организационная, коммуникативная, развлекательная, отражательная и др.
МУЗЫКАЛЬНАЯ ДЕКЛАМАЦИЯ
Музыкальная декламация (англ. musical declamation) — 1) музыкальная правильное грамматическое произношение слов и верное по смыслу произношение фраз.
2) Соотношение речи и музыки в вокальных произведениях, соответствие музыкальных и смысловых акцентов, интонаций речи, предложений, фраз и т. д
3) Естественность и выразительность произношения текста в вокальном произведении
4) Мелодекламация - выразительное чтение стихов или прозы в сопровождении музыки. Прием объединения и размежевания интонации. Принципы гибкого отражения смыслового, интонационного и эмоционального движения речи.
5) То же, что Речитатив
Речевой голос кардинально отличается от певческого. А требования к актерской мелодекламации несколько другие, чем, скажем, к мелодекламации в опере.
МУЗЫКАЛЬНАЯ ДРАМАТУРГИЯ
Драматургия, драматический — эти слова образованы от слова драма. Но их употребляют и при характеристике музыки, в которой обобщенно передаются переживания человека: страдание, смятение, тревога, протест, возмущение и т. п. Эти чувства чаще всего проявляются у людей в столкновениях, спорах, конфликтах. Именно на этом основана драматургия и литературно-театрального жанра, и музыкального спектакля.
Музыкальная драматургия – это система выразительных средств и приёмов воплощения драматического действия в произведениях музыкально-театрального жанра (оперы, балета, оперетты и др.).
О музыкальной драматургии, как правило, говорят применительно к музыкально-сценическому, театральному произведению: опере, балету, оратории, оперетте, мюзиклу, музыкальному кинофильму и др.
Однако термин музыкальная драматургия используют и для характеристики инструментально-симфонической музыки. Закономерности музыкальной драматургии проявляются в построении целого произведения и его частей, логике их развития, особенностях воплощения муз. образов, их сопоставлении — в повторении, варьировании, контрастном взаимодействии музыкальных интонаций, тем, эпизодов.
В музыкальной драматургии особую роль играет конфликт. Это может быть конфликт между светом и тьмой, добром и злом, любовью и ненавистью. Он является основой драматургического развития любого музыкального спектакля — оперы, балета, мюзикла и др.
Главное в музыке, так же, как и в жизни – развитие. Подобно тому, как год от года меняется внутренний мир человека, так же меняются внутри одного произведения, получая развитие, музыкальные интонации, темы, мелодии. Эти изменения отражаются в форме музыкального произведения, способах развития, интерпретации музыкального материала. Музыкальные образы в музыкальной драматургии воплощаются по принципу сходства и принципу различия.
Для создания убедительных образов композиторы применяют не только буквальное, точное повторение, но и измененное — варьирование (слово «вариация» означает изменение).
Более значительные изменения, при которых вместо целой мелодии, темы излагаются отдельные ее фразы, интонации, называются разработкой. В разработке находят применение такие способы развития, как секвенция и имитация.
МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА
Музыкальная форма — организация музыкального целого, способы развития музыкального материала, а также жанровые обозначения, которые авторы дают своим произведениям.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР
 
Георгий Георгиевич Исаакян (11-07-1968). С 2010 г. – главный режиссер, художественный руководитель Детского музыкального театра им. Н. И. Сац.
Музыкальный театр — это и коллектив, ставящий музыкальные спектакли, и разновидности музыкально-сценического жанра (опера, балет, оперетта, музыкальная комедия, мюзикл и т. д.). Что же связывает между собой эти столь несхожие театральные явления? Прежде всего — единство сценического действия и музыки, при постоянном приоритете музыки в каждом из жанров, отличающихся особенностями своей музыкальной драматургии. То есть основным инструментом воздействия на зрителя и объектом творчества является музыка.
Со временем сложились определенные формы музыкальной драматургии. В опере это различные виды речитативов, арий, ариозо, ансамблей, хоров; в балете — классические и характерные танцы, нередко объединенные в сюиты, ансамбли действия, хореографические ансамбли; в оперетте и мюзикле — вокальные и хореографические номера, связанные с жанрами бытовой и эстрадной музыки.
Музыкальные театры объединяют несколько творческих цехов — солистов и хора, артистов балета, оркестра, вспомогательного состава. Здесь работают представители не только творческих, но и инженерных и рабочих профессий.
В России есть единственный в мире Московский государственный академический Детский музыкальный театр им. Н. И. Сац.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФИЛЬМ
Музыкальный фильм — это кинопроизведение, в котором музыка играет значительную и даже главенствующую роль: включена в сюжет, участвует в развитии действия, служит средством характеристики действующих лиц, определяет общую композицию фильма. При постановках такого фильма отдают предпочтение поющим, танцующим, музицирующим персонажам, выбирают актеров, обладающих музыкальностью и пластичностью.
Музыкальный фильм располагает широкой системой жанров — это экранные варианты балетов и опер; фильм-концерт, отражающий наиболее яркие достижения эстрадного искусства; водевиль и оперетта, приходящие на экран с театральных подмостков или специально созданные для кино; музыкальные обозрения, в которых концертные номера объединены незамысловатым сюжетом; музыкальная кинокомедия и мелодрама — классические жанры, обогащающие развитие музыкальной драматургии; мьюзиклы, ориентированные на современные ритмы и мелодику; рок-опера — современное вокально-хореографическое кинопредставление. Особо следует выделить фильмы о музыкантах и композиторах.
Основная задача, решаемая мастерами кино на разных этапах развития музыкального фильма, состоит в том, чтобы добиться органического взаимодействия музыки и всех других элементов выразительности; в работе режиссера, актеров, художника, оператора, звукооператора должны быть учтены специфические особенности музыкальной программы.
МУЛЬТИПЛИКАТОР
Мультипликатор – режиссер и художник, занимающийся созданием и подготовкой визуального ряда мультипликационной продукции, а также его сюжетно-сценарной линии.
Деятельность мультипликатора имеет под собой как творческий, так и технический аспекты.
В обязанности мультипликатора входит:
; написание мультипликационных сюжетов (если мультипликатор выполняет сценаристскую и режиссерскую функции);
; создание мультипликационных персонажей и декораций;
; проработка характера движений, мимики и проч.;
; выполнение эскизов мультипликационных сцен;
; раскадровка и колорирование;
; анимирование ключевых и промежуточных фаз.
МУЛЬТИПЛИКАЦИОННОЕ КИНО
Встреча с новым мультфильмом почти всегда таит в себе радость открытия неведомого мира, созданного фантазией художников.
Этот мир — реальный, сказочный, фантастический, волшебный — создают в тесном творческом содружестве режиссер, художник-постановщик и художники-мультипликаторы. Их персонажи — рисованные или кукольные — показаны на экране с помощью покадровой съемки.
Мультфильмы, анимационные сериалы, компьютерные игры не создаются в одиночку, над ними всегда работает команда.
МУЛЬТИПЛИКАЦИЯ
Мультипликация — русскоязычное название анимации. Анимация и мультипликация — это разные наименования одного и того же аудиовизуального искусства, основанного на технологии «оживления» изображений.
Слово «мультипликация» в переводе с латинского означает «умножение». Человеческий глаз удерживает на сетчатке любое изображение в течение одной двадцатой доли секунды. Это явление в науке называется персистенцией, или инерцией зрительных впечатлений. Так как в кинопроекторе за секунду пробегает 24 кадра, каждый длительностью в одну двадцать пятую доли секунды, то все они сливаются в одно непрерывное изображение. На этом и основан принцип кинематографа. Но стоит остановить пленку — иллюзия движущегося изображения исчезнет, и на экране застынет неподвижное изображение.
МУТАЦИЯ
Мутация (от лат. mutatio – изменение, перемена) – перелом голоса у подростков в период полового созревания. У мальчиков мутация интенсивна в связи с усиленным ростом гортани; преобразование голоса проходит с понижением примерно на октаву. У девочек мутация протекает мягче, диапазон их голоса вследствие меньшего роста гортани подвергается обычно небольшим изменениям.
«МЫЛЬНАЯ ОПЕРА»
«Мыльная опера» – многосерийный фильм с вялотекущим сюжетом и примитивным, не имеющим общественного значения содержанием. Методы создания «мыльных опер» разнообразны. Это прежде всего голографическое кодирование информации через тотальное напоминание содержания прошедших серий, через героев как носителей временных отрезков, через калейдоскоп мелких сюжетов, вызывающих чувство параллельно текущего времени. При этом фильм можно смотреть с любого места без потери информации, ибо она обязательно появится и не один раз. Здесь используется метод повторения. «Мыльная опера» построена по принципу растяжения времени и «малых событий», когда важной делается даже смена прически героини, а выпивание стакана воды превращается в медитативный процесс. Такие фильмы обладают гипнотическим действием. Телезритель, сам того не замечая, получает нейропсихическую программу – установку на определенный образ мыслей и действий. Это установка на роскошные вещи, на внимание лишь к себе, на безработное времяпрепровождение. Эти фильмы однозначно вредны, ибо вызывают чувство неполноценности, отнимают у человека самое ценное – время, разрушают национальные культуры и самосознание, провоцируют греховные мысли и чувства – зависть, сребролюбие, гедонизм. Возникли «мыльные оперы» в Англии по заказу владельцев мыльных заводов для отвлечения своих рабочих от социально-экономических проблем.
МЮЗИКЛ
Мюзикл (англ. musical, от musical comedy — музыкальная комедия) – музыкально-сценический жанр, сочетающий в себе различные средства эстрадной или бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусства. Для мюзикла характерны острая драматическая коллизия, большая динамичность действия, разнообразие музыкальных песенных форм. Жанр сформировался в США в 1920-1930-х гг.
Дитя XX-го века
Он появился на сцене в конце 19-го или начале 20-го века – точной даты его рождения не существует. Во всяком случае, именно в 20-м веке мюзикл расцвел, стал популярен и любим. Место его рождения – Соединенные Штаты Америки. Первые его герои – персонажи американской жизни начала 20-го столетия.
Как и любое сложное явление на сцене, понятие мюзикла трудно объяснить в двух словах. Однако надо знать: музыка, пение участвуют здесь в развитии сюжета. А музыка здесь бывает самая разная: бытовая, эстрадная, джазовая, танцевальная, даже оперное пение.
Мюзикл в какой-то мере похож на оперетту. Только в оперетте музыкальные номера носят вставной характер – какую-нибудь арию можно убрать и сюжет оперетты от этого не пострадает. Действие будет развиваться стройно, без помех. А изъятие музыкального номера или пения в мюзикле разрушит течение действия, и оно станет непонятным.
Многие мюзиклы, созданные, в США, построены на книгах писателей – классиков мировой литературы. Существует, например, мюзикл на основе «Дон Кихота».
Этот вид театра быстро завоевал сцены всего мира, симпатии зрителей во всех частях света. В СССР и России поставлено немало спектаклей в этом жанре. Некоторые из них сделаны для вас: «Мой брат играет на кларнете», «Том Сойер», «Старик Хоттабыч». В этом же жанре поставлен и мультфильм «Бременские музыканты».
МЮЗИК-ХОЛЛ
Мюзик-холл (англ. music-hall – музыкальный зал) – вид эстрадного театра. Т.е. вид театров, дающих концертные представления.
Возникли в нач. 18 в. в Англии – в тавернах (вначале назывались saloon-theatre – кабацкий т-р). Салон мюзик-холла изначально представлял собой помещение, где за плату за вход или за более высокие цены в баре проходили выступления с танцами, пением, комедиями и драмами.
Мюзик-холл (англ. music hall или варьете, фр. vari;t;) — развлекательный жанр, который был моден между 1850 и 1960 годами.
Термин может относиться к:
• самой форме развлечения;
• театру, в котором происходит действие;
• видам популярной музыки, связанной с этим понятием.
Н
НАРОДНЫЙ ВОКАЛ (ЭТНИЧЕСКОЕ ПЕНИЕ)
Народный вокал – основан на вокальных традициях конкретного народа. Обычно это мощное эмоциональное исполнение разговорным голосом.
Народное пение, этническое пение – пение, существующее со времени появления человека, и отличающееся характерными особенностями, свойственными той или иной народности, этнической группе. Отзвуки народной традиции можно найти и в академической (классической) музыкальной культуре, и в эстрадной (городской) музыкальной культуре.
Чаще всего, народники поют открытым голосом и используют грудной регистр. Всё построено, как и академическом вокале на чётко сформированных техниках и приёмах, которым нужно следовать. В целом для народного пения характерно плоское небо, пение на связках. Народную манеру пения обычно называют «белым звуком», «открытым пением», в противовес округленному прикрытому звучанию голоса в академической манере. Народное пение, не на много увеличивает силу своего звучания по сравнению с эстрадным, но значительно ниже, чем у академического. Техника пения – далеко неоднородная. Существуют разновидности звукообразования в этом жанре вокального исполнительства: это автентичная, открытая и полуприкрытая манера пения.
Горловое пение – разновидность народного пения, при которой певец во время пения использует не только связки, но само горло, резонирующие полости рта, гортани, благодаря чему становятся слышимыми обертоны основного тона.
НАУЧНО-ПОПУЛЯРНОЕ КИНО
Научно-популярное кино является наряду с учебным, научно-исследовательским и научно-производственным (технико-пропагандистским) одним из видов научного кино, рассказывает в общедоступной форме о развитии науки и техники и их влиянии на жизнь общества. С помощью специальных видов съемки (замедленной, ускоренной, в рентгеновских лучах, микросъемки) научно-популярное кино показывает в динамике скрытые, малоизвестные стороны жизни средств научного исследования.
НЕКОММЕРЧЕСКАЯ ОБЛАСТЬ КУЛЬТУРЫ
Некоммерческая область культуры – это такие сферы, которые не могут быть однозначно превращены в коммерческие: репертуарный театр, опера, культурологическое образование. На этом базируется идеология культурного наследия страны.
Деятельность в сфере культуры осуществляется организациями, учреждениями, предприятиями различной ведомственной принадлежности (государственными, муниципальными, частными, общественными организациями) и формы собственности, а также частными лицами. В сфере культуры функционируют коммерческие и некоммерческие организации. Некоммерческие организации занимают ведущее место в сфере культуры.
НЕОКЛАССИКА
Неоклассика или неоклассицизм (от лат. neo — новый) – новая классика. Н. — это направление в искусстве, которое опирается на «идеальные» образцы классицизма. Собирательный образ из реплик самых разных классических направлений. Результат авангардизма.
НОМЕР
Номер (лат. – число) – в эстрадном концерте и цирковом представлении отдельное, законченное выступление одного или нескольких артистов. Термин “номер” возник в конце 18 века при зарождении стационарного цирка и первоначально означал порядок актерских выходов.
НОН-ФИКШН
Нон-фикшн (англ. non-fiction: non – не + fiction – беллетристика; фикция. В буквальном переводе с английского переводится, как «невымысел») – прозаическое литературное произведение, не являющееся ни романом, ни повестью, ни рассказом; деловая или критическая проза. Нон-фикшн – это, по сути, документальная проза. Это особый жанр в литературе, для которого характерна сюжетная линия, основанная исключительно на имевших место событиях. Вкрапления художественного вымысла допустимы редко, только в исключительных случаях. Как правило, такая документальная проза основана на сохранившихся документах и воспоминаниях очевидцев.
НУАР
Нуар (фр. noir — “черный”) — «чернуха». Кинематографический термин, применяемый к голливудским криминальным драмам.
Корнями “нуара” являются сюжеты американских книг серии “крутой детектив” и экспрессионизм немецких кинематографистов 1920-х годов. Для него характерны: криминальный сюжет, гнетущая атмосфера циничной безысходности, стирание граней между героем и антигероем, игра со светом и тенью.
“Фильм-нуар” — термин, введенный французским кинокритиком Нино Фрэнком в 1946 году для обозначения популярного стиля в американском послевоенном кино. Нуар — это что-то тёмное и мрачное, но с налётом французской элегантности и романтики.
НЮАНС
Нюанс (фр. – оттенок) – едва заметный переход в звуках, цвете, суждениях, актерской игре и т. п.
О
ОБРАЗЦОВ С. В.
Образцов Сергей Владимирович (1901–1992) – один из самых известных артистов-кукольников ХХ века. Режиссер, писатель, художник. Его фильмы, спектакли, книги знают и любят во всем мире. А началось все с детской игрушки – перчаточной куклы Би-ба-бо.
 Сам Сергей Образцов вспоминал об этом так: «…Мама подарила мне маленькую смешную куклу. Называлась эта кукла Би-ба-бо и состояла из целлулоидной головки и синего халатика, одевающегося на руку как перчатка… Все, что ни делал Би-ба-бо, было смешно и немного трогательно. Я его и любил, и жалел, как любят и жалеют дети маленьких котят. Даже гулять я его брал с собой, и он торчал в рукаве моего полушубка, рассматривая прохожих, городового, детей на Чистопрудном бульваре или витрину магазина… Прошло детство, прошли школьные годы, карандаши и кисти завладели в девятнадцать лет мною окончательно. Я решил стать художником. Но время тогда было голодное, игрушек у детей было мало, и я с друзьями попробовал сделать куклы Би-ба-бо на продажу. Я сделал негритенка и никому его не продал. То ли потому, что покупателя не нашел, то ли потому, что торговать не умел. А скорее всего потому, что с таким веселым негритенком расставаться было жалко…»
 Вот с этого негритенка и начался путь великого кукольника. Замечательный художник, ученик А. Е. Архипова и В. А. Фаворского, один из ведущих актеров Музыкальной студии Московского Художественного театра, «звезда» эстрады и создатель целого художественного направления «пародии в куклах», писатель, киносценарист, общественный деятель – до последних дней жизни он руководил своим театром, в котором создал 61 спектакль, в том числе такие известные, как «Необыкновенный концерт», «Волшебная лампа Аладина», «По щучьему велению», «Под шорох твоих ресниц», «Чертова мельница», «Божественная комедия», «Дон Жуан» и многие другие.
 Он вырастил и воспитал несколько поколений блистательных актеров, режиссеров, сценографов, художников и драматургов-кукольников, которые работают в сотнях театров России и других стран мира.
С. В. Образцов – создатель жанра документального киномонолога, автор фильмов «Кинокамера обвиняет», «Удивительное рядом», «Невероятная правда», «Кому он нужен, этот Васька».
Свое литературно-теоретическое наследие он завещал нам в книгах: «Моя профессия», «Актер с куклой», «Эстафета искусств», «По ступенькам памяти», «Моя кунсткамера» и др.
 С. В. Образцов – выдающийся общественный деятель, был почетным президентом УНИМА (Международный союз деятелей театра кукол, см. «УНИМА»), педагогом, профессором Российской театральной академии, ученым, членом-корреспондентом Берлинской Академии Искусств. Был награжден многими орденами, медалями и даже стал Кавалером «Ордена Улыбки», которым его наградили дети из Польши.
ОБРЯДОВАЯ ПЕСНЯ
Обрядовая песня – песня, являющаяся частью какого-либо обряда и по смыслу выражающая его. Это мо-гут быть песни, исполняемые во время религиозных и народных праздников и событий. Обрядовые песни подразделяются на колядские и овсеневые, святочные и игорные, веснянки, хороводные, седмицкие и ку-пальские, бытовые. История обрядовых песен начинается со времен язычества. Многие такие песни сопро-вождаются танцами и играми, драматизируются и костюмируются. Так, обрядовые песни поют во время свадеб, именин, многими песнями сопровождается Рождество, Масленица, Пасха и др. праздники. На манер обрядовых песен были созданы некоторые песни для праздника Нового Года. Например, такой песней стала «В лесу родилась елочка…». Обрядовые песни есть форма существования народных традиций.
ОБОРУДОВАНИЕ ДЛЯ СЦЕНЫ
Оборудование для сцены – это то, какое оборудование должно быть на сцене.
Для успешного проведения мероприятий необходимо:
1. Механика и одежда сцены -если сцена находится внутри помещения.
2. Световое и звуковое оборудование - обязательно для любой сцены.
3. LED и проекционные экраны – опционально.
4. Тотемы и фермовые конструкции – опционально.
ОВАЦИЯ
Овация (лат. – ликование) – восторженные продолжительные знаки одобрения и приветствия, выраженные через аплодисменты и крики “браво”. Устроить овацию кому-либо.
ОЗВУЧЕНИЕ
Озвучение – подбор звукового ряда, усиливающего атмосферу представления, эмоциональное напряжение конфликта, подчеркивающего значение события, или эпизода. В это понятие входит: шумы и музыка, передающие состояние атмосферы действия, в котором живут и актеры, и зрители.
ОЗВУЧИВАНИЕ ФИЛЬМА
Озвучивание — запись речи, музыки и шумов для фильма.
ОПЕРА
Опера (от итал. opera – труд, произведение, сочинение) – музыкально-драматический спектакль, где люди не разговаривают, а поют. Опера — драма или комедия, положенная на музыку. Драматические тексты в опере поются; пение и сценическое действие почти всегда сопровождаются инструментальным (обычно оркестровым) аккомпанементом.
Опера – род музыкально-драматического произведения, в котором объединяются слово, музыка, сценическое действие, живопись (декорации). Это музыкальный спектакль, основанный на слиянии слова, музыки и драмы, в котором действующие лица поют под сопровождение симфонического оркестра.
Опера – это масштабное драматическое произведение, объединяющее в себе жанры инструментальной и вокальной музыки, а также хореографическое искусство и живопись. То есть это синтез всех видов искусств. Оно написано для исполнения оркестром, хором и солистами. В основе оперы лежит стихотворное или прозаическое либретто, которое пишется драматургом-либреттистом или самим композитором.
Главное в опере — музыка, и поэтому ее автором является композитор. Композитор (в большинстве случаев) сочиняет музыку на готовое либретто (текст оперы) или пишет его сам.
По законам театра опера делится на действия (акты), действия – на картины, а картины – на сцены. В структуру оперы входят следующие элементы: инструментальные вступления (увертюра, антракты), сольные эпизоды (арии, речитативы и др.), ансамбли (дуэты, терцеты, квартеты и т. п.), хоры. Ряд замкнутых или сквозных сольных и ансамблевых номеров, объединенных единым драматургическим действием, образуют сцены, которые, в свою очередь, создают акты, или действия, оперы. Число действий в классических операх колеблется от 1 до 5. Главенствующая роль здесь отводится отдельным сольным номерам (ариям, ариозо и ариетто), передающим образы и настроение главных действующих лиц.
Исключительно велика в опере роль оркестра. Он аккомпанирует певцам и хору, выступает как равноправный партнер действующих лиц оперы, а иногда и как самостоятельное действующее лицо. Оркестровые эпизоды (номера) оперы помогают слушателям понять основные линии развития действия.
Перед началом спектакля (еще до поднятия занавеса) оркестр исполняет увертюру или более короткое вступление, они раскрывают слушателю характер оперы. Иногда композиторы пишут оркестровые вступления и к отдельным действиям (симфонические антракты).
Характеры действующих лиц, их внутренний мир раскрываются в ариях, которые соответствуют монологам в драматическом спектакле. Так, музыка арии князя Игоря из оперы А. П. Бородина «Князь Игорь» создает многогранный целостный портрет героя, томящегося в половецком плену. В ней выражена скорбь о гибели войска, и жажда освобождения Родины, и любовь к Ярославне. Драматические сцены, духовные поединки героев часто передаются в дуэтах, трио, квартетах и других музыкальных ансамблях. Мысли и чувства больших людских масс выражает хор. Перечисленные формы образуют музыкальную «сердцевину» оперы: в их основе лежит выразительная, запоминающаяся мелодия. Но наряду с этим пение может приближаться и к человеческой речи — так возникает речитатив, гибко реагирующий на малейшие изменения эмоциональных состояний.
В сценическом действии оперы участвуют певцы-солисты и хор; их пение сопровождается звучанием оркестра. В оркестре, как и в вокальной партии, могут звучать лейтмотивы — музыкальные темы, воплощающие тот или иной образ.
Одна из особенностей оперы состоит в том, что ее герои иногда поют одновременно каждый свою партию. Так композитор раскрывает мысли и чувства своих героев в ансамбле – стройном совместном звучании.
В массовых сценах звучит хор, который нередко выступает одним из главных действующих лиц оперы или комментирует происходящее на сцене.
В зависимости от сюжета, времени создания оперы и возможностей театра в опере могут быть и танцы, и даже балетные сцены. Нередко в оперу вводятся балетные фрагменты.
Опера возникла в Италии на рубеже 16-17 вв. Впервые зазвучала она в солнечной, веселой, жизнерадостной Италии XVII века. Итальянцы – народ, наделенный редкостной музыкальностью, отличным слухом, прекрасными голосами. Они поют – работая, поют – отдыхая, поют – объясняясь в любви, поют – испытывая печаль...
Родившись около трех веков назад, опера завоевала мир. Сегодня в мире много разновидностей оперы. Она изменяется под влиянием времени, а иногда и моды.
В зависимости от сюжета и его осмысления композитором различают трагическую, комическую, драматическую, лирическую, эпическую оперы и их разновидности.
Наталией Ильиничной Сац (1903-93), удостоенной высокого звания Героя Социалистического Труда, много сделано для расцвета детской оперы. По ее просьбе выдающийся советский композитор С. С. Прокофьев создал музыкальную сказку «Петя и волк». П. И. Сац поставила в театре для детей оперы «Морозко», «Полк и семеро козлят», «Три толстяка», «Мальчик-великан»...
«Взрослая» опера обращается и к современным и совсем не сказочным сюжетам. Андрей Петров написал оперы «Петр Первый», «Маяковский начинается»...
Интересная история произошла в 1918 году. Оперу сочинили... дети!
Дело было так. Корней Иванович Чуковский тогда еще молодой, начинающий писатель с интересом присматривался к детскому словесному творчеству.
Однажды Корней Иванович Чуковский собрал мальчиков и девочек и сказал: «А давайте-ка сочиним свои оперу! Только сочинять будете вы сами, играя и фантазируя. Я буду записывать слова, а композитор мелодию». Так весной 1918 года, всего через четыре месяца после того, как совершилась Великая Октябрьская социалистическая революция, появилась первая дет екая опера в трех действиях под названием «Царь Пузан». В ней действовали и пели: Министр пряников, Министр леденцов, Министр носовых платков, Хранительница королевской зубочистки. Королевский мухобой и другие необычные персонажи.
Авторы и участники спектакля – дети – нарисовали и свою афишу. На ней изобразили большой котел с клубами пара, а в котле варился какой-то несчастный. Текст афиши гласил: «Так будет мучиться тот, кто не возьмет своих детей на представление «Царя Пузана»!»
Детская опера шла тогда на сцене зала, где вскоре предстояло обосноваться первому советскому ТЮЗу – на Моховой улице в Петрограде...
ОПЕРА (ОПЕРНЫЙ ТЕАТР)
1) Оперный театр — здание музыкального театра, в котором проходят, прежде всего, представления оперы и балета. Оно имеет большую сцену с дорогостоящим техническим оборудованием, оркестровую яму и зрительный зал в один или несколько ярусов, располагающихся друг над другом либо в виде лож. Данная архитектурная модель оперного театра является основной.
Первые оперные театры появились в середине XVII века сначала в Венеции, а затем в других городах Италии и предназначались для развлечения аристократии.
Оперный театр исторически – это здание для проведения пышных представлений (в большинстве своем, придворных), сопровождаемых музыкой, танцами, песнями.
2) Понятие «оперный театр» включает в себя не только здание театра, но и специфическое учреждение, которое объединяет музыку, драматическое, актерское и изобразительное искусство в одно многокрасочное целое. Под оперным театром может пониматься как постоянная труппа театра (солисты театра, хор, балетная труппа, оркестр, статисты), так и художественные руководители (директор, дирижёры, режиссёры, драматурги, помощники режиссёра), администрация, кассы, гардероб и театральные мастерские. Подобно тому как оркестром управляет дирижер, игрой актеров-певцов руководит режиссер-постановщик, понимающий специфику музыкального театра. В оформлении спектакля участвуют художники-декораторы и костюмеры.
3) Оперный театр — особый вид, особая форма музыкального театра.
Представления, с музыкой и пением были известны с давних времен (древнегреческая трагедия, средневековые мистерии, различные формы народного театра). Но оперная, музыкальная драматургия возникла тогда, когда сама музыка стала самостоятельным (не прикладным) искусством и смогла подчинить себе его другие виды.
Наследники Орфея
Орфей был необыкновенным певцом и музыкантом.
Когда он пел и играл на лире, заслушивались не только боги и люди, – дикие звери выходили из леса, очарованные необыкновенными звуками. Деревья и скалы сдвигались со своих мест, чтобы послушать волшебную музыку. При звуках Орфеевой лиры затихало море. И даже страшного дракона, наводившего ужас на всю страну, пение Орфея сделало смирным и послушным.
Орфей полюбил нимфу Эвридику и женился па ней. Но, ужаленная змеей, Эвридика умерла. В глубоком горе отправился Орфей за нею в царство мертвых, захватив с собой волшебную лиру.
Владычица загробного царства Персефона и грозный страж этой мрачной страны пес Цербер были покорены печальной музыкой Орфея. Персефона согласилась вернуть Орфею жену, однако с условием: он не должен ни разу взглянуть па нее, пока они не достигнут земли, своего дома. Орфей не выдержал – посмотрел на жену. И Эвридика исчезла навсегда...
Эта история из древнегреческой мифологии стала повторяющимся сюжетом не только первых в мире опер, но и многих последующих музыкальных произведений.
Казалось бы, пение выглядит на сцене вполне естественно, если разыгрывается сказочная история певца Орфея. Но вот вы приходите в театр и ждете начала оперы И. И. Чайковского «Евгений Онегин». Роман в стихах Пушкина начинается с описания жизни главного героя, его характера, привычек, склонностей, вкусов. Как же передать эти прекрасные стихи в оперном спектакле? И потом, герои Пушкина не поют, а разговаривают. И все же начинается пение!
Иногда можно услышать такое мнение: опера неестественна. В жизни люди, общаясь друг с другом, не поют. Поэтому опера, с точки зрения обыкновенного правдоподобия, не выдерживает никакого сравнения с драмой или комедией, где люди говорят, как в жизни.
Но и тут нас подстерегает подвох. Ведь есть немало пьес для драматического театра, написанных стихами! Как же тогда отнестись к ним? Ясно же, что стихами в жизни тоже не разговаривают!
Секрет нашего восприятия заключен в том, что театр – это всегда игра, пусть порой и очень серьезная. А раз игра, – значит, существуют и правила игры. Приходя в театр, чтобы посмотреть, например, одну из блестящих стихотворных комедий Лоне де Вега, мы сразу же понимаем «правила игры» и принимаем их, как обязательное условие. Тем более что мы в театре не наблюдатели, а, как вы уже знаете, партнеры. И мы увлекаемся не только событиями на сцене, но и высокой поэзией.
То же происходит и в опере. Приходя в оперный театр, мы внутренне готовы услышать музыку, пение, аплодируем любимым певцам, дирижеру, артистам оркестра. Чарующие мелодии оперы входят в наше сознание, память и остаются в них навсегда.
И все это отразил театр.
Оперное искусство выдвинуло и великих певцов, чьи имена навсегда связаны с историей музыкального театра. В России самым выдающимся исполнителем оперных ролей и партий стал Федор Иванович Шаляпин (1873-1938).
Впрочем, Шаляпин стал оперной звездой всемирной величины. Вокруг имен и судеб великих гениев искусства нередко складываются легенды и были. Немало их родилось и вокруг Шаляпина. Одна из них поразительна. Она говорит о том, что гений не только высшее проявление таланта, но и впечатляющее проявление всех способностей личности художника.
Однажды, в Париже, Шаляпин познакомился с болгарской певицей Илкой Поповой. Во время гастролей у молодой певицы неожиданно, может быть, от волнения, пропал голос. Ее не смог спасти даже прославленный вокальный педагог Танара. Испуганная, артистка пожаловалась на свою беду Шаляпину. И тот решил ей помочь. Вот как рассказал об этом случае болгарский журналист Марин Бончев:
«Убедившись, что трудности у певицы с голосом – это скорее психологические проблемы, Шаляпин в день премьеры снимает с пальца свой перстень, с которым никогда не расставался, и надевает его на палец Илки: «Это перстень Петра I, он освящен патриархом Всея Руси... Тот, ктo носит его, верит в его силу, у того нет ни каких проблем ни с голосом, ни с молодостью».
На премьере Илка поет с перстнем на руке. Успех исключительный. У нее нет слов выразить благодарность. При каждом исполнении онеры она просит у Шаляпина этот перстень. Вероятно, поняв силу собственного внушения, Шаляпин решил его подарить... По ее Шаляпин поставил лишь одно условие никогда не допускать компромиссов в искусстве...»
 
Наталия Ильинична Сац
Наталией Ильиничной Сац (1903-93), удостоенной высокого звания Героя Социалистического Труда, в Москве 1965 году создан первый в мире музыкальный театр для детей (Московский государственный академический детский музыкальный театр). Его первой руководительницей с момента создания была сама профессор Н.И. Сац. Этот театр теперь носит её имя.
ОПЕРАТОР КИНО И ТЕЛЕВИДЕНИЯ
Оператор – занимается непосредственной съемкой сцен для фильма.
Используя в своем творчестве художественные возможности операторского искусства и современной кинотехники, оператор в процессе съемки реализует в экранном изображении творческий замысел всего коллектива создателей фильма.
Совместно с режиссером-постановщиком и художником-постановщиком оператор на основе сценария и замысла фильма разрабатывает:
; изобразительное решение фильма,
; трактовку сцен и эпизодов картины,
; портретные характеристики основных персонажей,
; проводит съемки актерских проб,
; участвует в выборе мест съемок, утверждении эскизов декораций и костюмов.
Оператор-постановщик – в кинематографе один из основных создателей фильма, непосредственно работающий над его изобразительным решением и осуществляющий съемку.
Оператор — один из основных создателей фильма, работающий вместе с постановщиком и художником над его идейно-художественным решением и непосредственно ведущий съемку. Работа оператора определяет изобразительные достоинства картины. Его «орудие производства» — кинокамера. Но в ней не следует видеть лишь техническое средство фиксации фильма на пленку. Оператор работает по художественным законам живописи. «Живопись, — писал Леонардо да Винчи, — связана со всеми десятью атрибутами зрения, а именно — тьмою и светом, цветом и фактурой, формой и расположением, удаленностью и приближенностью, движением и покоем». И оператор, используя в своей работе все эти атрибуты, должен всегда помнить, что снимает не просто какой–то момент жизни, а жизнь в ее движении. Потому что основная эстетическая особенность кино состоит в том, что оно является искусством движущегося изображения.
Операторская техника сложна и многообразна. Человека, впервые попавшего на съемочную площадку или в павильон, поражает нагромождение осветительных приборов, отражателей, разного рода кранов и тележек, путаница проводов. Все это, главным образом, хозяйство оператора. Краны помогают ему вести ракурсную съемку, т. е. съемку под разными углами: то из-под потолка, то от пола, то справа, то слева и т. д. Простейшие результаты ракурсной съемки: взгляд на человека снизу — человек кажется монументальным и величественным, сверху — человек кажется маленьким, как бы «придавленным». Тележки дают возможность вести съемки при движении (профессиональное название — трэвеллинг), показывать панорамы, сопровождать двигающихся героев, входить в толпу и т. д. Еще больший эффект могут дать съемки с движущегося автомобиля или вертолета.
Используя ручную камеру, оператор входит с нею в мизансцену фильма, в круг действующих лиц. Он делается как бы участником действия, а зачастую его взгляд становится как бы взглядом зрителя фильма.
Камера, как говорят в таких случаях, субъективизируется. И это лишь один из бесчисленных приемов операторского мастерства.
В работе с кинокамерой оператор использует набор различных объективов к ней. Надо заметить, однако, что, как ни важна техника, в кино, как и в любом другом виде искусства, успех в конечном счете определяется талантом и мастерством авторов фильма. задачи оператора документального кино сводятся к возможно более правдивому отображению жизни, что в то же время подразумевает точный отбор наиболее важного в ней и умение выразительно запечатлеть это на пленке. Очевидно, здесь задачи оператора сходны с задачами журналиста. Это становится бесспорным, когда мы обращаемся к старым кинодокументам, к хронике былого: мы уже не интересуемся художественными качествами съемки, нам важна лишь мера их жизненной правды.
На телевидении операторы обычно либо примыкают к тем, кто снимает игровые картины и программы, и тогда подчиняются общим художественным требованиям игрового кино, либо должны уметь сочетать профессии оператора и журналиста. Репортаж в телевидении, съемки с места событий (не имеет существенного значения, идут они прямо в эфир или предварительно записываются мониторами) тоже ценны в первую очередь своей подлинностью, выявлением в событии самого существенного и интересного. Кроме того, в телевидении съемки репортажа, скажем, футбольного матча ведутся с нескольких камер. В эфир идут лучшие кадры (после «электронного монтажа», осуществляемого режиссером). Эта специфика телевидения, конечно, в какой-то мере помогает операторам, но вместе с тем требует от них высокой точности и профессионализма.
ОПЕРЕТТА
Оперетта (фр., итал. operetta – маленькая опера) – музыкально-сценическое произведение комедийного содержания, в котором музыкально-вокальные и танцевальные номера чередуются с разговорными эпизодами.
Дурочка становится героиней
Париж спал, утомленный делами и балами. Куранты па башнях его семидесяти церквей пробили полночь. Мерцали газовые фонари. И вот наступил новый день – 5 июля 1855 года. Мало кто тогда знал, что именно в этот день в Париже произойдет сенсация. На Елисейских полях, одной из главных улиц французской столицы, впервые открывал свои двери маленький театр под названием «Буфф-Паризьен». Там нынче вечером ожидалась премьера – первое представление оперетты композитора Оффенбаха.
Жизнь на парижских бульварах била ключом. В середине 19-ого века здесь образовался не только центр французской столицы, но и главный перекресток всей Европы. Здесь зарождалась мода женских платьев и мужских костюмов – и сразу становилась обязательной для всех от Лиссабона и Мадрида до Петербурга и Москвы. Получали признание или отвергались новые дорогие духи, определялась ширина полос на галстуках. Словом, Париж притягивал к себе и французов, и иностранцев.
Здесь прогуливались или подолгу сидели в маленьких кафе актеры и писатели, изгнанные короли и финансовые воротилы, владельцы модных магазинов, издатели книг и газет. А в газетах читатели мало интересовались обычными новостями: они жадно ловили новые выпуски публикуемого с продолжением романа Александра Дюма и спрашивали в письмах в редакцию: чем там кончилось дело у д'Артаньяна? У графа Монте-Кристо?..
На бульварах болтали о пустяках с самым серьезным видом. Какое масло полезнее: прованское или сливочное? Как лучше варить кофе? Какой масти лошади наряднее и какая порода резвее? Удачные шутки и остроты ценились выше дорогих безделушек. А модная песенка могла вознести автора в один вечер на вершины славы.
Вся эта пестрая толпа, не очень занятая делом, жаждала развлечений. И тогда, будто призванная самим временем, атмосферой парижских бульваров, родилась оперетта – веселый спектакль с музыкой, песенками, зажигательными танцами и остроумными диалогами.
Как самостоятельный жанр, оперетта сложилась во Франции в середине XIX в. «Отцами» французской оперетты, да и оперетты вообще, стали композиторы Флоримон Эрве (1825-1892) и Жак Оффенбах (1819-1880).
Сюжеты первых оперетт подсказала мифология: снова, например, зазвучала история Орфея и Эвридики и захватила зал судьба прекрасной спартанской царицы Елены. Но очень скоро на опереточную сцену ворвались те самые парижские бульвары, которые ее породили: парижане, иностранцы, богатые господа и их бедные, но дерзкие слуги – все они смешались в веселом представлении «Парижская жизнь», полном музыки, блеска, шуток, смеха, запутанных приключений.
Уже через несколько лет оперетта покорила всю Европу и по-хозяйски взошла на подмостки столичных театров.
Актер и писатель И. Ф. Горбунов (1831–1895) вспоминал:
«И охватила оперетта все мое любезное отечество. Где не было театров, она располагалась в сараях, строила наспех деревянные павильоны, эстрады в садах... Бросились в ее объятия достойные лучшей участи девушки, повыскакивали со школьной скамьи недоучившиеся молодые люди, актеры всех столичных и провинциальных театров были «поверстаны» в опереточные певцы... Драма посторонилась».
Горбунов пишет про оперетту немного иронически, даже с грустью. Ему, как и некоторым другим серьезным людям, казалось, что новоявленная французская гостья – «низкий жанр», легкомысленное искусство, что у оперетты нет будущего и интерес к ней пройдет, как проходит всякая мода.
Но они ошиблись. И это была счастливая для театра ошибка! Историк и исследователь оперетты Алла Рудольфовна Владимирская (р. 1928) точно заметила, что оперетта и драма «пошли навстречу друг другу». Драма тоже кое-чему научилась у своей младшей и веселой сестры. Ведь музыка, пение, танец в современном драматическом спектакле – обычное дело!
Первые оперетты отличались сатирической направленностью, злободневностью, остроумием («Перикола», «Прекрасная Елена» Ж. Оффенбаха, «Маленький Фауст» Ф. Эрве); впоследствии во французской оперетте усилились лирические черты, стали использоваться лирико-романтические сюжеты («Мадемуазель Нитуш» Ф. Эрве, «Дочь мадам Анго» Ш. Лекока, «Корневильские колокола» Р. Планкета).
Венская оперетта развивала традиции французской; в музыке получили использование мелодика и формы австрийской бытовой музыки («Летучая мышь», «Цыганский барон» И. Штрауса, «Боккаччо» Ф. Зуппе, «Нищий студент» К. Миллёкера), интонации и ритмы венгерского фольклора («Веселая вдова», «Граф Люксембург» Ф. Легара и «Княгиня чардаша», «Баядера», «Марица» И. Кальмана).

Вот они, классики опереточного театра.
Иоганн Штраус (1825–1899) – австрийский композитор. Сначала стал королем вальса, как его прозвали по всей Европе, а потом и одним из королей оперетты. Их у него шестнадцать: «Летучая мышь», «Цыганский барон», «Ночь в Венеции»...
Ференц Легар (1870 –1948) – венгерский композитор. «Цыганская любовь», «Гам, где жаворонок поет», «Голубая мазурка».
Имре Кальман (1882–1953) – тоже венгр, автор знаменитых оперетт «Сильва», «Баядера», «Марица», «Принцесса цирка», «Фиалка Монмартра». О зажигательных и упоительных мелодиях «Сильвы» – она появилась в 1915 году – говорили и писали, что они заглушили даже гром сражений первой мировой войны!
Исаак Дунаевский (1900–1955) – советский композитор. Много сил отдал он веселому жанру. Написал музыку для двенадцати оперетт.
Советские оперетты отличались общественной значимостью тематики и в то же время мелодической яркостью и богатством музыкальных форм («Холопка» Н. М. Стрельникова, «Вольный ветер», «Белая акация» И. О. Дунаевского, «Свадьба в Малиновке» Б. А. Александрова, оперетты Ю. С. Милютина, В. П. Соловьева-Седого, К. Я. Листова, Д. Д. Шостаковича, Т. Н. Хренникова и др.)
В истории советской оперетты произошел удивительный случай. В осажденном Ленинграде в разгар вражеской блокады, в 1942 году, когда людям было, казалось бы, не до веселья, не до песенок и смеха, – именно в те дни родилась знаменитая блокадная оперетта «Раскинулось море широко».
Как ни странно, пьеса и музыка этой музыкальной комедии написаны... по приказу военного командования! Руководитель группы писателей при Политуправлении Балтийского флота – эта группа работала в Ленинграде в течение всех дней блокады – В. В. Вишневский был вызван к командованию Ленинградского фронта. Ему сказали: городу необходима веселая музыкальная комедия! Ленинградский театр музыкальной комедии остался в осажденном городе и регулярно показывает спектакли. Значит, на его сцене должны идти не только «Сильвы» и «Марицы» (хотя они продолжали пользоваться успехом у ленинградцев), но и актуальная, боевая пьеса, должна звучать адекватная моменту музыка, а в сердце биться современная, сегодняшняя ненависть к врагу.
Вишневский, как человек военный, несмотря на необычность приказа, ответил: «Есть!»
Вместе с Вишневским пьесу сочиняли поэт Всеволод Азаров и драматург Александр Крон. А музыку – три композитора: Виктор Витлин, Николай Минх, Лев Круц.
Премьера спектакля состоялась 7 ноября 1942 года, в день 25-летия Октября. Название пьесы «Раскинулось море широко» – слова старой матросской песни – поднимало людей с холодных постелей, вело из опустевших квартир. Ленинградцы шли в театр, чтобы поддержать героев спектакля, балтийских моряков, уходивших и на сцене, как в жизни, сражаться с врагом.
Как видите, оперетта родилась легкомысленной и беззаботной певуньей, а в дни тяжких испытаний для советского народа – так же как и другие виды искусства – надела гимнастерки и бушлаты и взяла в руки оружие.
Сегодня она снова смеется, напевает, танцует и дарит нам веселое настроение. Что ж, спасибо ей за это!

Спецификой работы актёра оперетты является то, что жанр несколько сложнее оперного. Если в опере – главное владение голосом и его демонстрация, то в оперетте артисту нужно демонстрировать ещё и актерские таланты. Нужно уметь не только петь, но и танцевать, красиво двигаться, входить в образ, как это делается в драме.
И ещё одна специфика оперетты – это обязательный хэппи энд.
Исторически развитие американского варианта оперетты в 20-х гг. XX в. привело к возникновению нового жанра – мюзикла.
ОРКЕСТР
Слово оркестр происходит от греческого термина орхе;стра. Так в греческом театре называлась круглая площадка, на которой выступали актеры.
До середины 18-го века оркестром называли место расположения музыкантов во время представления. Лишь позднее это слово приобрело современный смысл.
Оркестр – группа музыкантов, совместно исполняющих музыкальное произведение на различных инструментах. Оркестры подразделяются либо по составу инструментов, либо по характеру исполняемой музыки, репертуару: симфонические, оперные, эстрадные, военные, духовые, оркестры народных инструментов.
Различным бывает и количественный состав таких коллективов. Знаменитую Седьмую (Ленинградскую) симфонию Шостаковича (закончена: 27 дек. 1941 г.), например, должны исполнять более ста музыкантов.
 
Рассадка музыкантов оперного оркестра
 
Торжественная одежда оркестрантов – одинакова для всех. У мужчин – черные фраки с белыми сорочками, у женщин – длинные черные платья, в большинстве случаев, с белой отделкой.
ОРКЕСТРОВАЯ ЯМА
Оркестровая яма (гр. – место пляски) – в театре специальное помещение для музыкантов, которое находится перед сценой, обычно ниже уровня партера и огорожено барьером от зрительного зала.
ОРКЕСТРОВКА
Оркестровка (то же, что инструментовка) (от оркестр orchestrer и греч. theke – хранилище, вместилище, ящик) – набор оркестровых голосов муз. произведения, написанного или переложенного для небольшого инструментального состава. Позволяет сыграть это произведение при различном количестве исполнителей – от минимального («обязательные голоса») до максимального («желательные голоса»). Обязательные голоса О. содержат т. н. дирекцией – дополнит, нотный стан, на к-ром выписан осн. мело-дич. материал др. партий. В случае отсутствия соответств. исполнителя эти мелодич. отрывки могут быть сыграны исполнителем обязательной партии.
Оркестровка – 1) Изложение музыкальной пьесы для исполнения оркестром; инструментовка. Приспособление музыкального произведения для исполнения его оркестром, распределение партий между отдельными инструментами. Изложение музыки для исполнения её каким-либо составом оркестра или инструментальным ансамблем. Изложение или переложение музыкального произведения для оркестра; Оркестровка – переложение музыкального произведения в оркестровую партитуру.
2) Характер распределения партий в музыкальном произведении между отдельными инструментами. Распределение между инструментами оркестра партий при исполнении музык. пьесы. Инструментовка, искусство распределения материала музыкальной композиции между инструментами симфонического, духового или иного оркестра с целью наиболее выигрышного использования каждого инструмента для создания предусмотренного общего звучания.
3) Раздел теории музыки, изучающий свойства отдельных инструментов и их сочетание в оркестре. 4) перен. Звуковая организация речи, обычно художественной.
Аранжировка музыкального произведения таким образом, чтобы каждый из инструментов оркестра исполнял свою партитуру. Понятие инструментовки входит в понятие аранжировки, то есть инструментовки в широком смысле — для любого состава инструментов, в том числе электронных, а также голосов.
Распределение между инструментами оркестра партитур, составляющих одно цельное музыкальное произведение.
Изложение музыкальной пьесы для исполнения оркестром; инструментовка. БАС 1. 2. спец.
Характер распределения партий в музыкальном произведении между отдельными инструментами.
1. Изложение оркестрового или ансамблевого произведения в виде партитуры для определенного состава инструментов.
2. Переложение какого-либо произведения для оркестра определенного типа и состава.
ОСВЕТИТЕЛЬ
Осветитель в театре — технический работник, который расставляет и подключает оборудование, управляет им во время представления и направляет в отдельных сценах. Специалист по правильной расстановке освещения. Человек, который выставляет свет и работает с ним на протяжении всего спектакля.
По-простому это световик – сценический рабочий, который отвечает за работу освещения на съемочной площадке. Основная задача – выставление нужного света в соответствии с творческим замыслом режиссера.
«То, что для художника значат краски, для нас, осветителей, значат прожекторы, софиты, рампы...», – говорят светотехники. Светотехники шутят: самый удачный свет – затемнение на сцене.
В старинных театрах сценическим светом управляла команда осветителей вручную, располагаясь в разных концах театра. Профессия театрального осветителя впервые появилась во времена Шекспира. Тогда на время спектакля нанимались специальные помощники, которые должны были следить, чтобы свечи не коптили.
Такие специалисты незаменимы при организации концертов, праздников, на телевидении, в театральных постановках. Опытные осветители могут организовывать собственное световое шоу, выступать на международных фестивалях.
Какой будет свет во время спектакля, светотехник выясняет с режиссером в самом начале. Еще до репетиций, то есть до появления актеров на сцене, с режиссером расписывается – где какая атмосфера должна быть, где какой свет. После того как режиссер одобряет ту или иную постановку света, осветитель уже ни в коем случае не может ничего поменять на свое усмотрение. Создается паспорт спектакля, куда записывается вся световая партитура, постановка света, направка аппаратуры. Прописывается световая партитура и в компьютере – каждое положение по репликам, с секундным вхождением: одна программа за пять секунд вошла, а предыдущая программа за двадцать секунд медленно гаснет. Осветителю необходимо вовремя, по реплике, нажать на кнопку (пучки света должны быть направлены в строго установленные точки с отклонением не более 10–20 см). Кроме того, есть документ с подробным описанием используемого оборудования, например, такой-то прожектор, с таким-то светофильтром, такой-то ширины должен быть направлен в такой-то сцене на артиста такого-то. Все переезды прожекторов с одного места на другое тоже контролируются компьютерами.
Основные рабочие места осветителя – галерки и осветительская рубка. Ошибка осветителя может дорого обойтись, вплоть до срыва спектакля.
Часто осветитель разрабатывает схему освещения совместно с остальными работниками сцены, но, как правило, задачу ему ставят режиссер и главный оператор. Нередко осветителю приходится в одиночку монтировать всё оборудование, а затем разбирать его. Впрочем, на больших мероприятиях осветитель, как правило, работает с помощниками.
Нередко осветителю приходится работать на открытом воздухе, если речь идет о выездных концертах, фестивалях или съемках на натуре.
Подобная работа предполагает постоянный контакт с людьми творческих профессий (музыкантами, режиссерами, актерами), участие в репетициях и ненормированный рабочий день. Одним словом, у осветителя масса обязанностей и довольно напряженный график.
Практически всегда осветителям приходится выполнять работу электриков, подсобных рабочих и грузчиков. Особенно, если речь идет о небольшом театре или частной студии.
Чтобы успешно работать осветителем, требуется немало технических познаний, а также творческая жилка.
Во-первых, нужно отлично разбираться в электротехнике и принципах работы осветительных приборов.
Во-вторых, уметь всё это вовремя починить, быстро настроить, вовремя перенести на нужное место и включить.
В-третьих, следует понимать, как то или иное освещение влияет на художественный замысел постановки, концерта или фильма. А здесь нужен эстетический вкус и понимание замысла режиссера.
Нередко в технической бригаде во время постановки работает целая бригада осветителей, так что очень важны их скоординированные действия и четкое выполнение команд.
П
ПА
Па (фр. pas – шаг) – движение или комбинация движений. Употребляется как равнозначное понятию «танец».
ПА-ДЕ-ДЕ
Па-де-де (фр. pas de deux – танец двух исполнителей; дословно: – «танец двоих») – классический дуэт, обычно танцовщицы и танцовщика. Па-де-де – главная танцевальная сцена в балете или в одном из актов балета. В па-де-де раскрываются взаимоотношения героев, показывается танцевальное мастерство исполнителей. Форма pas de deux часто встречается в классических балетах: «Дон Кихот», «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» и др. Танец в pas de deux насыщен сложными поддержками, прыжками, вращением, в нем демонстрируется высокая исполнительская техника. Па-де-де состоит из адажио, вариации танцовщика и вариации балерины и коды – коротких, технически сложных танцевальных кусков танцовщика и балерины.
ПАНОРАМА
Один из самых древних видов театра кукол (см. «Раек»). В России панорама появилась во второй половине XVIII века. Этот театр можно назвать прадедушкой кинематографа и телевидения. Панорама действительно выглядела как кинозал, вернее, его модель – небольшой ящик, в котором одна картинка сменяла другую… Панорамные картины поначалу изображали лишь библейские притчи и истории. Позже в представлениях появляются сюжеты светские. Панорама начинает исполнять роль своеобразной кинохроники, служит «окном в мир», рассказывая о разных городах и странах, путешествиях, стихийных бедствиях, популярных лицах.
 Вот, например, фрагмент афиши большой панорамы времен царствования Екатерины Великой. «По Всемилостивейшему Ее Императорского Величества позволению, сего февраля 8 дня, будет представлять… натуральное показание Света, чего здесь еще не видали. А прежде сего в Дании и Голландии, Франции и Германии… Мудрые Перспективные машины, через которые Небо и Земля, Месяц с рождения своего и до полна и последней четверти, также и Звезды, Воздух, и Вода, Горы, Леса, Города, и Замки, и Гавани, Корабельные ходы, и с них стрельба, и многие другие вещи и прочее. Город Рим. Со стороны реки Тибр, где видеть можно крепкий и изрядный костел Санкт Анжела, у так названного Ангельского моста Церковь Святого Петра, и палаты Папской. Вольный имперской город Гамбург. При том из пушек поздравляются, и из пушек со города палить будут.
 Все вышеописанное показано будет у Красных Триумфальных ворот. Начало пополудни о четвертом часе. В первом месте платить по 50 копеек. Во втором – по 25 копеек. В последнем по 12 копеек». Представления такого театра содержали много полезной информации и вполне соответствовали просветительским идеям того времени.
К концу XVIII – началу XIX века и этот вид театра начинает изменяться, превращается в балаганное развлечение, основная задача которого – развлекать, а не просвещать.
ПАНТОМИМА
Пантомима (гр. – воспроизводящий подражанием) – древнейший вид сценического искусства, включающий в себя беззвучные средства создания художественного образа через пластику, жесты, мимику.
Обычно под пантомимой понимается искусство создания сценического образа при помощи пластики актера, сценического движения, мимики, жеста.
В широком смысле слова пантомимическая игра присуща творчеству любого драматического артиста, служит основой актерской игры. Достаточно вспомнить высказывание К. С. Станиславского о «паузах» великих актеров: «Все они умеют досказать то, что недоступно слову; нередко действуют в молчании гораздо интенсивнее, тоньше и неотразимее, чем сама речь. Их бессловесный разговор может быть интересен, содержателен и убедителен не менее, чем словесный».
Эмоционально-выразительное движение актера, которое составляет природную стихию пантомимы и вне которого не существует актерского искусства, позволяет считать пантомиму исходной, основополагающей формой театра, при участии которой возникает все многообразие форм драматического и музыкального театра.
В более узком смысле слова под пантомимой издавна понимают особый жанр сценического искусства, в котором основными средствами выражения являются движение актера и специфическая техника этого движения. Жанр пантомимы известен с незапамятных времен: до нас дошли описания грандиозных пантомим античного мира
Подарок царю Тиридату
Однажды, в древности, во времена императора Нерона (правил в 54-68 гг. н. э.), Рим посетил армянский царь Тиридат. Его принимали торжественно и пышно, желая сделать верным другом сената и римского народа, показывали достопримечательности Рима и его окрестностей. Когда же царь Тиридат собрался в обратный путь, Нерон предложил ему выбрать в подарок то, что ему больше всего понравилось, и поклялся, что не откажет ни в чем, чего бы гость ни пожелал. И тогда Тиридат попросил в дар... актера, которого он видел в театре и, не понимая его речи, понял все, что артист выражал знаками, жестикуляцией, мимикой. Царь объяснил: в его стране живут люди, говорящие на многих языках и наречиях. Чтобы разговаривать с ними, приходится пользоваться многими переводчиками. А этот актер станет «универсальным» переводчиком и один будет понятен всем. Его жесты настолько выразительны, что кажется, будто он говорит пальцами!
К этой истории можно добавить, что Тиридат увидел в римском театре актера-мима, а искусство, каким артист владел, называется пантомимой.
Как видите, пантомима существует с очень древних времен. Но и сейчас молодые актеры учатся тому, чтобы овладеть этим важным средством выразительности на сцене.
Есть и такое понятие – миманс, сокращение слов мимический ансамбль. Так называют группу артистов, участвующих в массовых сценах оперных и балетных постановок без каких-либо ролей с текстом.
Главным средством раскрытия содержания спектакля или номера, а также и создания художественного образа стали в пантомиме пластика тела актера, жест и мимика.
Слово пластика означает гармонию движения актера, согласованность движений и жестов. Если про человека говорят, что он пластичен, – значит, он легко, хорошо двигается.
Пантомима, как и драма, родилась в Древней Греции и Риме. С овладения искусством пантомимы начинал свою актерскую жизнь Чарли Чаплин. Крупнейшим мастером пантомимы 20-го века стал замечательный французский артист Марсель Марсо, а в СССР – Аркадий Райкин.
 
Марсель Марсо (1923-2007) – выдающийся французский актер-мим. Его любимого сценического героя звали Бип – он и запечатлен на этом снимке. Марсель Марсо руководил в Париже Международной школой пантомимы, в ней было семьдесят учеников из двадцати стран. В честь замечательного актера парижский монетный двор выпустил специальную золотую медаль.

В конце 20-го века завоевал известность и признание артист пантомимы Вячеслав Иванович Полунин (р. 1950). Он создал в 1969 году в Ленинграде коллектив мимов, названный «Лицедеи». Центральный герой спектаклей «Лицедеев» (кстати, в старину так называли актеров вообще) – добрый, забавный, немного смешной человек. Таков герой В. Полунина. Его лицо загримировано, как у клоуна. Да и сам он похож на клоуна, который в веренице историй и сценок средствами мимического искусства рассказывает зрителям о жизни, о человеке, о себе.
 
Спектакль театра «Лицедеи»

Мимическое искусство – важное и выразительное дополнение к главному на сцене – слову. Но и само по себе оно обладает большой силой выразительности.
ПАНТОМИМИКА
Пантомимика (англ. pantomime; от греч. pantomimos — все воспроизводящий путем подражания, всему подражающий).
1. Искусство пантомимы.
2. Один из видов выразительных движений человека, охватывающий те изменения в походке, осанке, жестах, которые передают его психическое состояние, переживания, отношение к тем или иным явлениям. Пантомимические изменения обычно возникают невольно, как внешнее проявление общего эмоционального состояния человека.
Наиболее важный компонент П. — жест.
ПАПЬЕ-МАШЕ
Папье-маше (фр. – жеваная бумага) – декоративное изделие (бутафория), выполненное по объему чего – либо путем наклеивания обрывков бумаги на форму, например – ваза, облако и т.д. Затем эти предметы просушиваются до полного затвердения и расписываются красками для достижения сходства с настоящими предметами.
ПАРТЕР
Партер (франц. parterre, от par – по и terre – земля)
– места в зрительном зале, расположенные рядами параллельно сцене, эстраде, экрану иди ниже её;
– в театральном здании – плоскость пола зрительного зала с местами для зрителей.
В театре 16-17 вв. – стоячие места перед сценой, предназначенные для зрителей низших классов.
Ранняя форма партера – центральная полукруглая площадка с рядами мест в древне-римском театре. партер, окружённый ярусами лож, впервые появился в Италии в начале 17 в. партера первоначально предназначался для зрителей низших классов и мест для сидения не имел. Впоследствии в нём появились места для зрителей, передняя часть его предназначалась для знати. В современном партере места для зрителей размещаются рядами, параллельно барьеру оркестра, и разделяются поперечными и продольными проходами, ведущими к выходам из зрительного зала. Партер может иметь разнообразную форму в зависимости от формы зрительного зала. Для лучшей видимости пол партера обычно повышается от сцены к задним рядам. Уровень передней части пола партера на 1-1,1 м ниже планшета сцены и на столько же выше пола оркестра.
 
ПАРТИТУРА
Партитура (итал. partitura, букв. – разделение, распределение; от лат. partio — делю, распределяю) – нотная запись многоголосного музыкального произведения для оркестра, хора, камерного ансамбля и т. п., в которой сведены партии всех отдельных голосов (инструментов).
Нотная запись произведения хоровой, ансамблевой или оркестровой музыки, в которой сведены воедино все партии отдельных инструментов или голосов. Партии в определенном порядке располагаются одна под другой, каждая на своем нотоносце. В хоровой партитуре голоса размещены сверху вниз от высоких к низким. В оркестровой партитуре партии расположены по группам; если в произведении участвуют солист или хор, то их партии располагаются над партией струнных инструментов.
Партитура – полный нотный текст оперы (оперетты, балета), в котором сведены воедино и размещены одна под другой в определённом, установленном порядке все партии оркестра, а также хора и солистов.
Партитура – основной музыкальный текст музыкально-сценического произведения, по которому оно исполняется; в процессе подготовки спектакля чаще используется клавир.
 
ПАРТИЯ
Партия (от лат. pars — часть, partio — делю)
1) Составная часть партитуры (оркестрового, хорового или оперного произведения), исполняемая отдельным голосом (например, партия сопрано), инструментом (напр., партия арфы) или совместной группой инструментов (например, партия скрипок, оркестра), голосов (партия хора).
2) В оперной и балетной постановке – то же, что роль в драматическом спектакле. В оперной музыке партии солистов называются не только по типу голоса, но и по имени героя оперы (напр., партия Аиды, партия Бориса Годунова).
3) В многоголосном произведении вокальной, вокально-инструментальной, и инструментальной музыки одна из его составных частей, предназначенная для исполнения отдельным голосом (группой однородных голосов) или на отдельном инструменте (группой инструментов), например партия сопрано в хоровом произведении, партия 1-й скрипки в струнном квартете и т. д.
4) Группа однородных голосов в хоре, исполняющая в унисон свою мелодию.
5) Ноты отдельной партии многоголосного произведения.
ПАССЕ
Пассе (фр. passe – прошлое, проводить, проходить от фр. passer – проходить) – путь работающей ноги при переходе из одной позы в другую. Связующее движение, проведение или переведение ноги. «Выворотное» положение согнутой ноги впереди, в сторону и сзади, носок у колена. Нога может проходить на уровне sur le cou-de-pied или у колена работающей ноги, а также через I-ю позицию – Р. par terre.
ПАСТОРАЛЬ
Пастораль (фр. pastorale от лат. pastoralis — пастушеский) 
1) одна из форм буколики, существовавшая в античной поэзии в развивающаяся в Европейской литературе; содержит описание мирных, часто любовных сцен пастушеской жизни. Истоки пасторали в эклоге – литературном жанре буколической (сельской) поэзии античности (Феокрит, Вергилий) и раннего Возрождения (Петрарка, Боккаччо).
2) небольшая сценка, идиллически изображающая сельских пастухов и пастушек в западноевропейском театре 16-17 вв.; часто вводилась в программу придворных празднеств. Пастораль представляла собой небольшую пьесу, часто вводившуюся в программу придворных празднеств. В ней идиллически изображалась условная сельская жизнь галантных пастухов и пастушек, наделённых чувствами, манерами и языком придворных аристократов.
Жанр придворного театра, возникший в Италии в 16 в. и получивший распространение в западноевропейских странах.
3) небольшая опера, балет или пантомима на идиллический сюжет из сельской жизни, а также инструментальная музыкальная пьеса, рисующая сцену безмятежной сельской жизни, картины природы.
4) Опера, пантомима или балет (и отдельные сцены из них), написанные на сюжет из идеализированной сельской жизни.
Пастораль пользовалась популярностью в XVII —XVIII вв. в Италии и Франции. Действующими лицами таких произведений были пастухи, герои античной мифологии. Пасторальные оперы писали Ж. Ж. Руссо («Деревенский колдун»), К. В. Глюк, В. А. Моцарт («Бастьен и Бастьенна»). Интермедия «Искренность пастушки» из 3-й картины оперы «Пиковая дама» П. И. Чайковского — пример обращения русских композиторов к жанру пасторали.
5) Вокальное или инструментальное произведение, посвященное картинам природы и сельской жизни. Сольные вокальные пасторали с сопровождением фортепиано принадлежат Й. Гайдну, В. А. Моцарту, Ф. Шуберту и др.
ПАЧКА
Пачка – костюм балерины, состоящий из многих коротеньких накрахмаленных тюлевых юбочек. Эти пышные и легкие юбочки делают пачку воздушной и невесомой.
ПАЯЦ
Паяц (ит. pagliaccio < paglia – солома) –
1) комический персонаж старинного народного итальянского театра. Встречался среди персонажей итальянской комедии дель арте 16-17 вв. Неловкий, неотёсанный парень, слуга Панталоне, он смешил зрителей проявлением глупости, упрямства, легкомыслия и трусости. Был одет в широкую, мешковатую одежду с большими пуговицами, носил белую шляпу и маску. Некоторыми чертами паяц близок франц. Пьеро.
2) балаганный шут, скоморох, клоун.
Паяц (ит. – солома) – старинное название клоуна. Изначально так называли комический персонаж итальянского народного театра. В широком смысле слова – шут, клоун.
Выражение часто используется в переносном значении, обозначая человека, который паясничает.
ПЕВЕЦ
Певец — наиболее распространённая разновидность вокалиста.
Певе;ц, певи;ца — тот, кто поёт, занимается пением; – исполнитель ВОКАЛЬНОЙ МУЗЫКИ: песен, романсов, арий, хоров и т. п.; – музыкант, исполняющий музыку на музыкальном инструменте, которым является его собственный голос.
ПЕВЧЕСКАЯ ПОЗИЦИЯ
Певческая позиция – это то, какое положение во рту занимают гортань, мягкое и твердое небо, язык и т.д. во время пения.
ПЕСНЯ
Песня (ст. слав. – петь) – жанр музыкального искусства, имеющий в основе выразительные возможности человеческого голоса, вокальные интонации и мелодию. Наиболее распространенный жанр вокальной музыки, соединяющий музыкальный образ с поэтическим.
Термин «песня» в Германии (Lied), Англии (song), Франции (chanson) применяется и к романсу.
Песни бывают обрядовые, трудовые, плясовые, застольные, религиозные, военные и др. Среди них есть и детские песни. Есть также сольные, хоровые, групповые песни; песни с запевом и припевом.
Различают песню народную и профессиональную, сочиненную композитором совместно с поэтом. Т.е. народные и авторские.
Песни принято классифицировать по жанрам (обрядовые, бытовые, лирические, революционные), по сфере бытования (городские, крестьянские, солдатские, детские), по складу (одноголосные и многоголосные), по форме исполнения (сольные, хоровые, ансамблевые, с сопровождением, а капелла) и т. д. В настоящее время развита «песенная индустрия» на основе эстрадной песни.
Мелодия песни является обобщенным выражением содержания текста. Мелодия и текст в песне подобны по структуре, состоят из равных построений (строф и куплетов).
Песня возникла в народном искусстве для отражения настроения и чаяний народа. Сначала песни передавались изустно – из уст в уста, затем стали записываться нотными и словесными текстами.
Песни Древней Греции — простые одноголосные мелодии (пэан, дифирамб, эпиталама). В творчестве трубадуров, труверов, миннезингеров сложились многочисленные песенные формы: рондо, серенада, канцона и др. В XVI—XVII вв. получили развитие многоголосные жанры: вилланелла, фроттола, канцонетта. Во 2-й пол. XVIII в. песенные формы занимают видное место в западно-европейской опере. Песни и песенные циклы создаются Л. Бетховеном, Ф. Шубертом, Р. Шуманом. В России наряду с крестьянской песней с XVIII в. развивалась городская. 1-я пол. XIX в.— время расцвета бытовой песни-романса в творчестве А. А. Алябьева, А. Е. Варламова, А. Л. Гурилева и др.
В конце XIX — начале XX вв. получает развитие жанр рабочей революционной песни («Интернационала, «Варшавянка», «Смело, товарищи, в ногу»), послужившей одним из истоков советской массовой песни. Советская песня — патриотическая, лирическая, детская — достигла значительных вершин в творчестве И. О. Дунаевского, В. П. Соловьева-Седого, А. Г. Новикова, М. И. Блантера, А. И. Островского, А. Н. Пахмутовой и др.
Песня – любимый народный жанр в искусстве, по отношению к ней люди нередко мерили свою жизнь. Так возникли фразеологические выражения: «долгая песня», в смысле дела, требующего дополнительное время для своего завершения; «лебединая песня», в смысле наиболее значимого жизненного дела, наиболее яркого проявления таланта.
ПЕНИЕ
Пение — вокальное искусство. Эмоционально-образное раскрытие содержания музыки средствами, певческого голоса.
Пение бывает сольное (одноголосное), ансамблевое (дуэт, трио и т. д.), хоровое; с инструментальным сопровождением и без него — а капелла; со словами и без слов (вокализация).
Пение различается по жанрам: оперное, камерно-концертное, народное, эстрадное (включающее ряд разнообразных манер исполнения и голосообразования), церковное.
Различаются три основных стиля пения: кантиленный (певучий), колоратурный (умение петь в быстром темпе и выполнять украшения) и декламационный (приближающийся к интонациям речи).
Виды пения можно разделить по характеру исполнения.
– Сольное (одиночное, одноголосное) – когда один вокалист исполняет вокальную партию.
– Ансамблевое (групповое) – совместное пение небольшого вокального коллектива от 2х до 10 человек. Участников разделяют на голоса (бас, баритон, тенор, меццо-сопрано, сопрано) У каждого участника ансамбля есть своя партия, а также партии, которые сопровождают пение солиста.
– Хоровое (массовое) – пение вокальнго коллектива. Различают малый хор – от 16-24 исполнителей, камерный хор – от 24-36 исполнителей, средний хор – от 40-60 исполнителей. Большой хор – от 80-100 и более исполнителей. Вид хора может быть одноголосным, двухголосным, трехголосным, четырехголосным и многоголосным.
Пе;ние — см. ВОКАЛ, ВОКАЛИСТ, ВОКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО.
ПЕРЕЛОЖЕНИЕ
Переложение — см. Аранжировка.
ПЕРЧАТОЧНЫЕ КУКЛЫ (ПЕТРУШКИ)
Это система театральных кукол, надевающихся на руку, как перчатка. Такие же куклы-перчатки играли в кукольных «комедиях о Петрушке». Поэтому у нас эту систему называют еще «петрушки». И все другие Петрушкины братья из разных стран – тоже перчатки.
С этой оравой задир, забияк, зубоскалов и кривляк справиться не сможет даже самый строгий учитель. Никто не знает, откуда они родом. Одни говорят – из древнего Китая, другие – из Индии, третьи – из Древней Греции. Кто прав – неизвестно. Но самое удивительное – они появились почти одновременно в разных странах. Все разные, но все чем-то друг на друга. похожи. Да, это большая семья клоунов-хулиганов. И, наверное, нет страны, народа, у которого не было бы своего «петрушки».
 (см. соответствующие статьи).
ПЕРФОРМАНС
Перформанс (от англ. performance — исполнение, представление, выступление) — произведение-действие. Это форма изобразительного искусства и направление акционизма, в которой произведением являются совокупность действий автора или группы приглашенных лиц по заранее спланированному сценарию.
Перформанс — вид современного искусства, где автор становится частью произведения. Классический перформанс заключается в действиях художника или группы, которые проходят в определенном месте в определенное время и обязательно на глазах у зрителей.
Для перформанса огромное значение имеют 4 определяющих элемента: место и время проведения, сам художник и отношения между ним и зрителем.
ПЕТРУШКА
Петрушки – перчаточная кукла для кукольного театра. Это ходячие анекдоты. Это горбатые шуты в колпачках, с дубинками в руках, с длинными кривыми носами и улыбающимися физиономиями. Рядом с итальянским Пульчинеллой – французский Полишинель. Они точно родственники. У них даже имена похожие. Вся разница только в том, что один итальянец, а другой француз. Впрочем, и английский Панч от них мало чем отличается. А вот еще: Кашпарек из Чехии, Касперле из Германии, Гансвурст из Австрии, Пикельгеринг из Голландии.
Впервые Петрушку увидел в России немецкий писатель, путешественник и дипломат Адам Олеарий (см. «Олеарий»). Это было почти 400 лет назад!
Сюжет представления прост.
На сцене несколько кукол: лошадь, Петрушка и Цыган. Петрушка решил жениться и обзавестись хозяйством – купить у Цыгана лошадь. Только при его характере это трудно. Лошадь Петрушке попалась худая, никчемная. Да и обращаться он с ней не умеет. Сядет на нее задом наперед и свалится. А тут как раз лекарь-шарлатан, весь в черном – так раньше все доктора одевались.
 Лекарь. Я Лекарь – из-под Каменного моста пекарь и аптекарь! Когда ко мне приходят больные господа, я их лечу удачно всегда! Живо их что делать научу! Вместо аспирина – мышьяк всучу!
Петрушка лупит своей дубинкой шарлатана, но тут приходит Полицейский. Петрушка и его бьет и прогоняет. Тогда за Петрушкой приходит Офицер и хочет забрать его на службу в армию. Он и его охаживает дубинкой и прогоняет. Тогда за Петрушкой приходит огромная и очень злая собака… Она хватает Петрушку за длинный нос и утаскивает за ширму.
 На этом представление заканчивается. Если на рисунке Олеария мы видим, что кукольнику аккомпанирует гусляр, то в XIX веке вместе с Петрушкой работает шарманщик. Он крутит шарманку, разговаривает со зрителями и с Петрушкой, а после представления собирает деньги.
Поэт Н. А. Некрасов описал «Комедию с Петрушкою» в поэме «Кому на Руси жить хорошо»:
Комедию с Петрушкою,
С козою с барабанщицей
И не с простой шарманкою,
А с настоящей музыкой
Смотрели тут они.
Комедия не мудрая,
Однако и не глупая,
Хожалому квартальному
Не в бровь, а прямо в глаз!
Русский Петрушка принадлежит к многочисленной семье героев европейской уличной кукольной комедии. Он – прямой потомок Пульчинеллы, Полишинеля, Гансвурста (см. соответствующие статьи).
На протяжении нескольких столетий Петрушка, в красном колпаке, в красной рубахе, оставался любимым героем русских людей. Сюжет спектакля был всегда одним и тем же, но со временем в представлении появлялись новые герои, новые шутки, новые анекдоты… Как говорил известный петрушечник Иван Зайцев (см. «Зайцев»), «каждый „Петрушку“ уродует по-своему».
ПИРУЭТ
Пируэт (фр. pirouette – пируэт юла, вертушка) – быстрое вращение на полу. Вращение вокруг своей оси на полупальцах или пальцах одной ноги. Пируэты бывают маленькие, когда во время вращения одна нога плотно прижата к другой спереди или сзади. Большие пируэты исполняются во всех основных балетных позах.
ПИТЧ
Питч (с англ. pitch — шаг, высота, подача, реклама) — это короткая презентации стартапа (проекта) инвесторам или журналистам. Структурированная презентация для потенциальных инвесторов.
Краткая словесная (иногда визуальная) презентация идеи, истории фильма или ТВ-проекта, как правило, от имени сценариста или режиссера, в адрес продюсеров и представителей киностудий, с целью заинтересовать потенциального покупателя и привлечь финансирование на кинопроект, либо продать сценарий. В идеале питч должен укладываться в пять-десять предложений (менее пяти минут).
ПИТЧИНГ
Питчинг (от англ. pitching — выставлять на продажу, качать) — процесс, мероприятие, организованное с целью представления питчей. Питчинг — устная или визуальная презентация театрального или кинопроекта с целью нахождения инвесторов, готовых финансировать этот проект. Питчинг — искусство сделать точную «подачу» и получить деньги на развитие проекта.
ПЛАГИАТ
Плагиатом называют присваивание чужого авторского материала в любом виде искусства. И это – преступление.
Плагиат в музыке – это когда некий «автор» берет 8 (и более) тактов или яркий фрагмент узнаваемой мелодии чужого произведения, вставляет их в свое произведение и подписывается своим именем. Т.е. ворует – присваивает себе чужое авторство.
ПЛАКАТ КИНОТЕАТРАЛЬНЫЙ
Портфель на голове Сократа

Прежде чем говорить о кинотеатральном плакате, давайте сначала разберемся: что же такое – плакат вообще?
Плакат (от фран. «плакар» — «объявление», «афиша») – разновидность графики, лаконичные, броские, выразительные изображения с кратким текстом или вовсе без него. Современные компьютерные и печатные технологии позволяют создавать красочные плакаты любых размеров.
Плакат используют в рекламе и политических целях, для продвижения социальных проектов и в массовой культуре. Таким образом тематика плаката многообразна: это и плакаты общественно-политического содержания, агитационного, призывного характера, это и учебная (например, о правилах дорожного движения и т. п.) или рекламная информация (торговая реклама, театральные и киноафиши и т. д.).
Плакаты создаются художниками, печатаются в типографиях и расклеиваются на улицах или в общественных местах, чтобы агитировать за какие-то идеи, идеалы, нормы жизни, убеждать или протестовать.
С помощью выразительного плаката можно сражаться за мир. Здесь легко обойтись без текста, без слов. К примеру, изобразить оставшуюся на поле пробитую пулями солдатскую каску, а в ней – свитое птицей гнездо с птенцами. Возникает художественный образ: жизнь сильнее войны, она все равно победит. Плакатом можно убеждать беречь природу, быть трудолюбивым, любить книги...
А театральный плакат приглашает нас в театр.
Художественный театральный или кино– плакат, отпечатанный по всем правилам типографского искусства, можно увидеть на любом афишном стенде.
История кинотеатрального плаката обширна.
Седьмое и восьмое ноября 1918 года. Первое представление пьесы Владимира Маяковского «Мистерия-буфф». С афишами трудно. Удалось отпечатать лишь небольшое количество, и то – в последний момент и без красок, только черные контуры изображения. И тогда Маяковский сам, собственноручно раскрасил каждую афишу, а его друзья приколотили их на Невском проспекте гвоздями: клея тоже не было. Ветер тут же рвал приколоченные листы. А на афише стояло:

Мы, поэты, художники, режиссеры и актеры, празднуем день годовщины
ОКТЯБРЬСКОЙ
РЕВОЛЮЦИИ
Революционным спектаклем
нами будет дана
«МИСТЕРИЯ-БУФФ»!

В центре афиши Маяковский изобразил земной шар. На нем – надпись: «Старый свет». Надпись резко перечеркнута крест-накрест.
Так на стенах Невского в Петрограде появился первый советский театральный плакат. Его автором стал Маяковский, поэт и художник. А через год в истории театральной афиши произошло еще более удивительное событие.
В 1919 году в том же Петрограде на сцене Мариинского театра (Государственный ордена Ленина и ордена Октябрьской Революции академический Мариинский театр) в опере «Дон Кихот» пел заглавную партию Федор Иванович Шаляпин. Дон Кихот стал одной из лучших его ролей.
На этот раз в Петрограде совсем не нашлось бумаги для афиш, да и типографии были загружены другой работой. И тогда заведующий театральными декорационными мастерскими, талантливый скульптор, художник и декоратор Сергей Александрович Евсеев (1882;1959) решил нарисовать афишу, пусть в единственном экземпляре, и выставить ее у здания театра.
Получилась не просто афиша, а целая картина, написанная на холсте. В центре ее Евсеев изобразил Шаляпина в роли Дон Кихота на довольно тощем коне Росинанте. Картина была сделана с юмором, шутливо, но очень выразительно.
Когда Шаляпин подъехал к театру, картина сразу же бросилась ему в глаза. Он долго рассматривал се, улыбался, а потом распорядился, чтобы ее убрали с улицы и отнесли к нему в артистическую уборную. Ныне она находится в Санкт-Петербурге в мемориальном Доме-музее Ф. И. Шаляпина.
Моим, например, любимым театральным художником стал блестящий мастер декорационного искусства и плаката Николай Павлович Акимов (1901–1968). Он долгие годы руководил Ленинградским театром комедии, выполняя там обязанности режиссера и художника. Плакаты к своим постановкам Акимов делал сам.

 
Плакат к постановке на сцене Ленинградского театра комедии водевиля Л. П. Ленского «Лев Гурыч Синичкин». Художник Н. П. Акимов. 1945 Плакат к спектаклю Ленинградского театра комедии «Дон Жуан». Художник Н. П. Акимов. 1963

В своей статье о театральном плакате Акимов перефразировал знаменитое высказывание Станиславского: «Театр начинается с вешалки». Акимов сказал иначе: «Театр начинается с плаката». И это верно. Потому что именно интересный плакат может заставить человека пойти в театр или кино. Передать словами облик акимовских плакатов – а их было более сотни – трудно. Но об одном из них все-таки постараюсь вам рассказать.
Речь идет о плакате к спектаклю Театра комедии «...Опаснее врага». Авторы этой сатирической комедии драматурги Д. Аль и Л. Раков взяли в название своей пьесы половину строчки из басни Крылова «Пустынник и медведь». Басня начинается так:

Хотя услуга нам при ну;жде
дорога;.
Но на нее не всяк умеет
взяться:
Не дай бог с дураком
связаться!
Услужливый дурак опаснее
врага!

О том, что глупый человек способен наделать бед, каких даже враг не придумает, написали свою комедию авторы пьесы.
Акимов изобразил на плакате гражданина с увесистым портфелем. Голова фигуры – как огромное яйцо: без лица, без глаз, без улыбки. Только очки и шляпа. Художник хотел изобразить, как говорится, круглого дурака.
Рядом с этой фигурой па полу стоит бюст Сократа, великого древнегреческого мудреца и философа. Вот на этот-то бюст, па голову Сократа, и водрузил свой портфель герой (вернее, антигерой) пьесы и плаката. Мысль тут ясна: когда глупец попирает разум, унижает его, он опасен пуще врага, опасен для всего общества, для всех нас. Видите, как точно содержание большой трехактной пьесы можно передать на листе бумаги с помощью образного, художественного решения!
Плакат – боевой, наступательный вид искусства. И не только в тяжкие для народа годы войны, когда художники своими плакатами помогали людям выстоять, собрать все свои силы. Плакат и в мирные дни всегда активен, целеустремлен, в нем всегда силен боевой дух.
Сила театрального плаката также в его агитационной роли. Именно он еще на улице, на афишном стенде, должен остановить пас, приковать к себе внимание и сообщить нам, что спектакль, на который он нас приглашает, важен для каждого, интересен, необходим.
«Театр начинается с плаката».

 
Плакат О. А. Биантовской (р. 1941) к балету П. И. Чайковского «Лебединое озеро». 1974 Плакат к спектаклю Ленинградского ТЮЗа «Месс Meнд», созданному по роману-сказке Мариэтты Шагинян. Художник Г. Терешонок. 1973 Караваи мира. Плакат. Коллектив артистов, руководимый В. Полуниным, возглавил в 1989 году «Караван мира». Артисты разных стран и национальностей объединились в веселую бродячую группу, чтобы, путешествуя по земле, нести зрителям успокоение, хорошее настроение, веселье, чтобы объединять людей самыми высокими помыслами.
ПЛАНШЕТНАЯ КУКЛА
Планшетные, или паркетные куклы умеют ходить по полу, по паркету, по настилу сцены, который называется «планшет». Отсюда их название. Известны разные типы планшетных кукол. Кукольники средневековья, например, поставили куклу на стол и управляли ею с помощью веревок. Кукла так здорово танцевала, оживая на глазах у зрителей, что кукольников того времени часто обвиняли в колдовстве, и для некоторых это плохо кончалось. Есть планшетная кукла, которая движется не руками, а… ногами кукольника. Один конец веревки прикреплен к колышку, вбитому в землю, другой – к колену артиста. Сама же веревка продета через туловище куклы. Артист играет на флейте, а его кукла танцует. Иногда артисты так разыгрывали целые сцены с несколькими куклами. Иногда вместо артиста куклами управляла… лошадь.
ПОДДЕРЖКА
Поддержка – необходимый элемент классического танца. Во время танца танцовщик помогает балерине, поддерживает, поднимает ее.
ПРЕМЬЕР
Премьер (фр. premier — первый) — статус артистов.
П —певец, исполняющий главные (первые) партии в опере или оперетте.
П. — ведущий солист балета, исполняющий главные партии в спектаклях балетной труппы; танцовщик высшей категории.
ПРЕПАРАСЪОН
Препарасъон (фр. preparation – подготовка) – подготовительное движение, выполняемое перед началом балетного упражнения. Подготовка к движению. Подготовительные упражнения рукой или ногой перед началом выполнения элемента. Состоит в следующем: вначале дается информация о музыкальном размере, темпе, ритме, характере предлагаемого движения. Затем делается вдох, руки при этом отражают движение корпуса, приоткрываются из подготовительного положения пальцами в стороны, тоже как бы делая вдох. При вдохе диафрагма поднимается и сохраняет это положение на выдохе.
ПРИКВЕЛ
Приквел (англ. prequel, контаминация приставки pre— ‘до-‘ и sequel, см. сиквел) — книга, кинофильм или компьютерная игра, сюжетно связанные с ранее созданными и предшествующие им по внутренней хронологии. Произведение, хронологически описывающее события, предшествующие более раннему первоначальному произведению.
ПРИКЛЮЧЕНЧЕСКИЙ ФИЛЬМ
Этим термином обозначают группу киножанров (или жанр, имеющий много разновидностей), для которых характерна острая, напряженная, развертывающаяся фабула, основанная на приключении, т. е. происшествии неожиданном, нарушающем привычный ход жизни, заключающем в себе потенциальную опасность и побуждающем героя к действию. Непредсказуемость и случайность событий, а также сопутствующие им опасность и безотказная готовность героя действовать в особых обстоятельствах, с риском для жизни преодолевать многочисленные препятствия, добиваясь цели, — вот основа приключенческой драматургии, которую кино унаследовало от литературы. В качестве условий, которые порождают приключения, могут выступать различные обстоятельства: общественно-исторические катаклизмы, ломающие устоявшийся уклад жизни (война, революция); враждебная или незнакомая герою среда (преступный мир, вражеский тыл, другая цивилизация, законы которой неведомы, и т. п.).
ПРИЧИТАНИЯ
Причитания – жанр народного музыкально-поэтического творчества. Музыкально-поэтическая форма скорби по кому-то уходящему в мир иной или отбывающему из родного дома, села надолго, может навсегда. Скорбный плач, который поют родственники, друзья или плакальщицы. В разных областях России называются также плачами, воплями, голошениями и т. д.
Причитания делятся на обрядовые (свадебные, похоронные) и необрядовые (связанные с рекрутской повинностью и различными трагическими событиями в жизни крестьян).
В причитаниях передаются страдания по отбывающему, образно рассказывается о его свойствах, о жизни, о том, что он значил для близких. В них могли излагаться картины будущей новой жизни уходящего человека и горькой жизни семьи без него. Причитания – это жалобное, горькое плаканье в форме складных напевных стихов, поэм, рассказов.
Причитания по невесте входят в свадебный обряд, в обряд прощания с рекрутами (в дореволюционной России). Но обязательными они до сих пор остались на похоронах.
Искусству причитания учились с детства, подражая взрослым, «с голоса». Умение причитать на селе очень ценилось.
Мелодии причитаний имеют черты декламационности, диапазон их невелик, не более кварты, темп и ритм свободный. Во время исполнения мелодические попевки чередуются со стонами, рыданиями, выкриками, всхлипываниями.
Интонации причитаний использованы в произведениях многих русских композиторов, в том числе М. И. Глинки, А. П. Бородина, М. П. Мусоргского.
ПРИМАДОННА
Примадонна (итал. primadonna, букв. — первая дама) — певица, исполняющая главные (первые) партии в опере или оперетте.
ПРИМА-БАЛЕРИНА
При;ма-балерина (от лат. prima — «первая», ballerina — балерина; итал. prima ballerina) — балерина, занимающая первое положение в театре, ведущая солистка труппы, исполняющая главные партии в спектаклях. Танцовщицы высшей квалификации.
Прима-балерина — это еще и особая харизма, высочайший уровень мастерства, собственный стиль и почерк в балете. Примы — настоящие звезды балетного искусства.
Этот профессиональный статус дарит определенную творческую свободу. Прима-балерина с мировым признанием может выбирать партии и постановки, определяя, что, как и с кем танцевать.
Театр – непредсказуемый организм. В нем частенько бывают внезапные замены, вводы новых исполнителей в спектакль. Амбициозная артистка кордебалета должна заявить, что знает хореографический текст, и готова выручить театр, выйдя без репетиций на сцену в форс-мажорных обстоятельствах. Т.е. и роль примы исполнить.
ПРОДЮСЕРСКИЙ ПИТЧИНГ
Продюсерский питчинг – это поиски целенаправленного финансового партнерства до стадии производства.
ПЛАН В КИНО
План — это масштаб изображения в кадре.
Различают 6 планов (применительно к показу человека на экране):
1. Дальний — человек во весь рост и окружающая его среда (она является главным содержанием кадра).
2.  Общий — человек изображен во весь рост.
3.  Средний план — человек выше колен.
4.  Первый план — человек выше пояса.
5.  Крупный план — голова человека.
6.  Деталь.
Кинематографический кадр может включать в себя всего один план, например, общий. При движении камеры планы могут меняться от дальнего до крупного (наезд камеры) и наоборот (отъезд камеры).
В профессиональном кино существуют специальные технические приспособления для изменения крупности плана внутри одного кадра. Выбор плана и его перемена относятся к числу основных творческих приемов в киносъемке.
ПОЗИЦИОНИРОВАНИЕ
Позиционирование — это образ компании или товара, который маркетологи выстраивают в сознании целевой аудитории с помощью разных тактик.
В сфере искусства позиционирование означает выстраивание произведения в наиболее востребованной форме или жанре данного вида искусства.
Возьмём, например, музыкальный театр. Обычная опера как-то уже не привлекает зрителя, а использование формы мюзикла значительно разогревает интерес зрителя.
Или обычное историческое кино проигрывает перед историческим фэнтэзи.
В общем в области искусства существует определенная мода и колебания спроса. Вот это и учитывает позиционирование данного произведения с целью убедить зрителя, что автором учтены и поддерживаются самые передовые тенденции в сфере искусства.
Ведь и в сфере искусства люди хотят заработать. Они должны правильно себя разрекламировать и учесть текущие тенденции в данной сфере.
ПОЛИШИНЕЛЬ
Полишинель – французская кукла, которая воплощает образ шута, болтуна. Это прообраз русского Петрушки, английского Панча и итальянского Пульчинеллы. Появился на сцене театра в XVI веке.
ПОЛИЭКРАННОЕ, ПОЛИКАДРОВОЕ, ПАНОРАМНОЕ КИНО
Особенностью полиэкранного и поликадрового кино является их большая информативность. За короткий промежуток времени посетитель может получить значительно больше информации, чем в обычном кино. Для демонстрации полиэкранного кино используются несколько близко расположенных друг к другу экранов. На них проецируется программа, которая состоит из ряда кинофильмов, связанных единой композицией и общим звуковым сопровождением (чаще всего стереофоническим).
Сейчас полиэкранное кино широко используется на различных выставках. Иногда это кинозрелище дополняется проекцией диапозитивов, игрой актеров вблизи экранов. Недостатком полиэкранного кино является сложность технических средств (нужно обеспечить синхронную работу нескольких кинопроекционных и звукозаписывающего аппаратов).
Этого недостатка не имеет поликадровое вариоскопическое кино. (Оно также широко применяется на выставках.) На экран проецируется единый кинофильм. На пленке находятся несколько кадров, которые связаны между собой по смыслу, но не представляют слитного изображения. Наряду с поликадровым методом, т. е. с одновременной проекцией на экран нескольких кадров, используется вариоскопический метод. Он позволяет изменять форму и размеры отдельных кадров в зависимости от композиции изображения, получать более эффектные изобразительные решения.
ПОП-КУЛЬТУРА
Поп-культура (англ. – популярная) – общедоступная для понимания и творения массами культура, основанная на авангардистских взглядах и негативном отношении к классической культуре и мировому культурному наследию. Поп-культура возникает в периоды застоя в развитии традиционных классических направлений и являет собой способ его преодоления и выражения новых растущих требований. В то же время она разрушительна: принижает вкусы людей, уводит от серьезных проблем, противостоит духовному росту людей, цинична, жестка, меркантильна. Поп-культура (музыка, живопись, поэзия, мода) как массовая культура (культура масс) есть все же средство развития культуры, которая тоже может давать миру примеры высокого искусства и оказывать влияние на умы и чувства многих и многих граждан. В молодежном сленге произведения такой культуры названы просто «попсой».
ПОП-МУЗЫКА
Поп-му;зыка (англ. pop music от popular music; современная популярная музыка, жарг. - попса) — область массовой культуры, охватывающая различные формы, жанры и стили развлекательной и прикладной музыки 2-й половины XX — начала XXI веков. Вид массовой культуры. Основные черты поп-музыки — простота инструментальной части, ритмичность, акцент на вокал.
ПОПУРРИ
Попурри (фр. pot-pourri – мешанина, всякая всячина; букв. — смешанное блюдо: от слов pot — горшок, pourri — смесь, pourrir — гнить) — музыкальная инструментальная пьеса, составленная из популярных мотивов других сочинений. Эти мотивы соединены небольшими переходами, основанными иногда на сходстве конца одной мелодии с началом другой. Музыкальное инструментальное произведение, составленное из популярных мелодий какого-л. произведения, нескольких произведений одного жанра или определенного композитора.
ПОСТЕР
По;стер (англ. poster — «афиша, объявление, плакат») — 1) тоже, что и плакат. Листовое издание, используемое для агитационных, инструктивно-методических, рекламных, декоративных целей. 2) вид графики в форме лаконичного, броского, чаще цветного печатного изображения с коротким текстом.
3) тиражированная на полиграфическом оборудовании копия художественного оригинала. В качестве основы для изображения могут использоваться разные носители: специальные виды печатной бумаги, картон, ткань, полимерные материалы.
ПРОДЮСЕР
Продюсер (англ. producer, от produce — производить) — в кинематографии это лицо, осуществляющее организационно-финансовый, а совсем нередко и идейно-художественный контроль за деятельностью съемочной группы, обеспечивающее создание производственных, экономических и технических условий для съемок.
В кино продюсер – это самый главный человек. Он решает, какой фильм надо делать, покупает у сценариста права на сценарий и/или нанимает сценариста на работу, договаривается о привлечении финансирования на производство фильма (если это нужно), нанимает режиссера, приглашает актеров на главные роли, дерется с режиссером по поводу бюджета, заключает договоры с распространителями фильма...
Продюсер – занимается выпуском фильма на всех стадиях его производства. Он формирует проект, выбирает режиссёра, сценариста, оператора, актеров, составляет финансовый бюджет картины.
Продюсер спектакля – это предприниматель в театре, главная фигура, контролирующая сценический проект на всех его стадиях. Он формирует команду, отвечает за финансирование, сроки производства. Не режиссер определяет при разработке идеи все главные творческие и производственные параметры будущей постановки, а продюсер. Приглашенные драматург, режиссер следуют уже проложенным курсом.
Продюсер прежде всего автор, создатель концепции будущего проекта. Сводя вместе известные факторы производства – природные и человеческие ресурсы, капитал, продюсер имеет дело с созданием новой интеллектуальной собственности, соединяя воедино мастерство драматурга, режиссера, актеров, композитора, художников, технического персонала и множество других компонентов.
Продюсер действует самостоятельно и на свой страх и риск и под свою ответственность создает спектакль. Однажды возникшая в голове продюсера идея тщательно обдумывается и реализуется им начала и до конца. Продюсер не только должен взять на себя инициативу и ответственность по подготовке проекта, но и лично участвовать в создании произведения.
Владея секретами сложного технологического процесса воплощения литературной основы в зрелище, продюсер становиться одним из основных создателей произведения. Выступает «дирижером» большого исполнительского коллектива, каждый участник которого ведет свою партию.
Продюсеры – люди, наделенные особой ментальностью и сочетающие в себе разнообразные природные, артистические, экономические и организационные таланты. Профессионализм продюсера – это опыт и знания вкупе с природным талантом. Мотивационный механизм продюсерства – любовь к риску и жажда нового. Что не столько воспитуемо, сколько заложено генетически.
ПРОСТРАНСТВО В КИНО
Кинематографическое пространство основано на трех величинах:
– пространстве, в котором расположены снимаемые объекты;
– пространстве, где находятся зрители;
– плоскости экрана.
Единство этих трех величин представляет собой динамическую систему. Переход с общего плана изображения на крупный уже видоизменяет их единство. Пространство из глубинного, как правило, трансформируется в плоскостное. При этом изменяется пространственное положение зрителя: точка зрения «со стороны» сменяется точкой зрения «изнутри» изображаемой сцены.
ПУАНТЫ
Пуанты (фр. pointe – носок, пальцы) – один из основных элементов женского танца в классическом балете – танец на кончиках вытянутых пальцев. Для этого нужны балетные туфли с твердым носком.
ПЯТАЯ ПОЗИЦИЯ
Пятая позиция – основная позиция ног классического танца. Ноги развернуты на сто восемьдесят градусов. Пятка правой ноги плотно прижата к носку левой, а пятка левой ноги плотно прижата к носку правой. Из этой позиции чаще всего начинается танец, и этой позицией чаще всего заканчивается.
Р
РАДИОТЕАТР
Радиотеатр – представления, спектакли различного жанра, предназначенные для передачи по радио.
РАЁК
Раёк – 1) Вид представления на ярмарках, распространённый в ряде европейских стран, гл. обр. в 18-19 вв. раёк называемый ящик с двумя круглыми отверстиями, снабжёнными увеличительными стёклами. Через эти отверстия зрители рассматривают картинки, прикреплённые к деревянной оси, вращающейся внутри ящика. В райке. чаще всего демонстрировались лубочные картинки религиозного содержания, позже – фотографии с видами различных городов. Стихотворные пояснения раёшника, сопровождающие показ картинок, близки монологам балаганных дедов-раёшников и преемственно связаны с традициями скоморошьей сатиры.
Истоки райка восходят к античной культуре. В те далекие времена на невысокой колонне устанавливалась доска (пинака), снабженная дверцами. Когда дверцы открывались, зрители видели перед собой занимательную картину, нарисованную на ткани. Следующее открытие дверей рождало новую картину. Устройство античной доски-пинаки аналогично райку. Перед зрителями разворачивались самые разнообразные истории. Например. «В первой сцене данайцы готовятся к отплытию из-под Трои, и на пинаке изображается их работа, часть фигур при этом нарисована, а часть выполнена из тонкой раскрашенной кости и может двигаться, например, рука с топором. На следующей картине корабли сталкивают в воду. Когда дверцы открылись в третий раз, были видны только воздух и море. Затем, по принципу балаганной панорамы (см. „Панорама“), разрисованная лента начинает ползти, перематываясь с одного валика на другой, с одной стороны появляются корабли, плывущие в военном порядке, и один за другим скрываются. В море при этом кувыркаются дельфины (это тоже особое устройство), затем море на перематываемой ленте становится бурным, набегают тучи, и корабли плывут тесно сбившись».
 В России раек получил широкое распространение в XVIII веке. Его назвали так потому, что в нем показывали «райское действо» – картинки на религиозные темы: «Сотворение мира», «Адам и Ева», «Великий потоп» и др. Раек представлял собой деревянный ящик, внутри которого вращалась лента с разными картинками. Раешник, или – как его еще называли – «раешный дед», крутил ручку ящика и зазывал публику заглянуть в его окошечко.
В XIX столетии русский раешник уже не показывает публике религиозные сюжеты, экзотические города и страны, а больше смешит, развлекает: «А вот извольте видеть, господа, андерманир штук – хороший вид, город Кострома горит, вон у забора мужик сидит; квартальный его за ворот хватает, говорит, что поджигает».
 В раешном ящике можно было увидеть, например, и Рим, но не официальный, а другой, народный. «А вот, господа, город Рим, – сообщал раешник, – живет здесь римская папа, загребистая лапа!» Раешный ящик, подобно фонарям гоголевского «Невского проспекта», показывал «все не в настоящем виде».
2) Устарелое назв. верхнего яруса зрительного зала театра, то же, что галёрка.
РАКУРС
Ракурс (фр. – сокращение)
– активный прием режиссерского искусства для построения изобразительной, монтажной композиции;
– режиссерский акцент, оценка происходящего.
РАКУРС В КИНО
По существу, слово «ракурс» обозначает угол наклона оптической оси по вертикали.
Ракурс — прием операторского искусства: оптическое явление, состоящее в том, что при некоторых условиях съемки предметы на экране заметно изменяют свои привычные очертания. Ракурс широко используется для изобразительной, монтажной композиции, позволяя как бы совмещать точку съемки оператора с точкой зрения персонажа, выражать авторскую идею, показывать выразительную мимику актеров на крупных планах и т.д.
Съемка кинематографического кадра производится в ракурсе, т. е. снизу, сверху или под углом, таким образом, что изображение на пленке и соответственно на экране претерпевает перспективное искажение по вертикали.
Ракурсная съемка очень эффектна, она позволяет как бы совмещать точку зрения камеры с точкой зрения персонажа, который может наблюдать явление сверху или снизу. Ракурс на крупном плане дает возможность подчеркнуть мимику лица; на общем — показать движение больших людских масс. Но перспективные искажения, получаемые при ракурсе, приводят к деформации предметов и явлений. Поэтому в современном кинематографе ракурс используется лишь в тех случаях, когда помогает раскрыть идею драматургии.
РАМПА
Рампа (франц. rampe, от ramper – спускаться отлого) –
1) Осветительная аппаратура, установленная на полу сцены по её переднему краю и спрятанная от публики за бортом, опоясывающим просцениум. Служит для освещения сцены спереди и снизу. В совр. т-ре Р. является лишь частью осветительной системы.
2) Граница между зрительным залом и сценой («перед рампой» – значит в зрительном зале, «за рампой»– на сцене). Так называется граница между сценой и зрительным залом. Вдоль нее, по самому переднему краю сцены, устанавливаются осветительные приборы, невидимые зрителям.
3) В переносном смысле – сцена вообще, т-р в целом (напр., «увидеть свет рампы» – значит появиться на сцене, выступить публично в т-ре).
Слово рампа можно употреблять и в переносном, расширительном смысле. Если говорят: «Пьеса увидела свет рампы», – значит, поставлена в театре.
Поэт Александр Блок в своем «Письме о театре», написанном 19 сентября 1917 года, утверждал: «Рампа есть линия огня».
Разумеется, поэт имел в виду не осветительные приборы. Он хотел сказать, что настоящее искусство нередко идет впереди жизни и должно перебросить свой требовательный призыв изменить себя к тем, кто в зале. А те, кто в зале, иногда и сопротивляются, не всегда готовы и хотят следовать предлагаемому со сцены высокому примеру. Вот и получается линия огня: почти сражение, сражение за человека, за его лучшую жизнь.
РАСКАДРОВКА
Раскадровка — последовательность рисунков, служащая вспомогательным средством при создании фильмов, мультфильмов или рекламных роликов. Раскадровка помогает визуализировать сценарий.
РЕВЮ
Ревю (франц. revue – обзор, обозрение) – вид театрального искусства. Ревю состоит из отдельных эпизодов, объединённых сквозной темой и действующими лицами, участвующими в разнообразных эпизодах. В ревю вводятся вставные номера эстрадного характера (песенки, куплеты, танцы), цирковые номера.
РЕГГЕТОН
Реггетон – карибский стиль популярной музыки, зародившийся в странах Латинской Америки, в первую очередь в Пуэрто-Рико. Он сочетает в себе элементы хип-хопа, латиноамериканской и карибской музыки. Реггетон обычно отличается быстрым ритмом и вокальной подачей, похожей на рэп или пение.
РЕЖИССЁР
Режиссер — постановщик спектаклей, фильмов, цирковых и эстрадных программ, радио– и телепередач. В этой статье пойдет речь о режиссере театра.
Режиссёр (франц. regisseur, от лат. rego – управляю) –
1) Творческий работник театра, осуществляющий постановку драматического (пьеса) или музыкального (опера, оперетта) произведения на сцене. В современном театре такой режиссер называется режиссёром-постановщиком или просто постановщиком спектакля. Режиссёр возглавляет весь процесс работы коллектива над созданием спектакля. Осуществляя определённую интерпретацию пьесы (оперы, оперетты), он добивается творческого раскрытия замысла драматурга (композитора), определяет идейную направленность спектакля и ту общую задачу, ради которой ставится пьеса. Стремясь к наиболее полному раскрытию содержания литературного (или музыкального) произведения через систему сценических образов, режиссёр объединяет в едином замысле творческие усилия актёров, художника-декоратора, композитора и др. участников пост. Он является организатором всех работ, связанных с созданием спектакля. Важнейшая часть деятельности режиссёр – работа с актёрами, направленная на развитие дарования исполнителей применительно к каждой роли. Режиссер театра, осуществляя постановку художественного произведения на сцене, стремится донести до зрителей его идейно-художественный замысел, организует работу всех других участников постановки — актеров, художников, композиторов, работников различных театральных цехов, участвующих в создании спектакля.
2) Ближайший творческий помощник режиссёра-постановщика, ведущий под его руководством повседневную подготовительную репетиционную работу по спектаклю. В пределах имеющегося плана постановки пользуется большой творческой самостоятельностью. Иногда такой режиссёр называют сорежиссёром или сопостановщиком.
3) Режиссёр, выполняющий в процессе подготовки спектакля менее ответственные задания постановщика, называют режиссёром-ассистентом.
4) Режиссёр, руководящий творческой работой всего театра, называют главным режиссёром.
Главный человек
Известный советский режиссер Анатолий Эфрос (1925–1987) рассказал такую историю.
– Однажды, когда мне было всего семь лет, мой папа тянул меня за руку со двора, потому что ему сказали, что я грубо выругался. Я шел и очень боялся предстоящего отцовского гнева... И вот он спросил меня, что я сказал, и я повторил это слово. Тогда он вдруг засмеялся. И попросил меня не быть таким дураком. До сих пор я помню это. Тогда я с особой силой влюбился в папу, просто влюбился...
Отец мальчика оказался талантливым, умным режиссером семейных отношений. А еще и добрым человеком.
Доброта очень важна в любых отношениях между людьми. И для отношений между режиссером и актером тоже. Потому что режиссер – главный человек в театре, от него зависит, каким будет новый спектакль, как будут играть актеры, как прозвучит пьеса.
Режиссер выбирает пьесу, назначает на роли актеров, осуществляет постановку на сцене, вместе с художником решает, как будет выглядеть спектакль внешне, ка– ними будут декорации. Но главное – определить и решить, как должна звучать эта пьеса сегодня, для чего ставится именно она, а не другая. Ведь одна и та же пьеса может звучать в разных постановках по-разному!
Выше я сказал: режиссер – главная фигура в современном театре. Потому что так было не всегда. Когда-то, в пушкинские времена, например, актеры были предоставлены самим себе, решали свои роли, как им хотелось, как умели, как полагали правильным. А общего плана или решения спектакля не существовало.
Об этом серьезно задумалась Екатерина Семеновна Семенова (1786–1849), знаменитая драматическая артистка пушкинского времени. Ее искусством Пушкин восхищался необычайно. Он написал статью «Мои замечания, об русском театре» и даже подарил любимой артистке рукопись этого своего сочинения.
В 1826 году Семенова оставила сцену. Но, покидая любимое поприще, она подала в дирекцию императорских театров докладную записку под названием: «Мнение актрисы Екатерины Семеновой об улучшении драматических представлений». В этой записке она выразила неудовлетворенность постановкой спектаклей. «Игра и движения каждого, даже последнего актера должны быть приготовлены таким образом, чтобы ход его роли содействовал ходу всей пьесы...» Далее Семенова писала о том, что каждый актер должен хорошо знать характер своего героя, понимать, какие у него отношения с другими персонажами спектакля. Эта записка Е. Семеновой – первый документ, посвященный режиссуре.
Режиссерские заботы нередко брали на себя сами авторы пьес. Гоголь приложил к «Ревизору» специальное пояснение: «Характеры и костюмы. Замечания для господ актеров». И в ней подробно объяснил, как следует ставить и играть его комедию.
Эти же заботы тревожили и Островского. В своей «Записке о причинах упадка драматического театра в Москве», написанной более ста лет назад, он говорил:
«Какова бы ни была труппа – надо ею управлять... Для успешного управления труппой нужно много специальных знаний, которых никакая чиновничья добросовестность заменить не может. Надо уметь определять актерские способности, их характер и размер, чтобы не ошибаться в распределении ролей; надо следить за успехами молодых артистов и помогать их правильному развитию; а главное, – надо руководить постановкой пьес как внешней, т. е. декоративной, так и исполнением, для чего необходима художественная дисциплина. А дисциплина только тогда достижима, когда управляет делом лицо авторитетное... Вез дисциплины сценическое искусство невозможно; оно перестает быть искусством и обращается в шалость, в баловство...»
Эти строки великого драматурга звучат вполне современно. Это азы менеджмента спектакля. Вот только слова «режиссер» Островский не употребляет: оно тогда еще не было в ходу.
Началом серьезной режиссуры в современном её значении считается возникновение Московского Художественного театра, творческая деятельность К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко. За истекшие с тех пор время создалась и развилась современная российская режиссура.
Однажды Станиславского спросили, кого из советских режиссеров своего времени он считает самым талантливым. Константин Сергеевич ответил: «Я знаю только одного режиссера – Мейерхольда».
 
В. Э. Мейерхольд
Всеволод Эмильевич Мейерхольд (Карл Казимир Теодор Мейергольд) (1874–1940) действительно наиболее яркая фигура в режиссерском искусстве предвоенной эпохи СССР. Ученик В. И. Немировича-Данченко, Мейерхольд четыре года работал во МХАТе в качестве актера, сыграл ведущие роли в первых прославленных спектаклях Художественного театра.
Режиссерскую деятельность Мейерхольд начал в 1902 году. Его первые же постановки были отмечены поисками новых путей в сценическом искусстве. Зревшие революционные настроения в обществе отразились и в новых, революционных формах спектаклей режиссера.
Мейерхольду принадлежит историческая постановка в 1917 году лермонтовского «Маскарада» на сцене Петроградского Александринского театра. Это был первый спектакль в репертуаре советских петроградских театров.
С первых же дней революции Мейерхольд принял самое горячее участие в строительстве и развитии молодого советского театрального искусства. В этом отношении знамениты и вошли в историю российского театра его постановки комедий Маяковского «Клоп» и «Ваня» (1929 и 1930).
В 1920 –1938 годах в Москве существовал Театр имени Вс. Мейерхольда. Здесь ставились пьесы современного репертуара и классика. Помещался театр в здании, где после серьёзной перестройки и реконструкции расположился Концертный зал имени П. И. Чайковского Московской филармонии.
В 1939 году Всеволод Эмильевич Мейерхольд стал одной из жертв сталинского террора и вскоре умер, не выдержав пыток. Трагическую судьбу великого режиссера талантливо отразил художник П. А. Белов. Его портрет Мейерхольда поистине ошеломляет.
В верхней части композиции изображено развернутое служебное удостоверение народного артиста Мейерхольда с обычной удостовсренческой фотографией – даже виден белый уголок для печати. На удостоверении режиссер – в нарядном пиджаке, крахмальной сорочке, галстуке-»бабочке». А нижний край удостоверения – рубеж, обрыв. За ним – обнаженное, исхудалое тело заключенного у стены тюремной камеры.
Слава и бесславие – в единой композиции...
Режиссерский замысел и решение включают: идейное истолкование пьесы, характеристику отдельных персонажей, решение мизансцен. Но пожалуй, главное состоит вот в чем: любая постановка, пусть даже далекой от нас по времени исторической пьесы, даже античной трагедии или комедии, всегда должна быть современной. Что это значит?
События спектакля, мысли автора должны непосредственно волновать сегодняшних зрителей, говорить им о сегодняшних делах, заботах, бедах или радостях. События спектакля должны активно воздействовать на личность, характер, отношение к себе и другим, даже если на сцене – вельможи, феодалы, рабы. Помните, в начале книги я рассказал вам историю, случившуюся на спектакле «Хижина дяди Тома»? Времена дяди Тома ушли (роман увидел свет в 1852 году), но через 130 лет девочка ринулась на его защиту, потому что режиссер и актеры разбудили в ней гражданское чувство!
Все тот же «Ревизор» мог бы в неталантливой режиссерской постановке выглядеть сегодня пустым и старым анекдотом: приехал в захолустный городишко болтун и враль, всех запугал, добился почитания своей особы, выманил деньги и был таков. А талантливый, умный режиссер знает и будет помнить, что Хлестаковы бывают и сегодня, в наших современных условиях. О них нередко пишут газеты – в фельетонах или судебных очерках. И он поставит комедию Гоголя так, что вы всем своим существом почувствуете грешность и омерзительность взятки, гнусность чинопочитания, угодничества. Испытаете презрение к человеческой трусости. И еще раз убедитесь, что обманом ничего хорошего в жизни добиться нельзя. Что обман – это грех.
 
Марк Анатольевич Захаров (Ширинкин) (1933-2019) – советский и российский режиссёр театра и кино, сценарист, педагог, профессор. Народный артист СССР (1991). Лауреат Государственной премии СССР (1987) и трёх Государственных премий России (1992, 1997, 2002). С 1973 г – главный режиссер театра Ленком. Олег Николаевич Ефремов (1927-2000). В 1956 году организовал и возглавил театр «Современник». С 1970 года – актёр и главный режиссёр МХАТ СССР им. М. Горького, (с 1987 года – МХТ им. Чехова).
РЕЖИССУРА
Режиссура — наука о том, как сделать так, чтобы зрителю было интересно.
РЕЗОНЁР
Резонёр (франц. raisonneur, от raisonner – рассуждать) (устар.) – сценическое амплуа; актёр, исполняющий роли рассудочных людей, склонных к риторическим декларациям, назидательным сентенциям. Резонёр обычно высказывает мысли автора по поводу изображаемых в произведении событий, даёт моральные оценки поступкам др. действующих лиц, поучает их.
РЕЙТИНГ
Рейтинг (Rating) – система возрастных прокатных ограничений. В России рейтинг фильма (0+, 6+, 12+, 16+ или 18+) вносится в прокатное удостоверение, в Америке его определяет подведомственная MPAA организация Classification and Rating Administration.
РЕКВИЗИТ
Происходит от латинского слова, в переводе на русский означающего необходимое. Так называют подлинные и бутафорские вещи, необходимые актерам по ходу спектакля: портфель для учительницы, велосипед – в квартире спортсмена, скрипка – для музыканта.
Реквизитом называют и некоторые дополнения к сценическому костюму: латы для Дои Кихота, очки для близорукого или дальнозоркого персонажа, веер для светской дамы прошлых веков, трость и трубка – для Шерлока Холмса, кортик – для военного моряка.
И конечно, сюда входят мелкие предметы утвари: посуда, подсвечники, лампы, чернильный прибор и многое другое.
Все это необходимо, чтобы зритель лучше представил себе обстановку и время действия, «среду обитания» персонажей.
К реквизиту относятся все предметы, которые находятся во время спектакля на сцене (картины, часы, вазы, книги, посуда и т. д.) или с которыми выходят на сцену и действуют актеры (ручка, карандаш, блокнот, бинокль, ружье, шпага и т. п.). В реквизите всегда много подлинных предметов, к которым бутафорский цех никакого отношения не имеет (если только эти предметы не переделываются или не перекрашиваются для спектакля). Реквизиторы, как правило, не занимаются изготовлением реквизита, а лишь хранят его, раскладывают по местам на сцене и раздают перед спектаклем актерам.
Реквизит зависит от пьесы и от художественных задач, которые ставит перед собой постановочный коллектив. К одной пьесе лучше подбирать реквизит из настоящих предметов — из тех, что всегда под рукой (в школе, дома), либо из тех, которые можно купить в магазине. При необходимости кое-какие предметы можно сделать самим. При этом следует постараться выполнить их как можно более натурально, чтобы рядом с подлинными вещами они не выделялись, не выдавали своего бутафорского происхождения: проявить изобретательность в отборе материалов– заменителей и уделить особое внимание отделке предмета. Полезно знать, например, что гладко отполированное дерево, тщательно натертое графитным порошком, приобретает вполне убедительный вид вороненой стали, из которой делается оружие. Такой графитный порошок легко «добыть» из грифеля черного мягкого карандаша (не цветного!).
РЕЛИЗ
Релиз (Film Release) – выпуск фильма в прокат. Сам результат этого выпуска – картину, вышедшую на экраны – также называют релизом.
РЕМАРКА
Ремарка (от франц. remarque – пометка, примечание) –
1) замечание автора текста (книги, рукописи, письма), уточняющее или дополняющее какие-либо детали.
2) В драматургии, театре – пояснение, указание драматурга для читателя, постановщика и актера в тексте пьесы
Ремарка – авторское примечание (пояснение, указание) для читателя, постановщика и актёра в тексте пьесы, содержащее краткую характеристику обстановки действия, внешности, манеры произношения и особенностей поведения персонажей.
Ремарка содержит краткую характеристику обстановки действия, поведения действующих лиц, их настроения.
3) Ремаркой называют также пометки режиссёра на рабочем экземпляре пьесы, адресованные к помощнику режиссёра, зав. постановочной частью и т. д.

«Тревожная, настороженная тишина. Слабо различимый горизонт. Тучи. Равномерное движение цепи. Музыка передает звуки боя. В цепи матросской зияют бреши. Видно, как падают подкошенные люди. Не выдержав, матросы метнулись назад. Навстречу резерв. Простой командой Комиссар останавливает людей:
„Не в ту сторону наступаете, военные моряки!».
С этого текста начинается второй акт пьесы «Оптимистическая трагедия» Всеволода Вишневского.
«Оптимистическая трагедия» – классическая пьеса советского театрального репертуара. В ней рассказывается, как матросский полк защищал Родину в дни гражданской войны.
А приведенное выше авторское пояснение, указание для исполнителей, а также для читателя, если мы читаем пьесу в книге, называется ремаркой.
Ремарка имеет важное значение для понимания пьесы при чтении и особенно при постановке её на сцене.
Краткая ремарка, находящаяся внутри прямой речи, заключается в скобки, более подробная выделяется графически.
РЕМЕЙК
Ремейк (от англ. remake — переделка) — любая перепевка известного хита, сюда же относится и заново переснятый фильм.
1) фильм, который снимается по сценарию вышедшей ранее картины или по мотивам этого сценария. Можно сказать, что это новая версия старой картины. В американском кинопрокате принято делать ремейки самых удачных фильмов каждые 20-25 лет.
2) Ремейк в музыке считается разновидностью ремикса, представляет собой запись и перевыпуск уже существующего музыкального трека, только с добавлением или изменением каких-либо его составляющих. Кавер и ремикс являются частными вариантами такого более обширного понятия, как ремейк.
При записи ремейка песня приобретает новую аранжировку, что помогает ей, например, стать более современной, как легендарная песня Элвиса Пресли Always on My Mind, получившая второе дыхание в исполнении группы Pet Shop Boys.
Новая версия, которая подверглась изменению, может не сильно отличаться от оригинала, или стать практически неузнаваемой благодаря более современному звучанию. Например, если в композиции не поменялась музыка, но используется текст с переводом на другой язык — это ремейк.
РЕМИКС
Ремикс (от англ. remix — перемешивание) — версия трека, которую музыкант или группа выпускает после выхода оригинальной версии, применяя для этого современную аранжировку.
Ремиксом можно считать диджейскую обработку авторского музыкального произведения: накладываются спецэффекты, всевозможные электронные варианты обработки.
Ремикс песни – это смешивание первоначальной версии песни с различными звуками и спецэффектами, обычно в формате электронной музыки. При записи ремиксов может меняться аранжировка, темп и тональность исходного трека, но без отступлений от оригинального звучания.
РЕНЕССА;НС
Ренесса;нс или Возрожде;ние, (фр. Renaissance, итал. Rinascimento от лат. renasci «рождаться опять, возрождаться») — имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению и Новому времени. Приходится — в Италии — на начало XIV века (повсеместно в Европе — с XV—XVI веков) — последнюю четверть XVI века и в некоторых случаях — первые десятилетия XVII века. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века.
Эпоха Ренессанса вошла в историю, как время множества великих достижений, открытий, ярчайших дарований, создававших шедевры в различных областях искусства, литературы и науки. Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Люди, жившие и творившие в эпоху Ренессанса, сами ощущали свое время как переломное, как возрождение после мрака средневековья.
Главные достижения Ренессанса:
• Мир и искусство кардинально изменились. Занятия живописью, скульптурой, архитектурой, музыкой, литературой стали восприниматься как профессиональная деятельность.
• Идеи гуманизма легли в основу нового восприятия человека, которое не потеряло актуальности даже спустя пять веков. Начала складываться светская культура и наука.
• Благодаря научным открытиям и изобретениям был заложен фундамент для современных научных теорий, новых направлений в искусстве.
; Совершенствование масляной живописи (Ян ван Эйк).
; Законы перспективы (Мазаччо, Брунеллески).
РЕПЕРТУАР
Слово это – латинского и французского происхождения и означает список, опись. Так называют сумму пьес, включенных в сезонную афишу театра.
Круг ролей актера тоже можно назвать репертуаром. Например, можно сказать: в его репертуаре только героические (или только комические) роли.
Этот термин может определять и вид театра: оперный, эстрадный, комедийный репертуар.
РЕПЕРТУАРНЫЙ ТЕАТР
Репертуарный театр (от англ. repertory theater) — форма организации театрального дела, при которой театр имеет постоянный (или медленно обновляемый) репертуар. Для репертуарных театров характерно наличие постоянной труппы, хотя, как и другие театры, они иногда нанимают актёров на конкретные спектакли. Репертуарный театр – это одна из форм театральной организации, а вторая – это театр антрепризы, третья – Бродвейский театр.
Репертуарный театр в России – убыточный. И не может существовать без финансовой поддержки государства. Именно поэтому получило широкое распространение антрепризы и театров антрепризы. К сожалению, для нашей страны характерно не сотрудничество, а противостояние государственного и частного театра.
РЕПЕТИЦИЯ
Репетиция (лат. – повторение) –
1. Подготовка и пробное исполнение будущего спектакля или сцены фильма при помощи актеров и вспомогательных служб.
2. Подготовка номера и исполнение на сцене.
3. Учебно-воспитательный процесс, направленный на выработку профессиональных навыков работы на сцене под руководством режиссера.
4. Сценическое действие – многократное повторение текста, движений и жестов.
В повторениях, в репетициях и состоит главный способ подготовки любого спектакля. Во время репетиций режиссер и актеры читают пьесу, обсуждают ее, обдумывают характеры действующих лиц.
Первоначальные репетиции называют застольными. Актеры еще не на сцене, а просто за столом обсуждают облик будущего спектакля. Позднее репетиции переносятся на сцену. А накануне премьеры – первого представления – проводится генеральная репетиция – окончательная проверка проделанной работы.
РЕПРИЗА
Реприза (франц. reprise, от reprendre – возобновлять, повторять) – 1) повторение какого-либо раздела музыкального произведения (напр., в сонатной форме); – 2) В цирке и на эстраде – словесный или пантомимический комический номер (иногда шутка, анекдот); – 3) В цирке – движение лошади одним и тем же аллюром; серия чередующихся трюков.
РЕЧИТАТИВ
Речитатив (итал. recitativo, от recitare — декламировать) – «полупение-полуречь». Род вокальной музыки, основанный на использовании интонационно-ритмических возможностей естественной речи. Строение речитатива определяется структурой текста и распределением акцентов речи, для него не свойственна тематическая повторность. Основные интонации речитатива соответствуют характерным интонациям речи. Речитатив возник вместе с зарождением оперы и близких ей жанров оратории и кантаты и занимал в них важное место, чередуясь с хоровыми и сольными эпизодами.
Оперные певцы очень уважительно относятся к речитативу, так как считают, что именно в нём, а не в пении, можно передать весь накал страстей.
РОК-ВОКАЛ
Рок-вокал – обычно пение вокалиста в рок-группе. Рок-вокал отличается от джазового пения более эмоциональной подачей. Рок-вокал предполагает более смысловую нагрузку, нежели вокальную. Рок-вокалист должен так же иметь кураж и полную свободу в эмоциональном и музыкальном смысле.
Рок-вокал – это исполнение вокальной партии в рок-группе. В рок-вокале важна эмоциональная подача и смысловая нагрузка.
Рок-вокалисту необходимо иметь серьёзную вокальную подготовку. Рок-вокалисты уделяют особое внимание техникам расщепления в голосе, таким как: драйв, скрим, хрипотца, хрип, рык, гроул.
РОМАНС
Романс (исп. romance, от позднелат. romanice, буквально — «по-романски», то есть «по-испански») – 1) это произведение, обычно лирического содержания, относится к камерно-вокальному жанру. Оно сочиняется для голоса и сопровождающего вокальную партию какого-либо аккомпанирующего инструмента. Вокальное произведение лирического содержания, написанное на поэтический текст.
Романс похож на песню, однако существуют некоторые отличия, которые делают его именно романсом.
- Романс более певуч и его мелодическая линия очень выразительна.
- В романсе значимым является всё. Содержание поэтического текста должно быть мелодичным, трогательным или иногда даже трагичным. Красивая и чувственная вокальная партия всегда тесно связана с текстом. Аккомпанемент романса является полноправным участником ансамбля.
- Форма романса так же как и у песни - строфическая, то есть куплетная, тем не менее, здесь возможны различного рода расширения, а это говорит о том, что музыкальные периоды романса могут быть как с чётным, так и с нечётным количеством тактов.
- В романсе обычно не бывает припева.
История романса берёт начало в Средневековье. В XIII -XIV веках по дорогам Испании странствовали поэты, которые сочиняли и пели песни, существенно отличающиеся от общепринятых в то время церковных хоралов, исполняемых на латыни. Во-первых, свои тексты испанские трубадуры слагали на темы, наполненные любовно-лирическим содержанием, например, в них повествовалось о подвигах храбрых рыцарей во имя возвышенной любви к прекрасным дамам. Во-вторых, эти песни исполнялись на «romance», как тогда назывался испанский язык и, в-третьих, они отличались особой напевностью. Постепенно такие мелодичные стихи под музыку получили распространение в соседних с Испанией странах. Там трубадуры тоже сочиняли так называемые «светские» стихи - баллады, рассказывающие о важных исторических событиях, о подвигах народных героев, и, несомненно, среди их поэтических творений важное место занимала любовная лирика. Всё это менестрели на испанский лад стали украшать изящными мелодиями и пропевать под музыкальное сопровождение, называя свои песни романсами. Позже термин «романс» прочно укоренился в разных странах, обозначая как напевное стихотворение лирического характера, так и произведение, характеризующий жанр вокальной музыки.
Процветание романса пришлось на вторую половину XVIII века, когда творили такие великие поэты как И. Гёте, Г. Гейне, Ф. Шиллер. Их полные лиризма произведения, отражающие глубокие чувства и душевные порывы, многие композиторы охотно использовали в качестве литературной основы для своих камерно-вокальных композиций.
«Романс» попал в Россию из Франции во второй половине XVIII века. И наряду с классическим романсом, являвшимся плодом творений профессиональных композиторов и подразделявшимся на различные жанровые варианты, среди которых элегии, баллады и баркаролы, в России развивались и другие разновидности романса, такие как городской (бытовой), «жестокий» и цыганский и бытовали как фольклор. Наибольшую популярность такого рода композиции приобрели в первой четверти XX века.
В настоящее время интерес к романсу не угасает. Мелодии, получившие признание в далекие времена и сейчас пользуются большой популярностью. Сегодня мы часто слушаем, наслаждаясь их очарованием и первозданной свежестью в концертных залах, телевизионных программах и радиопередачах. Романс не собирается отступать, он наоборот ненавязчиво увлекает всё больше людей разного возраста в свой прекрасный мир неподдельных чувств, мудрых мыслей и настоящих страстей.
2) Словом «романс» композиторы называют не только вокальные произведения. Большое признание приобрели и инструментальные произведения с таким наименованием Д. Шостаковича, Г. Свиридова, А. Хачатуряна. Это чувственные, наполненные большой искренностью и мелодически очень красивые музыкальные сочинения.
РОСТОВАЯ КУКЛА
Ростовая кукла – 1) это костюм, который надевают на актера, изображающего какого-то персонажа. Вид анимационного костюма для аниматора или промоутера, который выполняет развлекательный или рекламный сюжет. 2) разновидность марионеток. Слово «ростовые» означает, что куклы выполнены в человеческий рост или даже выше.
Её история началась в Китае, более двух тысяч лет назад. Посмотреть яркую и необычайно красочную постановку с ростовыми куклами имели возможность только императорская семья и придворные. Чаще всего, это были огромные драконы или же герои древнекитайских легенд. Управление этим драконом стало довольно непростым делом, для этого требовалось несколько человек. Немного позже ростовые куклы перекочевали в Японию, Францию, Россию. В России, например, это были ряженые, выступающие на праздниках и гуляниях. В католических странах куклы использовались в рождественских шествиях. А в Бразилии они нашли применение во время традиционных бразильских карнавалов.
Современные ростовые куклы стали появляться в середине прошлого века и представляли собой героев мультипликационных фильмов Уолта Диснея.
Ростовые куклы часто применяются в киноиндустрии и в спортивных мероприятиях (талисман команды). Ростовые куклы активно используются компаниями в рекламных целях. Ростовыми куклами управляет изнутри артист-кукловод. В ростовых куклах могут работать как профессиональные артисты или аниматоры, так и обычные промоутеры.
Ростовая кукла может быть разного размера и объёма, или же изготавливается непосредственно по фигуре актёра. Основа костюма состоит из прочного каркаса и мягкой обивки. В голове куклы для естественного обзора делаются специальные смотровые отверстия. Как правило, они расположены на уровне рта, глаз или шеи персонажа и замаскированы сеткой.
РК. можно разделить на два основных вида:
– фиксация на плечах актера. Они значительно выше человеческого роста и голова аниматора расположена в туловище куклы. Для обзора делаются небольшие отверстия. Используются они, в основном, для изображения предметов;
– фиксация на голове. Кукла получается ростом с человека и голова актера расположена в голове куклы. Обычно это мультяшные и сказочные герои, животные.
В Москве, Санкт-Петербурге, Ульяновске, Кирове и многих других российских городах работают театры ростовых кукол. Зачастую они специализируются на постановке веселых шоу-представлений с участием героев полюбившихся детям книжек и мультиков: Панда, Фиксики, Шрек, Лунтик, Микки-Маус, Винни-Пух и многие другие. Эти фантазийные представления могут разыгрываться как в помещении самого театра, так и непосредственно на улицах города, вызывая неизменный восторг в глазах своих маленьких зрителей.
Кроме того, с участием ростовых кукол проводятся детские праздники. Оживший персонаж любимого мультфильма, пришедший поздравить малыша с днем рождения или ставший ведущим городского праздника для ребят, безусловно, оставляет незабываемое впечатление в детской душе. Впрочем, ростовых кукол очень любят и взрослые. Общаясь с большой ожившей игрушкой, они как будто снова возвращаются в детство. Иногда, в преддверии праздников, юбилеев и дней рождения, ростовые куклы играют роль «живых открыток».
РЭП
Рэп (от англ. rap – стук, удар, разговор, ритмический речитатив) – это разговорная манера пения. Ритмичный речитатив, обычно читающийся под музыку с тяжёлым битом. Данный вид вокального жанра подразумевает развернутую речитативную форму с утрированной отработкой всех слогов, жесткими и яркими ударениями, развитую мышечную поддержку, не приводящую к асфиксии.
Рэп может зачитываться под любую музыку. Тексты рэпа разнообразны, так как охватывают любую тематику от любви до политики. Они взяты из повседневной жизни и повествуют о людских радостях и печалях, успехах и неудачах. Рифмование в рэпе имеет несколько разновидностей, среди которых стоит отметить:
; глагольную рифму;
; квадратную;
; акцентную (на созвучия);
; внутреннюю;
; начальную;
; двойную (даблраймы);
; тройную (триплраймы);
; полнострочную (панторифму);
; плотную рифмовку.
РЭПЕРЫ
Рэперы – певцы, специализирующиеся на речитативе. Рэпер — исполнитель рэпа.
Ежедневные вокальные тренировки для этого не должны быть менее 4-х часов. Качество артикуляции и тактики правильного распределения воздушного потока, должны быть филигранно-идеальными.
Так что в идеале профессиональные рэперы должны учиться и вокалу, и разговорному жанру одновременно. Однако, как правило этому учатся только оперные певцы, поскольку оперный речитатив базируется строго на академической манере вокала.
С
САМБА
Самба – это живой, ритмичный вид танцевальной музыки из Бразилии, зародившийся в конце 19 века. Он обычно характеризуется синкопированными ударными ритмами и включает в себя как ведущие, так и хоровые инструменты, такие как тамбурины, флейты или бусины кабака. Мелодии представляют собой мелодичный призыв к смерти и ответный вокал, часто с роскошными темами или юмористическими повествованиями.
САСПЕНС
Саспенс (англ. suspense — неопределенность, беспокойство, тревога ожидания, приостановка; от лат. suspendere — подвешивать) — словом “саспенс” обозначают художественный эффект, особое продолжительное тревожное состояние зрителя при просмотре кинофильма; а также набор художественных приемов, используемых для погружения зрителя в это состояние.
САТИРА
Сатира (лат. satira – 1. блюдо или миска; 2. смесь, всякая всячина; 3. десерт, блюдо после насыщения; 4. стихотворно-прозаическое произведение; от лат. satur – сытый, мешанина) – одна из форм комического представления, содержащая резкое обличение, осмеяние отрицательных явлений действительности. Важное значение сатиры – актуальность и злободневность. Сатира – беспощадное осмеяние порока, поступка, деяния. Сатира – это беспощадное, уничтожающее осмеяние, критика действительности, человека, явления. Смех злой, гневный.
САТИРИЧЕСКИЙ ХАРАКТЕР
Сатирический характер – это созданный образ героя, характер которого представлен набором отрицательных черт. И по ходу действия черты эти проявляются в смешной форме. Смех автора здесь издевательский.
САУНДТРЕК
Саундтрек (англ. soundtrack — звуковая дорожка) – музыкальное оформление какого-либо материала, например, фильма, мультфильма или компьютерной игры. Иногда используется английская аббревиатура OST, которая расшифровывается как англ. Original Sound Track и означает оригинальную звуковую дорожку, продаваемую отдельно от того материала, к которому была написана.
Дело в том, что при съемках фильма сразу записать звуки невозможно. Это делается отдельно при монтаже картины с участием звукорежиссёра. Результат его работы и называют саундтреком.
СВЕТОВАЯ АППАРАТУРА
Световая аппаратура – электрические приборы, предназначенные для освещения сцены, декораций, актера; световые эффекты и т.д. Один из важных компонентов в работе режиссера над спектаклем.
Специальные системы для освещения театров начали разрабатывать в Италии во времена эпохи Возрождения. Первый прототип прожектора представлял собой отполированную чашку брадобрея, расположенную позади свечи или факела, а линзой служила круглая бутылка. Разработал такой осветительный прибор художник и архитектор Себастьян Серлио, живший в XVI веке. Он также придумал систему так называемых цветных фильтров, представивших собой прозрачные емкости, заполненные разноцветными жидкостями. Много позже композитор Скрябин придумал соединить музыку со светом, чтобы каждой ноте соответствовал свой цвет.
На сцене для освещения можно использовать что угодно – от бытовой лампочки до уличного фонаря. Например, в «Снах изгнания» Гинкаса сцену освещает голая 100 ваттная лампочка – больше тут не надо.
Сценическое освещение обеспечивается осветительными приборами, установленными в самых разных местах:
- верхний свет — прожекторы, подвешенные рядами над сценой (1 план, 2 план);
- боковой свет — осветительные приборы, установленные на боковых галереях и портальных кулисах;
- выносной свет — прожекторы на специальных балконах, рампа (у переднего края сцены);
- горизонтальный свет — оборудование для освещения горизонта;
- специальный свет — светильники в виде фонарей, свечей, факелов, встроенные в декорации.
Кроме того, используется дополнительное световое оборудование для спецэффектов: световой занавес, контражур, стробоскоп для мерцающего эффекта и т. п.
Современная светотехническая аппаратура в театре разнообразна и сложна.
1. PAR-прожекторы.
Предназначены для заливки светом сценического пространства. Используются в основном светодиодные модели. Раr-прожекторы получили большое распространение.
2. Световые головы.
Вращающиеся головы/головы полного вращения. Нужны для создания световых шоу, их часто используют для создания спецэффектов. Такие головы могут работать в 3-х режимах:
• beam - создают узкие лучи;
• spot - создают узкие лучи, а также проецируют рисунки с помощью трафаретов;
• wash - динамическая заливка светом (как у PAR-прожекторов).
Встречаются также и комбинированные варианты.
3. Также есть различные сканеры, гобо-проекторы, следящие пушки и другое оборудование.
В современном театре управление световым оборудованием осуществляется централизованно при помощи компьютерных программ из одного специального помещения. В театре может быть целая служба, которая называется «служба электронного оборудования», которая подчиняется режиссеру и художнику по свету.
Но как бы ни развивалась техника, полностью компьютеризировать свет и записать на один компьютер полное оформление спектакля никогда не удастся. Главной командой к действию для техники является реплика актера. А он – не машина, и может какую-то фразу сказать на несколько секунд раньше или позже запланированного. Поэтому, какая бы умная техника ни находилась в распоряжении осветителя, все зависит только от него. Поэтому светотехник всегда хорошо знает текст.
СВЕТОМУЗЫКА
Светомузыка, или цветомузыка — 1) вид аудиовизуального искусства. Он основан на способности человека связывать звук и цветовое или световое восприятие. Это эстетические концепции конкретных авторов и их светомузыкальные системы. 2) театрализованные представления, в которых музыка сочетается с подвижным цветным освещением, и соответствующее техническое оборудование. Т.е. представления, в которых игру музыкантов сопровождает специальное световое шоу.
СВЕТООПЕРАТОР
Светооператор — специалист, который занимается программированием светового пульта, направкой приборов. Светооператор относится к производственно-техническому персоналу. Основной задачей светооператора является управление световым пультом.
Светооператор в сценических постановках — лицо, ответственное за работу светового оборудования на сцене.
В небольших постановках он может также исполнять функции художника по свету и заведующего электроцехом; в этом случае в его задачи входит создание световой партитуры, размещение световых приборов и их направка. В более профессиональной среде светооператор должен знать устройство множества световых приборов и пультов управления и быть способен легко программировать сложные световые картины.
Во время технической репетиции светооператор, как правило, занят программированием светового пульта в сотрудничестве с художником по свету и режиссёром-постановщиком.
Во время проведения мероприятия светооператор находится на связи с режиссёром-постановщиком и с другим персоналом из числа обслуживающих мероприятие. Его задачей становится управление сменой световых картин в соответствии с разработанной ранее световой партитурой. Знание светооператором партитуры является важным условием, так как во время действия может возникнуть необходимость оперативного вмешательства и внесение изменений в существующие световые картины.
СЕЗОН
Сезон (фр. saison, от лат. satio — сеяние; время сева) – период, в течении которого осуществляется театральная деятельность, удобное, пригодное время для творческой работы. Театральный сезон длится с сентября по май.
СЕНСАЦИЯ
Сенсация (лат. – чувство) – сильное, волнующее всех впечатление от яркого события, известия. Шумиха.
СИМФОНИЯ
Симфония (от греч. symphonia — созвучие) — ведущий жанр оркестровой музыки, сложное, богато развитое многочастное произведение.
Симфонии принадлежит одно из самых почётных мест среди самых различных жанров. По своему значению в искусстве симфония занимает такое же место, как роман или драма в литературе. Всю историю своего существования она чутко отражала своё время: симфонии Гайдна, Моцарта, Бетховена, Берлиоза, Прокофьева, Шостаковича – размышления об эпохе, человеке, истории мира и жизни на земле. Любая симфония – целый мир. Мир художника, мир его времени. Чтобы глубже понимать симфоническую музыку, находить в ней отклик на свои чувства и мысли, необходимо разобраться в её особенностях.
Как строится симфония?
Классическая симфония сформировалась как цикл из четырёх частей, которые воплощали в себе разные стороны человеческой жизни.
1-я часть — быстрая и наиболее драматичная, иногда предваряется медленным вступлением. Она, как правило, пишется в уже знакомой вам сонатной форме (в форме сонатного аллегро).
2-я, — медленная, задумчивая, посвящена мирным картинам природы, лирическим переживаниям. Она может быть пасторальной, элегичной, скорбной или трагической по настроению.
3-я часть — менуэт (старинный народный французский грациозный танец) — это игра, веселье, картинки народной жизни.
4-я — быстрый финал, близкий народной песенно-танцевальной, жанрово-бытовой музыке. Он как итог всех частей отличается, как правило, победным, торжественным, праздничным характером.
Так в процессе борьбы, острых, конфликтных столкновений, видоизменений утверждается музыкальная идея произведения.
СИМФОНИЧЕСКИЙ ОРКЕСТР
Симфони;ческий орке;стр — большой коллектив музыкантов для исполнения академической музыки, преимущественно западноевропейской традиции. В основных чертах (количество групп, состав инструментов) сложился в эпоху ранней венской классики в связи с появлением нового крупного жанра — классической симфонии (отсюда специфическое название).
СИСТЕМА К. С. СТАНИСЛАВСКОГО
Система Станиславского представляет собой научно обоснованную теорию сценического искусства, метода актерской техники. Система Станиславского открыла пути к созданию спектакля как единого художественного целого, к воспитанию подлинного художника — актера и режиссера. Вместе с тем это не только наука об искусстве сцены, но и своего рода философия театра, определяющая его высокие цели и задачи.
Система Станиславского помогает овладеть тайнами актерского мастерства, обогащает актера новыми принципами артистической техники, без которых, по мнению ее создателя, до зрителя не дойдет ни тема пьесы, ни ее живое, образное содержание. Его учение — прежде всего глубокое постижение актерского творчества, искусства сцены во всем ее сложном многообразии. Станиславский впервые решает проблему сознательного постижения творческого процесса создания роли, определяет пути органического перевоплощения актера в образ. Его система ведет к искусству больших идей и подлинной жизненной правды.
Самое главное требование Станиславского к актеру — требование органического рождения образа на сцене, которое он назвал искусством переживания. Это сложный психологический процесс в душе художника.
Актер должен не представлять образ, а «стать образом», его переживания, чувства, мысли сделать своими собственными, жить жизнью персонажа как своею. Только живое, подлинное чувство артиста по-настоящему увлечет зрителя, заставит его понять и пережить то, что свершается на сцене. Для достижения этой цели актер и режиссер должны много и упорно работать, глубоко проникнуть в суть пьесы, определить и изучить мельчайшие детали роли, особенности характера и поведения персонажа. Играя спектакль, артист не механически повторяет найденное им в процессе работы над спектаклем, а как бы заново перед глазами зрителя воссоздает живой, творческий процесс рождения образа. Актер должен добиться ощущения подлинности совершаемого на сцене действия, а для этого необходимо постоянно совершенствовать свое мастерство.
Первый раздел системы Станиславского посвящен проблеме работы актера над собой. Это ежедневная тренировка, столь же упорная и методическая, как тренировки артистов балета, скрипача, пианиста или певца. Такая работа, по мысли Станиславского, должна стать внутренней потребностью артиста, добивающегося совершенствования техники, художественного мастерства.
Во втором разделе системы, говоря о принципах работы актера над ролью, Станиславский определяет пути и средства создания правдивого, полного жизни характера. Живой сценический образ рождается лишь тогда, когда актер полностью сливается с ролью, глубоко и точно поняв общий замысел драматического произведения. В этом ему должен помогать режиссер, осуществляющий постановку спектакля.
Учение Станиславского о режиссуре как об искусстве создания спектакля основывается на творчестве самих актеров, объединенных общим идейным замыслом спектакля. Метод работы режиссера в творческой системе Станиславского получил название метода физических действий, цели которого — помочь артисту перевоплотиться в образ, жить на сцене подлинной жизнью изображаемого лица. Актер и режиссер при создании спектакля должны руководствоваться прежде всего главной линией драматургического развития пьесы, обусловленной основной идеей драматурга.
Эту главную линию развития Станиславский называет сквозным действием. Верное понимание сквозного действия помогает наиболее полному раскрытию идейного содержания пьесы в целом. Предельно точно, глубоко и убедительно воплотить на сцене идейное содержание произведения — вот главная цель, к которой стремятся все создатели спектакля, ради чего и ставится спектакль. Эту основную идейную задачу, цель Станиславский определяет как сверхзадачу спектакля, которой подчинены все усилия режиссера и актеров на сцене.
Глубина и точность постижения роли во многом зависят от личности актера, широты его кругозора, принципов жизненной, гражданской позиции артиста, его идейной убежденности. Поэтому столь большое значение Станиславский придавал воспитанию мировоззрения актера, пониманию высокой ответственности художника. Особое место в системе Станиславского занимает раздел об этике актера-художника. Таким образом, в учении Станиславского задачи постижения искусства сцены неотделимы от высоких нравственных, этических проблем формирования личности художника-гражданина. Кроме того, система Станиславского содержит в себе острую критику ремесленничества, дилетантизма, штампов, рутины, всего того, что мешало развитию сценического искусства.
Тайна вдохновения
Однажды, когда репетиция очередной постановки в Художественном театре не клеилась, когда актеры выходили на сцену пустыми, без всякого душевного подъема, с потухшими глазами, Константин Сергеевич Станиславский (настоящая фамилия – Алексеев) (1863-1938) задумался о природе актерского творчества, о том, что принято называть вдохновением.
К сожалению, такое состояние приходит к человеку, художнику, по неведомым причинам, в неожиданное время и отнюдь не «по заказу». В российском театре 19-го века символом артиста, игравшего исключительно на порывах вдохновения, навсегда остался легендарный Павел Степанович Мочалов (1800 – 1848). Когда он был «в ударе» – играл великолепно, исторгал у слушателей слезы, потрясал всех. Но современники вспоминают, что иногда Мочалов играл из рук вон плохо: это значило, что вдохновение в тот вечер его не посетило.
Станиславский задумал открыть тайну вдохновения, его загадку. Потому что в искусстве актера эта тайна имеет особенное значение: полагаться на одно вдохновение – слишком ненадежно и рискованно.
Живописец становится к мольберту и трудится над своим полотном, когда чувствует, что пришло вдохновение. Композитор набрасывает па нотные листы новое сочинение, когда звуки, мелодии, ритмы складываются в его сознании в стройную систему. С актером иначе.
Вдохновение должно прийти к нему не само по себе и, скажем, не среди ночи и не во время отпуска, на берегу реки или моря, а в данный вечер, в определенный час, когда звенят в театре звонки, рассаживаются в креслах зрители «и, взвившись, занавес шумит», по выражению Пушкина. Следовательно, свое вдохновение артист должен уметь вызывать сам, по своей воле и усмотрению. А значит, должны существовать способы пробуждать в себе душевный подъем, чувство восторга перед предстоящей работой, достигать высшего проявления умственных, душевных и творческих сил.

 
К. С. Станиславский

Ну, а все же: что делать, если ты сегодня плохо себя чувствуешь? Если болит голова или зуб? Если с кем-то поссорился и настроение – хуже некуда? Как быть в этих случаях?
В результате многолетних исканий, размышлений и трудов Станиславский и создал свою знаменитую «систему» воспитания актера – теорию и метод артистической техники.
Что значит техника в применении к таланту? Совершенствование пластики (вы уже знаете, что это такое), голоса, дикции, жеста, мимики, слуха. Постоянный, повседневный труд. Пианист репетирует ежедневно по многу часов – тогда он способен выступить в концерте с блеском. Танцовщики тренируются каждое утро подолгу – только тогда тело будет послушно им на спектакле. А некоторые драматические актеры думают, что для них этот закон не писан. В свободное от спектаклей и официальных репетиций в театре время они считают себя «свободными» от искусства. Увы, театр жестоко мстит таким актерам: они теряют профессионализм и становятся ремесленниками (в плохом смысле этого слова). И публика постепенно теряет к ним интерес.
Система К. С. Станиславского – “система должна быть не в голове, а в памяти ваших мышц.”
Компоненты системы:
 1. Работа актера над собой:
 а) работа над собой в творческом процессе переживания (развитие внутренних элементов психики, необходимых для творчества);
 б) работа над собой в творческом процессе воплощения (работа над физическим аппаратом).
2.  Работа актера над ролью.
3.  Этика
Система не рецептура и не отмычка, нельзя обращать систему в справочник, где содержатся точные данные о том, как применить тот или иной прием, чтобы получить эффект. Умение слить в неразрывное целое самые высокие задачи искусства с простейшими и конкретными актерскими задачами – одно из важнейших свойств системы К. С. Станиславского.
Свою «систему» Станиславский не «придумал». В течение многих лет он наблюдал за творчеством выдающихся мастеров сцены в России и за рубежом, видел великих актеров, изучал их работу на подмостках и за кулисами. Беседовал со многими из них.
Однажды замечательная советская артистка Екатерина Павловна Корчагина-Александровская (1874-1951) призналась Константину Сергеевичу, что не понимает его системы, а изучать ее не берется: годы уже не те.
Станиславский ответил:
– Вам, Екатерина Павловна, и не надо изучать мою систему. Вы и есть – моя система!
Константин Сергеевич хотел этим подчеркнуть, что его учение выросло из опыта самых выдающихся мастеров сцены.
Система Станиславского долгое время выверялась в Московском Художественном театре и его студиях, пока не стала достоянием театров России, СССР и многих стран мира. Но и до сих пор некоторые недальновидные артисты рассуждают и даже высказываются в таком духе: «У меня большие способности, это все говорят. Я и без всякой теории и техники сыграю отлично. Талант есть талант!»
Как видите, легенда о Мочалове жива до сих нор. На самом деле подобное рассуждение – роковая ошибка. Чем крупнее артист, тем больше он занимается техникой своего искусства.
Один выдающийся артист говорил Станиславскому:
– Чем больше талант, тем больше обработки и техники он требует. Когда, например, орут и фальшивят в пении с маленьким голоском – это неприятно, противно. Но если бы стал фальшивить Таманьо (великий итальянский певец) со своим громоподобным голосом, станет страшно!
Так рассуждает истинный талант, говорит Станиславский. Не существует искусства без необходимости быть в нем виртуозом, и не существует окончательной меры для степени этой виртуозности. Французский художник Эдгар Дега говорил:
– Если у тебя есть мастерства на сто тысяч франков, купи еще на пять су.
Иногда в полушутливом высказывании отражается великая истина.
СИКВЕЛ
Си;квел (англ. sequel [si;kw;l] от лат. sequella «продолжение; приложение») — книга, фильм или любое другое произведение искусства, по сюжету являющееся продолжением другого произведения, построенное на персонажах из него и т. д.
Как правило, сиквелами называют второй и все последующие фильмы во франшизе. Они являются прямым продолжением первой части и развивают сюжетную линию, начатую ранее.
СИНОПСИС
Синопсис —  краткое изложение сценария.
СИТКОМ
Ситком (situation comedy, sitcom) — ситуационная комедия. Разновидность комедийных радио– и телепрограмм, с постоянными основными персонажами и местом действия. Изначально появившийся на радио в США в 1920-х годах, к 1970-м годам ситком выделился в жанр почти исключительно телевизионной комедии и получил широкое распространение в телесериалах. Для телевизионных ситкомов характерен определённый временной формат — как правило, 20—30 минут, включая титры и рекламу (если она есть). Первые ситкомы, как правило, снимались в студии перед зрителями, поэтому для них характерен закадровый смех.
СКЕТЧ
Скетч (англ. – набросок) – короткая сцена, в которой разыгрывается, как правило, комическая ситуация с участием двух-трех актеров без глубоких характеристик персонажей и сложной интриги. Театральное представление шутливого или сатирического характера, построенное на неожиданных забавных ситуаций.
СКЕТЧКОМ
Скетчком (англ. sketch comedy, буквально — эскиз, набросок, зарисовка и комедия) — небольшая кинопьеса комедийного содержания с двумя-тремя персонажами. Это телепередача с некоторым количеством скетчей — коротких комедийных сценок, являющихся законченным художественным произведением, не связанных сюжетной линией с другими скетчами.
СКОМОРОХИ
Скоморохи – странствующие актеры, играющие роли в театральных сценах (обычно комических), так и танцоры, певцы, музыканты, дрессировщики, исполнители акробатических номеров.
В XI веке на Руси появились скоморохи – бродячие актеры, комедианты. Это были отголоски язычества, которое преследовалось православной церковью. В течение нескольких столетий они устраивали свои представления прямо на улицах, площадях, ярмарках. Что они играли? Шутили со зрителями, разыгрывали маленькие смешные сценки собственного сочинения, пели забавные песенки, показывали акробатические номера, дрессированных животных. Проводник с медведем, например, часто появлялся в разгap таких представлений, развлекая детей и взрослых. Театр здесь отчасти сливался с цирком.
Главный герой скоморошьих представлений – веселый и ловкий мужик, всегда умевший перехитрить злого и глупого барина.
Скомороший театр окончил свое существование в 1648 году, когда царь Алексей Михайлович запретил выступления бродячих актеров. А. М. Горький писал об этом: «Когда воцарился первый Романов, а особенно при его сыне Алексее, церковь и боярство истребили «скоморохов»... а тех холопов, которые помнили и пели скоморошьи песни, велено было «нещадно бить кнутом»... «
Запретить скоморохам выступать со своими шутками и прибаутками оказалось недолго. Но можно ли запретить существование театра? Конечно нет. Сценическое искусство продолжало жить.
СЛОВЕСНОЕ ВОЗДЕЙСТВИЕ
Словесное воздействие – способ воздействия на сознание партнера с целью перестроить его, «приспособить» в интересах действующего лица. Шесть “адресов” воздействия на сознание: внимание, чувство, воображение, память, мышление и воля.
СЛЭШЕР
Слэшер (англ. slash — удар сплеча, рубить) — поджанр фильмов ужасов (иногда называемых “фильмы отсчета тел” или “фильмы мертвых подростков”), для которого характерно, как правило, наличие убийцы-психопата (иногда носящего маску), который преследует и графически убивает серию жертв-подростков в типично случайной неспровоцированной манере, убивая многих за один день.
СОБЫТИЕ
Событие – это психологическое происшествие, которое в корне меняет у всех действующих лиц отношение к происходящему, порождает новое соотношение сил. Система взаимоотношений персонажей в определенный отрезок времени. Событие определяет движение и развитие конфликта спектакля и его разрешения.
СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ
Современный танец (modern dance – танец модерн и contemporary dance – совр. танец) – это совокупность направлений и форм западного концертного или театрального танца, который включал в себя такие танцевальные стили, как: балет, народный, этнический, религиозный и социальный танец, и в первую очередь возник в Европе и Соединенных Штатах в конце 19-го и начале 20-го веков. Термин распространяется и на бытовой, социальный и уличный танец. Провозглашает себя иск-вом концептуальным, нонконформистским, нацеленным на постоянный поиск и воплощение новых и актуальных смыслов, признаёт «танцем» любой вид пластически-динамического самовыражения, открывает движущееся в пространстве тело в качестве источника танца, а не только его инструмента (как в классич. танце). Человеческая телесность с её сложной психофизич. структурой, конкретными анатомич. особенностями, личным опытом становится важным источником смыслов.
В широком понимании современный танец — это танец настоящего времени, можно разделить его на две большие группы: танец сценический (хореографическое искусство) и танец социальный (бытовой). Т.е. современный танец относится и к сценическим произведениям искусства, и к бытовому танцу.
Основные стили современного танца в общемировом культурном аспекте: джазовый танец, танец модерн и постмодернистский танец. Наиболее широко используется джазовый танец.
СОЛИСТ
Солист — исполнитель музыкального произведения для одного голоса или инструмента (с сопровождением или без него), а также исполнитель самостоятельной партии в оперном, хоровом, симфоническом произведении.
СОНАТА
Соната (от итал. sonare - звучать) — многочастное циклическое произведение, состоящее из трёх или четырёх частей, предназначенное для одного или двух инструментов. С. - один из самых распространенных жанров камерной музыки.
Т.е. как повесть или роман, данное музыкальное произведение состоит из нескольких частей и как бы повествует о каком то сложном, неоднозначном явлении. О чувствах, которые меняются по ходу произведения под натиском различных изменений окружающего мира.
СОТЕ
Соте (фр. saute – прыжок на месте) – балетный прыжок, во время которого сильно вытянутые ноги находятся в первой, второй или пятой позициях.
СОПЕРЕЖИВАНИЕ
Сопереживание – нравственный принцип, связанный с общечеловеческими представлениями о правде и лжи, о справедливости. Эмоциональный настрой зрителей во время просмотра спектакля, концерта и т. д.
СОФИТЫ
Софиты – специальная световая аппаратура, помещенная над сценой и скрытая падугами.
СПЕКТАКЛЬ
Спектакль (лат. – зрелище) – театральная постановка в ограниченном сценой пространстве. Пьеса, поставленная режиссером и сыгранная актерами. Спектакль состоит из одного или нескольких актов, действий, частей, прерываемых антрактом. Иногда это слово употребляется для обозначения смешного, занятного зрелища.
Спектаклем (от латинского spectacuium — зрелище) называют театральное представление. Спектакль, в основе которого лежит какое-либо драматическое произведение, создается коллективными усилиями актеров, режиссера, художников, композитора, рабочих театральных цехов. Возглавляет этот большой коллектив и направляет его деятельность режиссер-постановщик.
Процесс подготовки спектакля начинается с выбора театром пьесы. Затем начинаются репетиции-читки по ролям, на которых режиссер и актеры определяют основную идею пьесы, оговаривают предлагаемые драматургом обстоятельства, делают первые пробы в поисках будущих сценических образов, работают над текстом; если пьеса написана в стихах, то отрабатывают технику стихотворной речи.
Затем в репетиционном помещении устанавливается выгородка — примерная модель будущей декорации. Во время репетиций в выгородке определяют мизансцены спектакля. К этому времени уже должно быть подготовлено музыкальное сопровождение спектакля. Разучиваются танцы, пластические трюки и пр., если они задуманы режиссером. Только после этого репетиции переносятся на сцену.
Параллельно с творческим идет и производственный процесс подготовки спектакля в цехах театра. Сначала на основе режиссерского замысла художник-постановщик готовит макет и чертежи декораций, художник по костюмам — эскизы костюмов. В поделочном цехе мастера работают над заготовками элементов будущих декораций, в декорационном — художники-декораторы расписывают их. В мебельном цехе по чертежам изготовляют мебель для спектакля, в бутафорском — бутафорию, в пошивочном — костюмы для актеров, и т. д.
В период сценических репетиций творческий и производственный процесс должны прийти к единому художественному результату, который во многом зависит от художественного руководства театральным коллективом, осуществляемого режиссером-постанов– щиком.
Венец всей работы творческого коллектива — генеральные репетиции, которые идут уже как готовый спектакль. И только после этого выпускается афиша о премьере (так называют обычно первые 10 спектаклей).
Спектакль, как художественная ценность (М. А. Чехов) – спектакль – есть живое, самостоятельное существо, подобное человеку. Как человек имеет дух, душу и тело, так имеет их и живой, действенный спектакль.
Дух спектакля – это идея, заложенная в нем. Идея, ради которой автор, режиссер и актеры сообща создают спектакль.
Душа спектакля – это та атмосфера, в которой протекает и которую излучает спектакль.
Тело спектакля – это все, что мы видим и слышим в нем.
СПЕЦИФИКА
Специфика (лат. – особенный) – отличительные особенности какого – либо рода деятельности.
СПИН-ОФФ
Спин-офф (англ. spin-off — раскручиваться) — художественные произведения (книга, фильм, компьютерная игра, комикс и так далее), основными действующими лицами которых являются персонажи, ранее уже фигурировавшие в исходном произведении с тематически иным сюжетом. Стороннее ответвление от уже существующего художественного произведения. «Спин-офф» обозначают фильмы, которые находятся в той же «вселенной», что и оригинальная история.
СПОЙЛЕР
Спойлер (от англ. spoil — гадить, портить) — в кино, литературе, компьютерных играх — преждевременно раскрытая важная информация, которая портит впечатление от фильма/книги/игры и разрушает их интригу, а также лишает читателя некоторой части удовольствия от сюжета. Также, реже, — лицо, которое эту информацию преждевременно раскрыло.
В ранние времена спойлеры использовались в газетах или журналах для раскрытия сюжетных деталей фильмов или книг с целью привлечения внимания читателей. Они могли быть представлены в виде краткого резюме сюжета или даже прямо в заголовках статей.
СПОСОБНОСТИ
Способности – индивидуально-психологические особенности личности. Особые природные задатки от которых зависит успешность выполнения различных видов деятельности, приобретения знаний, умения, навыков. Способности формируются и развиваются по мере становления и совершенствования личности.
СТАТИСТ
Статист (гр. – стоящий) – актер, участник массовых сцен; роль без слов. В Древней Греции так называли стоящего человека. Актер, исполняющий на сцене второстепенную роль.
СТЕРЕОТИП
Стереотип (гр. – твердый, отпечаток) – образец художественного творчества, лишенный оригинальности, с элементами заимствования. Противоположность индивидуальности. Копирующий, сделанный по шаблону.
СТИЛИЗАЦИЯ
Стилизация – (лат. stilus, stylus, от греч. stylos – палочка, фр. – стиль, палочка для письма) – использование в творческой деятельности уже встречавшихся в истории мирового искусства художественных форм, приемов, стилевых черт в новом содержательном контексте для достижения определенных идеологических и эстетических целей.
Стилизация – намеренная имитация художественного стиля, характерного для какого-либо автора, жанра, течения, для искусства и культуры определенной социальной среды, народности, эпохи. Нередко связана с переосмыслением художественного содержания, составляющего основу имитируемого стиля.
СТИЛЬ
Стиль — это некая общность образной системы, средств художественной выразительности, творческих приемов, обусловленная единством идейно-художественного содержания.
СТУДИЯ
Студия (ит. studio старание, изучение) – 1) учебное заведение для подготовки артистов, художников, скульпторов;
2) театр с молодыми, начинающими актерами.
СТУДИЯ ТЕАТРАЛЬНАЯ
Студия театральная – творческий коллектив, сочетающий в своей работе учебный эксперимент и показ спектаклей. (“Школа на ходу” – так называл студию К. С. Станиславский)
СУБРЕТКА
Субретка (франц. soubrette, итал. servetta, от прованс. soubret – жеманный) – актерское амплуа. Представляет собой служанку с находчивым и лукавым характером и бойким нравом. Как правило, она помогает своим хозяевам в их любовных похождениях.
СУБТИТРЫ
Субтитры (лат. sub — под) — вспомогательные надписи, которые применяются для перевода недублированных картин, и также и других целей, например, для глухих.
СЦЕНА
Сцена (лат. scaena – сцена, от греч. skene) -
1) площадка, на которой происходит представление (театральное, эстрадное, концертное и др.). Является одной из основных частей театрального здания.
2) В пьесе, спектакле – отдельная часть действия, акта.
3) В широком смысле то же, что театр.
СЦЕНАРИЙ
Сценарий (итал. scenario, от лат. scaena – сцена)
1) краткое изложение содержания пьесы, сюжетная схема, по которой создаются представления (спектакли) в театре импровизации, балетные спектакли, массовые зрелища и др. Сюжетная схема, по которой создаётся спектакль. Такой сценарий представляет собой краткое изложение содержания пьесы (без диалогов и монологов).
2) В кинематографии – литературное произведение, предназначенное для воплощения с помощью средств киноискусства и телевидения. Создается киносценаристом.
3) В музыкальном театре (в опере) – драматургический план либретто.
Сценарий – литературно-драматургическое произведение, предназначенное для постановки театрализованного представления. Включает детальное описание действия с текстом речей персонажей. Предметно-изобразительная и композиционная основа театрализованного представления, в которой с прямой речью персонажей свободно взаимодействует описательно-повествовательная речь. Прямая речь имеет форму монолога или диалога.
СЦЕНАРНЫЙ ПИТЧИНГ
Сценарный питчинг – презентация сценариста, который хочет продать свой сценарий продюсерам.
СЦЕНИЧЕСКАЯ ЗАДАЧА
Сценическая задача – своеобразное определение понятий цели и направления сценического действия. Результат выполнения правильного, осмысленного, продуктивного действия. Сценическая задача отвечает на три вопроса:
1. Что делаю? (физическое действие)
2. Зачем делаю? (чего хочу добиться данным действием).
3. Как делаю? (форму выполнения задачи принято называть актерским приспособлением).
СЦЕНИЧЕСКАЯ НАИВНОСТЬ
Сценическая наивность – вера актера в предлагаемые обстоятельства, свойство детской непосредственности актера. Наивность «уживается» с умом, а не с рассудочностью.
СЦЕНИЧЕСКАЯ УСЛОВНОСТЬ
Сценическая условность – совокупность знаков, символов, элементов игры, создающие не правду реальной жизни, а ее правдоподобие, однако узнаваемое и реально переживаемое. Условность места действия. Условность сценического действия и т. д.
СЦЕНИЧЕСКИЙ ТАНЕЦ
Сценический танец – танец в исполнении артистов-профессионалов. Он подчинен условиям его исполнения на сценических подмостках. Это определяет многое: и отсутствие четвертой стены, то есть открытость на зрителя, и законы перспективы, и требование законченности, определенности формы, и временные рамки, и еще многое другое
Основные виды: классический, народно-характерный, бальный, гротесковый, действенный, модерн.
СЦЕНИЧЕСКОЕ ВНИМАНИЕ
Сценическое внимание – восприятие объектов внешнего мира с помощью зрения, слуха, обоняния, осязания, вкуса. Процесс познания, творческое состояние любой профессии. Сосредоточенность на объекте. Степень готовности к действию, выработанная и воспитанная в процессе тренинга и упражнений. Внимание – ворота ко всякому творчеству.
СЦЕНИЧЕСКОЕ ВОПЛОЩЕНИЕ
Сценическое воплощение – это глубокое проникновение в содержание песни и поиск адекватной ему формы сценического решения. Оно может выражаться как в статике, так и в динамике, – всё диктует содержание песни.
СЦЕНОГРАФИЯ
Сценография (гр. – сцена и пишу) – организация театрального пространства, среды, в которой существует спектакль. Практика создания сценической среды или атмосферы. Сценография – это сочетание технологических и материальных сценических средств для представления, представления и создания ощущения места в спектакле.
Искусство создания зрительного образа спектакля посредством декораций, костюмов, света, постановочной техники и т.п. Все эти изобразительные средства являются компонентами театрального представления, способствуют раскрытию его содержания, сообщают ему определенное эмоциональное звучание.
Художественное оформление спектакля. Его образ, объединяющий драматургию, воплощающий замысел режиссера и художника, игру актеров.
Оформление зрительного зала, фойе в зависимости от решения и замысла спектакля или представления.
Развитие сценографии тесно связано с развитием изобразительного искусства, архитектуры, драматургии, кино. Сценография включает: сценический дизайн, дизайн освещения, звуковой дизайн, дизайн костюмов.
СЮЖЕТ
Сюжет (фр. – предмет) – ряд связанных между собой, последовательно развивающихся событий, взаимоотношений людей, борьба характеров и мировоззрений. Основное содержание художественного произведения.
Сюжет — предмет изображения, внутреннее содержание действия. Сюжет как основа сценария берет начало в литературном замысле, системе отношений между героями, в процессе развития конфликта. Он социально-историчен, но в то же время это вымысел.
Сюжет в кино может строиться как на драматическом конфликте, так и на наблюдении жизненных событий. Киноискусство активно разрабатывает выразительные возможности этих типов сюжета и вариации их совмещения. Кинодраматург формирует сюжет на основе конкретного жизненного материала. Формы сюжетостроения разнообразны, как и темы, жанры, характеры.
Т
ТАГЛАЙН
Таглайн (также тэглайн; англ. tagline ) — краткая анонсирующая информация.
В кинематографе таглайны пишутся на афишах и постерах к фильмам, используются как слоганы в трейлерах, чтобы максимально кратко и емко отразить основную идею и содержание фильма.
ТАЛАНТ
Талант (гр. – вес, весы) – высокая степень художественно-творческой одаренности, выдающиеся природные способности. Актерские, режиссерские способности.
«Можно выстроить великолепное театральное здание, заказать художнику декорации, композитору – музыку, набрать большой штат сотрудников – и все-таки это еще не будет театр. А вот выйдут на площадь два актера, расстелют коврик, начнут играть пьесу и, если они талантливы, – это уже театр».
Эти удивительно точные слова принадлежат выдающемуся российскому театральному деятелю Владимиру Ивановичу Немировичу-Данченко.
Мысли о природе таланта содержатся и в книге выдающегося российского хирурга Сергея Сергеевича Юдина (1891—1954). Там есть такие строки:
«Если гениальность – врожденное свойство... то таланты можно развивать трудом, упражнением и изучением высших образцов. Но для успешного изучения образцов нужен умелый отбор их, то есть вкус, который тоже есть своего рода дар. Вкус поддается культуре, воспитанию. Арабы говорят: «Если ты не чувствуешь красоты цветов, если ты не ценишь дружбы и если тебя не радуют песни, – ты болен, тебя лечить надо... «
Так думал и писал советский врач, в полной мере обладавший таким даром.
А гораздо раньше гениальное по простоте определение таланта дал Александр Сергеевич Пушкин:
«Талант – это способность человека к труду».
ТАНЦЕВАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ
Танцевальные жанры – виды исполнения танцев в рамках хореографического искусства.
Все танцевальные жанры делятся на большие группы:
– классический танец (балет);
– народные или этнические;
– бальные — латиноамериканская и европейская программа;
– современные.
Танцевальные стили этнической группы:
= африканские;
= латиноамериканские;
= восточные;
= европейские.
ТАНЕЦ СЦЕНИЧЕСКИЙ
Танец сценический – хореографическое искусство.
ТАНЦОВЩИК (БАЛЕРУН)
Танцовщик (балерун) – исполнитель мужских партий в балете. Мужчина в балете.
ТВОРЧЕСКОЕ МЫШЛЕНИЕ
Это – вид мышления, связанный с созданием и открытием чего-либо нового, общественно значимого. Творческое мышление определяется своеобразием личности художника, его способности оригинально, самостоятельно мыслить. Предполагает диалектическое соединение традиции и новаторства.
Творческие люди – артисты, музыканты, писатели и т.д. чувствуют в себе могучую тягу к творчеству. Даже если этот человек становится обеспеченным, то желание созидать у него все равно не пропадает. Напротив, если по каким-либо причинам человек лишится возможности заниматься его любимым делом, то он станет глубоко несчастным. И никакие деньги, никакая личная жизнь не смогут целиком восполнить для него эту утрату.
То же самое можно сказать и про людей всех других профессий. Только занимаясь любимым делом, человек чувствует себя счастливым.
ТЕАТР
Театр (гр. theatron – место для зрелищ, зрелище) – 1) это и учреждение культуры, и место для зрелищ, и род искусства. – 2) искусство, состоящее в изображении, представлении пьесы в лицах, осуществляемое в виде публичного зрелища. – 3) Помещение, здание, в котором устраиваются представления, спектакли.
Театр — это средство общения, двустороннего диалога на личностном уровне, посредством которого формируются эстетические потребности, духовные, нравственные и эстетические ценности и идеалы. Но так как это процесс с обратной связью, то каждая личность, присутствующая на спектакле, оказывает влияние на действие, происходящее в зале, на спектакль и на своё социальное окружение спектакля.
«И, взвившись, занавес шумит»
«Театр поучает так, как этого не сделать толстой книге».
Вольтер

Театр – род искусства, специфическим средством выражения которого является сценическое действие, возникающее в процессе игры актера перед публикой.
Слово театр – греческого происхождения. В греческом языке оно означало место для зрелища, да и само зрелище.
Театральное искусство возникло очень давно, в незапамятные времена, на заре человеческой культуры. И развивалось вместе с жизнью самого человечества.
И все же театр рождается для каждого из нас как бы заново. Когда мальчишки играют «в Чапаева» или «в космонавтов» – разве это не спектакль, не представление? Если девочки рассаживают своих кукол и ведут с ними длинные разговоры – не маленький ли это домашний театр, где у каждого – своя роль?
Один из главных элементов театрального искусства – игра. С нее все и началось.
Младенчеством театра стали праздничные игры и религиозные обряды первобытных народов. В этих играх появились и первые «действующие лица» – добрые и злые силы вселенной. Люди изображали божества, злых и добрых духов – ангелов, духов природы. В играх рождались диалоги – о них вы тоже прочтете в этой книге.
Местом рождения драматического театра можно считать языческую Древнюю Грецию. Интересно, что уже в те далекие времена – 2,6 тысяч лет назад – театр обратился к важнейшим сторонам жизни, к утверждению высоких чувств и духовных обязанностей личности: честности, благородства, почитания родителей, дружбы, преданности. Тогда же зазвучала в театре и ненависть к войне, убийству, горячее стремление к миру.

В России, как и в других странах, появление национального театра связано с праздничными народными играми и религиозными обрядами. В основном этим занимались скоморохи.
Постоянного театра на Руси до 18-го века не было. Такой театр открыл свой занавес в Ярославле только в середине XVIII века. Его организовал актер Федор Волков (1728 – 1763). В истории он остался как «отец российского русско-язычного театра».
В столице Российской Империи, Петербурге, шли до той поры лишь спектакли иностранных трупп – немецких и французских. Узнав об успехах молодых ярославцев, императрица Елизавета Петровна вызвала их в Петербург и решила создать в столице публичный театр.
30 августа 1756 года был издан указ об учреждении «Русского для представления трагедий и комедий публичного театра». Помещение для него выбрали в Петербурге на Васильевском острове. А директором театра стал выдающийся поэт, драматург и театральный деятель А. П. Сумароков (1717—1777).
Интересно, что создание в России первого постоянного театра совпало по времени с учреждением в стране Академии наук (1725 г.) и Московского университета (1755 г.).
Небывалый расцвет русского национального театра связан с эпохой, которую мы называем «пушкинской» – помните, в «Евгении Онегине»:

Театр уж полон; ложи блещут;
Партер и кресла, всё кипит;
В райке нетерпеливо плещут,
И, взвившись, занавес шумит...
И – в другом месте романа:
Там, там, под сению кулис
Младые дни мои неслись.

Пушкин употребляет здесь слово «раёк». Так в те времена называли верхние места в театре, как мы теперь говорим – галерку. Эти дешевые моста посещались тогда мелкими чиновниками, приказчиками модных магазинов, лакеями, служанками, камердинерами – самой благодарной публикой. В партере и ложах, где сидели аристократы, дамы и господа из «общества», считалось неприличным откровенно и непосредственно выражать свои чувства. Чопорность была одним из правил поведения в театре. Вот как писал об этом один из современников Пушкина:
«Я с завистью посматриваю в раёк, где беззаботные и трудолюбивые люди наслаждаются в полной мере спектаклем... Здесь, в ложе 1-го яруса, из приличия мне нельзя обнаружить ощущения, производимого в душе пьесою или игрою актера, а блаженные посетители райка, восхищенные каждым воплем актера, каждым сильным его движением, громогласно изъявляют свою радость и награждают деятельного артиста рукоплесканием и вызовом на сцену... «
Эта черта тогдашнего театра и выражена у Пушкина всего одной строкой: «В райке нетерпеливо плещут... «Пушкин и театр – обширная область. Она вобрала в себя многое из того, чем жили люди первой трети XIX столетия. Здесь интересно и важно для нас всё: и Пушкин-драматург, и Пушкин – театральный зритель, и Пушкин – критик современного ему театра, и Пушкин – свидетель и наблюдатель тогдашних театральных нравов. К ним, этим нравам, приходилось подлаживаться и авторам пьес, и актерам, и театральной дирекции. В театре царили законодатели моды.
Снова хочу напомнить вам строки из первой главы «Евгения Онегина».
Герой романа приезжает в театр, разумеется – с опозданием, считая это хорошим тоном. Представление давно началось...
Всё хлопает.
Онегин входит,
Идя меж кресел по ногам.
Двойной лорнет скосясь наводит
На ложи незнакомых дам;
Все ярусы окинул взором,
Всё видел: лицами, убором
Ужасно недоволен он;
С мужчинами со всех сторон
Раскланялся, потом на сцену
В большом рассеянье взглянул,
Отворотился – и зевнул,
И молвил: «Всех пора на смену;
Балеты долго я терпел,
Но и Дидло мне надоел».

Между тем Шарль Дидло (1767—1837) – выдающийся французский балетмейстер (постановщик балетов). Благодаря ему, российский балетный театр уже тогда занял одно из первых мест в Европе. Пушкин в своем примечании к этой строфе указывал, что последнее ворчливое замечание Онегина – «черта охлажденного чувства... Балеты г. Дидло исполнены живости воображения и прелести необыкновенной. Один из наших романтических писателей находил в них больше поэзии, нежели во всей французской литературе».
Пушкин выступал не только против тогдашних театральных нравов, но и против старых традиций в драматургии, старых приемов актерской игры. Трагедия «Борис Годунов», «Маленькие трагедии», статьи о театре, беглые мысли, посвященные ему в стихах и письмах, – все это огромное богатство нашей культуры.
 
Л. П. Чехов

В зал московского ресторана «Славянский базар» вошли два человека и сели за столик. Им подали обед. Собеседники увлеклись разговором...
Это произошло в июне 1897 года. Известный драматург и театральный педагог Владимир Иванович Немирович-Данченко пригласил актера Константина Сергеевича Станиславского на эту встречу, чтобы обсудить с ним идею создания нового театра. Официанты переглядывались: летели часы и в пору было уже ужинать, а посетители и не думали расходиться. Беседа затянулась за полночь. Эта историческая встреча двух выдающихся театральных деятелей положила начало нынешнему всемирно знаменитому Московскому Художественному академическому театру – ныне он носит имя Антона Павловича Чехова. Тогда, на первых порах, он назывался Художественным Общедоступным театром.
Все в новом театре должно было стать новым: и выбор пьес, и манера актерской игры, и режиссура. Что касается выбора пьес, то основу репертуара театра составила драматургия Чехова, а следом за нею – драматургия Горького. Произведения этих писателей дали театру возможность заговорить со зрителями о самых важных вопросах современной общественной жизни.
Один из первых спектаклей нового театра – постановка чеховской «Чайки» – принес молодому коллективу такой успех и признание, что изображение белой чайки навсегда решено было оставить на занавесе Художественного театра, на его афишах и программках, как вечную эмблему, как напоминание о рождении новой театральной эпохи.
Однажды, войдя в зал театра, зрители крайне удивились: к одной из лож был прикреплен плакат:
Ставь прожектора,
чтоб рампа не померкла.
Крути,
чтобы действие
мчало, а не текло.
Театр,
не отображающее зеркало,
а –
увеличивающее стекло.
Эти строки принадлежат Владимиру Маяковскому. Поэт сочинял такие лозунги в добавление к тексту своих пьес.
 
B. И. Маяковский

Что означают приведенные стихи – лозунг?
Маяковский выразил в них простую и ясную мысль: театр – теперь уже советский театр! – обязан не бесстрастно, как зеркало, отражать и показывать людей и события, а, как оптическая линза, увеличивать всё важное, делать его отчетливо зримым, высвечивать его крупным планом. Именно так и писал он свои пьесы. Именно так стремился их ставить. «Попытка вернуть театру зрелищность, попытка сделать подмостки трибуной – в этом суть моей театральной работы», – утверждал поэт. Снова, как видите, – сравнение театра с трибуной! Театральное искусство в своих лучших образцах всегда утверждало себя как школу жизни.
Первой советской пьесой в СССР стала знаменитая «Мистерия-буфф». Она написана Маяковским сразу же после Октября, рождена революцией и посвящена ей. Первое представление пьесы состоялось 7 ноября 1918 года, в первую годовщину Октября, на сцене Петроградского коммунального театра музыкальной драмы. Маяковский сам принимал горячее участие в постановке: рисовал и расклеивал афиши и сыграл в спектакле не одну, а несколько ролей.
А потом поэт написал специальное пояснение к «Мистерии-буфф», где, обращаясь к потомкам, просил будущих постановщиков и исполнителей пьесы воспринимать текст «Мистерии» как сценарий, куда можно вносить изменения, дополнения – в зависимости от потребностей времени.
За этой пьесой последовали другие – «Клоп» и «Баня».
В одной из заметок о театре, написанной в 1921 году – запомните эту дату, – Маяковский высказал удивительное предвидение. Он писал, что через пятьдесят лет воздушные корабли коммуны отправятся с Земли к другим мирам. Так вот, обратите внимание: межпланетная станция «Венера-7» впервые совершила мягкую посадку на планету Венера. И случилось это в 1970 году, через 49 лет после того, как это было предсказано поэтом!
В «Мистерии-буфф» показаны те, кто революцию делает, и те, кто хотел бы ее задушить. В пьесе провозглашаются основные принципы нового строя – призывы к братству, товариществу, взаимопомощи, интернационализму. В разгар событий на сцене появляется один из главных героев спектакля – он назван автором просто Человеком – и говорит:

Кто я?
Я не из класса,
не из нации, не из племени.
Я видел тридцатый,
сороковой век.
Я из будущего времени
просто человек...

 
Сцена из спектакля Национального академического драматического театра имени М. Горького в Минске «Рядовые» – по пьесе А. А. Дударева (р. 1950) 2008 г.

Чувство патриотизма, любви к своей Родине заложено в каждом из нас. Но в театре бывает, что это чувство становится острее, с еще большей силой охватывает человека, ведя к новым поступкам для общего блага. Здесь, в театральном зале, человек учится – и не только в вашем возрасте, а всю свою жизнь – всегда оставаться гражданином своего отечества, его солдатом и слугой.
Советский театр с самых первых шагов своей истории утверждал себя как театр агитационный, пропагандистский, как настоящая кафедра, где человек воспринимает высокие и благородные идеи добра, справедливости, равенства человеческого братства; где учится распознавать зло и сопротивляться ему; где рождается потребность стать лучше, смелее, честнее.
Все это, конечно, не означает, что в театре человек может только чему-то учиться, только думать о больших и важных вещах. В театре мы отдыхаем, испытываем наслаждение от встреч с настоящим искусством, иногда – веселимся, порой – грустим. Эти веселье и грусть, радость и печаль, смех и слезы – они тоже наше духовное богатство, приметы и признаки душевного роста. Театральное искусство предоставляет нам для этого самые различные возможности.
Советский театр за 73,5 года успел развиться во многих направлениях. На его сцене ставились трагедии и драмы, комедии и водевили, оперы, балеты, музыкальные комедии, спектакли для детей и юношества.
Особая страница в истории советского, да и мирового, театра открылась в середине 30-х годов 20-го века. Актер впервые воплотил на сцене образ Владимира Ильича Ленина. Это был разгар культа личности Вождя. Из живого человека усилиями деятелей искусства сделали непогрешимого идола, всеобщего кумира.
Вождь Революции стал и героем драматургии. Произошло это в спектакле Московского театра имени Евг. Вахтангова «Человек с ружьем» – по пьесе классика советской драматургии Николая Федоровича Погодина (1900 – 1962). Роль В. И. Ленина исполнил великий актер Борис Васильевич Щукин (1894–1939). Замечательный артист прожил короткую жизнь. Но навсегда вошел в историю культуры.
Скажу еще раз: ведущие российские драматурги, режиссеры, актеры – следом за Пушкиным, Гоголем, Островским, Чеховым, Горьким, Маяковским – воспринимают театр как школу жизни. В этой школе мы не обучаемся грамоте или наукам. Мы учимся грамоте человеческих отношений, науке быть человеком. Мы учимся таким предметам, как честность, благородство, великодушие, товарищество, доброта.
Учиться всему этому в театре весело и радостно. Почему? Да потому, что не деньги, не вещи, не должности делают человека счастливым.
Счастливым его делают сознание своей нужности людям и душевная красота.
ТЕАТР АНТРЕПРИЗЫ
Театр антрепризы – это:
; Форма театральной организации, при которой антрепренер (иначе – организатор) приглашает актеров из других театров для участия в спектакле.
; Театральное предпринимательство, бизнес-проект, для которого характерно собрать для игры в постановке любимых зрителями актеров из известных театров, чтобы собирать аншлаги, несущие неплохую прибыль.
; Форма театральной организации, при которой в создании спектакля, игре на сцене задействованы приглашенные популярные актеры, постановщики и режиссеры.
; Театральное дело, отличное от классического театра тем, что актеры набираются не на весь сезон, а на конкретную постановку.
Театр антрепризы обладает ключевыми особенностями:
; Во главе такого театра – антрепренер, импресарио, продюсер.
; Коммерческая, частная организация.
; Не получает или практически не получает материальной поддержки от государства.
; Отсутствие постоянной театральной труппы.
; Нет статичного репертуара.
; В основном, постановки рассчитаны на провинциального зрителя – приезды столичных артистов всегда срывают аншлаги.
; Многие антрепренеры делают упор именно на звездный состав труппы, экономя на декорациях, проработке драматичности, сюжета.
Театры антрепризы разделяются на два типа:
; Гастролирующие. Путешествуют по различным городам и театральным площадкам. Нет привязки к определенной локации.
; Стационарные. Имеют одну или несколько площадок для выступлений в пределах одного города.
ТЕАТРАЛЬНОЕ ЗДАНИЕ
Дом для волшебных представлении
В. Шекспир стал создателем и одним из владельцев театра «Глобус» в Лондоне. Здание «Глобуса» с его необычной архитектурой стало знаменитым на весь мир благодаря Шекспиру: здесь рождались его великие трагедии и комедии.
 
Современная реконструкция здания лондонского театра «Глобус» (Globe Theatre)

Оно выглядело так. Ровная плоская площадка, обнесенная довольно высокими стенами, представляла собой и пол здания, и сцену. На внутренней стороне стен находились ложи для зрителей. Некоторые богатые зрители имели право сидеть по краям самой сцены. Крыши не было, поэтому спектакли шли при дневном свете и только летом. Декораций тоже не существовало. Их заменяли таблички с надписями – они устанавливались на деревянных подставках и легко переносились с места на место. Надписи гласили: «лес», «поле», «дворец», «берег моря»... Своей фантазией зрители восполняли отсутствие декораций.
Первоначальное здание «Глобуса» не сохранилось, но восстанавливалось трижды. В 3-й раз сделали это в 1997 году. Открывала этот театр сама королева Елизавета II. Немало пришлось потрудиться архитекторам, приглашенным из разных стран, и режиссеру Сэмюэлю Уонамейкеру (1919-1993), чтобы точно установить первоначальный вид и размеры театра и создать проект его перестройки. В новом «Глобусе» все, как при Шекспире: ни декораций, ни отопления, ни электрического освещения – только солнечный свет, свободно проникающий сверху, а по вечерам – свечи.
Новые театральные здания строятся с учетом современных достижений науки и техники.
Современное театральное здание насыщено техникой, электроникой, оптикой, как большое промышленное предприятие. Особенно сцена – главная часть театрального здания, площадка для игры актеров.
Здесь есть все. И подземное царство, где спрятаны сложные механизмы, оно называется трюмом. Сюда, например, может в случае надобности провалиться персонаж спектакля – как сквозь землю. Есть и заоблачные высоты, где расположены колосники, решетчатый настил, подъемные блоки, подъемные устройства для декораций. В это театральное небо могут вознестись черт, Баба Яга, какой-нибудь волшебник...
А ведь начиналось театральное здание с простой открытой площадки, как это было в древнегреческом театре. Но и гораздо позднее, совсем «недавно», в XVII веке, «театральное здание» скоморохов-кукольников заключалось... в куске ярко раскрашенного холста.
Посреди площади, на ярмарке, появлялся актер-кукольник в странной одежде: вокруг пояса свисала почти до земли крашенина – нечто вроде юбки. Актер поднимал руки и поднятая вверх «юбка» закрывала всю верхнюю часть его тела. И тогда наверху, по краю такой самодельной ширмы, возникали и разыгрывали свои истории куклы. Кукловод оказывался и артистом, и «театральным зданием».
В средние века театральные представления разыгрывались прямо на площадях, к примеру, на фоне собора. Иногда и в наше время можно увидеть такое представление.
Однажды я побывал в венгерском городе Сегеде, где устраиваются международные театральные фестивали. На огромной площади перед собором амфитеатром были воздвигнуты простые деревянные скамьи без спинок. В таком «зрительном зале» поместилось несколько тысяч человек. Представление началось, когда совсем стемнело. На деревянных подмостках перед старинным собором современные актеры разыгрывали и пели оперу «Фауст». И тени героев спектакля во много раз увеличенные и вытянутые, метались по высокой стене готического здания...
Сегодня обслужить сложное устройство театра, особенно сцены, может только коллектив знающих специалистов. Но и зрительный зал – не простое помещение. Его архитектура сложилась за последние двести – триста лет. Места для зрителей расположены и в партере, на плоскости пола, и в ложах – перегороженных «отсеках» на различной высоте зала, на балконах-ярусах. Иногда зрительный зал представляет собой единый амфитеатр – места его поднимаются постепенными уступами за партер или вместо партера.

Здание Государственного театра юного зрителя имени А. А. Брянцева в Санкт-Петербурге

Именно так, как единый амфитеатр, сконструирован зал построенного в 1962 году первого специального театрального здания для детей – Ленинградского театра юных зрителей. Его авторы – архитектор А. Н. Жук, инженер И. Е. Мальцин, режиссер А. А. Брянцев. Зал вмещает тысячу человек. Ныне этот театр носит имя Александра Александровича Брянцева.
Особое значение при проектировании и строительстве театральных зданий имеет их акустика – создание наилучшей слышимости с любого места. Этим занимаются ученые-акустики. Дело это тонкое, хитрое. Однажды, например, при реставрации одного старинного театрального здания в Москве, между перекрытиями потолка зрительного зала были обнаружены... тысячи пустых бутылок. Очевидно, кто-то из опытных строителей предложил архитектору воспользоваться таким необычным способом улучшения акустики. И бутылки сослужили свою незаметную зрителям службу.
ТЕАТРАЛЬНЫЙ ПИТЧИНГ
Театральный питчинг – это смотр работ театральных режиссеров, на котором определяются самые лучшие создатели будущих спектаклей из разных театральных городов страны.
ТЕАТР ДЛЯ ДЕТЕЙ (ТЕАТР ЮНЫX ЗРИТЕЛЕЙ)
Теа;тр ю;ного зри;теля (ТЮЗ) — профессиональный театр, предназначенный для детской, подростковой и юношеской аудитории.
В современных ТЮЗах много пьес ставится по школьной программе.
Специализация на детскую аудиторию проявляется не только в репертуаре, но и в сценическом решении спектаклей: красочность, синтетичность, игра со зрителями. Для детей требуется более красочное действие, игры со зрителями, спецэффекты. А актёры должны быть максимально искренними.
В театре юного зрителя основу репертуара традиционно составляет сказка, современная пьеса и классика. Классические произведения — это «золотой фонд» репертуара ТЮЗов, который передаёт новому поколению зрителей и актёров, накопленный культурный опыт, формирует их духовный облик, расширяет творческие возможности театральных коллективов.
В дореволюционной России профессиональных театров для детей не было. После Октябрьской революции создание их стало задачей государства.
Кони-седоки
Вьюжным февральским днем по Невскому проспекту в Петрограде двигалась странная процессия. Несколько мужчин тащили довольно внушительные по размерам сани. А на них стояли... два златогривых коня!
Лошади в том 1922 году не были редкостью: извозчичьи сани – а летом пролетки – то и дело скользили по снегу или катили по торцовым петроградским мостовым. Извозчики на козлах лихо выкрикивали свое обычное: «А ну поберегись!» – и взмахивали кнутами. Но эти два прекрасных коня никого не везли, а сами оказались «седоками». Потому что были они не живыми, а бутафорскими!
За санями бежала толпа мальчишек. Они с радостным изумлением разглядывали необыкновенных коней, норовили их потрогать, помогали тащить сани, восторженно перекрикивались. Удивительная процессия свернула с Невского на Фонтанку, а оттуда – на Моховую.
А в зале бывшего Тенишевского училища на скамьях амфитеатра томились в напряженном ожидании школьники. Их пригласили на генеральную репетицию спектакля – назавтра здесь, в этом здании, открывался новый театр для детей. Но назначенное для начала репетиции время миновало, а сцена все еще была пуста, и не вспыхивал праздничный свет. Опоздание было вызвано тем, что декорационные мастерские не успели сделать декорации и бутафорию к нужному сроку. Поэтому несколько актеров и вызвались сами притащить в театр необходимых для спектакля златогривых коней.
Наконец сани торжественно въехали во двор училища, остановившись прямо у служебного входа в новый театр. Мальчишек, сопровождавших коней на всем пути, тоже пришлось пригласить в зал: они сгорали от любопытства. Свет стал меркнуть, и на сцене в лучах прожекторов появились два деда в лаптях. Обращаясь к зрителям, они начали свой рассказ:
За горами, за лесами, За широкими морями, Против неба – на земле Жил старик в одном селе.

Надеюсь, вы узнали сказку? Конечно, «Конек-Горбунок» П. П. Ершова (1815–1869). Этим спектаклем началась жизнь Ленинградского театра юных зрителей. День его рождения – 23 февраля 1922 года.
А самый первый советский театр для детей открылся в 1920 году в Москве. Он так и назывался: Первый государственный театр для детей. Он тоже открылся сказкой – «Маугли» Киплинга. Первые зрители во все глаза смотрели на сцену.
«Уф! – Это сказал Отец Волк. – Пора опять на охоту!»
Здание петроградской Европейской гостиницы заполнили необычные постояльцы. Здесь в просторных номерах с высокими лепными потолками, массивными дверями, цветными стеклами в оконных проемах и коврами на лестницах десятки лет жили богатые господа, дельцы, знаменитые артисты-гастролеры. К их услугам были рестораны и кафе, зимний сад, почтительная тишина.
Эта тишина взорвалась, когда вскоре после революции гостиницу заполнили подростки: сироты гражданской войны, беспризорники, нередко озлобленные, разобщенные, не желавшие признавать законов коллектива. Они носились но коридорам, потихоньку курили, старались избежать привода в кабинет врача. Роскошный отель для иностранцев и состоятельных гостей превратился в интернат.
Преподаватели рассказывали мальчикам и девочкам об истории России и народов других стран, о правилах арифметики, учили писать и читать. А педагог-воспитатель Александр Александрович Брянцев, похожий на доброго дедушку, хотя ему не было тогда и сорока лет, на первом же уроке стал устраивать из простыни ширму. Потом сам скрылся за ширмой, и над ее верхним краем неожиданно появился Петрушка.
Урок превратился в кукольный спектакль.
В другой раз за Петрушкой последовали персонажи пушкинской «Сказки о рыбаке и рыбке». Только теперь девочки сами шили костюмы, а мальчики как могли возводили избушку рыбака, царские хоромы. Юные «актеры» сами играли не только старика, старуху и золотую рыбку, но и изображали море, волны, ветер, бурю...
Эти театрализованные игры положили начало первому советскому ТЮЗу (о его открытии я рассказывал выше). Некоторые из воспитанников Брянцева, на всю жизнь увлекшись театром, стали позднее артистами этого замечательного театрального коллектива. Первым командармом нового театра стал, конечно, Александр Александрович Брянцев (1883–1961).

 
А. А. Брянцев

 «Бывало и раньше на Западе и у нас, в России, театры по воскресеньям показывали школьникам спектакли, главным образом, по классическим произведениям, в дополнение к школьной программе, – говорил Александр Александрович. – Для малышей изредка ставили наскоро сколоченные сюжетики про добрых фей, гномов и эльфов или умилительно сладенькие сказочки про «нянюшкины именины». Но театр с постоянным репертуаром для детей создавался впервые».
ТЮЗ на Моховой, по случайному совпадению, находился в одном здании со школой, в которой я учился. Разумеется, в числе первых поколений юных зрителей оказался и я. Этот театр стал для нас не только источником великих радостей, но и второй школой. Только учили нас здесь думать и чувствовать.
Театры для детей есть во всех странах СНГ и 3-х бывших прибалтийских республиках СССР.
ТЕАТР КУКОЛ
Театр кукол – одна из разновидностей кукольного вида искусства, в который входят мультипликацион-ное и немультипликационное анимационное киноискусство, кукольное искусство эстрады и художествен-ные кукольные программы телевидения. Театр кукол не считают только детским. Театр кукол, как театр самый поэтический, более близок детям с их живым воображением и наивным метафорическим восприятием мира. Поэтому большинство зрителей театра кукол, конечно же, – дети и их родители.
Театр кукол – это настоящий Мир, который завораживает своей загадочностью и, вместе с тем, дарит возможность в любом возрасте окунуться в беззаботный мир детства, коснуться самых нежных струн души.
Это волшебный, СОБСТВЕННЫЙ мир – одна из самых великих моделей Человека и Человечества. В отличие от драматического театра, где играют не куклы, а живые люди, кукольный театр более долговечен. Его актеры способны жить много столетий, и любая музейная кукла, ведомая рукой опытного кукловода, в любой момент способна ожить и сыграть перед нами ту самую кукольную комедию, которой восхищались зрители – короли, ремесленники, дворяне, купцы, наемные солдаты – и сто, и двести, и четыреста лет назад.
 В 1730 году в газете «Санкт-Петербургские ведомости» была впервые напечатана статья о театре кукол, автор которой дал, наверное, лучшее определение театра кукол – как театра, способного «естество вещи показывать».
Важное значение имеют внешний вид театра, его архитектура. Для современного театра кукол не менее важными, чем сам спектакль, являются художественное оформление внутреннего интерьера здания, наличие фойе, зала с робототехническими конструкциями, которые включают в себя информационные робототехнические объекты, выполненные в виде сказочных, былинных или национальных героев, декоративных динамических цветомузыкальных фонтанов с двигающимися и говорящими фигурами, информационных табло и музея кукол. В таком театре зритель уже с порога попадает в удивительный сказочный мир.
Родственники Буратино
Давным-давно в городке на берегу Средиземного моря жил старый столяр Джузеппе по прозванью Сизый Нос. Однажды ему попалось под руку полено. Джузеппе решил смастерить из него что-нибудь. Но вдруг полено запищало тоненьким голоском. Столяр решил подарить это странное полено своему приятелю, шарманщику папе Карло... Конечно, так начинается сказка Алексея Николаевича Толстого «Золотой ключик, или Приключения Буратино». В ней рассказывается о приключениях деревянной куклы Буратино. А заканчивается сказка представлением в кукольном театре «Молния», где куклы сами пишут пьесы в стихах и сами в них играют.
Это – сказка.
А в жизни театр кукол появился еще в Древнем Риме. Позднее в той же Италии распространился народный сатирический театр кукол. Главным героем его представлений стал веселый, неунывающий Пульчинелла. Народные кукольные герои, умевшие выразить чувства простых людей, появились и в других странах. Во Франции любимцем зрителей стал Полишинель, в Англии – Панч, в Германии – Гансвурст, в Голландии – Пикель-геринг, в Польше – Копленяк. В Чехии несколько позднее родился Кашпарек.
По характеру, смелости, дерзости, насмешливости все они – родственники нашего Петрушки. То, что не могли, не решались произнести вслух крестьяне и рабочие люди, громко выкрикивали на площадях и ярмарках куклы. А что сделаешь Петрушке? Представления бродячих кукольников запрещались. Деревянные подмостки и легкие ширмы убирали. Но назавтра Петрушкина ширма появлялась в соседнем селе и куклы снова дерзко и смело, во весь голос выражали тайные мысли собравшихся зрителей.
После октябрьской революции Петрушка все же постепенно ушел в историю: появились более современные виды кукольного театра в СССР.
Этих видов несколько. Петрушка, кстати, относился к верховым, перчаточным куклам (верховые – потому что появляются поверх ширмы). А еще бывают марионетки – они двигаются на нитках или на проволоке, а их водители-артисты находятся над сценой. В наше время широко распространены тростевые куклы – они управляются из-за ширмы тростями. А бывают еще и механические, и теневые...
На современной сцене кукольного театра куклы могут играть вместе с актерами. Например, если надо поставить спектакль о приключениях Гулливера, то самого Гулливера может играть актер, а лилипутов – куклы.
 
С. В. Образцов с одной из своих первых и самых любимых кукол
Главным театром кукол в СССР стал Центральный театр кукол в Москве. До конца 1991 г. им бессменно руководил Герой Социалистического Труда Сергей Владимирович Образцов (1901—1992).
В 1976 г. в Москве состоялся XII конгресс УНИМА – так называется международная организация деятелей театров кукол, «вероятно, самая дружная, и самая добрая из международных организации» – так сказал о ней Сергей Владимирович. На этом конгрессе президентом УНИМА избрали С. В. Образцова.
Было бы неверно думать, что театры кукол существуют и ставят спектакли только для детей. И Государственный академический Центральный театр кукол имени С. В. Образцова и Санкт-Петербургский Большой театр кукол постоянно создают спектакли для взрослых. Потому что с помощью «актеров»-кукол можно интересно выразить любую идею, любую мысль, даже самую серьезную и значительную.
В СССР было более ста театров кукол. Спектакли в них шли на сорока языках народов советских республик.
 
Резо Леванович Габриадзе
Всемирную славу снискал Тбилисский театр марионеток Резо Габриадзе.
Известный грузинский сценарист и режиссер, Резо Леванович Габриадзе (р. 1936) много трудился в кино и снял по своим сценариям немало фильмов. Но однажды ему пришла счастливая мысль создать свой театр марионеток и доверить им нелегкую обязанность разговаривать с людьми в зале на самые разные темы.
Каждая кукла, которую Габриадзе придумывает, рисует, а часто и сам конструирует, всегда с огромной выразительностью передает характер персонажа. Например, вещего ворона в одном из спектаклей он сделал из... металлической корзины, в какой люди складывают покупки в магазине, и укрепил на ней разноцветные тряпочки-перья. Получилось очень похоже.
Спектакли Резо Габриадзе для взрослых – это и драмы, и комедии, и сентиментальные истории, и сказки. Спектакли тбилисского театрального волшебника пересказать невозможно. Лучше их увидеть – если, конечно, вам мог бы представится счастливый случай!
ТЕАТР ТЕНЕЙ
В царстве театра теней нет ничего мрачного. Искусство теневого театра – светлое искусство. Это магический, волшебный театр.
Теневой театр появился несколько тысячелетий назад на Востоке – у народов Индии, Китая, Японии, Ирана, Турции… В Индонезии еще в прошлом тысячелетии получил развитие театр теней Ваянг-пурво, представления которого воспринимались зрителями как магический ритуал общения с духами предков.
Представления театра теней проходили ночью с заката до рассвета. На хорошо утрамбованной поляне на бамбуковых шестах ставился огромный экран. За экраном разжигался костер из скорлупы кокосовых орехов. По другую сторону, где-нибудь под манговым деревом, располагались зрители. Перед экраном садился рассказчик, и жители деревушки, затаив дыхание, слушали его рассказ о жизни богов и подвигах героев народного эпоса «Рамаяны» и «Махабхараты». Во время рассказа вдруг начинал бить барабан, потом вступали другие инструменты, и на экране появлялись персонажи. Казалось, что они приходили к людям из другого мира. Спектакль мог продолжаться много ночей подряд. Детей на такие представления не пускали. Мало того, мужчины и женщины их смотрели отдельно.
Теневой театр – это древнейший прототип кино. А кино – усовершенствованный двадцатым веком театр теней. Уже много сотен лет люди с помощью света, темноты и экрана превращают легенды в реальность.
В России теневой театр появился в начале XVIII века. Это подтверждает и первая в истории русского театроведения статья «О позорищных играх или о комедиях и трагедиях», напечатанная в 1733 году в газете «Санкт-Петербургские ведомости». Автор уделил в ней место и театру теней: «Иные подражания позорищным играм делаются одною только тенью, которыя в темной камере на намазанную маслом бумагу наводится. И хотя таким способом показанныя фигуры ничего не говорят, однако ж от знаков и других показаний познавается, что оныя знаменуют. Сею тенью изображаются многия зело дивныя виды и их применения, что в других позорищных играх не так хорошо учиняться может».
В Европу театр теней пришел из Китая, поэтому здесь его называли «китайскими тенями». «Китайские тени» были распространены в Европе в XVIII и XIX веках. Особенно во Франции. Здесь теневой театр так полюбили и его так много показывали, что он стал называться «французскими тенями». Огромной славой пользовался в XVIII веке театр теней Доминика Серафена.
ТЕМБР ГОЛОСА
Тембр голоса – самое ценное качество певческого голоса. Ровное звучание тембра достигается стабильностью гортани.
ТЕНЕВЫЕ ФИГУРЫ
Это не мафиози, не гангстеры и не жулики. Это плоские фигурки, с помощью которых показывают представления театра теней (см. «Театр теней»).
 Фигуры китайского театра теней, например, вырезались из промасленной разноцветной бумаги. (Ее специально промасливали для того, чтобы силуэты-тени на экране были прозрачными и разноцветными.)
Яванские теневые фигуры управляются артистами-кукольниками с помощью тростей и изготавливаются из шкуры буйвола.
Шкуру долго выделывают в тонкую пластинку (1,5–3 мм) желтого цвета, больше напоминающую пергамент, а не кожу. Потом над этой пластинкой работает мастер-резчик. Эта профессия на Яве – одна из самых уважаемых. Как на Руси относились к иконописцам, так на Яве к мастерам-резчикам ваянгов (см. «Ваянг») – теневых кукол. Резчики вырезают силуэты и покрывают их ажурной резьбой. Потом живописцы раскрашивают их, пользуясь только пятью красками: белой, желтой, синей, красной и черной. Затем куклы собираются: к ним приделываются руки, ноги и головы. И, наконец, к кукле прикрепляются трости управления… Таких кукол для представления нужно 100–150!
 Кукол переносили в ящиках. Их аккуратно – не дыша! – перекладывали плетеными бамбуковыми циновками, чтобы краска не стиралась и фигуры не коробились, а еще – павлиньими перьями. И не для красоты, а от моли. Теневые куклы были очень дорогими. Иметь их могли позволить себе только богатые люди, и хранились они в комнатах, которые считались самым священным местом жилища. А комплект придворного теневого театра насчитывал до 600 теневых фигур (!).
ТИЗЕР
Тизер (англ. tease — дразнить; поддразнивать; teaser — что-л. дразнящее, привлекательное или соблазнительное) — ролик, смонтированный с целью привлечения внимания к еще разрабатываемому продукту. Обычно выходит на ранних стадиях разработки (или съемки). Может даже не содержать материалов, которые будут представлены в конечном продукте.
ТИПАЖ
Типаж — непрофессиональный исполнитель роли в фильме, обладающий специфически выразительным обликом. Если в фильме используется только внешняя выразительность профессионального актера, говорят, что актер используется типажно.
ТИТРЫ
Титр (франц. titre — заглавие) — надпись в фильме. В немом кино титры заменяли реплики, сообщали о времени, месте действия, о намерениях, особенностях персонажей и т.п. С появлением звука титры были вытеснены звучащим словом героев и закадровым голосом автора. Однако и в современном кино для раскрытия замысла они иногда используются как авторский комментарий, ввод в новый эпизод.
Заглавные титры – это марка киностудии и перечень основного состава творческой группы, создавшей картину. Иногда на первый план выносятся имена популярных исполнителей главных ролей.
Основной титр – название – играет важную роль для понимания фильма.
ТЕМНОЕ ФЭНТЕЗИ
Темное фэнтези – это поджанр фэнтези, в котором отличительной чертой является мрачность мира и большая свобода автора в плане описания всего дьявольского, элементы ужасов и готики, сатанизма. Примером литературного произведения в этом стиле 19-го века России может являться «Вий» Н.В. Гоголя.
ТЕХНИКА РЕЧИ
Камешки во рту
Однажды древнегреческий оратор Демосфен возвратился домой огорченный, расстроенный: он – уже не в первый раз – неудачно выступил с речью и слушатели проводили его недовольными выкриками и насмешками. Демосфен глубоко, болезненно переживал неудачу и шел домой с закутанным от стыда лицом.
В Древней Греции ораторское искусство блистало и считалось одним из высших и почетных поприщ. К тем, кто решался подняться на возвышение для соревнования в красноречии, предъявлялись высочайшие требования. От мастерства оратора зависели и исход политических событий, и судьба подсудимого. Яркая речь открывала оратору путь к славе.
Идя тогда домой, Демосфен встретил своего друга, актера Сатира, и стал жаловаться ему, что из всех ораторов Греции он самый трудолюбивый, а народ все равно насмехается над ним.
Я помогу твоей беде, – сказал актер, – если ты прочтешь мне что-нибудь из Еврипида или Софокла.
Так звали выдающихся древнегреческих драматургов.
Демосфен прочитал. Тогда Сатир продекламировал тот же отрывок, но так выразительно и живо, что Демосфену он показался совершенно другим. Он понял, что нельзя пренебрегать произношением, мастерством исполнения, красотой речи и слова. А у Демосфена от природы был слабый голос, нечеткое произношение и прерывистое дыхание – получались паузы, затемнявшие смысл речи. К тому же Демосфен шепелявил.
Разговор с актером убедил оратора в необходимости все силы уделить тому, что ныне мы называем техникой речи.
Демосфен устроил под землей особое помещение вроде пещеры и каждое утро спускался туда на весь день, чтобы отрабатывать приемы речи и укреплять голос. Он проводил в своем подземелье два-три месяца подряд. А чтобы не было соблазна покинуть добровольное затворничество, наполовину обрил себе голову: в таком виде хочешь не хочешь, а на люди не выйдешь!
Набрав в рот камешков, Демосфен старался ясно и отчетливо читать отрывки из поэтов. Голос укреплял, разговаривая сам с собой на бегу и поднимаясь в гору; произносил, не переводя дыхания, длинные фразы. И стал в конце концов знаменитым оратором и политическим деятелем. Его речи вошли в историю.
Как видите, забота о технике и культуре речи возникла еще в древности.
В наши дни технику речи преподают в театральных вузах и школах как один из главных предметов. Не владея ею, актер не может создать полнокровный образ: зрители его просто не поймут, не расслышат, не разберут слов.
У Станиславского в книге «Моя жизнь в искусстве» (1926) есть горькие строки:
«Чем больше я прислушивался к своему голосу и речи, тем яснее мне становилось, что я не впервые так плохо читаю стихи. Я всю жизнь так говорил на сцене. Я стыдился прошлого. Мне хотелось вернуть его, чтобы изгладить произведенное раньше впечатление... «
Такое открытие собственных недостатков произошло у Константина Сергеевича в 1914 году, когда он играл Сальери в маленькой трагедии Пушкина «Моцарт и Сальери». Впереди была долгая жизнь. «С тех пор, – продолжал Станиславский, – мое артистическое внимание устремилось в сторону звука и речи, к которым я стал прислушиваться как в жизни, так и на сцене... Уметь просто и красиво говорить – целая наука!..»
ТРАВЕСТИ
Травести (фр. travesti, от travestir — переодеваться) — в опере амплуа певицы, исполняющей роли юношей. Партии травести обычно поют меццо-сопрано и контральто.
ТРАГЕДИЯ
Трагедия (гр. – песнь козлов) – драматическое сочинение, изображающее крайне острые жизненные ситуации, конфликты, чаще всего кончающиеся гибелью героя (трагедия В. Шекспира “Ромео и Джульетта”).
Дело в том, что в древнегреческих обрядах-праздниках, где зародилась трагедия, участвовали ряженые в козлиных шкурах и масках, изображавшие сатиров — спутников бога Диониса и распевавшие оды в его честь.
– Пожалуйста, не делай из пустяков трагедию!..
Мы говорим так иногда, противопоставляя два несопоставимых понятия. Мы делаем это для усиления смысла.
Такое противопоставление основано на том, что трагедия – самый серьезный, самый значительный, наиболее насыщенный высокими страстями жанр драматургии и театра.
В основе трагедии – печальные, мрачные события, резкое столкновение непримиримых сил, ведущее к гибели главного героя. Действие трагедии не может вращаться вокруг частных случаев быта (этим занимаются драма и комедия). Она поднимает жизненно важные вопросы, когда от их решения зависит судьба или даже жизнь человека, яркой личности, каких-либо групп людей, классов, даже народа или государства.
Сюжет трагедии составляют, как правило, конфликты между человеком и действительностью. Герой должен принять решение, выбрать определенный жизненный путь. Происходит душевная борьба значительной личности по значительной причине. В том, какое решение примет человек, мы обнаруживаем его достоинство, силу его воли или разума, величие характера, душевную красоту.
В трагедии обычно изображаются наиболее глубокие противоречия между человеком и обществом. Трагический герой вступает в неразрешимый конфликт с миром, действительностью, с самим собой. Борьба, которую ведет герой, нередко приводит к его гибели. Но она не исчерпывает конфликта, а лишь обнажает его масштабность. Судьба героя вызывает у зрителей, по словам Аристотеля, «страх и сострадание», заставляет пройти через трагическое переживание, пробуждающее к жизни их интеллектуальные и нравственные силы. С такой природой трагедии связана особенность ее воздействия на зрителей, которую Аристотель определил термином «катарсис» («очищение»). Вокруг этого понятия и сегодня еще ведутся теоретические споры. Одни исследователи трактуют природу катарсиса как чисто нравственную, другие видят в нем реакцию психофизиологическую.
Примените все эти законы трагедии к борьбе членов легендарной «Молодой гвардии» – и сами сможете ответить на вопрос, какой путь они выбрали в условиях непримиримых противоречий с действительностью, нежелания смириться с фашистской оккупацией.
Древние считали, что трагедия на сцене обладает целительной силой и «очищает» зрителей от мелких страстей и пороков. Трагический спектакль действительно возбуждает высокие чувства, серьезные мысли, подъем душевных сил, доставляет художественное наслаждение. Трагедия углубляет и расширяет духовный мир зрителей, побуждает человека задуматься о главных вопросах жизни. Даже самые положительные качества человека нередко приводят в трагедии к роковым, губительным последствиям...
ТРАГИК
Трагик – сценическое амплуа актера, исполняющего трагические роли.
Полк избавляет вас от поминок
 
Народная артистка СССР Александра Ивановна Климова в роли Комиссара из «Оптимистической трагедии» Вс. Вишневского

В «Оптимистической трагедии» Всеволода Вишневского действует и сражается за революцию коллективный герой, как раз та «группа лиц», что говорилось выше – революционный матросский полк. Он не однороден, у каждого человека – свой характер, свои взгляды на жизнь. Но общее дело, борьба объединяют людей. Полк погибает в неравной борьбе, и потому пьеса трагична. Но в ней есть и оптимизм – вера в будущее и в лучшую жизнь, – ее не добудешь без жертв.
Как все это звучит в пьесе?
Она начинается появлением на сцене двоих Ведущих. Оба – в военно-морской форме. Они тоже бойцы полка, чьей судьбе посвящена «Оптимистическая трагедия».
Ведущий. Отложите свои вечерние дела. Матросский полк, прошедший свой путь до конца, обращается к вам, к потомству.
(Здесь у Вишневского ремарка: «Медленно, с тяжелым грохотом открываются колоссальные броневые закрытия. Раскаленный, без облака день. Полк идет по древней дороге. Сверкание усиливается, потому что полк в белом...»)
Ведущий. У каждого из них была семья... У многих из них были дети... И у каждого было некое смутное: грядущее поколение... И вот оно пришло, это поколение. Здравствуй, пришедшее поколение! Бойцы не требовали, чтобы вы были печальны после их гибели... Жизнь не умирает. И это прекрасно! «Будьте бодрей! – просили бойцы, погибая. – Гляди веселей, революция!» Полк обращается, сказал я, к потомству. Он избавляет вас от поминок. Он предлагает молча подумать, что же, в сущности, для нас борьба и смерть...
В центре событий пьесы – Комиссар. Однако Комиссар – женщина! И это – одна из самых необычных ролей советской драматургии. Трагическая драматургия вызвала к жизни и тип актеров, обладающих достаточным темпераментом для исполнения ролей в трагедиях. Хочу назвать хотя бы артистку Александру Ивановну Климову (1921—2005): в свое время она удостоилась диплома за лучшее исполнение в СССР роли Комиссара в пьесе Вишневского.
Я видел Климову во многих спектаклях – специально ездил в Белоруссию, в Минск, где она работала в Русском драматическом театре имени М. Горького.
Особенно запомнился мне полный трагизма спектакль «Возвращение в Хатынь». Артистка играет в нем Женщину, крестьянку, обездоленную, как и миллионы других людей, войной. Она жила в ХАТЫНИ...
Запомните это название. Хатынь – бывшая деревня недалеко от Минска. Она была сожжена фашистскими карателями в 1943 году вместе с жителями. Известно точное число погибших: 149 человек, среди них – 76 детей. В 1969 году на месте сожженной деревни воздвигнут и открыт мемориальный архитектурно-скульптурный комплекс. Через равные промежутки времени над хатынским полем раздается колокольный набат. Днем и ночью. Всегда.
Женщина Климовой и сейчас стоит передо мной – прямая, несломленная. Слышу ее тихий, ровный голос – рассказ про немца, который пришел в ее избу, как и в тысячи других изб на захваченной советской земле:
– Повечерял. Детям повидла дал. Во столько, но дал. А раненько я возле печи завозилась – он поднялся с кровати. Оделся. Умылся. «Гут морген» свой сказал. Помылся и зубы почистил. А потом... сначала меня убил, а потом пошел к деткам...
В немом ужасе слушает притихший зал ровные, сказанные без всякого выражения слова Женщины. И каждый сердцем чувствует трагедию Матери, трагедию мирного белорусского села. Трагедию страны, перенесшей варварское, бесчеловечное нашествие...
ТРАНСКРИПЦИЯ
Транскрипция (от лат. переписывание) означает переработку, переложение музыкальных произведений.
Транскрипции появились в XVI-XVII вв. как переложение нотных текстов для исполнения на других инструментах. В XIX в. транскрипции стали одним из наиболее популярных концертно-виртуозных жанров, имеющих самостоятельное художественное значение.
Широкую популярность получили фортепианные транскрипции Ф. Листа. Мастерство Ф. Листа как пианиста-виртуоза современники оценивали очень высоко.
«Когда играет Лист, – говорил немецкий писатель Г. Гейне, – не думаешь больше о преодолеваемых трудностях, рояль исчезает, и нам раскрывается музыка». Он сделал переложения для фортепиано девяти симфоний Л. Бетховена. Лист писал: «Если я выполню свою задачу – сделать их доступными – на уровне искусного гравера или умного переводчика, то моя цель будет достигнута». Огромной популярностью пользовались этюды Листа по каприсам Паганини. Именно Лист привлек внимание С. Рахманинова к Капрису №24 Н. Паганини.
Лист боготворил музыку австрийского композитора Франца Шуберта, видя в ней высшее выражение лирической поэзии в звуках. Среди фортепианных транскрипций Листа такие известные творения Шуберта, как «Лесной царь», «Серенада», «Аве, Мария» и др.
ТРЕЙЛЕР
Трейлер — небольшой видеоролик, состоящий из кратких и наиболее зрелищных фрагментов готового к выходу на экраны фильма, используемый для анонсирования этого фильма. При этом часто комбинируется видеоряд из несвязанных фрагментов по принципу калейдоскопа. Иногда сцены в таком калейдоскопе сменяются очень быстро, больше производя впечатление на зрителя, чем оставляя осмысленное представление о фильме в целом.
ТРОСТЕВАЯ КУКЛА
Старинная кукольная система. Ей больше трех тысяч лет. Первыми тростевыми куклами были, видимо, куклы с острова Ява. Позже они попали в Западную Европу – в Австрию и Германию. Трости, которыми управляются куклы, прикрепляются к их локтям.
Известные русские художники Нина Яковлевна Симонович-Ефимова и Иван Семенович Ефимов в 1917 году создали замечательный театр кукол – Театр художников. Они усовершенствовали многие системы кукол, в частности и куклы на тростях. Главный художник Театра С. Образцова Борис Тузлуков в свою очередь усовершенствовал тростевую куклу Ефимовых. Так получилась и стала одной из самых популярных в мире «русская тростевая кукла».
ТРОПА
Тропа – специальные подмостки, напоминающие небольшую тропинку, на которой стоит и по которой движется кукольник, работающий с марионеткой (см. «Марионетка»). Тропа, как правило, располагается за сценой так, чтобы зрители не могли увидеть ни самого кукольника, ни его рук, управляющих вагой (см. «Вага»).
ТРИКВЕЛ
Три;квелом является продолжение сиквела, то есть третье из серии последовательных произведений. Например, фильм «Тринадцать друзей Оушена» является продолжением фильмов «Одиннадцать друзей Оушена» и «Двенадцать друзей Оушена».
Триквел отличается последовательностью замысла от трилогии, которая изначально создаётся как трёхчастное произведение.
ТРУППА
Труппа (фр. – толпа, компания, ватага) – актерский состав театра. Коллектив актеров, задействованных в театральных постановках и работающих в стационарном, передвижном театрах под руководством главного режиссера.
Слово появилось в конце 18 века. Данное понятие выражалось словосочетанием – артель комедиантов.
Театр может считаться существующим не тогда, когда построено здание но, главным образом, когда в нем имеется труппа артистов.
ТРЮК
Трюк (фр. – прием, проделка) – ловкий, эффектный прием, ловкая проделка, ухищрение, искусный сложный маневр, рассчитанный на поражение эмоционального внимания зрителей.
ТРЭШ
Трэш (треш, англ. trash, буквально, “мусор”) — направление в современном кинематографе, характеризующееся низкобюджетностью, вторичностью и вульгарностью. Обязательными и желательными элементами трэша являются: использование большого количества штампов, затасканных идей, “модного” содержания и неоригинальных сюжетных линий.
ТУРЫ
Туры – вращение вокруг своей оси во время балетного прыжка. Туры делают с одним и двумя оборотами. Тур с двумя оборотами – элемент мужского танца.
ТЯПА
Одна из самых любимых кукол великого русского кукольника Сергея Образцова (1901 – 1992). В 1928 году он сделал из папье-маше головку этой куклы и сшил для неё белую рубашку-распашонку. Получилась перчаточная кукла-ребенок, черты лица которой напоминали лицо самого Образцова. Он выходил с этим ребенком на эстраду, не прячась за ширму, и баюкал его, пел ему колыбельные, играл с ним, давал ему соску-пустышку.
Этот трогательный номер и сама кукла, которую Образцов назвал Тяпой, имели оглушительный успех. С Тяпой Сергей Образцов не расставался всю жизнь. Он исполнял этот номер в сборных эстрадных концертах и в своем сольном концерте, с которым объездил весь мир. Так Тяпу узнали и полюбили во многих странах. А когда в 1946 году Образцов в своем театре создал спектакль «Необыкновенный концерт», он включил в этот кукольный концерт для взрослых номер «Юное дарование». В нем куклу, очень похожую на Тяпу, вывозили в детской коляске на сцену, а потом усаживали за фортепиано. Сначала она просто стучала по клавишам, а потом исполняла патетический концерт.
 Сергей Образцов очень любил своего Тяпу и называл его «самым старым ребенком в мире». С Тяпой связана одна загадка: ей уже 70 лет. Тем не менее кукла до сих пор не нуждается не только в реставрации, но даже и в элементарной чистке. Лицо у Тяпы такое же свежее и румяное, как и много десятилетий назад. Почему? Не знает никто.
У
УЛИЧНЫЕ ТАНЦЫ
Уличные танцы (англ. street dance –танцы на улице) – широкий спектр танцевальных стилей, которые исполняются вне специализированных танцевальных залов: на улицах, в школах, в ночных клубах. Это свобода самовыражения. Уличные танцоры быстрее других разрабатывают хореографию для новых стилей музыки, поэтому множество современных танцев появляются именно на улицах больших городов. Этот стиль преподают школы танцев.
УРОК КЛАССИЧЕСКОГО ТАНЦА
Урок классического танца – совокупность упражнений, развивающих способности танцовщиков. Артисты балета никогда не перестают учиться. Каждый день они приходят в балетный класс на урок. Он длится не меньше часа. Урок делится на две половины: меньшая – экзерсис (упражнение) у станка и большая – экзерсис на середине зала. Во время урока совершенствуются и отрабатываются все движения, которые нужны в танце артисту балета.
В классической школе урок состоит из нескольких частей:
– экзерсис y станка;
– экзерсис на середине зала;
– адажио;
– аллегро;
– упражнения на пальцах (в женском танце).
Ф
ФАБУЛА
Фабула (лат. fabula — басня, рассказ, повествование, история) – последовательность показа событий, фактов, поступков героев в художественном произведении. Это цепь событий, которые формируют конфликт произведения, как некий сквозной стержень, на котором держится событийный ряд. Сюжетная схема.
Состав событий, о которых рассказывается в фильме.
Если кратко изложить то, что с персонажами случилось, а также кратко охарактеризовать основных героев, это и будет фабула — как бы выборка из сюжета, в котором уже даются мотивировки событий, тщательнее и подробнее описывается их ход. Отличие фабулы от сюжета состоит в том, что она конспективна, схематична; сюжет более активно передает авторское отношение к изображаемому, своеобразие и индивидуальные черты героев и драматических конфликтов. Сюжет можно назвать «осмысленной фабулой». Современное киноведение считает сюжет и фабулу закономерно связанными.
ФАЛЬШЬ
Фальшь (нем. – не настоящий) – отсутствие естественности, соответствия художественной правде, неискренность, лицемерие в игре актеров, пении, игре музыкальных инструментов.
ФАНТАЗИЯ
Фантазия (гр. – воображение) – способность к творческому воображению. Мечта, выдумка, нечто неправдоподобное. Один из элементов актерского мастерства системы К.С. Станиславского “воображение и фантазия”.
ФАНТАСМАГОРИЯ
Фантасмагория (гр. – призрак и говорю) – призрачное, фантастическое представление, получаемое от картин нереального свойства, причудливое, удивительное превращение.
ФАНТАСТИКА
Фантастика (от греч. phantastike – искусство воображать) – форма отображения мира, при которой на основе реальных представлений создается логически несовместимая с ними («сверхъестественная», «чудесная») картина Вселенной. Фанта;стика — разновидность мимесиса, в узком смысле — жанр художественной литературы, кино и изобразительного искусства; её эстетической доминантой является категория фантастического, состоящая в нарушении рамок, границ, правил репрезентации («условностей»).
Распространена в фольклоре, искусстве, социальной утопии. В художественной литературе, театре, кино, изобразительном искусстве фантастическая образность откровенно условна, явно нарушает реальные связи и закономерности, естественные пропорции и формы изображаемых объектов; однако фантазия не просто прихотливая «игра воображения»: в гротескных или идеальных образах, символах, невероятных сюжетных конструкциях она может выражать миросозерцание автора, характерное для целой эпохи («Гаргантюа и Пантагрюэль» Ф. Рабле, «Властелин колец» Дж. Р. Толкьена). В 19-20 вв. развивается научная фантастика.
ФАРС
Фарс (лат. – начинаю) – легкая комедия бытового характера, комедия или водевиль грубоватого содержания. Шутовская выходка, грубая шутка. Это небольшие по размерам пьески острокомедийного характера. Преобладание внешних комических приемов. По стилю фарс близок в итальянской комедии дель-арте. Нечто грубое и лицемерное.
Фарс — комедия-водевиль XIX—XX вв. легкого содержания с чисто внешними комическими приемами.
Живая карикатура
Родился фарс в мрачную эпоху средневековья, когда постановки на сцене носили особенно серьезный, даже религиозный характер. Фарс выразил веселость народа, его точный и смелый юмор. В этих пьесках всегда звучали соленые, грубоватые шутки, бесцеремонная насмешка над человеческими слабостями, недостатками, пороками, иногда – и над физическими недостатками.
Вот сюжет одного из первых средневековых фарсов.
Муж и жена долгое время живут в раздоре и ссорятся из-за того, что не могут прийти к согласию: кому какую работу делать по дому. Наконец они решают составить договор. В нем точно обозначается, у кого какие обязанности: муж чинит дом, добывает и колет дрова, разжигает печь. Жена стирает, стряпает, гладит, смотрит за скотиной. На том и порешили.
Однажды муж услышал со двора истошные крики. Выбежав во двор, он увидел, что жена свалилась в глубокий чан с горячей водой, согретой для стирки.
– Подай руку скорее! – кричала жена.
А муж, внимательно просмотрев условия договора, ответил:
Нет уж, не могу. Среди моих обязанностей не указано, что я должен тащить тебя из кипятка!
Я пересказал этот сюжет своими словами. На площадных подмостках средневековых городов он выглядел, конечно, гораздо смешнее и вызывал бурное веселье собравшихся вокруг сцены зрителей.
В тогдашних фарсах осмеивались жадные монахи, грубые солдаты, походившие на разбойников с большой дороги, доктора-шарлатаны. Доставалось и богачам, а иногда даже и папе римскому.
Герои фарсовых сценок всегда бывали окарикатурены. Пороки так сильно преувеличивались, что выглядели чудовищными. Одним из обычных сценических игровых приемов оказывалась потасовка: фарс ведь не отличался деликатностью.
Артисты, игравшие фарсовые спектакли, выносили и побои, и пинки, и многие другие неприятности. В архиве города Вены сохранился даже удивительный перечень денежных надбавок актерам за фарсовые неприятности. Удар плетью, оплеуха и пинок ногой дополнительно оплачивались по 34 крейцера. За окачивание холодной или горячей водой полагалось вдвое больше. Выше всего была такса за падение со «скалы» или из окна – 1 гульден 10 крейцеров.
Фарсы питали и более серьезную драматургию. Многие фарсовые сюжеты и приемы использовал великий французский драматург и актер Мольер – к примеру, в комедии «Мнимый больной».
Иногда фарс на сцене сравнивался с карикатурой в живописи. Это верное сравнение.
В наши дни фарс – редкий гость театрального репертуара. Но наверное, и сегодня этому виду комедии нашлось бы, над чем и над кем посмеяться, кого высмеять, кому без всяких церемоний дать тумака...
ФАТ
Фат (лат. – глупый) – самодовольный, пошлый франт, щеголь. Амплуа актера, играющего роли эффектных, самовлюбленных и ограниченных (преимущественно молодых) людей.
ФЕЕРИЯ
Феерия (фр. – волшебница) – театральное или цирковое представление, большей частью с фантастическим сюжетом, эффектной постановкой, роскошными декорациями и костюмами, множеством сценических эффектов. Волшебное, сказочное зрелище.
ФЕСТИВАЛЬ
Фестиваль (лат. – празднество) – общественный праздник, смотр, показ лучших произведений искусства (музыкального, театрального, а также кино).
ФИАСКО
Фиаско (ит. – провал) – неуспех, полная неудача.
ФИЛАРМОНИЯ
Филармония (гр. – люблю + гармония) – концертная организация, ставящая своей целью пропаганду музыкальных и театральных искусств, разных видов эстрадных искусств и исполнительского мастерства. Ф. – это музыкальное учреждение по организации, развитию и пропаганде концертов классической музыки.
Т.е. это юридическое лицо, которое занимается в основном организацией эстрадной деятельности.
ФИЛЬМ
Фильм (англ. film — плёнка), а также — кино, кинофильм, телефильм, кинокартина — отдельное произведение киноискусства. В технологическом плане фильм представляет собой совокупность движущихся изображений (монтажных кадров). В то же время фильмы отличаются друг от друга формой, выразительными средствами, композицией.
ФИНАЛ
Финал (лат. – конец) – завершение. Заключительная часть спектакля, концерта, представления, праздника и т.д. Как правило, содержит основную мысль постановки. В финале завершается развязка конфликта.
ФЛЭШБЕК
Флэшбек (Флешбэк) (англ. flash — вспышка, озарение; back — назад, обратно) — короткий сюжет или серия кадров, прерывающих повествование, чтобы вернуться к прошлому (в мыслях героев и т. п.).
Флешбэк – обратный кадр — в искусстве — художественный приём, временное прекращение повествования сюжетной линии с целью демонстрации зрителю событий прошлого.
В фильмах флэшбэки часто бывают черно-белыми или монохромными.
ФОЛЬКЛОР
Фольклор – произведения устного народного творчества (былины, сказки, частушки, пословицы, песни и т. д.).
ФОНОГРАММА
Фонограмма (гр.) – запись звука (музыки, голоса, шума и т.д.), сделанная на магнитофонной пленке, диске для работы над спектаклем, представлением, выступлением на эстраде. Фонограмма бывает – плюс или минус (с голосом или без него).
ФОНОТЕКА
Фонотека (гр. – хранилище) – собрание, архив фонограмм, звукозаписей.
ФОРС
Форс – необходимое подготовительное движение руками для выполнения пируэтов. Термин, указывающий на то, что движение исполняется на полу.
ФРАНШИЗА
Франшиза (франц. franchise – льгота, вольность) – 1) предусмотренная условиями страхования часть убытков лица, страхующего имущество, не подлежащая возмещению со стороны страховщика; – 2) право на франчайзинг, то есть на создание коммерческого предприятия, торгующего продукцией своего старшего партнера; – 3) предприятие, созданное на основе франчайзинга, – 4) покупка готового бизнеса. – 5) право на ведение бизнеса под другим брендом и с использованием бизнес-модели другой компании. Передача за плату права на использование бренда, а также передача отлаженных бизнес-процессов. 6) объект договора франчайзинга, комплекс благ, состоящий из прав пользования брендом и бизнес-моделью франчайзера, а также иных благ, необходимых для создания и ведения бизнеса. В качестве франшизы могут выступать: методы ведения бизнеса, товарный знак, технология со взаимными обязательствами и льготами между передающей (франчайзер) и получающей (франчайзи) сторонами, предоставляемые за плату и оформленные в соответствии с законом об охране интеллектуальной собственности.
ФРАНШИЗА В КИНО
Франшиза в кино — это часть медиафраншизы, которая объединяет не только фильмы, но и другие развлекательные продукты, такие как игры, сериалы, книги и комиксы.
Франшиза в кино — это серия фильмов, которые связаны друг с другом одной и той же темой. Обычно в них задействованы одни и те же персонажи или одинаковый сеттинг.
Франшиза в кино — это договор интеллектуальной собственности, состоящей из определенного антуража, каста вымышленных героев и других деталей уникальной проработанной «вселенной». Обычно речь идет о серии фильмов или отдельных сиквелах и приквелах, которые являются либо прямым продолжением историй, рассказанных в оригинальных кинолентах, либо сюжетным ответвлением.
Франшиза в кино — это своеобразное «ответвление» от основного сюжета, остающееся в рамках общей концепции.
Серия фильмов или сериал фильмов (также называемый франшизой фильмов или франшизой кино) – это набор последовательно связанных фильмов, которые разделяют одну и ту же вымышленную вселенную...
Права на франшизу могут лицензионно передаваться другим компаниям для дальнейшего использования и создания новых медиапродуктов в рамках этой франшизы, как и в случае с продажей популярных франшиз в бизнесе.
Приобретение прав на франшизу в кино — это гарантия того, что покупателю достается идея, название продукта и многое другое из того, что было перечислено ранее. Заниматься подобными проектами очень выгодно, так как у режиссера уже есть готовая разработанная идейная линия с неплохой репутацией, на основе которой можно отснять заранее успешную картину.
Как правило, сиквелами называют второй и все последующие фильмы во франшизе. Они являются прямым продолжением первой части и развивают сюжетную линию, начатую ранее.
Иногда третьи и четвертые фильмы получают собственные названия — триквелы (более частое употребление) и квадриквелы (употребляется реже). И наоборот, картины, в которых раскрываются события, предшествующие первой части, называются приквелами.
ФРИЛАНСЕР
Фрилансер (англ. free – свободный lanc – копье, пика; freelancer – независимый человек; человек, работающий не по найму, внештатный сотрудник) — 1) свободный работник. Индивидуальный частный предприниматель без образования юридического лица, который выполняет работу сам. ИЧП без найма рабочей силы. Человек, который не является штатным сотрудником, занимается частным предпринимательством без найма помощников. Человек, работающий на себя и не привязанный к месту. Работающий вне штата компаний; человек, занимающийся частной практикой. — 2) Актер без постоянного ангажемента. — 3) Свободный художник.
ФРОНТАЛЬНЫЙ
Фронтальный (фр. – лобовой) – обращенный лицом к зрителю. Понятие “фронтальная мизансцена”.
ФУНКЦИИ РЕЖИССЕРА
Функции режиссера (В. И. Немирович-Данченко) – режиссер должен умереть в актерском творчестве.
“1. Режиссер – толкователь; он же показывающий, как играть; так что его можно назвать режиссером-актером или режиссером-педагогом.
2. Режиссер – зеркало, отражающее индивидуальные качества актера.
3. Режиссер – организатор всего спектакля”.
Таким образом: Режиссер – педагог. Режиссер – творец. Режиссер – организатор.
ФУРА
Фура (от нем. Fuhre – длинная телега для клади – тяжелого груза), площадка на роликах, тележка на которую устанавливают детали декораций. Служит для быстрой смены картин.
ФУРОР
Фурор (лат. – неистовство) – шумный, блестящий успех. Сильное, вызывающее восторг, впечатление.
ФУЭТЕ
Фуэте (фр. fouette – стегать, сечь, взбить) – вид танцевального поворота, быстрого, резкого. Открытая нога во время поворота быстро сгибается к опорной ноге, резким движением снова открывается. Вращение балерины вокруг своей оси на пальцах одной ноги. Другую после каждого поворота она открывает в сторону. Фуэте обычно исполняется в очень быстром темпе 16 или 32 раза подряд.
ФЭНТЕЗИ
Фэ;нтези (фэнтэзи, фэтази) (от англ. fantasy — «фантазия») — жанр фантастической литературы, основанный на использовании мифологических и сказочных мотивов, там присутствуют в той или иной форме мифические, сказочные существа: эльфы, гномы, драконы, маги, волшебники, ангелы и т.д.. Поджанры: детское фэнтэзи, любовное фэнтэзи, эпическое и т.д.. То есть там присутствует чудеса, волшебство.
Х
ХАРАКТЕР
Характер (гр. – отличительная черта, признак) – своеобразная особенность человека, вещи, явления. Индивидуальный склад личности человека, проявляющийся в особенностях поведения и отношения (установок) к окружающей действительности.
ХАРАКТЕРНОСТЬ
Характерность – роль персонажа с ярко выраженными характерными внешними и психологическими чертами. Индивидуальные черты персонажа.
ХАРАКТЕРНЫЙ АКТЕР
Характерный актер (гр. – черта, особенность) – актер с резко выраженным амплуа, исполняющий роли, отмеченные социальным, историческим или бытовым своеобразием.
ХАРАКТЕРНЫЙ ТАНЕЦ
Характерный танец (франц. danse de caractere – танец в характере, образе; danse caracteristique – характерный танец) – вид сценического танца. Является неотъемлемой частью всей школы классического танца. В современном балете – это народный танец, приспособленный для балетного спектакля. Характерный танец – воспроизводит движения народных танцев. Является способом раскрытия образа или создания целого балета. К характерным танцам относятся народные и национальные танцы, переработанные для исполнения в балетном спектакле.
ХИТ
Хит (англ. hit — удар, сильный толчок) — пользующаяся наибольшей популярностью песня. Так же называют и другие произведения искусства (например, мультфильмы, клипы, компьютерные игры), пользующиеся большой популярностью, и товары (хиты продаж). Хит — фильм, спектакль или номер (например, цирковой), пользующийся большим успехом у публики, «проходящий на ура», рекордсмен кассовых сборов.
ХЕППЕНИНГ
Хе;ппенинг (или хэппенинг, англ. happening) — форма современного искусства, представляющая собой действия, события или ситуации, происходящие при участии художника, но не контролируемые им полностью. Х. — это театрализованное представление с участием художников. Х. - это перформанс, событие или ситуационное искусство, обычно как перформансное искусство.
Х. обычно включает в себя импровизацию и не имеет, в отличие от перформанса, чёткого сценария.
Х. - процесс, не имеющий отрепетированного сценария и в большей степени он напоминает импровизацию, в которой принимает участие как художники, так и зрители. Исход таких действий предугадать практически невозможно, так как условная линия между творцом и наблюдателем полностью стирается.
Главная задача хэппенинга — сломать стереотип между зрителем и сценой.
ХЛОПУШКА (НУМЕРАТОР)
 
Хлопушка или нумератор — инструмент, применяемый при съёмке кино– и телефильмов для последующей за съёмками синхронизации изображения и звука, записанных на не зависимых друг от друга киносъёмочном и звукозаписывающем устройствах.
Кроме того, хлопушка используется для систематизации отснятого материала и записанных фонограмм, обозначая номера отснятых сцен и дублей. В отечественном кинематографе советского периода работу с хлопушкой и учёт отснятых сцен вёл помощник режиссёра. Современная технология кинопроизводства предусматривает для этой цели второго ассистента оператора.
ХОР
Хор (др.-греч. ;;;;; «толпа») – 1) музыкальное произведение для исполнения коллективом певцов. – 2) и название самого певческого коллектива. Т.е. пе;вческий коллектив — музыкальный ансамбль, состоящий из певцов (хористов, артистов хора). При этом певцы могут петь одноголосьем песню-монолог, двухголосьем – песню-дуэт и многоголосьем. Звучание хора подобно многоголосому музыкальному инструменту. Хор отличается от вокального ансамбля (вокального трио, квартета, квинтета и т. д.) наличием как минимум двух или более человек исполняющих одну и ту же партию. В русской культуре хоры всегда были очень почитаемы и до сих пор занимают центральное место. – 3) Хоры есть в церкви; это место для духовного пения церковного хора. – 4) совместное звучание человеческих голосов.
ХОРЕОГРФ
Специалист по хореографии; постановщик танцев, балетного спектакля.
ХОРЕОГРАФИЯ (ХОРЕОГРАФИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО)
Хореогра;фия, хореографи;ческое иску;сство (от греч. choreia – пляска от др.-греч. ;;;;;; — танец и ;;;;;, grapho – пишу) — искусство сочинения и сценической постановки танца. Первоначальное значение — искусство записи танца балетмейстером. Но в современном понимании искусства профессионального или любительского.
ХОРИСТ (ХОРИСТКА)
Хорист (хористка) – участник хора, один из исполнителей какой-либо хоровой партии. В опере, оперетте хорист совмещает функции певца и драматического актёра. В музыкально-драматических сценах с участием хора некоторым хористам иногда поручаются сольные реплики.
ХОРМЕЙСТЕР
Хормейстер (от слова «хор» и нем. Meister — мастер) — хоровой дирижер, руководитель хора.
ХОРРОР
Хоррор (в просторечии — ужастик, ужас; англ. horror film, horror movie) — жанр художественного фильма. К фильмам ужасов относят картины, которые призваны напугать зрителя, вселить чувство тревоги и страха, создать напряженную атмосферу ужаса или мучительного ожидания чего-либо ужасного — т. н. эффект “саспенс”.
ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ СПОСОБНОСТИ
Художественные способности – особая одаренность, выражающаяся в потребности и возможности художественного творчества.
ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ЧТЕНИЕ
Худо;жественное чте;ние — публичное исполнение литературных произведений (стихов, прозы, а также публицистики).
Художественное чтение — вид/жанр эстрадного искусства.
Выразительное устное слово составляло основу искусства народных сказителей русских сказочников, скоморохов, армянских ашугов, казах, акынов, бродячих японских рассказчиков. Античная Греция славилась устным творчеством поэтов-импровизаторов. Искусство декламации культивировалось в Древнем Риме. Во Франции искусство выразительного чтения входило в число предметов школьного образования.
ХУДОЖНИК
Художник – это творческий человек, который умеет переносить свои мысли, переживания и впечатления на полотно с помощью красок, карандашей и т.д. Это мастер изобразительного и других видов искусства.
Профессия художника – это творческий труд, требующий хорошей фантазии, вдохновения и владения техниками рисования.
Направлений художественной деятельности очень много, поэтому в профессии выделяют целый ряд более узких специализаций.
ХУДОЖНИК КИНОТЕАТРАЛЬНЫЙ
Художник кинотеатральный – художник, создающий средствами изобразительного искусства (живописи, архитектуры, скульптуры и т. д.), в соответствии с замыслом и постановочным планом режиссёра-постановщика, зрительный образ спектакля, фильма. Замысел художника, зафиксированный в эскизах, макетах, чертежах и др., воплощается работниками театральных мастерских и цехов театра, киностудии.
Художники в кино и театре – важный член творческого коллектива. Это дизайнеры – люди, умеющие преобразовывать пространства. На съемочной и театральной площадке зримо и незримо присутствует множество художников. Одни занимаются производством костюмов и грима, другие делают декорации.
В современном кино присутствуют и художники по спецэффектам.
Современный художник должен свободно владеть компьютерной техникой.
ХУДОЖНИК ПО КОСТЮМАМ
Главная часть работы с реквизитом возлагается на художника по костюмам. Он создает эскизы в соответствии с общим постановочным решением.
Немаловажен для определения костюма жанр или стиль фильма.
Существуют актерские образы, неотделимые от точно подобранного костюма. Немаловажен для определения костюма жанр или стиль фильма.  Главная часть работы возлагается на художника по костюмам. Он создает эскизы в соответствии с общим постановочным решением.
ХУДОЖНИК-ПОСТАНОВЩИК
Художник-постановщик — один из основных авторов и создателей кинематографической постановки. Разрабатывает и осуществляет изобразительное, пластическое решение фильма. Свои предложения по организации игрового пространства он осуществляет в эскизах (изобразительная экспликация, декорации, раскадровка), где со всей полнотой выразительных средств предлагается решение материальной среды, цветовая парнитура всего фильма.
ХУДОЖНИК ПО СВЕТУ
Художник по свету (светорежиссер, световик) — тот, кто продумывает всю концепцию и пишет световую партитуру. Художники по сценическому свету могут работать в театрах, на киностудиях и телевидении, концертных залах, площадках, стадионах, в цирке.
В театре декорации и освещение играют особую роль. Сценический свет придаёт спектаклю особую выразительность, создаёт необходимый эмоциональный настрой и даже, как утверждал Дэвид Линч «Свет может ощутимо изменить восприятие спектакля, а иногда и характеры героев». Световые эффекты могут до неузнаваемости изменить и декорации: «Темные тучи превращаются в небесные цветы, если их поцелует свет», - говорил Рабиндранат Тагор.
 «Гаснет рампа – театра больше нет», – эффектно подытожил когда-то Михаил Булгаков знаменитую сентенцию «Театр начинается с вешалки». Действительно, невозможно представить себе театральную постановку даже с самыми великолепными декорациями, роскошными костюмами и гениальными актерами, но без обычных софитов и прожекторов.
Световые партитуры уточняются во время свето-монтировочных репетиций, в процессе которых отрабатываются позиции и режимы освещения, а также действия работников осветительного цеха. Световая партитура должна выполняться строго и без изменений.
«Самый лучший свет – темнота!» «Лучший свет тот, которого не замечаешь», – утверждает Дамир Исмагилов, имя которого в Москве гремит. Этот художник по свету работал с Большим, МХТ имени Чехова, театром Пушкина, РАМТом и многими другими. Он осуществил более 200 постановок и недавно выпустил книгу, в которой раскрыл некоторые секреты своего мастерства. «Свет пишется заранее, а потом в этот свет уже входят артисты», – говорит мастер. Он считает, что артист должен четко выполнять поставленные мизансцены, а не искать свет лицом и не подстраиваться под него. «Когда артист появляется на сцене, я понимаю, где мне надо видеть его глаза, а где нет».
Возможные разногласия с режиссером-постановщиком, который может придерживаться точки зрения К. С. Станиславского и недооценивать роль светового оформления спектакля: «Никогда не забывайте, что театр живет не блеском огней, роскошью декораций и костюмов, эффектными мизансценами, а идеями драматурга. Изъян в идее пьесы нельзя ничем закрыть. Никакая театральная мишура не поможет».
Современное свето-сценическое оборудование предоставляет неограниченные возможности для этого. А в некоторых постановках свет является главной составляющей в декорациях. Художник-технолог по сценическому свету является полноправным участником творческой постановочной группы в театре.
Художник-технолог по сценическому свету призван подчеркнуть общую идею спектакля через свето-цветовое решение, поэтому он работает в тесном сотрудничестве с режиссером-постановщиком и разрабатывает стилистику светового оформления спектакля.
Правильное освещение, как звук и декорации, очень важны для любой театральной постановки. Без этого не получится создать нужный эмоциональный настрой и достоверно передать замысел режиссера. Над освещением в театре работают специальные люди — художники по свету.
Задача такого специалиста разработать не просто выставить освещение правильно, а разработать технологию светопередачи, спроектировать световое шоу, которое будет сопровождать концерт или спектакль. И поскольку это проект, он требует разработки соответствующей документации и полного технического сопровождения.
Во время концертов художник по свету руководит бригадой техников-осветителей, располагаясь за пультом. Он по сути является одним из постановщиков и руководит ходом спектакля чуть ли не наравне с режиссером и звукооператором.
Впрочем, нередко художник по свету работает один или с помощником, что не редкость в небольших театрах, где не требуются сложные партитуры. Талант художника по свету требуется также и на музыкальных концертах, где он может создавать целые световые и лазерные шоу.
Работа световика начинается с разработки световой концепции и освещения сцен, продумывания световых переходов между ними. Спроектировать всё нужно таким образом, чтобы освещение органично вписывалось в концепцию повествования и наряду с музыкой давало спектаклю нужный эмоциональный фон.
Далее художник по свету обсуждает свои задумки с режиссером-постановщиком и пишет световую партитуру для техника-осветителя и его помощников (если речь о бригаде специалистов). Вместе они прогоняют световую партию сначала без актеров, а затем на репетициях и исправляют замечания режиссера.
Само название профессии подсказывает, что во главе угла стоит творчество и креативность. Художник по свету должен в первую очередь хорошо чувствовать тональность и замысел произведения и иметь немало художественного таланта, чтобы воплотить этот замысел в жизнь. Немаловажно иметь хороший слух, поскольку смена света происходит на фоне изменений музыки.
В нашей стране создана Российская ассоциация художников по свету. В нее вошли известные столичные и питерские художники – Дамир Исмагилов, Анатолий Кузнецов, Евгений Ганзбург, Владимир Лукасевич, Глеб Фильштинский… Эти мастера света надеются изменить отношение к своей профессии. «… То, что сегодня обсуждается, кто будет в спектакле художником по свету, в этом и моя заслуга», – говорит Фильштинский.
ХЭППЕНИНГ
Хэппенинг (англ. happening, от happen случаться, происходить) - это направление в постмодернизме, перешедшее от создания эстетических объектов к произведениям-процессам, то есть к «художественным событиям», осуществляемым либо самим художником, либо помощниками и зрителями, действующими по его плану; так называют и само это произведение-событие или «акцию» (англ. action). Его предвестиями были нарочито загадочные, «заумные», порой скандальные акции художников и поэтов футуризма, дадаизма, группы ОБЭРИУ, которыми часто сопровождались их публичные выступления. Хэппенинги, по духу своему тесно связанные с театром абсурда, могут быть своеобразными микроспектаклями с элементами сюжетности и сложным реквизитом либо более отвлеченными ритмическими, динамичными или стабильными композициями. В них неизменно акцентируется свободное «пространство игры», которое должен прочувствовать зритель-соучастник.
Идея хэппенинга связана с принципом зрительского участия, часто подразумевает постановочные демонстрации в целях социально-политической пропаганды или с целью шокировать общественную мораль.
ХЭППИ ЭНД
Хэппи энд (англ. happy end — счастливый конец) — термин, появившийся в 20-е годы XX века для обозначения благополучных развязок в американских фильмах, как вытекающих из логики развития сюжета, так и навязанных, искусственных.
Ц
ЦЕЙТРАФЕР
Цейтрафер – устройство, методично включающее и выключающее кинокамеру при съемке зацветающих кактусов и проч. В результате можно увидеть, например, ускоренную «анимацию» процесса цветения.
ЦЕНЗУРА
Цензура (лат. – надзор) – просмотр спектакля, концерта (предварительный и последующий) государственным учреждением. Цензура ведет надзор за литературными произведениями, предназначенными к печати, а также за постановкой пьес в театрах и других учреждениях культуры и искусства.
ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ТЕАТР КУКОЛ
Это театр, имя которого с детства знакомо каждому, а слава гремит уже многие десятилетия по всем странам. Государственный академический центральный театр кукол имени С. В. Образцова, ГАЦТК.
За долгие годы жизни театр превратился в крупнейший в мире центр кукольного искусства, где работают около 300 человек, в единственную в мире «Кукольную академию».
Театр был создан в Москве при Центральном Доме художественного воспитания детей 16 сентября 1931 года и с первого дня возглавлялся выдающимся деятелем русского искусства Сергеем Владимировичем Образцовым. В течение первых пяти лет театр не имел собственного помещения и выступал перед детьми в школах и клубах Москвы. В 1937 году появилась своя сцена на улице Горького. В 1970 году Центральный театр кукол переехал в специально выстроенное для него здание на Садовом кольце с уникальным внутренним парком-двором и единственными в России механическими кукольными часами – украшением Москвы. В театре есть Большой и Малый зрительные залы (500 и 200 мест), специально оснащенные сцены, два фойе с аквариумами редких тропических рыб и с певчими птицами, редчайшая экспозиция Музея театральных кукол (см. «Музей театральных кукол»).
Творческий путь ГАЦТК им. С. В. Образцова отмечен спектаклями, вошедшими в золотой фонд отечественного и мирового театрального искусства. Среди них «По щучьему велению» (1936), «Кот в сапогах» (1937), «Волшебная лампа Аладина» (1940), «Король-Олень» (1943), «Веселые медвежата» (1945), «Необыкновенный концерт» (1946), «Чертова мельница» (1953), «Божественная комедия» (1961), «И-ГО-ГО» (1964), «Дон Жуан» (1975) и т. д. Многие из этих спектаклей, получивших зрительскую любовь и признание специалистов, до настоящего времени не сходят с афиши театра.
 В годы Великой Отечественной войны 16 концертных бригад театра 328 раз выступали перед солдатами и офицерами на фронте. Одновременно актеры театра играли спектакли для детей и взрослых в городах Поволжья, Алтая, Сибири, Казахстана. Всего за годы войны ГАЦТК объездил с гастролями 52 города. В Новосибирске он стал крупнейшей в России базой по организации фронтовых агитбригад. Тогда же театр участвовал в создании профессиональных театров кукол Польши, Чехии, Словакии, Югославии, Литвы, Латвии и Эстонии.
 С 1948 г. Театр Образцова показывает свои спектакли за рубежом. Он побывал в 54 станах мира.
Центральный театр кукол является российским и мировым центром подготовки профессиональных актеров, режиссеров, художников-кукольников. 14 сентября 1981 года ему было присвоено звание «академический» Театр действительно является единственной в мире Академией искусства играющих кукол. «Выпускники» этой академии живут и работают не только в России, но и в Германии, Польше, Чехии, Словакии, Южной Корее, на Кубе, в Италии, Испании, США, Швейцарии и др.
ЦИЛИНДРИЧЕСКИЕ КУКЛЫ
Разновидность верховой куклы (см. «Верховая кукла»). Они называются так потому, что имеют форму цилиндра. Как правило, у них картонные головы, обычно довольно большие, тоже цилиндрической формы. Лицо нарисовано. Для больших фигур обычно требуются два кукловода. Один управляет головой куклы, двигает глазами, сделанными из шариков для настольного тенниса, второй отвечает за движения рук и ног. Вариантов цилиндрических кукол много. Все зависит от фантазии кукольника.
Ч
ЧИСТАЯ ПЕРЕМЕНА
Чистая перемена – смена или перестановка декораций, производимая в максимально короткий срок без закрытия занавеса (на глазах у публики). Обычно чистая перемена производятся в полной темноте при выключенном свете.
ЧТЕЦ (АРТИСТ)
Чтец – артист, исполняющий на концертной эстраде литературные произведения. Чтец участвует в сборном концерте или исполняет программу сольного вечера. Многие чтецы используют в своём выступлении музыку, свет, бутафорию, различные аксессуары, создавая таким образом «театр одного актёра», «театр чтеца».
В народном искусстве мастерство чтеца зародилось в творчестве сказителей, сказочников, акынов и др. Богатство и разнообразие творческих манер чтеца связаны с многовековой историей искусства устного живого слова.
Музыка слов
Это случилось 6 ноября 1942 года, в разгар войны.
Фронтовую бригаду артистов разместили на ночлег в блиндаже командования. Трудный день с несколькими концертами перед бойцами остался позади. Теперь артисты отдыхали, собирались послушать по радио торжественное собрание из Москвы, из зала Большого театра, посвященное 25-й годовщине Октября, а потом и самим по-фронтовому отметить праздник.
Актеры, разморенные теплом, уже боролись с дремотой, когда зазвонил полевой телефон. Чей-то далекий, заглушённый воем метели голос попросил дать еще один концерт – для связистов: «Мы находимся на боевом посту, но очень хочется послушать артистов!..»
Актерам объяснили: связисты сидят далеко в горах, в километре один от другого, в единой цепочке телефонной связи, охраняют линию и обеспечивают ее исправность. А концерт надо давать... по телефону.
И тогда начался этот необыкновенный концерт, когда микрофоном служил раструб полевого телефона, а рампой – многокилометровый тоненький провод, затерянный где-то в горах и в пурге. Рампа снова, по выражению Александра Блока, становилась линией огня. Но тем острее ощущали актеры ответственность. Они поздравили связистов с праздником и начали концерт.
По линии можно было вести одновременно несколько разговоров. Поэтому в стихи поэтов, в мелодии песен врывались временами короткие, резкие слова приказов. Это был военный концерт. И шел он по-военному, по-фронтовому.
 
Сурен Акимович Кочарян
В составе артистов этой фронтовой бригады находился и выдающийся чтец, мастер художественного слова Сурен Кочарян. В начале войны он проделал огромную работу и сделал литературную композицию... по всем трагедиям Шекспира! Артист скомпоновал строки, которые звучали злободневно в дни войны. Теперь, в необычном телефонном концерте, будто сам Шекспир становился нашим современником и заклинал не давать пощады ненавистному врагу:

О, не питай, земля моя, злодеев,
Ты хищников прожорливых отвергни
И не давай им сладостей своих!
Насильников, осмелившихся дерзко
Тебя, родная почва, попирать,
Встречай везде ты жгучею крапивой.
Когда ж они нагнутся, чтоб сорвать
С груди твоей цветок, то умоляю.
Спрячь под цветком ты лютую змею,
И пусть она врагов нам ненавистных
Уничтожает смертоносным ядом!..
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .. . . . .
Да, земляки, деремся молодцами,
Но не окончен бой,
И держатся еще враги на поле...

 «Трубка дрожала в руках вместе с дрожью сердца, – вспоминал позднее Сурен Акимович, – и, наверное, шевелились волосы на голове, когда артисты пением или словом заклинали бойцов отстоять Родину, отомстить врагу».
Связисты в горах слушали необычный концерт, закутавшись в тулупы, надвинув на лоб шапки-ушанки, и молчали. Но их молчание было красноречивее слов.
Народный артист РСФСР и Армянской ССР С. А. Кочарян (1904 – 1979) рассказывал мне о разговоре, который состоялся у него с соседом но больничной палате. Сосед, физик по профессии, не мог взять в толк, зачем вообще существуют чтецы.
– Мне, например, извините, конечно, Сурен Акимович, чтец не требуется, – говорил он. – Веру любую книгу, ложусь па диван, читаю любимого писателя и получаю удовольствие, духовную пищу, запас умственной энергии. Зачем мне куда-то ехать, покупать билеты, толкаться в транспорте и гардеробе и слушать, как ту же книгу артист прочтет мне вслух? Я же не маленький!..
Кочарян не возражал, не спорил. Зачем? Каждому не объяснишь. К тому же, чтобы полюбить какое-либо искусство, необходимо с ним познакомиться, хорошо его знать, понимать его азбуку, его язык. И уж потом – любить или отрицать. А сосед-физик отрицал то, чего совсем не знал.
А вот Анатолий Васильевич Луначарский, выступая еще в 1918 году на открытии Института живого слова (возникло тогда в Петрограде такое учебное заведение), высказал мысли, прямо противоположные мнению упомянутого физика:
– ...Существуют люди, которые и воспринимать-то живой речи не умеют, которым для того, чтобы сосредоточиться, необходимо взять книгу в руки, сесть где-нибудь и угол в кресло... Я знаю, что это прекрасно, я и не думаю воспретить читать киши... но это не есть живое, настоящее искусство. Это, в сущности, подобно тому, как если бы композиторы писали ноты, а мы читали бы их каждый у себя. Для чего тогда давать концерты?.. Если бы сказать об этом музыканту, он пришел бы в ужас!..
По-моему, – продолжал Луначарский, человек, который, взяв книгу, читает ее про себя и не знает, что такое художественное чтение, потому что его не слыхал или им не интересуется, а сам воспроизвести его не может, – этот человек, в сущности говоря, неграмотный в деле художественной речи. И он не может знать Пушкина, потому что настоящим образом не может читать Пушкина... Каждое стихотворение может быть исполнено на сто различных ладов и быть при этом сто раз художественным произведением...
Видите, совсем противоположный взгляд на искусство художественного слова. И конечно, совершенно верный.
Кстати, о Пушкине.
Я принадлежу к тому подавляющему большинству людей, которые живут в вечном плену пушкинского гения, обаяния его поэзии. Читаю и перечитываю Пушкина постоянно. Но однажды пришел на литературный вечер, где произведения великого поэта читал артист театра и мастер художественного слова Сергей Юрский (р. 1935). И произошло удивительное: слушая некоторые стихи и поэмы, я будто слышал их впервые, впервые поняли их сокровенный смысл! И чуда тут никакого нет, стоит конечно, не забывать, что всякое искусство – чудо. Звучащее слово, действительно, способно раскрыть такие глубины литературного текста и мыслей писателя, какие обычно не улавливаются при чтении глазами. Спорить с этим фактом не приходится.
 
Сергей Юрьевич Юрский – советский и российский актёр театра и кино, театральный режиссёр, кинорежиссёр, сценарист, народный артист РСФРС. Один из наиболее интересных исполнителей произведений классической и современной прозы и поэзии на литературной эстраде.

А дело в том, что в настоящем, высоком произведении литературы кроме текста есть еще и подтекст. Что это значит?
Представим себе литературного героя, который говорит: «Погода сегодня ужасная. И обед невкусный. И в театр вечером я не пойду – наверняка пьеса пустая и глупая. Идите сами...»
Это – текст. А возможный подтекст здесь такой: «У меня плохое настроение, да еще зуб болит, оставьте меня в покое, видеть вас не хочу!.. «
Это, конечно, простой пример. Подтекст бывает и неизмеримо сложнее. У Радия Погодина (1925-1993) есть повесть и пьеса, написанные в середине 1960-х под названием «Трень-брень» («История в восьми картинах с прологом и эпилогом, но без начала и без конца»), которую первым поставил Ленинградский ТЮЗ. В ней рассказывается история девочки Оли. Она была рыжей, и поэтому все над ней смеялись. Она из-за этого даже утопиться хотела.
Подумаешь, у какой-то девчонки рыжие волосы! Эка невидаль! Чего об этом книжки писать и спектакли ставить!.. Но дело в том, что у писателя есть и очень важный подтекст. Он вот в чем: не торопись смеяться над человеком, если он не такой, как ты. Он действительно не такой, как ты, но, может быть, не хуже тебя, а даже лучше. Может, он умнее. Или талантливее. Или удачливее. Или красивее. Но за это его ненавидеть и преследовать не надо. Как видите, мысль очень важная и серьезная.
Между прочим, похожий подтекст содержался и в кинофильме «Чучело» (1982).
Услышать подтекст в прозе и поэзии помогает мастерство чтеца.
Станиславский говорил: «В театр я хожу ради подтекста. Текст я могу прочитать и дома». Эта важнейшая мысль в большой мере относится и к искусству художественного чтения. Она составляет важную главу и в азбуке искусства.
У искусства чтеца есть еще одна особенность и привлекательная черта. Вынося произведение на литературную, концертную эстраду, артист-чтец переплавляет его своим талантом, своим мастерством, своим отношением к героям повествования: их можно, к примеру, осуждать или одобрять, можно внушить слушателям любовь к ним, а можно и неприязнь. Все зависит от решения режиссера и исполнителя. И тогда сценическое произведение обогащается личным обаянием артиста, зрелостью его личности, добротой сердца, блеском его ума.
Ну, а простое чтение наизусть с эстрады стихов или прозы, пусть и «с выражением», искусством не становится...
Интересно напомнить: искусство художественного слова родилось и расцвело именно в СССР стране. В Европе и Америке с ним почти незнакомы.
А создателями этого искусства, первыми крупнейшими его мастерами были два выдающихся артиста: Александр Яковлевич Закушняк (1879 – 1930) и Владимир Николаевич Яхонтов (1899 – 1945).
Надо еще вспомнить Дмитрия Николаевича Журавлёва (1900 — 1991) мастера художественного слова (чтеца).
Ш
ШАБЛОН
Шаблон (нем. – образец) – по которому изготавливаются однородные изделия, однообразие. В искусстве зрелищ существует понятие “шаблон мысли”. Означает банальность, стереотипность, штамп, похожесть.
ШАНСОНЬЕ
Шансонье (франц. chansonier, от chanson – песня) – французский эстрадный певец, исполнитель характерных лирических и сатирических песенок в жанре chanson, восходящем к творчеству средневековых французских менестрелей.
На рубеже 18-19 вв. революционного подъём народа вызвал развитие искусства шансонье, которые откликались в своих песнях на злободневные события. Шансонье часто приспосабливали новые тексты к уже существующим мелодиям. В конце 19 в. шансонье стали называть профессиональных артистов эстрады (Г. Монтегюс, А. Брюан и др.). Среди шансонье 20-го века – Ш. Трене, Ив Монтан, Ш. Азнавур и др. Искусство французского шансонье оказало влияние на развитие вокальных жанров современного эстрадного музыкального искусства европейских стран и СССР (Л. О. Утёсов и др.).
ШАРЖ
Шарж (фр. – тяжесть) – шуточное или сатирическое изображение, в котором соблюдается внешнее сходства с объектом, но умышленно изменены и подчеркнуты наиболее характерные черты изображаемого. Изображение чего-либо в подчеркнуто искаженном, карикатурном виде.
ШЕДЕВР
Шедевр (франц. chef-d'oeuvre) -
1) образцовое изделие, которое во многих средневековых цехах необходимо было изготовить ремесленнику, стремящемуся стать мастером, для доказательства его профессионального мастерства.
2) Образцовое произведение – высшее достижение искусства, мастерства.
ШИРМА
Ширма (нем. – защищать, заслонять) – то, что загораживает. Используется в театре как система специальных ширм для организации на сцене композиции любой формы и любого размера.
Занавес, за которым скрывается кукольник, работающий с верховой куклой (см. «Верховая кукла»), сама кукла действует над занавесом – кажется, будто она движется без участия человека.
В начале XVII века ширмой служила остроумная «конструкция», которая выглядела так: «…впереди мужик в женской юбке с обручем на подоле, он поднял ее (юбку) кверху и, закрывшись таким образом, может спокойно двигать руками, поднимать кукол наверх и представлять целые комедии…» Такая конструкция ширмы была удобна актеру и позволяла – в случае необходимости – быстро «раствориться» в рыночной толпе при появлении блюстителей порядка.
 Были и другие виды ширм: «На двух палках развешивалась простыня из крашенины, и из-за этой простыни кукольник показывал свой спектакль». Были и более сложные конструкции, когда кукольник показывал спектакль из-за ширмы, образующей четырехгранный столб, внутри которого помещался ящик с куклами.
В XX веке ширма еще более усовершенствовалась. Теперь по желанию художника и режиссера она может быть любой конфигурации, из любого материала.
ШКОЛЬНАЯ ДРАМА
Школьная драма – вид драм. произв., предназначавшихся для исполнения в духовных учебных заведениях. Возник в странах Западной Европы в 15 в., в России в 17 в. с целью изучения латинского языка. Впоследствии школьная драма стала разыгрываться на языках народов соответствующих стран. Имеется в виду не наша обычная школа, а воскресная школа при Храме или семинарии.
ШЛЯГЕР
Шля;гер (нем. Schlager — дословно: боевик (от нем. Schlag — удар); ходкий товар, гвоздь сезона, синоним песни-хита) — популярная на какой-то период времени, модная песня с запоминающейся мелодией (обычно эстрадной), а также сингл или вообще любое произведение различных жанров, пользующиеся особой популярностью.
ШОК
Шок (фр. – толчок, удар) – психологическое потрясение, испытываемое человеком от увиденного в жизни, на сцене, кино и т.д. Сильное эмоциональное воздействие. Приводить в смущение кого-либо своим поведением, несоблюдением общепринятых норм приличия.
ШОУ-БИЗНЕС
Шо;у-би;знес (англ. show business) — коммерческая деятельность в сфере индустрии развлечений. Бизнес, связанный с организацией эстрадных представлений, концертов, развлекательных программ.
Термин «шоу-бизнес» применяется:
к компаниям, занимающимся производством и распространением аудио– и видеопродукции;
к артистам и некоторым спортсменам;
к таким сферам развлечений, как кино, театр, музыка, телевидение и др., извлекающим, кроме всего прочего, финансовую выгоду из своей деятельности.
ШТАМП
Штамп (нем. – печать) – распространенное явление в искусстве, показатель нетворческое подхода к созданию художественного образа, заимствование. Раз и навсегда зафиксированная маска чувств, превращающаяся в механический актерский штамп.
ШУМОВОЕ ОФОРМЛЕНИЕ
Шумовое оформление спектакля (фильма) – воспроизведение на сцене (на студии) звуков окружающей жизни. Вместе с декорациями, бутафорией, освещением шумовое оформление составляет фон, помогающий актёрам и зрителям почувствовать себя в среде, соответствующей действию пьесы (фильма), создаёт нужное настроение, влияет на ритм и темп спектакля. Петардами, выстрелами, громыханием железного листа, стуком и звоном оружия за сценой сопровождались спектакли уже в 16-18 вв. Наличие звуковой аппаратуры в оборудовании русских театральных зданий (например, в Останкинском театре графа Шереметева обнаружен аппарат «громовой раскат») свидетельствует о том, что в России шумовое оформление пользовались уже в середине 18 в.
Современное шумовое оформление различается по характерам звуков:
• звуки природы (ветер, дождь, гроза, птицы и т. д.);
• производственные шумы (завод, стройка);
• транспортные шумы (телега, поезд, самолёт);
• батальные шумы (кавалерия, выстрелы, движение войск);
• бытовые шумы (часы, звон стекла, скрипы).
Шумовое оформление может быть натуралистическим, реалистическим, романтическим, фантастическим, абстрактно-условным, гротесковым – в зависимости от стиля и решения спектакля. Шумовым оформлением занимается звукооформитель или постановочная часть театра. Исполнителями являются обычно участники специальной шумовой бригады, в которую входят и актёры. Несложные звуковые эффекты могут выполнять рабочие сцены, реквизиторы и др. Аппаратура, используемая для шумового оформления в современном театре, состоит более чем из 100 приборов различных размеров, сложности и назначения. Эти приборы позволяют достигать ощущения большого пространства; с помощью звуковой перспективы создаётся иллюзия шума, приближающегося или удаляющегося поезда, самолёта и т. д. Современная радиотехника, особенно стереофонической аппаратура, даёт большие возможности для расширения художественного диапазона и качества шумового оформления, одновременно организационно и технически упрощает эту часть спектакля.
Шумовое оформление фильма осуществляется звукооператором в процессе его монтажа, поскольку звуки на съемочной площадке записать нельзя. Таким образом создается саундтрек.
ШУТКА
Шутка – насмешливое слово или действие, не преследующее цель обидеть, оскорбить или унизить человека, а, напротив, развеселить, позабавить его, отвлечь от плохого или чрезмерной задумчивости. Шутка – это беззлобное дурачество, добрый юмор. Однако, многое зависит от того, над кем шутят. Хорошо воспринимают шутки люди умные, тонкие, веселые. Так и говорится, что шутка хороша с умным человеком.
Э
ЭКЗЕРСИС
Экзерсис (фр. exercice – упражнение) – упражнение для развития, совершенствования техники исполнения (танца, музыки). Экзерсис – хореографические упражнения в установленной последовательности у опоры или на середине помещения.
ЭКСПРЕССИЯ
Экспрессия (англ. expression — выражение, напр. лица, глаз; изображение).
1. Любой внешний показ, демонстрация, имитация с помощью движений, поз и звуков.
2. Непосредственно наблюдаемые внешние сигналы и знаки, информирующие о внутреннем состоянии субъекта. Напр., эмоциональная Э. — сигналы и знаки (вербальные, жестовые, мимические), информирующие об эмоциональном состоянии субъекта; речевая Э. — способность речи выражать психическое состояние говорящего (в т. ч. эмоциональное).
ЭКРАНИЗАЦИЯ
Экранизация — истолкование средствами кинематографического языка произведений литературы — прозы, драматургии, поэзии. С первых же шагов кинематограф обратился к литературе как неисчерпаемому источнику сюжетов.
ЭКШЕН (ЭКШН)
Экшен (англ. action – действие) — фильм действия. Будоражащая динамика, эффектные сцены погонь, перестрелок, почти детективные загадки — вот ингредиенты этого варева. Рваный монтаж и обилие ракурсов должны подчеркивать напряжённую атмосферу сюжета и стремительное развитие событий. Экшен-фильмы часто обладают высоким бюджетом, изобилуют каскадерскими трюками и спецэффектами. На практике это тоже самое, что и боевик.
ЭЛЕВАЦИЯ
Элевация (от франц. elevation – подъем, возвышение) – природная способность танцовщика выполнять высокие прыжки с перемещением в пространстве (пролетом) и фиксацией в воздухе той или иной позы. Способность спортсмена показать максимальную фазу полета в прыжке.
ЭПАТАЖ
Эпатаж (фр. – выходка) – необычное поведение, скандальная выходка, нарушение общепринятых правил поведения. Прием в шоу-бизнесе с целью привлечения внимания зрителей.
ЭПИЗОД
Эпизод (греч. epeisodion — вставка) — часть кинопроизведения, состоящая из одной или нескольких сцен, объединенных общей темой и общим драматическим конфликтом, и обладающая относительной завершенностью и самостоятельностью по отношению к фильму в целом. Главные отличительные особенности эпизода — смена отношений между действующими лицами, переход действия в новое качество, но новую ступень развития конфликта.
ЭПИЛОГ
Эпилог (гр. – послесловие) – особая, заключительная часть художественного произведения с кратким изложением дальнейшей истории его героев после изображаемых событий. Необходимое, по мнению автора (режиссера), добавление к завершенному произведению(представлению), послесловие для читателя или зрителя, в котором идея (сверхзадача) должна прозвучать “во весь голос”. Например: монолог актера (от имени автора), непосредственно обращенный к зрителю
ЭПОПЕЯ
Эпопея (гр. – творю) – ряд крупных событий, образующих одно целое. Сложная продолжительная история, складывающаяся из рядя крупных событий. Значительные исторические события (войны, революции).
ЭСКИЗЫ
Эскизы (фр. – предварительные наброски) – рисунки, на которых во всех подробностях изображено будущее оформление спектакля и костюмов.
ЭСТЕТИЧЕСКИЕ НОРМЫ
Эстетические нормы – нормы эстетики. Для каждого общества на каждом этапе развития характерны свои представления о прекрасном, которые могут меняться с течением времени. Эстетические нормы отражают принятые в обществе представления о безобразном и прекрасном. Эти нормы применяются не только в отношении искусства, но и всего, что производится человеком (техника, архитектура и так далее). Кроме того, они регулируют внешний вид человека и его поведение в быту. В частности, к эстетическим нормам относятся правила этикета и гигиены.
Отражением эстетических норм может быть рисунок, скульптура и тому подобное. Пример эстетической нормы — золотое сечение.
ЭСТРАДА
Эстрада (лат. – помост, фр. estrade, «подмостки, помост») – возвышение. Сценическая площадка для выступлений артистов, творческих коллективов.
Эстрада — вид зрелищного искусства, в котором короткие концертные номера одного или нескольких артистов (рассказчиков, певцов, куплетистов, танцоров, акробатов, фокусников и др.) составляют целостную программу, рассчитанную, как правило, на массовое восприятие. Разделяют: театральную эстраду, где артист работает «живьем», на сцене. И отдельно выделяют эстраду в форме кино, клипа, ролика и в виде постановки шоу на телевидении.
Эстрада многолика и разнообразна. Разнообразно и зрительское восприятие этого искусства. Для одних эстрада — это Раймонд Паулс или Иосиф Кобзон, для других — рок-группа «Аквариум», для третьих — Михаил Жванецкий, для четвертых — «Лицедеи» Вячеслава Полунина или исполнители брейк–данса. Различны и формы существования этого искусства: концерт в кафе, ресторане, клубе, киноконцертном зале, студенческий капустник в актовом зале института, театрализованная программа на стадионе или во Дворце спорта, спектакль Театра миниатюр, представление в Театре эстрады, сольный концерт и т. д. И в каждом случае состав аудитории, ее численность определяют особенности живого эстрадного действия.
Но бывают и видеоклипы, радио– и телепередачи.
Корни эстрады уходят в далекое прошлое, прослеживаются в искусстве античности — Египта, Греции, Рима, ее элементы есть в представлениях странствующих комедиантов — скоморохов, шпильманов, жонглеров, франтов и др. Однако в современных формах искусство эстрады складывалось в Западной Европе на протяжении XIX в. Так, посетителей парижских кафе развлекали музыканты, певцы, куплетисты, в репертуаре которых встречались вещи острые и злободневные. Успех таких кафе вызвал появление более крупных зрелищных предприятий — кафе-концертов («Амбассадор», «Эльдорадо» и др.). В Англии при постоялых дворах (гостиницах) возникли музыкальные залы — мюзик-холлы, где исполнялись танцы, комические песни, цирковые номера; первым считается «Стар мюзик-холл», основанный в 1832 г.
По типу лондонского мюзик-холла «Альгамбра» в 1869 г. в Париже открылся «Фоли Бержер», а через два десятилетия — «Мулен Руж», получивший название «варьете-зал» (от французского variete — разнообразие). Постепенно слово «варьете» стали применять не только к конкретным театрам, но и к целому искусству, состоящему из разнообразных жанров, из которых в конечном счете создается целостное представление.
В 1881 г. в Париже открылось артистическое кабаре (от французского cabaret — кабачок) «Шануар» («Черный кот»), где собирались молодые художники, актеры, литераторы. Здесь нередко затрагивались острые социальные и политические проблемы.
ЭСТРАДНОЕ ИСКУССТВО
Эстрадное искусство – вид сценического искусства, объединяющий малые формы драматического, вокального искусства, музыки, хореографии, цирка. Концертно-зрелищные выступления.
Основа эстрадного искусства — номер, короткое по времени, законченное по форме выступление (одного или нескольких артистов) со своей драматургией, в котором, как и в большом спектакле, должны быть экспозиция, кульминация и развязка. Короткометражность предполагает предельную концентрированность выразительных средств. Поэтому на эстраде широко используется гипербола, гротеск, буффонада, эксцентрика; отсюда и яркость, преувеличенность деталей, мгновенность актерского перевоплощения. Номер сохраняет свое значение и в эстрадном спектакле  (шоу, ревю и др.), созданном на основе пьесы (обозрения). В таком спектакле номера объединяются фигурой обозревателя либо несложным сюжетом.
В любом виде сценического искусства — драме, опере, балете — артист является одной из главных фигур. На эстраде же он фигура поистине центральная. Независимо от того, кем написан текст фельетона, монолога, куплета, эстрадный артист обращается к зрителю, чтобы поделиться своими мыслями, настроениями, чувствами. Вокальные номера лучших эстрадных певцов — всегда маленькие новеллы, ярко раскрывающие личность исполнителя.
Выступающие на эстраде артисты широко используют так называемую маску, определенный образ, отличающийся постоянством не только внешнего облика, но и свойств характера, биографии. Этот образ, рожденный художественным воображением, может не иметь ничего общего с личностью самого артиста.
Часто, однако, маска эстрадного артиста становится как бы концентрированным выражением его собственной личности. Но за какой бы маской ни скрывался артист, он обращается непосредственно к зрителям, стремится включить их в действие, сделать своими «собеседниками».
Любите ли вы эстраду?
Планета еще не знала, что первый ее сын, первый землянин собирается в космос. Над Байконуром цвела весна 1961 года. Юрий Гагарин уже находился в корабле.
Павел Попович – тогда еще не космонавт, а только член отряда космонавтов – сказал Гагарину по радио, что объявлена часовая готовность. Всего час оставался до исторического мгновения. Как он тянулся для всех, кто ждал старта!
Поповичу показалось, что другу там, в корабле, одиноко, тревожно и грустно. И он, взяв микрофон, спросил: Юра, ну как ты там? Не скучаешь?
– Если есть музыка, можно немножко пустить, – ответил Гагарин.
Пошла команда:
– Станция... Дайте ему музыку, дайте ему музыку!.. Ну как, есть музыка? – спросил через минуту
Попович.
– Дали про любовь. Слушаю Леонида Утесова...
Эстрадное искусство провожало землянина в первый космический рейс.
Леонид Осипович Утесов (1895 –1982) – легендарный артист советской эстрады. Все очень любили его искусство. А во время Великой Отечественной войны появился даже... остров Утесова! Не ищите его на географических картах. Так назвали моряки клочок земли в районе реки Свири, на севере Ленинградской области. И самоотверженно защищали его.
Когда-то в эстрадном представлении можно было увидеть силачей, фокусников, дрессированных и «ученых» собачек, чревовещателей. Вы скажете: ведь все эти номера больше подходят для цирка! Да, сегодня это так. Но в прошлом столетии главными «артистами» цирка были лошади. А на эстраде сверкала и шумела вереница самых невероятных номеров. Артисты состязались не столько в мастерстве, сколько в том, чтобы как можно больше удивить почтеннейшую публику, вызвать острый интерес и жгучее любопытство к представлению у тех, кто на нем еще не побывал.
Сейчас другие времена. «Королевой» эстрады стала песня. Каждая эпоха рождает и возводит на пьедесталы своих кумиров, в том числе и эстрадных. В свое время здесь блистали уже названный мною Леонид Осипович Утесов, Клавдия Ивановна Шульженко, Алла Пугачева: ею были покорены слушатели многих стран мира. И композиторы, чья музыка стала одной из примет эстрады второй половины 20-го века: Василий Соловьев-Седой, Матвей Блантер, Аркадий Островский, Валерий Гаврилин, Арно Бабаджанян, Никита Богословский, Юрий Саульский, Раймонд Паулс, Марк Фрадкин, Давид Тухманов...
Однако важнейшим видом эстрадного искусства всегда было, остается и должно оставаться слово, как говорят специалисты – речевой жанр. Здесь первым и главным следует назвать Аркадия Райкина (1911 –1987). А начинал Райкин свою работу на эстраде в качестве конферансье.
 
Этого актера знали и любили миллионы зрителей. Выдающийся советский актёр театра, эстрады, кино, конферансье, театральный режиссёр, юморист. Герой Социалистического Труда, народный артист СССР Аркадий Исаакович Райкин

Есть такая шутка. Каким должен быть человек, желающий стать конферансье? Он должен обладать многими качествами: умом, остроумием, находчивостью, смелостью, изяществом, быть в высшей степени образованным и культурным человеком. Но если у человека есть все эти достоинства, тогда зачем ему идти в конферансье?!. Райкина эта шутливая мысль не смутила.
На одном из первых в своей жизни концертов, когда предстояло конферировать и вести программу, Райкин вышел на сцену... с патефоном (вы, может быть, уже не знакомы с этим аппаратом; придя на смену старику граммофону, патефон многие годы, даже десятилетия был единственным звуковоспроизводящим устройством, имелся почти в каждом доме, именно на его диске крутились пластинки тридцатых, сороковых, пятидесятых годов).
Райкин поставил патефон на стул посреди сцены и начал... разговаривать с ним. Крутилась пластинка. Артист, обращаясь к патефону, задавал ему какие-то вопросы, а в ответ раздавался... его же голос, записанный на пластинку.
Зрители полюбили молодого конферансье.
Но Райкин не захотел ограничиться этой ролью. Однажды в концерте для детей он вышел на эстраду и прочел маленький рассказ под названием «Мишка». Сюжет его таков. Мальчик получил от своего дяди-полярника необычный подарок – живого белого медвежонка, и тот вскоре стал членом семьи. Постепенно он вырос и превратился в огромного зверя. И вот однажды бабушка, придя домой, замерла на пороге: на шкафу, поджав ноги, сидел незнакомый гражданин, дрожа от страха. А посреди комнаты стоял медведь и не спускал с человека на шкафу упорного, внимательного взгляда. Незваный гость оказался квартирным вором.
Дети принимали рассказ восторженно. А Райкин не просто читал его, а попутно показывал, как этот номер объявили бы в качестве конферансье люди разных профессий: докладчик-пустослов, ученый-пушкинист, цирковой шпрехшталмейстер (так раньше называли в цирке инспектора манежа, артиста, объявляющего номера и руководящего программой).
Так рождались знаменитые райкинские маски, искусство моментального перевоплощения, трансформации. Артист умел менять внешний облик и внутренний характер своих многочисленных персонажей в считанные секунды. Такие трансформации позволили артисту вывести на эстрадные подмостки сотни различных фигур, показать многих хороших и дурных людей. К одним артист вызывал сочувствие, любовь, уважение, к другим – насмешливое, презрительное отношение, к третьим – чувства гнева и протеста.
На лондонской телевизионной студии готовились показать пять больших программ, посвященных искусству советского артиста эстрады Аркадия Райкина. Играть свои монологи и сценки на чужом языке и притом сохранить блеск и мастерство исполнения – дело нелегкое. И все же, гастролируя за рубежом, Райкин всегда исполнял свои программы на языке страны.
На этот раз произошло непредвиденное. В самый последний момент перед выступлением британские телевизионные деятели попросили некоторые сценки из программы убрать. Артист удивился: в чем дело? Ему объяснили.
– Мистер Райкин, мы поняли ваш коварный замысел. Вот вы хотите показать бюрократа, а ведь всем известно, что настоящий бюрократ родился в Англии. Или, например, вы собираетесь в одном из номеров осудить взятку. А у нас она нередко считается вполне допустимым бизнесом. И об этом принято молчать. Возникает вопрос: чья мораль выше? Ваша или наша? Вероятно, ваша, мистер Райкин. Но зачем же нам подрывать наши собственные нравственные устои, свою мораль?! А вашу хитрость дать действующим лицам для отвода глаз русские имена мы, конечно, раскусили...
Сначала артист рассердился на британских телевизионщиков. А потом подумал: «Как хорошо, что в нашей стране никто и никогда не посмеет защищать взятку и подкуп как «вполне допустимый бизнес»! Какое счастье, что никто не считает бюрократа в нашей стране законной фигурой! И как важно, что советский артист может сражаться с этими пороками средствами сатиры!»
Сатира – одна из черт и достоинств эстрады. Ее острое и смелое оружие.
Известный польский писатель-сатирик Станислав Ежи Лец, сказал: «Ни на одних часах стрелки не указывают, как жить». Указывать, как жить, – обязанность не часов, а художников.
Юмористические и сатирические спектакли народного артиста СССР Героя Социалистического Труда А. И. Райкина, отвергая зло, учили добру, чести и честности, неравнодушию и милосердию, – это старое русское слово сейчас снова пошло в обиход. Оно хранит свой высокий смысл.
Те же уроки добра и чести преподносят нам тысячи артистов российской эстрады – театра, горячо и преданно любимого каждым.
ЭСТРАДНЫЙ ВОКАЛ (ЭСТРАДНОЕ ПЕНИЕ)
Эстрадный вокал (фр. estrade, «подмостки, помост») – это особенный вид вокального искусства, который напрямую связан с эстрадой.
Под эстрадным вокалом подразумевается вокальная техника, искусство, представляющее собой синтез разных направлений. Эстрадный вокал – это сочетание народного вокала и классического с применением специальных вокальных приемов, таких как: хрип, сип, мелизмы, подъезды, заглубления.
В эстрадном вокале передаются эмоции. Эстрадный вокал открыт для слушателя: он более приближен к разговорной речи и направлен на выражение человеческих эмоций. То есть с эмоциональной точки зрения здесь все сложнее, чем в академическом вокале. И чем в обычной актерской работе на сцене и в кино.
Особенностью эстрадного вокала является его более доступная для восприятия форма и манера исполнения. Тексты зачастую характеризуются светским содержанием и простой повторной формой.
Эстрадное выступление может представлять собой сольное или групповое хоровое пение.
Исторически так сложилось, что эстрадный вокал произошел от слияния классического и народного пения. 100 лет назад эстрада была очень приближена к классическому вокалу. Эстрадное направление развивалось параллельно с академическим как объект массовой культуры, самое распространенное и востребованное среди населения.
Эстрадная манера пения имеет ряд особенностей, среди которых можно отметить следующие:
; отсутствие строгих правил, объединение разных вокальных техник в рамках одного жанра;
; поиск уникальной манеры исполнения, внимание к индивидуальности исполнителя;
; простота формы музыкального произведения, запоминающийся мотив, ориентация на широкую аудиторию;
; пение, схожее с разговорной речью, исполнитель не выпивает, а проговаривает слова.
В эстрадном вокале нет канонов и жёстких технических рамок, правил постановки голоса. Эстрадный вокал является как бы симбиозом разных вокальных жанров: в эстрадном вокале можно найти черты разных музыкальных вокальных жанров (хотя распевки для эстрадного вокала абсолютно ничем не отличаются от распевок классических певцов). Здесь нет никаких ограничений. В эстрадном вокале, исполнитель должен сам найти свою индивидуальную манеру, найти «свой» голос и свою подачу материала. Эстрадный артист должен обнаружить нечто уникальное в своём исполнении, чтобы быть интересным и оригинальным для слушателей.
Эстрадный вокал (эстрадное пение) как направление возник с появлением городской культуры. В средние века это были мотеты, кантаты, позже – романсы. Отличала их простая повторная форма (чаще куплетная), светское содержание текстов (не духовной тематики) и доступная манера исполнения.
Эстрадная песня имеет простую музыкальную форму, чаще всего куплетную. Запоминающаяся форма и часто повторяющийся мотив легко и просто воспринимаются на слух и имеют большую популярность у широких аудиторий слушателей.
Эта манера пения основана в большей степени на разговорной речи, без выпевания всех слов, как это принято в академическом пении. Особенности эстрадного пения состоят в том, что вибрации голоса ощущаются не фиксировано, а в грудной клетке и носоглотке исполнителя. Мышцы, задействованные в исполнении, подталкивают воздух, а не полностью преобразуют его в звук. Многообразие положений гортани в сочетании с различными техниками в эстрадном вокале породило огромное количество стилей: поп, рок, рэп, хип-хоп, регги, шансон, электро, кантри, дарквэйв, латино и другие.
А как же рок? Это новый виток в развитии музыки. Рок произошел от джаза и блюза. Сначала был рок-н-ролл, потом рок-блюз и дальше рок. Рок-вокал – это сочетание джазового и рокен-рольного звучания с добавлением расщепления. То есть, пение с хрипотцой.
Особенность современной эстрады в том, что она сочетает в себе и рок, и соул, и джаз и блюз.
Виды эстрадных вокальных композиций:
; джазовое исполнение;
; современная интерпретация народных композиций;
; произведения рок-исполнителей и шансонье;
; авторские, бардовские песни.
ЭСТРАДНЫЙ ТАНЕЦ
Эстрадный танец – это вид сценического танца, небольшая хореографическая сценка, предназначенная для эстрадного исполнения (обычно в концерте).
Эстрадный танец всегда был одним из главных компонентов концертных программ и конкурсов, поэтому с момента возникновения эстрадное танцевальное искусство находилось в центре внимания ведущих деятелей культуры и искусства.
ЭТЮД
Чтобы вполне осмыслить это понятие, надо сопоставить разные употребления слова «этюд»: в живописи — наброски будущей картины или ее части; в музыке — пьеса для развития мастерства исполнителя; в шахматах — задание выиграть или сделать ничью при данной позиции с ограниченным числом фигур; в театре — сценка, включающая в себя импровизацию, т. е. сочинение в момент исполнения.
Этюд (фр. – изучение) – вид упражнения, способствующий развитию творческих и профессиональных навыков актера. Прием в театральной педагогике, представляющий собой комплекс упражнений, служащих для развития и совершенствования актерской техники. Состоит из различных сценических действий, импровизированных или заранее разработанных преподавателем. Миниатюрная постановка, которая может стать предпосылкой для создания крупного произведения. (Этюды на органическое молчание, этюды на П. Ф. Д. и т. п.)
На этюдах строится программа воспитания актера по системе К. С. Станиславского, особенно на начальной стадии. Студенты самостоятельно придумывают сценку с определенным сюжетом и выполняют ее на учебной сцене. Педагог и не участвующие в этюде студенты становятся зрителями этюда, а по окончании — критиками его; участники этюда не высказываются, так как оценка работы на сцене может быть дана только со стороны.
В первых этюдах осваиваются такие элементы мастерства актера, как публичное одиночество (умение правдиво и свободно действовать), отношение (способность на сцене вымыслом воображения как бы изменять предмет: отнестись к стулу, как к памятнику, выставочному стенду, колодцу и т. д.), действия с воображаемыми предметами (умение физически логично и точно действовать, пользуясь воображаемыми предметами, ощущая их объем, вес, фактуру). Этюды на органическое молчание учат будущего актера взаимодействовать в условиях, когда невозможно или нет необходимости разговаривать (например, через толстое стекло или в обстоятельствах ссоры). И наконец, этюды на словесное общение.
Эти разделы школы объединяются понятием «Я» в предлагаемых обстоятельствах и в основном составляют программу I курса театрального института. За исключением действий с воображаемыми предметами, требующих длительной отработки, этюды на одного человека делаются без подготовки; этюды на двух и более человек также могут выполняться без репетиций, но исполнители оговаривают между собой предварительные обстоятельства и взаимоотношения. По заданию педагога этюд отрабатывается для повторного показа на уроке или экзамене, но и в этом случае важнейшим условием остается импровизация поведения и текста.
Режиссерские этюды — это тоже импровизированные сценки, которые по заданию педагога выстраивает будущий режиссер, обучаясь искусству завязывать сценический конфликт, находя для этого убедительную и выразительную форму. Постигая искусство мизансцены, начинающий режиссер учится организовывать свои композиции в статике (в виде «стоп-кадра») и в движении.
Некоторые режиссеры пользуются этюдом как методом репетирования спектакля: после прочтения пьесы не продолжают работу за столом, но и не переходят к мизансценам, а, выяснив обстоятельства, конфликт, основные события эпизода, предлагают актерам импровизировать в сюжете пьесы своими словами (метод действенного анализа). Такой метод оправдывает себя, если помимо анализа режиссер в совершенстве владеет и синтезом, т. е. умеет выстроить четкий режиссерский рисунок, привести все компоненты сценического зрелища к единому целому по стилю, жанру, смысловому решению. Метод действенного анализа дает успешные результаты при особо высокой режиссерской культуре и предполагает скрупулезную работу режиссера перед каждой репетицией и предельное его внимание к авторскому тексту.
ЭФФЕКТ
Эффект (лат. – действие, результат) – средство создания сильного впечатления (фейерверк, световые, шумовые эффекты в театре и на эстраде).
ЭФФЕКТЫ СЦЕНИЧЕСКИЕ
Сценические эффекты производятся при помощи специальных приборов и приспособлений. Их цель — создать слуховую или зрительную иллюзию, необходимую по ходу спектакля, произвести на зрителя определенное эмоциональное впечатление. Они использовались еще в античном театре, а в средние века в театрах работали специальные «мастера чудес» (см. Средневековый театр).
Сценические эффекты делятся на шумовые, механические и световые. Деление это условно, так как зачастую для достижения необходимой иллюзии приходится сочетать два, а то и все три их вида.
Шумовые (или звуковые) эффекты производятся за кулисами с помощью простых приспособлений, которые известны в театрах с незапамятных времен. Набор необходимых приборов, имитирующих наиболее часто встречающиеся в пьесах шумы, до недавнего времени имел каждый профессиональный театр. Так, чтобы изобразить дождь, используют вращающийся на горизонтальной оси барабан, в котором перекатывается обыкновенный горох; в зависимости от скорости вращения дождь утихает или припускает сильным ливнем. Гром очень эффектно производится железным листом, подвешенным на раме (или набором из 2—3 листов разного размера и разного звучания). Цоканье подков имитируется постукиванием определенным образом деревянными коробками без крышек друг о друга.
Шумовое оформление очень важно для создания на сцене определенной атмосферы. Хорошо продуманный и точно выполненный звуковой эффект может стать ярким художественным компонентом спектакля. В постановочной части Московского Художественного театра звуку в спектаклях уделялось большое внимание и в свое время было изобретено немало оригинальных шумовых приборов. Когда в четвертом действии пьесы «Три сестры» А. П. Чехова за сценой кричали пролетающие журавли, это производило на зрителей сильное впечатление, создавалась живая атмосфера грустного осеннего дня.
Сейчас шумовые приборы обнаружить в театрах трудно, их заменили магнитофоны, стереофонические акустические системы и наборы пластинок с записанными на них всевозможными шумами и звуками.
Механические эффекты связаны со сложным передвижением артистов по сцене (полеты, провалы) и с движением самой декорации (лодка, корабль, вагон поезда, мельница и т. д.). На хорошо оборудованной современной сцене предусмотрен ряд стационарных приспособлений для производства механических эффектов. Для «провала» актера под землю в планшете сцены сделаны опускные люки (см. Техника сцены). Из такого люка может появиться Мефистофель, вырасти на глазах у зрителя дерево или огром
Ю
ЮМОР
Юмор (англ. humor – причуда, настроение, нрав; лат. humor – 1) влага {вода, вино, молоко, роса, слюна, слезы и т.п.}; 2) питательный сок растений) – добродушно-насмешливое отношение к чему-либо, выраженное специфическим словом или действием, изображение недостатков и слабостей людей в комическом, смешном виде. Умение подмечать и выставлять на смех забавное и несуразное в жизни.
Юмор – добрый, весёлый смех. Юмор – дружеский смех, беззлобный, хотя и не беззубый. Это вид комического, возникающего при сочетании серьезного и смешного. Он способствует раскрытию добрых человеческих качеств, скрытых внешне. Юмор помогает в недостатках увидеть достоинства.
Юмор – это изображение героев в смешном виде. Смех веселый, добрый.

 
Петросян, Евгений Ваганович (р. 1945) – советский и российский писатель-юморист, артист разговорного жанра и телеведущий, Народный артист РСФСР


ЮМОРЕСКА
Юмореска (нем. – юмор) – небольшое художественное произведение (рассказ, сценка) юмористического характера.
;
ПИСЬМО К ЧИТАТЕЛЯМ
Дорогие друзья!
Вот и закончены наши короткие рассказы о театре и кино. Мы писали их в надежде, что вы полюбите театр, оперу, балет как уже любите кино и мультфильмы, увлечетесь ими. И что «Азбука театра и кино» поможет вам хоть немного в будущей жизни.
С появлением кинематографа, а потом и телевидения, стали раздаваться голоса, пророчившие театру конец. Некоторые люди опасались, что театр не выдержит конкуренции белого и голубого экранов. «Дома-то ведь удобнее сидеть и смотреть телевизионный спектакль, чем ехать в театр!.. – говорили они. – А кино вообще более массовое искусство. Один и тот же фильм в большом городе могут в течение дня посмотреть сотни тысяч людей!»
Опасения эти оправдались только частично. «Конкуренции» не выдержал плохой театр, слабые, неталантливые спектакли. На них действительно стали ходить меньше. Но глубокие, талантливые спектакли не только выдержали испытание новыми видами зрелищных искусств, но кое в чем даже победили их.
Победили – потому что театр даже в эпоху научно-технического прогресса остается чудом.
Кино повторимо. Сеансы начинаются утром и оканчиваются поздно вечером. И каждый раз, на каждом сеансе, в ту же самую минуту тот же самый герой входит все в ту же комнату и улыбается все той же улыбкой. Точно такой же, как на предыдущем сеансе.
В истории советского киноискусства жила такая легенда (или быль?). Маленький мальчик ходил смотреть «Чапаева» сеанс за сеансом, много раз подряд. На вопрос билетерши, зачем он это делает, мальчик ответил: «А вдруг он все-таки выплывет?» Юному зрителю хотелось, чтобы случилось чудо, чтобы Чапаеву удалось спастись...
В театре время начала чуда тоже известно: в 19.00 или в 19.30. И все же в эти минуты, когда меркнет в зале свет и, вздрогнув, раздвигается занавес, начинается единственный в своем роде неповторимый и прекрасный процесс творчества. На сцену выходят живые люди. Они вступают между собой в определенные отношения. Они волнуются, ссорятся, мирятся, любят, ненавидят, смеются и плачут. Иногда они просто пьют чай, говорил Чехов, а в эти минуты рушится их жизнь. И все это всегда происходит по-разному, по-новому. Потому что чувства и мысли, возникающие на сцене и в зале, рождаются всегда заново.
Когда я был подростком , мне показалась чудом залитая лунным светом сцена, хотя тогда, в театральной ложе, я даже не понял до конца, что там плыло в полумраке голубой бездны. Но и теперь я вхожу в театр, чтобы дождаться чуда, увидеть его. И бываю счастлив, когда оно происходит. Ради этого и существует театр. Ради того, чтобы мы, покидая театральный зал, становились честнее, благороднее, умнее, добрее.
В свое время великая российская литература возникла потому, что в России образовался Великий Читатель. Его глубокий, вдумчивый интерес к новой книге, к творчеству писателя, его горячее желание получить в книге ответы на многие острые вопросы жизни «подогревали» литературное творчество, вдохновляли его, побуждали писателей искать на эти вопросы ответы.
Все новые поколения Великих Читателей приходят в библиотеки и книжные магазины. Все новые поколения Великих Зрителей идут в театр и кино. И чем выше наши запросы к ним, чем глубже наш интерес к искусству, тем выше и глубже становится в ответ на это мир сценического искусства.
Именно от Вас в большой мере зависит, будет ли у нас в России Великий Театр и Великое Кино.
Давайте попробуем сделать это!
С уважением,
Ваши
Авторы.
;
Алянский Юрий Лазаревич, Сердюкова Ирина Дмитриевна
АЗБУКА ТЕАТРА, КИНО И ЭСТРАДЫ


Алянский Ю. Л., Сердюкова И. Д.
А 60   Азбука театра, кино и эстрады / Ю. Л. Алянский, И.Д. Сердюкова. – СПб.: «БКК», 2024. – 184 с.: фотоил.; 21 см. – (Под сенью дружных муз): электронное издание.
       ISBN 5-270-01708-3
       ISBN13: 978-5-270-01708-8
© Алянский Ю., Сердюкова И. 2024
Подбор фотографий и рисунков Ю. Л. Алянского, И. Д. Сердюковой
Ответственный редактор О. В. Москалева
Художественный редактор И. Г. Траугот
Технический редактор Л. Б. Куприянова
Корректор И. И. Жукова
Издательство «Балтийская книжная компания»
196066, Санкт-Петербург, ул. Алтайская, д. 12, литер «А» Подписано в печать 26.01.2024. Формат 60x90/16 Доп. тираж 10000 экз. Печ. л. 7. Заказ 27181.
Отпечатано по технологии Ctp в ОАО «Первая Образцовая типография», обособленное подразделение «Печатный двор»
197110, Санкт-Петербург, Чкаловский пр., 15 Реализация:
Санкт-Петербург, ООО «Балтийская книжная компания»
(812) 373-10-29, e-mail: sales@baltbc.ru Москва,
ООО «А. В. К. — Тимошка», (495) 973-69-69, e-mail: novak@avktimoshka.ru
;
Несколько слов об авторах:

 
Писатель Юрий Алянский, 1973 год

Алянский Юрий Лазаревич (1921 – 2014) – писатель, член Союза писателей СССР, член Союза писателей Санкт-Петербурга, член Союза российских писателей, член Санкт-Петербургского союза журналистов, член Союза театральных деятелей Российской Федерации.
Он автор 35 книг и множества журнальных и газетных публикаций.

Сердюкова Ирина Дмитриевна — кандидат экономических наук, доцент. По второму образованию – она – дипломированный преподаватель высшей школы.
Своё место в музыкальном искусстве её повезло начать с индивидуальных занятий по классу фортепьяно с преподавателем Белгородского музыкального училища. Искусству вокала она училась в школьном хоре средней школы № 3 города Белгорода. Хор был знаменит тем, что не раз выигрывал вокальные турниры в Областном Дворце пионеров и школьников. В своё время она много ездила в пионерские лагеря Белгородской области, где развивала свои вокальные данные (в стиле фильма «Каникулы строго режима»). Что пригодилось в дальнейшей работе на должности старшей пионервожатой средней школы Фокинского города Брянска (образ Дмитрия Дюжева – разница только в цвете волос, поскольку по сценарию – он северный славянин, хотя на самом деле всё строго наоборот).
Своё непосредственное знакомство с бардовской песней она начала с 1984 года (год смерти поэта и композитора Юрия Визбора) в ходе подготовки к заключительному концерту после пешего похода по Карпатским горам на турбазе в городе Рахове, куда она попала по туристической путевке после того, как сдала Госэкзамены и защитила диплом в Московском отделении ВЗФЭИ (ныне он вошёл в состав Финансового университета при Правительстве Российской Федерации).
Свою постановку оригинального дикторского стиля воспроизведения текста получила в ходе двадцатилетней работы в качестве преподавателя высшей средней профессиональной школы. А переезд семьи в 1975 году в Брянск помог поближе познакомиться с театральным искусством, поскольку Столица СССР – Москва стала после этого физически намного ближе.
Непосредственное знакомство с театральным искусством Санкт-Петербурга начала с 1996 года, когда в период белых ночей, когда приезжала туда во время отпуска.
Она автор ряда научных и художественных произведений в прозе. В том числе и для детей.